Барокко это в истории: «Барóкко» — происхождение и значение слова

Итальянское барокко. Эпоха барокко в Италии

Барокко — самый вычурный и театральный стиль в искусстве. В этой части узнаем о барочной музыке и сравним ее с архитектурой и живописью.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока

Ляля Кандаурова

Скрипачка, ведущая десятка авторских курсов по классической музыке, автор книги «Полчаса музыки»

В этом уроке мы будем слушать и обсуждать композиторов итальянского барокко. Давайте уточним, какое время и место мы имеем в виду, говоря об этой школе.

🕰 Для простоты будем считать, что эпоха барокко заняла 150 лет: весь 17 и половину 18 века

. Ее «нижняя» граница — 1600-е годы — ознаменовалась появлением первых опер. «Верхняя» — 1750 год — смертью Баха. Нас будет интересовать кульминация этой эпохи, зрелое барокко: все герои этой недели родились в 1650-е — 1690-е годы.

🗺 Италия не существовала тогда на политической карте мира как одно государство. Единой она не будет еще 150 лет, почти до конца 19 века. Мозаику отдельных республик (Генуя, Венеция, Лукка), папской теократии и миниатюрных городов-государств, где властвовали аристократические семьи (Медичи, Гонзага, Фарнезе), объединяли два фактора: язык и искусство.

🇮🇹 Герои этого урока родились в разных государствах, но говорили по-итальянски.

Отвечая на вопрос о национальной принадлежности своего искусства, они бы наверняка с гордостью назвали его итальянским. Этого наименования будем придерживаться и мы.

💫 Барокко — одна из самых ослепительных эпох в истории искусства. Она пришла на смену эпохе Возрождения; после барокко во второй половине 18 века набирает силу классицизм.

🎭 Барокко в разных видах искусства можно узнать по любви к затейливому, прихотливому, небывалому. Барокко чрезвычайно театрально; оно любит изощренные украшения и не боится художественных, а главное — эмоциональных излишеств.

🐚 Запомнить эстетическую сущность эпохи поможет

этимология слова «барокко». Оно восходит к португальской фразе pérola barroca — «жемчужина с изъяном», то есть неправильной формы: почувствуйте особую терпкость и некоторую вычурность этого образа.

👇 Посмотрите на архитектуру и живопись барочной Италии. Какие эпитеты приходят вам в голову?

1. Франческо Борромини, базилика Святой Агнессы в Риме, 1650-е
2. Франческо Борромини, базилика Святой Агнессы в Риме, потолок, 1650-е
3. Франческо Борромини, лестница в палаццо Барберини, Рим, 1629-32
4. Франческо Борромини, церковь Сант-Иво алла Сапиенца в Риме, 1650-62

5. Франческо Борромини, церковь Сант-Иво алла Сапиенца в Риме, потолок, 1650-62 гг
6. Джованни Лоренцо Бернини, «Проклятая душа», 1619
7. Джованни Лоренцо Бернини, капелла Корнаро церкви Санта-Мария-делла-Витториа, Рим, 1645-52

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

1. Джованни Лоренцо Бернини, «Похищение Прозерпины», 1621-22

2. Джованни Лоренцо Бернини, церковь Сант-Андреа-аль-Квиринале, Рим, потолок, 1658-1678
3. Франческо Борромини, церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане, Рим, потолок, 1638-77
4. Себастьяно Риччи, «Триумф морской Венеры», 1713
5. Себастьяно Маццони, «Благовещение», 1650
6. Карло Антонио Тавелла, «Пейзаж со стадом», начало 18 века

Этимология слова «барокко» восходит к португальской фразе pérola barroca — «жемчужина с изъяном», то есть неправильной формы.

Политика, католичество и ученые сообщества-академии: что определяло культуру Италии в 17 веке

👇

🥺 Итальянские государства оказались в кризисе. Ряд европейских военных конфликтов, натиск турок, две эпидемии чумы, выкосившие население некоторых областей на 25%, а крупных городов — Милана, Генуи, Неаполя — на 50%, кризис промышленности, — все способствовало постепенному отставанию Италии от ее соседей за Альпами.

📣 Крупными политическими игроками были Венецианская республика, Неаполитанское королевство и так называемая Папская область — светское государство, возглавляемое Папой. Их столицы к концу 17 века насчитывали примерно по 140 тысяч человек (Венеция и Рим) и без малого 300 тысяч человек (Неаполь).

🙏

Очень сильно на культуру влияло католичество. В 17 веке еще ощутима была волна контрреформации: пытаясь восстановить престиж, пошатнувшийся в результате успехов протестантства, папская церковь ожесточенно боролась за влияние и простирала свое ограничивающее, дисциплинирующее присутствие и в искусство, и в общественную жизнь.

👨‍🎓 Вместе с тем, блистательный расцвет науки и медицины (итальянские университеты славились далеко за пределами полуострова) послужил усилению светских интеллектуальных тенденций.

🎓 Еще с эпохи Ренессанса в Италии процветала сеть так называемых академий

: ученых сообществ, чаще всего исповедовавших светские, гуманистические, а иногда откровенно либертарианские идеалы. В 18 веке они станут носителями идей Просвещения в Италии. Академии могли выступать как большая политическая сила — например, так было в Венеции.

🤝 Из-за этого в культуре итальянского барокко мы видим сосуществование антиавторитарной, вольнолюбивой светской мысли с консервативной религиозной. Любовь к изысканным развлечениям и безудержное эпикурейство сочетаются в этой эпохе с католическим морализаторством.

🗣 Главной сенсацией музыкальной культуры итальянского барокко была, конечно, опера. Появившись в самом начале 17 века как сложное придворное искусство для привилегированных эрудитов, через пару десятилетий она превратилась в коммерческий жанр: театры открывались один за другим.

⛪️ В барочной Италии нет музыкального жанра, на который бы не оказала влияние опера. Культура сладчайшего виртуозного пения, эффектных страстей, контрастных сопоставлений ярких, захватывающих дух эпизодов, — все это пришло даже в церковную музыку.

Итальянское барокко отличается от музыки Баха и всего немецкого барокко, как холодное игристое — от дорогого и сложного красного вина.

🔱 Чтобы окунуться в атмосферу итальянской барочной музыки, начнем с одного из главных хитов нашего первого героя — великого Арканджело Корелли.

→ Это одна из его инструментальных сонат, цикл вариаций на очень древнюю, с португальскими корнями тему под названием La folia — буквально «безумие».

⚡️ Видео-пример: yadi.sk/i/cLDtD-FNWtJZTQ
⏱ Время прослушивания: 11 минут

🧔 Корелли — старший из всех композиторов этого урока. Он также был учителем для некоторых из них. Корелли был замечательным скрипачом и главных вершин достиг в скрипичной, и шире — вообще в инструментальной музыке.

🎉 Корелли был на поколение старше Баха. Тот был очарован нарядностью и виртуозным блеском итальянской инструментальной музыки, ее эффектным моторным бегом, красивыми сочетаниями инструментальных голосов. Ключевые работы Корелли Бах внимательно изучал и отлично знал.

👪 Корелли родился в 1653 году в Кампанье, примерно в 400 км от Рима. Семья была сравнительно обеспеченной, но не аристократической. Игре на скрипке его обучил священник; Корелли продолжил обучение в Болонье, крупном культурном центре, где уже в 17 лет, по-видимому, пользовался славой. Когда в 20 с небольшим Корелли приехал в Рим, его называли bolognese — «болонский».

⛪️ В Риме Корелли блистал как скрипач в частных ансамблях знаменитых меценатов

— например, кардиналов Оттобони и Памфили. Он играл в крупных римских церквях во время заметных церковных праздников. Под конец жизни именно в этом кругу, уже в статусе патриарха, Корелли познакомился с молодым амбициозным немцем, приехавшим завоевывать Рим: его звали Георг Фридрих Гендель.

👑 Корелли был также любимцем шведской королевы Кристины: женщина неординарной эрудиции, эксцентричности и интеллекта, она отреклась от престола, тайно приняла католичество и поселилась в роскошном палаццо в Риме, собрав вокруг себя философско-эстетический круг, из которого сформировалась знаменитая

Аркадская академия.

🌹 Корелли входил в эту академию: аркадийцы исповедовали классическую сдержанность, утонченность и элегантность в искусстве, с презрением относясь к излишествам и крайностям, свойственными барокко. Их идеалом была античная пастораль — вступая в Академию, они принимали даже новое, «пастушеское» имя — такое было и у Корелли.

🎭 Аркадийцы сыграли грандиозную роль в эволюции эстетических вкусов — прежде всего в итальянском театре. Их философия и взгляды на искусство предчувствовали грядущую эпоху классицизма.

🎻 В соответствии с аркадскими вкусами Корелли, чье имя в зрелые годы знали от Турина до Неаполя, старался вести скромный образ жизни. И все же роскошью, в которой он не мог себе отказать, были хорошие, дорогие скрипки. Когда Корелли скончался в Риме в возрасте почти 60 лет, он оставил после себя целую коллекцию.

Зал Герцогского дворца в Мантуе, где, скорее всего, прошла премьера «Орфея» Монтеверди

С Корелли связаны в первую очередь два жанра: это кончерто гроссо и барочная соната.

🏵 Кончерто гроссо — один из любимых жанров итальянского барокко. Это концерт, где на первом плане — не один, а несколько инструментов, то есть солирующий ансамбль. Партии в нем подробно выписаны, виртуозны, узорчаты. Ему аккомпанирует компактный оркестрик — он называется рипиено. Обычно рипиено состоит из струнных, и их партии проще, чем у солистов. Еще в составе оркестра обязательно есть группа, играющая бас. Она называется континуо.

💃 Концерты Корелли небольшие по продолжительности, но многочастные, в них по 4-6 миниатюрных частей. Эти части контрастны по характеру и темпу, некоторые из них представляют собой танцы. Это делает кореллиевские концерты похожими по устройству на сюиты.

👏 Легендой стал его сборник из 12 кончерти гросси (название жанра обычно ставят во множественное число на русском именно так — как это и звучит по-итальянски). Они писались на протяжении его жизни, а напечатаны были после смерти, произведя настоящий фурор в Европе начала 18 века.

🎄 Послушайте самый знаменитый из них — №8, известный как «рождественский», потому что на нем есть пометка «сделано к ночи Рождества». Считается, что Корелли написал его для рождественского праздника в доме его могущественного покровителя — кардинала Оттобони.

🎻 Это шестичастный, ≈ 15-минутный концерт, где солируют две скрипки и виолончель. Его стоит послушать целиком, чтобы почувствовать изумительный калейдоскоп разных состояний: от стонов первой части к сладким диссонансам второй, от рок-н-ролльных вспышек энергии в третьей части до чудной аркадской пасторали финала.

Видео-пример: https://yadi.sk/i/8vf6wZsAcDVaSg
⏱ Время прослушивания: 15 минут

🎉 Послушайте другой кончерто гроссо: №4 из того же сборника. Этот маленький четырехчастный концерт — идеальный пример итальянской музыки конца 17 века: щебет, фейерверк, атмосфера бесконечно длящегося праздника.

Видео-пример: https://yadi.sk/i/u3TvnzqxL4XmZA
⏱ Время прослушивания: 9,5 минут

✨ Настолько же легендарен главный сонатный опус Корелли: это 12 сонат для скрипки в сопровождении баса. Обычно басовых инструментов два — это басовая виола (предок виолончели) и клавесин, поэтому музыкантов на сцене трое. Финальная соната этого сборника — прославленная Фолия, которую мы уже слушали.

🌺 Послушайте Первую, медленную часть из Восьмой сонаты этого сборника. Здесь сразу понятно, как много общего у барочной инструментальной музыки с оперным пением: сладким, щемящим, прихотливо украшенным.

Аудио-пример: https://yadi. sk/i/kDjRjf3A0nDUgw
⏱ Время прослушивания: 3,5 минуты.

курс Level One

Как устроена музыка

Курс из 5 лекций, который поможет взглянуть на музыку с научной точки зрения. Дадим ответы на «простые вопросы»: как устроены ноты, аккорды и тональности и почему одна музыка нам нравится, а другая — вызывает дискомфорт. А заодно поймем, что общего у Пифагора, Баха и Моргенштерна, и какой будет музыка будущего.

Сегодня можно купить со скидкой 50%
3500₽ 1750₽

подробнее о курсе

Архитектура барокко / История архитектуры / www.Arhitekto.ru

В XVI в. в некоторых странах под влиянием реформистского движения произошло ослабление могущества католической церкви, поэтому в последующий период церковь прилагает значительные усилия к возвращению утраченных позиций. Одновременно укрепляется господство светских властей. Новый художественный стиль — барокко — отвечает стремлению мощь и богатство путем внешнего их выражения.

Стиль барокко возник в Италии в результате дальнейшей эволюции стиля Возрождения. Свои «видимые» формы он стал обретать с конца XVI столетия. Из Италии барокко распространяется по всей Европе, где преобладал с конца XVI до середины XVIII в., в некоторых странах проявляется до второй половины XVIII в., и при этом в обоих направлениях. В Германии и Австрии строительство монументальных сооружений в XVII веке почти не велось в связи с Тридцатилетней войной и ее последствиями, а также и в Англии, где некоторые признаки этого стиля отмечаются лишь с середины XVII века.

В каждой из стран наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обароченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же архитектура во всех странах имела и общие черты.

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.

Основные признаки барокко

• План храма и его вариации
• Новые типы жилища
• Ордер в стиле барокко
• Декоративные приемы барокко. Гротески
• Слияние архитектуры, живописи, скульптуры
• Чудеса света
• Наложение куполов
• Интерьер в стиле барокко во взаимодействии с архитектурой
• Церковный интерьер XVIII в.

Строительная техника стиля барокко

Многообразие стилей

Церковь Иль-Джезу, Рим

Достройка собора Св. Петра. Карло Мадерна

Лоренцо Бернини

Площадь собора Св. Петра. Бернини

Церковь Сант Андреа ин Квиринале, Рим. Лоренцо Бернини

Динамическое барокко. Франческо Борромини

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане.

Борромини

Церковь Санта Мариа ин Кампителли. Карло Райнальди

Гварино Гварини — туринский мастер

Палаццо Кариньяно, Турин. Гварино Гварини

Палаццо Пезаро, Венеция. Бальдасар Лонгена

Карло Фонтана

Виллы Италии

Итальянский жилой интерьер XVII — первой половины XVIII в.

Города и ландшафтная архитектура периода барокко

Французское искусство XVII в.

Жак Лемерсье

Франсуа Мансар. Замок Мэзон-Лафитт

Луи Лево. Замок Во ле Виконт

Дворцово-парковый ансамбль Версаль

Версаль — наследие «века Людовика XIV»

Жюль Ардуэн Мансар

Фасады Лувра

Интерьеры в «стиле Людовика XIII»

Пышный «стиль Людовика XIV» в интерьере

Парижский дворец (отель)

Французский парк

Королевская площадь

Французская культура XVIII века

Хосе Чурригера

Испанский стиль чурригереск

Новая ратуша в Амстердаме.

Якоб ван Кампен

Венцель Коберхер

Интерьер в стиле барокко Фландрии

Культура Фландрии в XVII веке. И. Тэн

Павильон Амалиненбург в Нимфенбурге. Франсуа Кювилье

Вальтассар Нейман. Аббатство Нересхейм и церковь Фирценхайлигена

Вюрцбургский замок

Архитектура Дрездена в стиле барокко

Цвингер, Дрезден. Пёппельман

Дворец Сан-Суси, Потсдам. Кнобельсдорф

Андреас Шлютер

Барочные интерьеры немецких церквей XVIII в.

Иоганн Фишер фон Эрлах

Загородные аристократические венские дворцы конца XVII — начала XVIII века. Фишер

Церковь Св. Карла Борромея, Вена. Фишер

Иоганн Хильдебрандт

Ранннее чешское барокко

Расцвет барокко в Чехии.

«Барочная готика»

Кристоф и Килиан Игнац Динценгоферы

Позднее барокко в Чехии

Иниго Джонс — основатель английского палладинтизма

Кристофер Рэн. Собор Св. Павла

Гринвичский госпиталь. Рэн

Джон Вэнброу

Замок Бленхейм. Вэнброу

Николас Хоксмур

Джеймс Гиббс

Неопалладианизм в Англии XVIII в. Лорд Берлингтон

Уильям Кент

Джон Вуд из Бата

Английские интерьеры XVII-XVIII века

Стиль королевы Анны в английском интерьере начала&nbspXIII в.

Виллы и загородные резиденции

Зарождение русского барокко

«Нарышкинский стиль», или московское барокко

Голицынский стиль

«Меньшикова башня» в Москве.

Архитектор И.П. Зарудный

Первоначальная планировка Петербурга

Архитектура Санкт-Петербурга петровской эпохи

Первый русский архитектор Михаил Земцов

Интерьеры Петербурга начала XVIII в.

Вклад Леблона в строительство Петербурга и Петергофа

Немецкие архитекторы петровского периода строительства Петербурга - Шлютер, Швертфегер и Шедель

Исчезнувшие дворцы Петербурга. Дом Апраксина

Постройки архитектора Трезини

Первый Зимний дворец

Русское зрелое барокко

Архитектор Растрелли

Второй Зимний дворец

Третий Зимний дворец

Деревянный Зимний дворец на Невском проспекте

Екатерининский дворец в Пушкине (Царском Селе)

Андреевская церковь, Киев.

Растрелли

Зимний дворец Растрелли

Интерьеры русского зрелого барокко

Стиль рококо

• Зарождение рокайля. Арабески
• От рокайля к рококо
• Интерьер в стиле рококо

Возрождение классицизма

Источники



Архитектура 17-19 века.Барокко-Портал искусственного интелле…

Барокко (итал. barocco через исп. bar- ruecco от португ. barroco — причудливый, неправильный, дурной, испорченный) — один из самых трудных и многозначных терминов истории искусства. Словом «барокко» называют ряд историко- региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв., последние, критические стадии развития других стилей, тенденцию беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах.

    Слово «барокко» используется и как метафора в смелых историко- культурных обобщениях: «эпоха Барокко», «мир Барокко», «человек Барокко», «жизнь Барокко» (итал. La vita Barocca). В каждом историческом периоде развития искусства видят свое «барокко» — пик творческого подъема, концентрации эмоций, напряжения форм. Исследователи говорят и пишут о качествах барочности как неотъемлемом свойстве отдельных национальных культур и исторических типов искусства. Наконец, известны стили Необарокко, «второго барокко», «ультрабарокко». Изначально жаргонное словечко «барокко» использовалось португальскими моряками для обозначения бракованных жемчужин неправильной, искаженной формы.

    Но уже в середине XVI в. это слово появилось в разговорном итальянском языке как синоним всего грубого, фальшивого, неуклюжего. В среде французских ювелиров слово baroquer означает — смягчать контур, делать форму мягкой, живописной. Во французских словарях слово «барокко» появляется с 1718 г. и трактуется как ругательное выражение. Оно долго не могло стать названием стиля. Еще в 1904- 1905 гг. крупнейший французский исследователь С. Рейнак как бы не замечает этого стиля и целой эпохи в развитии европейского искусства, лишь вскользь и пренебрежительно вспоминая о «суетливом иезуитском стиле» как о не имеющем никаких достоинств и являющемся «умственным заблуждением».

    Первым сделал слово «барокко» типологической категорией X. Вёльфлин. В книге «Ренессанс и Барокко» (1888), написанной им в Риме, и последующих работах Вёльфлин определил барокко как наивысшую, критическую стадию развития любого художественного стиля: первой стадией является архаика, второй — классика, третьей — барокко. В своих знаменитых «парах» формальных понятий: линейность и живописность, плоскость и глубина, замкнутая и открытая форма, множественность и единство, ясность и неясность — первую часть Вёльфлин отнес к искусству классики, вторую — к барокко. Отсюда противопоставление Классицизма и Барокко не только как конкретно- исторических художественных стилей, но и как постоянно повторяющихся и обновляющихся в истории фаз развития способов формообразования.

    Выдающийся историк- философ искусства М. Дворжак, оппонент Вёльфлина, считал стиль Барокко порождением Маньеризма, но, одновременно, — более высокой ступенью «развития духа» в сравнении с Классицизмом. Немецкий историк культуры Г. Вайзе «выводил» стиль Барокко северных стран непосредственно из Готики и считал его «истинным воплощением германского духа» (Gemiit). Стиль Барокко изучал X. Зедльмайр, ученик М. Дворжака, он окончательно утвердил введенное Вёльфлином разделение стиля на «раннее барокко» XVI- XVII вв. (нем. Fruhbarock) и «позднее барокко» XVII- XVIII вв. (Spat- barock). Э. Маль, французский ученыйле- диевист, в 1920- х гг. определил Барокко как «наивысшее воплощение идей христианского искусства». Много позднее были открыты труды К. Гурлитта, который в книге «История стиля Барокко в Италии» (1887) предвосхитил многие мысли X. Вёльфлина. Особенности искусства «поздней готики» (Spatgotik) Гурлитт мистически сближал с «духом барокко» (Gemut Barock). Однако классической страной Барокко все же принято считать Италию.

Барокко: новое искусство

    Новое искусство стиля Барокко выросло на формах Классицизма эпохи Возрождения. Предыдущее столетие в Италии было в художественном отношении настолько сильным, что его идеи, несмотря на все трагические коллизии, не могли исчезнуть внезапно, они продолжали оказывать значительное влияние на умы людей. А шедевры искусства «Высокого Возрождения» — произведения Леонардо да Винчи, Микеланжело, Рафаэля — казались недосягаемыми. В этом — суть всех противоречий «эпохи Барокко». Это было время болезненных изменений мировоззрения, неожиданных поворотов человеческой мысли, отчасти вызванное великими географическими и естественно-научными открытиями.

    В 1445 г. И. Гутенберг положил начало книгопечатанию, в 1492 г. X. Колумб открыл Америку, Васко да Гама в 1498 г.- морской путь в Индию. В 1519- 1522 гг. Магеллан совершил первое кругосветное плавание, к 1533 г. открытие Коперником движения Земли вокруг Солнца стало завоевывать признание. Исследования Галилея, Кеплера и ньютоновская «небесная механика» разрушали прежние привычные представления о замкнутом и неподвижном мире, в центре которого находится Земля и сам человек.

    То, что раньше казалось абсолютно ясным, незыблемым и вечным, стало буквально рассыпаться на глазах. До этого времени человек, к примеру, был абсолютно уверен, что Земля — плоское блюдце, а Солнце заходит за его край, отчего становится темно ночью. Теперь стали убеждать, что Земля — не блин, а шар, да еще вращается вокруг Солнца. Это противоречило зрительным впечатлениям. Человек продолжал видеть по-прежнему: плоскую неподвижную землю и движение небесных тел над головой. Он ощущал твердость материальных предметов, но ученые стали доказывать, будто это всего лишь видимость, а на самом деле — ничто иное, как множество пульсирующих центров электрических сил. Было от чего прийти в смятение.

    Правда законы Кеплера согласовывались с пифагорейской теорией музыки Небесных Сфер, а Ньютон не спешил обнародовать свои открытия. Но, так или иначе, данные науки приходили в противоречие с опытом и видимым образом мира. Произошел бесповоротный психологический надлом — основа будущего стиля Барокко. В конце XVI — начале XVII вв. открытия в области естественных и точных наук значительно пошатнули образ завершенного, неподвижного и гармоничного мироздания, в центре которого — «венец Творения» — сам человек. Если совсем недавно, в эпоху Возрождения ученый- гуманист Пико делла Мирандола утверждал в «Речи о достоинстве человека», что находящийся в самом центре мира человек всемогущ и может «обозревать все. .. и владеть, чем пожелает», то в XVII столетии Влез Паскаль написал свои знаменитые слова: человек всего лишь «мыслящий тростник», удел его трагичен, так как, находясь на грани двух бездн «бесконечности и небытия», он неспособен разумом охватить ни то, ни другое, и оказывается чем- то средним между всем и ничем…

    Он улавливает лишь видимость явлений, ибо неспособен познать ни их начало, ни конец». И это слова великого математика! Какие противоположные суждения по одному и тому же предмету! Две эпохи, два мировоззрения.

    Еще раньше, в первой трети XVI в., человек стал остро ощущать противоречия между видимостью и знанием, идеалом и действительностью, иллюзией и правдой. Именно в эти годы складывались взгляды, согласно которым, чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от наблюдаемого в жизни, тем оно интереснее, привлекательнее с художественной точки зрения.

    Но эта эстетика уже не согласовывалась с «Божественным идеалом» искусства Рафаэля, это было нечто иное, искусство, получившее позднее название Маньеризма.

