Ар нуво стиль в живописи.
Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн.
Время его формирования стиля ар нуво – 1890-е годы, когда художники предприняли попытку порвать с теми художественными принципами, которые казались им исчерпавшими себя и стереотипными. Живописцы и скульпторы отвергали принцип подражания природе, архитекторы и дизайнеры осуждали копирование старых стилей. Они стремились к стилистическому единству: чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве.Главными особенностями стиля были образная ассоциативность, изощренный символизм форм и значений, подчеркнутая декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры.
Во Франции, где и возник термин «ар нуво», этот стиль был тесно связан с символизмом в поэзии и живописи. У истоков французского ар нуво стояли Поль Гоген и художники его круга. Наиболее известным мастером ар нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. В своих плакатах и литографиях он отдал должное характерному для ар нуво графическому узору, напоминающему арабеск, позволив линиям течь легко и энергично.
Стиль ар нуво достиг высшей точки своего развития на рубеже 19–20 вв., но затем был вскоре забыт – ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов уступил место геометрическим, ничем не украшенным поверхностям зданий начала 20 в. Ар нуво вышел из моды и был открыт заново только пятьдесят лет спустя. В России для этого стиля принято название модерн, в Австрии – сецессион, в Италии – либерти.
Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.
Источник: http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/AR_NUVO.html
Похожие записи
Нежный стиль Ар Нуво, Альфонс Муха и Сара Бернар
Приветствую вас друзья, подписчики и посетители сайта!
Если вы знакомы с моим творчеством, то скорее всего знаете, что с этим утонченным стилем я пересекаюсь в своем творчестве чаще всего. К тому же, я отношу его к одному из самых любимых моих стилей в живописи!
Речь идет о стиле Ар Нуво (L’art Nouveau), что переводится с французского «Новое искусство». Пик своей популярности пришелся особенно с 1885 до 1914 года, чуть позже ему на смену пришел другой, не менее красивый стиль — Ар Деко.
Ар Нуво относится к декоративно-орнаментальному жанру и зародился во Франции
«Назад к природе! » — такой лозунг несет этот стиль
Извилистые линии, плавные и причудливые изгибы мягко переплетаются с другими элементами в композиции.
Вьющиеся растения, цветы, кувшинки, а также птицы и рыбы – являются самыми популярными мотивами Ар Нуво.
Но, чаще всего стиль узнаваем по своему характерному признаку — изображение женщин… вы их видели, например, на картине «Поцелуй» 1907—1908 года, написанной австрийским художником
О нем и о его работах я напишу чуть ниже…
Густав Климт «Поцелуй» 1907—1908 Холст, масло. 180 × 180 см, сусальное золото
Если говорить про корни Ар Нуво, то множество элементов этого стиля характерны в японской культуре. Художник и гравер из Франции Феликс Бракмон первым позаимствовал японские мотивы, видоизменив их и добавив некоторой новизны … отсюда и началось зарождение «мира Ар Нуво»
Изысканностью, утонченностью и одухотворенностью пропитан стиль живописи Ар Нуво
Цветопередача в картинах часто характеризуется блеклыми, приглушенными и нежными оттенками….
Очень интересным фактом в становлении этого стиля является то, что это течение, завоевав признание людей и популярность, в каждой стране имеет свое название.
Например во Франции и Бельгии он называется Ар Нуво, в Италии называется Либерти, в Англии- Модерн стайл, в Германии- Югендстиль, в США-Тиффани, а в России назывался просто –Русский модерн
Чешский художник Альфонс Муха — ( 1860-1939 гг.), был просто мастером театральных плакатов и рекламных афиш, именно с ним чаще всего связывают стиль Ар Нуво. В то время можно было встретить повсюду присутствие этого стиля: на пачках папирос, на рекламных афишах, на этикетках конфет…
Любимым сюжетом художника были, конечно же, женщины: томные, спокойные, очаровательные и загадочные барышни, утопающие в море цветов.… Символизирующие день и ночь, свет и тьму, времена года, поэзию, танец, драгоценные камни…
«Драгоценные камни»: Рубин, Топаз, Аметист, Изумруд
Альфонс Муха был востребованным художником декоративного жанра и достаточно долго работал театральным художником в Париже, создал огромное множество афиш для известной и божественной театральной актрисы — Сары Бернар, которую называли «самой знаменитой актрисой за всю историю».
Он изображал актрису в разных театральных костюмах на рекламных афишах для разных спектаклей. Говорят, что у них даже был роман… Но не только рекламные афиши создавал Альфонс Муха для Сары Бернар… Также , по заказу актрисы, и по эскизам художника были изготовлены ювелирные украшения
По эскизам Мухи было создано немало оригинальных ювелирных изделий. Известный Парижский ювелир Жорж Фуке, очарованный нежными девушками с афиш, предложил художнику стать дизайнером ювелирных изделий. И эта идея была блестящей и очень удачной.
Материалы использовались для изготовления украшений разные: золото и жемчуг, слоновая кость и опалы, маленькие бриллианты и эмаль.
Жорж Фуке считал, что украшение может состоять не только из драгоценного камня, а и из других материалов в ансамбле с художественным дизайном. По заказу Сары Бернар было изготовлено немало изумительных украшений, которые она надевала на спектакли
Самое экстравагантное и яркое украшение в творчестве Альфонса Мухи, изготовленное Жоржом Фуке в 1899 году по эскизам художника был золотой браслет «Медея», с изображением змеи, сползающей вниз по руке.
Золотой браслет «Медея» с кольцом, 1899. Городской Музей в Сакаи, Япония
Вообще Сара Бернар любила удивлять и ослеплять людей своей игрой на сцене, при этом используя роскошные ожерелья и браслеты
Произведения, которые создал Альфонс Муха в стиле Ар Нуво, признаны самым ценным и важным вкладом в истории мирового искусства! Именно Альфонс возвел этот жанр искусства в разряд культа
Я люблю посещать так называемые «блошиные рынки» на юге Франции, так как на них можно действительно попасть на какие-нибудь редкие безделушки. Так вот на этих рынках не редко можно встретить афиши Альфонса Мухи, написанные для княжества Монако, предназначенных для различных рекламных целей.
Я живу недалеко от Монако, примерно в 60 км, поэтому именно афишы творчества Альфонса Мухи можно встретить у нас.
Стиль Ар Нуво в интерьере
В дизайне интерьеров этот стиль получил призвание в конце 19 века. Для интерьеров использовался светлый мрамор, красное дерево, полудрагоценные камни и серебро, также витражи из цветного стекла.
По сей день в этом стиле работают многие художники и архитекторы… он до сих пор востребован и популярен
В оформлении интерьера этот стиль вносит уют и комфорт. Скошенные и закругленные углы, нестандартные проемы, асимметрия в оформлении помещения – основополагающие аспекты этого жанра в декорировании помещений. Этим и оправдывается популярность Ар Нуво в современном дизайне
Проникнувшись настроением этого стиля, можно самостоятельно создать уникальные творения художественного искусства. Для того, чтобы полноценно погрузиться в жанр Ар Нуво, необходимо сполна насладиться работами Альфонса Мухи.
Нежные, чувственные, изысканные работы способны пробудить в человеке настоящие чувства…
Кстати, вот одна из моих работ, реализованная на стекле по мотивам Альфонса Мухи для Парижского заказчика. Проявив фантазию, можно создать удивительные вещи!
роспись на стекле
НА ФОТО: Большой расписной витраж на стекле в стиле Ар Нуво в металлической дверной конструкции высотою 2 метра 50 см и шириною 1 метр 60 см.
Цель: расписать стекло, сохраняя легкость и прозрачность верхней части, а нижнюю часть наоборот — сделать не прозрачной, создать визуальную гармонию между прозрачным стеклом и непрозрачным
Больше моих творческих работ на стекле, дереве, холсте и стене, можно посмотреть в Галерее
Ар Нуво поражает любителей искусства своей легкостью и романтичностью, изяществом и нежностью, этот стиль расслабляет и вдохновляет людей, насыщая душу спокойствием и выдержанностью.
Природа и женщина, вот основные источники вдохновения для нежного и изысканного стиля -Ар Нуво.
Друзья, поддержите статью лайком, также поделитесь с друзьями в соц.сетях с левой стороны.
Видео на десерт: Картина- витраж на стекле с нотками Ар-Нуво
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках.
Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Живопись- Ар Нуво — Альфонс Муха: li_ga2014 — LiveJournal
Арт-нуво, Ар-нуво (франц. L’Art Nouveau – Новое искусство) – французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству модерна,
включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них –«флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.
Именно в Арт-нуво и работал художник Альфонс Муха
мало того с его именем в то время этот стиль и ассоциировался. Альфонс Муха стал своего рода прародителем и популизатором стиля Арт нуво.
Лозунг Арт-нуво – “назад к природе”.
Арт–нуво означает декоративно–орнаментальный стиль.
Стиль Арт–нуво, как это ни странно, был заимствован из японского искусства. Аналогичного Арт-Нуво в Японии стиля тогда не существовало.
Зато были отдельные элементы характерные японской культуре, которые как–то присмотрел французский живописец и мастер по керамике Ф. Бракмон.
Он увидел японские цветные гравюры, сделанные на дереве. В них заворачивали пачки китайского чая. Свою находку Ф. Бракмон привез во Францию. Благодаря этому, французские художники начали использовать японские мотивы в своем творчестве, развивая и видоизменяя их.
С этого момента стал зарождаться стиль Арт-Нуво, или Ар Нуво как его еще называют. Альфонс муха был одним из тех, кто смог возвести стиль Арт нуво в разряд культа.
Арт нуво во Франции тогда был распространен повсеместно: афиши, плакаты, реклама, ювелирные украшения, интерьер и так далее, и так далее.
А позднее Альфонс Муха привнес этот стиль Ар Нуво и в США, когда приехал туда работать и преподавать. Муха был буквально завален заказами в стиле Арт Нуво.
Позже стиль Арт–нуво нашел место не только в художественном искусстве, но и в архитектуре. Характерными для стиля стали плавные очертания с явной тенденцией к асимметрии. Удачно вписывались в стиль Ар Нуво узоры, напоминающие растительность и изгибы женских фигур с распущенными волосами.
В конце 19 века стиль Арт–нуво получил выражение в дизайне интерьеров.
Характерные черты Ар Нуво – волнообразно изогнутая линия, сочетающая веяния Востока и стремление к конструктивности. Причудливо изогнутые линии декора в стиле Арт Нуво зрительно сливаются с элементами строительной конструкции.
В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам, что превращало металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов.
Символ стиля Ар Нуво – изощренная форма цветка цикламена, «водяные» растения ирисы, лилии, водоросли. Стилизованные растительные и животные формы с мягко изогнутыми, подвижными линиями, плоские и не дающие тени, благодаря чему далекие от натурализма или историзма – скорее всего схожие с позднеготическими формами и японской живописью.
Для того чтобы проникнуться настроением Арт-нуво, понадобиться также творчество Чешского художника Альфонса Мухи. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа XIX — XX столетий, «стиль Мухи» стал образцом для целого поколения художников-графиков и дизайнеров.
Приметой стиля Ар Нуво и стиля Альфонса Мухи стала идеализированная, стилизованная фигура прекрасной девически грациозной женщины, свободно, но нерасторжимо вписанная в орнаментальную систему из цветов и листьев, символов и арабесок.
Поскольку этот мотив был одним из наиболее широко распространенных в живописи конца столетия, «стиль Мухи» какое-то время считали синонимом движения «Арт-нуво» в целом.
[url]http://alphonsemucha.ru[/url]
Стиль Арт-Нуво. Витражи. Полезные статьи. Мастер-Мозаик, резка керамогранита
У этого изысканного и утонченного стиля много имен, граней и форм художественного выражения. Как бы мы его не называли: «Модерн», «Арт-Нуво» или «Югендштиль», смысл и суть этих имен остаются неизменны – это одно из самых молодых и неоднозначных художественных течений в искусстве: живописи и архитектуре.
Стиль Арт-Нуво (точнее «Ар-нуво», буквально с французского – «новое искусство»), или Модерн (фр.«современный») – это независимое художественное направление в современном искусстве, получившее наибольшее распространение и расцвет во второй половине XIX-го – начале XX-го века.
Отличительными особенностями этого стиля является отказ от прямых линий в пользу «природных», более естественных плавных и изогнутых линий, а также интерес и активное внедрение в сам художественный процесс новых технологий, что особенно отразилось в архитектуре и прикладном искусстве того времени.
Этот «новый» стиль имеет и другие равноправные синонимы, по которым его можно угадать среди прочих художественных жанров и направлений в разных странах и континентах. К примеру, в США он больше известен как «стиль Тиффани», по имени американского художника-витражиста Льюиса Тиффани. Во Франции он также был известен как «Fin de Siècle» (буквально, «конец века», «конец эпохи»), в Австрии как «Сецессион», в Англии – «Модерн стайл», в Германии – Югендштиль (от названия немецкого журнала «Die Jugend»), в Италии, соответственно – стиль «Либерти».
Модерн стремился не только примирить, но и гармонично сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых в этом стиле произведений, стремился вовлечь, привлечь на сторону прекрасного все сферы деятельности человека.
Некоторое влияние на художественные направления конца XIX века, такие как Модерн (и родственные Декаданс и Эклектика), сыграло в том числе, и увлечение просвещенного Запада восточными мотивами, восточной философией, восточным «созерцательным» видением окружающего мира, в особенности, китайской и японской философией и эстетикой.
Ровно также, как мастера и художники новой волны черпали вдохновение в искусстве древнейших цивилизаций: Египта, Вавилона, Ближней Азии. Что, в конце концов, не могло не отразиться и на художественных произведениях той поры: музыке, архитектуре, графике, прикладном и декоративном искусстве, в том числе и в витражной и мозаичной технике.
Декоративный витраж с растительными орнаментами и геометрическими композициями был неотъемлемым атрибутом архитектуры и дизайна стиля Модерн, в том числе и в России, не отстававшей на рубеже ХIХ-ХХ веков от других стран, а где-то идущей в самом авангарде нового художественного стиля. Для примера достаточно вспомнить такие прославленные имена как Марк Шагал, Врубель, Шехтель, Фаберже, Васнецов, Бакст, Серов.
Искусство модерн – HiSoUR История культуры
Арт-нуво – это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративное искусство, которое было наиболее популярным между 1890 и 1910 годами.
Реакция на академическое искусство 19-го века была вдохновлена естественными формами и структурами, в частности изогнутые линии растений и цветов.
