Орнамент эпохи Барокко
Время военной мощи, политического престижа и расцвета культуры Франции во время правления Короля-Солнца, Людовика XIV вошло в историю, как Великий Век. Грандиозная пьеса звучала громко и торжественно, она требовала нового стиля, спектакль должен был разыгрываться на фоне соответствующих декораций. Так великий Ренессанс открыл двери, в которые вошло блистательное Барокко.
Формирование стиля Барокко
Стиль сформировался в период позднего Ренессанса в Италии, стал популярен в Европе, особенно во Франции, в XVI – XVIII веках. Торжественный и помпезный, барокко был призван прославлять абсолютную монархию и могущество церкви.
Барокко пришёл на смену изысканному и неестественному Маньеризму, но отнюдь не был его продолжением. В орнаментах барокко можно скорее увидеть продолжение Ренессанса, например, это активный фон, пластичность, логичность и безусловная симметрия. Однако, наследие римского орнамента — прямоугольность и некая острота линий сменяется на округлость пышной барочной формы и динамику.
Особенности и свойства орнамента Барокко
Для стиля барокко характерна показная и утрированная роскошь, размах, текучесть сложных форм и слитность всего, что сливаться по определению не должно. Очень приветствуется все удивительное, необычное и оригинальное. Барочный орнамент тяготеет к природной стилизации, хотя это и не всегда ярко выражено и понятно из — за слияния одного элемента с другим.
Линия S становится немыслимо пластичной, она эмоциональна, сложна, но при этом в орнаменте сохраняется центр единой композиции. Барокко построен на строгой симметричности и логике, время рококо со своей асимметрией еще не пробило.
Орнамент в барокко порой вторгается в живописную деталь на предмете прикладного искусства. Например, в композиции «сцена охоты» могут участвовать охотники, собаки, купидоны и богини, которые утопают в многочисленных завитках аканта, означающих густую травку.
Фон — активный (ярче, чем сам рисунок) или (реже)спокойный, но он присутствует всегда.
Любовь к «пустым поверхностям» и отсутствие плотности в орнаментах барокко объясняется сложностью композиции, элементов – это необходимо для достижения баланса.
Даже самые пышные орнаменты в стиле барокко никогда не покрывают поверхность без фона, ибо требуют “воздуха”. Об этом мы говорили и в статье об орнаменте Ренессанса.
Орнамент Барокко отдает дань массивности и объемам, но при этом очень динамичен, ярко демонстрирует движение, направленное вверх, предпочтение отдаётся вертикальным композициям.
В орнаменте налицо все особенности психологического воздействия цвета и цветовые ассоциации, характерно использование контрастных цветов. На первом месте безудержный блеск позолоты. Цветовые решения барокко не стоит путать с орнаментами в рококо, где все построено на плавном перетекании цветов.
Основные элементы
Присутствуют практически все орнаментальные элементы, привнесенные Ренессансом.
Орнаменты барокко буквально завалены акантами, волютами, картушами, раковинами, жертвенниками, торшерами, цветочными гирляндами (порой с плодами), рогами изобилия, вазами с цветами.
Барокко – это царство очень выразительной растительной пластики. В обилии присутствуют уже знакомые нам по орнаменту ренессанса ангелочки путти.
Раковина часто приобретает вид веера, иногда она похожа на французскую королевскую лилию, которая тоже имеет место быть.
Акант в орнаменте Барокко изящен, пластичен и чрезвычайно активен. Безудержная поросль пышных акантов буквально повсюду.
Пальметта также обрела пышность и стала похожа на раковину.
Рождение рокайля
У каждой культуры есть характерные элементы, которые они добавляли к орнаментам. В барокко это рокайль, который со временем перейдёт в орнамент рококо. Как элемент, он полностью сформировался на основе гротеска, о котором мы писали в статье об орнаменте ренессанса.