 

 

Архитектура и скульптура барокко

    Стиль Барокко медленно вызревал (чтобы взорватьсянеожиданно) в архитектуре и скульптуре «Высокого Возрождения». Поразительно, но самая великая эпоха в истории изобразительного искусства была коротка, всего каких-нибудь десять- пятнадцать лет. В 1519 г. уже не было в живых Леонардо да Винчи, в 1520 г. скончался Рафаэль. Кроме того, в этой эпохе разрушительно действовало несколько противоположных стилистических течений, все они были неустойчивы и «несоответствовали реальности».

    В этом обстоятельстве ключ к пониманию слов И. Грабаря: «Высокий Ренессанс уже на три четверти Барокко». Далее в статье «Дух Барокко» русский художник и историк искусства писал: «С каждым днем становилось яснее, что Альберти — «не совсем то, что нужно», что даже Браманте уже чуть- чуть педантичен и «суховат» и не так уже очаровывала абракадабра знаменитого «золотого разреза» и математика пропорций, данная в фасаде его «Cancelleria». И только когда неистовый Микеланжело открыл свой сикстинский потолсгк и занялся капитолийскими постройками, все поняли, чем каждый болел и что прятал в своем сердце. .. и новый стиль — Барокко — был создан».Добавим, что большую часть росписи плафона Сикстинской капеллы в Ватикане Микеланжело «приоткрыл», сняв леса в 1509 г. А это был самый пик «Высокого Возрождения» в Италии!

    Великий Микеланжело мощью и экспрессией своего индивидуального стиля в один миг разрушил все привычные представления о «правилах» рисунка и композиции. Написанные им на потолке могучие фигуры зрительно «разрушили» отведенное для них изобразительное пространство; они не соответствовали ни сценарию, ни пространству самой архитектуры. Здесь все было антиклассично. Дж. Вазари, знаменитый летописец Возрождения, пораженный, как и другие, назвал этот стиль «причудливым, из ряда вон выходящим и новым».

    Другие произведения Микеланжело: архитектурный ансамбль Капитолия в Риме, интерьер Капеллы Медичи и вестибюль библиотеки Сан- Лоренцо во Флоренции, — демонстрировали классицистические формы, но все в них было охвачено необычайным напряжением и волнением. Старые элементы архитектуры использовались по- новому, прежде всего, не в соответствии с их конструктивной функцией. Так в вестибюле библиотеки Сан- Лоренцо Микеланжело сделал нечто совершенно необъяснимое. Колонны сдвоены, но запрятаны в углубления стен и ничего не поддерживают, поэтому их капители представляют собой какие- то странные окончания. Висящие под ними волюты- консоли вообще не выполняют никакой функции. На стенах — мнимые, глухие окна. Но более всего удивляет лестница вестибюля. По остроумному замечанию Я. Буркхардта «она пригодна только для тех, кто хочет сломать себе шею». По сторонам, где это необходимо, у лестницы нет перил. Зато они есть в середине, но слишком низкие, чтобы на них можно было опереться. Крайние ступени закруглены с совершенно бесполезными завитками на углах. Сама по себе лестница заполняет почти все свободное пространство вестибюля, что вообще противоречит здравому смыслу, она не приглашает, а лишь загораживает вход. В проекте собора Св. Петра (1546) Микеланжело в противоречие начавшему строительство Браманте, подчинил все архитектурное пространство центральному куполу, сделав сооружение динамичным. Пучки пилястров, сдвоенные колонны, ребра купола изображают согласованное, мощное движение ввысь. В сравнении с эскизами Микеланжело, исполнитель проекта Джакомо делла Порта в 1588- 1590 гг. усилил эту динамику заострив купол; он сделал его не полусферическим, как было принято в искусстве Возрождения, а удлиненным, параболическим. Тем самым был отменен классицистический идеал равновесия, в котором зрительная устремленность снизу вверх как бы гасилась статичностью полуциркульной формы. Новый силуэт подчеркнул мощное движение ввысь, к небу.

    В 1607- 1617 гг. продолжавший строительство К. Мадерно пристроил к центрическому зданию удлиненный неф и тем самым придал ему мощную горизонтальную динамику. Так в результате переосмысления архитектурного пространства рождался стиль Барокко. В некотором смысле происходил возврат к идеалам Готики. Тот же органический рост форм, та же динамика, иррациональность, преобладание вертикали над горизонталью.

    «Стиль Барокко вернулся к идеям бесконечности», он не только «сохранил, но даже усилил чувственное начало архитектуры». Не все могли понять новый стиль. Даже романтики начала XIX в., поклонники Готики, считали его нелепым. Писатель В. Гюго, воспевавший и античную и готическую архитектуру, назвал собор Св. Петра в Риме «Пантеоном, нагроможденным на Парфенон». На первых порах архитектура римского Барокко еще сохраняла классичность композиции, симметрию фасадов, лишь усиливая вертикализм и живописность ордерной разработки стен. Недаром замечают, что раннее Барокко близко архитектуре античного Рима. В то же время римские барочные церкви, с их базиликальным планом и высокими, симметрично расположенными башнями на главном фасаде, по композиции поразительно напоминают готические.

    Характерно, что в эпоху Барокко фасады романских церквей переделывались в барочные, поскольку казались недостаточно выразительными, а готические — оставались в неприкосновенности. Во многих европейских городах старинные соборы имеют башни с новым барочным завершением и такие же барочные порталы, в интерьерах — барочные алтари. И Готику и Барокко объединяет экспрессия, иррациональное понимание архитектурного пространства. Наступление эры Барокко означало возвращение романтики архитектуре христианских храмов. После центрических построек Ф. Брунеллески и Д. Браманте, не отвечающих религиозной духовности (ведь капелла Пацци или Темпьетто менее всего похожи на храм), происходило возрождение истинно христианского искусства. В этом смысле примечательно высказывание О. Шпенглера об эволюции творчества Микеланжело: «Из глубочайшей неудовлетворенности искусством, на которое он растратил свою жизнь, его вечно неутоленная потребность в выражении разбила архитектонический канон Ренессанса и сотворила римское Барокко…» А в лице Микеланжело- скульптора «закончилась история европейского ваяния».

    Действительно, Микеланжело — подлинный «отец Барокко», поскольку в его статуях, зданиях, рисунках происходит, одновременно, возврат к духовным ценностям средневековья и последовательное открытие новых принципов формообразования.  Этот гениальный художник, исчерпав возможности классицистической пластики, в поздний период своего творчества создавал невиданные ранее экспрессивные формы. Его титанические фигуры изображены не по правилам пластической анатомии, служившими нормой для того же Микеланжело всего каких-нибудь десять лет тому назад, а согласно иным, иррациональным формообразующим силам, вызванным к жизни фантазией самого художника. Один из первых признаков искусства Барокко: избыточность средств и смешение масштабов. В искусстве Классицизма все формы четко определены и отграничены друг от друга. Они соразмерны зрителю; скульптура и архитектура также разделены, и хотя декоративные статуи и росписи связаны с архитектурным пространством, они всегда имеют обрамления и четкие композиционные границы. «Сикстинский плафон» Микеланжело потому и является первым произведением стиля Барокко, что в нем произошло столкновение нарисованных, но скульптурных по осязательности фигур, и невероятного архитектурного каркаса, написанного на потолке, нисколько не согласованного с реальным пространством архитектуры. Размеры фигур также вводят зрителя в заблуждение, они не гармонируют, а диссонируют даже с живописным, иллюзорным пространством, созданным для них художником. 

 

 

Особенности стиля барокко

    В архитектуре Барокко поражают «нечеловеческие» масштабы. Порталы и окна вдесятеро больше человеческого роста становились нормой. Правилом — бесконечное повторение, дублирование одних и тех же приемов. И. Грабарь пишет о римской архитектуре эпохи Барокко: «Неврастеническая восторженность удваивает и утраивает все средства выражения: уже мало отдельных колонн, и их, где только можно, заменяют парными; недостаточно выразительным кажется один фронтон, и его не смущаются разорвать, чтобы повторить в нем другой, меньшего масштаба. В погоне за живописной игрой света архитектор открывает зрителю не сразу все формы, а преподносит постепенно, повторяя их по два, по три и по пяти раз.Глаз путается и теряется в этих опьяняющих волнах форм и воспринимает такую сложную систему подымающихся, опускающихся, уходящих и надвигающихся, то подчеркнутых, то теряющихся линий, что не знаешь, которая же из них верная? Отсюда впечатление какого- то движения, непрырывного бега линий и потока форм. Своего высшего выражения этот принцип достигает в приеме «раскреповок», в том многократном дроблении антаблемента, которое вызывает вверху здания прихотливо изгибающуюся линию карниза.

    Прием этот возведен мастерами барокко в целую систему, необыкновенно сложную и законченную. Сюда же надо отнести и прием групповых пилястр, когда пилястры получают по сторонам еще полупилястры, а также прием плоских рам, обрамляющих междупилястровые интервалы».Такими средствами в архитектуре взамен ренессансного идеала ясной, устойчивой и завершенной в себе гармонии создавалось «призрачное ощущение».

    Композиционные приемы, перечисленные И. Грабарем, можно объединить понятием форсированности формы (итал. forzare от лат. fortis — сила), усиления ее ритмическими повторами, рождающими впечатление зрительного синкопирования (из греч. synkope — сокращение, выпадение). Показательно использование такого приема: вписывание треугольного фронтона в лучковый (в относительно сдержанном барочном фасаде церкви Иль- Джезу в Риме, построенной Джакомо делла Порта по проекту Дж. Виньолы в 1575- 1584 гг.). Усиление иррациональности архитектуры приводило к тому, что фасад уже не «рассказывал» о том, что находится внутри здания, а, напротив, заслонял постройку, становился декорацией, а внутреннее пространство, его величие, пропорции и необычайные размеры должны были быть сюрпризом для зрителя.Расчет делался на внезапность, контраст, неожиданность впечатления. Вместо центрических в плане построек создавались удлиненные, базиликальные. Здесь также характерно возвращение от Классицизма к Готике и даже к романским прообразам. А декорационный тип фасада, наподобие театрального занавеса или даже «задника», прикрывающего собой объем церковного здания, сформирован еще в искусстве Итальянского Возрождения, но получил законченное выражение в эпоху Барокко. Окружность, любимая форма художников Ренессанса, уступает место более динамичному овалу, квадрат заменяется прямоугольником; рациональная система пропорционирования на основе отношений простых целых чисел, столь долго совершенствуемая и так блестяще продемонстрированная в постройках А. Палладио, снова заменена готической триангуляцией — построениями на основе треугольника — символа Божественной гармонии. Фантазия архитектора тратилась на создание причудливых планов из хитро составленных треугольников, овалов, звезд и пентаграмм. Эти планы сами по себе не видны, но они давали импульс для неожиданно- динамичных экстерьеров и интерьеров. Таковы постройки выдающегося зодчего римского Барокко Ф. Борромини, ученика К.Мадерно.

    В церкви Сан Иво, построенной Борромини в 1642- 1660 гг. (см. «иезуитов стиль»), структура плана представляет собой два пересеченных равносторонних треугольника — «Звезду Давида», а вместо традиционного купола в небеса «ввинчивается» спираль с полуготическими-полубарочными башенками-фиалами и каким- то подобием короны с шаром и крестом наверху.Фасад церкви Сан Карло «у четырех фонтанов» в Риме (1638- 1667) Борромини решил в форме сочетания выпуклых и вогнутых стен и карнизов с огромным овальным картушем, вызывающим опасение из- за своих громадных размеров и неясности крепления. Важнейшую особенность барочной архитектуры можно определить как тенденцию смены тектонического начала атектоническим, скульптурного — пластичным, графического — живописным.

    Если архитектура Классицизма строится на ясном зрительном подразделении несущих и несомых частей, то в постройках стиля Барокко эти отношения намеренно запутываются. В греческом Парфеноне просветы между колоннами также существенны, как и сами опоры, но функции их различны не только в конструктивном, но и в композиционном смысле. Вертикали контрастируют с горизонталями, каннелюры с абаками, триглифы с метопами. Для искусства Барокко характерна «боязнь пустоты» (лат. horror vacui). И это не просто красивая метафора, а последовательно проводимый принцип формообразования.

    Пространство архитектуры, плоскость стены или плафона заполняется обилием деталей так, что они скрывают конструктивные членения. Скульптурный принцип, характеризующийся ясностью границ и замкнутостью форм (как в самой скульптуре, так и в архитектуре и декоративных росписях), вытесняется противоположным — пластическим принципом, означающим свободу «перетекания» формы из одной ее части в другую. Все вместе создает живописность, в которой исчезают границы архитектурной конструкции, скульптурного, рельефного и живописного декора. Подобные приемы намеренного смешения «обрамляющей» и «заполняющей» функций, аритмии, «выходов за раму», в литературе называются анаколуфом (греч. anakoloythos — непоследовательный, неправильный). Дополнительным средством «форсирования живописности» служит игра цвета и света, потоки которого льются отовсюду, из самых неожиданных источников и в контрастных направлениях. Не только колонны, но и стены перестают восприниматься как опоры, отграничивающие внутреннее пространство от внешнего; они кажутся «волнением масс», готовых вот- вот взорваться изнутри. В этом — еще одно отличие архитектуры Барокко от построек в стиле Маньеризма, в которых стена также зрительно обесценивается, но остается призрачной ширмой, прозрачной стенкой в богато орнаментированной раме.

    В подлинном Барокко стена агрессивна, напряжена и динамична. Особенно интересны вогнутые фасады, как бы втягивающие в себя окружающее пространство вместе с подходящими слишком близко людьми, и стены, сходящиеся под острым углом, рассекающие пространство как ножом. Колонны самого пышного коринфского ордера устанавливались на высокие пьедесталы. Но и это казалось недостаточным: колонны собирались в группы, пучки и, отодвигаясь от стены, вместе с мощно-раскрепованными карнизами создавали ощущение неопределенности — то выступающих, то отступающих объемов. 

    Светотень усиливала эффект. Статуи в нишах и на кровле зданий вместе с балюстрадами также создавали ощущение зыбкости, размытости границ, растворения архитектурных форм в пространстве. Следующий, открытый в искусстве стиля Барокко принцип формообразования — монументализация декора. Для искусства предыдущих эпох, в особенности Готики, характерен иной принцип — миниатюризации. Формы, сложившиеся в архитектуре, — колонны, арки, купола — уменьшались и становились элементами декора мебели, изделий из металла. Так, готические реликварии-монстранцы из серебра представляют собой воспроизведение готического собора в миниатюре. Таковы же и архитектонические миниатюрные алтари, сионы. Мебель, конструкция которой следовала архитектуре, украшалась аркатурами, башенками, шпилями, балюстрадами. В Барокко — все наоборот. Еще в эпоху Возрождения Ф. Брунеллески украсил фонарь купола флорентийского собора увиденными им в античных памятниках кроштейнами. Он повернул их на девяносто градусов и превратил в декоративные завитки — волюты. Барокко сделало эти волюты гигантскими. Именно такие волюты мы видим на фасаде церкви Иль-Джезу в Риме. Форма волюты необычайно динамична, она живописно связывает вертикаль и горизонталь, верх и низ, смягчает углы и этим полюбилась многим художникам стиля Барокко. Самый знаменитый опус монументализации декора создал «гений Барокко» — Л. Бернини. В интерьере собора Св. Петра в Риме над гробницей Апостола Петра он возвел огромный, непомерно увеличенный шатер — киворий в 29 м высотой (высота Палаццо Фарнезе в Риме). Издали шатер из черненой и позолоченной бронзы на четырех витых колоннах с «занавесями» и статуями из нефа собора кажется всего лишь игрушкой, причудой убранства интерьера. Но вблизи — ошеломляет и подавляет, оказываясь колоссом нечеловеческих масштабов, отчего и купол над ним кажется безмерным как небо.

    Другой известный архитектор итальянского Барокко — Г. Гварини, работал главным образом в Турине, был математиком и профессором философии. Основываясь на абсолютной гармонии математических соотношений, Гварини самым парадоксальным образом, в духе Барокко, умел создавать своими постройками мистическое ощущение. В Риме строил К. Райнальди, последователь Бернини. В Венеции — Б. Лонгена, создатель оригинальной барочной архитектуры церкви Санта Марна делла Салуте (1631- 1682). Важное значение для развития архитектуры Барокко имело возведение Палаццо Барберини в Риме. Болонец С. Серлио, склонный к Маньеризму теоретик архитектуры позднего Возрождения, пытался обосновать приемы диссонанса, смешения масштабов и принципов пропорционирования. Он предлагал каждый следующий этаж здания делать на одну четверть ниже предыдущего. При взгляде снизу это создавало ощущение «forzato».

    Еще нагляднее эта особенность стиля Барокко выразилась в творчестве архитектора и скульптора Джан Лоренцо Бернини (1598- 1680). Основные черты творчества Бернини — неестественность, надуманность, театральность, бутафорность. Становится понятным пренебрежительное и враждебное отношение к искусству Барокко со стороны «классиков» и «академиков». Перед собором Св. Петра в Риме Бернини построил колоннаду — типично театральную декорацию. Она скрывает расположенную за ней хаотическую застройку города и одновременно формирует иллюзорное, не соответствующее реальному, пространство площади .

    Таковы и другие римские проекты Бернини-архитектора: площади с фонтанами и обелисками, улицами, «пробитыми» наперекор сложившейся планировке города, театральными фасадами, «прикрывающими» здания. В интерьере собора Св. Петра, главным автором которого был также Бернини, не только огромный киворий, но и все убранство — гигантские скульптуры (они казались бы живыми, если бы не их невероятные размеры), кафедра со статуями в потоках льющегося сверху света — все это театр, театр иррациональный. По мере продвижения человека к средокрестию и алтарю меняется, растет пространство. Витые колонны кивория ввинчиваются ввысь, купол возносится на головокружительную высоту, свет струится, статуи нависают и в определенный момент человек начинает себя чувствовать совершенно раздавленным, потерянным перед сверхчеловеческим, чудовищным масштабом увиденного. Это воистину космический всплеск материи! Сами формы натуралистичны, они лишь поставлены в необычайные условия. Это и создает парадокс. Так работает Бернини. Грубо и прямолинейно, он формирует художественный образ примитивными нехудожественными средствами. Его композиции отдают бутафорией, безвкусной театральностью. Бернини гордо заявлял, что в скульптуре он подчинил себе форму, «сделав мрамор гибким, как воск». Можно сказать, что и своего зрителя он делает податливым как глина. Этот художник то привлекает, то отталкивает, а то и совершенно раздавливает своей мощью и невыносимо грубыми эффектами.

    Стендаль в начале XIX в. справедливо заметил: «Если иностранец, придя в собор Св. Петра, вздумает осматривать все, у него начнется сильнейшая головная боль». В знаменитой композиции «Экстаз Святой Терезы», в капелле церкви Санта Мария делла Витториа (1647- 1652), тяжелый мрамор фигур, пронизанный льющимися сверху потоками света, кажется парящим, невесомым. Скульптурная группа превращается в мистическое видение (рис. 495). Бернини — мастер художественной мистификации, его высказывание о том, что он сделал мрамор гибким как воск имеет продолжение: «Этим я смог в известной мере объединить скульптуру с живописью». Этот художник соединял мраморы разных цветов, а тяжелые детали из позолоченной бронзы — одеяния фигур — развиваются по воздуху, словно не существует силы тяжести. Происходит дематериализация форм. Это также одна из характерных черт стиля Барокко.

    Архитектура становится предельно живописной, а скульптура и живопись «бестелесной». Художественный стиль итальянского Барокко тесно связан с идеологией католицизма и движением контрреформации. Повышенная экспрессивность, мистицизм, иллюзионизм, имматериальность, свойственные Барокко, присущи и католическому мироощущению. Поэтому в Италии XVI- ХVII вв. произошло соединение барочных форм, созданных художниками в результате естественной эволюции искусства Классицизма, и официальной идеологии Ватикана. Не случайно одно из основных стилистических течений итальянского Барокко называется «стиль иезуитов», или трентино. Его возглавлял архитектор, живописец, скульптор и теоретик искусства, член ордена иезуитов А. Поццо. Этот художник — автор росписи плафона церкви Св. Игнатия в Риме (1684). Тема композиции — «Апофеосис» — обожествление, вознесение главы ордена иезуитов Игнатия Лойолы на небо. Роспись поражает иллюзорностью и, одновременно, мощью фантазии, религиозной экстатичностью. Плафонные росписи — излюбленный вид искусства Барокко. Потолок или поверхность купола позволяли создавать средствами живописи иллюзионистические декорации колоннад и арок, уходящих ввысь, и «открывать» небо, как в гипетралъных храмах античности, с парящими в нем фигурами Ангелов и святых, повинующихся не законам земного тяготения, а фантазии и силе религиозного чувства. Это переживание хорошо выражено в словах самого И. Лойолы: «Нет зрелища более прекрасного, чем сонмы Святых, уносящихся в бесконечность». Новые художественные идеи высвобождались от сковывающей их обыденной реальности, условий «правдоподобия», от классических канонов. Это позволяло устранять материальные ограничения: зрительно «прорывать плоскость стены или потолка, игнорировать обрамления, конструктивные членения архитектуры, либо создавать из них новые, иллюзорные. Типичными стали живописные композиции, на которых изображены «обманные» архитектурные детали, создающие плавный, незаметный глазу переход от реальной архитектуры к вымышленной, придуманной живописцем. Иногда на потолке изображалось внутреннее пространство купола с отверстием, как в римском Пантеоне, сквозь которое виднелось небо с парящими облаками. Главная художественная идея Барокко — активное воздействие, психологическое подчинение, но не для тихого благоговения, интимного, углубленного созерцания, а для действия, движения. Барокко активно, динамично, оно требует безоговорочного подчинения.

    В XVII в. в итальянском католицизме существовало течение квиетизма (от лат. quietus — тихий, безмятежный), связанное с утверждением покорного и абсолютно бесстрастного подчинения человека Божественной воле и церковным авторитетам. О роли идеологии католицизма в распространении Барокко за пределами собственно «иезуитского стиля» косвенно свидетельствует и то обстоятельство, что великий художник светского, фламандского барокко П. Рубенс в юности учился в латинской школе иезуитов в Антверпене. Там он получил блестящее знание латыни, античной мифологии и овладел еще шестью языками. Идеологическая двойственность стиля Барокко выразилась и в том, что взамен традиционного понятия композиции, введенного в обиход теоретиком искусства Итальянского Возрождения Л.- Б. Альберти, более пригодным оказалось выражение «mixtum com- positum» (лат. «смешанное соединение»). Оно точно передает идею соединения несоединимого — квинтэссенцию барочности. Но основным критерием, как и в эстетике Классицизма, остается «красота», она трактуется исключительно идеально: «к ней можно приблизиться, но ей нельзя овладеть». Бернини говорил, что природа слаба и ничтожна и потому для достижения красоты необходимо ее преобразование силой духа, подобной религиозному экстазу; искусство выше природы также, как дух выше материи, как мистическое озарение выше прозы бытия. Художники Барокко искали красоту не в природе, а в своем воображении, и находили ее, как это ни парадоксально, в классических формах. Ведь античные статуи уже содержали в себе идеализированную натуру. Поэтому Бернини советовал начинать обучение искусству не работой с натуры, а рисованием слепков античной скульптуры. Здесь эстетика стиля Барокко смыкалась с идеями академизма. Вслед за красотой теоретики искусства Барокко называли категорию грации (лат. gratia — прелесть, изящество), или кортезии (итал. cortesia — вежливость, нежность, теплота). Эти качества придавали художественной форме пластичность, изменчивость, текучесть.

    Другая важнейшая категория — «декорум» — отбор соответствующих тем и сюжетов. В них входят только «достойные»: исторические, героические. Натюрморт и пейзаж объявлены низшими, «недостойными» жанрами, а традиционные мифологические сюжеты подвергаются «переработке» и «цензуре». Портрет — признается лишь тогда, когда он выражает «благородство и величие». Бернини часто говорит о «большом стиле» и «большой манере» — это его любимые термины. Он прибегает к ним, когда хочет подчеркнуть торжественность, особенный пафос и декоративный размах истинного Барокко. На первое место постепенно выходит категория «величественного», она обозначается латинским словом «sublimis» — высокий, крупный, возвышенный. В парадных живописных портретах эпохи Барокко постоянны укрупненные, утяжеленные формы роскошных мантий, драпировок, архитектурный фон. Стандартные аксессуары: колоннады, балюстрады, летящие гении Славы, античные жертвенники, и фигуры портретируемых в рост, уподобленные монументам, породили название — «большой статуарный стиль». Известными мастерами такого стиля были А. Ван Дейк и Дж. Рейнолдс в Англии, Ш. Лебрюн и И. Риго во Франции (см. «Большой стиль»), В. Боровиковский в России (см. екатерининский классицизм). Искусственная экзальтация, театральность приводили к тому, что и в жизни распространенными прилагательными становились: роскошный, божественный, блестящий, великолепный.

  &nbs

Черты стиля барокко в западноевропейской фарфоровой пластике ХVIII века | Карякина

Главная > № 2 (2015) > Черты стиля барокко в западноевропейской фарфоровой пластике ХVIII века



Черты стиля барокко в западноевропейской фарфоровой пластике ХVIII века.