Декоративный стиль конца 19-го и начала 20-го, который процветал главным образом в Европе и США. Несмотря на то, что это повлияло на живопись и скульптуру, его главные проявления были в архитектуре и декоративно-графическом искусстве, аспекты, на которых этот обзор концентрируется. Он характеризуется извилистые асимметричные линии, основанные на органических формах; в более широком смысле он охватывает геометрические и более абстрактные узоры и ритмы, которые были развиты как часть общей реакции на историзм 19-го века. Существуют большие различия в стиле, в соответствии с тем, где он появился, и материалами, которые были использованы
Art Nouveau считается «полным» художественным стилем, охватывающим архитектуру, графику, дизайн интерьера и большую часть декоративного искусства, включая украшения, мебель, текстиль, бытовую серебро и другую утварь, а также освещение, а также изобразительное искусство.
Согласно философия стиля, искусство должны быть образом жизни. Для многих состоятельных европейцев можно было жить в доме, вдохновленном модерном, с мебелью в стиле модерн, серебром, тканями, керамикой, включая посуду, ювелирные изделия, портсигары, и т. д. Художники хотели объединить изобразительное искусство и прикладное искусство, даже для утилитарных объектов.
Форма и характер
Хотя в стиле модерн были обнаружены явно локализованные тенденции по мере увеличения географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на форму. В опубликованном в журнале Pan журнале обернувшегося Цикламена (1894 г.) в журнале «Пан» описал его как «внезапные сильные кривые, образованные трещиной хлыста», которые стали известны во время раннего распространения в стиле модерн. Впоследствии не только сама работа стала более известной как «Хитплаш», но термин «хлыст» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле ар-нуво. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнообразными и плавными линиями в синкопированном ритме и асимметричной форме, встречаются по всей архитектуре, живописи, скульптуре и другим формам дизайна в стиле модерн.
Истоки в стиле модерн находятся в сопротивлении художника Уильяма Морриса к загроможденным композициям и тенденциям возрождения 19-го века и его теориям, которые помогли инициировать движение Искусств и ремесел. Однако обложка книги Артура Маккёрдо для городских церквей Рена (1883) с ее ритмическими цветочными узорами часто считается первой реализацией модерна. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских отпечатков деревянных блоков, особенно те, которые были сделаны Кацушикой Хокусай, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японский народ, популярный в Европе в 1880-х и 1890-х годах, особенно влиял на многих художников с его органическими формами и ссылками на природный мир. Помимо того, что художники, такие как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер, были приняты под влиянием японского искусства и дизайна, его защитили бизнесмены Зигфрид Бинг и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.
В архитектуре распространены гиперболы и параболы в окнах, арках и дверях, а декоративные молдинги «растут» в растительные формы.
Как и большинство стилей дизайна, модерн стремился гармонизировать свои формы. Текст над входом в Парижский метро использует качества остальной части железной работы в структуре.
Архитектура и дизайн интерьера в стиле модерн не смотрели на эклектичные стили возрождения XIX века. Хотя в стиле модерн дизайнеры выбрали и «модернизировали» некоторые из более абстрактных элементов стиля рококо, такие как пламя и текстуры оболочек, они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя «естественный» репертуар до использовать морские водоросли, травы и насекомые. Другим влиянием было мягко-смешанные формы ушной раковины 17-го века, лучше всего иллюстрированные голландским серебром.
Отношения с современными стилями и движениями
Как арт-стиль, в стиле модерн есть сходство с прерафаэлитами и стилями символизма, и художники, такие как Обри Бердсли, Альфонс Муха, Эдвард Бёрн-Джонс, Густав Климт и Ян Тороп, могут быть классифицированы более чем в одном из этих стилей.
Однако, в отличие от символической живописи, в стиле ар-нуво характерен внешний вид; и, в отличие от ремесленного искусства и ремесел, художники в стиле модерн легко использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию на службе чистого дизайна.
Арт-нуво не избегало использования машин, как это делало Движение искусств и ремесел. Для скульптуры основными используемыми материалами были стекло и кованое железо, что приводило к скульптурным качествам даже в архитектуре. Керамика использовалась также для создания изданий скульптур таких художников, как Огюст Родин.
Архитектура в стиле модерн использовала множество технологических новшеств конца XIX века, особенно использование экспонированного железа и больших, нестандартных форм стекла для архитектуры. Однако к началу Первой мировой войны стилизованный характер дизайна в стиле модерн стал зацикливаться в пользу более упорядоченного, прямолинейного модернизма, считающегося более верным более простой промышленной эстетике, которая стала арт-деко.
Тенденции в стиле модерн были также поглощены местными стилями. Например, в Дании это был один из аспектов Skønvirke («эстетическая работа»), который более тесно относится к стилю искусства и ремесла. Кроме того, художники приняли многие цветочные и органические мотивы в стиле модерн в стиле Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. Млода Польска, однако, также включала в себя другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и стилю жизни.
Графика процветала в эпоху модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии, что позволило массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных художественных журналах, которые распространялись по всей Европе и в Соединенные Штаты. Самой популярной темой плакатов в стиле ар-нуво были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто окруженные цветами.
В Великобритании ведущим художником в стиле ар-нуво был Обри Бердсли (1872-1898). Он начал с выгравированных иллюстраций книги для Ле Морта д’Артура, затем черно-белых иллюстраций для Саломея Оскара Уайльда (1893), что принесло ему славу. В том же году он начал гравюры иллюстраций и плакатов для арт-журнала The Studio, который помог рекламировать европейских художников, таких как Фернанн Хнопфф в Великобритании. Кривые линии и сложные цветочные узоры привлекли столько внимания, сколько текст.
Швейцарско-французский художник Эжен Грассет (1845-1917) был одним из первых создателей плакатов французского модерна. Он помог украсить знаменитый кабаре Le Chat noir в 1885 году и сделал свои первые плакаты для Fêtes de Paris. Он сделал знаменитые плакаты Сары Бернхардт в 1890 году и множество разнообразных книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Чере, Жорж де Фейр и художник Анри де Тулуз-Лотрек все сделали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернхардт в спектакле «Гисмонда» Викторином Сардоу.
Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов для еще шести пьес Бернхардтом. В течение следующих четырех лет он также разработал наборы, костюмы и даже украшения для актрисы. Основываясь на успехе своих театральных плакатов, Муха сделал плакаты для разнообразных продуктов, начиная от сигарет и мыльниц до пивных печенья, все из которых представлены идеализированной женской фигурой с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от ювелирных изделий до ящиков для бисквитов, в своем отличительном стиле.
В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868-1918), который активно участвовал в сецессионном движении с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманом и сделал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum, а также картины, мебель и украшения.
Картина
Живопись была еще одним важным областью стиля модерн, хотя большинство художников в стиле модерн были также связаны с другими движениями искусства, в частности с Наби во Франции и символистами во Франции и Австрии.
В 1892 году Зигфрид Бинг организовал выставку в Париже с участием семи живописцев, включая Пьера Боннара, Эдуарда Вуйярда, Феликса Валлоттона и Мориса Дениса; и его «Дом-де-ла-Ново» выставляли картины Жоржа Сёрата, Пола Сиксака и Анри де Тулуз-Лотрека. Эжен Грассет, Коломан Мозер и Густав Климт удобно расположились в авангарде и стиле модерн. В Бельгии Фернанн Хнопфф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Картины Густава Климта были неотъемлемой частью его декоративной схемы Йозефа Хоффмана для Дворца Стокле. Одной из распространенных тем и символистов и художников в стиле модерн того времени было стилизованное изображение женщин. Одной из популярных тем была американская танцовщица Loie Fuller, изображаемая французскими и австрийскими художниками и художниками-плакатами.
Искусство стекла
Искусство стекла было средой, в которой в стиле модерн были найдены новые и разнообразные способы выражения. Интенсивное количество экспериментов продолжалось, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре выигрывать камею, двойные слои и кислотную гравировку – метод, позволяющий производить серийное производство.
Город Нэнси стал важным центром французской стекольной промышленности, и там были расположены мастерские Эмиля Галле и студии Даума во главе с Огюстом и Антонином Даумом. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссиером, Анри Берже и Амальриком Уолтером. Они разработали новый метод инкрустирования стекла путем прессования фрагментов разного цветного стекла в незавершенный кусок. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем, чей дом и мастерские были в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этим цветочным течением в жилых салонах, особенно в домах модерна в Нанси. Многие из них были работой Жака Грубера, который делал окна для виллы Majorelle и других домов.
В Бельгии ведущей фирмой был стекольный завод Валь-Сент-Ламберта, который создал вазы в органических и цветочных формах, многие из которых были разработаны Филиппом Вульферсом. Wolfers был отмечен, в частности, для создания произведений символического стекла, часто с прикрепленным металлическим декором.
В Богемии тогдашний регион Австро-Венгерской империи отметил кристаллическое производство, компании Lobmeyr и Loetz-Witwe также экспериментировали с новыми методами окраски, производя более яркие и богатые цвета. В Германии эксперимент проводил Карл Кёппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно тонких очков в виде цветов; настолько деликатный, что немногие выживают сегодня.
В Вене стеклянные конструкции сецессионного движения были гораздо более геометрическими, чем у Франции или Бельгии; Отто Prutscher был самым строгим дизайнером стекла движения.
В Великобритании несколько цветочных витражей были созданы Маргарет Макдональд Макинтош для архитектурного дисплея под названием «Дом любителя искусства».
В Соединенных Штатах Луис Комфорт Тиффани и его дизайнеры стали особенно известными своими лампами, чьи стеклянные оттенки использовали общие цветочные темы, замысловатые вместе. Лампы Tiffany приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставила свои лампы в византийской часовне.
Тиффани интенсивно экспериментировала с процессами окрашивания стекла, патентовывая в 1894 году стекло Фаврила, в котором использовались оксиды металлов для окраски внутренней части расплавленного стекла, что придавало ему радужный эффект. Его мастерские выпустили несколько разных серий лампы Tiffany в разных цветочных орнаментах, а также витражи, экраны, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию Зигфридом Бином, а затем стали одним из декоративных ощущений экспозиции 1900 года. Американский соперник Tiffany, Steuben Glass, был основан в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк, Фредериком Кардером, который, как и Тиффани, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с радужными цветами. Еще одним известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фардж, создавший сложные и красочные витражи по религиозным и чисто декоративным темам.
Металлическое искусство
Архитектурный теоретик 19-го века Виоллет-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за сокрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Гектор Гимард пошли дальше: они добавили железное украшение в кривых, вдохновленных цветочными и растительными формы как в интерьерах, так и в экстерьерах их зданий.
Они принимали форму лестничных перила в интерьере, светильники и другие детали в интерьере, а также балконы и другие украшения на внешней стороне. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлической отделки в растительных формах вскоре также появилось в серебре, лампах и других декоративных изделиях.
В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли сделал необычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и других внутренних украшений зданий чикагского архитектора Луи Салливана.
В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона разработали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и трезвом стиле.
Ювелирные изделия
В стиле модерн характерны мягкие изогнутые формы и линии и обычно имеют естественные конструкции, такие как цветы, птицы и другие животные. Женское тело является популярной темой и представлено на различных ювелирных изделиях, особенно камеях.
Он часто включал длинные ожерелья из жемчуга или цепочек из стерлингового серебра, пунктированных стеклянными бусинами или заканчивающихся серебряным или золотым кулоном, который часто был разработан как украшение для украшения одного драгоценного камня аметиста, перидота или цитрина.
Период в стиле модерн привел к заметной стилистической революции в ювелирной промышленности, которую в основном возглавляли крупные фирмы в Париже. В течение предыдущих двух столетий акцент в изысканных ювелирных изделиях создавал драматические настройки для бриллиантов. Во времена правления модерна алмазы обычно играли вспомогательную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, в том числе агата, гранатового опала, лунного камня, аквамарина и других полудрагоценных камней, а также с широким спектром новых методов, в том числе эмалирования и новых материалов, включая рог, формованное стекло и цвета слоновой кости.
Ранние заметные ювелиры Парижа в стиле модерн включали Louis Aucoc, семейная ювелирная фирма, датированная 1821 годом.
Самый известный дизайнер эпохи модерна Рене Лалик служил ученикам в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным фигура ювелирных изделий и стекла из ар-нуво, использующая природу, от стрекоз до травы, как его модель. Художники из-за пределов традиционного мира ювелирных изделий, такие как Пол Фолло, самый известный как дизайнер мебели, экспериментировали с украшениями. Среди других известных дизайнеров ювелирных изделий французского стиля модерн были Жюль Брато и Жорж Генри. В Соединенных Штатах самым известным дизайнером был Louis Comfort Tiffany, чья работа была показана в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской экспозиции 1900 года.
В Великобритании наиболее видной фигурой был дизайнер Liberty & Co. Арчибальд Нокс, который сделал множество предметов в стиле ар-нуво, в том числе серебряные пряжки для ремня. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Разнообразный дизайнер Глазго Чарльз Ренни Макинтош также сделал украшения, используя традиционные кельтские символы.
В Германии центром ювелирных изделий Jugendstil был город Пфорцхайм, где находились большинство немецких фирм, в том числе Теодор Фахнер. Они быстро произвели работы, чтобы удовлетворить спрос на новый стиль.
Архитектура
Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектичные стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это было выражено через украшение. Здания были покрыты орнаментом в изогнутых формах, основанных на цветах, растениях или животных: бабочки, павлины, лебеди, ирисы, цикламены, орхидеи и водяные лилии. Фасады были асимметричными и часто украшались полихромными керамическими плитами. Украшение обычно предлагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом.
Стиль впервые появился в Брюсселе Hôtel Tassel (1894) и Hôtel Solvay (1900) Виктора Орта. Hôtel Tassel посетил Гектор Гимар, который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе – Castel Béranger (1897-98). Во всех этих домах архитекторы также спроектировали мебель и предметы интерьера, вплоть до дверных ручек и ковровых покрытий.
В 1899 году, основанный на славе Castel Béranger, Гимар получил комиссию по проектированию входов станций нового Парижского метро, которая открылась в 1900 году. Хотя осталось немного оригиналов, они стали символом движения в стиле модерн в Париже.
В Париже архитектурный стиль был также реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржа-Евгения Османна, префекта Парижа под Наполеоном III. В 1903 году наконец были разрешены луковые окна, а архитекторы в стиле модерн пошли в противоположную сторону, особенно в домах Жюля Лавиротта, которые были по существу большими скульптурными работами, полностью покрытыми украшением. Важный район домов в стиле модерн появился во французском городе Нанси, вокруг виллы Majorelle (1901-02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля. Он был разработан Анри Соваге в качестве витрины для дизайна мебели Мажореля.
Архитектурный стиль простирался от Бельгии и Франции до Германии, Швейцарии, Италии и Испании и остальной Европы, пользуясь разными именами и характером в каждой стране.
Он достиг своего пика в 1910 году, и к началу Первой мировой войны он был практически закончен. Новый стиль, арт-деко, занял свое место.