Впоследствии рокайль превратится в арабески. В отличие от гротеска, рокайль более пластичен, он выходит за пределы своего контура и вбирает в себя множество уже известных нам по предыдущим орнаментальным стилям элементов (например, картуш).
Кстати, картуши в форме щитов или листов пергамента с завернутыми краями – постепенно превращаются в рольверки в виде наполовину развёрнутого рулона бумаги с надрезанными краями. Мотивы барочного картуша и раковины трансформируются в фантастические формы кнорпельверка.
Маскароны
Mascherone —маска в форме части головы человека или животного анфас. Маскароны могли иметь комический, драматический или романтический облик. Менее пугающая воображение маска помещалась на изделия декоративного и прикладного искусства — сосуды, тарелки, дверные молотки, ручки.
Ормушль
Ohrmuschel — ушная раковина. Элемент представляет собой картуш с ленточным переплетением и гротесками (Изобретен во Фландрии в конце 16 века).
Зооморфные элементы
В орнаментах присутствуют уже знакомые нам кариатиды, атланты, драконы, львы. В растительные мотивы вплетаются зооморфные элементы, птицы,
немыслимые сказочные существа (например, женщины с телом рыбы, гибриды козла и змеи, другие мутанты, достойные лучших традиций средневековья).
Естественно, присутствуют русалки и единороги, куда ж без них.
Трильяж и ламбрекен
Популярный элемент барокко – трельяж. Это косая ромбовидная сетка, украшенная мелкими розетками.
Ещё один чисто барочное изобретение – ламбрекен. Это резаный зубцами и украшенный кистями занавес.
Для позднего периода барокко в орнаменте характерно подражание архитектурным деталям: колонны, фронтоны , баллюстрады, консоли.
Орнамент Барокко в декоративно прикладном искусстве
В интерьерах барокко всегда используются пышные и эффектные украшения: зеркала, элементы живописи, лепнина.
Архитектура
Для архитектурного орнамента барокко характерен пространственный размах, слитность, текучесть сложных криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты. Кругом позолота, все вокруг облеплено связками акантов, в которые вплетены все элементы, перечисленные выше.
Наиболее яркий образец барокко в архитектуре это, конечно же, Версаль.
Из самых известных строений в Украине можно назвать Андреевскую церковь в Киеве и собор Святого Юра во Львове.
Текстиль
Если Италия была центром художественного ткачества готики и Ренессанса, то таким центром производства тканей в барокко была Франция. Великолепие французского двора и Версаля, череда ослепительных праздников превратила Францию в признанную законодательницу моды, которой стремилось подражать дворянство всей Европы.
Орнаменты на тканях барокко покрыты крупными декоративными цветами, акантами, плодами граната и виноградными гроздьями. Последние элементы были популярны в орнаментации тканей и при ренессансе.
Характерен в орнаментации тканей ромбовидный трельяж, о котором упоминалось выше. В композиции текстильного орнамента входили также короны, вазы, корзины и даже детали садово-парковой архитектуры. Размеры элементов на тканях могли быть настолько большими, что их раппорт достигал полуметра.
Отдельный материал на ДПИ журнале посвящён кружеву.
Оно украшает не только воротники, манжеты, передники, наколки, но и чулки и обувь.
Обои
Обои французского производства конца XVII в. делались со сложными многофигурными орнаментальными композициями, набитыми с медных гравированных досок. Р
Роскошный крупный цветочный орнамент, выполненный в стиле природной стилизации, сюжеты с архитектурными мотивами и фигурами людей были основной тематикой.
Мебель
Мебель периода барокко была предметом прикладного искусства, и она предназначалась не для удобства, а исключительно для украшения интерьера. Мягкая мебель обивались дорогой, богато окрашенной тканью.
Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, пугающих размеров шкафы. Зеркала украшались лепниной с растительным орнаментом.
Мотивы, которые присутствуют на мебели в стиле барокко – это рога изобилия, гирлянды, корзины с фруктами или цветами, раковины, головы Аполлона или Вакха, море акантов, ангелочки – пути, кариатиды, в общем все, перечисленное выше, и ещё два раза по столько же).