Черты стиля барокко в западноевропейской фарфоровой пластике ХVIII века

В истории западноевропейского декоративно-прикладного искусства XVIII столетия особое и значительное место принадлежит искусству фарфора. Активная деятельность Ост-Индских компаний в XVII в. способствовала развитию коллекционирования произведений искусства Востока, и в частности, фарфора в среде высшей европейской знати. Первые фарфоровые мануфактуры в самой Европе возникали, как правило, по инициативе и под покровительством королевских особ. Мейсенская мануфактура была собственностью курфюрста саксонского и короля польского Августа II Сильного, Венская принадлежала австрийским императорам, Севрская – французскому королю Людовику XV, мануфактура Каподимонте – королю Карлу III.

Питательной средой для становления и развития искусства фарфора первой половины XVIII в. стала придворная культура, генетически непосредственным образом связанная с европейским искусством XVII столетия. Для изучения процесса сложения художественного языка европейского фарфора необходимо прежде всего обратиться к произведениям Мейсенской мануфатуры. Развитие производства фарфора в Мейсене стало одним из результатов целенаправленной художественной политики курфюрста Августа II Сильного. В период его правления ясно обозначилось доминирующее влияние итальянского искусства. В Дрезден для постройки придворной католической церкви (1734‑1756) приглашается итальянский архитектор Г.Кьявери. Дворцовый ансамбль Цвингер (1711‑1722) – один из лучших памятников стиля барокко. Выдающаяся роль в его создании наряду с архитектором Д.Пёппельманом принадлежит скульптору Б.Пермозеру. В 1674 г. он из Южной Германии направляется в Рим, где встречает Бернини [1] . Ранние работы Пермозера связаны с Римом (гермы для сада палаццо дель Грилло). В 1677 г. мастер поступает на службу к герцогам Медичи во Флоренции, работая в скульптурной мастерской Д.-Б.Фоджини. В 1685 г. Пермозер выполняет, в частности, мраморную аллегорическую фигуру «Надежды» для церкви Сан Микеле э Гаэтано во Флоренции. Пятнадцать лет скульптор проводит в Италии. Это были годы учёбы и раннего творчества.

В 1690 г. Пермозер принимает приглашение саксонского курфюрста и едет в Дрезден. Здесь он работает как над монументальной скульптурой, так и над произведениями из слоновой кости для Грюнес Гевёльбе. С 1712 г. Пермозер начинает активную деятельность по созданию скульптуры для Цвингера. С ним сотрудничает дрезденский придворный скульптор Б.Томэ.

Именно эти два мастера стали авторами одного из самых ранних произведений мейсенской фарфоровой пластики – «Распятия» 1719 г. [2] Отказавшись от классических ренессансных представлений, эстетика барокко строилась на коллизии человека и мира. Тема страданий Христа сделалась одной из наиболее важных в религиозном искусстве этого времени. «Распятие» Пермозера и Томэ обрело знаковый характер «Символа веры».

Фигура Христа выполнена по модели Пермозера. В трактовке образа распятого Христа проявились характерные индивидуальные черты творчества этого скульптора, коренящиеся в местной традиции. Экспрессия фигуры достигнута преднамеренными диспропорциями и сведёнными судорогой мышцами. Здесь нашло выражение то, что Вёльфлин называл глубинным национальным «германским чувством формы».

Образ апостола Иоанна, созданный скульптором Томэ [3] , становится олицетворением высшей духовности. Изображение глубоких чувств было одной из важнейших задач искусства барокко. Потрясение, вызванное страданиями любимого учителя, передано в лице Иоанна. Диагональная композиция, устремлённая в сторону Христа, книга, символизирующая Евангелие, и жест правой руки, прижатой к сердцу, выражающие готовность продолжить дело учителя, придают скульптуре торжественное звучание.

Надо отметить, что именно в эти же годы великий Иоганн Себастьян Бах создавал свои знаменитые полифонические произведения – «Страсти по Иоанну» (1722-1723) и «Страсти по Матфею» (1729) [4] . В рассматриваемый период в Италии также были созданы превосходные произведения в фарфоре. В 1735 г. маркизом Джинори была основана фарфоровая мануфактура в Доччиа рядом с Флоренцией. В Доччиа использовали модели скульптурных композиций Массимилиано Сольдани (Бенци), одного из выдающихся флорентийских мастеров барокко конца XVII – начала XVIII в. В молодые годы Сольдани занимался в Академии рисунка во Флоренции. Герцог Козимо III Медичи, видя большие способности юноши, направил его в 1678 г. в Рим, в Академию, где он учился в течение четырёх лет. В 1682 г. Сольдани вернулся во Флоренцию, где на протяжении нескольких десятилетий создавал как монументальную скульптуру для церквей, так и бронзовую пластику малых форм для дворцовых интерьеров.

Композиция «Пьета» Сольдани была выполнена в бронзе около 1715 г. [5] А на мануфактуре Доччиа она была воспроизведена в фарфоре около 1742 г. (высота скульптуры около 30 см). В этом произведении ясно чувствуются мощные традиции флорентийской пластической школы. В то же время «Пьета» Сольдани ещё раз подтверждает, что в период барокко происходит усиление эмоционального начала в искусстве. Однако страсти и переживания изображаются в соответствии с нормами возвышенного идеала. Вместе с тем мы отмечаем удивительную жизненность в данной скульптуре.

И в этом её сила.

Скрытые движения души проступают в позе, жестах, выражении лица. Одеяния подчёркивают мотивы движения. Контрасты яркого света и провалов теней усиливают драматизм изображения. Напряжённые диагональные ритмы и расположенные по кругу фигуры скорбящих ангелов и Богоматери создают эмоциональное и ритмическое целое.

В 1738 г. на Мейсенской мануфактуре была создана скульптура «Апостол Матфей». Её автором был Иоганн Иоахим Кендлер. Источником вдохновения для него стала монументальная статуя К.Рускони в соборе Сан Джованни ин Латерано в Риме [6] . Апостол стоит, опираясь ногой на мешок, полный монет. Здесь показано, что Матфей был призван Христом из мытарей (сборщиков римских податей) к апостольскому служению. Книга в руках апостола – атрибут евангелиста.

[7] Ил.1 Апостол Матфей.
И.И.Кендлер. Мейсен, 1740

В отношении этой скульптуры очень важно подчеркнуть, что Кендлер через Рускони становится наследником и продолжателем традиций итальянского Ренессанса и барокко. Безусловно, на Рускони сильное воздействие оказали произведения римских скульпторов, и конечно Бернини. Своей мощью и внутренней энергией «Матфей» напоминает «Моисея» Микеланджело.

«Апостол Матфей» Кендлера поражает своей гармонией, передающей физическое и духовное совершенство человека. Евангелист изображён глубоко погружённым в чтение книги. Кендлеру превосходно удалось передать напряжённую работу мысли Матфея. Пластическая мощь фигуры, крупные формы античного одеяния выражают внутреннюю силу человека, проповедовавшего людям христианское учение, возвышенные и благородные идеалы которого сохраняют свою силу в веках.

Сложение стилистики барокко в европейской фарфоровой пластике сопровождалось значительным влиянием монументально-декоративной скульптуры XVII столетия. Фонтан Тритона на пьяцца Барберини был создан Бернини в 1630-е гг. [8] Все элементы композиции – дельфины, раковины, тритон – восходят к репертуару декоративного искусства XVI в., и в частности к гротесковой орнаментации. Этот фонтан являет собой ещё один пример необыкновенного умения Бернини претворять геральдический мотив или стилизованную схему в пластическую композицию, пронизанную естественной органической жизнью. Примечательно использование в трактовке фигур дельфинов мотива спирали, заключающей в себе застывшую энергию, напряжение. Сам жанр фонтана помогает скульптурным образам сливаться с подвижной стихией воды.

На Мейсенской мануфактуре был воспринят берниниевский мотив — изображение дельфинов, поддерживающих раковину. Правда, раковина обрела здесь гораздо более глубокую ёмкость, превратившись в чашу вазы. Фигуры дельфинов спиралеобразно охватывают опору вазы. Льющаяся изо рта дельфинов вода в данном случае изображена пластически. Эта ваза в Мейсене была создана скульптором И.Ф.Эберлейном в 1738 г. [9] Она входила в состав знаменитого парадного «Сервиза с лебедями» (1737-1741), выполненного для графа фон Брюля.

Тот же самый скульптор Эберлейн выполнил на Мейсенской мануфактуре фигуру Дафны в 1745 г. В скульптуре запечатлён один из эпизодов «Метаморфоз» Овидия:

«…корой окружается тонкой,
Волосы в зелень листвы превращаются,
руки же – в ветви,
Резвая раньше нога становится
медленным корнем…» [10]

Нет сомнения в том, что эта фарфоровая скульптура исполнена под влиянием «Аполлона и Дафны» Бернини. Однако, надо сказать, что данное произведение не является копией фигуры, созданной итальянским мастером. Важно отметить, что в отличие от уравновешенности и статики классицизма, образам искусства барокко присущи сильные эмоции и порывистое движение. В фигуре Дафны это выражено диагональной, летящей композицией, острым, неспокойным, «вопиющим» силуэтом, деформацией превращения. Идея метаморфозы имеет глубинный смысл, и произведения XVII-XVIII вв., подобные «Дафне», объективно отражают философские воззрения о стихийной динамике бытия.

[11] Ил.2 «Дафна».
И.Ф.Эберлейн. Мейсен, 1745

В 1972-1975 гг. Виктор Никитич Лазарев читал на отделении истории искусства курс лекций «О знаточестве и методике атрибуций». Он говорил о том, что правильно сделанные «атрибуции служат солидной основой для научной истории искусства». [12] Я очень рада, что имела возможность слушать лекции Виктора Никитича.

И теперь хотелось бы предложить одну из атрибуций, выполненных мною сравнительно недавно. Это достаточно редкое, но очень ёмкое в художественном отношении произведение. Этот скульптурный сосуд интересен, прежде всего, с точки зрения проблемы истоков и предпосылок стилистики европейского фарфора XVIII в.

Кружка с многофигурным рельефом и в серебряной монтировке выполнена во второй половине 1740-х гг. на мануфактуре Каподимонте, основанной королём Карлом III недалеко от Неаполя [13] . В данном случае использован тип сосуда резной слоновой кости, характерный для Германии XVII в. Есть здесь и элемент гротесковой орнаментации, типичный для Италии XVI в., а именно скульптурная ручка, сочетающая антропоморфные и зооморфные элементы.

Многофигурная рельефная круговая композиция данного фарфорового предмета создана по гравюре с живописного оригинала Рубенса «Охота на тигров и львов». Неистовая динамика пронизывает сцену охоты. Изображение решено в узком пространстве кругового рельефа, цветовые акценты росписи которого подчёркивают бурную ритмику композиции. Здесь проявилась ещё одна важная черта стиля барокко. Все участники сцены умело объединены в неразрывную группу, пронизанную предельным напряжением борьбы. Рельефная композиция выполнена главным модельмейстером мануфактуры Каподимонте Джузеппе Гриччи.

[14]Ил.3 Скульптурный сосуд.
Дж.Гриччи. Каподимонте, к.1740-х гг.

Важной проблемой является сложение единого пространства культуры Европы в XVI-XVIII вв. Миграция художников, их работа в разных странах, циркулирующая графика и другие факторы способствовали формированию общего интернационального стиля. Одним из выразителей этих тенденций стал Жан Берен – придворный рисовальщик Людовика XIV. Берен создавал гротесковые композиции для оформления интерьеров и предметов декоративно-прикладного искусства. Решающим в творчестве этого художника стало внимательное изучение гротесковой орнаментации ватиканских лоджий Рафаэля. В декоре панно галереи Аполлона в Лувре, выполненных по береновским эскизам, мы видим очень распространённые мотивы – дельфинов, тритонов, морских коней-гиппокампов, а в овальном медальоне – фигуру Нептуна. Важно то, что орнаментальные композиции Берена гравировались и издавались. Большая подборка его гравюр была опубликована в Париже в 1711 г.

Скульптурная композиция «Нептун на морском коне» Венской фарфоровой мануфактуры по своей тематике и стилистике перекликается с композициями Берена [15] . Эта группа была создана в конце 1740-х гг. главным модельмейстером этого предприятия Иоганном Йозефом Нидермейером. Это произведение является барочным по своему характеру. Оно отличается сложным подвижным контуром и богатством и разнообразием пластических форм. Однако, в трактовке темы античной мифологии в данном случае значительна роль классической составляющей. Сказалось то, что Нидермейер преподавал рисунок в Венской Академии.

[16] Ил.4 Нептун на морском коне.
И.Й.Нидермейер. Вена, к.1740-х гг.

Темы, связанные с водной стихией и вообще со стихиями, были весьма распространены в искусстве XVII-XVIII вв. Достаточно вспомнить, например, картину Рубенса «Союз Земли и Воды». В Мейсене Кендлер создал в начале 1740-х гг. четыре скульптурных аллегорических сосуда – «Вода», «Воздух», «Огонь» и «Земля». Античные персонажи составляют здесь сложный нарративный антураж, в то время как главным является изображение самих стихий, которое связано тут с пониманием объёмной формы и пространства. В отличие от строгой определённости формы в классицизме Кендлер предложил барочный её вариант. Основной объём ваз «Вода» и «Воздух» представляет собой разомкнутое пространство, символизирующее и вечное движение океана, и беспрестанно изменяющиеся вихревые спирали, клубы и потоки воздушных масс. Кендлер представил оригинальное решение аллегорической темы. Имея в виду общий композиционный модуль, он в каждом случае наполнил его специфическими смысловыми элементами, связанными между собой с безупречной логикой и виртуозным мастерством.

[17] Ил. 5 «Вода».
И.И.Кендлер. Мейсен, 1741

На Кендлера сильное влияние оказала парковая скульптура Цвингера, которая выполнялась под руководством Пермозера. В этом нас ещё раз убеждает трактовка аллегорической фигуры «Зима» из серии «Времена года». В Цвингере можно видеть скульптуру «Зима», которую Пермозер создал в 1715 г. В 1745 г. Кендлер выполнил одноимённую скульптуру в фарфоре [18] . Он использовал почти ту же самую композиционную схему, которую мы видим у Пермозера, только в зеркальном отображении: S‑образный изгиб, положение торса, рук, наклон головы. Автор усилил выражение страдальческого чувства на лице, вызванного суровостью времени года.

Постепенно Кендлер освобождался от прямых влияний своих предшественников. Десятью годами позже (в 1755 г.) он создал совершенно другой иконографический вариант аллегории «Зимы», композиция которой уже не обусловлена вертикальным форматом ниши в садово-парковом сооружении [19] . Эта фарфоровая группа предназначалась для камина. Основу пластического объёма составляет аморфная масса спирально взвихренных клубящихся облаков, на которых справа помещена фигура крылатого Хроноса. Кендлер использовал приём, уже найденный им самим в оформлении аллегорического сосуда «Воздух». Облака выступают у него как очень важный символ Природы – символ её вечного обновления. Ритм облаков внушает идею движения, а следовательно, идею времени.

[20] Ил.6 «Зима».
И.И.Кендлер. Мейсен, 1755

В данном аллегорическом произведении помимо пластических присутствуют ещё и живописные компоненты, также очень важные в его смысловой структуре. В технике полихромной надглазурной росписи изображены дамы и кавалеры, катающиеся на коньках на фоне зимнего пейзажа. Здесь вступает в силу такая категория барокко, как иллюзионизм. Посредством масштабных и цветовых соотношений передано трёхмерное пространство. А пространственная динамика – это ещё одна метафора динамики временной. Таким образом, взаимодействие пластических и живописных средств обогащает и расширяет возможности скульптуры как таковой, как вида искусства.

Для становления и развития искусства фарфора важна проблема распространения художественных образцов. Одним из источников стали гравюры Калло, в частности, офорты из серии «Балли ди Сфессания» (1621) [21] . На основе этих гравюрных изображений Калло на фарфоровой мануфактуре в Фульде в Германии были выполнены фигуры, жестикуляция которых отмечена яркой эксцентричностью [22] . В серии офортов Калло представлены персонажи итальянской комедии.

Комедия дель арте была очень популярна в Европе XVII-XVIII вв. Мастеров, работающих в области фарфора она привлекала пластической активностью образов. Кендлер изобразил Арлекина и Коломбину (1744) танцующими. Танец позволил использовать скульптору язык жестов и ритмов. Позы и энергичные движения персонажей имеют буффонный, комический характер, которому соответствует острый, динамичный силуэт скульптуры. Весёлое настроение и взаимная симпатия Арлекина и Коломбины – в их смеющихся лицах. Мажорный характер скульптурной композиции подчёркивается росписью яркими красками (зелёной, жёлтой, красной, пурпурной, синей), дополняющей эмоциональное и ритмическое единство целого.

[23] Ил.7. Арлекин и Коломбина.
И.И.Кендлер. Мейсен, 1744

Кендлер работал на Мейсенской мануфактуре в течение нескольких десятилетий. Диапазон его творений необычайно широк – от парадного великолепия до гротеска экзотического курьёза, от тончайшей лирики чувств до острой сатиры нравов. Скульптурные композиции Кендлера на темы светской, придворной жизни составили ряд так называемых «кринолиновых групп».

Скульптура «Дуэт» (1737) представляет знаменитую певицу Фаустину Бордони и её супруга – королевского придворного капельмейстера и композитора Иоганна Адольфа Хассе. Однако, значимость этой скульптурной группы перекрывает конкретику просто портретного изображения и обретает обобщающий характер, отражая важное явление культуры того времени – музыку при королевском дворе. Именно такое название («Die Music bei Hoff») имеет гравюра Э.Нильсона, на которую ориентировался Кендлер при создании своего произведения. Однако, как всегда авторское, индивидуальное начало выдающегося мейсенского мастера ясно заявляет о себе и здесь.

«Дуэт» Кендлера является превосходным творением стиля барокко. Начнём с того, что дама и кавалер представлены музицирующими на софе, повторяющей одноимённый искусный резной предмет из Дрезденского королевского дворца. Великолепие софы соответствует элегантности костюмов музыкантов.

[24] Ил.8. «Дуэт».
И.И.Кендлер. Мейсен, 1737

C поразительной убедительностью Кендлер воссоздаёт атмосферу придворной жизни, высокий строй души участников представленной сцены. Тончайшим образом переданы эмоции дамы и кавалера, что было принципиально важным для искусства барокко. Весь облик и лица музыкантов выражают глубокое внутреннее переживание исполняемого произведения и как бы растворение в нём. Теме скульптурной группы соответствует и богатейшая её ритмика – гармония подвижных диагональных и плавных круглящихся линий (как визуальная параллель звуковым мелодическим построениям).

Грёгер опубликовал это произведение Кендлера, которое не имеет росписи [25] . Сравнивая этот вариант фарфоровой скульптуры с расписным, мы отчётливо видим большую силу и значимость полихромного декора. Роспись чистыми, яркими красками и золотом не только наделяет фарфоровое произведение качествами драгоценного предмета, но и сообщает ему мажорное звучание, напоминая о характерном для XVIII в. девизе «vive la joie».

К этому же типу «кринолиновых групп» относится и скульптура «Дама и кавалер», созданная Кендлером в 1744 г. Перед нами портретное изображение курфюрста саксонского Августа III и его супруги Марии Йозефы. Композиция имеет черты барочного парадного портрета. Позы и жесты портретируемых отличаются торжественностью, облик их полон достоинства. Курфюрст изображён с орденом на груди и орденской лентой через плечо – свидетельством его заслуг в деятельности на благо государства. Парадный портрет, как правило, не раскрывает индивидуальных характеров, а поведение портретируемых обусловлено придворным этикетом. Общему высокому настрою произведения созвучны торжественные, величавые ритмы скульптурной композиции. Колорит дополняет выразительность пластики. Изысканные букеты индианских цветов, напоминая о роскоши крупнораппортных шёлковых тканей, подчёркивают драгоценную белизну фарфора.

[26] Ил.9.Август III и Мария Йозефа.
И.И.Кендлер. Мейсен, 1744

Взаимосвязи с монументальной скульптурой барокко нашли отражение в художественном решении модели конного памятника Августу III. Модель выполнена Кендлером в 1753 г. (высота 123 см). Август III предстаёт перед зрителем на коне в одежде античного военачальника. Данная иконография восходит к римскому искусству: император, повергающий ниц противника. Причём трактовка фигуры коня имеет типичный для барокко характер. Всадник изображён на вздыбленном коне. В результате смещения центра тяжести фигура наполняется внутренним напряжением. Динамика позы зафиксирована в кульминационный момент.

Пышное скульптурное оформление цоколя представляет собой сложное семантическое пространство. Эта пластическая композиция ещё раз доказывает, что язык барокко – это нередко язык аллегорий и метафор. Август III был курфюрстом саксонским и королём польским. Географическое пространство обозначено двумя аллегориями рек – Вислы и Эльбы. Знаковые фигуры символизируют Мир, Правосудие, Силу. Здесь также присутствуют олицетворения наук и искусств. Аллегорическая фигура «История» изображена пишущей на скрижалях. Сложное, пространственно протяжённое построение скульптурной композиции, множество разнообразных деталей, контрастная игра светотени – всё это придаёт изображению живописный характер.

[27] Ил.10. Модель конного памятника Августу III.
И.И.Кендлер, Мейсен, 1753

Возвышенному строю этого произведения Кендлера с его торжественными интонациями соответствует в художественной литературе XVIII в. поэтический жанр оды.

Кратко подводя итог, можно сказать, что стиль барокко нашёл многообразное воплощение в произведениях ведущих мастеров европейской фарфоровой пластики первой половины XVIII столетия.

---

[1] Encyclopedia of World Art. L., 1960, vol.II, p.327.

[2] Menzhausen I. Meissner Porzellan in Dresden. Berlin, 1988, Abb.33.

[3] Ibid., Abb.34.

[4] Швейцер А. Иоганн Себастьян Бах. М., 2004, с.433-439.

[5] Fleming J., Honour H. The Penguin Dictionary of Decorative Arts. Harmondsworth, 1979, p.240; Coutts H. The Art of Ceramics. European Ceramic Design 1500-1830. L., 2001, il.167.

[6] Weisbach W. Die Kunst des Barock. Berlin, 1924, S.205.

[7] Walcha O. Meissner Porzellan. Dresden, 1973, Abb. 103.

[8] Буссальи М. Бернини. М., 2000, с.25.

[9] Walcha O. Op. cit., Abb.97.

[10] Овидий. Метаморфозы. Кн.1. Ст.549-551.

[11] Rückert R. Meissner Porzellan 1710-1810. München, 1966, N 979.

[12] Лазарев В.Н. О знаточестве и методике атрибуций // Искусствознание. 1998, № 1, с.44.

[13] Карякина Т.Д.Скульптурный сосуд мануфактуры Каподимонте // ГТГ-Магнум. VI научн. конф. М., 2002, с.205, ил.1.

[14] Кастриа Ф. Живопись барокко. М., 2002, с.110-111.

[15] Казакевич Н.И. Коллекция фарфоровой пластики XVIII века Венской Фарфоровой мануфактуры в собрании Эрмитажа // Западноевропейское искусство XVIII века. Л., 1987, с.176-177.

[16] Ornements polychromes. P., 1978, vol.2, il.79.

[17] Meier G. Porzellan aus der Meissner Manufaktur. Berlin, 1981,Abb.12,13; Mitchell L. Meissen. Collector’s Catalogue. Woodbridge, 2004, pl.38.

[18] Walcha O. Op. cit., S.405.

[19] Ibid., S.406. Росписи с изображением дам и кавалеров на фоне зимнего пейзажа использованы в декоре этой аллегорической скульптуры Кендлера, которая хранится в Саратовском художественном музее им. А.Н.Радищева.

[20] Löffler F. Der Zwinger zu Dresden. Dresden, 1981, Abb.28.

[21] Веденеева Н. «Весь мир – театр …» Офорты Жака Калло из собрания ГМИИ. М., 2004, кат.20-43.

[22] Jedding H. Europaisches Porzellan. Munchen, 1974, Abb.348-349.

[23] Rückert R. Op. cit., N 878.

[24] Menzhausen I. Op. cit., Abb.139.

[25] Gröger H. Kaendler: der Meister des Porzellans. Dresden, 1956, S.88.

[26] Menzhausen I. In Porzellan verzaubert. Basel, 1993, S.103.

[27] Hofmann F.H. Das Porzellan der europäisches Manufakturen im XVIII. Jahrhundert. Ein Kunst- und Kulturgeschichte. Berlin, 1932, Abb.106.

(c) 2015 Исторические Исследования

Это произведение доступно по лицензии Creative Commons «Attribution-NonCommercial-NoDerivatives» («Атрибуция — Некоммерческое использование — Без производных произведений») 4. 0 Всемирная.

