Примеры дизайна в искусстве с авторами: 10 вдохновляющих примеров • Интерьер+Дизайн

Разница между искусством и дизайном / Хабр

Вопрос о том,

является весьма запутанным и неоднократно обсуждался в течении долгого времени.

Художники и дизайнеры создают визуальные композиции, используя при этом общую базу знаний, но их цели абсолютно разные.

Некоторые дизайнеры считают себя художниками, но лишь немногие художники считают себя дизайнерами.

Итак, в чем же заключается разница между искусством и дизайном? В данной статье мы рассмотрим и сравним некоторые основные принципы каждого из направлений.

Этот топик не является окончательным руководством, но, скорее, отправной точкой для обсуждений.

Как правило, процесс создания произведения искусства начинается с нуля, с пустого холста. Произведение искусства проистекает из представлений, мнений или ощущений, художника.

Художники создают произведение искусства, чтобы разделить свои чувства с остальными, позволяют зрителям учиться у него или вдохновляться им.

Наиболее известными (и успешными) произведениями искусства сегодня являются те, которые устанавливают самые сильные эмоциональные связи между художником и его аудиторией.

Напротив, когда дизайнер собирается создать что то, у него почти всегда есть отправная точка, будь то сообщение, изображение, идея или действие.

Работа дизайнера не состоит в изобретении чего то нового, а состоит в комбинировании чего то, для определенной цели.

Целью является мотивация аудитории делать что то: купить товар, воспользоваться услугой, посетить место, получить определенную информацию. Наиболее успешными являются те дизайны, которые эффективно передают идеи дизайнера и мотивируют потребителей выполнить какую нибудь задачу.

Еще одно различие между искусством и дизайном состоит в том,

.

Хотя художник выражает свою точку зрения или эмоции, это не означает, что точка зрения или эмоция имеет одно значение.

Произведение искусства воспринимается людьми по разному, потому что она по разному интерпретируется.

Картина Да Винчи “Мона Лиза”, была истолкована и обсуждалась в протяжении многих лет. Почему же она улыбается? По мнению ученых, это иллюзия, созданная вашим периферийным зрением. Романтики говорят, что она влюблена. Скептики говорят, что нет никаких причин и оснований ее улыбки. Никто из них не прав.

Дизайн же имеет противоположный смысл. Многие скажут, что если дизайн можно будет каким нибудь образом “толковать”, то дизайнер потерпел неудачу в своих целях.

Фундаментальной целью дизайна является передача идей дизайнера пользователю и его мотивация делать что то.

Если ваш дизайн передает идею отличную от той, что вы намеревались передать, и ваш пользователь делает какое нибудь действие исходя из этой полученной идеи, тогда дизайн не удался. При хорошем дизайне пользователю передается точные идеи дизайнера.

Для дальновидных современных энтузиастов искусства, работа Трейси Эмин (Tracey Emin) “Моя Кровать” (My Bed), которая была номинирована на премию “Turner Prize” в 1999-м году, может казаться верхом художественного выражения.
Для последователя более традиционного искусства, эта работа может оказаться оскорбительной. Это относится к нашей точки зрения насчет толкования, но вкус это больше то, что определенному человеку нравится и не нравится, чем то, какое сообщение он получает от произведения искусства.

Дизайн несет в себе элемент вкуса, но разница между хорошим и плохим дизайном во многом дело вкуса.

Хороший дизайн может все еще быть успешным, даже если он вам не по вкусу. Если он выполняет свою цель, понятен и мотивирует людей делать что-то, тогда хороший он или нет, это дело вкуса.

Мы могли бы обсудить данный конкретный вопрос, но надеюсь, что принцип ясен.

Как насчет способностей художника и дизайнера?

Чаще всего, у художника есть природные способности. Конечно, с самого раннего возраста, художник растет рисуя, занимается живописью, скульптурами и развивает свои способности.

Но истинная ценность художника заключается в его таланте (или врожденных способностях) с которым он родился. Хорошие художники, конечно же, имеют способности, но художественные навыки без таланта, пожалуй, бесполезны.

Однако, дизайн, это способность, которому учат и которому учатся. Вам не нужно быть великим художником, чтобы быть великим дизайнером; вам всего лишь нужно будет учиться хорошему дизайну.

Некоторые из самых уважаемых дизайнеров в мире известны своим минималистическим стилем. Они не используют много цветов или текстур, но они уделяют много внимания к размеру, позиционированию и расстояниям между элементами дизайна, чему можно научиться без врожденного таланта.

Это подпадает под действие второго пункта о толковании и понимании. Но если вы запомните только один пункт из этой статьи, то запоминайте именно этот пункт.

Много дизайнеров считают себя художниками, потому что они создают что то визуально привлекательное.

Но визуальная композиция призвана выполнить конкретную задачу, передать определенное сообщение. Вне зависимости от того насколько дизайн прекрасен, это не произведение искусства. Дизайн это форма общения, просто окошко, в котором содержится сообщение, информация.

Немногие художники называют себя дизайнерами, поскольку они, судя по всему, лучше понимают разницу. Художники не создают свои картины для продажи товара или продвижения услуги. Они создают ее исключительно для самовыражения, чтобы она могла быть просмотрена и оценена другими. Сообщение, если мы даже можем его так назвать, это не факт, а чувство.

В зависимости от того, как вы смотрите на это, разница между искусством и дизайном может быть четкой или туманной. Эти два понятия, безусловно, пересекаются, но искусство является более личным, вызывая сильную реакцию в тех, кто связан с ним.

Я оставляю вас с этой цитатой от Крейга Элимелиаха (Craig Elimeliah), кто освещал данную тему в своей фантастической статье для AIGA, который я обнаружил в ходе своих исследований для данной статьи.

“Я не претендую на должность эксперта, чтобы решить, что есть искусство и чем искусство не является, но я знаю, что если мы посмотрим на различия между искусством и дизайном, мы увидим очень четкую разделяющую линию между ними.

Инженер может создать красивый сайт, если дать ему точные координаты для вставки разных цветных пикселей, или же следуя определенным инструкциям; большинство из проектов дизайна имеют подробные инструкции и большинство дизайнов основаны на текущих тенденциях.

Художник, с другой стороны, никогда не может получать каких либо инструкций для создания нового хаотичного и уникального шедевра, потому что его эмоции и душа будут диктовать его рукам движения.

Арт-директор не будет кричать на художника из за того, что он создал что-то абсолютно уникальное, потому что это и делает художника художником, а не дизайнером.”

«Диалоги». Этническое направление в современном ювелирном искусстве

В ноябре 2019 года Российский этнографический музей совместно с медиа-холдингом «РЕСТЭК JUNWEX» планирует создание выставки, посвященной этнике в современном ювелирном дизайне.

Внимание! Приближается срок окончания приема заявок: 15 мая 2019!

Серьги «двойчата». Серебро, позолота, литье. Начало ХVII века. Экспонат из коллекции по культуре русского народа РЭМ.

Эскиз украшения. Тема: русские. Автор: Юрий Былков. 2019

Российский этнографический музей приглашает авторов ювелирных украшений – художников и дизайнеров принять участие в выставке, посвященной современному авторскому видению роли культурного наследия в области украшений. Проект важен для популяризации новейших явлений в ювелирной этнике, привлечения современных мастеров к традициям украшений разных народов. Это также позволит обосновать музейную оценку исторической значимости достижений современных ювелиров.

Концепция проекта

I. Прием заявок – до 15 мая 2019.
Необходимо прислать фото законченной работы или изображение того, что вы планируете сделать. В случае подачи эскиза приложите 3-4 фото работ, выполненных в любых стилях из вашего портфолио.
II. После одобрения эскиза необходимо прислать фото законченной работы.
III. Финальный просмотр и отбор работ состоится в Российском этнографическом музее (РЭМ) в начале июня 2019.
Отбор работ будет проводиться куратором совместно с экспертной комиссией. О дате будет объявлено дополнительно.

Важно

Все заявки присылайте на адрес: [email protected]

Куратор проекта – Анна Владимировна Ратникова, научный сотрудник ведущей категории Российского этнографического музея

Координатор по работе с авторами – Юрий Былков: [email protected]

Узнать больше о концепции выставки можно здесь

Фотографии предоставлены Российским этнографическим музеем.

Дизайн, красота, искусство

Совсем скоро на сайте издательства TATLIN откроется онлайн-библиотека изданий по архитектуре, искусству и дизайну ХХ века. В преддверии этого события мы публикуем фрагмент главы из книги «Эстетика техники», изданной в 1972 году под редакцией Н. Воронова и Я. Шестопала. 

На сегодняшний день дизайн связан главным образом с миром вещей и окружающей нас материальной культурой. Техническая эстетика, как наука о промышленном дизайне, изучает их не только с социологической, экономической, эргономической и других сторон, но и с позиций эстетических. Как связан дизайн с искусством, каково их взаимовлияние друг на друга? Как претворяются в промышленном дизайне такие категории искусства, как гармония, мера, прекрасное, или такие явления, как стиль, мода?..