Почти обязательный элемент — львиная голова, держащая во рту металлическое кольцо.
О Ювелирном искусстве эпохи барокко и керамике читайте на ДПИ журнале, поместить всё в один материал невозможно, ибо это один из самых больших исторических стилей в искусстве. Он занял достойное место после ренессанса и постепенно в своём развитии преобразовался в рококо, но об этом в следующей статье.
Декоративно-прикладное искусство западной Европы XVIII в. • Размышления дизайнера
Как художественное направление рокайльное искусство сложилось к середине XVIII столетия. Культура этого века получает в наследство от предыдущего столетия особое эстетическое сознание, в котором художественный вкус важнее многих других качеств человека. Высокоразвитый вкус, с точки зрения рококо, — характеристика высокообразованного и утонченного человека.
Он, прежде всего, предполагал умение отличать прекрасное в природе и искусстве; знание того, по каким законам возможно искусственное воссоздание природы, а также умение глубоко наслаждаться художественным произведением.
Искусство должно быть похоже на природу, и наоборот. Если для барочных эффектов необходима вся гамма эмоциональных состояний (от радости до трагедии), то для наслаждающегося рококо — лишь изысканно тонких, изящных.
Для художественного языка рококо слово «изящный» ключевое. Оно характеризует красоту очертаний предметов, их соразмерность, отточенность формы, изысканность, элегантность внешнего вида, грациозность движений. В манере мастеров рококо есть виртуозная легкость и тонкость исполнения, найденная мера между изысканностью и простотой. Современники называли рококо «стилем Людовика XV», отмечая тем самым эпоху его возникновения (1715—1774).
Слово «рококо» произошло от французского «рокайль», что значит искусственный грот, раковина, хрупкая, тонко расчлененная асимметричная природная форма. Можно сказать, что рококо является декоративным продолжением стиля барокко. Тем не менее это немного не так.
Барокко был стилем абсолютизма. Пышность, помпезность и мощь — вот ключевые слова, которые могли бы охарактеризовать это направление.
Индивидуальное, камерное является краеугольным камнем стиля рококо. Внешне стиль мало отличается от предыдущего.
Но ломаность линий барокко компенсировалась объемом, размером самой формы. Линии рококо, где бы они ни присутствовали, будь то ножки стола и стула, ручка кофейника или двери, создаются как бы на надломе. Все немного «хочет» упасть, продемонстрировать себя с лучшей стороны. Все предметы «смотрят» на себя в зеркало, интересуясь, «как там я? Не плохо ли выгляжу?» В противовес парадности и масштабности барокко в интерьерах рококо появляется больше утонченности и интимности.
Аристократический «мятеж» против грубой реальности сказывался в том, что естественной тектонике, естественным свойствам материалов и пропорциям предпочитались атектоничность, иные, чем в натуре, пропорции, отвергались законы силы тяжести. Хрупкие столики и пуфы стоят на тонких, загнутых книзу ножках. Как раз те части стульев, которые являются несущими и по логике вещей должны быть наиболее устойчивыми и крепкими, имеют вид неустойчивый и облегченный.
Орнамент.
Уже в конце XVII в. орнамент начинает приобретать все большую легкость. В начале XVIII в. доминирует построение орнаментальной композиции из прямых и округлых линий, сходящихся под прямым углом. Акантовый лист становится все тоньше, трельяж широко распространяется как один из излюбленных мотивов. Львиные маски и спокойные юношеские лица все чаще заменяются легкими консольками с женскими головками, изогнутыми в грациозном повороте.
Популярен ажурный или рельефный С-образный орнамент. Розетка поражает беспорядочностью своих прорезных лепестков с капризным нагромождением форм. После 1725 г. в декоре чаще встречаются новые мотивы, характерные для стиля рококо. Стиль рококо — чисто декоративный стиль интерьера, объявивший войну всякой ясной конструктивности.