Украшения в стиле барокко и рококо — а также стиль классицизм и ампир в ювелирных украшениях

Стиль — это не только чутьё в подборе гардероба. Стиль отражает этапы развития истории в искусстве. Проще — это сумма изобразительных приёмов определённого времени и направления.

Стили сменяли друг друга — иногда благодаря сильным мира сего (Людовик XV, Наполеон Бонапарт, королева Виктория, Людвиг Баварский), а порой просто по причине спада интереса у публики. Стили, отдалённые от нас столетиями, принято считать «историческими» (готика, ренессанс, барокко, классицизм, романтизм). А отстоящие от нас лет на 70 и ближе, пожалуй, можно считать «актуальными» стилями (кубизм, примитивизм, стимпанк и тому подобное). Об актуальных стилях будет наша следующая статья.

Описывая признаки стиля, используют следующие понятия: композиция, линия, цветовая гамма, материалы; в исторических стилях — орнамент и его элементы. Кстати про исторические стили: «иногда они возвращаются» в виде неостилей — порой с большим успехом (технологии ведь совершенствуются). Яркий пример – та же готика. Кстати, свои названия стили получали очень и очень «задним числом», зачастую в разных странах различные.

Например, на западе (в Англии и странах, бывших под влиянием Соединенного Королевства) принята такая классификация ювелирных стилей:

• Georgian (1714-1837) —«георгианский стиль» — эпоха правления королей Георга 1, 2, 3 и 4
• Victorian (1837-1901) — «викторианский стиль« — эпоха правления королевы Виктории (1837-1890)
  • the Romantic Period (1837-1861) («романтический» период)
  • the Grand Period (1861-1880) («гранд»)
  • the Aesthetic Period (1880-1901) («эстетический»)
• Arts & Crafts (1860-1910) — движение «искусств и ремесел» внутри викторианской эпохи, выработка предметов декоративно-прикладного искусства, идеализация работы самобытных ремесленников средневековья, некий аналог русского художественного содружества Абрамцево
• Art Nouveau (1890-1915)
• Edwardian (1901-1915) — «эдвардианский стиль» -правления короля Эдуарда VII (1901-1910)
• Art Deco (1920-1935)
• Retro (1935-1950) (ретро)
• Mid-Century (1950-1970) (середина века)
• Modern (1970-1995) (модерн)
• Contemporary (1990-Present) (современный)

Итак, с надеждой оглядываясь на историческое кино («Елизавета: Золотой век», «Пираты карибского моря», «Гардемарины» и подобные), попробуем начать с основных исторических стилей — барокко, рококо, классицизм и ампир.

 По западной классификации, все эти стили практически укладываются в господствующую в те времена Георгианскую эпоху.

Стиль барокко и его ювелирное наследие

Живописный и величественный стиль барокко (англ. Baroque) — «причудливый», «неправильный» в переводе с португальского — возник в 16 веке в Италии. «Кино-гиды» по стилю — «Фаринелли», «Девушка с жемчужной серёжкой». Визитная карточка этого стиля – забавные украшения с неправильной формы «барочной» морской жемчужиной.

Применительно к ювелирному искусству этой эпохи, принято выделять Раннее барокко (1600-1660), Позднее барокко (1660-1725), и Рококо (1725-1775). Мы в данной статье рассматриваем рококо как самостоятельный стиль.

Причины появления и корни этого стиля, пожалуй, следующие: папство решило ударить дубиной искусства (в монументальном и пышном барочном исполнении) по испанцам и французам, диктовавшим тогда условия политики итальянцам. Знать Италии компенсировала утрату власти демонстрацией трубящей роскоши (недопустимой в рамках предыдущего стиля — ренессанса). Барокко — это буйство оптимизма, подчинённое симметрии.

Чертам барокко присущи:

• ясная конструктивность (когда масса выпуклых мелких элементов компонуется в ясно читаемый симметричный силуэт)
• ритмичная композиция (соподчинение элементов друг другу и всему замыслу художника)
• чёткие выпуклые рельефы
• «плотный»растительный орнамент, яркость цвета

Барочная архитектура отличается симметричностью и «скульптурными», волнообразными линиями, где вместо круга скорее – овал, а формы – преувеличены. Многие архитекторы эпохи барокко начинали скульпторами.

  

Украшения в стиле барокко

В ювелирных изделиях эпохи барокко самыми типичными были такие элементы как золото (реже – серебро), разноцветные эмали и яркие драгоценные камни или крупные жемчужины. Жемчужины были в моде морские, необычной, в том числе, вытянутой формы. Позднее за таким типом жемчуга закрепилось название «барочный жемчуг».

  

Представители знати носили длинные многорядные нити жемчуга, многодельные серьги «жирандоль» (англ. Girandole или Chandelier – (люстры) earrings) с тремя жемчужными подвесками. Крупными, или же небольшими брошами украшали декольте корсажа, талию. Жемчуг и камни нашивали на платье вместе с лентами.

Ажурные броши-склаважи крепили к шейной ленте или на глубоком декольте (смотрите также фото колье-склаваж в статье о видах колье). Характерны были крупные броши-букеты или переплетенные ветви. Брошь-бант с подвеской назовут «брошь де Севинье» (портрет самой мадам де Севинье — чуть выше). Одежду и обувь украшали драгоценные пряжки.

 

      

Стиль рококо – французская утонченность

На слух рококо (англ. Rococo) похоже на барокко, но на вид имеет внятные отличия. Родина рококо (или рокайля) — Франция начала 18 века (фильм «Прощай, моя королева»о Марии-Антуанетте(2012г) — киногид по этому стилю).

Корни этого стиля — чисто французские: тоска по интиму. В отличие от итальянцев, французы не нуждались в иллюзии могущества; рокайль (в переводе «раковина») — камерный стиль. Сохранив живописность барокко, рокайль отошёл от цветовой яркости, масштабности, симметричности. Линии стали плавными и асимметричными, часто напоминающими завитки раковин и латинскую S.

 

Украшения времен рококо

Черты рококо — асимметрия, плавность, пастельные тона, утончённость и камерность. По сравнению с ювелирным искусством времен барокко, в эпоху рококо украшения становятся более «фривольными» и воздушными. Создается ощущение, будто мотивы украшений просто не умещаются в заданную форму и стремятся оттуда вырваться.

   

Ювелиры переходят к «бриллиантовой» огранке алмазов (автором ее считают венецианца Винченцо Перуцци). Бриллиант первенствует. Теперь в моде оправлять его не в золото, а в серебро, пользуясь способом закрепки «паве» (pave) (когда изделие усыпано бриллиантами, точно бублик маком). В моду входят парюры (комплекты украшений, сходных по материалу, работе, рисунку). Популярны серьги «бриолез» (brioles) — с подвижно закрепленными длинными подвесками- «каплями» и «звёздами». Создают драгоценные «букеты», — XVIII столетие называют «веком цветка и алмаза».

   

 

 

Причёски дам весьма замысловаты. В моде подвижные ажурные шпильки -«цитернадель» (от нем. zittern — дрожать и nadel — булавка). Асимметричные эгреты (aigrettes) (головное украшение с пером, от латинского — Egretta, род белых цапель), изящные перья, а иногда и яркие бабочки. Появились «портбукеты» (ювелирные «вазы» для букетов из живых цветов). Не отставали и мужчины, украшая бриллиантами различные ордена, пряжки одежды и обуви, рукоятки шпаг, множество брелков.

 

   

Но витиеватый рокайль уже имел в себе зёрна грядущего классицизма. Например — медальоны с эмалевыми миниатюрами; круглые или овальные, сдержанного декора.

Стиль классицизм: лёгкость и игривость заменяется отсылкой к античности

Классицизм (англ. Classicism — Neoclassicism) пришёл второй половине 18 века как спокойная уравновешенность форм, гармоничность пропорций, сдержанность и упорядоченность декора (словом, никакого буйства, даже симметричного). Киногид по стилю — «Гордость и предубеждение»1995г. Применительно к ювелирному искусству, эпохой классицизма считается период примерно с 1760 по 1830 гг.

Причины появления этого стиля — усталость от придворной роскоши и мотовства, количественный рост представителей класса буржуазии, а также вполне конкретный импульс — раскопки в 1750-1760 гг. Геркуланума и Помпеи, погубленных Везувием.

Черты классицизма в декоре — это греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие античные мотивы.

   

Классицизм в украшениях своего времени

(не путать с современными ювелирными изделиями в «классическом стиле»)

В эпоху расцвета классицизма с женщин схлынуло обилие драгоценностей, но иные виды украшений весьма ценились. Скажем, круглые и овальные броши — ими закалывали модные кашемировые шали (носимые поверх тончайших одежд). В золотые оправы брошей вставляли античные камеи (резной камень или раковина; брошь из такого камня или раковины), или эмалевые портретные миниатюры (в окружении мелких бриллиантов или жемчужин). Очень большую роль в украшениях того времени сыграла наполеоновская война — после нее появился отдельный вид «траурных» украшений, например медальоны с вплетенными волосами умерших родственников, либо эмалевые медальоны и кольца с мотивами скорби и памяти.

 

   

     

      

Большой ажиотаж вызывали старинные геммы (драгоценные камни с углублённой или выпуклой резьбой) из археологических раскопок того времени. Находки вставляли в броши, в кольца, серьги, пряжки, пояса и даже в ожерелья и диадемы. Кольца носили помногу, а на светских раутах порою на всех пальцах рук. Нагие руки украшали множеством золотых обручей, часто с меандром.

Голову украшали золотыми обручами, часто с гравированным меандром. В особых случаях надевали роскошные диадемы с бриллиантами и жемчугом. Диадема (в то время — доминанта парюры) задавала тон декору всех украшений комплекта. В начале XIX века в Европе и России, возродилась техника ажурной филиграни. Из скани составляли ожерелья, плели сетки для волос, собирали на филигрань детали браслетов и колье. Популярны были золотые и серебряные сканые серьги с грушевидной подвеской.

  

Стиль ампир – «имперский» классицизм

Ампир называют завершающей фазой классицизма (первое десятилетие 19 века). Название происходит от французского empire — империя; это стиль империи Наполеона Бонапарта ( в этом факте смутно угадывается причина появления этого стиля). Стиль ампир — это практически калька с декоративных элементов Римской Империи. Если рокайль уходил от помпезности барокко, то ампир пренебрегал сдержанностью классицизма.

Черты ампира — рельефные детали в виде четко прорисованных пальметт, львиных масок, грифонов, сфинксов, египетских мотивов или разнообразных эмблем военной тематики (спирали, щиты, дуги, орлы). Из флористики — гирлянды, лавровые и дубовые листья, колосья и снопы. Стиль уверенного величия в рамках художественной гармонии. Не случайно ампир многократно (и почти повсеместно) подхватывался са-а-мыми разными правителями.

Ювелирные изделия в эпоху ампира

Как и всегда, ювелирные изделия — очень наглядный знак величия. Ныне основные владельцы драгоценностей в стиле ампир -царствующие фамилии. Коронационный обруч Наполеона имел вид античного венца. Придворный ювелир Наполеона Этьен Нито (основатель известной и теперь фирмы «Шоме») — автор парюр для императрицы Марии-Луизы. Эти парюры поражали роскошью и совершенством.

Во времена расцвета ампира очень ценились диадемы, как драгоценные, так и более скромные — в виде золотых лавровых венков либо венков из колосьев или дубовых листьев. По-прежнему большое значение имели камеи (не только античные, но и более позднего времени).

 

Волосы, уши, шея, руки, пальцы светской дамы и — всё,что было можно, украшалось драгоценностями. Ожерелья и браслеты, драгоценные кольца, тяжелые серьги с подвесками.. В волосах — эгреты в виде двух симметричных перьев, скрепленных дорогим камнем, или гребень, убранный камнями либо камеями. Грудь подчеркивал драгоценный пояс, модные шали скрепляли брошью.

Ампир ушёл вместе с империей Наполеона, уступив место романтизму. Именно об эпохе романтизма 19 века — наша следующая статья.

Автор: Эльвира Свиридова, специально для ЮВЕЛИРУМ

Подробно об эгретах — в Живом Журнале la gatta ciara

ЮВЕЛИРНЫЕ ТЕХНИКИ И СТИЛИ | Украшения в викторианском стиле | Украшения в стиле ар нуво (модерн) | Украшения ар деко | Украшения в авангардных стилях — кубизм, конструктивизм, абстракционизм, футуризм и хайтек | Украшения в стиле стимпанк | Современные украшения в классическом стиле | Отчет с лекции Васильева об истории ювелирных украшений | Первые российские часы. Русские часы разных эпох | Геометрические украшения | Ювелирный стиль примитивизм

Поделитесь статьей с друзьями

Работы дизайнеров из каталога ЮВЕЛИРУМ

§ 14. Распространение искусства барокко в Европе | Всемирная история

§ 14. Распространение искусства барокко в Европе

Вспомните:

1.Что вы знаете об особенностях развития Германии, Нидерландов, Испаной в XVI-XVII века?

2. Как эти особенности должны были повлиять на развитие искусства?

 

1. Особенности искусства барокко

В конце XVI ст. в Италии родился стиль барокко (От итал. barocco — Прихотливый, причудливый), который в XVII в. распространился в других странах Европы и Америки и просуществовал до конца XVIII в. Искусство эпохи барокко, сохраняя определяющие гуманистические основы суток Возрождения, изменилось по содержанию. Оно стало уделять главное внимание страстям и чувствам человека, сочетать реальное и мнимое. Чувственный характер этого искусства, в котором художник игнорирует размеры и норму, изображает контрасты, которые создают иллюзию реальности, производит большое впечатление на зрителя. Искусство барокко распространяется как искусство католической Контрреформации. Одновременно в течение XVII века, этого «века барокко», состоялась научная революция, которая положила конец средневековому видению мира.

Великими мастерами живописи эпохи барокко были голландец Рембрандт ван Рейн, фламандец Питер-Пауль Рубенс, испанец Диего Веласкес.

1. Рембрандт ван Рейн(1606-1669). Из многочисленных голландских художников XVII в. он достойно занимает найчильнише место.

В 30-е гг. XVII ст. Рембрандт стал популярным художником Голландии. Известным его сделала картина «Анатомия доктора Тульпа» — групповой портрет доктора Тульпа с учениками. Рембрандт впервые, создавая групповой портрет, решил отказаться от традиционной композиции, где все персоны стоят возле одной, позируя художнику. На его картине ученики окружили стол в анатомическом театре, на котором лежит труп, и слушают объяснения доктора Тульпа. Художник сумел показать различную реакцию на каждому из лиц учеников. Некоторые из них, как обеспокоены появлением зрителей, смотрят им прямо в глаза. Картина имела огромный успех. Рембрандт получил заказ на написание портретов, а также произведений на библейские и мифологические темы.

Он писал много картин, но все более настойчиво пытался отойти от устоявшихся норм, удивляя современников необычностью творческой манеры. В 1642 г. Рембрандт исполнил на заказ групповой портрет офицеров амстердамской стрелковой роты. Каждый из них заплатил мастеру сто гульденов, рассчитывая занять на картине почетное место, часами позировал стоя … Однако когда портрет под названием «Ночной дозор» было закончено, возмущение офицеров не имело границ: вместо напыщенных, напыщенный воинов, которые уже давно забыли, как нести военную службу, художник нарисовал стрельцов, которые по тревоге выступили в защиту своего города. Художник воссоздал сцену со настоящей жизни, но заказчики этого не поняли. В 1642 г. умерла жена мастера. Дом и мастерскую Рембрандта, который бережливостью НЕ отличался, продали за долги. Художник поселился в гостинице. Его несчастья продолжались: умерла вторая жена, а впоследствии — единственный сын. Эпилогом жизни и творчества гениального художника стала картина «Возвращение блудного сына» — библейский сюжет о забулдыги, который, потеряв все и вся в жизни, вернулся в родной дом, к отца.

Смерти Рембрандта никто и не заметил. Лишь через несколько веков его имя стало всемирно известным, а картины украсили лучшие музеи и частные коллекции.

2. Питер-Пауль Рубенс(1577-1640) был центральной фигурой фламандского искусства XVII в. Общей чертой, объединявшей фламандское искусство с голландским, была любовь к жизни во всех его проявлениях. Однако, если на картинах голландских мастеров превалировали бытовые сцены, портреты бюргеров и мещан, то фламандские художники должны рисовать то, что устраивало католическую церковь и дворян.

В творчестве Рубенса эти особенности проявились наиболее ярко. Придворный художник испанского наместника во Фландрии, он постоянно был перегружен заказами от дворян, церкви, но находил время выполнять дипломатические поручения. Рубенс написал сотни картин, прославляя в ярких красках силу, мужество, красоту человеческих чувств и поступков.

В Рубенса было много картин на исторические темы. Одна из самых известных серий «Жизнь Марии Медичи» состоит из 21 произведения, где он изобразил и реальных исторических лиц, и мифологических персонажей, воспроизвел реалии тогдашней исторической эпохи.

Творчество Рубенса оказала огромное влияние на становление фламандской школы живописи, а его произведения известны во всем мире.

3. Диего Веласкес (1599-1660). Современники называли этого испанского мастера «художником истины». Д. Веласкес с 1623 до конца своей жизни был придворным художником испанского короля Филиппа IV. Ведущее место в его творчестве занимали портреты. Испанская аристократия не требовала, чтобы ее рисовали красивее, чем она была в действительности, — она гордилась своим происхождением, а не меняющейся красотой. Поэтому испанцы на портретах живописца — холодные, спокойные и уравновешенные. Веласкес писал портреты членов королевской семьи, испанских дворян и их жен. При этом он никогда не отказался от изображения правды, рисовал человека таким, какой она была. Папа Иннокентий, увидев, каким его изобразил Веласкес, после раздумий сказал: «Слишком похож». Увлекался своими портретами и король, говоря, что на них он, «как живой», не замечая, каким посредственным, слабым и бесхарактерным изобразил его автор.

В конце жизни художник создал картину «Пряха», где показал красоту простых женщин-работниц, соткали ковер, а рядом с ними — придворных дам, которые рассматривали готовую работу. Это было последнее большое полотно Веласкеса, который посвятил свою жизнь служению истине кистью художника.

 

2. Шедевры западноевропейской архитектуры

Культура итальянского Возрождения способствовала и большим изменениям в архитектуре. Именно в то время место строителя-ремесленного занял высокообразованный архитектор, который воплощал свои замыслы, опираясь на опыт античных мастеров и научные знания.

Развитие архитектуры Италии эпохи Высокого Возрождения связан с Донато Браманте (1444-1514), который определил направления ее развития XVI ст. Его творчество связано с Римом. Когда папа римский Юлий II принялся перестраивать Рим, его главным архитектором стал Браманте. По его проекту в 1506 г. началось сооружение собора святого Петра в Риме — главного храма католического мира. Однако построить собор Браманте не успел. По поручению папы Павла III Микеланджело доработал проект, по которому строительство было завершено 1590 Собор святого Петра является сейчас наибольшей церковной постройкой не только в Италии, но и во всем мире. Высота собора — 132 м, площадь — 15 тыс. кв. м (площадь собора святой Софии в Константинополе лишь — 800 кв. м).

Выдающимся архитектурным памятником Испании XVI в. стал Эскориал — дворец-монастырь, построенный гениальным испанским архитектором Хуан де Эррера (1530-1597) для короля Филиппа II. Сооружен посреди безлюдного плоскогорье на северо-восток от Мадрида, дворец испанского короля сильно отличался от архитектурных памятников той эпохи. Внешний вид дворца — сурового и мрачного, без лишних украшений — олицетворял сдержанный и неприступный характер Филиппа II, который пытался подчинить себе весь мир. Однако величественная и суровая красота построенного из серого гранита дворца привлекает и сейчас многих испанцев, которые с гордостью называют Эскориал восьмой чудом света.

Городом барокко стал в XVII в. Рим. Там были построены всемирно известные архитектурные ансамбли, многочисленные церкви и дворцы в стиле барокко. Выдающимся архитектором и скульптором новой эпохи стал Джованни-Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Он завершил ансамбль собора святого Петра, создав огромную площадь перед собором с колоннадой, фонтаном и обелиском в центре. Бернини был также автором многих скульптурных композиций для внутреннего убранства собора. Вырезанные им скульптуры всегда производили большое впечатление на зрителей благодаря удивительному сочетанию откровенной чувственности с религиозным вдохновением.

Для европейской архитектуры XVI-XVII вв. стали временем больших перемен: старые постройки уступали место новой архитектуре, которая, вдохновленная идеалами гуманизма, превратилась из ремесла в искусство.

 

Документы. Факты. Комментарии

1. Искусствовед В. Березина о картину Рембрандта «Ночной дозор»

«Нарисованная 1642 большая картина впоследствии получила название «Ночной дозор», должна была представлять собой групповой портрет членов стрелковой гвардии. Однако Рембрандт, отказавшись от признанного в те времена статического расположение фигур и равного изображения всех участников, показал сцену, полную движения. Он остановился на моменте, когда по сигналу тревоги, спешке и беспорядочно выходят на площадь стрелки, в движении поправляя оружие. Впереди группы торжественно выступают капитан и его помощник. Неровный свет озаряет группу, усиливая впечатление подвижного толпы. Наконец, вышел не привычный групповой портрет, а полна жизненной убежденности сцена. Именно этого и не поняли заказчики, крайне недовольны тем, что одни лица можно увидеть хорошо, а вот остальные почти скрыты от зрителя …».

 

Подумайте:

Каковы особенности композиции отличают картины Рембрандта?

 

2. Искусствовед М. Алпатов о творчество П. П. Рубенса

«Он обогатил искусство своим редким умением воспроизведения всего разнообразия каждого явления природы … Живопись Рубенса производит впечатление исключительно красочного богатства и щедрой роскоши. В человеческих лицах и в обнаженных телах передаются румянец и полнота, едва не же движение крови; белокурые волосы женщин и седые — старых блестит, как золото и серебро, шелковые ткани блестят и блестят тончайшими полутонами, бархат густо наливается в сумерках. Рубенс обладал даром приведения многообразных и сложных средств живописи в стройную единство «.

 

Подумайте:

Каковы особенности отличают творческий метод Рубенса?

 

3. Искусствовед И. Левина о искусство портрета Д. Веласкеса

«Вершина портретного творчества Веласкеса - »Портрет папы Иннокентия Х». Папа сидит в кресле. Его багровое, с грубыми чертами лица обращено к зрителю; пронзительно и недоверчиво, вплотную смотрят черные глаза из-под набухших век; большой мясистый нос, крепко сжатые рот, большое ухо, жидкая щетинистая борода, не прячет тяжелого подбородка, нарисованные с таким совершенством, что человек, который сидит в кресле, кажется живой. Веласкес сумел показать за внешней грубоватостью папы его железную волю, скрытые страсти, энергию … «

 

Подумайте:

Какими средствами Веласкес достигал вершин в искусстве портрета?

 

Вопросы и задачи

1. Какие черты были присущи творчеству Рембрандта?

2. Охарактеризуйте творчество Рубенса.

3. Подумайте, чем интересно творчество Веласкеса.

4. Подготовьте, используя дополнительную литературу, рассказ об одном из живописцев эпохи барокко в Европе.

5. Что нового внесли в развитие живописи мастера эпохи барокко?

6.Охарактеризуйте шедевры западноевропейской архитектуры XVI-XVII вв.

 

 

• ← § 13. Искусство Возрождения в Европе
• § 15. Европейская литература →

Эпоха барокко: краткая история

• 6 июня 2021 г.
• Искусство

Барокко — это эпоха искусства, зародившаяся в Риме, Италия, в начале шестнадцатого века, а затем распространившаяся на большую часть Европы в начале восемнадцатого века. Стиль барокко пришел после эпохи Возрождения и сосредоточился на преувеличенном движении и точных деталях. Происхождение слова «барокко» оспаривается, но самые ранние источники названия показывают, что оно происходит от португальского «barroco» или испанского «barrueco», что означает большую жемчужину неправильной формы. В 1855 году термин «стиль барокко» был впервые придуман для описания художественного стиля, который сначала высмеивался и назывался карикатурой.

Собор Святого Петра © Евгений Пивоваров

Рим часто называют родиной барокко. Историки и искусствоведы считают ранним произведением стиля барокко поздние работы Микеланджело, умершего в 1564 году. Примером архитектуры раннего барокко Микеланджело является базилика Святого Петра. Самым ранним фактическим зданием в стиле барокко является церковь Джезу, построенная архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола и Джакомо Делла Порта между 1575 и 1584 годами в Риме. Фасад Джезу не совсем нов, но некоторые инновации и детали положили начало архитектуре барокко.

