Абстракционизм в живописи это: Ой! Страница не найдена :(

Абстракционизм — стиль в искусстве XX века: суть абстракционизма, основные направления, история в живописи. Самые известные художники-абстракционисты: Кандинский, Мондриан, Малевич

Updated: 04.08.2020

Абстракционизм — стиль живописи и искусстве в целом, отвергающий реалистичное воспроизведение окружающего мира. Его последователи изображают простые и сложные формы, играют с цветом, используют линии, плоскости и другие объекты, комбинируя их так, чтобы создать у зрителя определённые эмоции. Этим их подход отличается от того, что применяют мастера, придерживающиеся классицизма и многих других стилей. При первом взгляде на картину, написанную абстракционистом, может показаться, что на ней — хаотичное нагромождение линий, фигур и пятен. При более внимательном изучении становится ясно, что художник создал целостную композицию, призванную вызывать у зрителя определённые мысли или настроение.

Абстракционизм как направление живописи появился в 1910 году, когда русский художник и теоретик изобразительного искусства Василий Кандинский написал свою первую абстрактную акварель. Сам Василий Васильевич впоследствии рассказывал о том, что он просто перевернул одну из картин Клода Моне. Ему показалось, что в такой ориентации она выглядит намного лучше, чем в обычной, и именно это побудило его использовать абстракции в своём творчестве.

Абстракционизм после его создания Кандинским начал активно развиваться. Последователями художника в этом направлении стали Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, которые сформулировали философию стиля и разработали одно из его ответвлений — лучизм, или районизм. Важную роль в развитии абстракционизма сыграл Казимир Малевич, который сделал технику абстрактности совершенно беспредметной, разработав такое направление, как супрематизм.

Изучая события тех времён, когда появился абстракционизм, можно сделать вывод, что для зарождения этого стиля было сразу несколько причин. Одна из них — запрос на перемены, который появился в предреволюционном обществе. В начале XX века многие устали от сложившихся традиций — как в искусстве в частности, так и в жизни в целом. Людям хотелось нового, и абстракционизм, который с определённой точки зрения можно считать экстремизмом в искусстве, дал им это. Ещё одной причиной появления стиля стало расслоение кубизма, экспрессионизма и футуризма, которое шло в 10-х годах прошлого века. В ходе этого процесса в живописи появились новаторские решения, подразумевавшие отказ от реалистичности и ставшие в основу абстракционизма.

Появившийся стиль стал, без преувеличения, началом новой эпохи в живописи. Отныне художник мог полностью отказаться от ограничений и рамок и свободно выражать себя, воплощая в произведениях эмоции, мысли и ощущения. Заметим, что абстракционизм получил признание далеко не сразу — некоторое время он оставался в андерграунде и подвергался критике и осуждению. Со временем ситуация изменилась, и абстрактная живопись получила признание и заняла достойное место в ряду многочисленных стилей.

Основные направления абстракционизма

Абстракционизм по мере развития расслоился на несколько направлений, в каждом из которых работали свои представители. Появились такие виды стиля, как:

• геометрический. В работах художников, исполненных в этом стиле, преобладают чёткие формы и линии, многие из них создают иллюзию глубины;
• цветовой. Мастера, придерживающиеся этого направления, активно работают с цветами и их сочетаниями — именно через них они передают эмоции, которые хотят создать у зрителей;
• минималистичный. Суть этого направления живописи — в полном отсутствии отсылок к реальным объектам и предельно сдержанном использовании цветов, форм и линий;
• экспрессивный. Художники, творящие в этом направлении, стремятся привнести в свои произведения динамику, движение, посредством которых передают эмоции и ощущения. Оттенки, линии и формы при этом отходят на второй план.

Самые известные представители абстракционизма

За время существования абстракционизма в разных странах мира получили известность многие художники, придерживающиеся этого стиля. В их числе:

Проходят годы и десятилетия, а абстракционизм, остаётся актуальным, активно развивается и проникает во многие области искусства — архитектуру, моду и другие. Заинтересованы? Вы можете приобрести произведения искусства, выдержанные в абстрактном стиле, в онлайн-каталогах сайта Very Important Lot.

Чуприна-арт.ком/ Блог художника Ксении Чуприной

{«items»:[«5f7848e9fd89ec0018461f90″,»5f7848e9fd89ec0018461f91″,»5f7848e9fd89ec0018461f92″],»styles»:{«galleryType»:»Strips»,»groupSize»:1,»showArrows»:true,»cubeImages»:true,»cubeType»:»fill»,»cubeRatio»:»100%/100%»,»isVertical»:false,»gallerySize»:30,»collageDensity»:0.8,»groupTypes»:»1″,»oneRow»:true,»imageMargin»:0,»galleryMargin»:0,»scatter»:0,»rotatingScatter»:»»,»chooseBestGroup»:true,»smartCrop»:false,»hasThumbnails»:false,»enableScroll»:true,»isGrid»:false,»isSlider»:false,»isColumns»:false,»isSlideshow»:true,»cropOnlyFill»:false,»fixedColumns»:1,»enableInfiniteScroll»:true,»isRTL»:false,»minItemSize»:120,»rotatingGroupTypes»:»»,»rotatingCropRatios»:»»,»columnWidths»:»»,»gallerySliderImageRatio»:1. 7777777777777777,»numberOfImagesPerRow»:3,»numberOfImagesPerCol»:1,»groupsPerStrip»:0,»borderRadius»:0,»boxShadow»:0,»gridStyle»:0,»mobilePanorama»:false,»placeGroupsLtr»:false,»viewMode»:»preview»,»thumbnailSpacings»:4,»galleryThumbnailsAlignment»:»bottom»,»isMasonry»:false,»isAutoSlideshow»:true,»slideshowLoop»:false,»autoSlideshowInterval»:2,»bottomInfoHeight»:0,»titlePlacement»:»SHOW_ON_HOVER»,»galleryTextAlign»:»center»,»scrollSnap»:true,»itemClick»:»nothing»,»fullscreen»:true,»videoPlay»:»hover»,»scrollAnimation»:»NO_EFFECT»,»slideAnimation»:»SCROLL»,»scrollDirection»:1,»scrollDuration»:400,»overlayAnimation»:»FADE_IN»,»arrowsPosition»:0,»arrowsSize»:18,»watermarkOpacity»:40,»watermarkSize»:40,»useWatermark»:true,»watermarkDock»:{«top»:»auto»,»left»:»auto»,»right»:0,»bottom»:0,»transform»:»translate3d(0,0,0)»},»loadMoreAmount»:»all»,»defaultShowInfoExpand»:1,»allowLinkExpand»:true,»expandInfoPosition»:0,»allowFullscreenExpand»:true,»fullscreenLoop»:false,»galleryAlignExpand»:»left»,»addToCartBorderWidth»:1,»addToCartButtonText»:»»,»slideshowInfoSize»:160,»playButtonForAutoSlideShow»:false,»allowSlideshowCounter»:false,»hoveringBehaviour»:»NEVER_SHOW»,»thumbnailSize»:120,»magicLayoutSeed»:1,»imageHoverAnimation»:»NO_EFFECT»,»imagePlacementAnimation»:»NO_EFFECT»,»calculateTextBoxWidthMode»:»PERCENT»,»textBoxHeight»:0,»textBoxWidth»:200,»textBoxWidthPercent»:50,»textImageSpace»:10,»textBoxBorderRadius»:0,»textBoxBorderWidth»:0,»loadMoreButtonText»:»»,»loadMoreButtonBorderWidth»:1,»loadMoreButtonBorderRadius»:0,»imageInfoType»:»ATTACHED_BACKGROUND»,»itemBorderWidth»:0,»itemBorderRadius»:0,»itemEnableShadow»:false,»itemShadowBlur»:20,»itemShadowDirection»:135,»itemShadowSize»:10,»imageLoadingMode»:»BLUR»,»expandAnimation»:»NO_EFFECT»,»imageQuality»:90,»usmToggle»:false,»usm_a»:0,»usm_r»:0,»usm_t»:0,»videoSound»:false,»videoSpeed»:»1″,»videoLoop»:true,»jsonStyleParams»:»»,»gallerySizeType»:»px»,»gallerySizePx»:220,»allowTitle»:true,»allowContextMenu»:true,»textsHorizontalPadding»:-30,»showVideoPlayButton»:true,»galleryLayout»:5,»targetItemSize»:220,»selectedLayout»:»5|bottom|1|fill|false|1|true»,»layoutsVersion»:2,»selectedLayoutV2″:5,»isSlideshowFont»:true,»externalInfoHeight»:0,»externalInfoWidth»:0},»container»:{«width»:220,»height»:284,»galleryWidth»:220,»galleryHeight»:123,»scrollBase»:0}}

Абстракционизм в живописи

Абстракционизм, что от лат. аbstractio означает отвлечение, удаление – это нефигуративное, беспредметное искусство. Своеобразная форма изобразительной деятельности, которая не ставит цель имитировать или же отобразить визуально воспринимаемую реальность. Абстрактная скульптура, живопись и графика исключают ассоциацию с узнаваемым предметом.

Время возникновения первой абстрактной картины, а также истоки абстрактной живописи не были установлены. Можно говорить с уверенностью только о том, что посреди 1910 и 1915 гг. многие художники Европы пробовались в нефигуративных и беспредметных композициях (в скульптуре, рисунке и живописи).

Это: М.Ф.Ларионов, Ф.Купка, Р.Делоне, П.Клее, Ф.Пикабиа, У.Бочиони, Ф.Марк, Ф.Маринетти, А.Г.Явленский и многие другие.

Наиболее известные и оригинальные – это П.Мондриан, В.В.Кандинский и К.С.Малевич.

Композиция в сером, розовом, П.Модриан

Композиция № 217 Серый овал, В. В.Кандинский

Я ухожу в пространство, К.С.Малевич

Кандинского обычно называют «изобретателем» абстракции, тем самым подразумевая его акварели 1910–1912 годов, а также его теоретические работы, объективно свидетельствующие о самодостаточности искусства и указывая на его умение собственными своими средствами создавать некоторую новую реальность. Кандинский и в теории, и в практике был более последователен и решителен из тех, кто в это время приблизился к черте, которая отделяет фигуративность от абстракции. Вопрос о том, кто первый пересек эту черту, оставался невыясненным. Однако, не имеет важного значения, так как в первые годы ХХ века новейшие течения искусства Европы вплотную подходили к этой границе, причем все демонстрировало то, что она будет опрокинута.

Художники абстракционисты

Василий Кандинский, Иоганнес Иттен, Ли Юань Чиа, Павел Филонов, Франтишек Купка.

Несмотря на бытующие представления, абстракция не была стилистической категорией. Данная своеобразная форма изобразительного искусства распадается на несколько течений. Лирическая абстракция, геометрическая абстракция, аналитическая абстракция, жестикуляционная абстракция и более частные течения, например, аранформель, супрематизм, нюажизм и так далее.

Стили абстрактного искусства вырабатываются из тех же стилеобразующих частиц, как и стили фигуративного. Это подтверждает тот факт, что монохромная живопись – это холст, который закрашен одним тоном, – пребывает в таком же промежуточном отношении к стилю, как в полной мере натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – особый вид изобразительного творчества, у которого функции сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Нарастающая перемена эстетических установок в искусстве начинается в революционных реформированиях в науке, культуре и технике XX века. Уже в первой половине XIX века в искусстве новые тенденции начинают быть заметными. В тот период в живописи Европы можно увидеть одновременно нарастающую тенденцию к условности (Ф.

Гойя, Э.Делакруа, К.Коро,) и совершенствование натуралистической техники (Т.Шассерио, Ж.-Л.Давид, Ж.Энгр). Первая особенно заострена в английской живописи – у Р.О.Бонингтона, а также У.Тернера. Его картины — «Солнце, восходящее в тумане…» (1806 г.), «Музыкальный вечер» (1829–1839 гг.) и некоторые другие работы передают самые смелые обобщения, которые граничат с абстракцией.

Сделаем акцент на форме, а также на сюжете, одной из его последних работ –

«Дождь, пар, скорость», изображающая паровоз, который мчится через туман и пелену дождя. Данная картина написана в 1848году – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

Начиная с середины XIX века, скульптура, графика обратились к тому, что непонятно непосредственному изображению. Наиболее интенсивно разворачиваются исследования новых изобразительных средств, методов типизации, универсальных символов, повышенной экспрессии, сжатых пластических формул. С одной стороны, это обращено на изображение внутреннего мира человека, его эмоциональных психологических состояний, с другой же – на развитие видения предметного мира.

В 1900-е годы открытие первобытного и чуть позже общепринятого искусства (первоначально в Испании, а затем во Франции), решительно изменяет представление о значимости условных форм в изобразительном искусстве.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Абстракционизм в живописи

2.8 (55%) 4 голос(ов)

Что такое абстракционизм в искусстве? | Культура

Исполняется сто лет со дня написания в Мюнхене первой абстрактной картины русским художником Василием Кандинским. Начало Х Х в. породило неслыханные эксперименты в искусстве. Часть художников постепенно утратила интерес к реальным предметам или начала по-своему трансформировать их.

Так, кубизм, возникший во Франции в 1907 г., изображал гитару или кувшин с нескольких точек зрения, сводя их к кубу, цилиндру, конусу. Художник рисовал не так, как видел, а как представлял, например, М. Вебер «Герань» (1911). Кубизм — начало перехода ряда художников к формотворчеству, независимости от объективной реальности. Завершил этот процесс абстракционизм.

Некоторые художники не находили в жизни вдохновляющих целей и ориентиров. Они искали опору в божественном, внеземном, обращаясь к некоему безличному разуму. Одновременное появление абстракционизма сразу в нескольких странах в 1910—1913 гг. вызвано тем, что многие художники изменили представление о живописи в связи с бурным развитием фотографии.

Путь художников к абстракционизму был разным. Так, для Кандинского стимулом явилась встреча с произведениями импрессионистов, где фигура и фон подчас сливаются в одно почти неразличимое целое. В своих статьях Кандинский пытался изложить основные принципы абстрактного искусства. Цвет и форму художник возвел в абсолют. По его мнению, каждая форма: треугольник, квадрат или круг — обладает собственным звучанием.

Желтый цвет сильнее звучит в треугольнике, круг придает большую глубину синему цвету. Зная звучание каждой формы и ее соотношение с цветом, можно будет со временем, полагал живописец, создать теорию абстрактной живописи. Выбор форм, из которых создается картина, определяется только внутренней необходимостью творческой натуры. Художник должен стремиться пробудить «внутреннюю вибрацию души». В итоге картина воспринималась наподобие изделия декоративно-прикладного искусства, «ковра или галстука».

Если в работах Кандинского и его последователей используются формы, напоминающие органические, типа амеб, то работы Малевича и Мондриана образуют геометрическую ветвь абстракционизма, поскольку они предпочитали работать с квадратами, треугольниками, кругами. У Малевича поворот к абстракционизму произошел под влиянием кубизма. Оттолкнувшись от кубистических полотен с разложением предмета на ряд плоскостей, художник перешел к изображению одной только плоскости. Все знают его «Черный квадрат». Особенности своей живописи он обозначил словом «супрематизм». От слова «supreme» — наивысший. Объяснения своих композиций Малевич дополнял рассказами о звездах, Солнце, Луне, Космосе.

Художники этого направления пытались в сочетаниях элементарных форм — органических или геометрических — представить какой-то иной мир. Отчетливее всего такая тенденция проявилась у Мондриана, который, используя чистые желтые, синие, красные, черные и белые цвета, из квадратов и прямоугольников создавал живописный эквивалент некоего «божественного абсолюта». Абстракционисты, порвавшие с изображением внешнего мира, апеллировали к мистическим, космическим силам, пятому измерению. Но их творчество явилось ответом на потребность промышленного производства. Ведь форму любой машины можно разложить на простые геометрические фигуры и объемы: прямоугольник, круг, треугольник, квадрат, конус.

В 1919 г.  в немецком г. Веймаре был создан учебный центр промышленного искусства — Баухауз, в работе которого приняли участие художники абстракционисты: Кандинский, Клее, Файнингер и др. Оказал определенное влияние абстракционизм и на архитектуру. Так, «прямоугольники» Мондриана и его последователей стимулировали формирование нового функционального стиля в строительстве, широко использовавшего стекло и бетон.

В 1945 г. в Нью-Йорке возникает новое направление — абстрактный экспрессионизм. Художники, работавшие в этом стиле, по-своему отражали состояние тревоги и одиночества, представляя сильно искаженные изображения лиц и фигур людей в виде иероглифов, знаков. Эти абстракционисты пытались противопоставить временному бытию земных явлений существующие с эпохи наскальной живописи схемы, или так называемые архетипы, мужчин и женщин, души, животного. Но вскоре абстрактный экспрессионизм отошел и от этих намеков на действительность. Для лидера этого направления, Д. Поллока, даже изображение элементарных фигур казалось ограничением творчества.

Джексон Поллок пришел к абстракционизму в 1930-х годах. Лечась у врача-психоаналитика, он заинтересовался сферой бессознательного в человеческой личности и в творчестве и попытался выявить это на полотне. Свои манипуляции с красками и полотном он рассматривал как особый вариант жизни. Поллок хотел, чтобы чувство ритма и цвета изливалось из художника подобно дождю. Для этого употреблял и нехитрую технику — поливание лежащего на полу полотна краской из продырявленной банки. Хаосу, получавшемуся из цветных пятен и полос, должен был придать единство «скрытый смысл». Поллок, так же как и остальные абстракционисты, видел в своих экспериментах выявление извечных законов природы, проявлявшихся в этих спонтанных действиях с помощью струй краски.

С середины 1960-х гг. на смену абстрактному экспрессионизму приходит так называемый минимализм. Он развивал мондриановский, геометрический вариант абстрактного направления в живописи. Минималисты извлекли урок из непонимания зрителями абстракционизма. Поэтому в сочетании элементарных форм они пытались внести определенный порядок, который зрители могли уловить. Для этого минималисты использовали не только квадраты, круги и треугольники, но также отрезки труб, бетонные кубы и пирамиды, алюминиевые конусы, куски бревен, доски, резиновые ленты, прямоугольники из нержавеющей стали.

Их принципы можно сравнить с работой художника по росписям ткани абстрактными рисунками или рисунка обоев. В обоях и тканях элементы композиции сочетаются в определенном, повторяющемся порядке. Минималисты не обошлись без ссылок на универсальные законы природы, космический порядок.

Неподготовленные зрители чаще всего не воспринимают абстрактные полотна как произведения искусства. Наиболее любимыми произведениями участники одного из широких опросов, проведенного ЮНЕСКО в канадском г. Торонто, назвали полотна Ж. Милле «Вечерний звон» и «Мальчик в красном жилете» П. Сезанна, отобрав их из 220 репродукций художников XIX—XX вв. Они отвергли абстрактную живопись П. Мондриана и В. Кандинского, сюрреализм Х. Миро и П. Клее, абстрактный экспрессионизм Д. Поллока и У. Базиотеса. Беспредметную живопись опрашиваемые награждали замечаниями: «мазня», «просто цвет и формы», «в них что-то есть, но трудно сказать, что именно», «бессмысленно», «картины просто ужасны».

Художники, создавая абстрактные полотна, имели в виду и некоего абстрактного зрителя, способного ограничиться восприятием «вибрации красок». Реальный же зритель часто видит в них в лучшем случае орнамент. Еще Кандинский сетовал на то, что искусство «специализируется, становясь понятным только самим художникам, которые жалуются на равнодушие зрителей к их произведениям». Тогда абстракционисты уповали на будущее.