Орнамент рокайль не подчеркивает архитектонику зала, членение стен и потолка. Наоборот, он как бы стремится нарушить его структуру, лишить ее логики и ясности восприятия. Первым и непременным свойством этого декора является его асимметричность, наклонная ось в композиции.
Раковина играет в этой орнаментике главенствующую роль. Она не рассматривается больше как широкий сплошной волнистый веер. Края ее глубоко прорезаны, она почти распадается на отдельные лепестки.
К началу века такая раковина превращается уже в пальметту, а в искусстве рококо — в некий совершенно условный ор- пимент, так называемый рокайль. Акантовый лист отходит на второй план. Его место занимают свивающиеся тонкие листья. В своих асимметричных изгибах они переплетаются с рокайлями, вместе с ними обвиваются вокруг огромных стенных зеркал, вокруг спинок, ручек и сидений изысканной мебели.
Иллюзия этого непрерывного плавного потока еще поддерживается тем, что в мебели и в других предметах прикладного искусства отрицается прямая линия. В своем отвращении к прямой линии декор неукоснительно разрушает форму. Бронзовые часы, стенники, канделябры — все состоит из извивающихся разорванных форм, которым часто трудно дать определенное название.
Тем не менее искусство рококо открывает новые, невиданные красоты: отрицая симметрию, оно создает своеобразное равновесие, отрицая привычный ритм, создает новые, не менее изысканные ритмы, отрицая прямую линию, заставляет любоваться красотой линий изогнутых.
Стремление изумить, поразить воображение привело мастеров рококо к активному использованию разнообразных материалов: темного дуба, оживленного раскрашенным штуком, латуни, черепахи, перламутра, мрамора, эмали, слоновой кости.
Были созданы искусственные материалы: бисер, стеклярус; разработана богатая палитра цветного золота четырех оттенков: красного, белого, зеленого, лимонного. Предпочтение отдавали лимонному и сочетанию зеленого с белым. Внимание к материалу, умение показать его с самой выгодной стороны, обыграть его естественную красоту характерны для лучших ювелирных изделий.
Мебель.
Прикладное искусство, однако, создавало вещи, которыми можно было пользоваться. В этот период в моду входят восточные, прежде всего, китайские, мотивы. Изящные по форме, украшенные тонким, изысканным декором, художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских королевских дворах.
Первые китайские образцы были завезены в Европу торговыми судами вест-индских компаний еще в начале XVII в.
В середине XVIII в. увлечение «китайщиной», коллекционирование фарфора и лаков, подражание китайским образцам достигает апогея. Братья Мартэн выпускают изящную, декорированную китайскими мотивами мебель в технике черного лака. Ведущим центром французской, да и всей европейской художественной мебели этого периода был Париж.
После 1743 г. вошло в правило ставить клеймо мастера или цеха на особенно качественные предметы мебели. Эта форма защиты качества продукции была последним отголоском цехового строя. Во второй половине XVIII в. парижские цехи — «Корпорация столяров и чернодеревцев» — объединяла около 1200 мастеров-мебельщиков. Фантазии мастеров-краснодеревщиков была предоставлена полная свобода.
Мебельщики потворствовали вкусам заказчиков, придумывая всевозможные формы и типы изделий, способных удовлетворить любую потребность и прихоть человека во всех случаях жизни. Столы, например, отличались огромным количеством разновидностей: столики-тумбы, вырастающие из изголовья кровати; столы в спальне, столы на колесиках для подачи пищи, кофейные, карточные, столы для игры в шашки, для цветов, будуарные столы и многое-многое другое.
Особым разнообразием отличались стулья. Существовало множество типов табуретов и скамеечек всевозможных форм, высоты и стилей. Мебель эпохи Людовика XV, в особенности сундуки и настенные часы-консоли, прекрасно вписывались в причудливые формы и рокайльные узоры интерьеров в стиле рококо.