Церковь Джезу © Алессио Дамато

Черты и характеристики архитектуры барокко в церквях часто проявляются в более широких нефах, иногда овальных. Намеренно незавершенные архитектурные компоненты. Драматическое использование света; либо интенсивные светотеневые контрасты. Драматический центральный выступ часто отличает фасады. Интерьер представляет собой оболочку для росписи, скульптуры и лепнины. Эффект иллюзорной корреляции с использованием невероятно реалистичных изображений для создания оптической иллюзии того, что изображенные объекты появляются в трех измерениях.

Энергия и движение – основные элементы скульптур эпохи барокко. Натурализм выделяет барокко по сравнению с классикой и идеализмом стилей эпохи Возрождения, которые изображали людей совершенными и безупречными. Джан Лоренцо Бернини считается отцом барочной скульптуры. Родившийся в 1598 году в Неаполе, Италия, в семье скульптора, Бернини стал ведущим скульптором в молодом возрасте.

Экстаз Святой Терезы — скульптурная группа из белого мрамора, расположенная в часовне Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, спроектированная и завершенная Джан Лоренцо Бернини. Скульптура изображает Терезу Авильскую и считается одним из скульптурных шедевров высокого римского барокко, построенным между 1647-1919 годами.52, когда Бернини было за пятьдесят. Скульптура изображает Святую Терезу, падающую в обморок после того, как ангел ударил ее копьем, паря в облаках. Естественный свет освещает Скульптуру через скрытое окно, которое освещает золотые лучи, символизирующие солнечный свет.

Экстаз святой Терезы © Джан Лоренцо Бернини

Живопись в стиле барокко характеризуется большой эмоциональностью, яркими, глубокими цветами и интенсивными светлыми и темными тенями. Картины этой эпохи создают иллюзию объемности и сильного эмоционального содержания. Свет — важнейшая черта живописи в стиле барокко; использование света и тени было широко распространено. Художники эпохи барокко были одержимы фоном, чтобы создать реальный образ произведения искусства и реализм во всем, что изображено.

Рембрандт Харменс ван Рейн был художником эпохи барокко, родился в Лейдене, Голландская республика (ныне Нидерланды). Рембрандт считается одним из величайших художников в европейском искусстве и самым важным в истории Нидерландов. Самое известное произведение Рембрандта — «Ночной дозор». Длинное название картины — «Ополченческая рота округа II» под командованием капитана Франса Баннинга Кока, она была завершена в 1642 году. Картина находится в Рейксмузеуме в Амстердаме. Ночной дозор известен тремя характеристиками: огромными размерами 3,8 метра на 4,5 метра, эффективным использованием света и тени и восприятием движения.

Одной из существенных особенностей «Ночного дозора» является то, что фигуры имеют реальный человеческий размер, чтобы создать иллюзию, что они прыгают с холста в реальное пространство. В центре внимания картины — капитан Баннинг Кок и его лейтенант ван Рейтенбурх. Историки считают, что на картине изображен союз голландских протестантов и голландских католиков для борьбы с испанцами. Картина была заказана капитаном Баннингом Коком и семнадцатью членами его кловеньеров (гвардейцев гражданской милиции), которые все изображены на картине.

Эпоха барокко продолжала обогащать европейское искусство и расширять творческие возможности в течение семнадцатого века. Театр процветал, и опера появилась в Италии примерно в 1600 году. Опера была коммерциализирована в Венеции, и она больше не становилась исключительным правом для аристократов. Обычные жители Венеции могли покупать билеты на оперные представления. Музыка процветала во времена барокко. В ту эпоху были изобретены многие музыкальные формы, такие как концерт и симфония.

Ночной дозор

Иоганн Себастьян Бах — немецкий композитор и музыкант эпохи барокко. Его музыку уважают за ее техническое мастерство, художественную красоту и интеллектуальную глубину. Бах был известен своим стилем модуляции, который был очень ограничен в период барокко. Музыкальная модуляция — это действие или процесс перехода от одной тональности к другой.

Частный барочный театр в Чешском Крумлове

Искусство барокко начало падать в восемнадцатом веке. Многие сочли его слишком мелодраматичным и мрачным. Искусство рококо возникло во Франции, и оно было даже более сложным, чем барокко, но менее строгим. Художники эпохи рококо меньше внимания уделяли религии и политике и больше внимания уделяли романтике и природе. Стиль рококо потерпел неудачу из-за встречного движения, известного как неоклассицизм.

Ниже приведены примеры лучших дворцов в стиле барокко.

Людвигсбургский дворец ⓒ Александр Йоманн

Людвигсбургский дворец был построен между 1704 и 1733 годами в Людвигсбурге, Германия. Он считается одним из крупнейших дворцов в стиле барокко.

Château de Maisons ⓒ Moonik

Château de Maisons, спроектированный Франсуа Мансаром с 1630 по 1651 год, расположенный в Мезон-Лаффит, Франция. Это точка отсчета в истории французской архитектуры.

Замок Ховард ⓒ Пвойдач

Castle Howard — частная резиденция в Северном Йоркшире, Англия. Строительство началось в 1699 году и длилось более 100 лет.

---

Дополнительная литература:

• Cunningham, Lawrence, et al. Культура и ценности: обзор гуманитарных наук, 2013 г.
• Хелд, Джулиус, Дональд Познер. Искусство 17-18 веков. 1972
• Фридрих, Карл. Эпоха барокко. 1952

Барокко

Фахад Хизам аль-Харби

Частный детектив из Мексики, многоязычный и сертифицированный. CFI, CPO, CFCS, CAMS. Я специализируюсь на отмывании денег, коррупции и мошенничестве. Я пишу о преступлениях, литературе, путешествиях и спорте. Свяжитесь со мной здесь или в социальных сетях для любого исследовательского проекта в Мексике или Латинской Америке.

Обзор исторических событий эпохи барокко

История увлекательна. Идея стольких событий, которые произошли за эти годы, может быть очень интригующей. Одной из самых значительных эпох в истории была эпоха барокко, длившаяся более века. В этой статье дается краткий обзор этой эпохи.

Период барокко находился под сильным покровительством Римско-католической церкви, и это видно по всей архитектуре церквей того времени. Этот период во многом определялся такими характеристиками, как щедрость и интенсивное выражение. Стили и картины были вдохновлены литературой языческой и христианской тематики. Указание на огромную силу и контроль были крайними характеристиками этого века.

Это говорит о физических аспектах возраста; затем всегда есть список событий, происходящих в каждую эпоху, который, таким образом, служит для них точкой определения. В этой статье мы прочитаем о некоторых событиях, произошедших в этот период.

Что в имени?

Слово «барокко» происходит от португальского слова «barroco», означающего «жемчужина неправильной формы», которое также имеет значение для всего странного и причудливого. Еще одно значение этого слова — детальное или тщательно продуманное произведение искусства. Отсюда архитектура этого периода была замысловатой конструкции. Ссылка на период барокко означала бы говорить о годах между «1600 и 1750 годами», то есть об эпохе, следующей за эпохой Возрождения.

Знаете ли вы?

Оркестр и опера увидели свет в эпоху барокко.

Временная шкала периода в барокке-GIST

1602 -Создание Голландской Ост-Индской компании

1603 -Смерть Элизабет-I

1607 -Создание урегулирования за Джамсдаун в Северной Америке

1010101010101107 -Создание урегулирования Джамстсаун. 1610 – Восхождение Людовика XIII на французский престол

1618-1648 -Тридцатилетняя война

1620 -Прибытие Pilgrims

1625 -правление Чарльза-I

1626 -Открытие New York

1642 –Team of Galile 1643 – Правление Людовика XIV

1660 – Конец Содружества Англии и возвращение монархии во время английской реставрации

1667 – Завершение строительства площади Святого Петра

1689-1694 -Брак Уильяма III из Нидерландов с Мэри II

1643 -Правило Уильяма III и Мэри II

1692 -САЛЕМ ВОДЕС. Индийская компания (чартерная компания) была создана для получения выгоды от торговли специями с малукан, а также для обеспечения их торговли в Индийском океане. Компания просуществовала с огромным процветанием в 17 веке, пока не встретила свой конец в 179 году.9. Последняя коронованная глава династии Тюдоров, Елизавета I, дочь короля Генриха VIII и его второй жены Анны Болейн, родилась 7 сентября 1533 года. Елизавета I умерла в 1603 году.

Елизавета Тюдор

Королева в 25 лет , Елизавета Тюдор, правящая королева Англии и правящая королева Ирландии, успешно правили, несмотря на то, что унаследовали нацию, которая выглядела так, будто у нее нет будущего по сравнению с могущественной Испанией и Францией. Елизавета Тюдор большую часть жизни прожила полноценную жизнь и умерла 24 марта 1603 года.

1607-1610

Поселение Джеймстаун, расположенное на материковой части Северной Америки, было первым процветающим английским поселением, основанным Лондонской компанией, называемой Вирджинской компанией. Всего было около 100 с лишним членов, которые руководили путешествием. Поселение было основано на берегу реки Джеймс.

Проблемы, с которыми столкнулось поселение Джеймстаун

Было бесчисленное множество причин, таких как голод, болезни и драки, которые почти стерли с лица земли поселение, пока оно не было возрождено другой группой поселенцев в 1610 году. Названо так в честь английского короля Якова I. Поселение Джеймстаун было основано 14 мая 1607 года в колонии Вирджиния.

Людовик XIII

Родившийся 27 сентября 1601 года в замке Фонтенбло, Людовик XIII правил как король Франции и Наварры с 14 мая 1610 года по 14 мая 1643 года. король после убийства своего отца в 1610 году. Однако, поскольку в то время он был несовершеннолетним, Францией правил правитель; в данном случае его мать, Мария Медичи.

Людовик XIII был помолвлен с Анной Австрийской, что укрепило связи между Францией и Испанией. В это время периода барокко были широко распространены религиозные потрясения, к которым королю пришлось обратиться. У короля и его жены Анны родился сын Людовик IV. Сын умер от туберкулёза в молодом возрасте 41 года.

Тридцатилетняя война (1618-1648)

Возможно, один из самых апокалиптических конфликтов в истории Европы, Тридцатилетняя война частично произошла в результате продолжающейся борьбы между протестантами и католиками, но это не было ‘высокий. Политические вопросы также, очевидно, были главной причиной этой длительной войны, которая, наконец, подошла к концу в 1648 году в той части Европы, которую мы сегодня знаем как Германию.

Война началась, когда произошло протестантское восстание против Священной Римской империи. Это была масштабная война, охватившая почти все европейские страны. Религиозные причины преобладали над политическими, однако это была борьба за власть в конце военных лет.

1620-1625

1620 год был годом прибытия поселенцев в Плимутскую колонию. Поселенцы были в основном группой английских сепаратистов, пилигримов, которые отмежевались от англиканской церкви, потому что не были убеждены, что церковь завершила дело Реформации.

Корабль этих людей высадился на территории современного Массачусетса, после чего здесь образовалось постоянное поселение под названием Плимутская колония. Его жители были известны как отцы-пилигримы или просто пилигримы.

Карл I

После смерти брата Карл I стал следующим наследником престола. Он был не очень способным правителем, так как во время его правления велись постоянные войны. Однако он считался человеком с хорошим вкусом, и в его время было много творческих начинаний. Также была широко распространена вражда с зарубежными странами, такими как Франция и Испания. Он был казнен в 1649 году.

1626-1642

Говорят, что в 1626 году голландские исследователи открыли Нью-Йорк. Это был Генри Хадсон, и 4 века назад был открыт Нью-Йорк. Страна иммигрантов сегодня, Нью-Йорк впервые появился благодаря тому, что здесь поселились голландцы. На самом деле, река Гудзон, Гудзонов залив и Гудзонов пролив названы в честь Генри Гудзона.

Смерть Галилео Галилея

8 января 1642 года мир потерял истинного гения. Философ, астроном, физик и математик Галилео Галилей умер в возрасте 77 лет в Арчетри, Великое герцогство Тоскана, Италия.

1643-1660

Известный как Король-Солнце, король Людовик XIV правил Францией 72 года, начиная с 1643 года и вплоть до 1715 года. ни одна страна не видела.

Людовик XIV

Людовик XIV начал рано в возрасте 4 лет, хотя он не мог править, так как был несовершеннолетним. Однако, как только он пришел к власти в 1661 году, он правил так, как подобает королю. Этот период ознаменовал конец Содружества Англии и возвращение монархии. Республиканское правление над Англией, Шотландией и Ирландией с 1649 года подошло к концу через 11 лет в 1660 году. , лорд-протектор (1653–1658) и Ричард Кромвель, лорд-протектор (1658–1659).), все подошло к концу в 1660 году. Именно тогда к власти вернулась королевская семья и королева Елизавета.

1656-1677

Джан Лоренцо Бернини долгие годы занимался достройкой площади Святого Петра в этот период. Открытая арена, которая находится прямо перед базиликой Святого Петра в Ватикане, местом, которое мы все знаем как папский анклав, была завершена с 1656 по 1667 год.

Вильгельм III

Сын Вильгельма II Оранского и Марии Стюарт, Вильгельм III никогда не знал своего отца из-за смерти отца от оспы до его рождения. Он взошел на престол как коронованный король 11 апреля 1689 года., со своей женой королевой Марией II (дочерью Якова II и Анны Хайд), на которой он женился в 1677 году. , король Вильгельм III и королева Мария II правили до 1694 года, года смерти королевы. Поскольку король и королева никогда не были благословлены детьми, у них не было наследников престола, что делало сестру Марии, Анну, преемницей.

Судебный процесс над салемскими ведьмами в Массачусетсе

Эпоха, наполненная пуританством, Салемские процессы над ведьмами, безусловно, являются одними из наиболее известных событий того времени. В период с июня по сентябрь 1692 года по крайней мере 19 мужчин и женщин были обвинены в колдовстве и арестованы за повешение недалеко от деревни Салем. Салемские процессы над ведьмами в Массачусетсе, несомненно, всегда будут частью тех инцидентов, которые невозможно забыть.

Нам всегда были известны более эстетические аспекты эпохи барокко, такие как музыка, литература, архитектура и т. д. Надеюсь, теперь у вас будет лучшее представление о значимых исторических событиях периода барокко.

Эпоха музыки барокко: краткая история

Стиль барокко зародился в начале 17 века в Риме, Италия. Он быстро распространился по Европе во Францию, Испанию, Португалию, а затем в Австрию, Германию и Россию. Этот стиль использовал изобилие, контраст, сложный орнамент, глубокий цвет и величие, чтобы вызвать удивление и чувство благоговения. Стиль барокко повлиял на все виды искусства, включая архитектуру, литературу, живопись, скульптуру, танец и музыку.

Истоки музыки и стиля барокко

Считается, что стиль барокко исходит от итальянских художников, таких как Аннибале Карраччи и Караваджо. Караваджо экспериментировал с драматическими контрастами света и тьмы, а также изображал религиозные сцены в повседневных условиях, таких как таверны и улицы. Художница эпохи барокко Артемизия Джентилески сегодня признана одной из самых выдающихся итальянских художников эпохи барокко. Ее исключительное техническое мастерство в стиле Караваджо. В то же время в Нидерландах Питер Пауль Рубенс и его коллеги отходили от чисто религиозной живописи в сторону более домашней тенденции, используя те же приемы и увлечение светом, что и их итальянские коллеги.

В мире скульптуры в стиле барокко группы фигур демонстрируют динамическую энергию или движение. Творчество великого итальянского художника Джованни Лоренцо Бернини доминировало как драматический аналог созерцательного ренессансного стиля, господствовавшего несколькими годами ранее. Его скульптуры отличаются более высокой степенью движения и бурной безудержной эмоциональностью.

Архитектура барокко ценила движение и плавность между интерьером и экстерьером, внешний вид сложных куполов и изогнутых стен. Первоначально он был представлен иезуитами католической церкви как средство борьбы с Реформацией и протестантской церковью с новым архитектурным стилем, который вызывал удивление и трепет.

Литература эпохи барокко произвела несколько крупных произведений в этот период, и шедевр испанца Мигеля де Сервантеса Дон Кихот Ламанчский пришел на ум как прекрасный пример полярных противоположностей барокко, главного эстетического идеала в каждом искусстве. Это иллюстрируется в романе личностями его главных героев, приземленного и прагматичного Санчо, резко контрастирующего с духовным и идеалистическим Дон Кихотом.

Возникновение музыкального жанра барокко

В сфере музыки барокко этот период начал зарождаться в конце 16 века в нескольких итальянских городах. Благодаря своей политической независимости и экономическому разнообразию в этих городах развилось несколько уникальных и индивидуальных музыкальных стилей, которые сильно расходились с классическими идеалами позднего Возрождения, культивируемыми в произведениях Палестрины и Ди Лассо. Среди этих городов следует особо отметить два культурных и политических центра Венецию и Флоренцию.

В Венеции церковь Св. Марка послужила географическим местом для развития полихоральной музыки Джованни Габриэлли. Этот стиль основывался на принципе наличия нескольких пространственно разнесенных хоров с голосами и инструментами, которые при одновременном исполнении требовали более простых гоморитмических аккордовых фактур, сильно расходившихся по замыслу с идеалом сложной подражательной полифонии позднего Возрождения.

Примерно в то же время во Флоренции группа интеллектуалов, гуманистов и художников, известная как «Флорентийская камерата», стремилась подражать идеалам классической греческой драмы, в которой слова и музыка сочетались, но иначе, чем мадригалы эпохи Возрождения. Музыкальное оформление не должно мешать естественным интонациям текста, а слова должны быть выражены как можно четче. Для сопровождения этой новой музыкальной концепции сложная контрапунктическая природа ренессансного мотета и мадригала не подходила и была заменена простой аккордовой текстурой, воспроизводимой инструментами, которые не мешали тексту. Эти разработки породили новый стиль пения, который был назван монодией и стал, пожалуй, самым важным нововведением эпохи музыки барокко.

Рождение оперной музыки в стиле барокко

Примерно в начале 17-го века самым важным музыкальным жанром той эпохи была барочная опера. Одним словом, этот жанр по сути представляет собой музыкальную драму в стиле барокко, которая поется на протяжении всей ее длины. Благодаря инновациям Флорентийской камеры в монодии впервые в истории был разработан вокальный стиль, подходящий для постановки полнометражной музыкальной драмы, и, таким образом, были поставлены первые оперы. В этот период достигла зрелости первая монументальная фигура эпохи музыки барокко, великий Клаудио Монтеверди. Хотя во Флоренции уже были предприняты некоторые усилия по созданию полнометражных опер, Монтеверди приписывают сочинение первой великой оперы в истории, либретто (текст) которого основано на греческом мифе об Орфее. L’orfeo культивировал два различных вокальных стиля, основанных на монодии, речитативе и арии с инструментальным сопровождением. Речитативный стиль очень похож на настоящую устную декламацию и наиболее полезен для представления диалогов между персонажами и длинных фрагментов текста для продвижения истории вперед. Напротив, Ария очень напоминает драматические монологи театра, в которых исполнитель выражает эмоции и размышления о событиях драмы, которые затронули его душу.

Во Франции, ближе к последнему десятилетию 17-го века, композитор эпохи барокко итальянского происхождения Жан-Батист Люлли адаптировал стили речитатива и арии к естественным интонациям и уникальной музыкальности французского языка, создав таким образом национальный оперный стиль. работает. Среди других значимых национальных школ можно отметить английских композиторов эпохи барокко Джона Блоу и Генри Перселла. К последним годам 17 века они уже разработали отчетливо английский стиль оперы, исполняемой на английском языке, адаптированный из идеалов флорентийской камеры и следуя некоторым модным французским тенденциям.

Оратория в музыке барокко

Еще одним выдающимся вокальным жанром эпохи барокко является оратория, в которой, в отличие от оперы, всегда присутствует религиозная тематика. Тем не менее, у этих двух жанров есть много общего, наиболее важным из которых является то, что оба стиля пения используют речитатив и арию для декламации текста. В этот период многие композиторы написали сотни ораторий, но, пожалуй, ни один из них не достиг таких высот, как композитор немецкого происхождения Георг Фридрих Гендель. Его очень успешная музыкальная карьера развивалась в основном в Англии, где он адаптировался к меняющимся экономическим временам и, следовательно, вкусам публики. Начав свою карьеру в качестве итальянского оперного композитора, Гендель позже переключился на более прибыльный жанр оратории. Его усилия в обоих жанрах сделали его ключевой фигурой в истории сценической музыки и навсегда заняли место на Олимпе композиторов.

Влияние Баха на музыку барокко и эпоху

Возможно, самый влиятельный композитор и музыкант эпохи барокко всех времен, Иоганн Себастьян Бах, безостановочно работал над созданием своего огромного корпуса из более чем двухсот лютеранских кантат. Это был еще один важный вокальный жанр периода музыки барокко, который включал в себя классические элементы лютеранских обрядов, такие как хорал и сольная песня, а также новые разработки, такие как речитатив и стиль арии итальянского происхождения.

Бах родился в центральногерманском городке Айзенахе в 1685 году, в самом сердце уважаемой музыкальной семьи. Работа всей его жизни была посвящена музыке и лютеранской церкви, набожным членом и служителем которой он был. Четверо очень успешных сыновей-музыкантов сменили его и стали крупными композиторами переходного периода в классическую эру. У Баха сложились дружеские отношения с несколькими другими композиторами той эпохи, а именно с Георгом Филиппом Телеманом, который стал крестным отцом его сына Карла Филиппа Эмануэля, и Дитрихом Букстехуде. Букстехуде был известным композитором и органистом, чья виртуозность и композиторское мастерство побудили Баха пройти пешком 200 миль, чтобы встретиться с ним, и в конце концов даже выступать с ним. Сфера влияния Баха настолько широка, что искусствоведы обычно признают его смерть решающим событием, которое в 1750 году положило конец периоду барокко.

Наследие эпохи барокко

Одним из главных достижений эпохи барокко стало утверждение инструментальной музыки как серьезного, независимого и важного средства музыкального выражения. Многие крупные композиторы музыки эпохи барокко создали произведения, достигшие олимпийских высот и вошедшие в стандартный репертуар нескольких инструментов. В предыдущий исторический период некоторые композиторы уже начали развивать инструментальную музыку, причем инструменты в основном служили аккомпанементом человеческому голосу, как в лютневых песнях Джона Доуленда.

В период музыки барокко инструментальные жанры и стили претерпели несколько серьезных изменений. Это было связано как с техническими разработками в конструкции инструментов, так и с появлением великих виртуозов, которые соревновались друг с другом, тем самым раздвигая границы возможностей инструментов. Известными эпизодами таких соревнований были несколько встреч Доменико Скарлатти и Генделя в первые дни 18 века. Два композитора устроили дружеское музыкальное соревнование, в котором Скарлатти победил на клавесине, а Гендель на органе.

Социальные изменения времени и появление публичных концертов привели к снижению популярности лютни, ее место заняли клавесин и орган, а интересы композиторов сместились в сторону клавишных инструментов. Этот период был также временем, когда было изобретено и значительно развито несколько новых инструментальных жанров, среди наиболее значительных были прелюдия, хоральная прелюдия, фуга, токката, сюита, ​​соната, концерт и концерт Гроссо.

Три жанра барокко имеют особое значение для развития некоторых новых и уникальных характеристик. Барочный соло-концерт — произведение для оркестра и одного солирующего инструмента. Он предоставил отличную среду для исследования эффекта контрастной звучности, различной плотности звука и драматических виртуозных пассажей для солиста, которые были привлекательны как для публики, так и для эстетики барокко. В то же время развивался еще один вариант концерта — барочный концерт-гроссо. В этой форме также использовался оркестр, но вместо отдельного солиста в нем использовалась небольшая группа или ансамбль сольных инструментов, которые работали как единое целое.

И последнее, но не менее важное: в эпоху барокко также произошли глубокие изменения в сфере камерной музыки для инструментов. Это включает в себя изобретение сонаты для сольного инструмента и клавишных, которая в конечном итоге станет основным жанром на протяжении оставшейся части 19 и 20 веков. Трио-соната включала две мелодические линии и аккомпанемент basso continuo , который на самом деле состоял из полифонического инструмента, такого как клавесин, а также из мелодического басового инструмента, который обеспечивал басовую партию и гармоническое содержание.

Слушайте музыку барокко на Calm Radio

Эпоха барокко охватила огромный период времени, около 150 лет и тысячи произведений, созданных в самых разных стилях, странах и жанрах. Это заставило многих историков подвергнуть сомнению уровень точности термина «барокко» для охвата таких расходящихся тенденций, как L’orfeo Монтеверди и Страстей по Матфею Баха .

Слушатели Calm Radio любят наши музыкальные каналы эпохи барокко и бесконечный список композиторов эпохи барокко. От таких каналов, как барочный клавесин, орган, лютня, скрипка и виолончель, и таких композиторов, как И. С. Бах, Гендель, Букстехуде, Куперен, Скалатти и Вивальди, здесь живет вся возможная музыка барокко.

Приятного прослушивания!