Мебель
Дизайн мебели в стиле модерн был тесно связан с архитектурой зданий, архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель также часто была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальные конструкции обычно были очень сложными, с изгибающимися формами, которые стоили дорого. У этого также был недостаток, который владелец дома не мог изменить мебель или добавить части в другом стиле, не нарушая весь эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура в стиле ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.
Во Франции центр дизайна и производства мебели был в Нанси, где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель, были студиями и мастерскими, и там был основан Альянс индустрий искусств (позже названный Школой Нэнси) в 2001 году.
Оба дизайнера основаны на их структуре и орнаментах на формах, взятых с натуры, включая цветы и насекомые, такие как стрекоза, популярный мотив в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что он использовал маркетри в рельефе, в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель была известна тем, что использовала экзотические и дорогие леса, а также прикрепляла бронзовые изделия к растительным предметам к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины для первых этапов производства, но все детали были закончены вручную. Среди других известных дизайнеров мебели в школе Нэнси были Эжен Валлин и Эмиль Андре; оба были архитекторами, обучаясь, и обе дизайнерская мебель напоминала мебель от бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которые имели меньше украшений и более внимательно следили за извилистыми растениями и цветами. Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дезфонтейнс, которые черпали вдохновение из неоготических стилей Виолет-ле-Дюка; и Жорж де Фейр, Эжен Гайяр и Эдуард Колонна, которые вместе с арт-дилером Зигфридом Бином работали над обновлением французской мебельной промышленности новыми темами.
Их работа была известна как «абстрактный натурализм», ее единство прямых и изогнутых линий и влияние рококо. Мебель из Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и живописным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин, скульптор по обучению, в мебели которого фигурировали обнаженные женские формы и символические животные, особенно кошки, объединившие элементы стиля модерн с символизмом. Другими влиятельными дизайнерами Парижской мебели были Чарльз Плюмет и Александр Шарпантье. Во многих отношениях старый словарь и приемы классической французской мебели Rococo XVIII века были пересмотрены в новом стиле.
В Бельгии пионерские архитекторы движения в стиле модерн Виктор Орта и Генри ван де Вельде разработали мебель для своих домов, используя энергичные криволинейные линии и минимальную отделку. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше украшений, применяя латунные полосы в изогнутых формах. В Нидерландах, где стиль назывался Nieuwe Kunst или New Art, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали за другим курсом английского искусства и ремесла с более геометрическими рациональными формами.
В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто искусством и ремеслом, с суровым и геометрическим, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимальным декором. Континентальные узоры были гораздо более сложными, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах фигуры, так и в декоративных декоративных мотивах. В Германии мебель Петра Беренса и Югендстиля была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым украшением, прикрепленным к поверхности. Их цель была в точности противоположна французскому модерну; простоту конструкции и простоту материалов, для мебели, которая может быть недорогой и легко производимой массой. То же самое можно сказать о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером, Йозефом Хоффманом, Йозефом Марией Ольбричем и Коломаном Мозером. Мебель была геометрической и имела минимальную отделку, хотя в стиле она часто следовала за национальным историческим прецедентом, особенно в стиле Бидемейера.
Итальянский и испанский дизайн мебели ушел в своем собственном направлении. Carlo Bugatti в Италии спроектировал необычный стул улитки, покрытый крашеным пергаментом и медью, для международной экспозиции в Турине 1902 года. В Испании, следуя примеру Антони Гауди и модернистского движения, дизайнер мебели Гаспар Хомар разработал работы, которые были вдохновлены естественными формами с оттенками каталонских исторических стилей.
В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще всего вдохновлялся движением Arts and Crafts или историческими американскими моделями, чем в стиле модерн. Одним дизайнером, который представил темы в стиле модерн, был Чарльз Рольфс в Буффало, Нью-Йорк, чьи проекты для американской мебели из белого дуба были под влиянием мотивов кельтского искусства и готического искусства с прикосновениями к модерну в металлической отделке, нанесенной на куски.
керамика
В последней части XIX века было много технологических инноваций в производстве керамики, в частности, в производстве высокотемпературного (грандиозного) фарфора с кристаллизованными и матовыми глазури.
В то же время несколько утраченных методов, таких как воловья глазурь, были заново открыты. На керамику в стиле модерн также влияли традиционная и современная японская и китайская керамика, чьи растительные и цветочные мотивы хорошо сочетались с стилем в стиле ар-нуво. Во Франции художники также заново открыли традиционные методы и изобрели новые мотивы. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, Жюль Лавиротта и Гектор Гимар среди них стали украшать фасады зданий керамической плиткой, многие из которых были сделаны фирмой Александра Биго, придавая им отличное модерн скульптурный вид. В керамике модерн быстро переместился в область скульптуры и архитектуры.
Одним из пионеров французских керамистов в стиле ар-нуво был Эрнест Чаплет, чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамические изделия под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полом Гогеном по керамическим рисункам с нанесенными фигурами, несколькими ручками, окрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликс Брачмонд, Жюль Далу и Огюста Родена.
Его работы были отмечены на выставке 1900 года.
Крупные национальные керамические фирмы занимали важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальное производство за пределами Парижа; Нимфенбург, Мейсен, Виллерой и Бох в Германии и Дултон в Британии. Другие ведущие французские керамисты включали Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Эдмонда Лакенала, Альберта Даммауса (fr) и Огюста Делаерше.
Во Франции керамика в стиле ар-нуво иногда пересекала линию в скульптуру. Фарфоровая фигурка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонарда, сделанная для Национальной национальной кухни, получила признание в обеих категориях на Парижской экспозиции 1900 года.
Завод Жолнай в Печ, Венгрия, возглавлял Миклош Зсолнай (1800-1880) и его сын Вилмос Зсолнай (1828-1900) с главным дизайнером Таде Сикорски (1852-1940 гг.) Для производства керамики и другой керамики в 1853 году. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина. Он привел завод к всемирному признанию, продемонстрировав свои инновационные продукты на мировых ярмарках и международных выставках, включая Всемирную выставку 1873 года в Вене, а затем на Всемирной ярмарке 1878 года в Париже, где Жолнай получил Гран-при.
В многочисленных зданиях, особенно во время движения в стиле модерн, использовались морозостойкие строительные конструкции Зсолнай.
Текстиль и обои
Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала стиля и неотъемлемым элементом интерьера интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные конструкции oWilliam Morris помогли запустить Движение искусств и ремесел, а затем в стиле модерн. Многие проекты были созданы для универмага Liberty в Лондоне, который популяризировал стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была Silver Studio, которая предоставляла красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были получены из школы Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош. Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, включая стилизованные яйца, геометрические формы и «Роуз Глазго».
Во Франции большой вклад внесли дизайнер Эжен Грассет, который в 1896 году опубликовал La Plante et ses applications ornamentales, предлагая проекты в стиле модерн на основе разных цветов и растений.
Многие модели были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе, немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, в частности цикламенах и стиле «хлыстовой», основанных на цветочных стеблях, которые стали основным мотивом стиля. Бельгийский Генри ван де Вельде представил текстильную работу «La Veillée d’Anges» в Salon La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Пола Гогена и наби. В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся образцами батика из голландских колоний в Ост-Индии. Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Проект «Пять лебедей» Отто Экманн появился в более чем ста разных версиях. Венгерский дизайнер Янош Вазари объединил элементы модерна с фольклорными темами.
Арт-нуво (ар-нуво) стиль в интерьере. Характеристики, особенности
Понятие «арт-нуво» или «ар-нуво» (L’Art Nouveau), что в переводе с французского языка – «новое искусство» появилось в конце 19 века сначала в Европе, а затем и Америке, став частью, новым направлением, стилем в таком разностороннем и популярном искусстве того времени, как модерн.
Этот новомодный стиль привнёс в него своё художественное решение, а точнее растительные орнаменты или флореальные черты, источником вдохновения которых стала живая природа, окутанная веяниями гармоничной японской живописи и стремлением к готической конструктивности. При этом растительные мотивы являются основополагающими, как в модерне, так и арт-нуво.
Главной идеей стиля является создание гармоничных композиций с изысканным сочетанием функции, формы и конструкции на основе причудливо извивающихся линий, выразительности контуров и своеобразной асимметрии.
Наиболее ярко стиль арт-нуво проявился в архитектуре фасадов зданий, дизайне и оформлении интерьеров квартир, гостиных и спальных комнат, а также ресторанов и магазинов. В отличие от прообраза (модерн), где чёткие формы и линии предметов просто плавно изогнуты, новый стиль продолжил эти линии, сделав их более расплывчатыми, переходящими в бесформенные образы, добавив свои стильные силуэты с неповторимым колоритом и шармом в обустраиваемое пространство.
В интерьерах арт-нуво преобладает тематика водяных растений, таких, как ирисы, лилии, орхидеи, водоросли, цветки цикламена. Заметное место занимают стилизованные птицы и насекомые. Это могут быть грациозные павлины, лебеди, ласточки, аисты, попугаи, яркие бабочки и стрекозы, различные жуки, пауки. Узнаваемым показателем и украшением стиля стали девичьи силуэты с красиво струящимися очень длинными волосами, обволакивающими всё тело и окружённые орнаментом из изящных цветов, листьев, фруктов и различных символов. Одним из характерных признаков таких интерьеров является декоративная отделка таким стилизованным узором, как стебель растения, опутывающий предметы интерьера, мебель, стены, полы, потолки.
Арт-нуво в интерьере: особенности и характеристики
Главной особенностью стиля является отсутствие прямых и острых углов, точнее они так декорируются, что создаётся впечатление их округлости.
Для создания различных аксессуаров, предметов интерьера и декора в этом стиле используются такие материалы, как дерево, стекло, камень, зеркала, металл, цветочные текстурные обои, витражи, художественная роспись и металл, причём при выборе материалов необходимо учесть их сочетаемость между собой.
Важнейшее значение в интерьерах ар-нуво придаётся решениям цветового оформления, где водяные и растительные темы диктуют свои правила. Основную гамму составляет большой спектр холодных цветов и оттенков, где приглушённые тона являются характерной чертой стиля. Основные применяемые цвета – это зелёный, лиловый, голубой, чёрный, тёмно-коричневый. Дополнительно используются пастельные тона белого, серого, песочного, болотного, перламутра, электрик и морской пены, а также золотого и серебряного, имитирующие отблески воды, сверкающей на солнце.
В отделке стен применяются обои с нежным орнаментом из цветов и растений, а также с объёмным эффектом, создающим впечатление присутствия живых цветов. Посмотрите такие обои в нашем интернет каталоге обоев для стен от Sovatd.ru. Допускается применение декоративной штукатурки с использованием растительного декора.
Полы покрываются светлым камнем, украшенным стильным волнистым узором или паркетом с инкрустацией на растительные темы.
Потолки всегда светлых тонов с отделкой изогнутыми природными линиями или украшенные цветными витражами. В оформлении часто используются рисунки бутонов цветов, символизирующие плавное развитие жизни.
Мебель имеет плавные формы, часто с красиво изогнутыми ножками, резьбой на спинках стульев и тканевой драпировкой мягкой мебели, при этом обивка может быть, как однотонная, так и с цветочным рисунком.
Заметное место в интерьере занимают различные аксессуары и предметы декора. Изящно изогнутые ножки настольных ламп, светильников и подсвечников, витые формы лестничных ограждений, каминных и оконных решёток, фантастически красивые цветные витражи, зеркала и стильные картины в причудливых рамах, а также присборенные или обрезанные под углом шторы и занавеси, придают помещениям особый шарм и шик, привнеся в интерьер нотки аристократичности.
Всё это стилизованное великолепие освещается потолочными, настенными и настольными светильниками с причудливыми формами различных цветов и растений.
Это декоративно-искусственное освещение создаёт изысканный уют и подчёркивает необычайную красоту интерьера в самом природном стиле.
Арт нуво. Характерные черты стиля
1. Арт нуво
Ярушникова А.А.6. Зарождение
Уже примерно с 1890 года в обществециркулировала идея о том, что
грядущему тысячелетию необходимо
совершенно новое искусство.
Художники и дизайнеры по всему миру
осваивали новые методики,
открывали для себя новые материалы либо,
напротив, отвергали все,
произведенное машинным способом, и
возвращались к прошлому. Так
родился стиль ар-нуво — причудливое
сочетание множества порой
противоположных образов и идей. Мастера
ар-нуво стремились
объяснить миру, что искусство — это не
только то, что можно увидеть на стенах
музеев и картинных галерей, они попытались
преодолеть
барьер между «чистым» и прикладным
искусством.
8. Характерные черты стиля
изысканнаястилизация,причудливо изогнутые формы,
природные
• элементы в ритмичных
орнаментах.
• В качестве декоративных
элементов часто используются
женские фигуры,
изображения животных и растений,
где особенно выделены цветы,
листья, завитки волос или перьев.
• матовые и приглушенные, либо
бесстыдно-яркие, как на японских
гравюрах
9. Волнистые линии
• Практически все представители ар-нуво• были страстно убеждены, что декоративное
искусство должно быть возвышено до уровня
искусства подлинного, что ему следует как
можноскорее расстаться с пережитками
консервативных идей прошлого.
• Новый стиль объявил войну вычурности
викторианских завитушеки украшательству
отчасти под влиянием символизма, отчасти
подвоздействием кельтского и японского
искусства.
10. Философия стиля
‘Жизнь — это
листья, которые
питают растение
и образуют его форму,
а искусство — это
цветок, в котором
заключен смысл его
существования
11. Международное движение
В качестве реакции на академизм XIX века• живые, непринужденные элементы ар-нуво
проявлялись в самых разных жанрах —
• изобразительное искусство, мебель,
архитектура, ювелирные изделия, — вводя
искусство в повседневный обиход
12.
Артур Хейгейт Макмердо (1851–1942) и Альфонс Муха (1860–1939) Артур Хейгейт Макмердо (1851–1942) и Альфонс Муха (1860–1939)
• .. В 1883 году Макмердо
• нарисовал обложку для книги «Церкви Рена в
Сити», ставшую настоящей сенсацией —
• асимметричные причудливо-волнистые линии, не
вызывавшие никаких ассоциаций.
• Муха в 1894 году сделал афишу для Сары Бернар в
роли Гисмонды — удлиненная, словно
• текучая фигура, изящный рисунок вызвали еще
больший энтузиазм в творческой среде.
• Некоторое время стиль даже называли «Стилем
Мухи» в честь автора.
16. Современное общество
• Арт-нуво — это больше чем стиль. Это способ• понимания современного общества и новых
технологий, попытка переосмыслить роль
• и воздействие искусства. Абсолютно новой
была идея о том, что один художественный
• стиль может реализоваться во всем — от
бытовых предметов до архитектуры и
живописи.
• Влияние ар-нуво ощущалось в самых разных
художественных сферах весь ХХ век.