В XVIII в. в Италии происходит возрождение техники маркетри, пережившей свой расцвет еще в XVI в. Самым талантливым мастером, специализировавшимся на инкрустации ценных пород дерева слоновой костью, был Пьетро Пиффетти (1700—1777), работавший при Савойском дворе. С 1760-х годов на работы краснодеревщиков Венеции и Генуи заметное влияние оказывает английский стиль мебели, известный под названием «чиппендейл».
Керамика.
Подлинным переворотом в истории западноевропейской керамики стало изобретение в начале XVIII в. немецким химиком Иоганном Бетгером фарфора. Вскоре в саксонском городке Мейсене была открыта мануфактура, начавшая производить один из самых ценных фарфоров в мире — мейсенский.
Фарфор из Мейсена прославился своими изящными сюжетными статуэтками, сервизами, вазами, туалетными приборами, псевдокитайскими изящными безделушками — разрисованными фигурками китайских мандаринов, лодочками и пагодами. Во Франции керамическое дело также переживает подъем.
Изданный Людовиком XV в 1759 г. эдикт, предписывавший отправить в переплавку сервизы из золотых и серебряных блюд, способствовал появлению сервизов из фаянса, а затем и фарфора. Фаянсовые изделия самых изящных форм, украшенные великолепными росписями, выпускают в Марселе (в мастерских вдовы Перрена) и в восточных районах Франции (в Нидервиллере, Страсбурге и Люнвилле).
Однако истинным законодателем мод в производстве керамики со второй половины XVIII в. стал французский севрский фарфор, который выпускался на мануфактуре в Севре с 1756 г. Предшественницей этого предприятия была небольшая мануфактура в Венсене в пригороде Парижа, основанная Людовиком XV в 1738 г. и переведенная позднее в Севр. Венсенский фарфор отличался высоким мастерством отливки фарфоровых цветов в стиле рококо.
Покровительницами Севрской мануфактуры являлись также фаворитки короля мадам Дюбарри и мадам де Помпадур, имя которой получил один из классических цветов севрского фарфора «роз Помпадур». К работе в Севре были привлечены талантливые художники и скульпторы: Франсуа Буше, Клод Дюплесси. Севрские мастера великолепно работали как с глазурованным фарфором, так и с бисквитом. Цветочный декор был их излюбленным мотивом украшения — необыкновенной красоты букеты, корзины, венки. Статуэтки из бисквита стали визитной карточкой севрского фарфора.
Особый расцвет, который переживает традиционное для Испании производство керамики, был связан с необходимостью обеспечивать керамическими изделиями заморские колонии. Старая мануфактура в Талавере постоянно наращивала объемы производства. Если в XVII в. основным источником декора были итальянские образцы, то в XVIII в. возросло влияние восточного искусства. На мануфактурах в Манисесе, возле Валенсии, возрождается производство керамики с люстром.
В 1727 г. граф де Аранда основал в Алькоре, возле Валенсии, поточное производство фаянсовой посуды, наняв для этой цели триста работников, в том числе французов, итальянцев и голландцев. Благодаря мастерам-керамистам, выписанным им из Мустье, в Испании получили распространение орнаментальные мотивы в манере Берена. На фабриках Тала- веры, Манисеса и других городов Каталонии создавали поли- хромные изразцовые панно, сюжетные и орнаментальные, широко применявшиеся во внутреннем и внешнем декоре дворцов и церквей.
Ткачество.
Общие перемены в декоративном оформлении интерьеров рококо изменили характер шпалер. Во Франции в XVIII в. открывается ковровая мануфактура, возглавляемая Удри. Стремясь к точному воссозданию живописных оригиналов, фабрики использовали в работе огромное — более 1200 — количество тончайших цветовых оттенков. Были созданы серии ковров, получивших название «алентуры» (от франц. «окружение, обрамление»), Алентуры имитировали картину в деревянной раме, висящую на узорной ткани.