~

Слушайте расслабляющую музыку в стиле барокко и классическую музыку на Calm Radio. Загрузите музыкальное приложение Calm Radio на свой Android, iPhone, Sonos и другие платформы и наслаждайтесь сотнями успокаивающих каналов, барочной музыкой, расслабляющей музыкой для работы, сосредоточения и концентрации. Насладитесь размышлениями о вере и послушайте успокаивающую христианскую музыку здесь.

Хрестоматия по истории искусств: Барокко | Сартл

Что вы знаете о Искусство барокко ? Пройдите наш тест!

Барокко — странное и прекрасное течение, созданное и продвигаемое Римско-католической церковью в противовес протестантской Реформации на севере. Техас считает, что он загнал рынок в угол, но это ничто по сравнению с широким влиянием барокко. Сегодня некоторые используют термин «контрреформация» вместо «барокко». По сути, это взаимозаменяемые термины, относящиеся к искусству, созданному между 1600 и 1730-ми годами в Западной Европе. Барокко оказало большое влияние на все искусства, от танца до архитектуры и всего, что между ними.

Как и эпоха Возрождения, барокко играло важную роль как в Северной, так и в Южной Европе. Не прошло и 100 лет после того, как Мартин Лютер прибил свои тезисы к дверям церкви в Виттенберге, барокко зажгло новое направление в искусстве. Подпитываемое католической церковью для защиты своей религиозной и политической территории, искусство Контрреформации использовало драматизм, театральность и размер, чтобы усилить величие и славу Церкви и ее необходимость для спасения. Это привело к роскошным дворцам, церквям, садам и фонтанам по всей Европе, поскольку монархи с растущей властью заимствовали тот же стиль, чтобы подчеркнуть свое божественное право на власть. От садов Версаля до дворцов Германии и фасадов многих церквей Венеции трудно не заметить барокко.

Архитекторы, такие как Кристофер Рен и Бернини, поставили барокко на карту наряду с собором Святого Павла в Лондоне и площадью Святого Петра в Ватикане. В то время как здания эпохи Возрождения обычно были построены из кирпича и имели простые фасады, в зданиях в стиле барокко использовались мраморные фасады с колоннами и фризами (отсылая к классическому миру). Их интерьеры были столь же экстравагантны и внушали благоговейный трепет, как правило, отличались изогнутыми линиями и витиеватым золотым декором. Величественные архитектурные стили и формальные сады барокко не только прокатились по Европе, но и нашли свой путь в Америку, когда исследователи и миссионеры из Испании и Португалии пересадили барокко в новый мир. Чувствуете себя ошеломленным барокко? В этом суть. Добро пожаловать в клуб.

Живопись и скульптура в Италии, Франции и Священной Римской империи продвигали повестку дня католической церкви с помощью библейских повествований, аллегорических сцен и изображений важных святых. Трентский собор шестнадцатого века установил определенные требования к тому, как должно выглядеть религиозное искусство, постановив, что религиозные сцены должны изображаться с точностью, ясностью и эмоциональной силой. Сцены, которые вызывали мистические аспекты религии, предпочитались, потому что они продвигали роль церкви как основного толкователя Божественного. Произведения этого периода сохраняют уроки, извлеченные в эпоху Возрождения в отношении перспективы, анатомии, баланса и т. Д., Но отличаются своей театральностью и использованием светотени, резкого контраста между светом и тьмой, что усиливало драматизм.

Однако барокко в Нидерландах выглядело совершенно иначе. Голландцы-протестанты в процессе завоевания независимости от Испании образовали свою собственную Голландскую республику. Их кальвинистская культура неодобрительно относилась к изображениям, используемым в богослужении, поэтому многие художники обратились к изображениям окружающего мира, вместо этого рисуя портреты, натюрморты и изображения повседневной жизни, называемые «жанровыми картинами». Хотя многие из этих картин не являются откровенно религиозными, они все же содержат религиозные и моральные послания. В то же время у Голландской республики была самая сильная экономика в Европе, а торговые сети охватывали более половины земного шара. Растущий средний класс внезапно смог позволить себе предметы искусства для дома, и они скупали их как сумасшедшие. Практически впервые в западной истории искусство производилось до на него нашелся покупатель. Художникам больше не нужно было иметь заказ, и поэтому они могли создавать искусство, которое хотели (главным исключением из этого правила была портретная живопись). Важность этого невозможно переоценить. Вся парадигма художественного производства радикально изменилась. Этот расцвет голландского искусства и культуры в семнадцатом веке известен как Голландский золотой век.

  

Ключевые исполнители

• Артемизия Джентилески — итальянская художница и феминистская икона

• Элизабетта Сирани — итальянский художник

• Джудит Листер — голландский художник-жанрист

• Караваджо — Гений и плохой мальчик барокко

• Джан Лоренцо Бернини — итальянский скульптор и гений

• Андреа Паладдио — итальянский архитектор

• Рембрандт ван Рейн — голландский художник и портретист

• Frans Hals — голландский художник жанра

• Питер Пауль Рубенс — фламандский художник и дипломат

• Диего Веласкес — испанский художник

• Николя Пуссен — классический французский художник эпохи барокко

• Антонис ван Дейк — ученик Рубенса

• Йоханнес Вермеер — голландский художник-жанрист

Для получения дополнительной информации об этом периоде см. См. «Школа истории искусств Сартла: искусство барокко» и «Школа истории искусств Сартла: Золотой век Нидерландов».

Эта книга является частью большой серии вводных текстов об искусстве и истории искусства. Каждый был написан под руководством Рика Лава. Этот ридер был написан в соавторстве с Жанетт Стурман.

• хрестоматия по истории искусств
• серьезная история искусства
• искусство барокко
• художественное образование

Краткая история музыки барокко в Европе

ИТАЛИЯ

Папство вернулось в Рим в 1377 году, и после середины 15 века город стал центром культуры эпохи Возрождения. Массовое папское покровительство искусствам начало обогащать Рим. При папстве (1447-1455) Николая V были отремонтированы оборонительные стены, построены дворцы, восстановлены церкви. Крупные художники и архитекторы теперь работали в Риме, и к концу века он вытеснил Флоренцию в качестве основного центра эпохи Возрождения. Разграбление города в 1527 году наемниками Габсбургов было временной неудачей. В 16 веке Микеланджело, Донато Браманте, Рафаэль и другие художники работали на пап, и строительство новой базилики Святого Петра продолжалось. Лишь в царствование (1585-159 гг.)0) папы Сикста V, тем не менее, что плотная, запутанная средневековая городская структура начала модернизироваться. Были проложены три основные улицы, расходившиеся от площади Пьяцца дель Пополо к центру города. Сикст также построил площади и фонтаны, восстановил акведук Acqua Felice. Кроме того, были отремонтированы старые церкви и достроен купол собора Святого Петра.

Неудивительно, что на этом богатом визуальном фоне расцвела и музыка. Типичным представителем эпохи барокко, действовавшим в Риме, был композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713), чей стиль игры стал основой скрипичной техники 18-19 вв.века, и чьи камерные музыкальные композиции имели далеко идущее влияние. Он родился в Фузиньяно, учился в соседней Болонье, а после 1675 года жил в Риме. Среди его покровителей были королева Швеции Кристина, а после 1690 года кардинал Пьетро Оттобони (1667–1740), либреттист и важный музыкальный покровитель, который в качестве вице-канцлера церкви проживал в Палаццо делла Канчеллерия, где проходила Поэтико-музыкальная академия. исполнялись оперы и оратории. Композитор, наиболее широко издаваемый и переиздаваемый до австрийца Йозефа Гайдна, Корелли был первым композитором, получившим международную известность исключительно благодаря своей инструментальной музыке. Многие элементы его стиля стали обычным явлением в 18 веке, и его произведения являются ранними примерами недавно развитой системы мажорной и минорной тональности. Как выдающийся скрипач-виртуоз того времени, он обучал многих ведущих скрипачей-композиторов 18 века, в том числе итальянца Франческо Джеминиани.

Многие выдающиеся композиторы эпохи барокко, в частности Гендель, например, останавливались в Риме, и влияние Корелли распространилось по всей Европе. Рим, конечно же, также был представлен в Гранд-туре, которым в 1700-х годах наслаждались богатые люди Европы и особенно Англии.

Соперничая с Римом в его музыкальном влиянии, если не в его архитектурном и художественном великолепии, Неаполь был обязан своим выдающимся положением в музыке огромному количеству талантливых музыкантов, которых родил город, а также его музыкальным консерваториям, которые их воспитали и обслуживали. так хорошо. Действительно, Неаполь по праву называют консерваторией музыки 18-го века, и на самом деле он может похвастаться четырьмя консерваториями высочайшего музыкального уровня.

Едва ли какой-либо великий композитор первой половины сеттеченто не испытал влияния неаполитанской музыки. Действительно, большинство великих музыкальных деятелей того времени посещали Неаполь или какое-то время оставались и работали там. Блестящий Никола Порпора (род. 19 августа 1686 г. в Неаполе; ум. там в феврале 1767 г.), например, не только обучал Йозефа Гайдна, но и был близко знаком с такими всемирно известными деятелями, как Бонончини, Фаринелли, Гендель и Хассе. В 1733 году он отправился в Лондон, присоединившись сначала к Хассе, а затем к Бонончини, чтобы соревноваться с великаном Генделем. Некоторые говорят, что влияние Порпоры модернизировало поздний оперный стиль Генделя или, по крайней мере, имело такую ​​тенденцию вплоть до отъезда Порпоры из Англии в Италию в 1737 году.0011

Общепризнанным мастером музыки неаполитанского барокко был Алессандро Скарлатти (род. 2 мая 1660 г. в Палермо; ум. 24 октября 1725 г. в Неаполе). Почти в одночасье он произвел революцию в провинциальной музыкальной атмосфере, преобладающей в Неаполе, прежде чем он прибыл в феврале 1684 года в качестве нового маэстро ди капелла в капеллу вице-короля. Прямой наследник великих итальянских традиций оперы, оратории, кантаты и инструментальной композиции, полученных от Пьетро Франческо Кавалли (1602-1676), Джакомо Кариссими (1605-1674), Алессандро Страделлы (1642-1682) и Джованни Легренци (1626-1626). 1690), Скарлатти был хорошо подготовлен, чтобы революционизировать неаполитанскую музыкальную жизнь. Внезапная отставка старой неаполитанской гвардии — Франческо Провенсале (ок. 1627-1704) и шести его коллег, все разочарованные тем, что Провенсале был передан в пользу Скарлатти после смерти Пьетро Андреа Зиани (ок. 1630-1684), расчистил путь для глотка свежего воздуха Скарлатти. Оперы и кантаты Скарлатти, его серенаты и оратории и особенно его инструментальные произведения вскоре вдохнули новую жизнь в неаполитанскую музыку. Ему предстояло написать более ста опер, шестьсот кантат и ряд ораторий. Кроме того, представители европейской знати часто заказывали ему сочинение сонат для духовых и струнных инструментов, а также пьес для клавира и концертов гросси.

Доменико Скарлатти (род. 26 октября 1685 г. в Неаполе; ум. 23 июля 1757 г. в Мадриде) был шестым сыном Алессандро Скарлатти. Отец, без сомнения, подверг Доменико наилучшему обучению в Неаполе, взяв его примерно в 1708 году в Венецию, чтобы учиться у Франческо Гаспарини (1668–1727), который сам был учеником Арканджело Корелли (1653–1713). Согласно отчету, из Венеции младший Скарлатти отправился в Рим с Генделем, где оба выступали перед кардиналом Пьетро Оттобони. Около 1720 года он переехал в Лиссабон, а еще через десять лет в Мадрид. Сегодня он, пожалуй, наиболее известен своими клавишными сонатами, в которых он много заимствовал из латиноамериканских народных мелодий и ритмов, создавая уникальную смесь, которую можно назвать «иберийским барокко».

Франческо Дуранте (род. 31 марта 1684 г. во Фратта-Маджоре; ум. 13 августа 1755 г. в Неаполе) был самым занятым из неаполитанских учителей, занимая должности в консерваториях Сант-Онофрио и Санта-Мария-ди-Лорето и преподавая , играть и сочинять в другом месте. Его карьера развивалась в наилучшее время для того, чтобы максимально использовать новые глубины и богатство, новую музыкальную беглость, которую Алессандро Скарлатти создал для Неаполя. Дюранте так воспользовался этими удачными обстоятельствами, что Руссо был вдохновлен назвать его «величайшим гармонистом в Италии, то есть в мире».

Но по неизменно высокому вдохновению немногие композиторы того времени, неаполитанские или нет, могут сравниться с Джованни Батиста Перголези (род. 4 января 1710 г. в Ези; ум. 16 марта 1736 г. в Поццуоли). Его карьера также совпала с самым плодотворным периодом неаполитанской музыкальной истории. Перголези суждено было воспользоваться (за два с половиной десятилетия трагически укороченной жизни) грандиозной возможностью для совершенно новой музыкальной формулировки, предоставленной произведениями Скарлатти. Почти в одиночку Перголези выковал новый драматический стиль, используя для своих целей непритязательную оперу-буффа и привнеся на сцену и в концертный зал все тонкости психологического, идиоматического и мотивного развития и всю драматическую гибкость, столь необходимую для искусства спектакля. музыкальная характеристика, которую Моцарт должен был довести до совершенства.

Венеция, большой независимый торговый город на воде на севере, была также местом большого богатства, архитектурных шедевров и музыкального влияния, самым известным среди его музыкальных сыновей был Антонио Вивальди. Венеция также участвовала в «Большом туре» европейской знати. Однако, оглядываясь назад, мы, возможно, можем с грустью отметить, что экономическая мощь и богатство Венеции уже пришли в упадок, и к концу жизни Вивальди начался экономический спад, от которого Венеция так и не оправилась.

Основополагающее, всепроникающее и вдохновляющее влияние на музыку итальянского барокко оказали ее скрипичные мастера, главным образом сосредоточенные в Кремоне, – семья Амати в 16-м и 17-м веках, семьи Гварнери и Страдивари в 17-м и 18-м веках. Можно предположить, что аналогичным образом великие органостроители Германии, Арп Шнитгер на севере и Готфрид Зильберманн на юге, вдохновляли таких композиторов, как Букстехуде и И.С. разнообразные и величественные тональности этих замечательных инструментов.

 

ИЗ ИТАЛИИ В ГЕРМАНИЮ

Иоганн Георг Писендель (родился в 1687 г., умер в Дрездене в 1755 г.) был не только одним из выдающихся немецких скрипачей 18 века, но и всемирно известной музыкальной личностью. В возрасте десяти лет он отправился в Ансбах, где его учителем стал Джузеппи Торелли. В 25 лет он поступил в Дрезденский придворный оркестр, а в 1728 году был назначен его руководителем и с большим отличием занимал этот пост до самой смерти. Во многом его работе Дрезденский придворный оркестр обязан своей известностью во всей Европе. Иоганн Фридрих Райхардт писал в 1774 году: «Хотя берлинский оркестр всегда был хорош, люди, имеющие право судить и знакомые с обоими, всегда предпочитали дрезденский оркестр под руководством известного концертмейстера Пизенделя». С разрешения двора Писендель отправился во Францию ​​в 1714 году и в Италию в 1716/17 году. Он учился у Вивальди в Венеции, а также познакомился с другими выдающимися итальянскими мастерами того времени, а по возвращении в Дрезден представил последние итальянские скрипичные композиции.

Мы знаем, что Писендель исполнил концерт Торелли для Лейпцигского Collegium Musicum, а Дрезден был в то время центром немецкого культа Вивальди, под влиянием которого И.С. Бах сочинил свои органные концерты. Политические и культурные связи между Саксонией и Италией еще больше укрепились после коронации Марии Амалии Саксонской королевой Неаполя. Королевские резиденции в Мюнхене, Штутгарте и Ганновере также позволяли себе роскошь итальянских музыкальных заведений, а многие небольшие княжеские дворы, где музыкой руководили немцы, заказывали последние партитуры из Италии.

Значение и авторитет Писенделя как оригинального композитора долгое время недооценивались. Хотя он не был плодовитым писателем, те его сочинения, которые сохранились, отличаются высоким качеством и демонстрируют индивидуальную творческую цель. Соната для скрипки соло — очень требовательное произведение как с музыкальной, так и со скрипичной точки зрения, и она подтверждает теорию о том, что игра и стиль Писенделя могли привести к сочинению сольных сонат Баха. Действительно, было высказано предположение, что Шесть сонат/партит Баха для скрипки соло были написаны именно как вызов Писенделю во время визита Баха в Котен-Корт, где Бах тогда служил.

Точно так же капеллмейстер Готы, Готфрид Генрих Штольцель (1690-1749), отправился в Италию в 1713 году, чтобы вступить в личный контакт с выдающимися музыкантами того времени и не упускать возможности «там, где что-либо можно было услышать». ». В Риме он познакомился с Алессандро Скарлатти, а в Венеции с Вивальди, Марчелло и его земляком Иоганном Давидом Хайнихеном. Его путь пролегал через Флоренцию, Пизу и Ливорно, а обратный путь через Болонью, Венецию и Триест в Инсбрук, а затем через Линц и Будвейс в Прагу.

«Concerto a quattro chori» Штольцеля, например, был ярким событием в придворном музицировании того времени. Само озвучивание этого произведения с его двумя группами труб, группой деревянных духовых инструментов и разделенными струнными создает атмосферу праздничного великолепия, характерную для позднего периода барокко, с его чистой радостью в создании музыки. Дж. С. Бах знал и, вероятно, ценил это прекрасно звучащее произведение своего коллеги по Готе; он использовал фугальную тему из Финала этого Концерта в своей Бурре соль минор из «Клавиербюхляйна» для Вильгельма Фридеманна Баха, в которой «Partia di Signore Stelzeln» в нескольких частях занимает почетное место.

ГЕРМАНИЯ

Несмотря на сильное влияние событий в Италии, Германия фактически прививала эти формы и стили к своим местным традициям.

Реформация, возглавляемая Мартином Лютером и официально начатая в 1517 году, принесла религию в массы как посредством переводов Лютером библейских текстов на немецкий язык, так и посредством широкого использования хорала в качестве основного текстового/музыкального сопровождения церковной службы. . Из традиционных хоральных мелодий выросла и развилась большая часть музыки немецкого барокко. Кантаты и страсти часто были основаны на хорале, а если и не были, то были просто продолжением хоральной традиции. Органисты тоже дорабатывали хорал на неделю, добавляя вставки между куплетами или сочиняя целые наборы вариаций на основе определенной мелодии хорала.

К этой традиции следует добавить инстинктивную немецкую любовь к порядку, которая до сих пор проявляется во многих аспектах немецкой жизни. Таким образом, немецких композиторов привлекали фуга, канон и пассакалия из-за их фундаментальной формы, рисунка и единства.

Одним из нескольких композиторов раннего барокко, внесших значительный вклад в объединение хорала и контрапункта, был ДИТРИХ БУКСТЕХУД. Датчанина по происхождению, родившегося в Олдесло, Гольштейн (тогда датское владение), в 1637 году, он умер в Любеке в 1707 году в возрасте шестидесяти девяти или семидесяти лет. В дополнение к его композиционному вкладу, его мастерство игры на органе было легендарным. Его исполнение духовной музыки, инструментальной и вокальной, сделало Любек местом паломничества музыкантов, стремящихся продвинуться в своем искусстве, а сам молодой Себастьян Бах проехал двести миль, чтобы послушать их и сесть у ног Учителя. В кантатах и ​​страстях Баха, а также в его многочисленных хоральных прелюдиях и вариациях развитие хорала достигло такой вершины, которая никогда впоследствии не была превзойдена.

Хорал продолжается и продолжает занимать важное место в немецкой жизни, как протестантской, так и католической. Хоралы постоянно звучали как в домах, так и в церквях. На протяжении веков было принято, чтобы церковные хоры ходили по улицам в течение недели, распевая их перед домами. Даже в 1880-х годах Штейнерт, бостонский торговец пианино, снова посетив свой родной баварский город после сорокалетнего отсутствия, обнаружил на улицах ночного сторожа, который все еще отсчитывал часы, распевая куплеты своего гимна на их старую хоральную мелодию. делает в другом баварском городке в Вагнеровских мейстерзингерах. Хорал действительно проник в немецкую религиозную, общественную и домашнюю жизнь. Частный путешественник в Германии сегодня может быть удивлен, узнав, сколько из тех, кого он или она встречает, являются постоянными и восторженными участниками церковных хоров, еще раз подтверждая их глубокую любовь к хоровой музыке.

АНГЛИЯ

1600-е годы оказались веком политических потрясений и перемен в Англии — перехода от автократической к парламентской монархии. В начале века Британией правил в высшей степени автократический монарх, который не хотел иметь ничего общего с молодым и амбициозным парламентом. Вскрытие произошло после судебного процесса в парламенте и последующей казни короля Карла I в 1649 году. За этим последовала попытка создания республики при Кромвеле, которая оказалась хаотичной и катастрофической. Восстановленные монархи — Карл II и Яков II — все еще несколько неохотно признавали верховенство парламента, пока сам парламент не призвал дочь Якова Марию и ее мужа-голландца Вильгельма Оранского спасти страну от политической нестабильности. Это они сделали в 1689 году., правивший впоследствии совместно как Вильгельм III и Мария. Эта краткая история объяснит, почему после культурного вакуума и хаоса революции, республики и последующих лет музыка снова процветала, когда век подходил к концу.

Генри Пёрселл родился в 1659 году, и хотя ему суждено было прожить очень короткую жизнь (он умер в 1695 году), он смог насладиться и в полной мере использовать возобновившийся расцвет музыки.

Много своего таланта он посвятил написанию опер или, вернее, музыкальных драм и случайной сценической музыки; но он также писал камерную музыку в виде сюит для клавесина и трио-сонат и стал участвовать в растущей лондонской публичной концертной сцене. Для молодого Лондонского музыкального общества он сочинил оды в честь дня святой Цецилии (покровительницы музыки), который любой желающий меломан может отпраздновать 22 ноября.

Будучи сыном придворного музыканта, певчим в Королевской капелле и обладателем королевских должностей вплоть до своей смерти, Перселл в течение двадцати пяти лет работал исключительно в Вестминстере на трех разных королей, а также факты о деятельности Перселла в суда достаточно хорошо задокументированы. Среди других произведений, написанных для двора, он написал оды к королевским дням рождения, среди которых живая и мелодичная «Приходите, сыны искусства».

Смерть королевы Марии стала сокрушительным ударом, который глубоко затронул страну. Мария была очень любимым монархом, и публика требовала похорон, отражающих ее преданность. Не пожалел денег. Сэр Кристофер Рен позаботился о том, чтобы дорога в Вестминстер была ограждена черными перилами. Триста мрачных женщин возглавляли свиту, одетую в черные плащи, а мальчики несли их шлейфы. Перселла также призвали исполнить оду на смерть его (и всей страны) возлюбленной королевы Марии. Как прекрасно событие подошло к вызывающей воспоминания и горько-сладкой музыке Перселла. В ноябре того же года Вестминстерское аббатство также станет местом проведения собственных похорон Перселла, на которых объединенные хоры аббатства и Королевской капеллы отметят преждевременную кончину «английского Орфея».

В течение последних десятилетий 1600-х годов Англия многое узнала об итальянском и французском музыкальных стилях от Перселла и войдет в новый век, тепло восприняв континентальную моду.

В английской музыкальной жизни в первой половине 1700-х доминировала гигантская фигура Генделя, поселившегося в Лондоне в 1712 году; здесь снова королевская власть сыграла свою влиятельную роль.

После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где провел более трех лет во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли, а по возвращении, возможно, встретил Вивальди в Венеции.

Гендель покинул Италию в начале 1710 года и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером курфюрста Джорджа Людовика. Королевские дома Британии и Европы всегда были тесно связаны между собой, и Акт об урегулировании 1701 года, закрепивший протестантское правопреемство короны, сделал мать Джорджа предполагаемой наследницей престола Великобритании. В 1705 году Георг уже был натурализован парламентским актом, а в августе 1714 года смерть королевы Анны сделала его королем. Гендель, который уже побывал в Лондоне и, по-видимому, нашел его по душе, должен был последовать за курфюрстом в принятии британского гражданства, и действительно, часть успеха Генделя в Лондоне была связана с королевским покровительством курфюрста Ганновера, ныне короля Георга I.

Влияние Генделя как на культурную среду своего времени, так и на его более молодых английских современников трудно переоценить. Это было началом эпохи «Большого тура», когда образованные и состоятельные граждане отправлялись в «Большой тур» по Италии, Франции, Германии и Нидерландам. Часто они возвращались домой, полные энтузиазма по поводу академий, театров, опер и концертной жизни, с которыми столкнулись в Европе. Короче говоря, Англия стала гостеприимным домом для иностранных виртуозов, импресарио, певцов и композиторов. Как заметил гамбургский теоретик, критик и композитор Иоганн Маттесон в 1713 году (Das Neu-Erôffnete Orchester): «Тот, кто в настоящее время хочет извлечь выгоду из музыки, отправляется в Англию».