В середине XX века на промышленный дизайн смотрели прежде всего как на художественное средство гармонизации предметного мира. Промышленный дизайн представлялся многим некоей современной разновидностью прикладного искусства или же современным этапом этого искусства. В свое время возник даже термин «промышленное искусство», которым обозначали круг предметов, прошедших дизайнерскую проработку и выполненных с помощью технических средств на фабриках или в мастерских. На эту точку зрения наталкивало и изучение зарубежной практики. В английском Дизайн-центре, например, демонстрируются не только приборы, машины, электробытовые товары, упаковка, но и индивидуальные произведения из керамики, стекла, текстиля, созданные художниками, которые тоже именуют себя дизайнерами. Указывают, кроме того, и на генетическую, методическую, профессиональную связь дизайна с искусством.

Дизайнерами становились многие художники. Не содержание, а форма предметов и поиски сочетания этих форм были преимущественной заботой нового искусства, начиная с Сезанна и его последователей и кончая современным поп-артом. Точно так же и в предметном мире дизайнеров очень долго интересовала лишь форма вещей, а для дизайнеров-стилистов забота о форме остается главной и по сей день.

Успешное творчество в области дизайна предметной среды, рекламы, визуальных коммуникаций на сегодня, да и на ближайшее обозримое будущее, невозможно без знания основных приемов, принципов, методов и средств искусства. Промышленный дизайн так же, как и прикладное искусство, несущее красоту в мир вещей, стремится сделать окружающий нас предметный мир не только удобным, но и красивым.

Чем же тогда действительно отличается промышленный дизайн от искусства? Не является ли он просто современной модификацией искусства или основным методом «художественного творчества в промышленности?»

Если говорить не о промышленном дизайне, а о дизайне в целом, то это явление несколько иного порядка, чем искусство. Искусство можно рассматривать как определенную конкретную область деятельности. Дизайн же возможен в любой области, в том числе и в искусстве. Дизайн, как мы уже говорили, — это особый метод, особый способ решения задач путем новой компоновки уже известных элементов. Следовательно, это скорое явление психологическое, это особая комбинаторская направленность мышления, а не область деятельности, как, скажем, промышленность, торговля, искусство.

Одна из важных задач искусства — достижение прекрасного, создание прекрасного; задача же промышленного дизайна — создание полезного, всеобще удобного. Здесь важно подчеркнуть именно эту всеобщность, комплексность удобства, то есть, с одной стороны, принцип массового удобства широких кругов пользователей, а с другой, принцип его разносторонности, то есть создание, допустим, машины, удобной не только для руки рабочего, но и для его тела, уха, глаза и т. д. Иначе говоря, создание машины легкой, красивой, компактной, бесшумной конструкции, позволяющей периодически менять рабочую позу, минимально утомляющей и т. д. Вот почему красота в промышленном дизайне выступает не как самоцель, а как некое «удобство для глаза», как одно из конкретных воплощений принципа всеобщности удобства.

Эта особая роль красоты как одного из элементов удобства существенным образом определяет характер категории прекрасного в дизайне. Прежде всего, поскольку достижение красоты здесь — не основная, а побочная, сопутствующая цель, эта красота имеет особое свойство, которое можно определить, как фоновость. 

Такая красота не лезет в глаза, не требует, чтобы ее специально и подолгу рассматривали. Это служебная, фоновая красота, обеспечивающая удобство и комфорт, помогающая ориентироваться, сосредоточить внимание на главном, снижающая утомление, подчеркивающая назначение предмета и способ обращения с ним. Эта красота — фон для основной функции предмета, вместе с тем, она — фон для человека, общающегося с предметом.

Служебность, неброскость подобной красоты связана еще с тем, что она, как правило, призвана удовлетворять эстетические вкусы максимально широких слоев населения, потому что большинство предметов индустрии, прошедших дизайнерскую проработку, — это предметы массового выпуска. А предмет массового выпуска должен удовлетворять вкусы и юноши, и старика, и мужчины, и женщины, и рабочего, и врача и т. д. В эстетическом отношении это обязательно должен быть предмет как бы на все вкусы. И здесь на дизайнера снова ложится огромная социальная ответственность — потакать ли массовым вкусам или формировать эти вкусы, вести их за собой? И если формировать, то исходя из каких целей, из каких идеалов?

В капиталистическом обществе существует этакая «усредненность» красоты. Она нередко получает очень точное социально-психологическое обоснование, делает дизайн весьма мощным орудием насаждения и утверждения потребительской идеологии. «Всеобщность» тех художественных качеств, которыми обладают предметы дизайна, как бы переносится на сами предметы. Обладание ими делается в капиталистическом обществе своего рода свидетельством того, что у данного человека «все в порядке», что он такой же, как все, ничуть не хуже — он имеет такие же запонки, такую же зажигалку, такую же машину, как и все другие, и, следовательно, он так же преуспевает, бизнес его идет хорошо, и, значит, с ним можно иметь дело. «Усредненность» художественных качеств, отнюдь не препятствуя частой смене моделей, а, наоборот, поощряя эту смену, помогает вместе с тем формированию потребительского вкуса. Здесь начинается вроде бы незаметная, но мощная и определенным образом направленная воспитательная миссия дизайна. Не будучи искусством, он, тем не менее, благодаря своим художественным качествам способен играть в обществе весьма заметную идеологическую роль. 

Даже служебная, неброская красота предметов дизайна используется в антагонистическом классовом обществе для вполне определенных социально-политических целей, ибо и она превращается в своего рода моду, в художественный показатель таких социально-престижных качеств, которых у самих предметов дизайна в их технической сущности нет и быть не может.

Вторая важная особенность красоты в дизайне, вытекающая из ее утилитаризма, заключается в следующем: красота в дизайне не есть продукт свободного полета фантазии художника, она всегда обоснована. Горячие цеха красятся в холодные бело-голубые цвета именно для того, чтобы создать психологическую компенсацию для работающих. Горизонтальные цветовые членения на транспортных средствах служат для того, чтобы подчеркнуть их основную функцию — движение, хотя с точки зрения чисто визуальной, может быть, приятнее было бы рисовать на троллейбусах розы и закаты. Требования физиологии и психологии заставляют выбирать для машин определенные формы, пропорции, цвета. Дизайнер должен так решить окраску станка, чтобы обязательно выделить цветом щиток управления. Задача придания информативных свойств предмету или среде тоже требует выбора ферм, пропорций, цветов.

Естественно, встает вопрос; чем же отличается эта работа от работы художника? Ведь художник тоже творит не абсолютно произвольно, он тоже как-то обосновывает свои художественные решения.

Когда мы имеем дело с предметами или интерьерами, нам иногда приходится отказываться от привычных эстетических представлений в отношении принципов использования тех или иных форм, цветов, звуков или коренным образом менять их. Художник-станковист, изображая, допустим, раскаленную пустыню и стремясь усилить эмоциональное впечатление от картины, широко использует «теплые» цвета и оттенки — желтый, розовый, красноватый. Даже небо он делает белесым, как бы расплавленным, дышащим зноем. Изображая прохладу летней ночи, художник, наоборот, применяет зеленоватые и синие «холодные» тона. Короче говоря, он цветом передает характер предмета, раскрывает его существо. Точно так же поступали несколько лет тому назад первые художники, пришедшие на заводы. Мы уже приводили пример с заводом в Айзпуте, где художник действовал, следуя обычной художественной логике — раз горячий цех, то необходимо выразить суть этого цеха и в окраске. Но это была ошибка. Проектируя горячий цех, дизайнер должен поступать как раз наоборот — не выражать сущность процесса, связанного с образованием тепла, а, так сказать, «затемнять» эту сущность, компенсировать вызываемое ею напряжение применением холодной гаммы цветов. При создании же холодильной установки дизайнер должен выбирать «теплые» желтые или оранжевые тона. Словом, ему следует поступать не по принципу выражения сути и усиления эмоций, а по принципу компенсации и снятия напряжения.

Однако было бы неправильно полагать, что дизайнер всегда должен поступать «наоборот». В ряде случаев он тоже должен выражать сущность предмета, процесса или же ассоциативно напоминать о ней.

Сегодня наука далеко не всегда в состоянии дать нам исчерпывающие рекомендации. Нередко они нуждаются в корректировке с позиции простого здравого смысла. Наукой, например, доказано, что один из самых заметных и контрастных по отношению к любой среде цветов — оранжевый. Он хорошо виден на фоне темного моря, яркой зелени, белого снега и прочее. Недаром теперь оранжевые комбинезоны носят и полярники, и космонавты, и ремонтные путевые рабочие. Исходя из этих же соображений, приняла оранжевый цвет, как основной, почтовая служба. Но в данном случае это, хотя и научно оправдано, однако, на наш взгляд, не совсем верно. Многие наши города, как в средней полосе, так и в азиатских республиках, имеют общую «теплую», чаще всего желтоватую гамму строений. И на этом фоне прежние синие почтовые ящики смотрелись не только заметнее, но и просто красивее, чем пылающие оранжевые. Очевидно, в данном случае надо было выбрать два основных цвета, например, оранжевый и синий, и варьировать их в зависимости от преобладающего колорита местности.

Этот пример говорит о том, что на сегодня вследствие недостаточности наших знаний, а иногда и неразвитости науки многие художественные решения находятся дизайнерами интуитивно. Нередко бывает так, что «чутьем» решить задачу проще, чем составить программу для электронно-вычислительной машины или провести испытания с помощью приборов. Но тем не менее, дизайнер должен уметь обосновать и оправдать любое из этих решений. Они должны рождаться в результате анализа и синтеза многочисленных, часто противоречивых требований. Сопоставить и привести их к единству — задача дизайнера.

Такова вторая важная особенность красоты в дизайне — обоснованность ее, причем не только и не столько логикой и законами искусства, сколько законами науки. Эта особенность, кстати сказать, в какой-то степени связана с тем, что дизайн в промышленности — это один из способов содружества науки, техники и искусства.

Абитуриенту — Тихоокеанский государственный университет

Уровень обучения —  магистратура

Направление подготовки магистров: теория и история искусств.

Профиль подготовки магистров: изобразительное искусство, декоративно-прикладное искусство и дизайн.

Форма обучения  Очная (в том числе с применением дистанционных технологий)

 Сроки обучения 2 года

Очно-заочная (в том числе с применением дистанционных технологий) 2 года 6 месяцев

Бюджетных мест 0

Мест по договору

Минимальные баллы

50 Экзамен по направлению подготовки

Искусствовед

Квалифицированный сотрудник, который в рамках профессиональной деятельности:

• исследует художественный замысел и различные формы произведений;
• интерпретирует композицию, объясняет особенности выразительного языка авторского замысла массовому зрителю;
•  организует, планирует творческий процесс подготовки и реализации выставочного проекта, каталога, цифровой экспозиции;
• решает организационные и художественные задачи, выбирает тип управления просветительским  проектом, анализирует проблемные ситуации в искусстве;
• изучает особенности формирования и закономерности развития выразительных средств, актуальное состояние и перспективы изобразительного, декоративно-прикладного искусства и дизайна.

Освоение данной образовательной программы позволит выпускнику трудоустроиться и работать:

• осуществляя научные исследования в профильных учреждениях культуры и искусства;
• руководя галереей или иным учреждением;
• выявлять ранее неизвестных одаренных авторов,
• сопровождать творческий процесс деятелей искусства, оказывая им всемерную помощь в продвижении произведений, т.е. в  широком смысле слова заниматься просвещением, по результатам которого соскучилось общество.

Дисциплины (курсы)

1. Иностранный язык
2. Методология научного исследования
3. Основы управления персоналом
4. Основы научного исследования
5. Актуальные проблемы современного искусства
6. Музейное и галерейное дело
7. Цифровое искусство
8. Искусство экспозиции
9. Нормативно-законодательные основы профессиональной деятельности
10. Атрибуция, экспертиза и художественный рынок
11. Редакционно-издательское сопровождение проекта
12. Мультимедийные технологии в искусстве
13. Кураторский проект
14. Арт-менеджмент
15. Современный художественный процесс
16. Искусство народов Дальнего Востока

Кроме того, программы предусматривает ряд обязательных практик, как учебных, так и производственных, в течение которых обучающийся в магистратуре сможет получитьопыт, необходимый для дальнейшей трудовой деятельности.

Вступительные испытания:

1. Реферат

2. Собеседование (защита) по теме реферата, касающегося  проблем теории, истории  изобразительного искусства, декоративно-прикладного искусства и дизайна,  и методологии изучения проблем  в профильной сфере.

До начала вступительных испытаний каждому абитуриенту необходимо представить приемной комиссии реферат по теме предполагаемого магистерского исследования.

Объем реферата 30 страниц.

Оформление реферата:

• книжный формат А4,
• круговые поля 2 см,
• 14 кегль,
• четко структурированный текст,
• концевые ссылки.

Темы предполагаемых рефератов:

1. Структура и иконография иконостаса.
2. Возникновение и представители импрессионизма.
3. Эволюция русской пейзажной живописи.
4. Эволюция  исторической картины. 
5. Интеллектуализм концептуального искусства.
6. Концептуализм как опыт разочарования.
7. Искусство как сила идеи.
8. Модернизм и преодоление мимесиса.
9. Проблематика концептуального искусства.
10. Реалистические тенденциив живописи передвижников.
11. Каноническая сущность  и жанровая иерархия соцреализма.
12. Феномен тематической картины.
13. Пленэр в русском изобразительном искусстве.
14. Библейские мотивы в современной живописи.
15. Манифест Казимира Малевича.
16. Принципы кубизма в актуальном искусстве.
17. Иллюзия движения и другие особенности конструктивизма.
18. Архаические и национальные традиции в народном искусстве.
19. Современное искусство лубочной картины.
20. Традиционное искусство коренных народов Дальнего Востока.
21. Искусство плаката.
22. Классицизм в русском изобразительном искусстве.
23. Роль товарищества передвижных художественных выставок в развитии отечественной культуры.
24. Художественные группировки в русском искусстве рубежа XIX-XX веков. 
25. Русский символизм рубежа XIX-XX веков. 

Литература, рекомендуемая для участия во вступительных испытаниях:

1. Аймермахер К. От единства к многообразию. Разыскания в области «другого» искусства 1950–80-х годов. М., 2004.
2. Алпатов М.В. Всеобщая история искусств. Т. 1-2. — М., 1948-49.
3. Алпатов М.В. Художественные проблемы итальянского Возрождения. — М., 1987.
4. Алпатов М. Художественные проблемы итальянского Возрождения. М.,1976.
5. .Альберт Ю. Что я видел. М., 2011.
6. Арнхейм Р. Динамика архитектурных форм. — М., 1989.
7. Арнхейм Р. Новые очерки по психологии искусства. Пер. с англ. – М., 1994.
8. Базен Ж. История истории искусства: От Вазари до наших дней. — М., 1994.
9. Баткин Л. Искусствоведение и культурология // Пристрастия: Избр. эссе и статьи о культуре. Изд. 2-е. — М., 2002.
10. Бакштейн И. Внутри картины. Статьи и диалоги о современном искусстве. М., 2015.
11. Варбург А. «Великое переселение образов. Исследование по истории и психологии возрождения античности»
12. Вельфлин Г. Истолкование искусства. — М., 1922.
13. Вельфлин Г. Основные понятия истории искусств: Проблема эволюции стиля в новом искусстве. – СПб., 1994.
14. Вельфлин Г. Ренессанс и Барокко. – СПб., 1913.
15. Винкельман И.И. История искусства древности. Малые сочинения / Пер. с нем. и подгот. изд. И.Е.Бабанова. — СПб., 2000.
16. Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. 2-е изд., испр. и доп.– М., 1985.
17. Всеобщая история искусства: В 6 т. М.,1956-1966.
18. Выготский Л. Психология искусства. М..1986.
19. Герчук Ю. Кровоизлияние в МОСХ. М., 2008.
20. Гинзбург К. Мифы — эмблемы — приметы. Морфология и история. М., 2004.
21. Голомшток И. Тоталитарное искусство. М., 1994.
22. Дёготь Е. Террористический натурализм. М., 1998.
23. Диди-Юберман Ж. То, что мы видим, то, что смотрит на нас. СПб., 2001.
24. Золотой век художественных объединений в России и СССР (1820–1932).  Справочник. СПб., 1992.
25. Жегин Л. Язык живописного произведения. М.,1970.
26. Кабаков И. 60–70-е. Записки о неофициальной жизни в Москве. М., 2008.
27. Каган М. Морфология искусства. Л.,1972.
28. Лосев А. Проблема символа в реалистическое искусство. М.,1985.
29. Лотман Ю.М. Об искусстве. – СПб., 2000.
30. Матье М. Искусство Древнего Востока. М.,1972.
31. Мизиано В. «Другой» и разные. М., 2004.
32. Мифология медиа. М., 2013. 
33. Мифологический словарь / Под ред. Е. Мелетинского. М.,1990.
34. Мифы народов мира. Т.1-2. М.,1991.
35. Наков А. Русский авангард. М., 1991.
36. Панофский Э. Ренессанс и «ренессансы» в искусстве Запада. СПб., 2006.
37. Панофский Э. «История искусства как гуманистическая дисциплина» // Э. Панофский. «Смысл и толкование изобразительного искусства»
38. Перчихина М. Чтение Белой Стены. М., 2011.
39. Плампер Я. Алхимия власти. Культ Сталина в изобразительном искусстве. М., 2010.
40. Пропп В. «Морфология сказки»
41. Савчук В. Конверсия искусства. СПб., 2001.
42. Тупицын В. «Другое» искусства. М., 1997..  
43. Турчин В. По лабиринтам авангарда. М., 1993.
44. Хейзинга Й. Осень средневековья. М.,1988.
45. Хмельницкий Д. Зодчий Сталин. М., 2007.
46. Холмогорова О. Соц-арт. М., 1994
47. Чегодаев А. Импрессионисты. М.,1979.
48. Чегодаев А. Наследники мятежной воли. М.,1989.
49. Формозов А. Очерки по первобытному искусству. М.,1969
50. Энциклопедия русского авангарда. Под ред. В. И. Ракитина и А. Д. Сарабьянова. Т. 3. Кн. 1–2. М., 2014. 
51. Янсон Х.В., Янсон Э.Ф. Основы истории искусств. СПб., 1996.

Искусство против дизайна — вечный спор

Потратьте какое-то время на работу среди профессиональных дизайнеров, и вы поймете, что приравнивание искусства к дизайну — верный способ встряхнуть котел и услышать смелые заявления вроде:

• «Дизайн — , а не арт. Дизайн должен функционировать ».
• «Искусство призвано вызывать мысли и эмоции, но не решает проблем».
• «Художники в первую очередь работают инстинктивно, тогда как дизайнеры используют методичный процесс, основанный на данных.”

К сожалению, дискуссия между дизайнером и художником часто превращается в разглагольствования и бреда. Строятся линии, поднимаются боевые флаги, и продуктивный диалог становится невозможным.

Что здесь на самом деле происходит? Почему искусство и дизайн противопоставлены друг другу и почему дизайнеры так непреклонны, что дизайн не может быть искусством? Эти вопросы — отправная точка вдумчивого разговора между дизайнерами Toptal Микой Бауэрс и Миклосом Филипсом.

Bowers — бренд-дизайнер и иллюстратор, который считает, что искусство включает в себя множество творческих дисциплин, дизайн является одной из них, и поэтому дизайн — это искусство.

Philips, дизайнер UX и ведущий редактор блога Toptal Design, придерживается позиции, что искусство и дизайн могут пересекаться, но это совершенно разные области.

С нашими участниками на ринге пора начинать дебаты. Господа, дотрагивайтесь до перчаток и идите по своим углам.

Дизайн — искусство?

Михей: Дизайн — это искусство. Искусство — это дизайн. Без исключений.

Давайте проясним: я осознаю, насколько непопулярна моя позиция, особенно среди моих коллег-дизайнеров.Я был на беседах, читал книги, разговаривал с коллегами и посещал занятия, решив установить непримиримые различия между искусством и дизайном. Всякий раз, когда я делюсь своими взглядами, реакция возникает быстро и яростно, но контраргументы меня не трогают (удачи, Миклос).

Настойчивое стремление к различию между искусством и дизайном было похоже на постоянную низкую лихорадку, которая беспокоила меня последние 15 лет — сначала во время обучения промышленному дизайну, затем во время учебы в магистратуре изящных искусств, а затем в моей карьере в сфере искусства. брендинг и иллюстрация.

Моя позиция такова: отличный дизайн — это прежде всего искусство. В чем коренится это убеждение? Философское понимание искусства.

Философы, такие как Платон, веками обсуждали значение искусства и определение дизайна.
(«Платон» от lentina_x — под лицензией CC BY-NC-SA 2.0)

Поиски определения искусства уходят корнями в многовековые дискуссии. Греческий философ Платон считал, что искусство по сути является отражением реального. Но его взгляды широко оспариваются, и, поскольку мы должны с чего-то начинать, мы должны стремиться к пониманию, которое признает историю и разнообразие мировой мысли и культуры.

Перефразируя Стэнфордскую энциклопедию философии, мы здесь:

Искусство существует и существовало во всех известных человеческих культурах и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

В соответствии с этим определением дизайн, несомненно, является искусством. Его можно найти в любой человеческой культуре. Он используется для создания объектов, представлений и впечатлений. А дизайнеры намеренно привносят в свою работу значительный эстетический интерес.

Здесь слышен неизбежный крик: «Подожди! Вы погубили себя одним словом. Эстетично! »

Дизайнеры любят делать радикальные предположения в отношении эстетики, поэтому позвольте мне создать защиту.

Как и искусство, понятие эстетики — это сложная область философской мысли, которую нельзя свести к стереотипу дизайнера, что оно означает «заставлять вещи выглядеть красиво».

На самом деле, эстетика охватывает множество вопросов, которые важны для «искусства vs.дизайн »дебаты:

• «Можно ли определить эстетическое суждение из практического?»
• «На каком основании мы судим о полезности и красоте?»
• И: «Как основополагающие убеждения, с помощью которых мы делаем эстетические суждения, подвержены влиянию времени, культуры и жизненного опыта?»

Вот моя точка зрения: в мире современного дизайна искусство имеет узкое определение и несправедливо превращается в жалкую акварельную карикатуру.Дизайнеры легкомысленно преувеличивали значение своих собственных дисциплин (которые различаются по содержанию до смешной степени) на протяжении веков художественной практики, философских исследований и культурного понимания. Дизайн — это искусство. Искусство — это дизайн. Без исключений.

Миклош: Дизайн должен выполнять функцию. Не искусство.

Прежде всего, мы должны выделить, о каком дизайне типа идет речь. Я вижу, что в случае графического дизайна, иллюстраций и брендинга, возможно, дизайн — это в некотором роде «искусство», а — но если мы говорим о более функциональном дизайне, таком как дизайн цифровых продуктов или промышленный дизайн, нам нужно многое сделать. глубже, и становится ясно: Дизайн — это не «искусство».”

Великолепный дизайн — это отчасти наука, отчасти процесс, а отчасти — практический набор решений с примесью эстетики. Выйдя за пределы поверхности, дизайнер неизбежно обнаруживает, что отличный дизайн — это скорее решение проблем.

Дизайн — это процесс, а не искусство.

Как UX-дизайнер, мне всегда нужно копать глубже, за фасадом, который можно было бы назвать потенциальным «дизайном», и смотреть на более широкую картину целостно: целевая аудитория, сценарии использования, контекст и устройство дизайн предназначен для: ТВ на мобильные устройства, настольные компьютеры на планшеты, банкоматы и т. д.Что касается дизайна продукта, давайте не будем забывать о проверке и тестировании удобства использования. Если бы дизайн был всего произведений искусства, как бы вы могли его проверить?

Если бы дизайн был исключительно искусством, как насчет эвристики юзабилити? Являются ли такие концепции удобства использования UX, как обратная связь, согласованность и стандарты, предотвращение ошибок, пользовательский контроль, гибкость и предсказуемость, за окном? Разве дизайн не для того, чтобы служить людям? Если хочешь быть художником, будь этим, но не называй себя дизайнером. Будьте художником или скульптором.

«Есть красота, когда что-то работает и работает интуитивно», — говорит Джонатан Айв.

«Работа интуитивно» сама по себе не может быть достигнута «искусством»; он основан на исследованиях и тестировании пользователей. Хороший дизайн также основан на данных. Более того, в ближайшем будущем ИИ изменит способ разработки дизайна. Это будет супер-персонализированный и упреждающий. Сможет ли это сделать дизайн как «искусство»? Я так не думаю.

Нельзя сказать, что проектирование пользовательского интерфейса автомата по продаже билетов — это «искусство.Конечно, эстетика и эмоциональный дизайн вступают в игру — как уже упоминалось ранее в других статьях в блоге Toptal Design, — потому что эстетика играет роль в дизайне в той мере, в какой дизайн с лучшей эстетикой заставляет продукт «работать лучше». Но все же необходимо учитывать функцию дизайна и контекст использования.

Например, в основополагающей книге Дона Нормана «Дизайн повседневных вещей» он говорит о дизайне и концепции аффордансов. (Концепция аффорданса была изобретена перцептивным психологом Джеймсом Дж.Гибсон в своей новаторской книге Экологический подход к визуальному восприятию ). Норман пишет:

Возможности дают убедительные подсказки о работе вещей. Плиты толкающие. Ручки поворотные. Слоты предназначены для вставки вещей. Ручки для подъема. Мячи предназначены для метания или отскока. Когда используются преимущества, пользователь знает, что делать, просто взглянув: изображение, этикетка или инструкция не нужны.

Итак, аффордансы — это «воспринимаемые свойства» функции в дизайне, и о них нужно сигнализировать пользователю с помощью «указателей», которые дают подсказки пользователю о существовании возможного взаимодействия.Я не знаю, как можно объединить концепции аффордансов и означающих с «искусством». Это важные концепции дизайна взаимодействия в сфере HCI (взаимодействия человека и компьютера). Они не имеют отношения к искусству.

Как UX дизайнер, я отвергаю это понятие. Я имею в виду, вы можете представить себе автомат по продаже билетов, созданный Пикассо в кубистском стиле? Я не говорю, что это было бы неинтересно, но это было бы не очень эффективно или функционально.

Что такое хороший дизайн?

Михей: Искусство решает проблемы.«Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Автомат по продаже билетов в кубизме Пикассо? Теперь , что было бы хорошим дизайном! Я могу представить себе руки способного художника, использующего стилистический диссонанс кубизма в четко определенной визуальной иерархии, которая радует пользователей однозначными точками взаимодействия. Наконец, мы могли попрощаться с мягкими и запутанными святилищами, к которым мы все привыкли.

Интересно, что такая идея не беспрецедентна.В больших и малых городах по всему миру инсталляции паблик-арта использовались для улучшения впечатлений, ранее упускаемых из виду или запутанных в дизайне. «Путь Ван Гога», созданный голландским художником Дааном Русегаарде, является прекрасным примером.

Технология экспериментальной инсталляции оказывает существенное влияние на мир дизайна.

Вдохновленный «Звездной ночью» Ван Гога, тропа проходит через Нуэнен, Нидерланды (город, где художник жил в 1880-х годах), и состоит из тысяч маленьких раскрашенных камней, которые улавливают энергию солнца днем ​​и светятся ночью. .

Если бы все это было охвачено проектом, это было бы не более чем красивый световой эффект, но рамки художественного видения Русегаарде намного шире. Путь Ван Гога является подтверждением концепции в рамках более крупного проекта под названием SMART HIGHWAY, амбициозного проекта, направленного на переосмысление голландского ландшафта путем внедрения устойчивой системы светящихся интерактивных дорог.

Вывод? Искусство и художники умеют решать существенные проблемы.

Решение проблем требует знаний, опыта, навыков, исследований, риска и понимания человеческого поведения, но, к сожалению, многие дизайнеры не осознают, что художники используют методологию решения проблем в своей работе, даже несмотря на то, что художники систематически ищут творческие решения для веков, задолго до того, как звание «дизайнер» стало модным.

Нужны доказательства?

И снова мы обращаемся к голландскому художнику, мастеру света и живописцу «Девушка с жемчужной серьгой », Йоханнесу Вермееру. Вермеер жил в середине 17 века, добился скромных успехов в живописи и умер под гору долгов. Однако почти через два столетия после его смерти работы Вермеера были заново открыты, и его статус одного из величайших художников всех времен был закреплен в анналах истории искусства.

Но случилось странное.Чем больше людей изучали Вермеера и его работы, тем больше они понимали, что его картины и процесс действительно не похожи на работы других художников. Как так?

• У Вермеера не было формального художественного образования и, по-видимому, не было ученичества в качестве художника.
• Его работы довольно малы, всего менее 50 картин.
• У него никогда не было своих учеников или учеников.
• Почти все картины Вермеера были поставлены в одной из двух комнат его дома.
• Нет сохранившихся подготовительных рисунков или эскизов, приписываемых Вермееру.
• Рентгеновские снимки картин Вермеера не обнаруживают прорисовок или композиционных исправлений.
• Его картины содержат искажения освещения и перспективы, которые можно увидеть только через искусственные линзы.
• И, наконец, Вермеер был близким другом Антони ван Левенгука, голландского ученого, известного своими новаторскими работами в области создания линз и микроскопии.

Некоторые ученые утверждают, что человеческий глаз не может естественным образом воспринимать аберрации освещения и перспективы, обнаруженные на картинах Вермеера.

Что все это значит? Вермеер, вероятно, использовал продвинутую и до сих пор неизвестную форму камеры-обскуры для создания своих шедевров. Это спорная теория, но есть достаточно доказательств из множества источников, подтверждающих такое утверждение.

Какое отношение это имеет к нашим дебатам? Вермеер изобрел устройство и процесс, которые оставались незамеченными и не дублировались более 350 лет, и позволил ему создать одни из самых знаковых и технически изысканных картин без какого-либо формального обучения.Это вершина решения проблем.

Дизайн — это форма искусства, метод человеческого самовыражения, который следует системе высокоразвитых процедур для придания значимости объектам, представлениям и опыту. Как и все виды искусства, дизайн может решать проблемы, но нет никакой гарантии, что это так.

Больше всего я хочу, чтобы дизайнеры осознали, что искусство — это не глупая субкультура дизайна, которая отвергает озабоченные рисованием пальцами свои чувства.Фактически, низкий взгляд на искусство — это также низкий взгляд на дизайн, науку, историю и культуру, что серьезно ограничивает творческий потенциал и междисциплинарный прогресс.

В конце концов, искусство решает проблемы. «Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Миклош: Хороший дизайн беспристрастен и удовлетворяет потребности людей.

Обратите внимание, я не сказал «чего хотят люди», как в песне Rolling Stones: «Вы не всегда можете получить то, что хотите… вы получаете то, что вам нужно.«Люди не всегда знают, чего хотят, дизайнеры должны выяснить, что именно им нужно.

Кстати, а как картины решают проблемы? Я этого не вижу.

Хороший дизайн до некоторой степени субъективен, но, на мой взгляд, «хороший дизайн» определяется в процессе итеративного процесса проектирования с большим количеством валидации / тестирования. Это «дизайнерское мышление». Он существует уже несколько десятилетий. Это то, что просто работает, когда все складывается правильным образом, в нужное время, в нужный момент.

Хороший дизайн — это определенно , а не только об искусстве или эстетике. Это только поверхность. О хорошем дизайне следует судить по нескольким факторам, таким как предполагаемая база пользователей, среда, контекст использования, среда и устройство, на котором он будет отображаться. Например, в случае с автоматом по продаже билетов эстетика может не иметь такого большого значения — людям нужно делать что-то, а вещи просто должны работать на них. Он должен быть суперфункциональным, быстрым и эффективным.

На мой взгляд, хороший дизайн — это дизайн, в котором гармонично сочетаются эстетика и дизайн взаимодействия. Продолжая использовать пример с автоматом по продаже билетов, в этом сценарии «внешний вид» менее важен и должен занимать соответствующую часть с точки зрения важности на шкале баланса, а удобство использования и дизайн взаимодействия (функциональный дизайн) должны занимать большую часть. пропорция.

Мы также можем противопоставить «хороший дизайн» и «плохой дизайн». Плохой дизайн — это столпотворение.Это беспорядок. Это может расстраивать или раздражать. Это замедляет людей и истощает их эмоционально. На самом деле он может быть уродливым или просто непримечательным и, следовательно, не заслуживающим чьего-либо внимания. Для вашей аудитории плохой дизайн — это препятствие, а не расширение возможностей.

Выглядит круто, но хороший ли дизайн?

Является ли дизайн субъективным или объективным?

Миклош: Это сочетание того и другого в разных пропорциях.

Искусство и дизайн неразрывно связаны.Я считаю дизайн целостным начинанием, которое включает и «искусство». Дизайн является как субъективным , так и объективным, но должен быть в первую очередь объективным . Надлежащая объективность дизайна достигается путем исследования пользователей (определение целевой пользовательской базы, знакомство с пользователями продукта, наблюдение за контекстом использования), проработки основных этапов процесса проектирования, ориентированного на пользователя (UCD), и пользовательского тестирования.

Дизайн может возникнуть в голове блестящего дизайнера, но его практическое применение еще требует подтверждения.Если бы дизайн был только субъективным, не было бы необходимости в юзабилити-тестировании (что, скорее всего, расстроило бы дизайнера, потому что он / она обнаружил бы, что дизайн не работает). Дизайн должен был исходить от одного человека, что, на мой взгляд, является нелепой, отсталой идеей. Дизайнеры, которые на 100% субъективны, высокомерны.

Однако небольшой процент субъективности действительно играет роль — эстетика играет роль, и, возможно, именно здесь происходит эмоциональный дизайн. Это шаг, на котором на первый план выходят чувствительность, «искусство» и субъективность дизайнера.Великие дизайнеры «наряжают» или «прикрывают» лежащий в основе функциональный дизайн, чтобы создать что-то, что работает на всех эмоциональных уровнях — интуитивном, поведенческом и рефлексивном — для создания продукта с потрясающим UX.

Некоторые дизайнеры считают, что хороший дизайн должен быть объективным. Я в это не верю. В дизайне Старка или Джонатана Айва есть доля гениальности. Они привносят в свой дизайн нотку субъективизма, что связано со вкусом. Одним из величайших оскорблений Стива Джобса было обвинение кого-то в отсутствии вкуса.

Стул дизайн бельгийского дизайнера Маартена Ван Северен

Михей: Искусство и все его дисциплины (включая дизайн) сочетают в себе объективность и субъективность.

Я не знаю, как это случилось, Миклош, но похоже, что мы нашли общий язык, и я приятно удивлен.

Искусство и все его дисциплины, включая дизайн, требуют сочетания объективности и субъективности. Конечно, найдутся дизайнеры, которые закатят глаза и заявят: «Искусство чисто субъективно.Для разных людей это может означать разные вещи ». Очевидный контрапункт? «То же самое и с дизайном!»

Но давайте присмотримся.

Когда дизайнеры утверждают, что искусство должно быть субъективным, они обычно имеют в виду то, как люди оценивают результат усилий художника. Такое мышление об искусстве делает упор на результат. Другими словами, искусство равно объектам, представлениям и опыту. Искусство — это живопись. Искусство — это танец. Искусство — это световое шоу.

С этой точки зрения арт является субъективным .Я думаю, что американская готика жуткая, но вы находите это вдохновляющим. Я думаю, что кресло Имса — это классно, но вы чувствуете, что это вульгарно. Я думаю, что интерфейс WhatsApp сбивает с толку, но ничего более элегантного вы еще не видели. Искусство — это результат, результаты открыты для интерпретации, и все правы!

Справедливо ли судить об искусстве исключительно по результатам усилий художника?

К счастью, определение искусства, которое я предложил в начале этой дискуссии, более тонкое, поэтому давайте освежим наши воспоминания:

Искусство существует и существовало во всех известных человеческих культурах и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

Обратите внимание на слова, выделенные жирным шрифтом. Художники «намеренно наделяют» свои работы в высокой степени смыслом. Другими словами, они сознательно усиливают или целенаправленно обогащают. Есть намерение жениться на действии.

Понимаю более полно, искусство — это не результат. Искусство — это процесс, а процесс искусства переполнен объективностью.

Не согласны? Рассмотрим столетия повторяемых практик, стандартизированных инструментов, химических реакций и научных открытий, сделанных искусством.В той степени, в которой могут существовать реальности, независимые от разума (определение объективности), искусство объективно, потому что оно зависит от процесса.

Если художник по керамике зажег блюдо, не дав ему предварительно высохнуть, оно взорвется.

Если пианист положит пальцы на правильные клавиши, она сыграет нужный аккорд.

Если веб-дизайнер выберет дингбаты в качестве основного текста, большие части сайта его клиента будут неразборчивыми.

Главный вывод, Миклош, в том, что я в основном с тобой согласен.Искусство и, следовательно, дизайн — это смешанный мешок объективности и субъективности, приправленный достаточно двусмысленностью, чтобы дискуссия «Искусство против дизайна» продолжалась долгие годы.

Заключение

Совершенно непонятно, что эти слова — «Что такое искусство?» — выражают что-то вроде единственного вопроса, на который даются конкурирующие ответы, или участвуют ли философы, предлагающие ответы, в одной и той же дискуссии… Абсолютное разнообразие предлагаемых определения должны заставить нас задуматься. — Кендалл Уолтон,

На своем самом фундаментальном уровне и искусство, и дизайн стремятся что-то сообщить, и, несмотря на различия, будь то изобразительное, коммерческое или прикладное искусство, в лучшем случае обе формы вызывают эмоциональный отклик.

Утверждалось, что разница между изобразительным и прикладным искусством контекст и больше связана с оценочными суждениями о самой работе, чем с каким-либо неоспоримым различием между двумя дисциплинами. Более того, сравнение «искусства» и «дизайна», хотя и возвышенное, возможно, донкихотское занятие, поскольку ни одно из них не может быть определено абсолютно, потому что они постоянно меняются — границы постоянно раздвигаются и, надеюсь, будут таковыми и в будущем. В конце концов, эта дискуссия — это вне времени.

Как мы решаем, что такое искусство, а что дизайн, и почему отношения между ними настолько разорваны? Разногласия возникает из-за разницы между функциональным (дизайн) и нефункциональным (искусство)? Журнальный столик Noguchi или стул Rennie Mackintosh — это просто функциональный объект, или же у искусства есть функция?

Глазский архитектор, художник и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был одним из первых сторонников интегрированной арт-архитектуры.Он верил в чистую интеграцию формы и функции и на протяжении всей своей карьеры стремился выдвинуть теорию «комнаты как произведения искусства».

Ренни Макинтош спроектировал мебель и другие приспособления в своих зданиях, где каждая деталь вносила вклад в общее целое.

Фрэнк Ллойд Райт настолько твердо верил в единство формы и функции, что изменил часто неправильно понимаемую аксиому «форма следует за функцией», которую его наставник Луис Салливан придумал следующим образом: «форма и функция едины.Его план относительно Guggenheim «… заключался в том, чтобы сделать здание и картины прекрасной симфонией, какой никогда раньше не существовало в мире искусства».

В заключение скажу, что не искусство по сравнению с дизайном , а их единство лежит в основе любого превосходного дизайна. Другими словами, хороший дизайн включает искусство.

• • •

Дополнительная литература в блоге Toptal Design:

Принципы оформления с покраской

Как дизайнер, вы используете художественные элементы и принципы для создания красивых и эффективных дизайнов.Из этой серии вы узнаете, что это за принципы дизайна и как вы можете использовать их, чтобы сделать свои проекты еще лучше!

Это часть II серии из трех частей:

Живопись и принципы дизайна

Живопись — одна из самых оригинальных форм художественного самовыражения. Возвращаясь к доисторическим временам с пещерами Ласко (одними из первых записанных человеческих изображений), живопись практикуется во всех культурах по всему миру на протяжении сотен лет.Чтобы не усложнять задачу, мы продемонстрируем выражения XIX и XX веков, чтобы показать, как можно задействовать элементы и принципы дизайна.

Принципы проектирования:

• Остаток
• Пропорции и масштаб
• Контрастность
• Повторение и узор
• Единство и гармония

Весы

Весы — один из самых интуитивно понятных и сложных конструктивных принципов. Таким образом художник создает ощущение равновесия в дизайне, размещая предметы в дизайне.Есть три основных типа баланса:

• Симметричная / формальная балансировка — это когда элементы расположены таким образом, что две половины конструкции (вертикальные или горизонтальные) являются зеркалами друг друга — обе стороны имеют одинаковый вес. Он создан вокруг центральной линии, которая делит дизайн пополам на две разные половины.
• Асимметричная / неформальная балансировка — это когда элементы расположены так, чтобы было неравномерное распределение веса
• Радиальная балансировка — это когда элементы расположены равномерно вокруг центральной точки

• (вверху слева) Работа Руссо демонстрирует симметричный баланс.Дерево разделяет картину на две отдельные половины, а затем использует флаги как в воздухе, так и в руках танцоров для создания горизонтальной симметрии.
• (Внизу слева) Натюрморт Сезанна демонстрирует асимметричный баланс. Использование ярко-белого полотенца в правом нижнем углу полностью доминирует в работе, но все же уравновешивается параллельной пустотой глубокого черного фона.
• (справа) Радиальная симметрия, или симметрия, исходящая из определенной точки, принимает форму в расположении улиц и трамваев в работах Киршнера.Кажется, что почти все образы сосредоточены в одной центральной точке — перекрестке улицы.

Пропорции и масштаб

Наложение элементов разных размеров или пропорций внутри произведения искусства помогает создать ощущение масштаба . Масштаб можно использовать для нескольких эффектов — будь то демонстрация ощущения пространства и глубины или помощь в создании доминирующей фокусной точки.

«Мехико — Национальный дворец» Диего Риверы

Эта фреска, написанная Риверой, ясно демонстрирует ощущение пространства и глубины за счет изменения масштаба объектов.Фигуры на переднем плане больше, а здания и горы на заднем плане меньше. Это создает иллюзию того, что люди находятся высоко и близко к зрителю, а остальная часть ландшафта находится далеко вдалеке.

Контрастность

Огромная часть создания глубины изображения и интереса к нему заключается в использовании нескольких контрастирующих элементов — или различных элементов, установленных рядом. Часто это делается с помощью цвета, формы, размера или текстуры.

«Сборщики фруктов собирают урожай под деревом манго», Фернандо Аморсоло, 193 г. 9

Цвет — это основной инструмент, который Аморсоло использует для создания контраста и глубины в своем произведении. В качестве сюжета он использует свет — все фигуры заштрихованы более темными тонами, за исключением яркой центральной пары и молодого сборщика фруктов, выделенных светлыми тонами.

Повторение и узор

Использование одного и того же или подобного элемента, повторяющееся снова и снова, может придать произведению ощущение движения или структуры.Если элемент достаточно похож и повторяется достаточно часто, он может создать узор.

«Черно-фиолетовый» Василия Кандисного в 1923 году

Кандинский использует и повторение, и узор. Его использование повторяющихся геометрических форм, таких как треугольники, круги, квадраты и даже простые линии, заставляет глаз пользователя постоянно перемещаться по картине. Он также периодически создает образцы узора, такие как прямоугольные рамки в верхнем правом углу — это помогает добавить глубины картине.

Единство и гармония

Комбинация похожих элементов создает эстетичный общий эффект. Хотя многие элементы дизайна различны, доминирующее единство , созданное сходством цвета, рисунка, текстуры или других элементов, делает картину или дизайн гармоничным .

«Три девушки» Амриты Шер-Гил, 1935 год

Шер-Гил создает гармонию «Три девушки» с помощью тона и текстуры. Темный тон, используемый для изображения трех женщин, а также грубая текстура их одежды объединяют их друг с другом и с шероховатостью стены позади них.Общий эффект тонкий — усиливает мрачное ощущение женщин с опущенными глазами.

Перевод в графический дизайн

Дизайнер Беарбрик реализует все эти принципы в своем веб-дизайне для Bright Austin Interiors.

Bearbrick использует пропорцию и масштаб для создания асимметричного баланса. Элементы разного размера и формы расположены на странице не так, чтобы зеркально отражать друг друга, а так, чтобы уравновешивали друг друга. Он создает контраст в сопоставлении ярких элементов на белом фоне.

Повторение используется для позиционирования окружностей. Это заставляет взгляд зрителя перемещаться между элементами, чтобы передать информацию, которую клиент хочет, чтобы зритель увидел. В то же время узор используется в качестве тонкой детали в этом дизайне кругов (в цветочном узоре кнопки «О нас», а также в повторяющихся линиях, окружающих другие круглые элементы), чтобы вызвать интерес — так что дизайн может быть простым, но при этом не скучным.

И хотя разные элементы страницы привлекают внимание пользователя в разное время, женский стиль элементов и использование цвета делают сайт в целом гармоничным .Дизайн имеет движение, глубину, интерес и привлекает внимание пользователя к наиболее важной информации на странице — это отличный пример успешного дизайна.

На каких принципах дизайна вы сосредоточитесь в следующий раз?

Определение дизайна — и разница с искусством

Что такое дизайн?

Общество интерпретирует дизайн как эскизы, живопись, упаковку. Некоторые из них воспринимают это как продукт — камеру, телефон, диван и стулья. Это правда, но дизайн не так уж ограничен.На самом деле дизайн широк.

Вы когда-нибудь видели красивый дом? Это результат хорошего дизайна. Программное обеспечение или приложение? Оба тоже пример дизайна. Анкета, организационная иерархия или даже бизнес-структура? Это тоже дизайн. Чтобы получить такое же представление о том, что такое дизайн на самом деле, давайте посмотрим на дизайн с той же точки зрения.

Eames House: пример дома №. 8

Google определяет дизайн как: делать или планировать (что-то) с определенной целью или намерением.

Обращаясь к этому определению, мы можем с уверенностью сказать, что дизайн — это метод; метод достижения указанной цели. Дизайн — это то, как мы решаем проблему по-нашему , — объективно.

По сути, все мы дизайнеры. Дизайнеры умеют решать проблемы. Если вам удалось забрать сестру в детский сад, значит, вы хороший «дизайнер». Почему? Потому что у нее есть проблема: «Я не знаю, как вернуться домой», и вы, как ее брат, решаете эту проблему, забирая ее — на машине, мотоцикле или общественном транспорте — в зависимости от вашего собственного метода и интерпретация для решения проблемы.

Давайте возьмем другой пример: возьмем его с архитектурной точки зрения.

У вас красивый дом. Здесь есть бассейн, красивый сад, уютная гостиная и просторная кухня. Все так идеально. Пока… вы не увидели неминуемые подробности.

Невозможно отрегулировать воду в бассейне, если она загрязнилась. В вашей спальне нет кондиционера, но, как ни странно, он есть в вашей ванной. Вы даже не можете зарядить свой телефон, потому что в нем нет электричества.Конечно, это крайний пример, но хороший дизайнер тщательно спроектирует дом и продумает все возможные сценарии на основе чертежа, прежде чем строить идеально функциональный дом (цель).

Конечно, дом красивый, но это не решает проблемы хозяина. Это только решает конструктор ego построить то, что он хочет. Означает ли это, что каждый дизайнер в этом мире должен решать проблему? А что насчет живописи? Художники рисуют то, что хотят. Они следуют за своим эго, чтобы что-то создать.

Искусство VS Дизайн

Скульптура Давида — Микеланджело

Важно различать дизайн и искусство. Дизайн объективен, а искусство субъективно. Хороший дизайнер решает проблему. Даже уродливый веб-сайт с отличной функциональностью — намного лучший дизайн, чем красивый веб-сайт с плохой функциональностью.

Искусство субъективно: люди создают то, что хотят, и продают свои произведения по любой цене. Они выражают себя через то, что они создают, и ищут человеческую связь, чтобы заставить людей почувствовать то, что они чувствуют.Конечно, искусство тоже решает проблему, но оно следует за эго творца. Это субъективно.

Лучшие дизайнеры преуспевают в обеих областях: они логически планируют и исследуют, а визуальное искусство создают художественно. Это не значит, что дизайнер должен довольствоваться некрасивым дизайном — и оправдывать его тем, что «он работает». Визуальный аналог тоже важен.

10 Принцип хорошего дизайна

Дитер Рамс

Всемирно известный промышленный дизайнер Дитер Рамс сформулировал манифест дизайна под названием «10 принципов хорошего дизайна», чтобы облегчить нам понимание того, что является хорошим определением хорошего дизайна.По его словам, хорошим дизайном являются:

Innovative

Возможности для развития никоим образом не исчерпаны. Технологическое развитие всегда открывает новые возможности для оригинального дизайна. Но творческий дизайн всегда развивается вместе с совершенствованием технологий и никогда не может быть самоцелью.

Сделайте продукт полезным

Товар куплен для использования. Он должен удовлетворять не только функциональным, но и психологическим и эстетическим критериям.Хороший дизайн подчеркивает полезность продукта, не обращая внимания на все, что может его отвлечь.

Эстетично

Эстетическое качество продукта является неотъемлемой частью его полезности, потому что продукты используются каждый день и влияют на людей и их благополучие. Красивыми могут быть только хорошо выполненные предметы.

Сделайте продукт понятным

Он проясняет структуру продукта. Более того, он может заставить продукт четко выражать свою функцию, используя интуицию пользователя.В лучшем случае это не требует пояснений.

Ненавязчивый

Выполняющие свою задачу изделия подобны инструментам. Они не являются ни декоративными предметами, ни произведениями искусства. Поэтому их дизайн должен быть нейтральным и сдержанным, чтобы оставлять место для самовыражения пользователя.

Honest

Это не делает продукт более инновационным, мощным или ценным, чем он есть на самом деле. Он не пытается манипулировать потребителем обещаниями, которые невозможно выполнить.

Долговечность

Он избегает быть модным и поэтому никогда не выглядит устаревшим.В отличие от модного дизайна, он длится много лет — даже в сегодняшнем обществе одноразового использования.

Полная

Ничто не должно быть произвольным или оставленным на волю случая. Внимательность и аккуратность в процессе проектирования демонстрируют уважение к потребителю.

Экологичность

Дизайн вносит важный вклад в сохранение окружающей среды. Это экономит ресурсы и сводит к минимуму физическое и визуальное загрязнение на протяжении всего жизненного цикла продукта.

Минимум дизайна.

Меньше, но лучше — потому что он концентрируется на важных аспектах, а продукты не обременены второстепенным. Назад к чистоте, к простоте.

10 Принцип: пример из практики

Выполнение 10 принципов хорошего дизайна трудно применять широко. Например, общеизвестно, что модный дизайн выступает против любого промышленного дизайнера, потому что он не экологически безопасен и только следует трендам. Это длилось недолго. После того, как тенденции закончатся, дизайн устареет.

Project Ara — Google

Помимо этого, индустрия смартфонов также использует такие же циничные подходы. Они утверждают, что смартфон должен быть сделан из листьев, пластика или другого материала, который можно легко утилизировать и перерабатывать. К счастью, Google Project Ara работает над этой проблемой, и в будущем мы можем ожидать, что смартфон станет более экологичным.

Olympus OM-1 VS Olympus OM-D

Честный дизайн не повлиял на мнение потребителей.Это простейшее правило зачастую не соблюдается многими компаниями. Возьмем, к примеру, Olympus OM-D. Хотя этот знаменитый продукт получил высокую оценку многих экспертов, его дизайн все равно считается нечестным. Olympus OM-D использует более старую конструкцию; поэтому люди ожидают, что он будет работать с пленкой, а не с цифровым форматом. HTC Dream также вызывает такие же чувства с его лишней камерой с посредственным качеством.

Это предположение частично верно, но давайте рассмотрим его с другой точки зрения. С точки зрения бэби-бумеров (родившихся между 1946 и 1964), правда — такой дизайн нечестный.Он дублирует старый (винтажный) дизайн с цифровыми возможностями. Это не оправдывает их ожиданий.

Что, если тот же товар видел Миллениал (родившийся между 1980 и 2000 годами)? Они не знают, как устроена старая камера, и поэтому не знают, старый ли это дизайн или нет.

Лично я считаю, что «10 принципов хорошего дизайна» очень утопичны для любых других областей дизайна (кроме промышленного дизайна). Я мог бы даже возразить, что — чтобы следовать этим принципам, мы должны использовать ограниченный материал — пластик, алюминий, дерево или очки, которые, как предполагается, прослужат «вечно».Эти материалы очень часто используются в промышленном дизайне — и мы ожидаем, что промышленный продукт прослужит дольше, чем, скажем, в индустрии моды.

Тем не менее, принцип Дитера Рамса имеет много последователей и, несомненно, является хорошей конструктивной характеристикой. Хотя это не подходит для всех областей дизайна, мы все же можем воспользоваться некоторыми подсказками и реализовать принцип 10 в качестве передовой практики.

Типы дизайна

Мы говорили о том, что такое хороший дизайн, и мы также знаем, что дизайн — это метод решения проблемы для достижения конкретной цели; но дизайн имеет собственное значение в нашем обществе.Они определяют дизайн как что-то, что связано с цветом, графикой и / или изображениями.

Не путать с дизайном как методом; дизайн тоже имеют разное значение. Общественное определение дизайна связано с карьерой — и существует 3 широко известных принципа дизайна, которые различаются по своим областям. Это графический дизайн, дизайн взаимодействия и промышленный дизайн.

Давайте рассмотрим их по очереди.

Графический дизайн

Большинство дизайнеров обычно работают в этой области.Они работают с графическими изображениями, будь то иллюстрации, типографика или изображения, а также на различных носителях, включая печать и Интернет. Графический дизайн обычно визуализируется в 2D — печатается на физической поверхности или отображается на экране.

Задача графического дизайнера — доставлять сообщения с помощью средств массовой информации, которые они выбирают.

Полиграфический дизайн

Linotype Movie Poster

До того, как компьютеры, веб-сайты и приложения стали широко использоваться, все графические дизайнеры работали над печатными носителями.Печатные СМИ включают плакаты, журнал, рекламный щит, книги и флаеры, но не ограничиваются ими. Ожидается, что полиграфический дизайнер изучит типографику, точность цветопередачи и традиционный процесс печати.

Все, что можно увидеть, потрогать или напечатать на плоской поверхности, считается полиграфическим дизайном.

Цифровой дизайн

Monument Valley: игра для iOS

Рост компьютеров и Интернета делает возможным новый мир дизайна, делая это в цифровом формате.Продукт Adobe отлично работает в этой области с Photoshop, Illustrator, InDesign, Lightroom, After Effects и многими другими.

Без сомнения, цифровой дизайн — это то, что мы всегда видели каждый день. Графический дизайн всемирной паутины, веб-баннеры, цифровые плакаты, онлайн-рисунки создаются в цифровом виде с компьютера и, в отличие от полиграфического дизайна, являются нематериальными. Вы не можете трогать веб-дизайн. Ваше взаимодействие ограничено осязаемостью вашего устройства.

Дизайн взаимодействия

Хотя цифровой дизайн нематериален, дизайнер может «спроектировать» взаимодействие в цифровом виде.Дизайнеры взаимодействия, с другой стороны, сосредотачиваются на цифровых продуктах и ​​интерактивном дизайне программного обеспечения. Некоторые примеры включают веб-приложения, такие как Facebook и Pinterest, мобильные приложения, такие как Path, и операционные системы, такие как Microsoft Windows и Mac OS X. Хотя графический дизайн осязаем, дизайн взаимодействия помогает нам опробовать или управлять программным обеспечением или интерфейсом с аппаратным обеспечением на основе экрана, чтобы для достижения конкретных целей — проверка электронной почты, снятие денег в банкомате и обмен статьями.

Дизайн пользовательского интерфейса

Редизайн концепции iTunes, автор Брай Кобаяши

Дизайн пользовательского интерфейса (UI) — это дизайн программного обеспечения или веб-сайтов с акцентом на удобство и взаимодействие пользователя.Цель дизайна пользовательского интерфейса — сделать взаимодействие пользователя максимально простым и эффективным. Хороший дизайн пользовательского интерфейса делает акцент на целях и выполнении задач, а хороший дизайн пользовательского интерфейса никогда не привлекает к себе большего внимания, чем обеспечение выполнения целей пользователя.

«В процессе проектирования необходимо уравновешивать техническую функциональность и визуальные элементы, чтобы создать систему, которая не только работает, но также может использоваться и адаптироваться к меняющимся потребностям пользователей».

Дизайн взаимодействия с пользователем

Википедия Редизайн UX от Георгия Квасникова

Дизайн пользовательского опыта (UX) «включает аспекты психологии, антропологии, социологии, информатики, графического дизайна, промышленного дизайна и когнитивных наук.В зависимости от цели продукта, UX может также включать в себя дисциплины дизайна контента, такие как дизайн коммуникации, учебный дизайн или игровой дизайн ».

Цель UX-дизайна — создать бесшовное, простое и полезное взаимодействие между пользователем и продуктом, будь то аппаратное или программное обеспечение. Как и в случае с дизайном пользовательского интерфейса, дизайн пользовательского интерфейса фокусируется на создании взаимодействий.

Промышленный дизайн

Thonet Стул нет. 14

Промышленные дизайнеры создают физические продукты, предназначенные для массового потребления миллионами людей.Мотоциклы, плееры iPod и зубные щетки созданы промышленными дизайнерами. Эти люди владеют физическими товарами и инновациями в рамках производственных линий и машин.

«Целью является изучение функций и формы, а также связи между продуктом, пользователем и окружающей средой.

Заключение

А пока, я надеюсь, вы смогли понять и различить дизайн и искусство; Также доступны 3 основных дизайна. В оставшейся части нашей учебной программы мы будем более подробно обсуждать графический дизайн и немного интерактивного дизайна, потому что обе области относительно могут быть изучены легче и могут быть использованы в вашей повседневной жизни.

примеров единства в искусстве с использованием формы, формы, линии, цвета и т. Д.

В этом посте из серии статей об элементах и ​​принципах искусства на Art Class Curator вы увидите различные примеры единства в искусстве. От гармонии формы до единства с использованием текстуры — найдите все свое единство в произведениях искусства в одном месте!

Единство в искусстве

Единство (также называемое гармонией) — важный принцип дизайна, который придает произведениям искусства ощущение сплоченности или согласованности. Это целостность или завершенность картины.Единство и гармония в искусстве используются художниками для того, чтобы связать композицию воедино и помочь композиции получить смысл как единое произведение искусства.

Принципы дизайна — это способы организации элементов искусства (линии, формы, цвета, формы, пространства, значения, текстуры) для создания широкого спектра эффектов. Чтобы создать единство или гармонию в искусстве, художники размещают похожие компоненты и элементы искусства, чтобы создать последовательность. Единство или гармонию можно также создать, объединив форму и значение произведения искусства.

Единство и разнообразие в искусстве часто обсуждают вместе, потому что в конечном итоге произведение искусства должно содержать как единство, так и разнообразие, чтобы быть успешным произведением искусства, и между ними должен быть баланс.

«Сущность прекрасного — единство в разнообразии». — Уильям Сомерсет Моэм

Unity может быть очень тонким, когда все сделано хорошо. Единое произведение искусства будет выглядеть правильно, законченным и приятным. Принципы художественного единства — это не обязательно просто повторение одного и того же элемента снова и снова, это приятное сочетание элементов для создания общей картины.

Ботеро создает единство в The Musicians с помощью формы, формы, цвета, линий и пространства.

Загрузить бесплатный пакет для печати «Элементы и принципы»

Этот набор печатных форм был разработан для использования в вашем классе различными способами при обучении элементам и принципам искусства. Вы можете распечатать и повесить в классе в виде плакатов / якорных диаграмм или вырезать каждый элемент и принцип искусства на отдельной карточке, чтобы использовать ее в качестве манипулятора урока.

Примеры единства в искусстве с использованием формы / формы

• Густав Климт, Поцелуй , 1907–08
• Василий Кандинский, Круги по кругу , 1923
• Гюстав Кайботт, Фрукты на стенде , 1881
Пьет Мондвэй 902 , 1942
• Сальвадор Дали, Галатея Сфер , 1952

• Каспар Давид Фридрих, Этапы жизни (пляжная фотография, пляж в Вик) , ок.1834
• Кара Уокер, Восстание! (Наши инструменты были рудиментарными, но мы их использовали) , 2000
• Rene Magritte, Golconda , 1953
• Georges Seurat, A Sunday on La Grande Jette , 1884

Примеры единства в искусстве с использованием цвета

Примеры единства в искусстве с использованием текстуры

Примеры единства в искусстве с использованием линии

• Бен Шан, Супермаркет , 1957
• Обри Бердсли, Юбка Павлин , 1893
• Джон Сингер Сарджент, Белые корабли , около 1908 г.
• Пабло Пикассо,
• , Танец молодежи 19000 Марсель Дюшан, Обнаженная спускающаяся лестница , 1912
• Хосе Диего Мария Ривера, Сахарный тростник , 1931

Примеры единства в искусстве с использованием стиля

• Эдвард Мунк, Крик , 1893
• Рой Лихтенштейн, Взрыв из 9 , 1967
• Кейт Харинг, Без названия , 1988
• Поль Сезанн, 000 Мон-Сент-Виктуар 9645 Шэнь Чжоу, Возвращение с тысячи ли , ок.1480
• Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с воронами , 1890
• Уэйн Тибо, Банки с краской , 1990

Примеры единства в искусстве с использованием архитектуры

Ресурсы, связанные с принципами Art Unity

Учебный комплект «Элементы и принципы»

Этот необычный комплект включает лучшие ресурсы для обучения каждому из элементов и принципов — 37 листов / раздаточных материалов, 15 уроков (с соответствующими баллами PowerPoints и раздаточными материалами), 3 готовых упражнения по анализу искусства, 3 видео по анализу искусства и 13 элементов. и основные статьи в формате PDF.

Вот и все! Лучшие образцы единства в искусстве для ваших элементов и принципов уроков искусства. Хотите больше элементов и принципов ресурсов для учителей рисования? Ознакомьтесь с сообщениями ниже.