Вокруг рамы располагались гирлянды цветов, фигурки амуров.
Необычайного расцвета в это время достигло искусство резьбы по слоновой кости. Его наиболее известным центром во Франции был город Дьепп, где изготовлялись отличавшиеся удивительной тонкостью исполнения миниатюрные скульптуры и портреты, барельефы, табакерки, флаконы.
Металл.
Выдающихся результатов достигли французские мастера золотых и серебряных дел. К сожалению, мало что сохранилось в самой Франции, так как большая часть таких изделий была отправлена в переплавку. В 1750 г. в Париже работали около пяти сотен мастеров-ювелиров, лучшими среди которых были Тома Жермен (1673—1748) и Франсуа-Тома Жермен (1726—1791).
Это была та область прикладного искусства, где формы рококо усваивались с особой легкостью. Не меньшим спросом пользовались и мастера сварочных работ, необходимых для изготовления лестничных и балконных решеток, ворот и оград с ажурными узорами.
Одним из самых процветающих видов прикладного искусства Испании было производство изделий из металла, достигшее в XVIII в.
той же славы, какой оно пользовалось в XVI столетии. В полумраке церквей поблескивали замечательные решетки из кованого позолоченного железа или бронзы с фантастическим барочным плетением, служившие оградой для капелл. В произведениях серебряных дел мастеров наряду с литьем по-прежнему широко применялась техника чеканки.
В середине XVIII в. в Англии была мода на серебро. Стремясь сделать изделия из этого драгоценного металла доступными для более широкой публики, шеффилдский мастер Томас Боулсовер изобрел в 1742 г. технику покрытия изделия серебряными пластинами, получившую название «шеффилдская пластина».
На рубеже XVII и XVIII вв. в уже сложившемся облике европейских ювелирных украшений появляется новый элемент — алмаз, ограненный особым способом и названный бриллиантом, в переводе — «сверкающий». Светоносный бриллиант становится основным акцентом изделия, его достоинства ярче выявляются в сочетании с цветными камнями и общей легкостью конструкции.
Важным элементом формообразования ювелирных изделий XVIII в.
были мотивы цветочных композиций. Это были довольно сложные украшения, целиком составленные из цветов и листьев, выполненные из драгоценных камней, золота, серебра. Некоторые украшения-букеты подобраны из ярких и сочных по цвету камней: аметистовые тюльпаны, рубиновые розы, аквамариновые ромашки, бирюзовые незабудки.
Среди изумрудных листьев можно рассмотреть гранатовую гусеницу, бабочку с агатовыми прозрачными крылышками, мушку из халцедона. Букеты привлекают свежим и неповторимым разнообразием каменных цветов. Ювелиры XVIII столетия в своих работах широко использовали приемы литья и чеканки, ручной и машинной (гильошировка) гравировки, применяли матовое и блестящее золото, а также золото зеленого, желтого и красного цветов, опалесцирующие эмали, перламутр, гравированный и гладкий, с локальными накладками и мозаичный.
К концу XVIII столетия капризные, доведенные до крайнего перенасыщения формы начинают постепенно «успокаиваться», в искусстве начинают преобладать более строгие и упорядоченные формы, тяготеющие к античным первоисточникам, к простоте и ясности.
Можно сказать, что стиль рококо стал апогеем, завершающим стилем абсолютистских монархий. Все последующие художественные течения будут отображением республиканских правлений.
| ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
..
9 
Практичные и полезные шаблоны — все черно-белые, простые в использовании. BAROQUE-1 иллюстрирует многие виды типичных классических, богатых мотивов, которые известны как стиль барокко. Они располагаются в виде узоров, бордюров, полос или сплошных краев и подходят для тканей для платьев, а также для домашнего текстиля, дамасской ткани, дизайна интерьера или всех видов украшений. БЕЗЛИЦЕНЗИОННЫЕ ПРОЕКТЫ
Об эстетике барокко · Издательство Университета Огайо / Swallow Press
Кристин Бучи-Глюксманн «Безумие видения» — одно из самых влиятельных исследований феноменологической эстетики барокко. Объединив работу Мерло-Понти с лакановским психоанализом, ренессансными исследованиями в области оптики и математикой двадцатого века, автор утверждает материальность тела и мира в своей эстетической теории. Всякое видение — это воплощенное видение, когда тело и эмоции постоянно играют в поле зрения. Таким образом, зрение, когда-то считавшееся ясным, единообразным и всеобъемлющим способом понимания материального мира, на самом деле ослепляет и искажает восприятие реальности.
В каждом из девяти эссе, составляющих «Безумие видения» , Бучи-Глюксманн развивает свои теоретические аргументы посредством изучения крупной картины, скульптуры или влиятельного визуального образа — арабского письма, «Глаза кардинала Колонны» Беттини, Картина Бернини «Святая Тереза » и его фейерверк 1661 года в честь рождения французского дофина, картина Караваджо « Юдифь, обезглавливающая Олоферна», парижские аркады и автопортрет Арнульфа Райнера, среди прочего, — и ловко пересекают исторические, национальные и художественные границы. обратиться к Грасиану Эль-Критикон; Опера Монтеверди Орфей; поэзия Хафиза, Джона Донна и Бодлера; а также барочная архитектура и картины Ансельма Кифера о Холокосте. При этом Бучи-Глюксманн обосновывает повсеместное влияние барокко на протяжении всей истории и непреходящее значение барокко в современном искусстве.
Кристин Бучи-Глюксманн — философ, почетный профессор Парижского университета VIII и автор многих книг в области политической философии, эстетики, современного искусства, барокко, орнамента, азиатского искусства и виртуального искусства.
. Ее последние работы включают Esthétique de l’éphémère (2003), Au-delà de la mélancholie (2005), Philosophie de l’ornement: D’Orient en Occident (2008) и Une femme philosophe (2008). Две ее книги ранее были переведены на английский язык: Gramsci and the State (1980) и Baroque Reason: The Aesthetics of Modernity (1994). Подробнее →
Заказать печатную копию
Мягкая обложка · $23,16 ·добавить в корзину
Розничная цена: 28,95 $ · Сэкономьте 20% (23,16 доллара США)
добавить в корзину
Розничная цена: 80,00 $ · Сэкономьте 20% (64 доллара США)
Купить в местном книжном магазине
ИндиСвязанныйТолько для США и Канады
Купить электронную книгу
Магазин Amazon Kindle Барнс и Ноубл NOOK Гугл игры Магазин iBooks Наличие и
цена зависит от поставщика.
Поделиться
запросов
Настольная копия Копия экзамена Просмотр копии Разрешение на перепечатку
Разрешение
ксерокопировать или включить в пакет курсов через авторское право
Центр
Загрузки и ссылки
- Картинки
- Фото автора
- Обложка с высоким разрешением (ширина 3 дюйма, 300 точек на дюйм)
- PDF-файлы
- Оглавление, авторское предисловие и прелюдия: «A ‘Je ne Sais Quoi…’»
Связанные предметы
- Континентальная философия
- Философия | Эстетика
- Философия
Нажмите или коснитесь заголовка темы, чтобы подписаться на уведомление когда выходят новые связанные книги.
В серии
Серияв континентальной мысли, № 44
Форматы
Мягкая обложка
978-0-8214-2093-5
Розничная цена: 28,95 доллара США, С.
Дата выпуска: январь 2014 г.
184 страницы
·
6 × 9 дюймов.
Права: Мир
Твердый переплет
978-0-8214-2019-5
Розничная цена: 80 долларов США, С.
Дата выпуска: январь 2013 г.
184 страницы
·
6 × 9 дюймов.
Права: Мир
Электронный
978-0-8214-4437-5
Дата выпуска: январь 2013 г.