В Англии, как и прежде всего в Германии, главным образцом инструментальной музыки был Корелли, сочинения которого впервые стали известны в Лондоне в конце семнадцатого века. В 1715 году Джон Уолш-старший — он и его сын вскоре должны были стать издателями Генделя — издал Корелли «12 Concerti Grossi Op. 6, с тех пор они исполнялись, адаптировались и, судя по всему, пользовались всеобщей любовью. Английский историк музыки сэр Джон Хокинс упоминает случай в 1724 году, когда группа энтузиастов-любителей, только что приобретших сочинение Корелли. 6 у книготорговца, «проиграли все 12 концертов, не вставая с места» ( История науки и практики музыки , 1776). Концерты современника Корелли Торелли и модные в последнее время венецианские концерты Вивальди также были изданы и стали популярными в Англии.

Одним из первых композиторов, чьи концерты были напечатаны в Англии, был Франческо Джеминиани. Джеминиани родился в Лукке и учился игре на скрипке у Корелли в Риме. Также возможно, что он изучал композицию у Алессандро Скарлатти в Неаполе. В 1707 году Джеминиани вернулся в свой родной город Лукку, где три года играл в городском оркестре, а в 1711 году занял должность руководителя оперного оркестра в Неаполе. В 1714 году он приехал в Англию, где его игра быстро завоевала поддержку ведущих фигур при дворе и среди аристократии. Джеминиани уехал из Лондона в Дублин в 1733 году, где заработал прекрасную репутацию учителя, исполнителя, организатора концертов и теоретика. В том же году он открыл концертный зал в Дублине, по-видимому, используя помещения наверху для музыки и комнаты внизу для торговли фотографиями.

ФРАНЦИЯ

Вклад Франции в музыку барокко, особенно в ее ранний период, 1650-1700 гг., был сравнительно небольшим. Это произошло исключительно благодаря влиянию некоего Джованни Баттиста Лулли (1632–1687), итальянца знатного происхождения, который в молодости отправился во Францию ​​и поступил на службу в 1653 году при дворе Людовика XIV. Здесь он использовал свое влияние на короля в сочетании с агрессивным чувством бизнеса, чтобы создать для себя фактическую монополию на французскую музыку, которая просуществовала после его смерти и вплоть до начала 1700-х годов, и только благодаря Рамо и Куперену Франция вновь начал искать себя в музыкальном плане. Мертвая хватка Люлли (если использовать его более позднее французское написание) во французской музыке того времени едва ли можно было переоценить. Серия строго ограничительных королевских патентов дала ему полную монополию на использование музыки на французской сцене. Агрессивный и расчетливый в делах Люллий скупал ведущие театральные площадки, а для укрепления своего положения даже уговорил короля издать указ, ограничивающий число певцов и инструменталистов, которые могли выступать с другими парижскими театральными труппами.

Основное влияние, которое Франция оказала на эпоху барокко, было связано с придворной роскошью. В 1669 году Людовик XIV (1638-1715) решил превратить старый охотничий домик в Версале в дворец невиданной роскоши. Он был завершен в 1682 году, а двор переехал в 1683 году. В Европе не было королевского или княжеского двора, который мог бы сравниться с Версалем по роскоши своих позолоченных интерьеров, зеркал и люстр, с соответствующей пышностью придворных церемоний и в Европе не было королевского или княжеского двора, который бы открыто или тайно не стремился соответствовать этому образцу.

Люлли (теперь натурализованный французский язык как Жан-Батист Люлли с буквой «у») отразил этот идеал в великолепии своих опер и оперных декораций, поставленных с помощью всевозможных машин, с помощью которых могли летать солнца и ангелы, и кораблей. мог бы ездить по диким бурным морям. Его оперные тексты восхваляли короля и на каждом шагу отражали последние королевские мысли, что, конечно же, служило укреплению его положения. Однако в то же время следует подчеркнуть, что его выступления нельзя было пропустить. Его оперы и духовные произведения демонстрировали богатство и величие (увертюра во французском стиле была одним из его вкладов), которые вызвали бы интерес, восхищение публики и приезжих музыкантов из Италии и Германии.

Хотя многие европейские королевские особы должны были совершить паломничество в Версаль, никто не должен был знать, что Людовик и его страна были обременены долгами, которые наложил на них дорогостоящий Версаль. Кроме того, Франция в последние годы 1600-х годов потерпела два голода и серию катастрофических военных поражений. Великолепие Версаля постепенно угасало вместе с энергией короля, и его смерть в 1715 году ознаменовала как конец Версаля (хотя позже он возродился), так и возрождение (нелуллианской) музыки в Париже с бумом нот. печать и уроки музыки для буржуазии. Музыкальная свобода и жизненная сила возродились в Париже и продолжали процветать даже после того, как Людовик XV вернул свой двор в Версаль.

ИСПАНИЯ

Присутствие мавров (примерно 800-1500 человек) придало испанской музыке большую часть ее отличительного колорита, оставив в наследство сложные арабские ритмы, микротонические гаммы и постоянную любовь к щипковым инструментам, виуэле и гитаре. Странствующие цыгане позже добавили региональное разнообразие ритма и мелодии. Именно эту богатую и разнообразную фольклорную смесь Доменико Скарлатти позже исследовал и использовал с таким пылом и энтузиазмом.

Когда император Карл V объединил Нидерланды, Бургундию, Неаполь и Испанию под одной короной, Испания открылась для всего европейского музыкального мира. В правление Карла и его сына Филиппа II, вместе охватывающих период 1516-159 гг.8, испанская музыка достигла кульминации. В этот период также процветало органостроение; строители органов стали предприимчивыми и изобретательными, когда процветание Испании перетекло в церкви. Сам Филипп II подарил орган в соборе Гранады – он до сих пор используется регулярно. Слепой органист-композитор Антонио де Кабесон (1510–1566) был одним из первых в мире композиторов для клавишных, его произведения демонстрируют довольно продвинутый стиль.

Значительные музыкальные события эпохи барокко произошли, однако, и в других регионах Европы. Глядя на имена испанских композиторов 1650-1750-х годов, мы не находим ни одного особого примечания. Однако в 21 веке нужно время от времени напоминать себе, что с 1650 по 1750 годы политическая карта мира была совсем другой. Большая часть юга Италии (с центром в Неаполе, включая Сицилию и Сардинию) были «испанскими» колониями испанской части Дома Габсбургов (ведущей державы в Европе). Испания была ведущей европейской державой в Средиземноморье и в культурном отношении включала в себя гораздо больше, чем Пиренейский полуостров.

Главной фигурой испанского барокко был Доменико Скарлатти, который родился и получил музыкальное образование не в Испании, а в Италии. In Scarlatti’s 500 or so Sonatas we find all the richness and excitement, the melodic and rhythmic variety of traditional Spain..

The Baroque Era

25 60497  7

89

8 Франция Ваннико0497 Испанский художник 90978 Антигравийный00777 Грегорио Фернандес 3 Фламандский художник04979898989800500 Ludovicus Finson  9авио4 Отт Фламандский художник04977