17. Женские образы «Игр престолов» в стиле арт-нуво
Женские образы «Игр престолов» встиле арт-нуво
в стиле модерн | История, характеристики, художники и факты
Модерн , орнаментальный стиль искусства, который процветал между 1890 и 1910 годами в Европе и Соединенных Штатах. Ар-нуво характеризуется использованием длинной, извилистой, органичной линии и чаще всего использовался в архитектуре, дизайне интерьера, ювелирном и стеклянном дизайне, плакатах и иллюстрациях. Это была преднамеренная попытка создать новый стиль, свободный от имитационного историзма, который доминировал в искусстве и дизайне XIX века.Примерно в то же время термин «модерн» был придуман в Бельгии периодическим изданием L’Art Moderne для описания работ группы художников Les Vingt и в Париже С. Бингом, который назвал свою галерею «L’Art Nouveau». Стиль назывался Jugendstil в Германии, Sezessionstil в Австрии, Stile Floreale (или Stile Liberty) в Италии и Modernismo (или Modernista) в Испании.
Британская викторина
Все в искусстве и дизайне (часть первая) Quiz
Хотите узнать немного обо всем в искусстве и дизайне? Начните с этой викторины, а затем переходите к трем другим частям!
В Англии непосредственными предшественниками этого стиля были эстетизм иллюстратора Обри Бердсли, который во многом зависел от выразительности органических линий, и движение искусств и ремесел Уильяма Морриса, установившего важность жизненно важного стиля в прикладном искусстве.На европейском континенте модерн находился под влиянием экспериментов с выразительной линией художников Поля Гогена и Анри де Тулуз-Лотрека. Это движение было частично вдохновлено модой на линейные узоры японских гравюр (укиё-э).
Отличительной особенностью орнамента стиля модерн является его волнистая асимметричная линия, часто принимающая форму цветочных стеблей и бутонов, усиков виноградной лозы, крыльев насекомых и других изящных и извилистых природных объектов; линия может быть элегантной и изящной или наполненной мощной ритмической и подобной хлысту силой.
В графике линия подчиняет все остальные элементы изображения — форму, текстуру, пространство и цвет — своему собственному декоративному эффекту. В архитектуре и других пластических искусствах вся трехмерная форма погружается в органический линейный ритм, создавая сплав между структурой и орнаментом. Архитектура особенно демонстрирует этот синтез орнамента и структуры; обильное сочетание материалов — изделия из металла, стекла, керамики и кирпичной кладки — было использовано, например, при создании унифицированных интерьеров, в которых колонны и балки превратились в толстые лозы с раскидистыми усиками, а окна стали как отверстиями для света и воздуха, так и мембранными наростами. органического целого.Такой подход прямо противоположен традиционным архитектурным ценностям разума и ясности структуры.
Орнамент корсажа стрекозы из золота, эмали, хризопраза, лунных камней и бриллиантов, дизайн Рене Лалика, 1897–98; в музее Гюльбенкяна, Лиссабон.
В стиле модерн работало множество художников и дизайнеров. Наиболее известными из них были шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош, который специализировался на преимущественно геометрических линиях и особенно повлиял на австрийский Sezessionstil; бельгийские архитекторы Генри ван де Вельде и Виктор Орта, чьи чрезвычайно извилистые и изящные конструкции оказали влияние на еще одну важную фигуру французского архитектора Гектора Гимара; американский стеклодув Луи Комфорт Тиффани; французский дизайнер мебели и изделий из металла Луи Мажорель; чехословацкий художник-график Альфонс Муха; французский дизайнер стекла и украшений Рене Лалик; американский архитектор Луи Генри Салливан, который использовал металлические изделия в стиле ар-нуво в стиле растений, чтобы украсить свои традиционно структурированные здания; и испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди, возможно, самый оригинальный художник этого движения, который вышел за рамки зависимости от линий, превратив здания в изогнутые, выпуклые, ярко окрашенные, органические конструкции.
После 1910 года модерн выглядел старомодным и ограниченным, и от него отказались как от отдельного декоративного стиля. Однако в 1960-х годах этот стиль был частично восстановлен благодаря крупным выставкам, организованным в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1959 г.) и в Национальном музее современного искусства (1960 г.), а также благодаря большим выставкам. масштабная ретроспектива Бердсли состоялась в Музее Виктории и Альберта в Лондоне в 1966 году.Выставки подняли статус этого движения, которое критики часто рассматривали как преходящую тенденцию, до уровня других крупных течений современного искусства конца 19 века. Затем течения движения были возрождены в поп-арте и оп-арте. В популярной сфере цветочные органические линии ар-нуво возродились как новый психоделический стиль в моде и типографии, используемой на обложках рок- и поп-альбомов и в коммерческой рекламе.
Направление: Модерн | Artland Magazine
Истоки модерна В 1884 году термин «модерн» впервые появился в бельгийском художественном журнале «L’Art Moderne». «Он использовался для описания работ Ле Винта, группы из 20 художников, среди которых был Джеймс Энсор. Эти художники были посвящены объединению всех искусств. Сторонники движения боролись с некачественной продукцией массового производства, порожденной промышленной революцией, и тяжелым, загроможденным дизайном искусства и архитектуры викторианской эпохи. Вместо этого они поощряли включение эстетического, функционального дизайна в объекты, архитектуру и дизайн повседневной жизни. Одним из философских отцов-основателей движения был английский дизайнер и бизнесмен Уильям Моррис, который сформулировал основные цели движения: «Доставлять людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены использовать, — это одно из великих украшений; доставлять людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены делать, — вот еще одно его применение.Еще одно большое влияние, которое способствовало развитию художественного движения, было пристрастие к японскому искусству среди европейских художников 1880-х и 1890-х годов, в частности к гравюрам на дереве таких художников, как Хокусай.
Эти принты содержали множество цветочных форм и изгибов органической формы, которые стали ключевыми элементами стиля модерн.
Следуя миссии движения по объединению всех различных форм искусства, модерн был популярен в самых разных дисциплинах.Художники работали в этом стиле в изобразительном искусстве, графике и дизайне, архитектуре, мебели и дизайне интерьеров, а также в изделиях из стекла и ювелирных изделий. Извилистые изгибы, высокий стиль, тонко обработанные изделия из стали и стекла, золотые элементы, органические формы и узоры характеризовали этот стиль.
Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?
Ключевые художники стиля модерн Густав Климт, Поцелуй, 1907. Предоставлено Belvedere Gallery Vienna Густав Климт
Пожалуй, одним из первых художников, о которых все думают, когда упоминают модерн, является австрийский художник Густав Климт.
.Как первый президент Austrian Secession group, венской группы в стиле ар-нуво, которая объединила художников, дизайнеров и архитекторов, Климт работал над принципом Gesamtkunstwerk, сочетая красоту и практичность. Эротизм и сексуальность были важными элементами в творчестве Климта, элементами, которые пронизывали Вену в философии, психологии и искусстве примерно в 1900 году. Этот эротизм отчетливо прослеживается в самой культовой работе Климта «Поцелуй» (1907), в которой двое влюбленных изображены страстно. объятие.Богатый золотой дизайн, уплощенная форма и чувственные изгибы являются образцами стиля модерн того времени.
Обри Бердсли был талантливым молодым английским художником, который никогда не получил формального образования. Благодаря смелому изображению провокационных эротических тем он стал одной из самых неоднозначных фигур движения модерн. Несмотря на его безвременную смерть в возрасте 25 лет, он создал множество важных произведений искусства, в том числе иллюстрации тушью для картины Оскара Уайльда «Саломе ».
«Кульминация» (1893) изображает Саломею, целующую отрубленную голову Иоанна Крестителя, и наполнена эротической символикой.
Чешский художник Альфонс Муха был прежде всего известен своими коммерческими плакатами и рекламой. Он был заинтересован в изображении «новой женщины», воспевающем женственность, сексуальность и наделенных полномочиями женщин современной эпохи. Его плакат «Жисмонда» (1894), сделанный по одноименной пьесе Викториана Сарду, стал эмблемой стиля модерн и вдохновил многих художников после него.Он также известен своими изображениями разных сезонов в образе женщин.
Ян Тороп, Delftsche Slaolie, 1893. Courtesy Rijksmuseum Ян Тороп Ян Тороп был голландско-индонезийским художником, работавшим в стилях символизма, пуантилизма и модерна. Его стилизованные фигуры и криволинейный дизайн символизируют художественное движение. В своем рекламном плакате «Делфтское масло для салатов» «Delftsche Slaolie» он без особых усилий объединил зарождающийся коммерческий мир рекламы потребительских товаров с изобразительным искусством, изобразив двух красивых, чувственных женщин в плавных изгибах и линиях, поливающих салат маслом.
Этот влиятельный плакат является причиной того, что стиль голландского модерна часто называют «slaoliestijl», что означает «стиль салатного масла».
Анри де Тулуз-Лотрек можно отнести к стилям постимпрессионизма и модерна. Он был особенно известен своими литографиями, изображающими сцены богемной жизни в Париже. Он даже сделал серию плакатов для кабаре «Мулен Руж», которое он часто бывал.
Настольная лампа Tiffany Pond Lily, ок. 1903. Предоставлено Tiffany Lamps and Christies Луи Комфорт Тиффани Луи Комфорт Тиффани стало именем, наиболее ассоциирующимся с ар-нуво в Соединенных Штатах. Он был наследником Серебряной Империи Tiffany & Co., основанной его отцом в 1837 году. Тиффани начинал как художник, но стал наиболее известен своими декоративными произведениями искусства, в частности изготовлением свинцового стекла. Tiffany произвела витражи с тонко окрашенными деталями, создав революционный декоративный стиль, который до сих пор является синонимом названия компании, и придумал универсальный термин «лампа Тиффани», который используется даже для похожих на внешний вид продуктов, созданных конкурирующими дизайнерами той же эпохи .
Антони Гауди — один из самых известных архитекторов, связанных с модерном. Каталонский архитектор, наиболее известный благодаря собору Саграда Фамилия и Парку Гуэля в Барселоне, работал с обильными изгибами, ярким плавным дизайном и яркими цветами в своих зданиях.
Виктор Орта, Лестница в отеле Tassel, Брюссель. Courtesy Hotel Tassel Victor HortaБельгиец Виктор Орта был одним из основателей движения в стиле модерн и одним из людей, ответственных за расширение движения из визуального и декоративного искусства в область архитектуры.Он известен своим дизайном отеля Tassel (1894 г.) в Брюсселе, который считается первым зданием в стиле модерн.
Вход в парижское метро по проекту Гектора Гимара. Наследие модерна Примерно в период Первой мировой войны модерн подвергался критике за чрезмерно продуманную и роскошную отделку.
Более того, интенсивное мастерство сделало его практически недоступным для массовой аудитории. Хотя это движение не пережило Первую мировую войну, оно продолжало жить в различных движениях, появившихся позже, таких как ар-деко, модернизм и даже некоторые элементы Баухауса.Ар-нуво был определяющим визуальным языком короткого периода времени, и остатки этого прекрасного стиля все еще можно увидеть во многих городах по всему миру, например, в Париже, где входы на станции метро остаются в оригинальном стиле. спроектирован Эктором Гимаром между 1890 и 1930 годами.
Узнайте больше о движении в стиле модерн здесь:
Метрополитен-музей
The Art Story
Для других статей Artland о важном искусстве движения, см .:
25 лучших художественных движений и стилей на протяжении всей истории
Направление искусства: Гарлемский ренессанс
Направление искусства: De Stijl
Что такое ар-нуво? Ар-нуво — это направление в искусстве, которое процветало в Европе и США с 1890 по 1910 год.
Механизм отличается элегантным дизайном с извилистыми асимметричными кривыми и линиями, вдохновленными органическими и геометрическими формами.
В каких сферах был популярен модерн?
Его основные проявления были в архитектуре, декоративном и графическом искусстве, хотя движение также значительно повлияло на живопись и скульптуру.
Кто были главными художниками модерна?
Густав Климт, Обри Бердсли, Уильям Моррис, Луи Комфорт Тиффани, Антони Гауди, Анри де Тулуз-Лотрек, Альфонс Муха, Генри ван де Вельде, Эжен Грассе, Ян Тороп и Виктор Орта
Получите эксклюзивную коллекцию таких статей, как это каждую неделю
Period Design Series: All About Art Nouveau
«Дама с камелиями», Альфонс Муха.
Майкл Паситти
Вдохновленный неуправляемыми аспектами мира природы, стиль ар-нуво повлиял на искусство, иллюстрацию, дизайн и архитектуру с 1890 по 1910 год. Несмотря на то, что он был относительно недолгим, как популярная тенденция, модерн на протяжении десятилетий появлялся во многих случаях, включая второстепенные.
изюминкой психоделического движения 1970-х. Помните обложки альбомов Grateful Dead? Чистый модерн! Даже сегодня стиль модерн все еще пронизывает индустрию обрамления.
Фраза «модерн» переводится как «новое искусство» или «современное искусство». Этот стиль, зародившийся во Франции и Германии, характеризовался извилистыми волнистыми линиями, которые делали мир дизайна чувственным. Он отличался плавными органическими мотивами и орнаментами с изящными плавными краями, как вьющиеся плети. Художники и ремесленники часто основывали асимметричные узоры на формах растений, таких как цветы, виноградная лоза, листья и водоросли. Маленькие насекомые и птицы также были ключевыми мотивами в движении модерн.
Ар-нуво контрастирует с более поздним стилем ар-деко, который возник в начале 1920-х годов вскоре после того, как популярность ар-нуво пошла на убыль. В то время как ар-деко неподвижен, тверд, определен и неподвижен, модерн изображает жизнь, движение и непрерывность.
Стиль модерн произвел революцию в взглядах людей на предметы, составляющие их мир.
Как период дизайна, ар-нуво можно рассматривать скорее как движение, чем как стиль, преобразив викторианскую эпоху новыми, современными образами.Это движение совпало с промышленной революцией и принесло новые подходы к дизайну интерьера, архитектуре, мебели, тканям, стеклу, посуде, украшениям, рамкам, постерам, обоям, текстилю и освещению. Стиль включает новые материалы, включая формованное стекло с пузырьками, рога животных, бивни из слоновой кости и полудрагоценные камни. Он также был очень заметен в дизайне и производстве витражей, которые зародились в Англии и включали в себя многие стили, формы и узоры в стиле модерн.
Стиль модерн повлиял на дизайн самых повседневных предметов, включая посуду, оборудование и мебель.Движение сопротивлялось классическим ограничениям. Вместо того, чтобы ограничивать искусство холстом или традиционной скульптурой, модерн расширил художественную предпосылку, превратив повседневные предметы в искусство. Художники включили в картину характерные изгибы и плавные линии стиля модерн; добавили в дверной декор объемную стрекозу; или украсить дверной проем лепниной с цветами, виноградной лозой и листьями.
Витраж в стиле модерн. Автор Арнольд Лионгрюн.
Как и в случае с любым новым стилем, критикам и посетителям выставки либо понравился этот стиль, либо он не понравился.Но благодаря появлению на Всемирной выставке 1900 года в Париже движение процветало по всему миру. В Соединенных Штатах модерн естественным образом возник из ремесленных традиций и промыслов начала 19 века. Вскоре североамериканские дизайнеры внесли свои собственные идеи в стиль ар-нуво, особенно в керамике, стеклянной посуде, архитектуре и рамах. В Соединенных Штатах появился новый стиль стеклянного искусства, когда Луи Комфорт Тиффани заинтересовался ар-нуво. Лампы Тиффани известны и сегодня.
Дизайнеры мебели также поддержали дальновидное движение ар-нуво, используя новые органические плавные мотивы в определенной мебели, а не строгие архитектурные узоры. Подобно художникам, дизайнеры мебели в стиле модерн черпали вдохновение в мире природы и разделяли ту же веру в качество товаров и высокое мастерство.
Они приняли массовое производство и сочетали богато украшенный стиль рококо с ботаническими мотивами. Чарльз Макинтош из Шотландии оказал особенно сильное влияние на дизайн и стиль мебели и считается одним из отцов мебели в стиле модерн.
В мире печати модерн стал одним из первых крупных художественных течений. Концепция массового производства изображений и графики сыграла значительную роль в отрасли, включая методы цветной печати, которые были относительно новыми в то время. Дизайнеры в стиле модерн рисовали, рисовали и печатали работы для популярных форм, таких как реклама, плакаты, этикетки и журналы. Повальное увлечение плакатами 1890-х годов распространилось по Европе и Америке.
В начале 1895 года парижский художник Альфонс Муха представил свою работу литографированным плакатом к пьесе «Жисмонда» с участием Сары Бернар.Внешний вид и дизайн этого плаката не только популяризировали стиль модерн, но и определили и распространили концепцию дизайна по всему Парижу. Первоначально он назывался стилем Муха, но вскоре стал важной частью ар-нуво.
Муха создал тысячи рекламных объявлений, иллюстраций, картин и рисунков.
Многие другие художники того времени интерпретировали модерн как часть своих собственных стилей, в том числе художник Густав Климт, дизайнер стекла Рене Лалик и архитектор Антони Гауди.
«Oh Pour l’Amour du Chocolat» современного художника Эхо Черника.
Сегодня современный иллюстратор Эхо Черник улавливает суть модерна в своих современных работах. Ее концепцию «тотального искусства» можно найти во многих стилях рам периода модерна и на всей территории курорта Bellagio в Лас-Вегасе. Ее картины иллюстрируют чувственные линии и тонкий свет стиля модерн и изображают женские фигуры с длинными распущенными волосами. Успех Черника показывает, что символика и мотивы стиля модерн по-прежнему ценятся в мире искусства.
Майкл Пачитти — издатель журнала DECOR и директор выставки DECOR Expo Showcase. Он работал в сфере дизайна интерьеров, искусства, фотографии и дизайна нестандартного обрамления более 25 лет.
Рамка в стиле модерн идеально подходит для изображений или плакатов, представляющих парижские пьесы и рекламу конца 1800-х годов. В отличие от симметричного стиля лепных украшений и рам ар-деко, рамки ар-нуво включают в себя линейное движение узоров, похожих на усики, и узоры плетения, которые привлекают взгляд.На большинстве рамок этого стиля изображены плавные листья и цветы с извилистыми линиями. Рамы в стиле модерн должны иметь движение внутри поверхности лепного украшения.
Ар-нуво — история и наследие
До модернизма, который мы знаем сегодня, был другой стиль, имевший аналогичные намерения, но идеологически он был на слишком много шагов впереди своего времени. Модерн , который является лишь одним из возможных способов назвать это движение, был максимально приближен к идее модерна 1880-х годов.Тем не менее, требуется некоторая история, чтобы назвать стиль в честь общего прилагательного, такого как «современный», поэтому этот новый стиль, который ознаменовал начало 19-го века, в конечном итоге был назван «новым искусством», поскольку он действительно был чем-то действительно новым.
в то время. Хотя термин «модерн» (после статьи в бельгийском журнале L’Art Moderne) стал наиболее обычным способом обозначить этот стиль, в разных странах он назывался по-разному: Jugendstil в Германии, Венский сецессион в Австрии, Arte nuova или Stile Liberty в Италии и Art belle époque во Франции.
Прошлый век породил множество плодотворных движений, но мы можем с уверенностью сказать, что модерн открыл новую главу в искусстве (ему предшествовало, возможно, только движение искусств и ремесел и Уильяма Морриса ). Основная идея заключалась в том, чтобы снова объединить декоративно-прикладное искусство, что привело к функционализму , как решающему шагу в развитии искусства и всех его производных, особенно архитектуры и дизайна . Соответственно, художники в стиле модерн поняли концепцию объединения всех искусств и полезную природу такой концепции, которая превратила модерн в тотальный стиль , охватывающий все медиа и жанры.
Единственное, что заставит вас усомниться в современности модерна, это тот факт, что его художники искали эстетическое вдохновение и руководство в nature , а не в механизмах и абстрактных формах. Возможно, это должно быть просто связано с преждевременным появлением этого движения, поскольку последнее, следовательно, появилось позже, в других движениях и стилях. В остальном модерн стал синонимом прогресса , и хотя его часто рассматривают просто как переходный период между традиционным искусством и модернизмом, на самом деле это был единственный стиль, в который было заложено зерно модерна.Наконец, хотя ар-нуво не «пережил» Первую мировую войну, о которой, как вы обнаружите, часто упоминается в Интернете, он действительно пережил своих потомков, некоторые из которых довольно очевидны (например, ар-деко), или некоторые из них. под прикрытием (например, Баухаус).
Джозеф Мария Ольбрих — Дом сецессиона, выставочный зал в Вене, 1897-1898 гг.
Красота архитектуры модерн
Стиль модерн появился в разных странах примерно в одно время, поэтому вы найдете его представителей в Европе и за ее пределами.Как и в случае с архитектурой, довольно легко распознать здание под влиянием природы, принадлежащее к эклектичному стилю ар-нуво, в любой точке Западной Европы и США. Архитектура в стиле модерн был великолепным воспроизведением органических форм, но также и стилем, поддерживающим научные достижения. Вдохновленные криволинейной геометрией, его архитекторы изучали геометрию как таковую, следовательно, улучшили архитектуру как дисциплину .Его можно было бы назвать как угодно, но только не общим, из-за множества разнообразных форм, которые можно найти в природе. Однако, несмотря на всю ослепляющую красоту, модерн по своей сути был интернациональным стилем. На самом деле это означает, что, хотя корпус здания был декоративным, декорированным способом, который можно было бы назвать «классически красивым», сам стиль был универсальным, принятым множеством архитекторов из разных частей мира.
это именно то, чего пытался достичь модернизм.
Отто Вагнер — Майоликахаус (Linke Wienzeile 40) и Linke Wienzeile 38, Вена, Австрия, 1898-1899 гг.
Красивая архитектура
С менее профессиональной точки зрения не все ассоциируют модернистские здания с красотой. Тем не менее, обсуждение красоты — это то, чего ученые (особенно архитекторы) обычно предпочитают избегать, поскольку то, как мы обращаемся к красоте, может быть неверно истолковано или неправильно понято. С другой стороны, в стиле модерн нет никаких сомнений. Это просто один из тех видов красоты, которые выходят за рамки взгляда смотрящего, даже за пределы области эстетики (возможно, именно потому, что это также хорошо укоренилось в теории). Это то, что можно небрежно назвать красивой архитектурой , будь то архитектор или полный дилетант — только заклятый модернист не признает этого; но опять же, это то, что вы могли бы проанализировать и признать весь потенциал и намерения, стоящие за проектом.
Природа не только считалась источником вдохновения, она была диктатором принципов, фоном, который помог создать новую природу . Он проявляется в наиболее очевидных формах, которые помогают нам распознать цветы и листья в стиле модерн на фасадах, а также в методологии, используемой архитекторами в стиле модерн.Природа определила новый архитектурный язык, точно так же, как абстрактные формы определили язык современной архитектуры.
Антонио Гауди — Саграда Фамилия, потолок
Понимание архитектуры ар-нуво через работы Гауди
Одним из архитекторов, обычно связанных с движением, является Антони Гауди , и эта связь вполне оправдана. Однако знаменитый каталонский архитектор никогда не был любителем этикеток, так как он постоянно искал и производил новые вещи, создавая совершенно уникальный собственный словарный запас.Он был очень вдохновлен вышеупомянутым Уильямом Моррисом, а также другим выдающимся писателем Уильям Раскин .
Что касается визуальных ссылок, Гауди интересовался восточным искусством и готическим возрождением 19 века, хотя этот стиль он считал «неполным». Комментарий о готической архитектуре может быть замечательным отсылкой к Sagrada Familia , так и не завершенному шедевру собора Гауди в Барселоне, который обладает неотразимой готической элегантностью. Однако, несмотря на то, что его проекты превышают «универсальность» проектов в стиле модерн, можно взять любое из его зданий в качестве образца, на котором соблюдаются принципы, используемые архитекторами в стиле модерн.Природа дала ему подсказки, а затем он придумывал свои собственные загадки. В своих проектах Гауди ссылался на деревья, листья и даже человеческий скелет, но эта ссылка была основана не только на имитации пластика; это был, скорее, ввод для линейчатых геометрических форм, характерных для прогрессивных работ Гауди . Принимая во внимание время, в которое жил Гауди, вы можете представить, как его проекты фактически заставляли технологии продвигать , что, вероятно, является одной из самых важных ролей архитектора.
Луи Салливан — Гарантийное здание, Буффало, Нью-Йорк, 1896 г.
Самые представительные архитекторы в стиле модерн
Одним из наиболее упоминаемых героев международного стиля «нового искусства» является Отто Вагнер , чья работа связана с термином «Сецессион» (из-за его австро-венгерского происхождения). Вагнер является автором знаменитой синагоги на улице Румбах в Будапеште, венской церкви Святого Леопольда и, пожалуй, самого интересного, расположенного в Вене Дома Майолики, фасад которого был сделан из керамической плитки.Затем с другой точки зрения вам следует взглянуть на работы американского архитектора Луи Салливана , которого многие считали отцом модернизма. В основном это произошло из-за его огромного вклада в дизайн современного небоскреба , которым он хорошо известен сегодня. И вы, возможно, догадались, что большинство его работ — это небоскребы, которые сложно отличить от некоторых постмодернистских небоскребов в Соединенных Штатах (возьмем, к примеру, здание «Гаранти» в Буффало, Нью-Йорк).
В конечном итоге, бельгиец Виктор Орта был назван ключевым архитектором европейского модерна . Его дизайн отеля Tassel в Брюсселе часто упоминается как первое здание, в котором стиль модерн перешел от декоративного искусства к архитектуре, а его собственный дом является свидетельством его времени и блестящих новаторских дизайнерских идей.
Victor Horta — Отель Tassel
Живопись в стиле модерн
Восстание, трансформация и еще раз восстание, Модерн , Новое искусство , отошли от традиционных форм искусства 19-го века и опирались на мир природы , его дух, о котором думали интуитивно течь через душу.Идеализированный сюжет исторической и пейзажной живописи, промышленное массовое производство и преобладающее художественное образование были оставлены позади картин в стиле модерн и представителями новой художественной школы, которая призывала к единству всех искусств, утверждая, что против разделения между изобразительным искусством живописи и скульптуры и движением так называемого малого искусства декоративно-прикладного искусства.
Благодаря такому подходу был сформирован синтез искусства и ремесла, создав духовно возвышающий Gesamtkunstwerk , позволяющий художникам в стиле модерн использовать широкий выбор средств массовой информации.Если раньше о художнике думали как о том, кто рисует картины или делает скульптуру, то теперь он мог разрабатывать обои, делать керамику или иллюстрировать книги. Как вы понимаете, это открыло множество различных дисциплин, но мы должны помнить, что во время этого высокодекоративного движения искусство живописи пережило года.
Эгон Шиле — Лежащая женщина в зеленых чулках
Картина Густава Климта в стиле модерн
Плоскостность и декоративность , созданная с помощью линий и «хлыстовых» кривых , полученных в результате ботанических исследований и иллюстраций глубоководных организмов, создали очень декоративную поверхность узоров в стиле модерн.Это казалось шагом вперед от искусства символизма, наследие которого все еще сохранялось во время движения.
Никогда не сплоченная группа художников, продвигающих новую школу, собиралась в разных городах и под разными именами в разных местах Европы. Но никакая другая группа художников не сделала больше для популяризации и распространения стиля модерн, чем Венский сецессионист , и, возможно, самым продуктивным и влиятельным ее членом был художник Густав Климт.
.
Именно Густав Климт фактически является представителем живописного стиля модерн. Сосредоточившись на слиянии картин символизма и вышеупомянутой декоративной поверхности , Климт обрадовался и рано отказался от реализма. Сочетая украшения и плоское качество 2D, исследуя декоративные возможности живописи, в своих работах Климт отразил любовь того периода к величию и изысканности.
Его собственная любовь к величественному видна в его использовании с золотым листом , напоминая византийские мозаики для создания его окрашенной поверхности, которая в конечном итоге является очень декоративной.Его любовь к орнаменту и вера в равенство изящного и декоративного искусства привели к созданию произведений, которые можно рассматривать как смесь разработанного рисунка и реализма, основанного на силе символизма. Эта смесь между реальным и абстрактным является важным наследием работ Климта и важной особенностью картин в стиле модерн.
Слева : Густав Климт — Поцелуй / Справа : Густав Климт — Адель Блох Бауэр I. Изображения с Викимедиа.org
Разнообразие живописи в стиле модерн
Применение плоского качества стиля модерн к станковой живописи на самом деле является сложной задачей, и мы должны понимать, что, хотя искусство живописи сохранилось, оно приняло различных форм и, возможно, шаг назад к предметов декора, графических и полиграфических работ , плакатов и книжных иллюстраций .
Густав Климт, известный своими станковыми картинами, изображающими как аллегорических тем , так и более традиционные формы портретного искусства , также создал настенных росписей и мозаичных картин .Помимо этих образцов картин в стиле модерн, важными для этого периода являются многочисленные витражей , созданные еще одним влиятельным художником того времени, Луи Комфорт Тиффани . Наследие самых новаторских английских дизайнеров , прерафаэлитов , Уильяма Морриса и Эдварда Бёрна-Джонса , чьи работы провозглашают создание механизма, были применены с использованием новой техники, которая заменила метод медной фольги как альтернатива свинцу, снова возня кружащиеся мотивы, изогнутая линия, сильно стилизованные изображения человеческой фигуры, на этот раз нанесенные на другую поверхность, стекло, демонстрируя взаимную любовь к узорам, простоте и сложным орнаментам как стилю живопись этого периода.
Объединенные не только наследием движения декоративно-прикладного искусства, многие картины этого периода, как на мольберте, стенах зданий, так и на стекле, демонстрируют влияние японского искусства , в частности . ксилография .
Луи Комфорт Тиффани — Образование, Мемориал Читтенден, деталь. Изображение взято с wikiwand.com
Новая женщина в стиле модерн и эротика
Как важный предмет в истории искусства, мы знаем, что человеческая форма, в частности, женское тело завораживала художников с незапамятных времен.В этот период очень эротизированных изображений красивой женской формы и эротический характер многих работ в стиле модерн являются одной из наиболее распространенных черт стиля живописи. Стремясь раздвинуть границы, и Густав Климт, и Эгон Шиле создали картины и рисунки, в которых основное внимание уделялось эротике. Хотя Климт никогда не сталкивался с правовыми проблемами с его эротического искусства, его ученик Шиле были сотни его эротических рисунков заскладированных в 1912 году на том основании, что они были порнографическими.
Смелые новые женщины в стиле модерн были чувственными, изящными и нежными, а также очень сексуальной современной женщиной своего времени. Используемый в качестве рекламного элемента еще одним известным художником того времени Альфонсом Муха , удлиненное изображение известных актрис и фантазийных женщин украшало театральные афиши и различные иллюстрации.
Стилизованное изображение человеческой формы, декоративная и плоская поверхность, наряду с игрой между реальным и абстрактным, являются наиболее важными чертами, которые до сих пор остаются наследием этого короткого направления в искусстве.Соединив изобразительное искусство с движением искусства и ремесел, картины в стиле модерн соединили наследие символизма с новым пониманием поверхности картины. Мир природы, его цветов и некоторых загадочных существ помогли сформировать эту эпоху, которой мы обязаны будущим развитием периода ар-деко года года, новыми и экспериментальными идеями в области графического искусства и дизайна плакатов.
Картины в стиле модерн и сегодня являются одними из самых вдохновляющих образов в истории искусства.
Альфонс Муха — Серия «Драгоценные камни», 1900 г.
Самые уважаемые художники в стиле модерн, которых нужно помнить
Для художников в стиле модерн модернизация дизайна на рубеже нового века означала уход от традиционных, эклектичных исторических стилей, которые слишком долго господствовали в этой области творчества. Стремясь вернуть хорошее мастерство, предложенное движением искусств и ремесел, и в то же время используя пышные орнаменты, подобные тем, что можно увидеть на японских гравюрах на деревянных блоках, они черпали вдохновение из органических и геометрических форм повсюду.Такие практики, как дизайн мебели, изготовление стекла, кузнечное дело, книжный дизайн и чугунная обработка, нашли свое место среди уже известных художественных средств массовой информации, таких как живопись, скульптура и керамика. Хотя ар-нуво просуществовал относительно недолго — примерно пятнадцать лет, он объединил художников из разных стран и слоев общества, таким образом сформировав уникальное движение, основанное на групповых достижениях, а не на отдельных лицах.
Спустя сто лет их влияние и стиль сильны и широко ценятся.
Слева: Портрет Альфонса Мухи / Справа: Альфонс Муха — Издательство принтеров шампанского, 1897 г.
Альфонс Муха
Альфонс Муха был чешским живописцем и художником-декоратором, чье художественное творчество обычно бледно-пастельное состоит из множества картин, иллюстраций, рекламы, открыток и украшений, ковров, театральных сидений и обоев. Его карьера началась в 1894 году, когда он вызвался создать литографированный рекламный плакат к пьесе с участием легендарной парижской актрисы Сары Бернар.Сотрудничество между ними продолжается, и Альфонс Муха оказался одним из самых знаковых художников в стиле модерн и выдающейся фигурой в истории чешского искусства, известным своими красивыми, чувственными молодыми женщинами в неоклассической одежде, часто окруженными обилием цветов. и дизайнерские выкройки. Его уникальному стилю было уделено много внимания на всемирной выставке в Париже в 1900 году.
Слева: Анри де Тулуз-Лотрек — Мулен Руж Ла Гулю, 1891/ Справа: Портрет Анри де Тулуз-Лотрека
Анри де Тулуз-Лотрек
Проницательный наблюдатель социальной культуры, лишенной гламура, Анри де Тулуз-Лотрек принадлежал как к постимпрессионизму, так и к модерну, работая в последнем прекрасным иллюстратором и литографом.Его изображения богемного образа жизни в Париже в конце XIX века до сих пор остаются одними из самых замечательных произведений искусства, когда-либо созданных, почти так же знаменитых, как его отношения с кабаре Мулен Руж, несмотря на его физические недостатки и тот факт, что на него часто смотрели свысока его работа. Для Мулен Руж Анри де Тулуз-Лотрек создал серию плакатов и даже показал свои работы на стенах. Среди них были портреты певицы Иветт Гилберт и танцовщиц Ла Гулю и Джейн Аврил, а также декорации из других кабаре-клубов и борделей, в которых он был частым гостем.
Слева: Обри Бердсли — Награда танцоров, Саломе — трагедия в одном действии / Справа: Портрет Обри Бердсли
Обри Бердсли
Его безвременная смерть в возрасте всего 25 лет помешала его таланту развиваться, и она была многообещающей.
Обри Бердсли был английским иллюстратором и автором, наиболее известным своим вкладом в эстетическое движение и, конечно же, своими иллюстрациями и дизайном, которые считаются ар-нуво.Однако его рисунки тушью были совсем не красочными: используя только черно-белое изображение, Обри Бердслей создавал резко контрастирующие, гротескные, эротические и даже декадентские образы под влиянием работ Анри де Тулуз-Лотрека и, что более очевидно, японского укиё. е. К тому же, карикатурист, он часто создавал политические карикатуры, отражающие взгляды литературных произведений коллеги-художника Оскара Уайльда, и был соучредителем журнала «Желтая книга» вместе с американским писателем Генри Харландом, редактором которого он был. подготовил дизайн обложек и иллюстрации.
Слева: Луи Комфорт Тиффани портрет / Справа: Луи Комфорт Тиффани — лампа Глицинии, ок. 1902 г.
Луи Комфорт Тиффани
Луи Комфорт Тиффани — замечательное искусство, которое длилось около пятидесяти лет, идеально соответствовало эстетике и видению художников в стиле модерн.
Но он не был художником, скульптором или просто одним из дизайнеров — он был культовым мастером декоративно-прикладного искусства, наиболее известным своими работами с витражами. Луи Комфорт Тиффани, часто вдохновляемый иностранными культурами и природными элементами, создавал огромное количество разнообразных предметов, таких как керамика, мозаика, изделия из металла, эмали и украшения, одновременно создавая окна, интерьеры, лампы, очки и многое другое.Его творения теперь можно найти в Соединенных Штатах и за их пределами, например, в доме Марка Твена в Коннектикуте, во многих церковных окнах и в самом Белом доме, в частности, в его восточной комнате, синей комнате, красной комнате, государственной столовой и у входа. Зал. Его дополнения были удалены в 1902 году.
Слева: Автопортрет Эжена Грассе / Справа: Эжен Самуэль Грассе — Плакат выставки французского декоративного искусства в галереях Графтон, 1893 г.
Эжен Грассе
Считается одним из пионеров движения, Эжен Грассе действительно был одним из самых разносторонних художников.
Под влиянием его поездок в Египет и особой близости к японской эстетике, его искусство варьировалось от живописи и скульптуры во время его пребывания в Лозанне до мебели, тканей и дизайна гобеленов после переезда в Париж в 1871 году. теперь изделия изготавливались из драгоценных материалов, таких как слоновая кость и золото. Но, пожалуй, больше всего известен Эжен Грассе плакатами, которые также принесли ему известность в Соединенных Штатах; там он создавал обложки для таких журналов, как Harper’s и Century.Во Франции его литография с изображением Сары Бернар стала частью Les Maîtres de l’Affiche, набора из 256 цветных литографических пластин, которые использовались для создания публикации во время Прекрасной эпохи.
Найдите время, чтобы увидеть больше работ Эжена Грассе!
Слева: Портрет Франтишка Билека / Справа: Франтишек Билек — Христос
Франтишек Билек
Скульптор и архитектор, Франтишек Билек был чешским художником-провидцем, чьи творения часто называют мистическими, религиозными и таинственными.
Частично страдая дальтонизмом, он отказался от своей страсти к живописи и вместо этого сосредоточился на скульптуре, изображая библейские пейзажи и истории из жизни Иисуса Христа, хотя, конечно, не следуя неоромантическим идеалам. Работая в основном с деревом, Франтишек Билек создавал скульптуры из тополя, дуба и липы, а также из бронзы и керамики, часто с выразительными, интригующими и отчаянными фигурами. Художник иногда сочетал восточный стиль с христианством, обращаясь с чувством вины и надежды, которое подчеркивалось выразительными движущимися жестами.Многие из его работ можно найти на вилле, которую он построил для себя в Градчанах, которая сейчас служит его музеем.
Слева: Коломан Мозер — Афиша пяти художественной выставки ассоциации австрийских художников Сецессиона, 1899/ Справа: Портрет Коломана Мозера
Коломан Мозер
Принадлежит Венскому Сецессиону, Коломан Мозер также был соучредителем Венских мастерских, которые в период с 1903 по 1932 год объединяли художников, архитекторов и дизайнеров.
Он также является выдающимся представителем почти всех областей и средств массовой информации в Австрии в период модерна, который, конечно же, включает архитектуру, мебель, графический дизайн, гобелены, ювелирные изделия, почтовые марки, эстамп, керамику, витражи и даже моду. Чистый стиль Koloman Moser можно отличить четкими линиями и повторяющимися мотивами классического римского и греческого искусства и архитектуры, как ответ на декаданс венского барокко. Сегодня его сильное влияние можно увидеть в работах Шепарда Фейри, в частности, в его расширенной версии обложки журнала Ver Sacrum 1901 года Мозера.
Слева: Ян Тороп / Справа: Ян Тороп — Делфтше Слаоли
Ян Тороп
Символист, пуантилист и художник в стиле модерн, голландско-индонезийский художник Ян Тороп создал произведения искусства, которые должны были служить декоративным целям, без какого-либо очевидного символического значения. Уже в своих картинах периода символизма он посвятил себя уникальным яванским мотивам, сопровождаемым сильно стилизованными гибкими фигурами и криволинейным орнаментом.
Помимо портретов, которые варьируются от эскизов до картин, Ян Тороп также создавал книжные иллюстрации, плакаты и витражи в рамках движения Niewe Kunst. В Нидерландах он больше всего известен своим рекламным плакатом для салата Delft oil, который также повлиял на голландский стиль модерн, получивший название «slaoliestijl» — «стиль салатного масла». Таким образом, его постоянно развивающийся стиль стал основным источником вдохновения для Густава Климта.
Плакаты в стиле модерн — история красивой рекламы
Помимо архитектуры и изобразительного искусства, такого как живопись, любое серьезное обсуждение этого важного стилистического направления должно учитывать плакатов в стиле модерн и огромное влияние, которое они оказали на мир графического дизайна.Сделав искусство повседневным для людей, плакат стал средством, с помощью которого стиль модерн достиг массовой аудитории и получил широкую популярность. Недавний прогресс в технологиях печати, таких как многоцветная литография , который позволил расширить диапазон тонов и упростить крупномасштабное производство, привело к так называемому увлечению плакатами в конце 1880-х и 90-х годах.
В качестве доминирующей формы массовой коммуникации плакат, или так называемое «уличное искусство», широко использовался для рекламы товаров и развлечений и стимулировал новые вершины художественного самовыражения.
Ар-нуво, во многом основанный на форме, линиях и цвете, оказался идеальным дизайном плаката в то время. Это было первое крупное стилистическое движение, в развитии которого серийной графики сыграли ключевую роль. Ключевое влияние на популяризацию нового художественного стиля среди жителей Парижа оказал плакат, созданный художником из Кека Альфонсом Мухой для пьесы Викториана Сарду « Жисмонда » в 1894 году. Этот плакат, олицетворяющий стиль ар-нуво, был воплощением стиля ар-нуво. чисто декоративное изображение женской красоты, считается шедевром модерна.С различными влияниями, включая прерафаэлитов, движение искусств и ремесел и византийское искусство, этот экстравагантный, цветущий, богато украшенный стиль с изогнутыми линиями вскоре распространился на остальную Европу и Соединенные Штаты из-за бума плакатов.
Под влиянием французских мастеров, таких как Муха, Жюль Шера, Жоржа де Фер, Эжена Грассе или Альберта Гийома, художников, таких как Анри Прива-Ливмонт в Бельгии, Генри ван де Вельде в Голландии, Адольфо Хоэнштайн и Леопольдо Метликовиц в Италии, или движений, подобных когда начал появляться Венский Сецессион.Ар-нуво доминировал в парижской плакатной сцене и процветал по всей Европе вплоть до Первой мировой войны. начал терять свою жизнеспособность. во Франции после того, как Муха и Шерат посвятили себя живописи, и художники во всем мире начали отказываться от ар-нуво в пользу ар-деко. Сегодня плакаты в стиле ар-нуво привлекают многих коллекционеров произведений искусства, поскольку являются важной записью художественных идей до Первой мировой войны. Итак, давайте взглянем на самых известных плакатов в стиле модерн !
Альфонс Муха — Четыре сезона, 1896 год, изображение принадлежит Обществу защиты прав художников-усадеб Альфонса Мухи
Альфонс Муха — Жисмонда, 1894
Альфонс Муха , художник из Кека и один из ведущих деятелей стиля модерн, полностью изменил искусство плаката.
Плакат к пьесе Викториана Сарду Gismonda с изображением Сары Бернар — одно из его самых знаменитых произведений, сделавших его знаменитым в одночасье. Зайдя в парижскую типографию незадолго до Рождества 1894 года и узнав, что новый спектакль, открывающийся в Новый год с Сарой Бернар в главной роли, нуждается в новом рекламном плакате, он согласился создать его всего за четырнадцать дней . Он изобразил Сару Бернар как экзотическую византийскую дворянку в великолепном костюме и головном уборе с орхидеей из последнего акта пьесы с богатым разнообразием цветов и декоративных деталей.Благодаря красивому и революционному дизайну Мухи получил эксклюзивный 6-летний контракт со знаменитой актрисой.
Альфонс Муха — Сара Бернар в роли Жисмонды, 1894 — Театральный плакат
Вальтер Крейн — Champagne Hau & Co. Реймс, 1894 г.
Английский художник и иллюстратор книг Уолтер Крейн считается самым влиятельным и одним из самых плодовитых создателей детских книг своего поколения.
Кроме того, Крейн разработал текстиль и обои в стиле модерн, которые стали популярными во всем мире и в значительной степени способствовали созданию движения плаката в Англии как одного из его пионеров.Обладая невероятной универсальностью в декоративном оформлении, плакаты Крейна всегда отличались тонким вкусом. Выпущенный в 1894 году цветной литографический плакат Крейна был разработан для рекламы Hau Champagne . На плакате изображена аллегорическая женская фигура, обвитая виноградными лозами, несущая кувшин на плече и держащая протянутую чашу.
Вальтер Крейн — Champagne Hau & Co. Реймс, 1894 г.
Эжен Грассе — Энкр Л. Марке, 1892
Франко-швейцарский художник-декоратор Эжен Грассе считается пионером дизайна в стиле модерн.Первоначально появившись в мире графического дизайна в 1877 году с открытками и почтовыми марками, Грассе вскоре начал создавать коммерческие произведения искусства в виде плаката и плаката , который стал его сильной стороной.
В 1890 году он даже представил шрифт Grasset Italic , который впоследствии использовался в большинстве его плакатов. Его плакат для Encre L. Marquet ink , созданный в 1892 году, визуально передает внутреннюю суматоху писательского тупика. На плакате изображена дама с огненными волосами и лавровым венком, опирающаяся на арфу — классический символ созерцания — которая скоро заполнит ее страницы благодаря Л.Тушь Marquet.
Эжен Грассе — Энкр Л. Марке, 1892 г.
Анри Приват-Ливмонт — Абсент Робет, 1896
Бельгийский художник Анри Приват-Ливмонт — один из лучших мастеров постмуховского модерна. Созданный в 1896 году, в период пика популярности абсента, плакат Privat-Livemont для Absinthe Robette , торговой марки Distillerie Petitjean & Cie, основанной в Монсе в Бельгии, является одним из самых узнаваемых образов, связанных с этим духом и модерном в мире. Общее.Изображая девушку в классическом стиле в прозрачном платье со стаканом абсента, словно подаренного богами, на заднем фоне плаката преобладает узнаваемый зеленого цвета напитка.
Этот вневременной шедевр с тех пор привлек множество коллекционеров и вдохновил множество художников.
Анри Приват-Ливмонт — Абсент Робетт, 1896 г.
Альфонс Муха — Работа Сигаретной бумаги, 1898
Еще одна работа известного художника Альфонса Мухи , плакат для газет Job Cigarette , возможно, один из самых известных его рекламных плакатов.Этот плакат, изображающий выдающуюся женскую фигуру на фоне монограмм Иова, установил культовое изображение «женщины Мухи» с завитками пышных волос. Изображая женщину с зажженной сигаретой в руке и поднимающийся дым, образующий вокруг нее арабеску, название бренда, написанное мозаикой, , частично затемнено и повторяется на заднем плане в хитроумном логотипе. Этот плакат, использующий волосы и дым для раскрытия радикально новых декоративных форм, является прекрасным примером использования реалистичных элементов в качестве декоративных элементов, типичных для стиля модерн.
Альфонс Муха — Работа Сигаретная бумага, 1898 г.
Элизабет Сонрель — Roger et Gallet
Элизабет Сонрель была французской художницей и иллюстратором, работавшей в основном в стиле модерн. В ее творчестве были аллегорические сюжеты, мистика и символизм, портреты и пейзажи. В ранние годы она также создала множество плакатов, открыток и иллюстраций, которые в основном изображали красивых женщин с пышными волосами, изображенных в типичном декоративном стиле ар-нуво.Один из самых известных ее плакатов — плакат Roger et Gallet , французской парфюмерной фирмы, специализирующейся на туалетном мыле и парфюмерии. Плакат изображает женщину, окруженную цветами и держащую букет фиалок, ссылаясь на недавно синтезированный аромат фиалки , который фирма представила к концу 19 века.
Элизабет Сонрель — Роджерт и Галле
Наследие модерна — образцы, узоры и цветы
Механизм ар-нуво в чистом виде и наиболее успешен, когда применяется к цели , отличной от станковой живописи .
Как следует из приведенных выше текстов, механизм и его элегантность очень хорошо подходят для графических репродукций и других форм искусства, таких как декоративных витражей и архитектуры . В дизайне плакатов того периода использовались плоские области цвета, важный элемент литографической техники, для создания некоторых из самых сложных примеров современного дизайна, который сегодня сохраняется в стилях и эстетическом качестве многочисленных художников-графиков и иллюстраторов.Но если бы я спросил вас, что первое, что приходит на ум, когда думаешь о наследии модерна, я уверен, что большинство из вас подумают о щедрых узорах , цветов и различных предметы быта декорированы с использованием органических форм и линии .
Слева : Уильям Моррис — Печатный текстильный дизайн. Изображение с www. diptyqueparis-memento.com / Справа : Альфонс Муха — Иллюстрация из Ле Патера.
Изображение взято с wikipedia.orgУзор в стиле модерн
Как важный предшественник движения, мы много раз упоминали в этой статье Движение искусств и ремесел , и мы должны понимать, что дизайн узоров и подход к искусству , который мы узнали, как модерн, на самом деле уходит корнями в в понимании разных дизайнеров и художников, которые пришли раньше. Узоры известного английского дизайнера Уильяма Морриса и его понимание роли художника оказали большое влияние на художников и дизайнеров движения модерн.Сосредоточившись на возрождении прикладного искусства, Моррис также оказал влияние на преобразование узоров. До Морриса ткань имела трехмерный и иллюзионный характер. Часто большие капустные розы рисовались с некоторой перспективой и затенением, что, как правило, было суетливым. Моррис сделал сглаженным рисунком , , устранив любые попытки реалистично изобразить цветы или птиц .
Акцент был переключен с предмета на цвет и линию большой сложности и богатства.Плоская поверхность, как мы поняли из предыдущей главы, посвященной живописи в стиле модерн, была важным элементом стиля движения. в высшей степени абстрактное качество узоров в картинах Густава Климта играет на грани абстракции и реализма. Построенный на слиянии естественных форм и резких граней геометрических форм, узор в стиле модерн обычно создается из стилизованных изображений цветов , изогнутых линий и спиралей и , довольно приглушенных и мрачных цветов .Горчичный, шалфейный, оливково-зеленый, коричневый, сиреневый, фиолетовый, пурпурный и синий павлин — это цвета, которые мы называем цветами ар-нуво. Эти узоры часто использовались для различных декоративных целей, помогая подчеркнуть идею о том, что искусство является неотъемлемой и важной частью создания качественного жилья .
Густав Климт — Древо жизни. Изображение с artivity.gr
Цветы модерна
Товарный знак узор линий и цветочный фон , найденный на картинах Винсента Ван Гофа и Поля Гогена , наряду с японскими гравюрами на дереве вдохновил на понимание линии и цвета, а также на стилизованный подход к изображению природных форм и форм художниками и дизайнерами нового направления в искусстве.Рассматривая орнамент как структурный символ и важную часть растущей силы природы, художники создали сложные узоры с использованием ритмической абстракции и стилизованных изображений природы . Цветы, корни, бутоны, стручки и элементы, включая тюльпаны, подсолнухи, в сочетании с линиями и простыми плоскостями, вместе с павлиньими перьями стали воплощением стиля модерн. Двумерные произведения искусства, построенные с использованием цветочных мотивов и экстравагантных, плавных и изогнутых линий, были нарисованы и напечатаны в популярных формах, таких как реклама, этикетки и журналы, а также в большом количестве предметов домашнего обихода, таких как чашки, тарелки и блюдца, а также предметы мебели были украшены орнаментом из тех же элементов.
Альфонс Муха — Пионы. Изображение взято с wikipedia.org
Наследие в стиле модерн
Хотя движение быстро упало , после 1910 года оно уже исчезло, его значение в прикладном искусстве, графическом дизайне и архитектуре остается огромным. Он по-прежнему имеет большое влияние на иллюстраторов и современных художников, и мы даже можем сказать, что его стилистические качества увидели возрождение в росте постмодернизма дизайна . Ни один другой период в истории искусства не оказал такого влияния на развитие графических работ, и использование повторяющихся узоров, больших цветных блоков и щедрого орнамента очень живо сегодня.Помимо этих элементов, которые описывают эстетическое качество ар-нуво, возможно, наиболее важным элементом является переопределение роли художника и акцент на возрождении прикладного искусства. Это позволило художнику мыслить нестандартно, за рамками станковой живописи и скульптуры и разветвляться на разные области.
Эстетикой многих примеров дизайна ювелирных изделий, мебели и интерьеров, которые у нас есть сегодня, мы обязаны художникам-экспериментаторам и дизайнерам прошлого.
Автор: Натали П., Энджи Кордич, Силка П. и Елена Мартиника.
Избранные изображения: Альфонс Муха — Мечтательность; Гимар — Парижский метрополитен; Густав Климт — Поцелуй; Антони Гауди — Casa Mila; Сецессион павильон в Вене; Антони Гауди — Фортепиано Нобиле Дома Бальо; Альфонс Муха — утро, день, вечер, ночь. Все изображения используются только в иллюстративных целях.
Объяснение стиля модерн | История искусства 101
Модерн — один из самых выдающихся стилей в искусстве. Несмотря на то, что он длился недолго, он быстро стал фетишем элиты.Он распространился по всем социальным группам и классам. Это был городской феномен, распространившийся на провинции. Ар-нуво часто ассоциируется с ар-деко, но, несмотря на их сходство, на самом деле это две разные вещи.
Он применялся ко всем аспектам жизни, таким как архитектура и городское планирование, изобразительное и декоративное искусство, одежда и даже утварь. Узнайте о движении ар-нуво, прочтите его историю, посмотрите его характеристики и влияние, которое оно оказало на общество. Вот объяснение модерна!
Когда, где и кем
Модерн — это стиль, зародившийся в 1880-х годах и просуществовавший до начала Первой мировой войны.Он распространился по всем западноевропейским и американским странам со значительным уровнем индустриализации. Несмотря на общее единство, он имел небольшие локальные различия, но всегда оставался современным и космополитичным.
Термин «модерн» впервые появился в 1880-х годах в бельгийском журнале L ’Art Moderne для описания творчества Ле Винта. Ле Винт был группой из двадцати художников и скульпторов, которые искали реформ через искусство. Они выступали против отделения изящных искусств, таких как живопись и скульптура, от так называемых малых декоративных искусств.
На эту группу повлияли учения Уильяма Морриса и движение искусств и ремесел. То есть дизайнеры в стиле модерн хотели объединить искусство и ремесло и создать Gesamtkunstwerk , настоящее произведение искусства, включающее в себя множество средств массовой информации.
Art Nouveau во Франции
Движение было особенно связано с Францией, где оно называлось многими именами: Style Jules Verne , Le Style Métro (в честь железных и стеклянных входов в метро Гектора Гимара), Art belle époque , Art fin de siècle .Выставка 1900 Universelle в Париже продемонстрировала его широкой публике.
Гектор Гимар, вход на станцию метро Abbesses в Париже, Франция. Фотография автора. Как уже упоминалось, модерн достиг многих мест и поэтому имел разные названия. В Бельгии он стал называться Style nouille или Style coup de fouet , а в Германии — Jugendstil , что означает «молодой стиль».
Тем временем в Барселоне стиль модерн был частью более широкого движения Modernista .Самым ярким художником был архитектор Антони Гауди. Он спроектировал Саграда Фамилия, Парк Гуэль, Дом Бальо, Дом Мила и другие известные здания.
Антонио Гауди, Дом Мила (Дом Мила), Барселона, Испания. GetYourGuide.
Объяснение стиля модерн: характеристики стиля
1. Природа
Природа была главным источником вдохновения. Растения из ботанических исследований, животные и глубоководные организмы представлены в большом количестве произведений в стиле модерн.
Поль Пуаре, Текстиль, ок. 1919 г., набивной шелк. Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США. Филиппе Вольферс, Ваза, ок. 1896 г., серебро, частично позолота. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.2. Japonisme
В то время японское искусство, такое как гравюра, захватило западную торговлю произведениями искусства. Стиль модерн черпал вдохновение в визуальных образцах.
3. English Inspiration
Движение искусств и ремесел, возникшее в 19 веке в Англии, и движение эстетики оказали огромное влияние на модерн. В более широком смысле, прежнее движение означало возвращение к ремеслу и традиционным методам. Между тем последнее было похоже на понятие «искусство ради искусства». Это положение для нерассказывающих картин и акцент на красоте и атмосфере произведения искусства.
Рене-Жюль Лалик, Кулон, ок.1901 г., золото, эмаль, опал, жемчуг, бриллианты. Дар Клэр Ле Корбейлер, 1991, Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.Подробнее об украшениях Рене Лалика можно узнать здесь.
4. Пышные формы
Еще одна особенность — пышные формы арабеск. Прямые линии контрастируют с фигурными изгибами, а спирали создают ощущение гармонии и красоты.
Луи Салливан, здание Уэйнрайт (фрагмент), Сент-Луис, штат Миссури, США.
Wikimedia Commons, Интерьер Petit Palais, Париж, Франция.Построенный для Всемирной выставки 1900 года, в нем сейчас находится Музей изящных искусств. Wikimedia Commons.5. Декоративный стиль
Сначала украшение было просто элементом, дополнением к объекту. По мере развития стиля модерн украшение стало единым целым с функциональностью. Это было зеркало того, как общество склонно видеть себя через свои владения. Фактически, этот нарциссизм позже стал моралью модерна. Это избавило общество от его труда и создало идеализированное и оптимистичное представление о себе.
Charles Rennie Mackintosh, Умывальник, 1904 г., дуб, керамическая плитка, цветное и зеркальное стекло, свинец. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.6. Гибкость и легкость
Наконец, результат каждого произведения искусства, будь то здание или стул, имел очевидное намерение создать гибкость, спокойствие, оптимизм, подвижность.
Альфонс Муха, Искусство (серия), Танец , Живопись, Поэзия, Музыка , 1898.
Музей Мухи Прага, Прага, Чешская Республика.Журналы о моде и искусстве, товары и реклама, всемирные выставки и мероприятия в целом способствовали распространению этих характеристик среди широкой аудитории.
Социально-экономическая ситуация
Несмотря на красоту и легкость стиля модерн, в нем была и темная сторона. Он пытался скрыть подчинение капиталу, экономическое и моральное унижение, даже ужасное положение рабочего класса. В целом энтузиазм по поводу этой новой «весны» вьющихся цветов в бизнес-центрах прекратился на окраине столичного города, где начинались пригороды, фабрики и гетто трудовых домов.
Итак, модерн больше ассоциировался с социально-экономической ситуацией, чем с технологической эволюцией. Движение хотело использовать работы художников в рамках капитализма. Таким образом, модерн оставался элитным видом искусства, побочные продукты которого были доступны только массам. Кроме того, это причина того, что модерн так быстро исчез. Ухудшение социальных классов, которое привело к Первой мировой войне, фактически доказало, что модерн был основан на ложной утопии.
Источники:
Gontar, Cybele. «Искусство модерн.» В Хейльбрунн Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000.
Госс, Джаред. «Французский ар-деко». В Хейльбрунн Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000.
Argan, Giulio Carlo, οντέρνα χνη 1770–1970 , и Bonito Oliva, Achille, χνη στην Καμπηληλουσου 21ου .139 — 142. Также на итальянском языке: Argan, Giulio Carlo, L’Arte Moderna 1770–1970, и Bonito Oliva, Achille, L’Arte Oltre il Duemila, R.C.S. Libri S.p.A., Милан 2002. Страницы могут отличаться.
Если вас интересует стиль модерн, мы рекомендуем продолжить чтение, которое вы можете сделать:
Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журналDailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.
Многоликая: темы и влияния ар-нуво
La Trappistine , Альфонс Муха, около 1897 года
Модерн — это стиль, который был широко распространен в Европе с 1890-х годов до Первой мировой войны.
Он был известен как стиль тотального искусства, потому что он не проявлялся только в картинах. Ар-нуво пронизывал архитектуру, текстиль, освещение, рекламу, изделия из стекла и многое другое.
Термин впервые появился в бельгийском журнале L’Art Moderne за 1884 год. Издание использовало этот термин для описания искусства, которое следовало теориям французского архитектора Эжена-Эммануэля Виолле-ле-Дюк и британского критика Джона Раскина. Эти люди хотели объединить все художественные стили; Следуя этому образу мышления, художники сочетали бы элементы рококо, японского укиё-э, кельтских символов и других стилей, чтобы сформировать уникальную плавную эстетику.
Кошки, Куниёси Утагава , дата неизвестна, 2D стиль искусства укиё-э оказал резкое визуальное влияние на модерн
Продолжение статьи под объявлением
Движение декоративно-прикладного искусства, продолжавшееся с 1860-1900-х годов, также повлияло на формирование этого стиля. Английский дизайнер Уильям Моррис (1834-1896) возглавил это движение, основав Morris, Marshall, Faulker & Co в 1861 году.
В то время люди считали промышленно производимые предметы нехудожественными и утилитарными.Он стремился сохранить мастерство в производстве, продавая в этой компании драгоценности ручной работы, книги, мебель и т. Д.
Все эти влияния придали модерну многогранный облик с множеством различных тем.
Основные темы в стиле модерн
Юбка Павлин, Обри Бердсли, 1892
Продолжение статьи под объявлением
Стиль модерн часто сочетает в себе женственность, природные элементы и чувственность. Хотя это звучит так же, как искусство эпохи Возрождения, его отличительные визуальные нюансы выделяют его.
Вы можете увидеть образцы женщин в стиле модерн в творчестве Альфонса Мухи. Он создавал рекламу для различных предприятий, таких как издательства, туристические компании и театры. Вы можете узнать в нем художника, стоящего за плакатом Монако-Монте-Карло (1897 г.).
Другие романтические изображения женщин появляются в иллюстрации Обри Бердсли к «Саломе» Оскара Уайльда. Эти рисунки, такие как «Юбка павлина» (1893 г.), изображают женщин в 2D в стиле укиё-э.
Монако-Монте-Карло , Альфонс Муха, 1987, кредиты Софи на Flickr.
Продолжение статьи под объявлением
Когда мы говорим «природные элементы», мы имеем в виду больше, чем цветы. Популярностью пользовались броши в виде нежных разноцветных насекомых. Вы можете купить книгу «Гордость и предубеждение» с павлиньими перьями на обложке. Ар-нуво воспевал природу как еще один способ отказаться от индустриализма. Цветы, виноградные лозы и животные также могут быть использованы для создания чувственной картины.
копия Pride and Prejudice , 1894, кредиты для журнала Ransom Center Magazine
Продолжение статьи под объявлением
Анри де Тулуз-Лотрек изображал чувственность в своих плакатах в стиле модерн.Он был преданным покровителем кабаре «Мулен Руж». Там он рисовал танцоров в своем личном искусстве и создавал плакаты для мероприятий. Его иллюстрации «Шат Нуар» (1896 г.) и «Джейн Аврил» (1893 г.) продолжают следовать этому двухмерному стилю и включают в себя нежные завитки, линии и детали стиля модерн.
Джейн Аврил, Анри де Тулуз-Лотрек, 1893, PD-Art
Продолжение статьи под объявлением
Ар-нуво — это то же самое, что и ар-деко?
Хотя их названия могут вас запутать, ар-нуво и ар-деко отличаются и по стилю, и по эпохе.
Модерн закончился там, где начался арт-деко. Но у него была похожая тенденция, продолжавшаяся с 1920-х годов до Второй мировой войны. В ар-деко использовались материалы, отличные от своих предшественников, такие как хром и сталь. Он был направлен на то, чтобы охватить индустриальную эстетику, а не вернуться к природе.
Визуально вы можете отличить их друг от друга по геометрическим узорам. Ар-нуво позволяет своим линиям идти без правил, подобно тому, как растения растут в природе. Ар-деко, с другой стороны, использует твердые формы, такие как квадраты и круги, для создания своих частей.
Детали ар-деко в Рокфеллер-центре, Нью-Йорк, обратите внимание на геометрическую анатомию, заслуга Эндрю Прокоса.
Продолжение статьи под объявлением
Многие имена: от модерна до Тиффани
Станции метро в Париже — типичный образец стиля модерн. Когда Compagnie du Métropolitain создавала его впервые, они хотели, чтобы он выглядел гостеприимно. Они знали, что система поездов будет странным, новым дополнением для жителей Парижа.Итак, у них был конкурс на дизайн входов, и Гектор Гимар победил с его эскизами зеленых навесов и виноградных лоз. С тех пор французское правительство снесли некоторые из этих достопримечательностей. К счастью, с 1978 года осталось 88 памятников, которые охраняются как исторические памятники. Неудивительно, что во Франции его назвали ар-нуво, но многие люди не осознают, что в других странах он получил разные названия (и изменился).
Станция метро Porte Dauphine в Париже, проект Эктора Гимо
Продолжение статьи под объявлением
В Германии стиль модерн был ответвлением модерна.Слово происходит от фразы Die Jugend (что означает «молодежь») и названо в честь журнала, посвященного новым стилям искусства. В немецком стиле также использовались цветы, но в нем было больше арабесок и абстрактных фигур.
В Австрии модерн превратился в сецессионистское движение. В 1897 году Густав Климт, Йозеф Мария Ольбрих и Йозеф Хоффман покинули традиционное художественное общество Künstlerhaus и создали ассоциацию под названием Венский сецессион.
Они поощряли отход от жестких стандартов искусства; в результате у художников этой школы были разные стили.Но их объединяла одна общая черта: поиск «внутренней высшей истины». Ольбрих построил «золотую капусту» из листьев на вершине здания Сецессиона в Вене, Австрия. Золото видно издалека, и оно предназначено для того, чтобы заставить его чувствовать себя живым. Это возвращает нас к упору на природу в стиле модерн. Когда смотришь на «Поцелуй» Густава Климта (1907–1908), возникает полный круг с женщинами и чувственностью.
Золотая капуста , предоставлено Чарльзом Тилфордом на Flickr.
Продолжение статьи под объявлением
Стиль модерн преобладал в Европе, но оказал влияние на мебель в США.Луи Комфорт Тиффани, старший сын основателя Tiffany & Co., использовал стиль модерна для создания витражей. Через его компанию они продавали лампы, окна, керамику и украшения. При нем стиль стал более импрессионистским, но сохранил первоначальный вид пышной натуры.
Вид на залив Ойстер , Луи Комфорт Тиффани, кредиты хаострофии на Flickr.
По сей день люди считают, что модерн изменил наше представление о дизайне и производстве.Хотя он уже не в разгаре, продавцы по-прежнему продают плакаты и антиквариат, вдохновленные этой эксцентричной эпохой.
Продолжение статьи под объявлением
Продолжение статьи под объявлением
Стиль модерн | Как создать образ в стиле ар-нуво
стиль ар-нуво, созданный на sampleboard.comКак оформить в стиле ар-нуво
Люди часто путают стили в стиле ар-нуво и ар-деко. Я делал это сам, когда был студентом.Первое, что нужно сделать, это понять узоры, цвета и рисунки каждой эпохи. Эта статья о стиле модерн подробно расскажет о узорах, мотивах, цветах и влияниях этой эпохи. Краткий очерк движения в стиле модерн даст вам некоторые знания, которые помогут вам принимать обоснованные решения.
Движение модерн просуществовало около тридцати лет до 1910 года. Это был стиль, в котором естественные формы использовались для вдохновения и использовались оригинальным образом. Самым популярным мотивом Art Nouveau были павлиньи перья.Отличительной чертой стиля являются изогнутые волнистые линии, известные как хлыстовые линии, формы, похожие на растения, и сильно стилизованные криволинейные конструкции. Стиль часто описывают как извилистый, ритмичный и похожий на сон.
Модерн Мотивы и узоры
- Цветочные мотивы (часто абстрактные)
- Нежные женские формы
- Павлины
- Крылья насекомых
- Птичьи перья
- Ракушки
- Виноградные лозы , кувшинки, японский лотос….)
- S-образные изгибы
- Линии плетения
Цвета были приглушенными и нежными. Натуральные растительные красители использовались в обоях, ситеце и других материалах. Ар-нуво многими считается основным декоративным стилем. В дизайне также заметно влияние японского принта.
Модерн Цвета
- Пастель
- Белый
- Грязно-белый
- Оливковый
- Горчичный
- Шалфей
- Коричневый
- Сиреневый
- Золото 0003 Синий
- Пурпурный Узоры на обоях
- Стилизованные маки и лилии на длинном стебле
- Листья в форме ланцета
- Тонкие цветы
Модерн плитки
Живописные плитки в эпоху модерна были популярны в Бельгии и Франции. За основу дизайна были взяты иллюстрации чешского художника Альфонса Мухи.Это влияние не проявлялось в Англии до 1920-х и 1930-х годов. Влияние искусства и ремесла продолжалось в Штатах. Однако было также популярно использование простой плитки. Виктор Орта в своем собственном доме в Брюсселе (ныне музей Орта) использовал простую белую плитку на стенах и потолке в стиле кирпича. Для создания мотивов на однотонной плитке использовалась вагонка. Техника исполнения аналогична нанесению глазури на торт. Выпуклые линии рисунка придают плитке трехмерный вид. Kenneth Clark Ceramics предлагает облицовочную тюльпанную плитку.
Модерн Плитка
- Пастельные оттенки
- Простая плитка или индивидуальный дизайн плитки среди простой плитки
- Плитка с рисунком в основном использовалась в ряд на высоте дадо или как случайная вставка
- Высоко стилизованный абстрактный цветочный плитка
- Панели в стиле модерн использовались для создания законченных интерьеров в Европе
- Панели также на фасадах зданий
- В Америке и Англии отдельные цветочные узоры на отдельных плитках или в небольших панелях высотой до дадо.
The Rookwood Pottery в Цинциннати, штат Огайо, Carter & Co и Poole Pottery в Дорсете, Англия, Yorkshire Tile Company и Minton Hollins — вот некоторые из фирм, которые производили плитку в стиле ар-нуво.
Art Nouveau Декоративные элементы
Одним из значимых предметов эпохи Art Nouveau является лампа Tiffany, созданная Луи Тиффани. Он изучал искусство и основал фирму по оформлению интерьеров Louis Tiffany & Associated Artists в Нью-Йорке.Фирма по-прежнему оформлена в викторианском стиле с элементами искусства и ремесел. В 1885 году основным направлением деятельности компании было изготовление изделий из стекла, поэтому было создано новое название — Tiffany Glass Company. Tiffany разработала окна для американских церквей, например для церкви Троицы в Бостоне. Они также занялись дизайном художественного стекла для домов, клубов и других корпораций.
Стеклянные панели Four Seasons обеспечивают Tiffany международную репутацию. Его работы выставлялись в магазине Bing в стиле модерн в Париже.Его работы включали пейзажные, цветочные и полуабстрактные узоры. Вазы, чаши, бумажные гири были выполнены из переливающегося цветного стекла, называемого фаврилом, кипритом, камеей и лавой. Лампы Тиффани были сделаны из металлических цоколей со стеклянными плафонами, похожими на витражи и люстры. Дизайном были природные формы, павлиньи перья и крылья насекомых. Некоторые из названий работ Тиффани включают свинцовое стекло и бронзовую настольную лампу Trumpet Creeper, а также его стеклянные панели «Павлин» и «Какаду», электрический свет с цветным абажуром под названием «Dragon Fly»
Стиль модерн оказал влияние на серебряные изделия, олово, живопись, скульптурные плакаты, дизайн рекламы и керамики.При поиске предметов декора не забывайте выбирать предметы с красивыми плавными линиями и изогнутыми формами.
Eco Friendly Way
Оформление интерьера в старых стилях может быть очень экологичным способом украшения. Посещение секонд-хендов, антикварных товаров, гаражных распродаж и поиск в Интернете — отличный способ найти свои сокровища в стиле модерн. Самое главное — иметь четкое представление о том, что вы хотите, на что хотите потратить, прежде чем вы начнете искать.Недавно я видел некоторые плитки той эпохи в продаже на eBay по очень разумной цене.
Модерн Полы
Паркет часто использовался в эпоху модерна. Однако Орта использовал мозаичные плитки в закрученных S-образных изогнутых узорах на полу своего дома Tassel. Линолеум тоже пользовался популярностью. Модными цветами матирования в начале 20 века были натуральный белый, оливковый и светло-коричневый. Ткацкий станок Axminister был изобретен в США в 1876 году. Бринтон в Англии разработал версию Gripper в 1890 году.Эти изобретения позволили изготавливать большие ковры неограниченного количества цветов. Цветочный дизайн стал визитной карточкой британских дизайнеров. Книга Оуэна Джонса «Словарь орнаментов» 1856 г. и «Принципы дизайна» Кристофера Дрессера 1879 г. продолжали оказывать влияние на дизайн. Как и дизайн Уильяма Морриса, в частности, дизайн листьев аканта и маков.
Основные черты стиля модерн
- Приглушенные нежные цвета
- Плавные изогнутые линии
- Натуральные формы
- Лампы Тиффани
- Стеклянная посуда
- Олово
- Серебряная посуда 908
Павлиньи перья
- Мебель с изогнутыми линиями и закругленными формами
- Обивка в стиле модерн
- Гладкая однотонная плитка
- Стены и потолки по трафарету
- Металлические изделия
- Электрическое освещение
К сожалению, Стиль модерн был самым неправильно понятым стилем. часто отклоняется как декоративная боковая линия.Тем не менее, оригинальные работы архитекторов Гектора Гимара во Франции и Виктора Орта в Бельгии легко узнать. Многие из построек Виктора Орты сейчас внесены в список всемирного наследия.