Сто лет прошло с тех пор, а зрительский интерес к этой живописи не стал больше. И только для того, чтобы показать некое превосходство в понимании такого искусства, некоторые готовы выложить за эти произведения миллионы долларов. Никому не хочется первым произнести фразу: «А король-то голый!».

На поприщах русского абстракционизма – Коммерсантъ Санкт-Петербург

Сергей Куприянов, президент Союза абстракционистов России и один из ярчайших деятелей современного отечественного абстракционизма, как-то отметил: «Абстракционизм как качество свободы несет в себе свободу индивидуальности, свободу творчества, свободу мысли. В определенном смысле прагматичный Запад никогда не поймет абстрактную душу русского».

В.Кандинский ‘На белом II’ (1923 г.)

Известный факт — абстракционизм начинался в России. Первым был великий Кандинский, наряду с ним в скрижали истории искусства вписаны имена Малевича, Лисицкого, Родченко. Но, несмотря на право быть первыми, в России к абстракционизму относились и относятся по-разному, хотя самые смелые и передовые идеи абстракционизма зарождались именно здесь. Абстракционизму уже более века, и назвать его чем-то относительно новым в искусстве, конечно, нельзя, хотя сегодня развитие разных направлений абстракционизма процветает как никогда.

Эволюционное развитие раннего абстракционизма, который, кроме вышеупомянутых художников, еще обозначили Пит Мондриан, Робер Делоне, Пабло Пикассо, в середине XX века продолжилось в виде абстракционного экспрессионизма Джексона Поллока, Марка Ротко, Ханса Хоффмана, Вильяма Де Куннинга, Франца Кляйна и других. Абстракционисты российского происхождения того периода — Сергей Шаршун, Андрей Ланской, Серж Поляков, Никола де Сталь — также внесли свою лепту в мировое искусство. Затем последовали разновидности абстрактного искусства — от минимализма, нео- и постконцептуализма, поп- и оп-арта до смешанного и цифрового искусства, мультимедиа- и тех-арта, а также других многочисленных направлений, которые продолжили активное развитие абстракционизма вплоть до наших дней. В их числе, к примеру, одно из направлений новой американской живописи под названием «хроматическая абстракция», оно достигло высот в работах Фрэнка Стеллы и Эльсуорта Келли ближе к концу ХХ века.

А.Родченко ‘Композиция’ (1917 г.)

В ЦДХ недавно завершилась международная выставка «Ландшафты абстракции», в которой приняли участие более 70 художников из разных стран мира. Одним из ярких явлений этой выставки стала наша соотечественница, проживающая в Калифорнии, Света Самсон (Sweet Samson). Казалось, что еще нового или неординарного можно внести в современное изобразительное искусство? Ведь все уже написано, сказано и изображено. Света Самсон внесла новое и получила теплые отклики ценителей искусства, экспертов галерей и художественных критиков. Она создает необычные и смелые образы на основе полимерного композиционного материала, или как его еще называют «карбона». Новизна в абстракционизме, многочисленные выставки по всему миру, богатый международный опыт и обучение в престижных ВУЗах сделали Свету Самсон одной из самых известных молодых художниц современности, задающих тон искусству, над которым нужно думать. «Динамический карбон» — так называется жанр, который создала Света Самсон. В рамках проекта присуждались премии в номинациях живопись, графика, фотография, объект. Некоторые из лауреатов в разных номинациях проявили свою принадлежность к самим передовым течениям абстракционизма, что было оценено экспертным жюри при присуждении призов.

Света Самсон ‘Композитный лобстеринг’ (2015 г.)

Со Светой Самсон нам удалось поговорить после выставки, в которой она, кстати, стала лауреатом.

«В России в области абстракционизма сегодня наблюдается множество заслуживающих внимания инициатив и начинаний, а интерес зрителя подтверждает, что процесс движется в правильном русле. Для художников абстракционистов главное — не останавливаться и продолжать начатое.

К примеру, на Западе галереи, коллекционеры и любители искусства максимально открыты к абстрактным работам, концептуальному и экспериментальному искусству. Художники не стесняются в выражении своих идей, а основные мировые площадки смело представляют новых художников, показывая их работы наравне с уже признанными мастерами. Далеко не все и всегда мне нравится, но не в этом дело. Открытие новых горизонтов и новаторство приветствуются, это дает обновление, искусство не стоит на месте, развивается. Абстракционизм — это коммуникация, повод начать диалог с собой и другими. И если вдруг абстракция вызывает мысль, что ничего не понятно, это прекрасный старт для того, чтобы задуматься, почему это так, какие чувства это вызывает и какова причина. В образовательной системе мировых столиц современного искусства основной акцент ставится как на критическое мышление, так и на способность абстрактно мыслить и развивать многослойность восприятия явлений, некий философский, если не метафизический взгляд на реалии. По видимости, тут сказывается глобальный кризис сознания человека, в том числе и в силу технологического и информационного перегруза, что требует сброса, разрядки, менее линейного мышления. Абстракционизм в искусстве как раз где-то тут и ищет выходы. Нашим людям не чуждо мыслить абстрактно, и русское искусство может лидировать в данном направлении вполне естественно», — рассказала художница.

В целом абстракционизм из нашего культурного пространства однозначно богат, уникален и имеет многое для представления изысканной отечественной и мировой публике, продолжая собственные традиции инноваций и самодостаточности. Хотя искусство дело тонкое, с уверенностью можно отметить, что русские абстракционисты продолжают радовать своим творчеством и передовыми идеями.

Многие интересные художники-абстракционисты нового поколения работают над поиском новых, оригинальных идей. И при этом невозможно переоценить значение просветительской и общественной значимости работы Творческого союза художников России под руководством Константина Худякова или Союза абстракционистов России под руководством Сергея Куприянова, которые вместе с художественными объединениями, творческими союзами и индивидуальными художниками обеспечивают продвижение абстракционизма в культурной жизни современной России.

Аурен Хабичев

Абстракционизм в живописи: картины, художники

Одним из самых сложных явлений современной культуры стал абстракционизм. Его название идет от латинского слова abstractus — отвлеченный.

Это искусство никогда не пользовалось популярностью у широких масс. Художники-абстракционисты не стремятся изобразить реально существующие предметы, явления, события. Они не пишут людей, животных, картины природы, хотя применяют обычные изобразительные средства — цвет, линии, точки. Картины абстракционистов отличаются яркой декоративностью, но живописцы не считают их эскизами для ковров и тканей. Главное для них — передать через сочетание красочных пятен, контуров, цветовых плоскостей свои чувства и настроение, а также отношение к окружающему миру. Абстракционизм, который иногда именуют «беспредметным» искусством, — явление многообразное. Существует несколько его разновидностей.

Основателем абстракционизма считается французский художник Р. Делоне.

Робер Делоне

Робер Виктор Феликс Делоне родился в 1885 г. в Париже. Специального художественного образования он не получил. Живописью Делоне начал заниматься в 1905 г. Ранние его картины написаны под впечатлением от произведений Ж. Сёра и П. Сезанна. Увлекшись дивизионизмом, художник изучал работы Э. Шеврёйля, посвященные взаимоотношениям света и цвета.

В 1908 г. Делоне вошел в объединение кубистов «Золотое сечение». В этот период он создал композиции, в которых глазам зрителя предстают полные динамики расчлененные объемы («Сен-Северен», «Город», «Башни Лана»).

Как и другие художники этого направления, Делоне стремился не только представить предмет со всех сторон одновременно, но и изобразить его в разные моменты времени. Такова картина «Бронепоезд в действии», где состав, разделенный на части клубами пара и потоками света, кажется мчащимся по рельсам.

В 1910 г. мастер женился на русской художнице Соне Терк, помогавшей ему в создании многих работ в области прикладного искусства.

В 1911 г. Делоне приехал в Мюнхен, где принял участие в выставке, организованной «Синим всадником». В 1912 г. произошел его разрыв с кубистами. С этого момента художник увлекся беспредметной живописью. Он выработал особый стиль, соединивший многие приемы и достижения импрессионистов и неоимпрессионистов, кубистов и фовистов. Делоне писал серии композиций, на которых можно увидеть призматические фигуры, отражающие далекие предметы («Окна», 1912), или соединяются контрастные цветовые плоскости, создающие впечатление движения («Диски», 1912-1913). В этот же период он выполнял картины, посвященные авиации («Команда из Кардифа», 1912-1913). В них абстрактные формы сочетаются с реальными деталями и предметами.

С 1914 по 1920 г. Делоне жил в Испании и Португалии. К этому времени относится его работа над оформлением театральных постановок С. Дягилева.

В 1921 г. мастер вернулся в Париж, где сблизился с художниками-дадаистами. В 1920-1930-е гг. он писал абстрактные композиции, продолжая разрабатывать те темы, которые свойственны его ранней живописи (спорт, Эйфелева башня). Дома и знаменитый символ Парижа на его известной картине «Эйфелева башня» (1926-1928) кажутся удивительно подвижными, словно художник изобразил их в момент первого толчка сильного землетрясения. Нередко поздние работы Делоне представляют радужные окружности, как будто вращающиеся на плоскости полотна («Круглые формы», 1930; «Ритм, радость жизни», 1930) . В эти годы художник создавал не только абстрактные композиции, но и реалистические портреты своих
современников (В. Маяковского, Л. Арагона, А. Бретона).

Умер Робер Делоне в 1941 г. в Монпелье.

Известным представителем абстрактного искусства был русский живописец Казимир Малевич, стремившийся с помощью беспорядочно расположенных геометрических фигур передать движение («Черный квадрат на белом фоне»).

К основателям абстракционизма многие исследователи причисляют голландского мастера Пита Мондриана. Пространство
своих картин он заполнял квадратами и прямоугольниками, окрашенными в красный, белый, желтыи и синий цвета. Декоративные композиции Мондриана напоминают увиденные с высоты птичьего полета поля Голландии, усеянные яркими цветами.

Р. Делоне. Эйфелева башня. 1926-1928 гг.

От Мондриана и Малевича идет абстрактное направление, представители которого стремились уравновесить композицию с помощью геометрических фигур. К нему принадлежит и вариант абстрактного искусства, появившийся в 1960-х гг. и получивший название оп-арт (от английского optical art — оптическое искусство), в основе которого лежит свойство геометрических фигур и цветовых контрастов создавать иллюзию движения. Основателем оп-арта является французский художник, венгр по национальности, Виктор Вазарели.

Следующее направление в абстракционизме связано с именами В. Кандинского, выходца из России, жившего за границей, и П. Клее, швейцарского художника. В живописи представителей этого течения заметно стремление связать искусство с реальностью. В то же время, глядя на их картины, очень трудно определить, что именно хотел сказать мастер.

Василий Кандинский

Василий Васильевич Кандинский родился в 1866 г. в Москве. В 1885-1892 гг. он учился в Московском университете на юридическом факультете. В 1896 г. Кандинский приехал в Мюнхен и поступил в школу Ашбе, а в 1900 г. — в Академию художеств, где его учителем был Ф. фон Штук. В 1901 г. он стал основателем художественного объединения «Фаланга». В 1903-1907 гг. совершил путешествие по Германии, Австрии, Голландии, Франции, Тунису. Много раз Кандинский приезжал в Россию.

Вернувшись в 1908 г. в Германию, художник поселился недалеко от Мюнхена, в Мурнау. По его инициативе в 1909 г. был создан «Новый союз художников Мюнхена», просуществовавший до 1911 г. После распада союза Кандинский основал объединение «Синий всадник».

Раннее творчество Кандинского отмечено влиянием самых разнообразных художественных направлений: импрессионизма, постимпрессионизма, символизма, фовизма, модерна («Одесса. Порт», 1900; «Старый город», 1902). Главным средством выразительности в его пейзажах конца 1900-х гг. становится цвет, благодаря которому изображение как будто колышется и движется («Мурнау. Двор замка», 1908; «Пейзаж с башней», 1908). В этих композициях переплетаются яркие абстракции и реальные образы и предметы («Озеро», «Импровизация 9»). Пейзажи 1910-1914 гг. с их звучным колоритом и динамичным мазком наводят зрителя на мысль о вселенских катаклизмах и движении энергии в космическом пространстве («Композиция VI», 1913; «Импровизация. Потоп», 1914).

Свои теоретические обоснования абстрактного искусства Кандинский изложил в книге «О духовном в искусстве», вышедшей в свет в 1911 г.

В 1915 г. Кандинский снова приехал в Россию. После революции он занимался педагогической деятельностью, работал в отделе ИЗО Наркомпроса, в Институте художественной культуры, преподавал во Вхутемасе. Художник был также вице-президентом Российской академии художественных наук. Занимаясь организационной и педагогической работой, Кандинский не забывал и живопись. В России он создал множество своих абстрактных композиций («Москва I», 1916; «Сумеречное», 1917; «Картина с остриями», 1919).

В 1921 г. художник вернулся в Германию, где в 1928 г. получил немецкое гражданство.

Он начал преподавать в «Баухаузе» — Высшей школе строительства и художественного конструирования в Веймаре, а
затем в Дессау. Кандинский работал в «Баухаузе» до 1933 г., когда это учебное заведение было закрыто нацистами.

В 1924 г. мастер организовал объединение «Синяя четверка», куда кроме него вошли художники П. Клее, А. Явленский,
Л. Файнингер. Работа в «Баухаузе» оказала влияние на творческий метод Кандинского. Свой новый стиль художник назвал «лирическим геометризмом». Теперь формы в его картинах создаются с помощью таких элементов, как квадрат, треугольник, круг («Композиция VIII», 1923; «Маленькая мечта в красном», 1925; «Акцент на розовом», 1926).

После прихода к власти в Германии фашистов Кандинский переселился во Францию. В 1939 г. он стал гражданином этой страны. В его поздних живописных композициях появляются некоторые изменения: контуры становятся более плавными, четко выделяясь на одноцветных плоскостях («Доминирующая кривая», 1936; «Вокруг круга», 1940). Сначала Кандинский жил в Париже, а позднее переехал в Нёйи-сюр-Сен, где и скончался в 1944 г.

Пауль Клее

Швейцарский живописец, график, теоретик искусства Пауль Клее родился в 1879 г. Рисунку и живописи он учился в частной художественной школе в Мюнхене. В 1898 г. Клее поступил в мюнхенскую Академию художеств, где его наставником был Ф. фон Штук.

В 1902 г., завершив образование, художник отправился в путешествие по Италии. Вернувшись в Швейцарию, он занимался гравюрой. Лучшими его работами в этой технике стали серии «Инвенции» (1903-1904), «Встреча двух людей, каждый из которых убежден в более высоком положении другого» (1903), «Однокрылый герой» (1905). Эти произведения с гротескными образами и причудливыми линиями отмечены влиянием модерна и немецкого романтизма.

В 1905-1906 гг. Клее посетил Париж и Берлин. В 1906 г. он женился на немецкой пианистке Лили Стампф и переехал в Мюнхен. Здесь художник увлекся искусством П. Сезанна, В. Ван Гога, А. Матисса и Дж. Энсора. В 1911 г. он сблизился с В. Кандинским, Ф. Марком, А. Макке и вошел в объединение «Синий всадник». В 1912 г. Клее вторично посетил Париж, где познакомился с Р. Долене. Огромное впечатление произвело на него искусство Ж. Брака и П. Пикассо. От живописи Делоне, придававшего большое значение цвету и ритму тональных соотношений, идет своеобразный колорит произведений Клее.

После посещения Туниса в апреле 1914 г. живопись прочно вошла в творчество художника, не оставляющего и графику. Он писал акварели и картины маслом, предварительно делая натурные наброски и эскизы. Мотивы природы и архитектуры Северной Африки трансформируются в абстрактные формы, сохраняющие связи с реальным миром («По мотиву Хаммамета», 1914; «Кайруан (Отъезд)», 1914). Иногда реальная действительность приобретает в его живописи знаковой характер («Вилла», 1919). Стремление художника к простоте выразилось в картинах, несколько напоминающих детские рисунки («Демонический какен», 1916; «Полная луна» 1919). Это свойственно и более поздним его работам («Лестница и лесенка», 1928; «Дух на стебельке», 1930).

В 1916-1918 гг. Клее проходил военную службу в резервном подразделении. Вернувшись в Мюнхен, он представил свои работы на персональной выставке в галерее Гольца (1920). Свои взгляды на искусство художник изложил в 1918 г. в книге «Творческая исповедь».

В 1921 г. Клее начал преподавать в «Баухаузе», в Веймаре. Вначале он возглавил переплетную мастерскую, а затем — студию живописи по стеклу. В «Баухаузе» другом Клее стал В. Кандинский. В 1924 г. швейцарский мастер вошел в основанное последним объединение «Синяя четверка».

В этот период Клее создал свои самые лучшие работы. Повторяющиеся геометрические фигуры и ритмичные цветовые плоскости рождают на холсте необычные, похожие на грезы, образы («Город-мечта», 1921; «Вид города с красно-зелеными акцентами», 1921; «Магический театр», 1923; «Шут в трансе», 1929).

Нередко художник при создании полотен обращался к мотивам восточного искусства. Влияние персидской миниатюры и керамики чувствуется в композициях «Пейзаж с желтыми птицами» (1923), «Золотая рыбка» (1925). В творчестве Клее отразились его литературные, философские познания и впечатления от путешествий по Италии, Франции, Египту, Испании. Например, композиция «Главный и окольные пути», написанная в 1929 г., являет собой своеобразное представление об истории и природе Египта. В картине «К Парнасу» (1923) переплетаются воспоминания об античности и о венецианских и равеннских мозаиках.

Талантливый музыкант, Клее создавал картины, в которых ритмы абстрактных форм напоминают тональность музыкального произведения («Старинное звучание. Абстракция на черном фоне», 1925).

В 1931 г. Клее ушел из «Баухауза» и стал профессором Академии художеств в Дюссельдорфе. В 1933 г., после прихода к власти в Германии фашистов, художник возвратился в Швейцарию. В 1935 г. тяжелое заболевание приковало его к постели. Преодолевая боль, Клее продолжал работать. В 1937 г. художник узнал, что 17 его картин включены в выставку «дегенеративного» искусства, которую нацисты устроили в Берлине. Из немецких музеев были изъяты 102 его картины. Ко всему прочему, художник никак не мог добиться получения швейцарского гражданства. В живописи Клее появились трагичные настроения.
О
н писал масляными, восковыми, клеевыми красками, создавая лаконичные и простые композиции. С этого времени главным средством выразительности в его картинах стала четкая черная линия, делающая образы очень экспрессивными («Любовная песнь в новолуние», 1939; «Голос из эфира», 1939; «Наскальная флора», 1940).

П. Клее. Сенекио. 1922 г.

Мрачные чувства пронизывают последние картины мастера («Ангел смерти», 1940; «Смерть и пламя», 1940; «Играющий на литаврах», 1940).

Пауль Клее умер 29 июня 1940 г. По горькой иронии судьбы в этот день он наконец стал гражданином Швейцарии.

Самым противоречивым в искусстве абстракционизма стало третье основное направление. Картины его приверженцев составлены из густых, небрежных мазков и пятен непонятной формы. Яркий представитель подобного искусства — француз Пьер Сулаж, чьи композиции составлены из беспорядочно нанесенных на холст черных и синих широких мазков. В таком же духе исполнены произведения немецкого художника Ханса Хартунга. Свое настроение эти мастера пытаются передать с помощью цвета.

Расцвет абстрактного искусства пришелся на середину 20 столетия. Позднее интерес к нему стал падать, т. к. художники не могли придумать ничего нового, способного увлечь публику. На смену абстракционизму пришли новые виды искусства, среди которых важное место занимает поп-арт.

Рождение абстракционизма: как это было

© STIFTUNG JOHN NEUMEIER

Выставка в нью-йоркском Музее современного искусства рассказывает о том, как создавалось беспредметное направление, совершившее самую радикальную революцию в искусстве после эпохи Возрождения. Причем впервые покажут, как все происходило, не на примере привычных хрестоматийных шедевров, а с привлечением работ из частных коллекций и новых фактов, доказывающих, что 100 лет назад у художников уже была своя «социальная сеть».

Куратор отделов живописи и скульптуры нью-йоркского Музея современного искусства (MoMA) Лия Дикерман не без основания считает высобытий года. Обширнейшая экспозиция включает более 400 произведений: живопись, скульптуру, графику, фильмы, фотографии, а также печатные издания указанного периода, который, по ее мнению, был столь же судьбоносным для смены культурных кодов в искусстве, как и эпоха Возрождения. «Абстракция могла возникнуть уже в 1910 году, — рассказывает она. — Пикассо приблизился к беспредметности вплотную, но не решился переступить границу, посчитав такой шаг опасным. В это же время Кандинский заложил теоретическую базу абстракции, но не реализовал ее на практике. И только в 1912 году шлюзы прорвало, и начался настоящий потоп». Словно сговорившись, художники из разных стран переступили наконец эту черту. Франсис Пикабиа, один из пионеров направления, утверждал, что именно он «придумал» абстракцию, путешествуя с Клодом Дебюсси и Гийомом Аполлинером по Франции в 1913 году. Однако Дикерман полагает, что на самом деле концепция абстрактного искусства была подготовлена несколькими художникамиTANR № 08–09, с. 14). Первопроходцами здесь были, помимо Франсиса Пикабиа (его работа Источник (1912) представлена в экспозиции), в первую очередь Василий Кандинский (его Композиция № 5 (1911) из частной нью-йоркской коллекции стала украшением выставки), Франтишек Купка, Робер и Соня Делоне (их знаковые вещи тоже фигурируют в экспозиции). И далее по списку — хрестоматийные для абстракции имена Казимира Малевича, Марселя Дюшана, Пита Мондриана. Большая часть работ — из собрания МоМА, остальные, за редким исключением (несколько вещей из европейских музеев), предоставлены частными коллекционерами. Как и полагается выставке такого размаха, она интерактивная: звучит любовная лирика Аполлинера, саундпоэзия дадаистов, демонстрируются кадры из фильмов 1910–1920-х, где запечатлена хореография новаторов танца Рудольфа фон Лабана и Мэри Уигмен. Объявлена и концертная программа: 26 февраля прозвучит музы-ка Клода Дебюсси и Стива Райха, а 4 марта — Арнольда Шёнберга.

абстрактного искусства! Определение, виды, характеристики Объектив

Абстрактное искусство

Абстрактное искусство — это беспредметное искусство, которое не имеет точного представления визуальной реальности, но использует формы, цвета, текстуры и знаки жестов для достижения своего эффекта. Он зародился в начале 20 века и был совершенно радикальным для своего времени.

Кто-то может даже сказать, что абстракция началась с наскальных рисунков тысячи лет назад. Абстрактное искусство представляет собой художественный разрыв с традиционными формами, что было главной особенностью.

Абстрактное искусство существует уже более 100 лет. Художники начали создавать упрощенные возражения, практически не ссылаясь на «реальный» мир.

Современное абстрактное искусство, которое мы знаем сегодня, можно отнести к импрессионизму, постимпрессионизму и кубизму. Все трое помогли осознать идею о том, что искусство не может быть репрезентативным.

Абстрактное искусство Василия Кандинского — Маленькие миры I, 1922 год и несколько кругов, 1926 год

Первым художником, создавшим абстрактное искусство в том виде, в каком мы его знаем, был Василий Кандинский.

Историки часто называют его «отцом» абстрактного искусства за создание картин в плавающих, нерепрезентативных формах с 1912 года. Его работы принесли абстракцию в Америку во время Armory Show в 1913 году.

Какие бывают виды абстрактного искусства?

• Чувствительный или неформальный абстракционизм
• Ташизм
• Геометрическая абстракция
• Живопись действия

Чувствительный или неформальный абстракционизм

Преобладают чувства и эмоции.Цвета и формы создаются свободно. В Германии появляется движение под названием «Der blaue Reiter» («Синий рыцарь»), основателями которого являются Кандинский, Франц Марк и другие.

Красно-синяя лошадь, Франц (1912)

Абстрактное искусство, в котором цвет и форма воплощены в максимальной выразительности.

Эти художники углубляются в хроматические исследования, добиваясь пространственных и формальных вариаций в живописи с помощью полученных тонов и оттенков. Им нужен абстрактный, чувствительный и эмоциональный экспрессионизм.

С помощью формы, цвета и линий художник может свободно выражать свои внутренние чувства, не связывая их с воспоминаниями внешнего мира. Эти элементы композиции должны иметь единство и гармонию, как музыкальное произведение.

Лучшие художники-абстракционисты:

Василий Кандинский 1866-1944

Русский художник, которого многие историки считают «отцом абстрактной живописи», но до абстракционизма он участвовал в различных художественных движениях, таких как импрессионизм, также прошел короткую фазу фовиста и экспрессионизма.

Абстрактное искусство Василий Кандинский

Он написал книги, как и в 1911 году, о духовном в искусстве, в которых стремился указать на символические соответствия между внутренними импульсами и языком форм и цветов, а в 1926 году — с точки и линии. на поверхность, более техническое объяснение конструкции и изобретательности вашего искусства.

Десятки его работ были конфискованы нацистами, некоторые из них экспонировались на выставке «Degenerate Art».

Франц Марк 1880-1916

Абстрактное искусство Франц Марк

Немецкий художник, увлеченный искусством первобытных людей, детей и душевнобольных, Марк выбрал исследования на животных в качестве своих любимых тем, познакомился с Кандинским, под его влиянием убедил себя, что сущность существ раскрывается в абстракции.

Восхищение итальянскими футуристами придало новую динамику творчеству Марка, который начал использовать формы и массы ярких цветов, типичных для кубистской живописи.

Ташизм

Ташизм появился в Европе после Второй мировой войны с намерением порвать с предыдущими моделями искусства. Название механизма происходит от французского tache, что означает пятно.

Формируется пятнами, созданными импульсивно со всей свободой и эмоциональным излитием художника.Лирическое Ташизм показывает светлые, прозрачные и спонтанные тона. «Драматический тахизм» имеет темные, серьезные, страстные тона.

Картины этого периода ценят спонтанный жест, инстинкт художника в момент создания.

Глядя на картину, можно представить себе движения художников. Важным художником, представляющим этот тип живописи, является Ханс Хартунг.

Абстрактное искусство

Этот тип абстракции также называется неформальной абстракцией в том смысле, что он не имеет определенной формы.

Сырье, использованное для росписи, также было исследовано. Некоторые художники уделяли больше внимания жестам, а другие исследовали материал, создавая текстуры, слои и используя новые материалы.

Лучшие художники-абстракционисты:

Жан Дюбюффе 1901-1985

Французский художник, вдохновленный искусством детей и сумасшедших.

Его работы имели неправильную форму и простой дизайн.

Абстрактное искусство Жан Дюбюффе

Он отправился на поиски новых форм искусства и обнаружил то, что он назвал сырым искусством: созданное людьми, которые не являются частью художественной среды, которые не имеют культурных и исторических ссылок на искусство и ищут идеи и темы внутри себя. , например, дети, сумасшедшие и одинокие люди.

Это геометрическое абстрактное искусство, на которое сильно повлияли кубистские и футуристические движения. Это связано с использованием геометрических форм и с более рациональной и жесткой характеристикой в ​​изображениях. Поэтому линии и цвета организованы таким образом, что в результате получается в основном геометрическая композиция.

Поскольку этот аспект проявился вскоре после формальных открытий кубизма, он имел несколько течений, некоторые из которых заслуживают особого внимания. Среди них: супрематизм; Конструктивизм; Неопластицизм или де стиль, конкретизм, неоконкретизм.

Лучшие художники-абстракционисты:

Пит Мондриан 1872-1944

Голландский пионер абстрактного искусства, развившийся от начала пейзажа до абстрактных геометрических работ самого строгого типа. Его холсты написаны чистыми, яркими красками и прямыми линиями.

Абстрактное искусство Пит Мондриан

Художник стремился достичь максимальной ясности, и для этого он стремился к тому, чтобы холсты отражали математические законы Вселенной. Не случайно узоры на картине всегда были правильными, точными и устойчивыми.Он переехал в Нью-Йорк в 1940 году, где начал развивать более красочный стиль с цветными линиями. и синкопированные ритмы.

Это изготовление импровизированных и жестовых «капельных картин», когда холст кладут на пол и заливают краской из банки или перетаскивают кистью или палкой.

Этот тип живописи не имеет предыдущих схем и появился в Нью-Йорке в 1940-х годах под влиянием сюрреалистических автоматических процессов рисования.

Лучшие художники-абстракционисты:

Джексон Поллок 1912-1956

Он американский художник, он ввел новую модальность в технике, капая краски, которые капают из проколотых контейнеров намеренно, в быстром исполнении, резкими и стремительными движениями, распыляя, окрашивая, окрашивая выбранную поверхность с необычайными и фантастическими результатами , иногда осознается перед публикой.

Абстрактное искусство Джексон Поллок

Он разработал исследования в области ароматической живописи

В последних работах этой линии художник использовал такие материалы, как гвозди, ракушки и кусочки холста, смешанные со слоями краски, чтобы придать текстуре рельефность. Он часто использовал промышленные краски, многие из которых используются в покраске автомобилей.

Виллем де Кунинг (1904–1997)

Он был голландским художником, который покинул Голландию в возрасте 22 лет на борту грузового судна, начал свою жизнь плотником и маляром стен.

Абстрактное искусство Виллем де Кунинг

В отличие от своих коллег-авангардистов, отказавшихся от фигуративного изображения в его картинах, женские фигуры — знак отличия в его творчестве.

В конце 1940-х годов вместе с Джексоном Поллоком, Аршилом Горки и Марком Ротко революционная американская живопись основала абстрактный экспрессионистский авангард.

Каковы характеристики абстрактного искусства?

Основные характеристики абстракционизма:

• Оппозиция модели и изобразительного искусства эпохи Возрождения;
• Непредметное искусство;
• Субъективное искусство;
• Отсутствие узнаваемых предметов;
• Оценка форм, цветов, линий и текстур.

Абстрактные произведения искусства могут содержать элементы, связанные с эмоциями, как способ избавления от необходимости в достоверном изображении.

Фернан Леже 1919, Железнодорожный переезд — Альбер Глез, 1921, Composition bleu et jaune

Таким образом, художник не стремится передавать реальность. В этом смысле еще одна яркая черта абстрактного искусства — свобода, которая служит как художнику, так и любителю. Другими словами, у него есть свобода интерпретировать произведение так, как ему нравится, без каких-либо реальных обязательств.

Следовательно, главная характеристика абстракционизма, поскольку он не стремится к изображению реальности, — быть контрапунктом концепции реалистического искусства. Таким образом, абстрактные работы более концептуальны и полностью отходят от того, что считалось классическим искусством.

Как создается абстрактное искусство?

Абстрактное искусство — это самостоятельная композиция, свободная от изображений и иллюстраций. В абстрактном искусстве это не просто процесс создания пейзажей или объектов, это процесс исследования.Это НЕ должно иметь особого значения, повествования или объяснения.

В абстрактном искусстве мы соединяем разные цвета и формы, чтобы создать произведение, представляющее каждого конкретного поклонника.

Абстрактное искусство, по сути, дает крылья непреднамеренному вдохновению, то есть не стремится представить или изобразить что-либо конкретное.

Для создания абстрактного изображения требуется воображение и чувство творчества.

Основная цель абстракции — не рассказывать историю, а поощрять участие и воображение.

Основная цель этого вида искусства — предоставить зрителям нематериальные и эмоциональные переживания, совершенно разные для каждого из них, которые могут полностью варьироваться в зависимости от настроения, с ощущением, которое дает вам конкретная работа, с вашим художественным репертуаром. момент.

Какова цель абстрактного искусства?

Основная цель абстракции в искусстве — не рассказывать историю, а поощрять участие и воображение.

Основная цель этого вида искусства — предоставить зрителям нематериальные и эмоциональные переживания, совершенно разные для каждого человека, в зависимости от их личности и настроения.

Абстрактное искусство Казимир Малевич — Композиция с Моной Лизой, 1914 — Супрематическая композиция, 1916

Западное искусство с эпохи Возрождения до середины 19 века опиралось на логику перспективы и попытку воспроизвести видимую реальность. В конце 19 века многие художники почувствовали необходимость создать вид искусства, который охватил фундаментальные изменения в технологии, науке и философии, они были против формальных учений и начали создавать искусство, которое не обязательно относилось к объектам в реальный мир.Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные проблемы во всех областях западной культуры того времени.

Абстрактное искусство Марк Ротко — Белый центр — Многообразие

Подходы, используемые в абстрактной живописи, охватывают многие направления, включая немецкий экспрессионизм, фовизм, кубизм и абстрактный экспрессионизм. Подчеркивая формальные качества произведения искусства на репрезентативный предмет, абстрактные художники экспериментировали с новыми техниками, такими как использование ярких и произвольных цветов, реконструкция форм и отказ от реалистичной трехмерной перспективы.

Абстрактное искусство не процветало между I и II мировыми войнами.

Пораженная тоталитарной политикой и художественными движениями, вновь сделавшими акцент на изображениях, таких как сюрреализм и социально-критический реализм, ей уделялось мало внимания. Но после Второй мировой войны возникла энергичная американская школа абстрактной живописи, получившая название «Абстрактный экспрессионизм», которая имела широкое влияние. С 1950-х годов абстрактное искусство стало общепринятым и широко практикуемым подходом в европейской и американской живописи и скульптуре.

Джоан Митчелл

Абстрактное искусство сейчас во многом живет в мире искусства. Он двухмерный и трехмерный.

Абстрактное искусство также можно создавать с использованием множества материалов и поверхностей. Может использоваться совместно с репрезентативным или полным искусством. Абстрактное искусство заинтриговало и действительно сбило с толку многих людей, но для тех, кто принял его нереференциальный язык, нет никаких сомнений в его ценности и его достижениях. Они не значимы из-за эстетического стандарта красоты или нет, они важны, потому что в мгновение ока они представили миру что-то новое.

Абстрактное искусство в Бразилии

Абстрактное искусство начало проникать на территорию Бразилии с 1940-х годов. Пионерами были Авраам Палатник (1928), Манабу Мабе (1924–1997) и Луис Сачилотто (1924–2003).

Авраам Палатник

Это началось в 1950-х годах под влиянием художников Антонио Бандейра и Сисеро Диаса, которые после поездки в Европу вернулись, чтобы принести в страну абстракционизм.

Однако это движение в Бразилии выделилось только в первом издании Bienal de São Paulo в 1951 году.Поэтому к этому современному направлению присоединилось большое количество художников.

1ª Биеннале Сан-Паулу — Исторический музей Ванды Свево — Основное биеннале Сан-Паулу — Метаданные фотографий IPTC

Кто такие художники бразильского абстрактного искусства?

Среди величайших представителей абстрактного искусства Бразилии есть такие имена, как:

Альфредо Вольпи, Иван Серпа, Цицеро Диас, Манабу Мабе,

Смотрите тоже:

Откройте для себя работы художника Лобо

В аэропорту Порту-Алегри выставлены фрески

Что такое поп-арт? Художественное движение 1960-х

Ваш путеводитель по абстрактному искусству

Вы когда-нибудь стояли перед картиной, пораженные ее визуальной силой, но совершенно сбитые с толку ее значением? Это гигантская снежная гора, ярко сияющая под солнечным светом, или устрашающий вулкан, прорывающийся в небо? Это вообще должно быть что-нибудь? Если подобные вопросы когда-либо приходили вам в голову при просмотре работы, вы попали в нужное место.

Волшебный час, холст, акрил, 36 ″ x 54 ″ 3000 долларов, Ребекка Кац

Что такое абстрактное искусство? Здесь мы обсуждаем, как это понять и понять замысел художника. Оценивая этот вид искусства за свободу, которую он вдохновляет в создании индивидуальных визуальных связей, мы пытаемся на каждом шагу двигаться к пониманию абстракции.

Давайте начнем…

Понять абстрактное искусство довольно просто — все, что вам нужно, — это непредвзятость и блуждающее воображение. Первый шаг — подготовиться к выходу за рамки того, что вы уже знаете или узнаете.

«Абстракция позволяет человеку видеть своим умом то, что он не может видеть физически своими глазами… Абстрактное искусство позволяет художнику воспринимать за пределами материального, извлекать бесконечное из конечного. Это освобождение ума. Это исследование неизведанных областей ».
— Аршил Горки

2012.VII.16, Акрил и смешанная техника на деревянной панели, 24 ″ x 24 ″, 1550 долларов, Анина Э. Хэтэуэй

Абстракция уходит корнями в «интуицию» (художника) и «свободу» (в том числе и для художника) как для зрителя).Это способность художника использовать свое воображение, чтобы смотреть за пределы того, что мы видим физически, и переносить неосязаемые эмоции на холст. Это также способность аудитории затем попытаться подключиться к замыслу художника и освободить свой разум от визуальных ограничений. Исторически движение абстрактного искусства возникло в девятнадцатом веке как реакция на академическую живопись или реализм. На самом деле, очень простой способ понять сущность абстрактного искусства — это рассматривать его как визуальную противоположность реалистического искусства.В то время как реализм обращает внимание на каждую крошечную складку или морщинку, абстракция дает художнику свободу доверять своей интуиции в создании искусства, одинаково достойного аудитории.

Нет кода для взлома

Как люди, решение проблем дается нам естественно. Хотя это может быть весьма полезно в большинстве ситуаций, в случае с абстрактным искусством это не так.

Самое важное, что нужно понимать в абстрактном искусстве, — это то, что оно НЕ должно иметь смысла, повествования или даже единственного объяснения.

Основная цель абстракции — не рассказывать историю, а поощрять участие и воображение. Этот вид искусства в основном направлен на то, чтобы дать своим зрителям нематериальный и эмоциональный опыт — чаще всего опыт совершенно разный для каждого человека в зависимости от его личности и состояния.

Таким образом, зритель должен решить, имеет ли картина перед ним какое-либо значение или вызывает какие-либо эмоции. Как мы уже упоминали, абстрактное искусство — это свобода.

Как смотреть на абстрактное искусство

Итак, как на самом деле посмотреть на это и понять? Вы стоите перед ним и пытаетесь найти знакомые фигуры или просто мельком взглянете на него мимоходом?

Тревога, Масло на березовой панели, 48 ″ x 61 ″, 5200 долларов, Марина Мальтезу

Понимание того, что существуют разные способы подхода и критики искусства, важно при попытке понять абстракцию. Ван Гога или Рембрандта легко оценить, так как видно мастерство техники.Однако, чтобы оценить абстракцию, мы должны сосредоточиться не на том, насколько реалистично художник нарисовал что-то или кого-то, а скорее на том, насколько успешно произведение вызывает эмоции.

Абстрактные картины также можно оценить с точки зрения отдельных элементов искусства: цвета, формы, линии, текстуры, пространства, ценности и т. Д. Навыки абстрактного художника заключаются в его или ее способности использовать цвета и текстуры с максимальной визуальной силой. и создать из этих элементов звуковую композицию.

Вот что можно и чего нельзя делать:

Не смотрите на часы. Нет необходимости часами стоять перед абстрактным произведением, чтобы по-настоящему понять его. Смотрите на него столько, сколько хотите, и до тех пор, пока он вас втягивает.

Не говори о пятилетнем ребенке. Все мы знаем, что искусство субъективно, и иногда есть произведения, с которыми мы просто не можем соединиться, особенно когда речь идет об абстрактном искусстве. Тем не менее, ваш пятилетний ребенок все еще не может этого сделать.

Не оскорбляйте воображение художника. Вместо этого, если вам действительно кажется, что работа не нравится, подумайте о том, что заставляет вас так себя чувствовать.

Не обращайте внимания на название. Чаще всего абстрактные картины имеют очень расплывчатое название, например, Number 4 или Black and Red . Пусть это вас не беспокоит. Большинство художников намеренно не используют бесплатные названия, потому что хотят, чтобы вы взаимодействовали с искусством и, в конечном итоге, нашли свое собственное значение.С другой стороны, совсем не обязательно игнорировать заголовок; иногда они могут быть очень полезны в вашем воображении.

Без названия 15, Акрил и бусины на холсте, 48 ″ x 36 ″, 3100 долларов Сезар Родригес

Прочтите текст на стене. Говоря о гидах, всегда читайте текст на стене. Он может дать вам ценную информацию о биографии художника или его творческих замыслах.

Позвольте картине дотянуться до вас. Освободите свой разум от любых других мыслей, дайте ему немного времени и просто позвольте картине передать вам задуманные эмоции.Обратите внимание на цвета и текстуры. Что они заставляют вас чувствовать? Джексон Поллок сказал: «Абстрактная живопись абстрактна. Это противостоит вам ». Пусть картина задает вопросы, а не наоборот.

Не переживайте из-за того, что что-то чувствуете. Необязательно, чтобы абстрактная картина имела контекстуальную сторону, и вам не обязательно уметь чувствовать каждую эмоцию, которую она призвана передать. Если это ничего не делает для вас, пусть будет так.

Пока не задавайте все вопросы. Слишком много думать о том, что означает картина, может беспокоить или утомлять. Вместо этого сосредоточьтесь на том, что картина вызывает у вас чувства и какие эмоции она вам передает. Подумайте, как биография или ситуация художника могли повлиять на его картину. Старайтесь работать с тем, что вы знаете, вместо того, чтобы все подвергать сомнению.

Помните, что абстракция не обязательно должна иметь значение. В то время как «получение» произведения искусства приносит мгновенное чувство победы, купание в его тайне приносит удовольствие гораздо дольше.

Если вы хотите украсить весь дом, завершить комнату или добавить жизненной силы и профессионального авторитета офисному пространству, на ARTmine вы найдете идеальное изделие. Нужна помощь? Свяжитесь с нами по адресу [email protected]

Природа абстрактного искусства — ОБУЧЕНИЕ

Еще до появления искусства абстрактной живописи было широко распространено мнение, что ценность картины зависит только от цвета и формы. Музыка и архитектура постоянно представлялись художникам как образцы чистого искусства, которое не должно было имитировать объекты, но получало свои эффекты от элементов, присущих им самим.Но такие идеи нельзя было сразу принять, поскольку никто еще не видел картины, состоящей из цветов и форм, ничего не представляющих. Если изображения окружающих нас предметов часто оценивались только по качеству формы, было очевидно, что при этом человек искажает или уменьшает изображения; вы не могли бы получить эти картины, просто манипулируя формами. И поскольку объекты, которым принадлежали эти формы, часто были отдельными людьми и местами, реальными или мифическими фигурами, несущими очевидные следы времени, претензия на то, что искусство стоит над историей благодаря творческой энергии или личности художника, не была совершенно ясно.Однако в абстрактном искусстве мнимая автономия и абсолютность эстетики проявилась в конкретной форме. Вот, наконец, искусство живописи, в котором, кажется, присутствуют только эстетические элементы.

Таким образом, абстрактное искусство имеет ценность практической демонстрации. В этих новых картинах казалось, что сами процессы конструирования и изобретения перенесены на холст; чистая форма, когда-то замаскированная посторонним содержанием, была освобождена и теперь могла быть непосредственно воспринята. Художники, не практикующие это искусство, приветствовали его именно на том основании, что оно укрепило их убеждение в абсолютности эстетики и дало им дисциплину в чистом дизайне.Полностью изменилось и их отношение к искусству прошлого. Новые стили приучили художников к видению цветов и форм, отделенных от объектов, и создали безмерное братство произведений искусства, преодолевая барьеры времени и места. Они давали возможность наслаждаться самыми отдаленными искусствами, в которых изображенные предметы больше не были понятны, даже рисунками детей и сумасшедших, и особенно примитивными искусствами с резко искаженными фигурами, которые считались безыскусными диковинками даже настойчивыми эстетическими критиками. .До этого Раскин мог сказать в своей Политической экономии искусства, призывая к сохранению произведений средневековья и эпохи Возрождения, что «только в Европе существует чистое и драгоценное древнее искусство, поскольку его нет ни в Америке, ни в Азии, ни в Африке. «То, что когда-то считалось чудовищным, теперь стало чистой формой и чистым выражением, эстетическим свидетельством того, что в искусстве чувство и мысль предшествуют изображаемому миру. Искусство всего мира теперь было доступно в единственном неисторическом и универсальном плане как панорама формализующих энергий человека.

Эти два аспекта абстрактной живописи, исключение естественных форм и неисторическая универсализация качеств искусства, имеют решающее значение для общей теории искусства. Подобно тому, как открытие неевклидовой геометрии дало мощный толчок к мнению о том, что математика не зависит от опыта, абстрактная живопись уходит в корень классических идей художественного подражания. Аналогия с математикой действительно присутствовала в умах апологетов абстрактного искусства; они часто ссылались на неевклидову геометрию в защиту своей собственной позиции и даже предполагали историческую связь между ними.

Сегодня абстракционисты и их отпрыски-сюрреалисты все больше и больше озабочены объектами, а старые претензии абстрактного искусства утратили изначальную силу повстанческих убеждений. Художники, которые когда-то считали это искусство логической целью всей истории форм, отказались от своего возвращения к нечистым природным формам. Требования свободы в искусстве больше не направлены против сковывающих традиций природы; эстетика абстракции сама стала тормозом для новых движений.Не то чтобы абстрактное искусство умерло, как его обывательские враги заявляют уже более двадцати лет; его до сих пор практикуют одни из лучших художников и скульпторов Европы, чьи работы демонстрируют свежесть и уверенность, которых не хватает новейшему реалистическому искусству. Концепция возможной области «чистого искусства» — какой бы ни была ее ценность — не умрет так скоро, хотя она может принять формы, отличные от тех, что были в последние тридцать лет; и очень вероятно, что искусство, которое следует в странах, которые знали абстракцию, будет затронуто ею.Идеи, лежащие в основе абстрактного искусства, глубоко проникли во все художественные теории, даже их первоначальных противников; язык абсолютов и чистых источников искусства, будь то чувства, разума, интуиции или подсознательного разума, появляется в тех самых школах, которые отвергают абстракцию. «Объективные» художники стремятся к «чистой объективности», к объекту, данному в его «сущности» и полноте, без учета точки зрения, а сюрреалисты черпают свои изображения из чистой мысли, свободной от извращений разума и повседневного опыта.Сегодня очень мало написано — сочувственно современному искусству — которое не использует этот язык абсолютов.

В этой статье я возьму в качестве отправной точки недавнюю книгу Барра [1], лучшую, как мне кажется, на английском языке о движениях, которые теперь сгруппированы как абстрактное искусство. Особый интерес в нем заключается в сочетании обсуждения общих вопросов о природе этого искусства, его эстетических теориях, его причинах и даже о связи с политическими движениями с подробным, фактическим описанием различных стилей.Но хотя Барр намеревается описывать абстрактное искусство, а не защищать или критиковать его, он, кажется, принимает его теории за чистую монету в своем историческом изложении и в некоторых случайных суждениях. Кое-где он говорит об этом искусстве как о независимом от исторических условий, как о реализации лежащего в основе порядка природы и как об искусстве чистой формы без содержания. Следовательно, если книга в значительной степени представляет собой отчет об исторических движениях, концепция абстрактного искусства Барра остается по существу неисторической. Он дает нам, правда, даты каждой стадии в различных движениях, как если бы мы могли построить кривую или проследить появление искусства год за годом, но никакой связи между искусством и искусством не проводится. условия момента.Он исключает как не имеющую отношения к его истории природу общества, в котором оно возникло, за исключением случайного препятствующего или ускоряющего атмосферного фактора. История современного искусства представлена ​​как внутренний, имманентный процесс среди художников; абстрактное искусство возникает потому, что, по словам автора, изобразительное искусство исчерпано. От скуки с «живописью фактов» художники обратились к абстрактному искусству как к чисто эстетической деятельности. «Общим и мощным порывом они были вынуждены отказаться от имитации естественного внешнего вида», так же как художников пятнадцатого века «двигало страсть к подражанию природе.«Современное изменение, однако, было« логическим и неизбежным завершением, к которому двигалось искусство.

Это объяснение, распространенное в студиях и защищаемое некоторыми писателями во имя автономии искусства, является лишь одним из примеров более широкого взгляда, охватывающего все области культуры и даже экономики и политики. На обычном уровне теория истощения и реакции сводит историю к образцу популярных представлений об изменениях в моде. Люди устают от одного цвета и выбирают противоположный; один сезон юбки длинные, а потом по реакции короткие.Точно так же нынешнее возвращение к предметам в живописи объясняется исчерпанием абстрактного искусства. Все возможности последнего были исследованы Пикассо и Мондрианом, и молодым художникам остается лишь заняться рисованием предметов. Представление о том, что каждый новый стиль является результатом реакции на предыдущий, особенно правдоподобно для современных художников, чьи работы так часто являются ответом на другие работы, которые считают свое искусство свободной проекцией несводимого личного чувства, но должны формировать свой стиль. в соревновании с другими, с навязчивым чувством оригинальности своей работы как признака ее искренности.Кроме того, создателям новых форм в прошлом веке почти всегда приходилось бороться с теми, кто практиковал старые; и некоторые из исторических стилей были сформированы в сознательном противостоянии другой манере — Ренессанс против готики, барокко против маньеризма, неоклассицизм против рококо и т. д. Антитетическая форма изменения не позволяет нам, однако, судить о новом искусстве как о сплошная реакция или как неизбежный ответ на трату всех ресурсов старого. Не более чем последовательность войны и мира подразумевает, что война является следствием внутренней реакции против мира и мира на реакцию против войны.Энергия, необходимая для реакции, которая иногда оказывает сильное и воодушевляющее воздействие на искусство, упускается из виду в таком описании; Этим невозможно объяснить конкретное направление и силу нового движения, его конкретный момент, регион и цели. Теория имманентного истощения и реакции неадекватна не только потому, что она сводит человеческую деятельность к простому механическому движению, подобному прыгающему мячу, но и потому, что, пренебрегая источниками энергии и состоянием поля, она даже не отдает должного его влиянию. собственная ограниченная механическая концепция.Противоположность реакции часто является искусственным вопросом, более очевидным в полемике между школами или в схемах формалистических историков, чем в реальных исторических изменениях. Чтобы придать двигательную силу этой физической истории стилей (которая претендует на то, чтобы быть антимеханической), они сводятся к мифу о постоянном переменном движении поколений, каждое из которых реагирует против своих родителей и, следовательно, повторяет движения своих бабушек и дедушек, согласно «Дедовский принцип» некоторых немецких историков искусства.И конечная цель, необъяснимая, но неизбежная тенденция, судьба, коренящаяся в расе, или духе культуры, или врожденной природе искусства, должна быть введена контрабандой, чтобы объяснить большое единство развития, которое охватывает так много реагирующих поколений. . Имманентная цель управляет реакцией, когда кажется, что искусство отклоняется от основного пути из-за чрезмерного или постороннего элемента. Тем не менее, сколько искусств мы знаем, в которых крайности какого-то качества сохраняются веками, не вызывая корректирующей реакции.«Упадок» классического искусства английский критик Фрай приписывает чрезмерному культу человеческого тела, но этот «упадок», очевидно, длился сотни лет, пока не настал момент для христианской реакции. Но даже это христианское искусство, по словам того же писателя, в течение двух столетий было неотличимо от языческого.

Широкая реакция против существующего искусства возможна только на основании его неадекватности художникам с новыми ценностями и новыми взглядами. Но реакция в этом внутреннем, противоположном смысле, далекая от неотъемлемого и универсального свойства культуры, происходит только в побуждающих исторических условиях.Ведь мы видим, что древние искусства, такие как египетские, созданные анонимными мастерами, сохраняются в течение тысяч лет с относительно небольшими изменениями, вызывая мало реакции на устоявшийся стиль; другие медленно и неуклонно развиваются в одном направлении, а третьи в ходе многочисленных изменений, чужеземных вторжений и реакций сохраняют общий традиционный характер. Из механических теорий истощения, скуки и реакции мы никогда не смогли бы объяснить, почему реакция произошла, когда она произошла.С другой стороны, банальные подразделения великих исторических стилей в литературе и искусстве соответствуют важнейшим разделам в истории общества. Если мы рассмотрим искусство, которое находится рядом с нами во времени и все еще широко практикуется, например импрессионизм, мы увидим, насколько пусто объяснение последующих искусств реакцией. С логической точки зрения антитеза импрессионизму зависит от того, как импрессионизм определяется. В то время как более поздние школы атаковали импрессионистов как простых фотографов солнечного света, современники импрессионизма злоупотребляли им из-за его чудовищной нереальности.Фактически, импрессионисты были первыми живописцами, которых обвиняли в том, что их работы не имеют смысла как в перевернутом, так и в перевернутом виде. Движения после импрессионизма принимают разные направления: одни — к упрощенным естественным формам, другие — к их полному разложению; оба иногда описываются как историческая реакция на импрессионизм: одна восстанавливает объекты, растворенные импрессионизмом, а другая восстанавливает независимую творческую деятельность, которую импрессионизм принес в жертву подражанию природе.

На самом деле, в 1880-х годах было несколько аспектов импрессионизма, которые могли стать отправными точками для новых тенденций и целей реакции. Для художников-классиков слабость импрессионизма заключалась в его нечеткости, разрушении определенных линейных форм; Именно в этом смысле Ренуар на время обратился от импрессионизма к Энгра. Но для других художников в тот же момент импрессионизм был слишком случайным и неметодичным; они, неоимпрессионисты, сохранили импрессионистский колоризм, продвигая его еще дальше в неклассическом смысле, но также более конструктивным и расчетливым образом.Для третьих импрессионизм был слишком фотографическим, слишком безличным; они, символисты и их последователи, требовали в своей работе подчеркнутого настроения и эстетической активности. Наконец, появились художники, для которых импрессионизм был слишком неорганизованным, и их реакция подчеркивала схематичность. Общим для большинства этих движений после импрессионизма было абсолютизация душевного состояния или чувствительности художника как до и над объектами. Если импрессионисты сводили вещи к ощущениям художника, то их последователи сводили их дальше к проекциям или построениям его чувств и настроений или к «сущностям», схваченным в напряженной интуиции.Исторический факт заключается в том, что реакция против импрессионизма произошла в 1880-х годах, прежде чем были реализованы некоторые из его самых оригинальных возможностей. Написание серии хроматических вариаций одного мотива (Стога сена, Собор) датируется 1890-ми годами; Кувшинки с их замечательными пространственными формами, в некотором роде с современным абстрактным искусством, принадлежат двадцатому веку. Эффективная реакция против импрессионизма имела место только в определенный момент его истории и главным образом во Франции, хотя к концу века импрессионизм был довольно широко распространен в Европе.В 1880-х годах, когда импрессионизм только начал официально принимать, во Франции уже было несколько групп молодых художников, которым он не нравился. История искусства, однако, не является историей единичных волевых реакций, когда каждый новый художник занимает позицию противоположную предыдущему, ярко рисует, если другой рисует тускло, сглаживает, если другой моделирует, и искажает, если другой был буквальным. Реакции были глубоко мотивированы опытом художников в меняющемся мире, с которым им приходилось соглашаться и который определенным образом формировал их практики и идеи.

Трагические жизни Гогена и Ван Гога, их отчужденность от общества, которая так глубоко окрашивала их искусство, не были автоматической реакцией на импрессионизм или последствия перуанской или северной крови. В кругу Гогена были и другие художники, которые в зрелом возрасте отказались от буржуазной карьеры или пытались покончить жизнь самоубийством. Для молодого человека среднего класса желание жить искусством в 1885 году означало иное, чем в 1860 году. К 1885 году только художники обладали свободой и целостностью, но часто у них не было ничего другого.Само существование импрессионизма, который превратил природу в личное, неформализованное поле для чувствительного видения, перемещающегося вместе со зрителем, сделало живопись идеальной областью свободы; он привлекал многих, кто был привязан к работе среднего класса и моральным стандартам, которые теперь становятся все более проблематичными и отупляющими с наступлением монополистического капитализма. Но импрессионизм в изоляции чувствительности как более или менее личного, но бесстрастного и все же направленного вовне, органа мимолетных различий в далеких растворяющихся облаках, воде и солнечном свете, уже не мог быть достаточным для людей, которые все сделали ставку на импульс и чья решимость стать художники были острым и в некотором смысле деморализующим разрывом с хорошим обществом.С почти моральным рвением они превратили импрессионизм в искусство неистового выражения, выразительных, ярких, увеличенных, одержимых объектов или приспособили его окраску и рисунок поверхности к мечтам о бессезонном экзотическом мире идиллической свободы. Ранний импрессионизм тоже имел моральный аспект. В его нетрадиционном, нерегулируемом видении, в его открытии постоянно меняющегося феноменального внешнего мира, формы которого зависели от мгновенного положения случайного или мобильного зрителя, была неявная критика символических социальных и домашних формальностей или, по крайней мере, нормы. против этих.Замечательно, как много у нас в раннем импрессионизме картин неформального и спонтанного общения, завтраков, пикников, прогулок, морских путешествий, отпусков и путешествий в отпуск. Эти городские идиллии не только представляют собой объективные формы буржуазного отдыха 1860-1870-х годов; они также отражают в самом выборе предметов и в новых эстетических приемах представление об искусстве как исключительно поле индивидуального удовольствия, без ссылки на идеи и мотивы, и они предполагают культивирование этих удовольствий как высшую область свободы для просвещенный буржуа оторвался от официальных убеждений своего класса.Наслаждаясь реалистичными картинами своего окружения в виде зрелища движения и меняющейся атмосферы, культурный рантье испытывал в феноменальном аспекте ту подвижность окружающей среды, рынка и промышленности, которой он был обязан своим доходом и своей свободой. И в новых техниках импрессионизма, которые разбивали вещи на тонко различимые цветовые точки, а также в «случайном» мгновенном видении, он обнаружил, в степени, ранее неизвестной в искусстве, условия чувствительности, тесно связанные с условиями городского променада. и изысканный потребитель предметов роскоши.

По мере того, как контексты буржуазного общества переходили от общины, семьи и церкви к коммерческим или частным импровизированным формам — улицам, кафе и курортам — в результате осознание индивидуальной свободы все больше и больше вовлекало отчуждение от старых связей; и те творческие представители среднего класса, которые приняли нормы свободы, но не имели экономических средств для их достижения, были духовно разорваны чувством беспомощной изоляции в анонимной равнодушной массе.К 1880 году в импрессионистском искусстве люди, получающие удовольствие, становятся редкостью; осталось только частное зрелище природы. А в неоимпрессионизме, который восстанавливает и даже монументализирует фигуры, социальная группа распадается на изолированных зрителей, которые не общаются друг с другом, или состоит из механически повторяющихся танцев, подчиняющихся заранее определенному движению с небольшой спонтанностью. Французские художники 1880-х и 1890-х годов, которые нападали на импрессионизм за его отсутствие структуры, часто выражали требования спасения, порядка и фиксированных объектов веры, чуждые импрессионистам как группе.Название картины Гогена — «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем? »- типично для такого состояния души в вопросительной форме. Но поскольку художники не знали основных экономических и социальных причин своего собственного беспорядка и моральной незащищенности, они могли рассматривать новые стабилизирующие формы только как квазирелигиозные верования или как возрождение какого-то примитивного или высокоорганизованного традиционного общества с органами для коллективного управления. Духовная жизнь. Это отражается в их пристрастии к средневековому и примитивному искусству, их обращении в католицизм, а затем и в «интегральный национализм».«Колонии художников, сформированные в этот период, проект Ван Гога об общественной жизни художников, являются примерами этого наощупь, чтобы восстановить повсеместную человеческую общительность, разрушенную капитализмом. Даже их теории «композиции» — традиционное понятие, от которого отказались импрессионисты — связаны с их социальными взглядами, поскольку они представляют композицию как совокупность объектов, связанных вместе принципом порядка, исходящего, с одной стороны, из вечного природа искусства, с другой стороны, определяется душевным состоянием художника, но в обоих случаях требует «деформации» объектов.Некоторые из них хотели, чтобы холст был подобен церкви, обладал иерархией форм, размещенными объектами, предписанной гармонией, предопределенными путями видения, но все это исходило из чувства художника. При воссоздании элементов сообщества в своем искусстве они обычно выбирали инертные объекты или активные объекты без значимого взаимодействия, за исключением цветов и линий.

Эти проблемы в некоторой степени ставятся, хотя и решаются по-разному, даже в работах Сёра, чье отношение к экономическому развитию во многом отличалось от отношения художников групп символистов и синтетистов.Вместо того чтобы восстать против моральных последствий капитализма, он, как довольный инженер, привязался к его прогрессивной технической стороне и принял популярные формы отдыха для низших слоев общества и коммерциализированные развлечения как предметы монументального искусства. Из нынешних концепций техники он извлек нормы методической процедуры в живописи, обновив импрессионизм в свете последних достижений науки.

Конечно, во Франции существовали и другие виды живописи, помимо описанных.Но подробное исследование движения искусства, я думаю, покажет, что и на эту, и даже на консервативную академическую живопись повлияли изменившиеся условия того времени. Реакция против импрессионизма, отнюдь не присущая самой природе искусства, была вызвана реакцией художников как художников на более широкую ситуацию, в которой они оказались, но которую они сами не создали. Если тенденции искусства после импрессионизма к крайнему субъективизму и абстракции уже очевидны в импрессионизме, это потому, что изоляция личности и высших форм культуры от их старых социальных опор, обновленных идеологических оппозиций разума и природы, личность и общество проистекают из социальных и экономических причин, которые существовали еще до импрессионизма и которые сегодня еще более остры.Фактически, часть популярной привлекательности Ван Гога и Гогена заключается в том, что их работы включают (и с гораздо большей энергией и формальной последовательностью, чем работы других художников) очевидные стремления, противоречия и ценности, которые сегодня разделяют тысячи людей. которые так или иначе пережили те же конфликты, что и эти художники.

Логическое противопоставление реалистического и абстрактного искусства, которым Барр объясняет недавнее изменение, основывается на двух предположениях о природе живописи, распространенных в работах по абстрактному искусству: это представление — это пассивное отражение вещей и, следовательно, по сути нехудожественное, и что абстрактное искусство, с другой стороны, является чисто эстетической деятельностью, не обусловленной объектами и основанной на своих собственных вечных законах.Художник-абстракционист отвергает представление внешнего мира как о. механический процесс глаза и руки, в котором чувства и воображение художника не имеют особого значения. Или в платонической манере он противостоит представлению объектов как отображению поверхностного аспекта природы, практике абстрактного дизайна как открытию «сущности» или лежащего в основе математического порядка вещей. Далее он предполагает, что ум наиболее полно сам по себе, когда он независим от внешних объектов.Если он, тем не менее, ценит некоторые произведения более древнего натуралистического искусства, он видит в них только независимые формальные конструкции; он упускает из виду образный аспект средств переноса пространства опыта на пространство холста и огромную, исторически сложившуюся способность удерживать мир в памяти. Он абстрагирует художественные качества от представленных объектов и их значений и смотрит на них как на неизбежные примеси, навязанные исторические элементы, которыми художник был обременен и несмотря на которые он, наконец, достиг своего основного, личного абстрактного выражения.Эти взгляды полностью односторонни и основаны на ошибочном представлении о том, что такое репрезентация. Не существует пассивной «фотографической» репрезентации в описанном смысле; научные элементы репрезентации в более ранней художественной перспективе, анатомии, светотени — это упорядочивающие принципы и выразительные средства, а также средства визуализации. Все визуализации объектов, какими бы точными они ни казались, даже фотографии, исходят из значений, методов и точек зрения, которые так или иначе формируют изображение и часто определяют его содержание.С другой стороны, не существует «чистого искусства», не обусловленного опытом; все фантазии и формальные конструкции, даже случайные каракули рукой, сформированы опытом и неэстетическими соображениями. Это достаточно ясно на примере упомянутых выше импрессионистов. С точки зрения наблюдателя, их можно было рассматривать и как фотографические, и как фантастические. Даже их природные мотивы были объявлены бессмысленными по сравнению с очевидным содержанием романтического и классицистического искусства. Рассматривая репрезентацию как факсимиле природы, художник-абстракционист взял на себя ошибку вульгарной критики девятнадцатого века, оценивавшей живопись по чрезвычайно узкому критерию реальности, неприменимому даже к реалистической живописи, которую он принимал.Если более старый вкус сказал, как точно подобен объекту, как прекрасен! — современный абстракционист говорит, как точно подобен предмету, как он уродлив! Однако эти два понятия не являются полностью противоположными в своих предпосылках и, по-видимому, связаны между собой, если сравнивать его со вкусом религиозных искусств со сверхъестественным содержанием. И реализм, и абстракция подтверждают суверенитет ума художника, во-первых, в способности воссоздать мир в мельчайших подробностях в узком интимном поле с помощью серии абстрактных вычислений перспективы и градаций цвета, а во-вторых, в способности навязать новые формы в природе, чтобы свободно манипулировать абстрактными элементами линии и цвета или создавать формы, соответствующие тонким состояниям ума.Но как мало что эстетически гарантируется произведению своим сходством с природой, так мало оно гарантировано его абстрактностью или «чистотой». Природа и абстрактные формы являются материалами для искусства, и выбор того или другого проистекает из исторически меняющихся интересы.

Барр считает, что живопись обедняет из-за исключения внешнего мира из картин, теряя целый ряд сентиментальных, сексуальных, религиозных и социальных ценностей. Но он, в свою очередь, предполагает, что тогда эстетические ценности доступны в чистом виде.Однако он не видит, что последняя дуга скорее изменилась, чем очистилась этим исключением, точно так же, как тип словесного образца в письме, предназначенный в основном для вербального образца, отличается от вербального образца в более значимой прозе. Различные формы, качества пространства, цвета, света, масштаба, моделирования и движения, зависящие от понимания аспектов природы и человеческой жизни, исчезают из живописи; Точно так же эстетика абстрактного искусства открывает новые качества и отношения, близкие по духу уму, практикующему такое исключение.Отнюдь не создание абсолютной формы, каждый тип абстрактного искусства, как и искусство натуралистическое, придает особое, но временное значение какому-либо элементу, будь то цвет, поверхность, контур или арабески, или какому-то формальному методу. Аргумент Барра, противоположный аргументу Барра о том, что одевание чистой формы в выразительную одежду, эта форма становится более доступной или приемлемой, как логика или математика, представленные на конкретных примерах, основывается на том же заблуждении. Подобно тому, как повествовательная проза — это не просто рассказ, добавленный к уже существующей, чистой форме прозы, которую можно отделить от смысла слов, так и репрезентация не является естественной формой, добавленной к абстрактному замыслу.Даже схематические аспекты формы в такой работе уже обладают качествами, обусловленными способами видения объектов и создания изображений, не говоря уже о содержании и эмоциональном отношении художника.

Тогда абстракционист Кандинский пытался создать искусство, выражающее настроение, большая часть консервативной академической живописи, по сути, была именно этим. Но академический художник, следуя давним традициям романтического искусства, сохранил предметы, вызывающие настроение; если он хотел выразить настроение, вдохновленное пейзажем, он писал сам пейзаж.Кандинский, с другой стороны, хотел найти полностью образный эквивалент настроения; он не выходил за пределы состояния ума и ряда выразительных цветов и форм, независимых от вещей. Настроение во втором случае сильно отличается от первого. Настроение, которое частично отождествляется с обуславливающим объектом, настроение, в котором преобладают четкие образы детализированных объектов и ситуаций, которое может быть оживлено и передано другим через эти образы, отличается по тону чувств по отношению к самосознанию, внимательности и потенциальная активность — из настроения, которое не зависит от осознания фиксированных внешних объектов, но поддерживается случайным потоком частных и непередаваемых ассоциаций.Кандинский рассматривает настроение как целиком и полностью функцию своей личности или особой способности своего духа; и он выбирает цвета и узоры, которые наиболее точно соответствуют его душевному состоянию именно потому, что они не связаны с объектами, а свободно возникают из его возбужденных фантазий. Они являются конкретными свидетельствами, проецируемыми изнутри, внутренней его настроения, его независимости от внешнего мира. И все же внешние объекты, лежащие в основе настроения, могут вновь появиться в абстракции в замаскированной или искаженной форме.Тогда наиболее отзывчивым зрителем будет человек, который так же озабочен собой и находит в таких картинах не только отражение своего собственного напряжения, но и окончательную разрядку одержимых чувств.

Отвергая или резко искажая естественные формы, художник-абстракционист судит о внешнем мире. Он говорит, что такие-то аспекты опыта чужды искусству и высшим реальностям формы; он лишает их права заниматься искусством. Но именно этим актом взгляд ума на себя и свое искусство, интимные контексты этого отрицания объектов, становятся направляющими факторами в искусстве.Тогда личность, чувство и формальная восприимчивость абсолютизируются, ценности, лежащие в основе или вытекающие сегодня из такого отношения, предполагают новые формальные проблемы, точно так же, как светские интересы позднего средневековья сделали возможным появление целого ряда новых формальных типов пространства и человеческого фигура. Качества загадочной импровизации, микроскопическая близость текстур, точек и линий, импульсивно начертанные формы, механическая точность построения несводимых, несоизмеримых полей, тысяча и один гениальный формальный прием растворения, пунктуации, нематериальности и неполноты, которые подтверждают Активный суверенитет абстрактного художника над объектами, эти и многие другие стороны современного искусства экспериментально открываются художниками, которые ищут свободы вне природы и общества и сознательно отрицают формальные аспекты восприятия, такие как связь формы и цвета или прерывность объект и окружение — которые входят в практические отношения человека в природе.Мы можем легче судить о бремени современного опыта, который навязывает такие формы, сравнивая их с абстрактными приемами в искусстве Возрождения, особенно с системами перспективы и канонами пропорций, которые сегодня неправильно понимаются как просто имитационные средства. В эпоху Возрождения развитие линейной перспективы было тесно связано с исследованием мира и обновлением физико-географической науки. Как для агрессивных членов бюргерского класса реалистичное знание географического мира и коммуникаций влекло за собой упорядочение пространственных связей в надежной системе, так и художники стремились реализовать в своем собственном воображаемом поле голубой цвет в пределах традиционной религиозной системы. содержание.Наиболее подходящие и стимулирующие формы пространственного порядка с обширностью, проходимостью и регулированием, ценимыми их классами. И точно так же, как тот же самый бюргерский класс, вышедший из христианского феодального общества, начал отстаивать приоритет чувственного и естественного перед аскетическими и сверхъестественными благами и идеализировал человеческое тело как реальное место наслаждения ценностями образов могущественных или прекрасных. обнажить человека как настоящего мужчину или женщину, без признаков ранга или подчинения авторитету — так художники извлекли из этой оценки человеческого существа художественные идеалы энергии и массивности формы, которые они воплотили в прочных, активных или потенциально активных, человеческих цифры.И даже каноны пропорции, которые, кажется, подчиняют человеческую форму мистицизму числа, создают чисто светские стандарты совершенства; ибо благодаря этим канонам человеческие нормы становятся физическими и измеримыми, следовательно, в то же время чувственными и интеллектуальными, в отличие от более древнего средневекового разделения тела и разума.

Если сегодня художнику-абстракционисту кажется, что он рисует как ребенок или сумасшедший, то это не потому, что он ребенок или сумасшедший. Он стал ценить качества, связанные с его собственными целями свободы воображения, бесстрастную спонтанность и техническую беззаботность ребенка, который создает для себя в одиночку, без давления взрослой ответственности и практических приспособлений.Точно так же сходство с психопатическим искусством, которое является лишь приблизительным и обычно не зависит от сознательной имитации, основывается на их общей свободе фантазии, неконтролируемой ссылкой на внешний физический и социальный мир. Самой своей практикой абстрактного искусства, в котором формы импровизированы и намеренно искажаются или затемняются, художник открывает поле для внушений своей подавленной внутренней жизни. Но манипуляции художника над своей фантазией должны отличаться от манипуляций ребенка или психопата в той мере, в какой процесс конструирования является его главным занятием и сознательным источником его человеческой ценности; оно приобретает чуждый другим груз энергии, стойкого пафоса и твердости исполнения.

В этом отношении очень показательно отношение к первобытному искусству. Девятнадцатый век с его реалистическим искусством, рационализмом и любопытством к производству, материалам и методам часто ценил примитивный орнамент, но считал примитивное представление чудовищным. Для просвещенного ума это было так же мало приемлемо, как фетишизм или магия, которым иногда служили эти образы. С другой стороны, художники-абстракционисты были относительно безразличны к примитивным геометрическим стилям орнамента.Отчетливость мотивов, символические схемы, изящный порядок узоров, прямое подчинение ремеслу и полезности чужды современному искусству. Но в искаженных, фантастических фигурах некоторые группы современных художников находили близкое родство со своим собственным творчеством; В отличие от упорядочивающих приемов орнамента, которые были связаны с практическим изготовлением вещей, формы этих фигур, казалось, были сформированы господствующей фантазией, независимой от природы и полезности и управляемой навязчивыми чувствами.Наивысшая похвала их собственному творчеству — описать его языком магии и фетишизма. Эта новая реакция на примитивное искусство была явно более чем эстетической; в нем осуществился целый комплекс стремлений, нравственных ценностей и широких жизненных представлений. Если колониальный империализм сделал эти примитивные объекты физически доступными, они не имели бы эстетического интереса до тех пор, пока не возникнут новые формальные концепции. Но эти формальные концепции могут иметь отношение к примитивному искусству только тогда, когда они заряжены новой оценкой инстинктивного, естественного, мифического как сущностно человеческого, что повлияло даже на описание примитивного искусства.Старшие этнологи, которые исследовали материалы и племенные контексты примитивных образов, обычно игнорировали субъективные и эстетические стороны в их создании; Открывая последнее, современные критики с такой же односторонностью полагались на чувство, чтобы проникнуть в эти искусства. Сам факт того, что это были искусства первобытных народов без письменной истории, теперь делал их еще более привлекательными. Они приобрели особый престиж вневременного и инстинктивного, на уровне спонтанной животной активности, самодостаточной, нерефлексивной, частной, без дат и подписей, без происхождения или последствий, кроме эмоций.За новым увлечением примитивным искусством стояла девальвация истории, цивилизованного общества и внешней природы. Время перестало быть историческим измерением; это стало внутренним психологическим моментом, и весь беспорядок материальных связей, кошмар определяющего мира, тревожное ощущение настоящего как плотной исторической точки, с которой человек был роковым образом привязан, — все это было автоматически преодолено в мыслях концепцией инстинктивного, элементарного искусства над временем. Благодаря замечательному процессу искусство порабощенных отсталых народов, открытое европейцами при завоевании мира, стало эстетической нормой для тех, кто отрекся от него.Империалистическая экспансия внутри страны сопровождалась глубоким культурным пессимизмом, в котором искусство жестоких жертв было возвышено над традициями Европы. Колонии стали местом, куда можно бежать, а также эксплуатировать.

Новое уважение к первобытному искусству было прогрессивным, поскольку культуры дикарей и других отсталых народов теперь рассматривались как человеческие культуры, а высокое творчество, далеко не прерогатива передовых обществ Запада, приписывалось всем человеческим группам.Но это озарение сопровождалось не только бегством от развитого общества, но и безразличием именно к тем материальным условиям, которые жестоко уничтожали первобытные народы или превращали их в покорных, бескультурных рабов. Кроме того, сохранение определенных форм местной культуры в интересах империалистической власти могло быть поддержано во имя новых художественных взглядов теми, кто считал себя полностью свободным от политических интересов. Сказать тогда, что абстрактная живопись — это просто реакция на исчерпывающее подражание природе или что это открытие абсолютного или чистого поля формы, значит упустить из виду положительный характер искусства, его основную энергию и источники движения.Кроме того, движение абстрактного искусства является слишком всеобъемлющим и давно подготовленным, слишком тесно связанным с аналогичными движениями в литературе и философии, которые имеют совершенно другие технические условия и, наконец, слишком различаются в зависимости от времени и места, чтобы его можно было рассматривать как самостоятельное направление. содержал развитие, исходящее по некой внутренней логике непосредственно из эстетических проблем. Он почти на каждом шагу несет в себе след изменяющихся материальных и психологических условий, окружающих современную культуру. Признания художников, некоторые из которых цитируются в работах Барра, показывают, что шаг к абстракции сопровождался большим напряжением и эмоциональным возбуждением.Художники оправдывают себя этическими и метафизическими точками зрения или в защиту своего искусства атакуют предыдущий стиль как аналог ненавистной социальной или моральной позиции. Не исчерпались процессы подражания природе, но изменилась оценка самой природы. Философия искусства была также философией жизни.

1. Русский художник Малевич, основоположник «супрематизма», раскрыл свое новое искусство. «Под супрематизмом я подразумеваю верховенство чистого чувства или ощущения в изобразительном искусстве.. . . В 1913 году в моей отчаянной борьбе за освобождение искусства от балласта объективного мира я обратился к форме Квадрата и показал картину, которая представляла собой не что иное, как черный квадрат на белом фоне. . . . Я показал не пустой квадрат, а, скорее, переживание безобъектности »(Барр, стр. 122–23). Позже, в 1918 году, он нарисовал в Москве серию под названием Белое на белом , в том числе белый квадрат на белой поверхности. По своей чистоте эти рисунки, казалось, соответствовали усилиям математиков по свести всю математику к арифметике, а арифметику к логике.Но в основе этого «геометрического» искусства лежит груз чувств, о котором можно судить по родственным картинам с названиями «Ощущение металлических звуков», «Ощущение полета», «Ощущение бесконечного пространства». Даже в работе под названием «Композиция» мы можем видеть, как формальный характер абстракции основан на желании изолировать и конкретным образом экстернализировать субъективные, профессиональные элементы старой живописной практики, желание, которое, в свою очередь, возникает из конфликтов и незащищенности художника и его концепции искусства как совершенно частной сферы.Барр анализирует композицию из двух квадратов (рис. I) как «исследование в эквивалентах»: красный квадрат, меньший, но более интенсивный по цвету и более активный по своей диагональной оси, выдерживает свои позиции по сравнению с черным квадратом, который больше на рис. 1. Казимир Малевич, Черный квадрат и Красный квадрат , 1915, но отрицательный по цвету и статичный по положению. «Хотя Чи характеризует этот вид живописи как чистую абстракцию, чтобы отличить ее от геометрических рисунков, которые в конечном итоге получены из некоторого изображения, он упускает из виду связь этой картины к произведению Малевича, воспроизведенному в его книге — Женщина с ведрами с водой (рис.2), датируемого 1912 годом. Крестьянка, выполненная в стиле кубизма, балансирует на двух ведрах, висящих на пруте на плечах. Здесь озабоченность балансом как основным эстетическим принципом, регулирующим отношения двух противоположных единиц, воплощается в жанровом предмете «элементаль»; сбалансированные объекты — это не люди, а подвешенные, неорганические элементы, неартикулированные формы. Хотя человеческая тема просто намекает и завуалирована кубистской процедурой, выбор мотива крестьянки с ведрами для воды выдает сексуальный интерес и эмоциональный контекст склонности художника к его особому стилю абстракции.Важность субъективных условий работы художника в формировании абстрактных стилей может быть подтверждена соответствующими отношениями между кубистическим и докубистическим искусством. Пикассо, незадолго до кубизма, представлял меланхоличных цирковых акробатов, арлекинов, актеров, музыкантов, нищих, обычно находящихся дома на задворках общества или репетирующих между собой, как богемных художников, оторвавшихся от публичных выступлений. На одной фотографии он показывает двух балансирующих акробатов, один — зрелый и массивный, квадратного тела, твердо сидящий на кубической массе камня, имеющей форму его собственной фигуры; молодая девушка, стройная, очерченной, немоделированной формы, неустойчиво балансирует на цыпочках на сферическом камне (рис.3). Жизненный опыт равновесия, жизненно важный для акробата, сама его жизнь ассимилирована здесь с субъектом. , 1905 г. — богатый опыт художника, искусного исполнителя, озабоченного корректировкой линий и масс как сущностью его искусства — формализованной личной деятельностью, отдаляющей его от общества и которой он отдает свою жизнь. Между этим искусством и кубизмом, где фигура окончательно исчезает, уступая место маленьким геометрическим элементам, образованным из музыкальных инструментов, сосудов для питья, игральных карт и других искусственных объектов манипуляции, существует фаза негроидных фигур, в которых формируется человеческая физиономия. на примитивных или диких лицах и теле, сведенном до безличной наготы с резкими, резкими линиями.Этот тип фигуры взят не из жизни, даже не из маргинальных слоев общества, а из искусства; на этот раз, однако, из искусства племенного, изолированного народа, которого повсюду считали низшим и ценили только как экзотические зрелища или развлечения, за исключением художников, для которых они были чистыми, неиспорченными художниками, творящими из инстинкта или врожденной чувствительности. В свете этого анализа мы вряд ли можем согласиться с описанием Барра шага Малевича к абстракции: «Малевич внезапно предвидел логический и неизбежный вывод, к которому двигалось европейское искусство» и нарисовал черный квадрат на белом фоне.

2. В своей книге « Über das Geistige in der Kunst », опубликованной в 1912 году, художник Кандинский, один из первых, кто создал полностью абстрактные картины, постоянно говорит о внутренней необходимости, как единственной, определяющей выбор элементов, так же как и внутренних. Он говорит нам, что свобода — единственный критерий этики. Он не говорит, что представление исчерпано, но что материальный мир иллюзорен и чужд духу; его искусство — это восстание против «материализма» современного общества, в которое он включает науку и социалистическое движение.«Когда религия, наука и мораль (последние из-за сильной руки Ницше) поколеблены, и когда внешние опоры угрожают обрушиться, человек отворачивается от внешнего и обращает свой взор на себя». В свое время он уважает, как интересы, параллельные его собственным и так же мотивированным, оккультизм, теософия, культ примитивов и эксперименты синестезии. Цветное прослушивание важно для него, потому что тогда восприятие размывается и локализуется в воспринимающем, а не отождествляется с внешним источником.Его более эстетические комментарии обычно согласуются с этим отношением. «Зеленое, желтое, красное дерево на лугу есть только. . . случайная материализованная форма дерева, которую мы чувствуем в себе, когда слышим слово дерево ». И, описывая одну из своих первых абстрактных картин, он говорит:« Все это описание в основном представляет собой анализ картины, которую я довольно подсознательно нарисовал в состояние сильного внутреннего напряжения. Я настолько интенсивно чувствую необходимость некоторых форм, что помню, как громко давал мне указания, например: «Но углы должны быть тяжелыми.«Наблюдатель должен научиться смотреть на картинку как на графическое изображение настроения, а не как на изображение объектов» (Барр, стр. 66). Совсем недавно он написал: «Сегодня точка в картине иногда говорит больше, чем человеческая фигура. . . . Человек развил новую способность, которая позволяет ему идти под кожу природы и прикоснуться к ее сущности, ее содержанию. . . . Художнику нужны незаметные, тихие, почти незначительные предметы. . . . Как тихо яблоко рядом с Лаокооном. Круг еще тише »(Cahiers d’Art, vol.VI, 1931, с. 351). 3. Теперь я процитирую третье признание художников, склонных к абстракции, но на этот раз агрессивных художников, итальянских футуристов, которых вряд ли можно обвинить в желании убежать от мира. «Мы запускаем из Италии. . . наш манифест революционного и зажигательного насилия, с которым мы сегодня нашли il Futurismo. . . . Превозносите всякую оригинальность, смелость и крайнюю жестокость. . . . Возьмите и прославьте сегодняшнюю жизнь, непрерывно и бурно преображаемую победами науки.. . . Мчащийся автомобиль красивее Победы Самофракии »(Барр, стр. 54).

Барр, упускающий из виду моральный, идеологический аспект Малевича и Кандинского, не может не наблюдать в итальянском движении отношения к Бергсону, Ницше и даже к фашизму; и, анализируя формы футуристического искусства, он пытается показать, что они воплощают в себе качества, заявленные в манифестах. Но если футуризм имеет очевидный идеологический аспект, для Барра это не чистое абстрактное искусство. Это «почти абстракция», поскольку она открыто относится к миру за пределами холста и все же сохраняет элементы репрезентации.И все же формы «чистого» абстрактного искусства, которые кажутся совершенно лишенными следа репрезентации или эскапистской болезненности — неопластистские работы Мондриана и более поздние проекты конструктивистов и супрематистов — очевидно, находятся под влиянием в их материальном аспекте, как текстуры. и формы, и в их выразительных качествах точности. безличная отделка и аккуратность (и даже в более тонких неформальности дизайна) в соответствии с текущими концепциями и нормами машины. Однако ни футуризм, ни «более чистые» механические абстрактные формы нельзя объяснить как простое отражение существующих технологий.Хотя машины существуют с древних времен и более века занимают центральное место в производстве в некоторых странах, это искусство характерно для последних двадцати пяти лет. В середине 19 века, когда машины уже провозглашались величайшими произведениями современного искусства, превосходящими картины того времени, прогрессивные промышленники склонялись к реалистическому искусству, и Прудон мог отмечать настоящие современные произведения искусства. картинки Курбе и новейших машин.Даже личная озабоченность машинами не обязательно ведет к стилю механических абстрактных форм; изобретатели Александр Нэсмит, Роберт Фултон и Сэмюэл Морс были художниками-натуралистами, как Леонардо, один из отцов современной техники. Во французском искусстве периода механистической философии 17 века преобладали идеализированные натуралистические человеческие формы. А концепция человека как машины, распространенная во Франции в период господства немеханического стиля рококо, отождествлялась его защитниками и критиками с прозаичным сенсуализмом.Противники Ла Меттри, автора книги «Человек-машина», с удовлетворением отметили, что он умер от переедания. Однако более значительным является тот факт, что в последнее время развитые индустриальные страны с наиболее развитыми технологиями, Соединенные Штаты и Англия, не создали стилей механической абстракции; они также являются наиболее отсталыми в функционалистской абстракции форм в архитектуре. С другой стороны, развитие этого искусства происходит в России, Италии, Голландии и Франции, а позже и в Германии.Следовательно, объяснение искусства как отражения существующих машин, безусловно, неадекватно. Это не могло объяснить, прежде всего, различия в «машинных стилях» от места к месту в тот момент, когда технология приобрела международный характер. В Детройте фрески машин Риверы представляют собой реалистичные изображения фабрики как мира, которым управляют рабочие; в Париже Леже разбирает элементы машин в кубистские абстракции или уподобляет живые существа типичным жестким формам машин; дадаисты импровизируют причудливый бурлеск с роботами или реконструированными людьми; в Голландии неопластики строят свои произведения из квазиархитектурных единиц; в Германии конструктивистско-супрематические формы напоминают чертежи и модели конструктора машин, а не сами машины.И футуристы, в отличие от всех этих, пытаются вернуть феноменальный аспект движущихся механизмов, энергии и скорости.

Эти различия связаны не только с разными местными художественными традициями, работающими на общем современном материале. Если бы это было так, мы должны были ожидать Мондриана в Италии, стране ренессансных традиций ясных форм, и футуристов в Голландии и Англии, пионерах импрессионизма. Подобная критика может быть применена к соответствующему выводу абстракции в искусстве из абстрактной природы современных финансов, в которых бумажные деньги контролируют капитал и все человеческие операции принимают форму операций с числами и названиями.Здесь мы снова видим, что Соединенные Штаты и Англия с наиболее развитым финансовым капитализмом относятся к числу последних стран, производящих абстрактное искусство. Механические абстрактные формы возникают в современном искусстве не потому, что современное производство является механическим, а из-за ценностей, приписываемых человеку и машине в идеологиях, проецируемых конфликтующими интересами и ситуацией в обществе, которые варьируются от страны к стране. Таким образом, современная концепция человека как машины по своему акценту скорее экономическая, чем биологическая.Он относится скорее к человеческому роботу, чем к человеческому животному, и предлагает эффективный контроль дорогостоящих движений тела, подчинение какой-то внешней цели, безразличной для человека, — в отличие от старых механистических взглядов, которые касались страстей, объясненных ими с помощью внутренние механические силы, а иногда и вывод об этике удовольствия, полезности и личного интереса.

Барр осознает важность местных условий, когда объясняет отклонения одного из футуристов своим парижским опытом.Но он не пытается объяснить, почему это искусство должно появиться в Италии, а не где-либо еще. Итальянские писатели описали это как реакцию на традиционализм и сонливость Италии во время правления Умбера и при этом упустили из виду положительные источники этой реакции и ее влияние на жизнь Италии. Отсталость наиболее остро ощущалась как противоречие и стала провоцирующей проблемой к 1910 году, а затем, главным образом, на Севере, который в последнее время пережил наиболее быстрое промышленное развитие.В этот момент итальянский капитализм готовил империалистическую войну в Триполи. Италия, бедная ресурсами, но конкурирующая с мировыми империями, срочно нуждалась в расширении, чтобы достичь уровня более старых капиталистических стран. Запоздалый рост промышленности, основанный на эксплуатации крестьянства, усилил культурное неравенство, породил сильный пролетариат и способствовал империалистическим авантюрам. В это время в ответ на экономический рост страны и быстрые изменения в старой исторической среде возникла философия процесса и полезности — воинствующий прагматизм решительного антитрадиционалистского характера.Части среднего класса, которые приобрели новые функции и современные городские интересы, приняли новые условия как прогрессивные и «современные» и часто громче всех осуждали итальянскую отсталость и призывали к современной, национально сознательной Италии. Атака интеллигенции на провинциальные аристократические традиции отвечала интересам господствующего класса; они возвели технический прогресс, агрессивную индивидуальность и релятивизм ценностей в теории, благоприятствующие империалистической экспансии, затеняя противоречивые результаты последней и конфликты между классами абстрактными идеологическими противопоставлениями старого и современного или прошлого и будущего.Поскольку национальное сознание Италии на протяжении поколений опиралось на ее музеи, ее старые города и художественное наследие, модернизация страны повлекла за собой культурный конфликт, который принял наиболее острую форму среди художников. Машины как наиболее совершенные инструменты современного производства особенно привлекали художников, раздраженных своим чисто традиционным и второстепенным статусом, своим посредственным мировоззрением в отсталой провинциальной Италии. Они были посвящены машинам не столько как орудиям производства, сколько как источникам мобильности в современной жизни.В то время как восприятие производственных процессов привело рабочих, непосредственно участвовавших в них, к радикальной социальной философии, художники, оторванные от производства, подобно мелкой буржуазии, могли знать эти процессы абстрактно или феноменально, по своим продуктам и внешнему виду. в виде движения, автомобилей, железных дорог и новых городов и в темпах городской жизни, а не в их социальных причинах. Таким образом, футуристы пришли к идеализации движения как такового и воспринимали это движение или обобщенную мобильность в основном как механический феномен, в котором формы объектов размываются или разрушаются.Динамизм автомобиля, центробежное движение, собака в движении (с двадцатью ногами), автобус, эволюция форм в пространстве, бронепоезд в битве, танцевальный зал — все это были типичные предметы футуристического искусства. Поле холста было заполнено расходящимися линиями, символическими графиками пронизывающей силы, сталкивающимися и взаимопроникающими объектами. В то время как в импрессионизме мобильность была зрелищем для расслабленного наслаждения, в футуризме она является неотложной и насильственной, предвестником войны.

Некоторые из футуристических приемов и более широкая идея абстрактных и взаимопроникающих форм, несомненно, пришли из кубизма.Но, что примечательно, итальянцы сочли кубизм слишком эстетичным и интеллектуальным, лишенным принципа движения; они могли принять, однако, кубистское разложение устойчивых, четко ограниченных форм. Это имело прямое идеологическое значение, хотя по сути эстетическое средство, поскольку устойчивое и ясное отождествлялось с более старым итальянским искусством, а также с прошлым как таковым.

За пределами Италии, и особенно после мировой войны, качества машины как твердого сконструированного объекта, качества ее изделий и инженерного дизайна подсказывали художникам различные формы и даже более выразительный характер их Работа.Старые категории искусства были переведены на язык современных технологий; основное отождествлялось с эффективным, единица со стандартизованным элементом, текстура с новыми материалами, изображение с фотографией, рисование с линейчатой ​​или механически проведенной линией, цвет с помощью плоского слоя краски и дизайн с моделью или инструктивным планом . Таким образом, художники связали свою бесполезную архаическую деятельность с самыми передовыми и впечатляющими формами современного производства; и именно потому, что технология была задумана абстрактно как независимая сила со своими собственными внутренними условиями, а инженер-проектировщик как реальный создатель современного мира, шаг от их более ранней экспрессионистской, кубистской или супрематической абстракции к более технологичному стилю был не велик. один.(Даже Кандинский и Малевич изменились в течение 1920-х годов под влиянием этих концепций.)

Применяя свои методы дизайна в архитектуре, печати, театре и промышленном искусстве, они оставались абстрактными художниками. Они часто рассматривали свою работу как эстетический аналог абстрактных расчетов инженера и ученого. Если они допускали альтернативное искусство фантазии, в некотором роде формально связанное с их собственным, то это было просто как остаточное поле свободы или как гигиеническое расслабление от суровости их собственной эффективности.В отличие от футуристов, чья концепция прогресса была слепо восставшей, они хотели реконструировать культуру с помощью логики трезвой техники и дизайна; и в этом желании они считали себя незаменимыми эстетическими пророками нового порядка в жизни. Некоторые из них поддерживали большевистскую революцию, многие сотрудничали с социал-демократическими и либеральными архитекторами Германии и Голландии. Их концепция технологии как нормы в искусстве была в значительной степени обусловлена, с одной стороны, строгой рационализацией промышленности в послевоенной Европе в стремлении снизить издержки и расширить рынок, поскольку единственная надежда удушающего капитализма находилась под угрозой. из-за американского господства и, с другой стороны, из-за реформистской иллюзии, которая была особенно широко распространена в короткий период послевоенного процветания во время этого экономического тупика, что технический прогресс в повышении уровня жизни людей приводит к снижению Стоимость жилья и других предметов первой необходимости разрешит конфликт классов или, во всяком случае, сформирует у технических специалистов привычки эффективного экономического планирования, способствующие мирному переходу к социализму.Архитектура или революция! Это был девиз Ле Корбюзье, архитектора, художника и редактора журнала L‘Esprit Nouveau. С приближением кризиса 1930-х критики, такие как Эли Фор, призвали художников отказаться от своего искусства и стать инженерами; а архитекторы как в Америке, так и в Европе, чувствительные к растущему экономическому давлению, хотя и не знающие его причин, отождествляли архитектуру с инженерией, отрицая эстетическую функцию архитектора. В этих крайних взглядах, разделяемых реформистами технократических тенденций, мы можем увидеть разгром оптимистических машинных идеологий в современной культуре.По мере сокращения производства и снижения уровня жизни от искусства отказываются во имя технического прогресса. В период кризиса механические абстрактные стили отошли на второй план. Они влияют на очень немногих молодых художников или склонны к тому, что Барр называет «биоморфной абстракцией», насильственной или нервной каллиграфией, или с амебоидными формами, мягкой низкосортной материей, пульсирующей в пустом пространстве. Антирационалистический стиль, сюрреализм, выросший из дадаистского искусства 1917-1923 годов, становится преобладающим, и наряду с ним возникают новые романтические стили с пессимистическими образами пустых пространств, костей, гротескных существ, заброшенных зданий и катастрофических земных образований.

«Природа абстрактного искусства» впервые была опубликована в Marxist Quarterly 1, no. 1, январь-март 1937 г., стр. 77-98.

Преимущества абстрактного искусства — ARTDEX

Чем ужаснее становится этот мир, тем более абстрактным становится искусство. — Эллен Ки

Все видели абстрактное искусство. У каждого — от обычного человека до любителя и профессионального художника до известного искусствоведа — есть свое мнение о том, нравится им это или нет, понимают это или нет.

Абстрактное искусство, по сути, труднее понять. Это не похоже на большинство традиционных изобразительных искусств, почти оторванных от реальности, отдельно от нее — и большинство людей не всегда стремятся расшифровать его значение. Некоторых смущает отсутствие явного предмета в абстрактных произведениях искусства. Некоторые смеются над этим и думают, что это не стоит их внимания. Других любопытны и очаровывают его возможные скрытые значения и сообщения.

Независимо от вашего впечатления от предмета, вы не можете отрицать преобладание или значение абстрактного искусства в современную эпоху.

Что такое абстрактное искусство?

По определению абстракция означает дистанцирование идеи от ее объективных атрибутов. Это идея, которая существует исключительно как концепция, независимая от какого-либо реального представления. Таким образом, абстрактное искусство — это искусство, удаленное от объективного, реального мира. Это художественный стиль, который использует форму, цвет, форму и линии для создания результата без точного визуального представления в реальном мире. Другими словами, абстрактное искусство — это отход от реальности.

В реалистичных произведениях искусства вы понимаете, на что смотрите (по крайней мере, на поверхности) — например, на замок, прекрасную девушку, стадо овец или лодку, плывущую по озеру — в абстрактном искусстве нет четко очерченная тема. Он не основан на каких-либо известных нам визуальных примерах.

«В синем» , картина Василия Кандинского | Источник изображения: fineartamerica.com

История абстрактного искусства

Трудно определить точное начало движения абстрактного искусства.Никто не может назвать произведение искусства или даже «отца-основателя» этого стиля, потому что к началу 20-го века было множество произведений искусства, которые были в некотором роде абстрактными. Например, « Картина с кругом» (1911) русского художника Василия Кандинского можно считать одной из самых ранних чисто абстрактных картин. Однако эксперты утверждают, что истоки абстрактного стиля можно найти даже в работах Джеймса Макнила Уистлера и Клода Моне, прежде всего в «Ноктюрне в черном и золотом» Уистлера «Падающая ракета» (1875).

Пик абстрактного искусства пришелся на 1950-е, 60-е и 70-е годы, когда в Нью-Йорке появилось целое поколение абстрактных экспрессионистов послевоенной эпохи, таких как Джексон Поллок, Ли Краснер, Виллем де Кунинг, Марк Ротко, Франц Клайн и другие. Для абстрактного экспрессионизма характерны нанесение знаков и жесты, а также спонтанные (чаще кажущиеся спонтанными) мазки кистью. Предпочтение отдавалось почти бессознательному способу создания; акцент делался на эмоциях, настроении и отрешенности от реальности, а не на художественных «правилах» или традиционных методах.

Абстрактное искусство против. Реальность

Интересное понятие высказывается о целях абстрактного искусства. Две золотые эры абстрактного искусства были между 1912 и 1925 годами, затем между 1947 и 1970 годами. Эти золотые эпохи были отмечены ужасающими историческими событиями, такими как Великая депрессия, Первая мировая война и Вторая мировая война. В свете таких человеческих страданий, боли и отчаяния художникам становилось все сложнее реалистично изобразить свое окружение.

Таким образом, они стремились к абстракции, дистанцировались от окружающих их страданий, чтобы передать свои эмоции, убеждения, принципы и память.В некотором смысле абстрактное искусство можно рассматривать как средство переваривания реальности; справляться со своими эмоциями, особенно негативными, без необходимости напрямую взаимодействовать с источником боли и ущерба. Как сказал немецкий философ Теодор Адорно: «После Освенцима не может быть поэзии», подразумевая, что нежное романтическое искусство не может процветать после таких ужасов человечества.

Во времена, когда кажется невозможным встретиться с реальностью, художники обращаются к абстрактному искусству, чтобы найти мир с собой, а также с событиями, которые преследуют и ставят под угрозу нормальное состояние нашего мира.

[Слева] Марк Ротко СОСТАВ , 1959, Музей Леопольда. [Справа] Марк Ротко, 1961. Фото Кейт Ротко / Apic / Getty Images. | Источник изображения: waxlondon.com

Абстрактное искусство меняет перспективу

Помимо того, что абстрактное искусство было формой облегчения или даже побега для художников, оно стало предметом интереса в научном сообществе. В нескольких исследовательских работах изучались эффекты просмотра абстрактного искусства и его влияние на мозг и мыслительный процесс.

Основополагающее исследование под названием Объективная оценка реакции смотрящего на абстрактное и фигуративное искусство на основе теории конструктивного уровня от 2020 года исследует, как абстрактное искусство влияет на образ мышления по сравнению с изобразительным искусством.Ученые подтверждают, что искусство может изменить то, как мы принимаем решения и воспринимаем события. Они обнаружили, что абстрактное искусство, в частности, может психологически дистанцировать зрителя от деталей повседневной жизни. Вместо этого зритель сосредотачивается на более широкой картине, наряду с эмоциями и концепциями, связанными с тем, где они находятся в настоящее время, не беспокоясь о практичности.

Что мозг говорит нам об абстрактном искусстве? Исследование, проведенное в 2014 году, предполагает, что абстрактное искусство «освобождает наш мозг от доминирования реальности.Это «позволяет исследовать еще не открытые внутренние территории мозга зрителя», что означает, что зритель может подключиться к эмоциональным и когнитивным состояниям, которые у него еще не было возможности исследовать.

Изобразительное искусство предлагает нам то, с чем мы знакомы. В отличие от этого абстрактное искусство не имеет непосредственно узнаваемых характеристик — исследование 2011 года показало, что наши глаза более равномерно перемещаются по произведению искусства, поскольку мы ищем смысл в том, на что смотрим. Это захватывает наш разум так, как не может изобразительное искусство.

Значение абстрактного искусства

Поскольку в абстрактном искусстве нет предметов, которые мы можем идентифицировать, его значение становится субъективным. Скорее, в этом весь смысл абстрактного искусства — эта реальность, по сути, субъективна. Каждый может делать из этого что угодно, потому что все мы разные по своей сути.

Так что в следующий раз, когда вы будете смотреть на абстрактное искусство, не обременяйте себя попытками найти общепринятую тему или предмет. Вместо этого сосредоточьтесь на том, что это значит для вас.Что вы чувствуете, когда смотрите на определенную абстракцию? Какую форму реальности он описывает вам? Нет двух одинаковых ответов, и именно поэтому абстрактное искусство так бесценно как для художников, так и для художественной публики. Он соединяется с самыми глубокими частями нашего внутреннего существа, уводит нас от повседневной рутины и заставляет задуматься о нематериальном и неописуемом.

Сравнение абстрактного и изобразительного искусства

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО ОПРЕДЕЛЕНИЕ ФИГУРНОЕ ИСКУССТВО

почти все абстрактное искусство, если абстрактное искусство 904 903 TWUR ФИГУРНОЕ ИСКУССТВО быть процессом черпания вдохновения из формы, цвета и текстуры предметов.Художники с доисторических времен «абстрагировались» от окружающего мира. Но только в начале двадцатого века абстракция стала рассматриваться как самоцель. Абстрактное искусство имеет тенденцию полагаться на ассоциации формы, чтобы предложить смысл, а не на использование узнаваемых мотивов, чтобы указать на определенные темы и содержание. Он варьируется от легко понятных квази-образных пейзажных образов Кандинского до мрачных мистических монохромных изображений Малевича. Имитация, или реалистическая репрезентация, была одной из целей визуального искусства с древнейших времен — древние называли ее мимесисом. В некоторые периоды художники стремились создать эффект иллюзии с изображениями, которые, кажется, расширяют реальное трехмерное пространство зрителя. В других случаях они стремились к реализму — впечатлению социальной реальности. В двадцатом веке противоположность абстракции лучше всего воспринимать в самом широком смысле, как «фигурацию», хотя некоторые абстрактные экспрессионисты считали любое остаточное присутствие фигуры (например, как у Миро или раннего Ротко), независимо от того, как абстрактно, чтобы составить фигуру. АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО ПРИМЕРЫ ИСКУССТВО ИСКУССТВО

Идея абстрактного искусства в некоторой степени присутствовала во всем искусстве конца девятнадцатого века, от постимпрессионизма до символизма.Но чистая абстракция была наконец достигнута примерно в 1913 году — наиболее частыми авторами первых абстрактных картин были Кандинский, Малевич, Мондриан и Роберт Делоне. Некоторые считают кубизм абстрактным стилем, однако Пикассо был противником чистой абстракции и фактически изменил курс, когда почувствовал, что его работа граничит с чистой абстракцией. Эксперименты в абстрактном искусстве на протяжении столетия всегда были направлены на нарушение традиционного понимания станковой живописи, и это нарушение привело к двум логическим выводам: сетке и монохромности.Сетка — обычно встречающаяся в кубизме и у Пита Мондриана — враждебна повествованию, а также сбивает с толку традиционные противопоставления между линией и цветом, фигурой и фоном, мотивом и рамкой. Монохромность противоречит традиционному пониманию живописи как окна или зеркала: отверстия, через которое мы видим другой мир, или поверхности, на которой отражается некоторая версия нас самих (физическая, духовная, социальная, культурная и т. Д.). нас. Присутствие Ханса Хофманна в Париже во время этих ранних разработок было важным для распространения идей абстракции в Соединенных Штатах, хотя другие, такие как Аршил Горки и Джон Грэм, также сыграли свою роль. Хотя фотографию часто обвиняют в исчезновении фигур в современной живописи, настоящая причина больше связана с экспериментальными, самовыражающими и авангардными побуждениями художников. Импрессионисты были только первыми, кто позволил фигуре потерять значение наряду с новым акцентом на поверхностных эффектах. Возможно, знаменательно, что термин «импрессионизм» впервые был применен к этим художникам как форма критики, потому что их картины только оставляли впечатление реальных изображаемых форм, а не передавали их точно. Хотя фигура не имела доминирующего присутствия в искусстве двадцатого века, как в предыдущие времена, она была особенно важна для двух стилей — соцреализма и экспрессионизма. Социальные реалисты использовали эту фигуру, пытаясь точно описать современную социальную жизнь. А экспрессионисты поставили человеческую фигуру в центр стиля, посвященного воспеванию человеческих стремлений и тревог.

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО ВО ВРЕМЯ АБСТРАКТНОГО ЭКСПРЕССИОНИЗМА ФИГУРНОЕ ИСКУССТВО

центральное место в их средствах.Ротко, Ньюман и Стилл сознательно стремились удалить из своих картин любые мотивы, которые могли бы вызывать ассоциации. Вместо этого они использовали чисто абстрактную форму и выразительный цвет, чтобы напрямую общаться со зрителем самым непосредственным образом.

Однако критики больше осознавали важность абстракции. Для Гарольда Розенберга абстракция художников была продуктом их экзистенциальной встречи с холстом — абстрактный знак был воплем в пустыне. А для Клемента Гринберга абстракция была центральной целью всех художников-модернистов — избавить искусство от всего постороннего для него.

Пример Джексона Поллока стал особенно спорным испытанием значимости абстракции и фигурации в абстрактном экспрессионизме — особенно с тех пор, как в его поздних работах начали появляться цифры, когда художник, казалось, разочаровался в попытках развить свои способности. абстракция. Для некоторых, таких как Клемент Гринберг, абстракция была центральным элементом успеха Поллока.

Отсутствие фигур в абстрактном экспрессионизме типично для послевоенного периода, когда отвращение к левой политике подорвало позиции соцреализма, а мировая война потрясла гуманизм, лежащий в основе экспрессионистского стиля.Немногие реалисты, кроме Эндрю Уайета, получили известность в этот период. Однако, хотя многие картины абстрактных экспрессионистов действительно абстрактны, некоторые художники снова использовали эту фигуру. Де Кунинг известен серией «Женщины», которую он начал в начале 1950-х годов. Для него использование фигуры было центральным в его увлечении историей западного искусства. Его пример мог бы иметь огромное влияние, но по мере того, как абстракция цветового поля получила большую поддержку в 1950-х годах, обращение де Кунинга к фигурации стало выступать против него.

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО

ПОСЛЕ АБСТРАКТНОГО ЭКСПРЕССИОНИЗМА

ФИГУРНОЕ ИСКУССТВО

Зеленые абстракции видел это. Некоторые утверждают, что Поллок пытался изобразить свое бессознательное, и что образы и мотивы воспоминаний из его психоанализа ускользнули.Другие идут дальше, утверждая, что, хотя Поллок, возможно, пытался подавить все формы референции в своей работе, он никогда не мог полностью избежать их, поскольку абстракция — это язык, подобный любому другому, и несет в себе метафоры, как и любой другой. Большинство критиков теперь согласны с тем, что абстракция Поллока была своего рода языком и, следовательно, что она больше связана с традиционными образами, чем это предполагалось до сих пор. Сегодня они утверждают, что абстрактные и фигуративные картины выполняют работу репрезентации и в этом смысле тесно связаны.

Хотя упадок абстрактного экспрессионизма не привел к немедленному возвращению к фигуратуре, некоторые художники начали исследовать это направление в 1960-х годах. Филип Густон особенно известен тем, что вернулся к фигуре в конце 1960-х годов, когда он начал чувствовать, что его абстракция затрудняет реакцию на социальные и политические потрясения того периода. Можно отметить и других, в том числе Алекса Каца и Филипа Перлстайна, которых называли «реалистами нового восприятия», и «суперреалистами», такими как Чак Клоуз и Ричард Эстес (хотя в их работах часто больше внимания было уделено фотографии, чем фигуре). ).

Чистота эмоций в абстрактном искусстве

С момента своего создания Абстракционизм раздвинул и изменил границы того, что можно считать «искусством». Однако конкретное начало абстрактного искусства сложно определить, поскольку работы Василия Кандинского и его коллег в начале 20-го века не возникли спонтанно.

Статьи по теме: Абстрактное искусство: безграничная территория для творчества — Какая абстрактная картина вам подойдет? — Цвета в абстрактном искусстве

Скорее, отход художника от видимой реальности может ретроспективно рассматриваться как естественное продолжение импрессионистского и фовистского движений конца 19 века, когда эксперименты художников с цветом и формой начали жить собственной жизнью. . Не упустите возможность увидеть все последние разработки в современной абстрактной области!

Пит Мондриан, Красное дерево, 1908. Холст, масло.

Границы определения абстрактного искусства

«Абстрактное искусство — это искусство, которое не пытается представить точное изображение визуальной реальности, а вместо этого использует формы, цвета, формы и жесты для достижения своего эффекта» (Tate.org.великобритания)

Если мы оглянемся на времена зарождения определения абстрактного искусства, мы можем оказаться в обстановке, характеризующейся насыщенностью фигуративного искусства, в то время, когда первозданная техника и древние композиции рассматривались как элементы первостепенной важности в мире искусства. создание красоты. В те времена множество художников, первым из которых был Василий Кандинский, начали искать неизведанное, погружаясь в мир, где формы и символы больше не имели строгой связи с реальностью и фигуративностью.

Чтобы дать определение абстрактному искусству, мы должны начать понимать его связь с его образным аналогом. Эти два разных мира питаются друг от друга через диалектические отношения, диалог, который касается как имманентных, так и трансцендентальных истин, окружающих определенный предмет. Если, например, мы возьмем Пита Мондриана в качестве примера для определения абстрактного искусства, мы рассмотрим его образное исследование знаменитого «Красного дерева» (1908), чтобы понять абстрактность его более поздних работ.Мы должны изучить концептуализации, которые художник должен был открыть, чтобы как избежать проявленной реальности объекта, так и найти и выразить абстрактное происхождение внешнего вида объекта.

После того, как это будет понято, мы, наблюдатели, сможем лучше узнать определение абстрактного искусства и некоторые из первых элементов исследования, которые привели к его освобождению во времена доминирования фигуративного искусства.

Пит Мондриан, Дерево, 1912.Масло на холсте.

Что такое абстрактное искусство?

Имея в виду сказанное ранее, на протяжении всей истории мы можем подчеркнуть разнообразие узоров и геометрических форм, узоров и других мотивов, которые можно считать абстрактными по стилю, но из-за их в основном декоративного характера не квалифицируются как изобразительное искусство. Это по-прежнему показывает, что люди всегда имели связь с абстрактными, воображаемыми формами, выходящими за рамки того, что им показывает реальность, но никогда до 20 века эти абстракции не получали такого высокого статуса, чтобы их можно было принять как законное искусство.

Художники даже намекали на абстракцию в течение многих лет до начала импрессионистского движения и событий Салона отказов в 1863 году. Исследования Дж. М. У. Тернера в области света и цвета (Теория Гете) — Утро после Потоп , 1843, как видно, демонстрирует многие качества абстрактного искусства, такие как нечеткий предмет и размытие пространства с помощью цвета, намекая на большее, чем то, что может видеть глаз. Также Клод Моне , на последних этапах своей жизни и карьеры, нарисовал свой Le Bassin aux Nymphéas , когда его слабое зрение в сочетании с его легким, полупрозрачным прикосновением придало его последним холстам неземную форму, которая ближе к преодолению границ между визуальная форма и ее интерпретация, чем любая из его предыдущих работ.

Le Bassin aux Nymphéas, Клод Моне, 1917–1920 годы. Предоставлено Фондом Бейелером.

Когда известные художники в каноне, такие как Тернер и Моне, начали рисовать такими технически абстрактными способами, даже непреднамеренно сформировалось общественное восприятие, чтобы принять эти картины в мейнстрим, прокладывая путь для будущих художников к более активным, более иконоборческим средствам абстракции .

Кандинский, вероятно, самый известный в абстрактном искусстве , русский художник, который видел в абстракции путь к духовному просвещению, а не просто новую технику, чтобы встряхнуть мир искусства.Однажды он сказал , что его больше всего интересовало, «что зритель живет или чувствует, находясь под воздействием сочетания форм и цветов изображения» , с его основной целью вызвать чистых эмоций у своей аудитории, а не пра-отец эмоция в ответ на объект или опыт реального мира. Тем не менее, возможно, вопреки ожиданиям, Кандинский не рассматривал свою работу как противопоставление реализму, а скорее объяснил, что даже эти неосязаемые, невидимые явления, такие как любовь, трепет и другие эмоции, были такими же реальными, как объекты, ранее представленные искусством, и их сущность еще может быть описана в подобных терминах. По стопам Кандинского в поисках чистой абстракции приходят и другие известные имена, такие как Пит Мондриан, Казимир Малевич и Франтишек Купка.

Поскольку абстракция — это скорее способ видения, чем конкретная техника, ей удалось повлиять и впитаться во многие другие жанры и направления мира искусства, в первую очередь абстрактный экспрессионизм, родившийся в Нью-Йорке, дадаизм, минимализм и концептуализм. . Из этих жанров нам сегодня приходят одни из самых знаменитых и известных художников, такие как Джексон Поллок, Марк Ротко, Анри Матисс, Жоан Миро и Виллем де Кунинг. Узнайте больше о минималистском и концептуальном искусстве здесь!

Василий Кандинский, без названия, 1923 г.

Абстрактная история переписанная …

История выше показывает канонизированную версию событий, стилизованную временную шкалу, показывающую, как Abstraction на протяжении 19 и 20 веков эволюционировала в свою собственную форму жизни , и как художники, подобные Кандински, ретроспективно приветствовали свои достижения как исторические моменты в мире искусства. .Имя Кандинского выделяется среди остальных как «праотец» абстрактного искусства, поскольку он постоянно и публично заявлял, что создал первую по-настоящему абстрактную картину в 1911 году, однажды написал своему другу нью-йоркскому галеристу Джерому Нейману. :

«Действительно, это первая в мире абстрактная картина, потому что тогда ни один художник не рисовал в абстрактном стиле».

Сама картина пропала, поэтому Кандинский мог только кричать об этом — громко.

Но его утверждение не совсем верно. Как и во всех сферах западного общества, исторически мир искусства не признавал и не продвигал женщин-художников , , оставляя их работы незамеченными и недооцененными. Только недавно стали известны новаторские работы, которые многие художницы создали в течение XIX и XX веков, в том числе Шведский художник Hilma af Klint . Ее работы в настоящее время демонстрируются на выставке блокбастеров в Гуггенхайме в Нью-Йорке, и, наконец, ее искусство получает заслуженные награды, особенно когда ее обширные, красочные и глубоко духовные абстрактные полотна предшествуют заявлению Кандинского 1911 года по крайней мере на пять лет.Работая вне канонизированного творчества и оторвавшись от других так называемых пионеров движения, оригинальность аф Клинт — глоток свежего воздуха, проистекающая из ее раннего контакта с художественным образованием (редкость для девочек) и теософией, одной из первых. и только религиозные движения, чтобы не дискриминировать женщин. Несмотря на то, что она создала более 200 абстрактных картин с 1906 года до своей смерти в 1944 году, ни одна из них не была показана на выставке , но, к счастью, сохранилась достаточно хорошо, чтобы ее таланты были признаны почти столетие спустя .

Современное абстрактное искусство …

Точно так же в Денверском художественном музее в 2016 году была проведена выставка « Женщина абстрактного экспрессионизма », чтобы снова сосредоточить внимание на ключевых женщинах в движении абстракции 40-х и 50-х годов, включая работы более 50 художников, таких как Мэри Эбботт. , Джей ДеФео , Перл Файн , Хелен Франкенталер , Соня Гехтофф , Джудит Годвин , Грейс Хартиган , Элейн де Кунинг , Дебирей, Краснер Ли Remington и Ethel Schwabacher .Теперь, когда эти художники выставляются все чаще и чаще на том же уровне, что и Rothkos и Pollocks музейных коллекций, история абстракции переписывается и с удовольствием расширяется. Соня Делоне была художницей, которая вместе со своим мужем Робертом проложила путь многим подмножествам абстракции, таким как орфизм и симултанизм. Подробнее о Соне Делоне здесь …

Хильма аф Клинт, Выставка Гуггенхайма Хильма аф Клинт: Картины будущего

Правила создания абстрактного произведения кажутся несуществующими, и действительно, когда узнаваемая эстетическая ценность или красота больше не являются необходимостью для функционирования произведения искусства, открываются пути для безграничных экспериментов.Даже кисть, когда-то являвшаяся основным инструментом в арсенале художника, теперь отбрасывается в пользу бросания, капания, построения, соскабливания любым способом, который может придумать художник, выходя далеко за рамки формы и точности. Кадзуо Ширага , Японский художник , очень заинтересованный и находящийся под влиянием движения Американский абстрактный экспрессионизм , создал обширные, динамичные и страстные картины, используя свои ноги, скользя и катаясь на коньках, «как будто мчась по полю битвы, прилагая усилия, чтобы коллапс от истощения.”

Изначально, однако, абстракция родилась из фовизма и кубизма, коллапсирующих друг с другом пространство, время, форму и цвет, пока результат не стал свидетельством бесконечной природы этих концепций.

Возможно, больше, чем любой другой вид искусства, абстрактное искусство заставляет зрителя понять его . Когда уникальное видение художника переводится в нечто настолько радикальное, отличное от обычных визуальных подсказок или пробных камней, которые мы научились интерпретировать в течение нашей жизни, мы можем потеряться и не понять, о чем говорит искусство.Люди, более подготовленные к пониманию традиционного искусства, часто думают, что их цель, глядя на абстрактное искусство, состоит в том, чтобы понять, каким должен быть предмет, или интерпретировать его во что-то связанное с фразами типа «О, лицо!» или, например, «Немного похоже на море».

Это упустить главное.

На протяжении 20 века многие деятели искусства обращали внимание на новейшие пути, открытые с появлением абстрактной живописи. Художники невероятного мастерства, такие как Марк Ротко, Василий Кандинский, Казимир Малевич и многие другие, погрузились в свой жизненный опыт и сосредоточились на тонкости абстракции, развивая множество различных исследований, связанных с живописью.С момента открытия этого нового интересного мира многие артисты начали понимать интригу, которая пришла вместе с тем, чтобы быть абстрактным художником в 20 веке. Абстракция в большей степени, чем любой другой жанр, заключает в себе внутренние творения искусства , и часто рассматривается как искусство ради искусства . Чистота эмоционального отклика, которую Кандинский и Клинт хотели вызвать в людях, отражается в чистоте абстрактного искусства. Это самовлюбленный, самодвижущийся, целеустремленный. Чистота здесь означает не обремененный ничем, кроме себя; всем, что не является искусством произведения искусства.

Визуальный язык, выраженный абстрактной живописью и всеми связанными с ней художественными движениями, он находится в диалоге со своей собственной формой, своим собственным уникальным существом и не привязан к какому-либо другому объекту какой-либо косвенной системой отсчета, это форма объективной абстракции. Элементы живописи здесь используются для того, чтобы освободиться от живописи как фигурации.Элементы живописи обращены против их общепринятого использования и позволяют точно передать мысль и абстракцию. Эмоциональный отклик, вызванный расплывчатыми и интригующими предметами, такими как те, которые исследуются абстрактной живописью, позволил как зрителям, так и художникам вступить в альтернативный путь, стремясь активировать медитационный отклик зрителя и, более того, реализовать вышеупомянутый эмоциональный отклик , пытаясь связать переживание изображения с как можно большим количеством различных жизненных переживаний.Стремление освободиться от фигурации и получить то, что определяется как объективная абстракция.

Таким образом, ранний уход абстрактного искусства от изобразительного искусства взял музыку в качестве творческого примера, музыка была формой искусства, считающейся автономной и свободной от ограничений и ожиданий реальности . Кроме того, некоторые ранние источники вдохновения для абстракции пришли из мира науки, где в начале 20-го века недавно был открыт расширенный диапазон электромагнитного спектра и других невидимых сил.То, как мир пробуждается к присутствию этих невидимых систем и сил, послужило явным стимулом для таких художников, как af Klint и Kandinksy , начать запечатлевать то, что их глаза не могли видеть, но их воображение и душа могли. Таким образом, для современного зрителя пытаться превратить эти картины обратно в осязаемые объекты и привязать их к реальности только для их собственного понимания, так же бесполезно, как и активно пагубно сказывается на силе искусства.

Movimento 9, Изабелла Наззарри, 2017

Абстрактное искусство сегодня…

Сегодня абстракция — это стандартизованный стиль для современных художников, более знакомый широкой публике, поскольку он все больше проникает в общественное сознание. Некогда шокирующая природа абстрактных форм перестала быть столь конфронтационной и фактически стала одним из самых популярных стилей модерна и современного искусства. Его субъективный характер закрепил его как глобальный стиль, не требующий особых культурных или локальных знаний для оценки. Музеи и галереи часто считают абстрактный экспрессионизм наиболее популярными выставками, и он служит очень стабильным компонентом растущей стоимости современного искусства на аукционах. Богатая история жанра дает современным художникам прочную основу для переосмысления, переоценки и переработки работ и философии своих художественных предков, всегда в поисках чего-то нового и захватывающего. .

Познакомьтесь с другими современными художниками-абстракционистами, такими как Изабелла Наззарри, Ричард Калдикотт, Тилман и многих других, на Kooness!

Изображение на обложке: Пит Мондриан, Цветущая яблоня (Цветение), 1912. Холст, масло.

По сценарию Маркуса Ховарда-Вайса и Марио Родольфо Сильвы

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнавать больше интересных новостей из мира искусства.

10 видов абстрактного искусства, которые нужно знать и использовать в своих проектах

Абстрактное искусство может показаться эксцентричным, но оно гораздо полезнее, чем вы думаете. Вот десять видов абстрактного искусства, которые вы должны знать и использовать в своих проектах.

Читайте дальше, чтобы узнать больше о различных типах абстрактного искусства — от кубизма до сюрреализма, от мрамора до абстрактной органики — и о том, какие стили переосмысляются в современном дизайне, а также о том, как вы можете использовать абстрактные изображения в своих собственных проектах.

---

Что такое абстрактное искусство?

В то время как реалистическое искусство пытается представить изображение реальной действительности, абстрактное искусство стремится к прямо противоположному. Ранние абстрактные художники, работавшие в конце 19 — начале 20 веков, использовали цвет, форму, форму и линии для создания картин, скульптур и рисунков, которые целенаправленно чувствовали себя независимыми от идентифицируемых объектов, пейзажей и людей. Абстракция дала художникам новый уровень свободы для экспериментов с художественными методами и позволила им изменить традиционное значение понятия «искусство».

Посетители Музея современного искусства в Нью-Йорке рассматривают картину художника-абстракциониста Джексона Поллока. Изображение Бамбл Ди.

Абстрактное искусство шло рука об руку с эволюцией модернизма и постмодернизма, междисциплинарных движений, которые поощряли отход от традиционных подходов, стилей и способов мышления, унаследованных от эпохи Возрождения, раннего модерна и викторианской эпохи.

В течение 20 века ряд движений защищал и выдвигал интерпретации абстрактного искусства, включая сюрреализм, дадаизм, кубизм и фовизм.Такие художники, как Пабло Пикассо, Пит Мондриан, Василий Кандинский, Барбара Хепворт и многие другие изобрели и усовершенствовали свои собственные версии абстракции, в результате чего картины и скульптуры сегодня считаются шедеврами.

Для современных дизайнеров абстрактное искусство — это термин, охватывающий огромное количество различных стилей и художественных подходов. Однако, как правило, все стремятся представить творчество, визуальность и художественное выражение нереалистично.

---

Почему абстрактные изображения полезны для дизайнерских проектов?

Многие важные направления графического дизайна, такие как швейцарский стиль 1950-х годов, стиль Мемфиса 1980-х и минимализм 1990-х годов, заимствовали свои реплики из мира абстрактного искусства.Геометрические формы, минималистичные макеты и яркие цвета — все это отличительные черты.

На протяжении 20-го века графический дизайн постоянно обращался к стилям абстрактного искусства, чтобы информировать коммерческую работу для плакатов, журналов, упаковки и брендинга. Почему абстрактное искусство так привлекает дизайнеров?

Во-первых, абстрактное искусство невероятно многогранно. Поскольку реальные объекты или люди не представлены в абстрактных изображениях, дизайнеры могут применять эти стили изображений к широкому кругу проектов.Абстракция делает акцент на визуальном настроении и индивидуальности изображения, а не на реалистическом содержании. Таким образом, дизайнер может придать дизайну определенный вид, манипулируя цветом, формой и узором, сохраняя при этом нейтральность в дизайне.

Во-вторых, абстрактные образы обладают психологической силой. Ряд исследований показал, что абстрактное искусство может оказывать значительное эмоциональное воздействие на зрителя, возможно, отчасти потому, что абстракция освобождает мозг от доминирования над реальностью.Исследование 2012 года установило прямую связь между просмотром абстрактного искусства и чувством удовольствия. Помня об этом, опытные дизайнеры и бренды могут использовать абстрактные изображения, чтобы манипулировать настроением зрителя и даже повысить вероятность покупки продукта.

Зрители смотрят на абстрактную картину на выставке в Болонье, Италия. Изображение от starmaro.

Наконец, абстрактные образы связаны с современностью и авангардом в общественном восприятии. Компании, которые хотели бы быть связаны с чувством современности и новаторским подходом, часто используют абстрактные образы в своем брендинге и маркетинге.

Ниже вы узнаете о десяти стилях абстрактного искусства, на которые постоянно опираются дизайнеры, привлекая креативность, красоту и интерес в коммерческие проекты, а также о нашем редактировании лучших изображений для экспериментов для упаковки, веб-дизайна и печати.

---

1. Брызги, капли и брызги краски

Вдохновленный работами американского абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, изображения с брызгами краски и текстуры капель придают дизайн-проектам эклектичный и энергичный вид.Эти типы изображений особенно красивы в качестве фона для упаковки и крупномасштабных печатных дизайнов, таких как плакаты и баннеры, придают макетам цвет, текстуру и движение, создавая при этом удивительно однородный и универсальный фон для типографики и логотипов.

Изображение Juhku. Изображение Ensuper. Изображение Ксении Мартьяновой. Эти различные фактурные техники придают вашему дизайну энергичность и эклектичность. Изображение им классное.

2.Блок Цвет

Искусство вышло на новый уровень абстракции благодаря работам американского художника Марка Ротко, известного своими масштабными картинами «Цветовое поле». Его монументальные полотна раскрывают психологический и драматический потенциал блочного цвета.

Чтобы воплотить блочный цвет в своих собственных проектах, обратите внимание на Ротко, а также на работы голландского художника Пита Мондриана, одного из первых сторонников современного абстрактного искусства, для красочного графического вдохновения.

Оба этих художника были ключевыми источниками вдохновения для дизайнеров международного, или швейцарского, стиля 1950-х годов.И неудивительно — простые цветные блоки создают простой и потрясающий фон для макетов на основе сетки.

Изображение Харе Кришна. Изображение V.stock. Изображение Рэйчел Брюнетт. Эти простые цветные блоки создают потрясающий фон. Изображение SOMMAI.

3. Мрамор

Суминагаси, древнее искусство японского мрамора, возможно, является одной из самых ранних форм абстрактного искусства, первый известный образец относится к 10 веку.

Художник наносит цветные чернила на воду перед тем, как перенести их на впитывающую поверхность, например на бумагу или ткань. Каждый образец мрамора уникален, а результаты получаются невероятно красивыми и абстрактными.

Поскольку бумага под мрамор использовалась в книжном производстве в 18-19 веках, этот художественный стиль прочно ассоциируется с издательским делом и интеллектуализмом. Попробуйте использовать мраморный фон в дизайне книг или канцелярских принадлежностей или используйте на веб-сайтах, чтобы придать цифровому дизайну больше тактильного качества.

Изображение мисс Смайл. Изображение CARACOLLA. Изображение Лейлы Дивайн. Мраморные фоны позволяют создавать красивый и оригинальный дизайн книг, канцелярских товаров и веб-сайтов. Изображение предоставлено Prostock-studio.

4. Кубизм

В начале 20 века художники Пабло Пикассо и Жорж Брак стремились одновременно представить все возможные точки зрения на предмет или объект. Результатом эксперимента стал кубизм, стиль абстрактного искусства, в котором слабо идентифицируемые предметы выглядят фрагментированными и геометрическими.

Этот стиль был разработан русским художником Василием Кандинским, который абстрагировался от кубизма и был признан многими искусствоведами пионером нефигуративного искусства.

Сегодня дизайнеры могут обновить кубизм с помощью низкополигональных фонов и архитектурных плоскостей, придавая трехмерное качество иммерсивности фоновым текстурам, векторным иллюстрациям и дизайнам приложений.

Изображение Харе Кришна. Изображение пользователя Unconventional. Эти низкополигональные конструкции и архитектурные плоскости, созданные под влиянием кубизма и нефигуративного искусства, станут отличной отправной точкой для вашего проекта.Изображение Sakemomo.

5. Штриховая графика

Каталонский художник Жоан Миро сочетал абстрактные линейные рисунки и картины с сюрреалистическим сюжетом. Большая часть его работ использовала или находилась под влиянием процесса печати литографии, что, возможно, способствовало графическому восприятию его искусства.

Абстрактное линейное искусство, в котором простые непрерывные линии использовались для создания форм и форм, является отличительной чертой работ Миро и многих других абстрактных художников, работавших в 1950-х и 1960-х годах.

Line art прекрасна своей простотой и может использоваться дизайнерами для передачи концепций, а также для создания значков и логотипов.

Изображение Dinni91. Изображение предоставлено abstract_art7. Простота абстрактных линий идеально подходит для значков и логотипов. Изображение tutsi.

6. Мемфисский стиль

Эклектичный стиль Мемфис является результатом движения, инициированного группой итальянских дизайнеров, архитекторов и художников в начале 1980-х годов.Стиль Мемфис подчеркивает геометрию, смелые цвета и узор и затрагивает целый ряд художественных стилей от ар-деко до китча.

Одни критики считают его безвкусным, другие любят веселую и экспериментальную энергию Мемфиса. Современные дизайнеры заново открыли для себя и возродили стиль Мемфис, и именно его оптимистичное и радостное настроение бренды сочли эффективным для привлечения и преобразования клиентов.

В этом году возрождение стиля Мемфис переходит на трехмерную территорию.Созданные в САПР визуализации и сногсшибательные 3D-фоны придают этому стилю новое преимущество.

Изображение Bug_Fish. Изображение Ю.О. Чеха. Изображение предоставлено local_doctor. Эти плоские и трехмерные модели в стиле Мемфис возродились в мире искусства. Изображение предоставлено Ozz Design.

7. Абстрактное органическое

Плавные, изогнутые формы и приглушенные цвета середины века — отличительные черты стиля абстрактного органического искусства. Такие художники, как Чарльз и Рэй Имз, пересмотрели и переосмыслили местные художественные стили в 1950-х годах, в результате чего появились органические формы и акцент на натуральных материалах, текстурах и цветах.

Легкая элегантность абстрактного органического стиля сделала его неизменным фаворитом среди дизайнеров на протяжении десятилетий, многие из которых используют этот стиль для брендинга, рекламы и упаковки.

Наивно нарисованные, органичные формы и иллюстрации могут работать как стильный плоский дизайн. Или попробуйте разместить абстрактные 3D-иллюстрации в качестве фона для макетов веб-сайтов.

Изображение KarolinaCloud. Изображение предоставлено SF Stock. Эти абстрактные, органические художественные стили станут шикарным дополнением к любому дизайну веб-сайта.Изображение предоставлено Media Whalestock.

8. Полутона

Полутона описывает эффект точек, созданный при печати, путем разбиения изображения на серию точек. Эффект был воспроизведен такими поп-артистами, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. В 1960-х и 1970-х годах эти художники часто стремились сделать свои работы похожими на рекламные щиты в газетах.

Дизайнеры могут придать макетам оттенок ретро, ​​используя полутоновые фоны или наложения. Или попробуйте поэкспериментировать с изменяющимся дизайном полутонов, чтобы добавить текстуру и интерес к градиентному дизайну.Яркие, привлекательные цвета — естественный партнер для этого эффекта, вдохновленного поп-артом, или выберите монохромный, чтобы подчеркнуть его газетное наследие.

Изображение Spietsen. Изображение Vanzyst. Полутоновые текстуры создают эффект в стиле поп-арт. Изображение от jumpingsack.

9. Сюрреализм

Несмотря на то, что сюрреалистическое искусство не является строго абстрактным, оно направлено на создание искаженной версии реальности путем манипулирования реалистическими образами. Такие художники, как Сальвадор Дали, Рене Магритт и Фрида Кало, испытали влияние психоанализа, растущей области исследования и практики в начале 20 века.Их картины и скульптуры стремились расширить творческий потенциал ума, сопоставив вместе образы, которые казались иррациональными и нетрадиционными.

Хотя позже он был устаревшим абстрактным модернистским искусством, сюрреализм и сегодня продолжает вдохновлять художников и дизайнеров, которые ценят этот стиль за его способность удивлять и восхищать зрителя.

Чтобы направить сюрреализм в свои проекты, ищите необычные изображения статуй, предметов и людей. Найдите дизайны, в которых используются искажения, склейки или необычные концепции, чтобы предложить что-то уникальное для редакционных дизайнов, плакатов и изображений веб-сайтов.

Изображение от frankie’s. Изображение Zamurovic Photography. Изображение Фриды Мишо. Необычные концепции творят чудеса с постерами, редакционным дизайном и изображениями веб-сайтов. Изображение Титхи Луадтонг.

10. Абстрактный рельеф и скульптура

Живопись часто рассматривается как доминирующее средство абстрактного искусства. Однако многие художники обращались к скульптуре и рельефу, чтобы воплотить абстрактные концепции в трехмерную форму.

Обратитесь к британскому скульптору Барбаре Хепуорт за абсолютным абстрактным вдохновением.Ее монументальные скульптуры, отлитые из металла, камня и дерева, представляют собой вершину модернистских достижений между 1930-ми и 1960-ми годами.

Даже плоский дизайн выиграет от трехмерных текстур и рельефных изображений, вдохновленных Хепворт и ее современниками. Просмотрите нашу редакцию лучших абстрактных рельефных изображений, идеально подходящую для добавления динамизма и роскоши фону.

Изображение предоставлено pernsanitfoto. Изображение пользователя wacomka. Абстрактные рельефные изображения добавляют динамичной роскоши фону.Изображение Evannovostro.

---

Ищете больше художественного вдохновения? От известных художников, которые решили работать из домашних студий, до художников, определяющих современную дизайнерскую сцену Японии, — откройте для себя что-то творческое, что вдохновит вас сегодня:

Изображение на обложке — KarolinaCloud.