9

Federico Barocci	1535-1612	Italian Painter
Блас де Ледесма	1546-1614	Spanish Painter
Girolamo Campagna	1549-1625	Italian Sculptor
Paul Bril	1554-1626	Flemish Painter
Якопо Чименти	1554-1640	Итальянский художник
Джованни Баттиста Паджи	Italian Painter
Lodovico Carracci	1555-1619	Italian Painter
Antonio Tempesta	1555-1630	Italian Painter
Bartolomeo Cesi	1556-1629	Итальянский художник
Алессандро Маганца	1556-1640	Итальянский художник
Cristoforo Stati	1556-1619	Italian Sculptor
Agostino Carracci	1557-1602	Italian Painter
Bernardo Castello	1557-1629	Итальянский художник
Хендрик Гольциус	1558-1617	Голландский художник/гравер
Lodovico Cigoli	1559-1613	Italian Painter/Architect
Enea Talpino	1559-1626	Italian Painter
Bartolommeo Carducci	1560-1610	Итальянский художник
Аннибале Карраччи	1560-1609	Итальянский художник
Adriaen Collaert	1560-1618	Flemish Engraver
Belisario Corenzio	1560-1640	Italian Painter
Kerstiaen de Keuninck	1560-1633	Фламандский художник
Доменико Робусти	1560-1635	Итальянский художник			Marcus Gheeraerts the Younger	1561-1636	Flemish Painter
Tobias Verhaecht	1561-1631	Flemish Painter
Pietro Bernini	1562-1629	Italian Скульптор
Орацио Джентилески	1563-1639	Итальянский художник
1563-1610	Итальянский художник
Хендрик Корнелис. Vroom	1563-1640	Dutch Painter
Joos de Momper II	1564-1635	Flemish Painter
Nicolas Cordier	1565-1612	French Sculptor
Жак де Гейн II	1565-1629	Dutch Painter
Hendrick de Keyser I	1565-1621	Dutch Painter
Rowland Lockey	1565-1616	English Painter
Camillo Мариани	1565-1611	Итальянский скульптор
Франсиско Рибалта	1565-1628
Jan Saenredam	1565-1607	Dutch Engraver
Giovanni Baglione	1566-1643	Italian Painter
Georg Flegel	1566-1638	Немецкий художник
Михель Янш Миревельд	1567-1641	Голландский художник		97
Ottavio Miseroni	1567-1624	Italian Jeweller
Ventura Salimbeni	1567-1613	Italian Painter
Jan Bruegel the Elder	1568-1625	Фламандский художник
Хуан Мартинес Монтаньес	1568-1649	Испанский скульптор
Frans Pourbus the Younger	1569-1622	Flemish Painter
Denys van Alsloot	1570-1628	Flemish Painter
Hendrik de Clerck	1570-1630	Фламандский художник
Франческо Курради	1570-1661	Итальянский художник	9049	0500 Abel Grimmer	1570-1619	Flemish Painter
Jan van Ravesteyn	1570-1657	Dutch Painter
Aegidius Sadeler II	1570-1629	Flemish Painter
Караваджо	1571-1610	Итальянский художник
1571-1626	Italian Painter
Rutilio Manetti	1571-1639	Italian Painter
Jacob Matham	1571-1631	Flemish Engraver
Паулюс Морелс	1571-1638	Голландский художник
Ян Х. Мюллер	9 09 907 9 04 1571-06 Голландский художник0497
Ambrosius Bosschaert the Elder	1573-1621	Dutch Painter
Hendrik Hondius the Elder	1573-1649	Dutch Printmaker
Abraham Janssens	1573-1632	Фламандский художник
Иниго Джонс	1573-1652	Английский архитектор
Morazzone	1573-1625	Italian Painter
Bastiaen Vrancx	1573-1647	Flemish Painter
Giulio Cesare Procaccini	1574-1625	Итальянский художник/скульптор
Хендрик ван Бален	1575-1632	Голландский художник		0497
Eugenio Cajes	1575-1634	Spanish Painter
Giovanni Battista Crespi	1575-1633	Italian Painter
Floris van Dijck	1575-1651	Голландский художник
Стефано Мадерно	1575-1636	Итальянский скульптор
Master of the Annunciation to the Shepherds	17th Century	Italian Painter
Master of the Procession	17th Century	French Painter
Guido Reni	1575-1642	Итальянский художник
Томмазо Салини	1575-1625	Итальянский художник
Tanzio da Varallo	1575-1633	Italian Painter
Joan Valet	17th Century	French
Giovanni Bilivert	1576-1644	Italian Painter
Гийом Дюпре	1576-1643	Французский скульптор
0497	1576-1636	Spanish Sculptor
Cornelis Galle I	1576-1650	Flemish Engraver
Lionello Spada	1576-1622	Italian Painter
Пол Ван Сомер	1576-1621	Фламандский художник
Дэвид Винкбонс	10497	Flemish Painter
Gian Battista Viola	1576-1622	Italian Painter
Cristofano Allori	1577-1621	Italian Painter
Giacomo Cavedone	1577-1660	Итальянский художник
Питер Пауль Рубенс	1577-1640
Pietro Tacca	1577-1640	Italian Sculptor
Alessandro Tiarini	1577-1668	Italian Painter
Adam Willaerts	1577-1644	Голландский художник
Франческо Альбани	1578-1660	Итальянский художник		7 498
Orazio Borgianni	1578-1616	Italian Painter
Giovanni Battista Caracciolo	1578-1635	Italian Painter
Vincenzo Carducci	1578-1638	Italian Художник
Адам Эльсхаймер	1578-1610	Немецкий художник
1578-1617	Flemish Painter
Guy Francois	1578-1650	French Painter
Hieronymus Francken II	1578-1623	Flemish Painter
Феде Галиция	1578-1630	Итальянский художник
7	1578-1630	Italian Printmaker/Painter
Juan Bautista Mayno	1578-1649	Spanish Painter
Peeter Neeffs I	1578-1660	Flemish Painter
Matteo Rosselli	1578-1650	Итальянский художник
00 BartolomeMoleMoleMoleMoleMoleMoleMoleMoMeaRONI
00. 0497	Italian Painter
Alessandro Turchi	1578-1649	Italian Painter
Trophime Bigot	1579-1650	French Painter
Frans Snyders	1579-1657	Фламандский художник
Осиас Берт Старший	1580-1624
Boetius Bolswert	1580-1633	Dutch Engraver
Francesco Bordoni	1580-1654	Italian Sculptor
Willem Jacobsz Delff	1580- 1638	Голландский гравер
Франческо Мочи	1580-1654	Итальянский скульптор	90
Pedro Orrente	1580-1645	Spanish Painter
Jan Porcellis	1580-1632	Flemish Painter
Carlo Saraceni	1580-1620	Italian Художник
Хендрик ван Стенвик Младший	1580-1649	Голландский художник
Andries Stock	1580-1648	Dutch
Antonio Susini	1580-1624	Italian Sculptor
Luis Tristan de Escamilla	1580-1624	Spanish Painter
Корнелис Клас. ван Виринген	1580-1633	Голландский художник
Доменикино	1581-1641	Italian Painter
Frans Francken II	1581-1642	Flemish Painter
Abraham Govaerts	1581-1642	Flemish Painter
Корнелиус Лифринк	1581-1640	Художник-голландец
Теодор ван Лун 6 58500049770506 8 905 090 Джейкоб Дак0497 8 6 5 500 Джулиано Финелли 16507 9049 497 Немецкий скульптор0497049700 Dutch Painter7 7   ria Брауэр0500 1605-1638  805-5000500 Italian Painter Янв. de Heem  500 Jan Lievens 004978880497 460500-9  0498 Дес Рэндж0497 905b04970 Бенц. Куип Фламандский художник49740 Gaspard Dughet 069 79 482 1627 9050z Gerrets. Хеда 672 6220500 German Sculptor 90. van Staveren 8 Янв Берстратен 822800-9 90 47497 Немецкий художник 905400497 8 5 90780497 7 5100 Жан Жуне0497 7045-8 Francis Place0497 7 164901 70497 497 Flemish Painter   Bernardo Strozzi  1581-1644  Italian Painter   Artus Wolffort  1581-1641  Flemish Painter   Remigio Cantagallina  1582-1656 Итальянский гравер Франц Клейн 1582-1658 Немецкий художник   Frans Hals  1582-1666  Dutch Painter   Jacob van Hulsdonck  1582-1647  Flemish Painter   Giovanni Lanfranco  1582- 1647 Итальянский художник Бартоломео Манфреди 1582-1622 Итальянский художник 7 Hendrik van der Borcht  1583-1660  Flemish Painter   Antonio Carracci  1583-1618  Italian Painter   Hendrik Goudt  1583-1648  Голландский художник   Питер Ластман 1583-1633 Голландский художник 90 Янв 904 97 1583-1631  Dutch Painter   Werner van den Valckert  1583-1627  Dutch Painter   Andrea Ansaldo  1584-1638  Italian Painter Давид Байи 1584-1657 Художник-голландец   Гаспар де Крайер 6 94 901 58 9057 Flemish Painter   Jan Tengnagel  1584-1635  Dutch Painter   Willem van der Vliet  1584-1642  Dutch Painter   Cornelis де Вос 1584-1651 Фламандский художник   Арент Аренц. 1585-1631  Голландский художник   Hendrick Avercamp  1585-1634  Dutch Painter   Sir Nathaniel Bacon  1585-1627  English Painter   Sisto Badalocchio  1585- 1619  Итальянский художник   Анджело Карозелли 1585-1652 Итальянский художник Каспар Гра 1585-1674 Немецкий скульптор   Хендрик Герритц. Pot  1585-1657  Dutch Painter   Jacob Pynas  1585-1650  Dutch Painter   Massimo Stanzione  1585-1656  Italian Painter   Маркантонио Бассетти 1586-1630  Итальянский художник   Йоост Корнелис. Droochsloot  1586-1666  Dutch Painter   Jobst Harrich  1586-1617  German   Hans Krumper  1586-1647  German Sculptor   Корнелис ван Поленбург 1586-1667 Dutch Painter   Nicholas Stone  1586-1647  English Sculptor/Architect   Tiberio Tinelli  1586-1638  Italian Painter   Claes Ян Вишер 1586-1652 Голландский гравер Ян Вильденс 1586-1653 фламандский художник0497   Alexander Adriaenssen  1587-1661  Flemish Painter   Filippo Napoletano  1587-1629  Italian Painter   Adriaen van Nieulandt  1587- 1658 Фламандский художник Мартин Риккарт 1587-1631 Фламандский художник   Esaias van de Velde  1587-1630  Dutch Painter   Claude Deruet  1588-1660  French Painter   Leonhard Kern  1588-1663 German Sculptor   Padovanino  1588-1648  Italian Painter   Nicolaes Eliasz. Пикеной 1588-1655  Dutch Painter   Hendrick Terbrugghen  1588-1629  Dutch Painter   Domenico Feti  1589-1624  Italian Painter   Доменико Фьязелла 1589-1669 Итальянский художник   Симон Гийен 1589-164 58 09457 French Sculptor   Sinibaldo Scorza  1589-1631  Italian Painter   Jeronimus Spengler  1589-1635  Swiss Glass Painter   Adriaen Pietersz . Ван де Венн 1589-1662 Голландский художник Бартоломеус ван Бассен 1590-1652 Dutch Painter   Christoffel van den Berghe  1590-1645  Dutch Painter   Andries van Eertvelt  1590-1652  Flemish Painter   Хуан де Эспиноса 1590-1641 Испанский художник Франсиско де Эррера Старший 1590-1656 Spanish Painter   Gerrit van Honthorst  1590-1656  Dutch Painter   John Hoskins  1590-1665  British Miniaturist   Daniel Mytens The Elder 1590-1647 Голландский художник Педро Нуньес дель Валье 1590-1649 Испанский художник 7 7   Nicolas Regnier  1590-1667  Flemish Painter   Floris van Schooten  1590-1655  Dutch Painter   Daniel Seghers  1590- 1661 Фламандский художник   Hercules Seghers 1590-1638 Голландский художник/гравер 0507   Nicolas Tournier  1590-1638  French Painter   Moses van Uyttenbroeck  1590-1648  Dutch Painter   Cornelis Verbeeck  1590-1637  Голландский художник   Симон Вуэ 1590-1649 Французский художник   Abraham de Vries  1590-1662  Dutch Painter   Willem Buytewech  1591-1624  Dutch Painter   Cosimo Fanzago  1591-1678  Italian Sculptor   Guercino  1591-1666  Italian Painter   Dirk Hals  1591-1656  Голландский художник   Клас Корнелис. Moeyaert  1591-1655  Dutch Painter   Jusepe de Ribera  1591-1652  Spanish/Italian Painter   Gerard Seghers  1591-1651  Flemish Painter   Поль де Вос 1591-1678 Flemish Painter   Cornelis Vroom  1591-1661  Dutch Painter   Jacques Callot  1592-1635  French Engraver   Giovanni da San Giovanni 1592-1636 Итальянский художник Питер ван Лаер 1592-1642 0 Голландский художник0497   Pieter Snayers  1592-1667  Flemish Painter   Gianfrancesco Susini  1592-1646  Italian Sculptor   Jacopo Vignali  1592-1664 Итальянский художник   Корнелис де Ваэль 1592-1669 Фламандский/итальянский художник   Balthasar van der Ast  1593-1656  Dutch Painter   Artemisia Gentileschi  1593-1652  Italian Painter   Cornelius Johnson  1593-1661 Фламандский/английский художник   Джейкоб Йорданс 1593-1678 Фламандский художник 0497 Georges de La Tour  1593-1652  French Painter   Francois de Nome  1593-1630  French Painter   Niccolo Roccatagliata  1593-1633 Итальянский скульптор   Ян ван де Вельде II 1593-1641 Голландский художник 9  0510 Claude Vignon  1593-1670  French Painter   Valentin de Boulogne  1594-1632  French Painter   Jacob Gerritz. Кейп 1594-1650 Голландский художник Виллем Клас. Хеда 1594-1680 Голландский художник Клара Питерс 1594-1657  Flemish Painter   Francois Perrier  1594-1649  French Painter   Nicolas Poussin  1594-1665  French Painter   Джон Суш 1594-1644 English Painter Дирк ван Бабюрен 29 994 1640500 Dutch Painter   Jacob van Campen  1595-1657  Dutch Painter   Cesare Dandini  1595-1658  Italian Painter   Pieter de Molyn 1595-1661 Английский/голландский художник   Питер ван дер Плас 1595-19959 4 Фламандский   Joseph Plepp  1595-1642  Swiss Painter   Lucas van Uden  1595-1672  Flemish Painter   Lucas Vorsterman the Elder  1595 -1675  Голландский гравер   Обен Вуэ 1595-1641 Французский художник 0499 Goffredo Wals  1595-1638  German Painter   Leonaert Bramer  1596-1674  Dutch Painter   Abraham van Diepenbeeck  1596-1675  Flemish Painter Джейкоб ван Эс 1596-1666 Фламандский художник0497 1596-1656  Dutch Painter   Juan van der Hamen y Leon  1596-1631  Spanish Painter   Thomas de Keyser  1596-1667  Dutch Painter Pietro Da Cortona 1596-1669 Итальянский художник ercole procccin giini il griovin giini il giini il griovin giini7 1596-1676  Italian Painter   Jacques de Stella  1596-1657  French Painter   Hermann Weyer  1596-1621  German Draughtsman   Питер Втевал 1596-1660 Художник-голландец   Ян ван Бейлерт 7 9790 4 0500 Dutch Painter   Salomon de Bray  1597-1664  Dutch Painter   Pieter Claesz  1597-1660  Dutch Painter   Francois Duquesnoy  1597-1643 Фламандский/итальянский скульптор Жан Лемер 1597-1659 Французский художник7   Johann Liss  1597-1631  German Painter   Charles Mellin  1597-1649  French Painter   Theodore Rombouts  1597-1637 Фламандский художник   Питер Янс Сенредам 1597-1665 Голландский художник 98 Sebastien Stoskopff  1597-1657  French Painter   Justus Sustermans  1597-1681  Flemish Painter   Jan Cornelisz. Verspronck  1597-1662  Dutch Painter   Alessandro Algardi  1598-1654  Italian Sculptor   Gianlorenzo Bernini  1598-1680  Italian Sculptor/Painter   Pierre Brebiette  1598-1650  French Painter   Bartholomeus Breenbergh  1598-1657  Dutch Painter Франческо дель Каир0497 1598-1630  Italian Painter   Lambert Jacobsz  1598-1636  Dutch Painter   Claude Mellan  1598-1688  French Engraver   Франсиско де Сурбаран 1598-1664 Испанский художник Франческо Борромини 1599-10497 Italian Architect   Pieter Codde  1599-1678  Dutch Painter   Francisco Collantes  1599-1656  Spanish Painter   Bartolomeo Coriolano  1599-1676  Итальянский   Виллем Корнелис. Дайстер 1599-1678 Голландский художник   Jan Miel  1599-1664  Dutch Painter   Andrea Sacchi  1599-1661  Italian Painter   Adriaen van Utrecht  1599- 1652 Фламандский художник   Сэр Энтони Ван Дейк 1599-1641 Фламандский художник 7 9 05507 Diego Velazquez  1599-1660  Spanish Painter   Gioacchino Assereto  1600-1649  Italian Painter   Jacques Blanchard  1600-1638  French Painter   Ян Косье 1600-1671 Фламандский художник   1600-1667  Dutch Painter   Francois Garnier  1600-1658  French Painter   Giovanna Garzoni  1600-1670  Italian Painter   Питер де Греббер 1600-1653 Голландский художник   Питер Антонис. Ван Груневеген 16:00-1658 Dutch Painter   John Hayls  1600-1679  English Painter   Gerard Houckgeest  1600-1661  Dutch Painter   Alexander Keirincx  1600-1652 Фламандский художник Антуан Ле Нэн 1600-1648 Французский художник   Jacques Linard  1600-1645  French Painter   Gerard van Opstal  1600-1668  Flemish Sculptor   Salomon van Ruysdael  1600 -1670 Голландский художник Джованни Серодин 1600-1630 Итальянский художник 97 Gerard Soest  1600-1681  Dutch Painter   Matthias Stomer  1600-1650  Dutch Painter   Herman van Swanevelt  1600-1655  Голландский художник   Симон де Влигер 1600-1653 Голландский художник   97 1601-1658  Dutch Painter   Jan Bruegel the Younger  1601-1678  Flemish Painter   Guido Cagnacci  1601-1681  Italian Painter Алонсо Кано 1601-1667 Испанский художник/скульптор   Italian Sculptor   Jusepe Leonardo  1601-1652  Spanish Painter   Jacob van Oost the Elder  1601-1671  Flemish Painter   Антони Паламедес. 1601-1673 Голландский художник Йорг Петель 1601-1634   Francois Ykens  1601-1693  Flemish Painter   Abraham Bosse  1602-1676  French Engraver   Michelangelo Cerquozzi  1602-1660 Итальянский художник   Филипп де Шампейн 1602-1674 Фламандский/французский художник   Claude Lorrain  1602-1682  French Painter   Michele Desubleo  1602-1676  Italian Painter   Henri Mauperche  1602-1686  Французский художник   Антонио Пуга 1602-1648 Испанский художник   Pietro della Vecchia  1602-1678  Italian Painter   Pieter Jansz. van Asch  1603-1678  Dutch Painter   Francesco Furini  1603-1646  Художник-итальянец   Адриан Ханнеман 1603-1671 Художник-голландец 9   Саймон 1603-1652  Dutch Painter   Nicolaus Knupfer  1603-1655  German Painter   Louis Le Nain  1603-1648  French Painter   Франс де Момпер 1603-1660 Фламандский художник Аэрт ван дер Неер 973 605   Pietro Novelli  1603-1647  Italian Painter   Pietro Paolini  1603-1681  Italian Painter   Paulus Pontius  1603-1658 Фламандский гравер Симон де Вос 1603-1676 Фламандский художник Abraham Willaerts  1603-1669  Dutch Painter   Francois Anguier  1604-1669  French Sculptor   Viviano Codazzi  1604-1670  Итальянский художник   Джованни До 1604-1656 Итальянский художник   00500 Daniel van Heil  1604-1662  Flemish Painter   Isaac Soreau  1604-1638  Flemish Painter   Andrea Vaccaro  1604-1670  Italian Painter Иоганн Бекхорст 1605-1668 Фламандский художник Flemish Painter   Josse van Craesbeeck  1605-1662  Flemish Painter   Dirck van Delen  1605-1671  Dutch Painter   Джироламо Форабоско 1605-1679 Итальянский художник   Пьетро Либери 7 97   Francesco Maffei  1605-1660  Italian Painter   Pierre Patel  1605-1676  French Painter   Lodewijk de Vadder  1605-1655 Фламандский художник Антони Янс ван дер Кроос 1606-1661 Голландский художник 497   Джованни Франческо Гримальди 1606-1680 Итальянский художник   1606-1683  Dutch Painter   Laurent de La Hyre  1606-1656  French Painter   Nicolas Mignard  1606-1668  French Painter   Orazio de Ferrari  1606-1657  Italian Painter   Pieter Jansz Quast  1606-1647  Dutch Painter   Rembrandt van Rijn  1606- 1669 Голландский художник/гравер   Теодор ван Тулден 1606-1669 Фламандский художник 9 05067 9 05067 9 05097 Cecco Bravo  1607-1661  Italian Painter   Wenceslaus Hollar  1607-1677  Bohemian Engraver   Mathieu Le Nain  1607-1677  Французский художник   Ремигиус ван Лемпут 1607-1675 Фламандский художник 9 1607-1674  Dutch Painter   Pacecco de Rosa  1607-1656  Italian Painter   Palamedes Palamedesz. 1607-1638  English/Dutch Painter   Erasmus Quellinus  1607-1678  Flemish Painter   Cornelis Saftleven  1607-1681  Художник-голландец   Джейкоб Адрианс. Backer  1608-1651  Dutch Painter   Pieter Duyfhuysen  1608-1677  Dutch Painter   Willem de Poorter  1608-1648  Dutch Painter Джинсовая кисточка 1608-1667 French Painter   Giovanni Benedetto Castiglione  1609-1664  Italian Painter   Samuel Cooper  1609-1672  English Miniaturist   Salomon Koninck 1609-1656 Голландский художник Джудит Лейстер 1609-1660 Голландский художник0497   Pieter van Lint  1609-1690  Flemish Painter   Carlo Francesco Nuvolone  1609-1662  Italian Painter   Artus Quellinus I  1609-1668 Фламандский скульптор Герман Сафтлевен Младший 1609-1685 Голландский художник   Joachim von Sandrart  1609-1688  German Painter   Sassoferrato  1609-1685  Italian Painter   Johann Heinrich Schonfeld  1609- 1683 Немецкий художник Любин Баугэн 1610-1663 Французский художник Ercole Bazicaluva  1610-1661  Italian   Jan Dirksz Both  1610-1652  Dutch Painter   Cecco del Caravaggio  1610-1620  Итальянский художник   Антони де Лорме 1610-1679 Голландский художник   1610-1640  Dutch Painter   Ercole Ferrata  1610-1686  Italian Sculptor   Juan de Pareja  1610-1670  Spanish Painter   Саймон Луттичюс 1610-1661 Художник-голландец   Франческо Мальтезе 7 Italian Painter   Esteban March  1610-1668  Spanish Painter   Giovanni Martinelli  1610-1659  Italian Painter   Louisa Moillon  1610-1696 Французский художник Ян Миенсе Моленар 1610-1668 Голландский художник   Adriaen van Ostade  1610-1685  Dutch Painter   Michele Pace  1610-1670  Italian Painter   Giovanni Francesco Romanelli  1610 -1662 Итальянский художник Жиль Русселе 1610-1686 Французский гравер   Dirck van Santvoort  1610-1680  Dutch Painter   Stefano della Bella  1610-1664  Italian Printmaker   Dirck Stoop  1610-1686 Голландский художник   Давид Тенирс Младший 1610-1690 Фламандский художник Egbert van Heemskerk I  1610-1680  Dutch Painter   Pieter Verbeeck  1610-1652  Dutch Painter   Anthonie Waterloo  1610-1690  Фламандец   Якоб де Вет 1610-1671 Голландский художник   1611-1675  English Painter   William Dobson  1611-1646  English Painter   Jan Fyt  1611-1661  Flemish Painter     Sebastiano Mazzoni  1611-1678  Italian Painter   Antonio de Pereda  1611-1678  Spanish Painter   Simone Pignoni  1611- 1698  Итальянский художник   Хендрик Мартенс Сорг 1611-1670 Голландский художник 7 6 Pietro Testa  1611-1650  Italian Painter   Willem van de Velde the Elder  1611-1693  Dutch Painter   Hendrik Cornelisz van der Vliet  1611-1675 Голландский художник Иль Вольтеррано 1611-1690 7 7 9 7 Barent Avercamp  1612-1679  Dutch Painter   Andries Both  1612-1641  Dutch Painter   Simone Cantarini  1612-1648  Italian Painter   Николя Шаперон 1612-1656 Французский художник   1612-1652  Dutch Painter   Domenico Gargiulo  1612-1679  Italian Painter   Louis Le Vau  1612-1670  French Architect   Хуан Баутиста Мартинес дель Мазо 1612-1667 Испанский художник   Бернардино Мей 6 76- 905 97 Italian Painter   Pierre Mignard  1612-1695  French Painter   Pier Francesco Mola  1612-1666  Italian Painter   Frans Post 1612-1680 Голландский художник Давид Рикарт Младший 1612-1661 0497   Harmen Steenwijck  1612-1656  Dutch Painter   Michel Anguier  1613-1686  French Sculptor   Pieter van den Bosch  1613 -1663 Голландский художник   Джулио Карпиони 1613-1678 Итальянский художник 47 Jacques d’Arthois  1613-1686  Flemish Painter   Jean Daret  1613-1668  Flemish Painter   Gerrit Dou  1613-1675  Dutch Painter   Bartholomeus van der Helst  1613-1670  Dutch Painter   Jacob Marrel  1613-1681  Dutch Painter   Mattia Preti  1613-1699  Italian Painter   Simon Renard de Saint-Andre  1613-1677  French Painter Juan de Arellano 1614-1676 Испанский художник 00 JUAN CARRENA DE MIRANDA 00. 0497 Spanish Painter   Jacob Hogers  1614-1660  Flemish   Jacob van Loo  1614-1670  Flemish Painter   Jan Mytens  1614-1670 Голландский художник Бонавентура Петерс I 1614-1652 Фламандский художник 7   Thomas Willeboirts  1614-1654  Flemish Painter   Jan Asselyn  1615-1652  Dutch Painter   Dionigi Bussola  1615-1687  Итальянский скульптор   Гонсалес Кок 1615-1684 Фламандский художник 9 1615-1675  French Painter   Govert Flinck  1615-1660  Dutch Painter   Joris Abrahamsz. van der Haagen  1615-1669  Dutch Painter   Jacob van Moscher  1615-1655  Dutch Painter   Francisco de Palacios  1615-1650  Spanish Painter   Pieter de Ring  1615-1660  Dutch Painter   Salvator Rosa  1615-1673  Italian Painter   Daniel Schultz 1615-1683 Польский художник Ferdinand Bol 1616-1680 497   Sebastien Bourdon  1616-1671  French Painter   Giovanni Bernardo Carbone  1616-1683  Italian Painter   Antonio Castillo y Saavedra  1616-1668 Испанский художник Бернардо Каваллино 1616-1656 Итальянский художник   Carlo Dolci  1616-1686  Italian Painter   Lucas Franchoys the Younger  1616-1681  Flemish Painter   Ludolf Leendertsz. де Йонг 1616-1679 Голландский художник Эсташ Ле Суёр 1616-1655 Французский художник 7   Isaac Luttichuys  1616-1673  Dutch Painter   Jean Michelin  1616-1670  French Painter   Thomas Wyck  1616-1677  Голландский художник   Эваристо Башенис 1617-1677 Итальянский художник Cesar van Everdingen  1617-1678  Dutch Painter   Luc Faydherbe  1617-1697  Flemish Sculptor/Architect   Bartolome Esteban Murillo  1617-1682  Испанский художник Джерард Терборх 1617-1681 Голландский художник EMANE DE WIT0497 1617-1691  Dutch Painter   John Michael Wright  1617-1694  English Painter   Michael Zurn  1617-1651  German Sculptor   Christoffel Jegher 1618-1667 Flemish Сэр Питер Лел 1618-1680 9. 0497   Michiel Sweerts  1618-1664  Flemish Painter   Jan Philips van Thielen  1618-1667  Flemish Painter   Sebastian de Herrera Barnuevo  1619-1671 Испанский художник Philips Koninck 1619-1688 Голландский художник   Charles Le Brun  1619-1690  French Painter   Otto Marseus van Schrieck  1619-1678  Dutch Painter   Prince Rupert  1619 -1682 Немецкий гравер   Иоганн Спилберг 1619-1690 Немецкий художник 70498 Jan Victors  1619-1676  Dutch Painter   Philips Wouwerman  1619-1668  Dutch Painter   Cornelis Bega  1620-1664  Dutch Painter   Николас Берхем 1620-1683 Голландский художник   0 Абрахам Хенрикз 0 ван Бейерен 1620-1690  Dutch Painter   Aelbert Cuyp  1620-1691  Dutch Painter   Cosimo Fancelli  1620-1688  Italian Sculptor   Jan Van Noordt 1620-1676 Голландский художник Пьер Пугет 1620-1694 French. 0497   Jan Jansz. van de Velde III  1620-1662  Dutch Painter   Antonio Maria Vassallo  1620-1670  Italian Painter   Juan де Сурбаран 1620-1649 Испанский художник Жан Арну 1621-1687 9094 Скульптор Фламандский скульптор 0507   Giacinto Brandi  1621-1691  Italian Painter   Jacques Courtois  1621-1676  French Painter   Gerbrand van den Eeckhout  1621-1674 Голландский художник   Алларт ван Эвердинген 1621-1675 Голландский художник/гравер 0497 Pieter Gysels  1621-1690  Flemish Painter   Gilbert Jackson  1621-1642  English Painter   Cornelis de Man  1621-1706  Голландский художник/гравер   Маттеус Мериан Младший 1621-1687 Швейцарский художник   Isaack van Ostade  1621-1649  Dutch Painter   Egbert van der Poel  1621-1664  Dutch Painter   Israel Silvestre the Younger  1621- 1691  French Engraver   Jan Baptist Weenix  1621-1663  Dutch Painter   Pieter Boel  1622-1674  Flemish Painter   Quirijn van Brekelenkam  1622-1670  Dutch Painter   Abraham Diepraam  1622-1670  Dutch Painter Карел Дюжарден 1622-1678 Художник-голландец 0500 1622-1654  Dutch Painter   Francisco de Herrera the Younger  1622-1685  Spanish Painter   Willem Kalf  1622-1693  Dutch Painter Йоханнес Лингельбах 1622-1674 Немецкий/голландский художник   Адам Пинакер 9049 1 9327 497 Dutch Painter   Abraham van den Tempel  1622-1672  Dutch Painter   Juan de Valdes Leal  1622-1690  Spanish Painter   Говерт Диркс Кампхюйсен 1623-1672 Голландский художник   Питер Янсенс Элинга Dutch Painter   Filippo Lauri  1623-1694  Italian Painter   Hendrik Mommers  1623-1693  Dutch Painter   Robert Nanteuil  1623-1678 Французский гравер Герман Наувинкс 1623-1654 Голландский художник 7 506   Reinier Nooms  1623-1664  Dutch Painter   Jurgen Ovens  1623-1678  German Painter   Joris van Son  1623-1667 Flemish Painter   Wallerant Vaillant 1623-1677 Flemish Painter 0500 Jan van de Cappelle  1624-1679  Dutch Painter   Valerio Castello  1624-1659  Italian Painter   Lambert Doomer  1624-1700  Dutch Painter   Барент Фабрициус 1624-1673 Голландский художник   1624-1649  Dutch Painter   Bernhard Keil  1624-1687  Danish Painter   Antonio Raggi  1624-1686  Italian Sculptor   Rombout Verhulst 1624-1698 Голландский скульптор   Мельхиорре Бартель 7   Domenico Maria Canuti  1625-1684  Italian Painter   Domenico Guidi  1625-1701  Italian Sculptor   Abraham Hondius  1625-1691 Голландский гравер/художник Карло Маратта 1625-1713 Итальянский художник   Паулюс Поттер 1625-1654 Художник-голландец   1625-1668  Dutch Painter   Jan Steen  1625-1679  Dutch Painter   Francis Barlow  1626-1704  English Painter Jacob Esselens  1626-1687  Dutch Painter   Jan van Kessel  1626-1679  Dutch Painter   Nicolaes van Veerendael  1626-1691  Фламандский художник   Виллем ван Алст 1627-1683 Голландский художник   1627-1666  Flemish Painter   Jan de Bray  1627-1697  Dutch Painter   Hendrick van der Burch  1627-1699  Dutch Painter Сэмюэл Ван Хугстратен 1627-1678 Голландский художник Philippe-Augustin Immenraet Philippe-Augustin Immenraet 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9999999999 . Flemish Painter   Giusto Le Court  1627-1679  Italian Sculptor   Onorio Marinari  1627-1715  Italian Painter   Domenico Piola 1627-1703 Итальянский художник Рулант Рогман 1627-1692 0 Голландский художник0497   Jan Siberechts  1627-1703  Flemish Painter   Jacob van der Ulft  1627-1689  Dutch Painter   Hendrick Verschuring  1627 -1690 Голландский художник   Маттиас Витус 1627-1703 Голландский художник 7 Carlo Cignani  1628-1719  Italian Painter   Guillaume Courtois  1628-1679  French/Italian Painter   Noel Coypel  1628-1707  Французский дизайнер Biagio Falcieri 1628-1703 Итальянский художник 6 FRANCOIS. 0497 1628-1715  French Sculptor   Jan Hackaert  1628-1685  Dutch Painter   Gaspard Marsy II  1628-1681  French Sculptor   Педро де Мена 1628-1688 Испанский скульптор Якоб ван Рейсдал — — 7 Dutch Painter   Vincent Laurensz van der Vinne  1628-1702  Flemish Painter   Pieter de Hooch  1629-1684  Dutch Painter   Пьер Ле Гро I 1629-1714 Французский скульптор   Габриэль Метсу 1629-16497 5 Голландский художник 90 90 7   Lorenzo Pasinelli  1629-1700  Italian Painter   Giovanni Battista Ruoppolo  1629-1690  Italian Painter   Josefa de Obidos  1630 -1684  Испанский/португальский художник   Джоб Беркхайде 1630-1693  Голландский художник   John Bushnell  1630-1701  English Sculptor   Cornelius Droochsloot  1630-1673  Dutch Painter   Willem Drost  1630-1680 Голландский художник   Вильгельм Шуберт ван Эренберг 1630-1676 Фламандский художник 497 Richard Gaywood  1630-1680  English Printmaker   Cornelius Gijsbrechts  1630-1675  Flemish Painter   Klaes Molenaer  1630-1676  Dutch Художник   Мария ван Остервик 1630-1693 Голландский художник   Filippo Parodi  1630-1702  Italian Sculptor   Christopher Paudiss  1630-1666  German Painter   Christobal Ramirez de Arellano  1630-1644  Spanish Художник   Гиллис Ромбаутс 1630-1678 Голландский художник   1630-1703  German Painter   Jan Vonck  1630-1660  Dutch Painter   Roelof van Vries  1630-1681  Dutch Painter   Jan Wynants 1630-1684 Голландский художник Ludolf Backuysen 1631-1708 9   Esaias Boursse  1631-1672  Dutch Painter   Jean-Baptiste de Champaigne  1631-1681  French Painter   Cornelis de Heem  1631-1695  Голландский художник   Йохан Генрих Роос 1631-1685  Johann Carl Loth  1632-1698  German Painter   Adam-Franz van der Meulen  1632-1690  Flemish Painter   Juriaen van Streeck  1632-1687  Dutch Painter   Jan Vermeer  1632-1675  Dutch Painter   Sir Christopher Wren  1632-1723  English Architect   Jan de Baen  1633-1702  Dutch Painter   Mary Beale  1633-1699  English Painter   Хуан Антонио Эскаланте 1633-1670 Испанский художник   1633-1715  Italian Painter   Dirk Helmbreker  1633-1696  Dutch Painter   Jacob Huysmans  1633-1696  Flemish Painter   Бенуа Массу 1633-1684 Французский скульптор Фредерик де Мушерон -1663 16330497 Dutch Painter   Isaac Sailmaker  1633-1721  British   Willem van de Velde the Younger  1633-1707  Dutch Painter   Корнелис Бишоп 1634-1674 Голландский художник Адам Колония 1634-1685 97   Ciro Ferri  1634-1689  Italian Painter/Sculptor   Luca Giordano  1634-1705  Italian Painter   Nicolaes Maes  1634 -1693 Голландский художник   Жан-Батист Моннуайе 1634-1699 Французский художник 6 60497 Eglon Hendrick van der Neer  1634-1703  Dutch Painter   Jacob Ochtervelt  1634-1682  Dutch Painter   Giuseppe Recco  1634-1695 Итальянский художник   Эгберт ван Хемскерк II 1634-1704 Голландский художник 70499 Pieter van Anraadt  1635-1678  Dutch Painter   Jose Claudio Antolinez  1635-1675  Spanish Painter   Melchiore Caffa  1635-1667  Italian Скульптор Абрахам ван дер Хекген 1635-1655 Голландский художник 7 GITISTIANITIANIANIANITIANIANIAN0497 1635-1676  Italian Painter   Dirck van der Lisse  1635-1669  Dutch Painter   David Loggan  1635-1692  British Painter Франс ван Мирис Старший 1635-1681 Голландский художник Каспар Нетшер 904 97 Dutch Painter   Edward Pearce  1635-1695  English Sculptor   Abraham Storck  1635-1710  Dutch Painter   Jean-Baptiste Туби I 1635-1700 Французский скульптор Мельхиор д’Ондекутер 1636-1697 Голландский художник 0497   Charles de La Fosse  1636-1716  French Painter   Adriaen van de Velde  1636-1672  Dutch Painter   Abraham Begeyn  1637-1697 Голландский художник Антонио Карнео 1637-1692 7 77 Martin Desjardins  1637-1694  Dutch Sculptor   Vicente Salvador Gomez  1637-1700  Spanish Painter   Jan van der Heyden  1637-1712 Голландский художник Pieter Mulier 1637-1701 Голландский художник 9. . Беркхайде 1638-1698  Dutch Painter   Luigi Garzi  1638-1721  Italian Painter   Meindert Hobbema  1638-1709  Dutch Painter   Элизабетта Сирани 1638-1665 Итальянский художник   Il Baciccio 40 500 1639-1639-1639-1639-1639-1639-1639-160497   Bartolomeo Bettera  1639-1688  Italian   Ferdinand Voet  1639-1700  Flemish Painter   Hendrik Bary  1640-1707  Голландский   Корнелис Билт 1640-1702 Голландский художник   50497 1640-1707  Dutch Painter   Antoine Coysevox  1640-1720  French Sculptor   Frans Cuyck Van Myerop  1640-1689  Flemish Painter Жерар де Лересс 1640-1711 Художник-голландец   Франциско Менесес Осорио 11407 0497 Spanish Painter   Abraham Mignon  1640-1679  Dutch Painter   Pedro Nunez de Villavicencio  1640-1695  Spanish Painter   Crescenzio Онофрий 1640-1712 Итальянский художник Питер Корнелис. ван Слингеланд 1640-1691  Dutch Painter   Jacob Toorenvliet  1640-1719  Dutch Painter   Jacob Storck  1641-1688  Dutch Painter   Harman Verelst 1641-1699 Голландский художник Фридрих Винтер Умер 1711 Польский стеклодув   Andre-Charles Boulle  1642-1732  French Furniture Artist   Abraham van Calraet  1642-1722  Dutch Painter   Claudio Coello  1642-1693 Испанский художник Лодевийк ван дер Хелст 1642-1684 Голландский художник7   Francisque Millet  1642-1679  French Painter   Andrea Pozzo  1642-1709  Italian Painter   Jan Weenix II  1642-1719 Голландский художник   Хуан Симон Гутьеррес 1643-1718 Испанский художник Orazio Marinali  1643-1720  Italian Sculptor   Godfried Schalcken  1643-1706  Dutch Painter   Etienne Allegrain  1644-1736  French Painter   Адриан Франс Будевинс 1644-1711 Фламандский художник   1644-1717  French Painter   Giuseppe Mazzuoli  1644-1725  Italian Sculptor   Simon Verelst  1644-1721  Dutch Painter   Корнелис Вермюлен 1644-1708 Голландский гравер   Давид де Конинк Flemish Painter   Aert de Gelder  1645-1727  Dutch Painter   Michiel van Musscher  1645-1705  Dutch Painter   Willem Фредерик ван Ройен 1645-1723 Немецкий художник Жан Батист Теодон 1645-1797 Французский скульптор 97   Francois de Troy  1645-1730  French Painter   Robert White  1645-1703  British Engraver   Giacinto Calandrucci  1646- 1707 Итальянский художник Джон Гриффье Старший 1646-1718 Голландский художник 97 Sir Godfrey Kneller  1646-1723  German/English Painter   Jules Hardouin Mansart  1646-1708  French Architect   Joseph Parrocel  1646- 1704 Французский художник Джон Райли 1646-1691 Английский художник 0499 Corneille Van Cleve  1646-1732  French Sculptor   Anselme Flamen  1647-1717  French Sculptor   Maria Sibylla Merian  1647-1717  German Illustrator   Matthys Naiveu 1647-1721 Dutch Painter   1647-1728  English Engraver   Marcantonio Franceschini  1648-1729  Italian Painter   Gerard Hoet  1648-1733  Dutch Painter   Корнель Гюисманс 1648-1727 Фламандский художник   Бон де Булонь French Painter   Elias van den Broeck  1649-1708  Dutch Painter   Jean-Baptiste Corneille  1649-1695  French Painter   Йоханнес Ханиас 1650 Немецкий гравер Ян Ян де Хем 1650-1697 Голландский художник 0497   Luisa Roldan  1650-1704  Spanish Sculptor   Salomon Rombouts  1650-1702  Dutch Painter   Jan Verkolje  1650-1693 Даниель Восмаер0510 Balthasar Permoser  1651-1732  German Sculptor   Philipp Peter Roos  1651-1705  German Painter   Jean-Baptiste Santerre  1651-1717  Французский художник Giambattista Foggini 1652-1725 Итальянский скульптор 9. No related posts. alexxlab Автор записи Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт