Барокко это википедия: Недопустимое название — Викисловарь

Барочный жемчуг | элегантный крупный жемчуг барокко и ювелирные украшения из барочного жемчуга в каталоге Maysaku в городе Москва

Жемчуг, имеющий неправильную форму, называют барокко или барочный жемчуг. Сюда относятся все камни, которые получились несовершенной формы. Они могут быть природными или культивированными. Предположительно, название происходит от французского слова «baroque» – причудливый, вычурный. Некоторые думают, что барокко – это бракованные жемчужины. Однако это вовсе не так, каждая из них прекрасна и уникальна. Ведь именно из-за своей эксклюзивности такие жемчужины стоят недёшево.

Жемчуг барокко, как и любой другой, формируется в пресноводных или морских моллюсках. Необычная форма получается при неравномерном отложении перламутра вокруг ядрышка, попавшего в устрицу естественным путём либо помещённого в неё человеком. Культивирование жемчуга барокко идёт вместе с выращиванием обычного сферического.

Из-за своей неправильной, но уникальной формы жемчуг очень ценится среди ювелиров и дизайнеров. Бывают случаи, когда он стоит дороже, чем самые идеальные жемчужины. Каплевидные или грушевидные жемчужины великолепно смотрятся в подвесках или серьгах. Идеальная форма в виде капли или груши встречается достаточно редко. Среди них есть и очень известные, например, жемчужина Хоупа или Ла Перегрина.

Среди барочного жемчуга бывают жемчужины в форме овала, креста, колец, палочек, лепестков, расплывчатых фигурок. Для дизайнеров это отличная находка, которая сочетает в себе сверкающий блеск перламутра и уникальную форму. Обычные классические украшения требуют точного подбора одинаковых по размеру и цвету жемчужин, а для дизайнерских работ необходимо что-то абсолютно неповторимое. И этим неповторимым становится как раз барочный жемчуг.

Именно поэтому его используют для создания уникальных украшений. Эти драгоценные камни всегда индивидуальны – ведь природа не сможет дважды создать такое чудо. Они всегда притягивают взгляды и служат прекрасным украшением для тех, кто любит привлекать внимание.

Большую группу жемчуга барокко составляют жемчужины, которые напоминают по форме силуэты различных предметов или животных, например, лошадиную голову, спину лягушки, птичьи крылья, зуб собаки, черты лица или туловище человека. Такой жемчуг называют парагоном. Издавна считалось, что он имеет чудодейственные свойства. Эти жемчужины обычно оправлялись в серебро или золото и украшались различными драгоценными камнями.

Многие женщины предпочитают носить барочный жемчуг. Идеальный жемчуг, конечно, любят многие, но часто носят именно барочный. На работу, например, не всегда и не всем необходимо надевать строгие костюмы, в этом случае ровные белые жемчужины смотрятся излишне строго, торжественно и нарядно. А барочный жемчуг различных оттенков – белый, чёрный или другого цвета – можно носить с любой одеждой. Это выглядит уместно и удобно.

Украшения с жемчугом барокко подходят к различным стилям одежды, а если цена не слишком высока, это даст возможность любой обладательнице иметь собственные жемчужные россыпи.

Вернуться к списку статей

Бароко — Baroco — xcv.wiki

Схема силлогизма бароко

В аристотелевской логике , Baroco является мнемонические слово , используемое для запоминания в силлогизм . В частности, первое суждение имеет универсальный и утвердительный характер, а второе и третье — частное и отрицательное, а средний термин — атрибут в двух первых. Например,

Каждая добродетель сопровождается благоразумием.

Некоторые виды рвения не сопровождаются осмотрительностью.

Следовательно, некоторые виды рвения не являются добродетелями.

В терминологии аристотелевской логики бароко — это один из четырех силлогизмов второй фигуры из девятнадцати модусов (или один из шести силлогизмов второй фигуры из двадцати четырех модусов, если включены ослабленные модусы). Он включает: отношение к силлогизму (Варвара) первой фигуры типа В; капитальное помещение типа А; второстепенное помещение типа О; второстепенная посылка второй фигуры (младший член / связка / средний член) типа C; вывод типа О; то есть универсальное главное утвердительное, конкретное второстепенное отрицательное и конкретное отрицательное заключение.

Современный пример силлогизма бароко:

1. Все блюдца можно использовать как фрисби:
2. Некоторые металлические предметы нельзя использовать в качестве летающих тарелок:
3. Поэтому некоторые металлические предметы не являются блюдцами.

Бароко и барокко

В 16 веке термин «бароко» вышел за рамки философии и стал использоваться для описания всего, что было чрезмерно и абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень связывал термин «бароко» с «причудливым и бесполезно сложным». Другие ранние источники связывали этот термин с магией, сложностью, путаницей и излишеством.

В 18 веке этот термин иногда также использовался для описания музыки, и это было не очень лестно. В анонимной сатирической рецензии на премьеру оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Ариси» в октябре 1733 г., напечатанной в « Mercure de France» в мае 1734 г., критик писал, что новинка в этой опере — «дю барокко», жалуясь на что музыке не хватало связной мелодии, в ней не было диссонансов, постоянно менялись тональность и размер и быстро проходили все композиционные приемы.

В 1762 году Le Dictionnaire de l’Académie française писал, что этот термин можно использовать в переносном смысле для описания чего-то «неправильного, причудливого или неравного».

Жан-Жак Руссо , музыкант, композитор и философ, написал в 1768 году в « Энциклопедии» : «Музыка барокко — это то, в чем гармония смешана, наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация затруднена, а движение ограничено. Похоже, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками ».

Рекомендации

<img src=»//en.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1×1″ alt=»» title=»»>

Гюстав Курбе — 271 произведение

Жан Дезире́ Гюста́в Курбе́ (фр. Jean Désiré Gustave Courbet; 10 июня 1819, Орнан — 31 декабря 1877, Ла-Тур-де-Пельз, Во, Швейцария) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма.

Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане, городке с населением около трёх тысяч человек, расположенным во Франш-Конте, в 25 км от Безансона, около швейцарской границы. Его отец, Режис Курбе, владел виноградниками около Орнана. В 1831 году будущий художник начал посещать семинарию в Орнане. Утверждается, что его поведение столь контрастировало с тем, что ожидалось от семинариста, что никто не брался отпускать ему грехи (см. также). Так или иначе, в 1837 году по настоянию отца Курбе поступил в Collège Royal в Безансоне, что, как надеялся его отец, должно было подготовить его к дальнейшему юридическому образованию. Одновременно с обучением в коллеже, Курбе посещал занятия в Академии, где его учителем был Шарль-Антуан Флажуло, ученик крупнейшего французского художника-классициста Жака-Луи Давида.

В 1839 году он отправился в Париж, дав отцу обещание, что будет изучать там юриспруденцию.

В Париже Курбе познакомился с художественной коллекцией Лувра. На его творчество, в особенности раннее, большое влияние впоследствии оказали малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес, у которых он заимствовал общие тёмные тона картин. Курбе не стал заниматься юриспруденцией, а вместо этого начал занятия в художественных мастерских, прежде всего у Шарля де Штейбена.
Затем он отказался от получения формального художественного образования и стал работать в мастерских Суисса и Ляпена. В мастерской Суисса не было специальных занятий, студенты должны были изображать обнажённую натуру, и их художественные поиски не ограничивались преподавателем. Такой стиль обучения хорошо подходил Курбе.

В 1844 году первая картина Курбе, «Автопортрет с собакой»,
была выставлена в Парижском салоне (все остальные картины были отвергнуты жюри). С самого начала художник показал себя крайним реалистом, и чем далее, тем сильнее и настойчивее следовал по этому направлению, считая конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы и пренебрегая при этом даже изяществом техники. В 1840-х годах он написал большое количество автопортретов.

Между 1844 и 1847 годами Курбе несколько раз посетил Орнан, а также путешествовал в Бельгию и Нидерланды, где ему удалось установить контакт с продавцами живописи. Одним из покупателей его работ был голландский художник и коллекционер, один из основателей Гаагской школы живописи Хендрик Виллем Месдах. Впоследствии это заложило основы широкой известности живописи Гюстава Курбе за пределами Франции. Примерно в это же время художник устанавливает связи в парижских артистических кругах. Так, он посещал кафе Brasserie Andler (находившееся непосредственно около его мастерской), где собирались представители реалистического направления в искусстве и литературе, в частности, Шарль Бодлер и Оноре Домье.

В конце 1840-х годов официальным направлением французской живописи все ещё был академизм, и работы художников реалистического направления периодически отвергались устроителями выставок. Так, в 1847 году все три работы Курбе, представленные в Салон, были отвергнуты жюри.

Более того, в этом году жюри Салона отвергло работы большого числа известных художников, включая Эжена Делакруа, Домье и Теодора Руссо, так что они вынашивали планы о создании собственной выставочной галереи. Планы не осуществились из-за начавшейся революции. В результате в 1848 году все семь работ Курбе, представленных жюри, были выставлены в Салоне, но ему не удалось продать ни одну картину.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

10 самых сексапильных музыкантов, в которых стоит влюбиться – Москва 24, 05.08.2016

Отметивший в прошлом месяце юбилей Риккардо Мути как-то заметил, что элементы шоу на классических концертах набили оскомину и оказывают негативное воздействие на искусство, дискредитируя его неотъемлемую философскую составляющую.

Фото: Cliff Lipson

Противоположного мнения придерживается Йонас Кауфман, который считает, что визуальная часть (и сама внешность исполнителя) подчас становится даже более значимым фактором для той части публики, которая находится в начале пути и еще не обрела ориентиров в классике.

Редакция m24.ru решила представить на суд читателям десять музыкантов, обладающих яркой внешностью и способных повести за собой. Академическая музыка – это не только интеллектуально, но и чертовски притягательно.

Чарли СИЕМ, скрипач

Фото: charliesiem.com

Чарльз Максимилиан Сием, сын норвежского миллиардера, мог бы проводить дни своей юности, лениво попивая коктейли на яхте в окружении русских моделей и без особой охоты слушая наставления предприимчивого отца, в конце 70-х вложившего средства в нефтяной и судоходный бизнес. Как сообщает официальная биография Чарли, главным потрясением его детства стал скрипичный концерт Бетховена в исполнении Иегуди Менухина. В пять лет в руках мальчика появилась скрипка-восьмушка. Став студентом Королевского музыкального колледжа в Лондоне, он уже имел за плечами Итон и Кэмбридж. Его наставниками были Ицхак Рашковский, одессит по происхождению, музыкант с мировым именем, а затем один из самых выдающихся скрипачей-виртуозов современности – Шломо Минц.

Чарли играет на скрипке Гварнери Дель Джезу D’Egville 1735 года, застрахованной на сумму, превышающую десять миллионов британских фунтов. Когда-то она принадлежала принцу Пруссии. Молодой человек выступает в самых престижных залах мира (интересно, что он успел дать концерт с Оркестром Московской филармонии под руководством Юрия Симонова) и при этом он, обладатель аристократической внешности, успешно сотрудничает с лидерами фэшн-индустрии – о контрактах с Чарли мечтали Christian Dior, Hugo Boss, Dunhill, Giorgio Armani. Его поклонники – Леди Гага, Мэрайя Кери, Селин Дион, Кэти Перри, а также два главных редактора журнала Vogue в Штатах и Италии – Анна Винтур и Франка Соццани.

Чарли является убежденным приверженцем той точки зрения, что для классической музыки нет границ – она должна звучать повсюду и для самой разной публики, вне зависимости от образования, рода занятий, социального статуса. В интервью Чарли любит рассказывать о своем далеком предке – норвежском скрипаче и композиторе Уле Булле, его участии в событиях Французской революции и образе денди. «Он был олицетворением романтического героя», – считает Чарли.

Видео: youTube/пользователь: Charlie Siem

Где послушать:

Италия, Ареццо

Римский амфитеатр, 11 августа

Йонас КАУФМАН, оперный певец

Фото: Decca/Mathias Bothor

«Жить в славе – наслаждение, но оно достигается каторжным трудом, – говорит Йонас Кауфман, певец, которого называют лучшим тенором XXI века. – К успеху нужно быть готовым морально».

Йонас может быть разным. Может глубокомысленно рассуждать о трагедии гётевского Фауста (тем более, что сам не раз выходил на сцене в образе стареющего искателя истины), а может рассказывать о безумствах своей бурной молодости. Слово «секс-символ» вызывает у него улыбку. «Первое время мне было очень трудно принять тот факт, что все уделяют такое внимание моей внешности. Казалось, голос вообще никто не принимает в расчет». Конечно, Йонас кокетничает. Его цепляющая внешность мачо (предки Кауфмана родом из «зеленого сердца Германии», Тюрингии, где жили евреи-ремесленники, покинувшие Италию), дополненная чувством юмора, свободным существованием в самых экстремальных постановках, открытой улыбкой и доброжелательностью, способствует пополнению рядов апологетов оперного искусства.

Йонас как-то рассказывал забавный случай из творческой биографии: ему предложили спеть партию Обнаженного юноши в шенбергском «Моисее и Аароне». По задумке герой должен был появиться на сцене абсолютно голый. Певец пожал плечами и ответил, что в либретто еще значатся четыре обнаженные девственницы. Если таковых задействуют в постановке, то он подпишет контракт. Конечно, на этом в переговорах пришлось поставить точку.

Видео: youTube/пользователь: Jorge Echeverri

Где послушать:

Германия, Мюнхен

Баварская национальная опера, 30 сентября

Барбара ХАННИГАН, оперная певица, дирижер

Фото: barbarahannigan. com

Магическое обаяние Ханниган пленяет самых оригинальных режиссеров и дирижеров. Кажется, для нее не существует ничего запретного на сцене. Горячие поцелуи с партнерами Анны Нетребко – детская шалость в сравнении с тем, что доступно этой канадской демонессе. Причем ее видят как суккубом, так и воплощением жертвенности. В феврале этого года в рамках абонементов Гётеборгского симфонического оркестра открылась фотовыставка Элмера де Хааса, который представил две серии снимков Ханниган – «Сирена» и «Солдатская сказка». На одной из них на певице только прозрачная рубашка. В постановке оперы Альбана Берга «Лулу» в брюссельском театре La Monnaie Ханниган выходит на сцену в белье (режиссер – поляк Кшиштоф Варликовский). Далеко не каждая солистка способна преодолеть такой психологический порог. Сексуальность, даже нездоровая, для Барбары служит одним из инструментов для достижения психологической глубины своих героинь.

Видео: youTube/пользователь: Rudiger Neumann

Где послушать:

Италия, Милан

Театр Франко Паренти, 4 сентября

Теодор КУРЕНТЗИС, дирижер

Фото: deiz. ru

Первый номер арт-журнала Desillusionist украшал загадочный портрет греческого дирижера, на тот момент культивировавшего высокое искусство на новосибирской почве. Текст интервью на нескольких разворотах сопровождали совершенно нетипичные для классического музыканта фотографии, на которых Курентзис представал в образе падшего ангела – с обнаженным торсом и черными крыльями. Будто уставший, но при этом чувственный взгляд маэстро пленил не один десяток женских сердец. Его инфернальный имидж, сочетающий декаданс и отшельническую просветленность, пришелся по вкусу не только профильным изданиям, но и хипстерам, а также аудитории, которую принято позиционировать как сегмент luxury.

В 2011 году Теодор встал у руля Пермского оперного театра. Результаты его грамотного художественного руководства иллюстрируют отечественные и европейские премии – театральные и музыкальные. В ноябре на CD выйдет Don Giovanni Моцарта в исполнении симфонического оркестра musicAeterna и солистов из разных стран. Осведомленная публика предвкушает, что запись, как и две предыдущие – Le nozze di Figaro и Cosi fan tutte – станет настоящим потрясением. Кроме того, поклонники Теодора в Москве, до сих пор спорящие о недавней трактовке малеровской «Трагической» симфонии, через неделю получат шанс увидеть в кино недавнюю премьеру пермской «Травиаты».

Видео: youTube/пользователь: Perm Opera Ballet Theatre

Где послушать:

Австрия, Вена

Konzerthaus, 12 сентября

Юджа ВАНГ, пианистка

Фото: yujawang.com

«Кажется, она обладает всем: темпом, гибкостью, мощью пианистического туше и тонкостью интерпретаций». Так пишет о пианистке New York Times. Хрупкая девушка, которую сравнивают с восточной фарфоровой статуэткой, демонстрирует фантастический темперамент. Восторги критики сыпятся на нее как из рога изобилия. Ее ставят в один ряд с крупнейшими пианистами прошлого века, отмечают глубину прочтения и безукоризненное владение стилями. При этом пианистка ведет блоги и не сторонится глянца – ее фотографии во весь рост публиковали Vogue, Elle, Marie Claire. Ванг выступет с Валерием Гергиевым, Густаво Дудамелем, Лионелем Бренгье. При этом она неизменна в выборе фасона туалетов, выгодно подчеркивающих ее идеальные ноги.

Видео: youTube/пользователь: MusicLover26

Где послушать:

Австрия, Зальцбург

Haus für Mozart, 12 августа

Алондра де ла ПАРРА, дирижер

Фото: hotbook.com.mx

Запись репетиции де ла Парра с Оркестром Парижа облетела весь Youtube. Восторженные комментарии смешиваются с агрессивной реакцией академических музыкантов. Дирижируя «Танец №2» мексиканского композитора Артуро Маркеса, де ла Парра двигается, как на танцполе. Первые пульты ни единым мускулом лица не выдают своего отношения к такой манере работы.

Латиноамериканка сама ведет Instagram, соглашается на модные фотосессии в брендовой одежде (Luis Vuitton, Salvatore Ferragamo, Vanessa Arregui), ее лицо появляется на обложках глянцевых журналов (In Style, Vanidades, Women’s Health). Пласидо Доминго, покоренный музыкальным чутьем и профессионализмом девушки, в одном из интервью назвал ее «выдающимся дирижером современности».

В репертуаре де ла Парры огромное количество сочинений ныне живущих мексиканских авторов. Европейские коллективы предлагают ей альтернативу – с Лондонским филармоническим оркестром Алондра дебютировала Второй симфонией Малера.

Видео: youTube/пользователь: eightseasons

Где послушать:

Германия, Берлин

22 августа, Konzerhaus

Андреас ОТТЕНЗАМЕР, кларнетист

Фото: http://andreasottensamer.com/

По версии ECHO Klassik Оттензамер стал обладателем титула «Инструменталист года 2016». Высокий, статный концертмейстер группы кларнетов Берлинского филармонического оркестра красив как картинка. Посещает фэшн-показы, неплохо играет в теннис. Его творческая биография отвечает всем самым высоким стандартам классических музыкантов: начал занятия в раннем возрасте, перепробовал несколько инструментов, но по примеру отца выбрал кларнет. Выступал с Молодежным оркестром Густава Малера, оркестром Венской оперы и многими другими коллективами, но мечтал стать одним из Берлинских филармоников.

Видео: youTube/пользователь: 클래식의 숲(Classical forest)

Где послушать:
Германия, Бремен

Haus der Bürgerschaft, 20 августа

Василий ПЕТРЕНКО, дирижер

Фото: royalalberthall.com

Сорокалетний худрук Ливерпульского королевского симфонического оркестра попал в этот топ, поскольку часть редакции m24.ru обнаруживает в нем внешнее сходство с обладателем «Оскара» Мэттью Макконахи. Дирижер периодически выступает в Москве с Госоркестром Светланова, в котором не так давно занял пост главного приглашенного дирижера.

Несколько лет назад высказывание Петренко о сексуальности женщин за дирижерским пультом возмутило норвежское музыкальное сообщество. Его мнение о том, что девушка вызывает у оркестрантов посторонние мысли, а мужчина, наоборот, настраивает коллектив на продуктивный рабочий процесс, многие приняли в штыки. Мы позволим себе не согласиться с Василием, так как он сам весьма привлекателен.

Видео: youTube/пользователь: Hibrow

Где послушать:

Москва, Большой зал консерватории,

26 декабря

Филипп ЖАРУСКИ, оперный певец

Фото: facebook.com/Philippe.Jaroussky/

На прошлой неделе французский контратенор, любимец публики, неожиданно для приверженцев аутентичного исполнительского искусства принял участие в концерте-трибьюте Дэвиду Боуи (инициатива крупнейшего музыкального фестиваля Proms) и в сопровождении симфонического оркестра под управлением дирижера Андре де Ридде исполнил песню Always Crashing in the Same Car из альбома Low 1977 года. Более привычная для Жарусски среда – музыка эпохи барокко. В начале июня на DVD вышла пикантная «Альцина» Генделя в постановке Кэти Митчелл, где Жарусски спел партию Руджеро. Европейская критика вместе с публикой фестиваля в Экс-Ан-Провансе рукоплескала ему, а потом взахлеб обсуждала сцену, в которой партнерша Жарусски, Патрисия Пётибон связывала его в постели.

В середине июля Жарусски стал обладателем престижной премии ECHO Klassik как «Певец года».

Видео: youTube/пользователь: randgeschehen

Где послушать:

Польша, Вроцлав

Narodowe Forum Muzyki, 5 сентября

Дэвид ГАРРЕТТ, скрипач

Фото: david-garrett.com

Американец с немецким происхождением, улыбчивый блондин под два метра ростом, скрипач-виртуоз и мастер кроссовера. Уже в 11 лет он получил от президента Германии в награду свою первую скрипку Страдивари. Он и сейчас выходит на сцену с инструментом, сделанным великим мастером, и собирается в этом году отметить его 300-летие.

Гарретт умеет делать из классики зрелище, полноценное шоу, что, естественно, производит на публику мощный эффект. Однако и профессионалы отдают должное его отточенной технике. Недаром рядом с его именем то и дело проскакивает определение «гений». Самый скоростной скрипач в мире играет «Полет шмеля» Римского-Корсакова за 65 секунд.

Гарретт сексапилен: смокингу он предпочитает пиджак на голое тело. После нескольких аккордом женская часть публики готова вырезать сердце из груди и преподнести музыканту в качестве сувенира. Несмотря на такой успех, артист крайне осторожен в рассказах о личной жизни, да и на пресс-конференциях он молчалив и оттого еще более загадочен и желанен для дам, любящих не только искусство, но и его проводников.

Видео: youTube/пользователь: MusicNoteBlog

Где послушать:

Москва, Кремлевский дворец

12 декабря

1 декабря в «Аптекарском» Simple Music Ensemble озвучат «The Best of Beatles»

Ансамбль Simple Music представляет шоу «The Best of Beatles». В программе концерта намечены к исполнению самые известные песни легендарной группы и редко исполняемые, знакомые лишь искушённым битломанам и поклоннникам ливерпульской волны мерси-бита.

Композиции прозвучат в авторских аранжировках Simple Music для струнного квартета и фортепиано. Жемчужиной вечера станет выступление известной артистки театра Гоголь-центр, звезды спектакля «Барокко» Светланы Мамрешевой.

Также напомним, что конец ноября и начало декабря являются трагическими датами для поклонников The Beatles. Так, 29 ноября 2001 года ушел из жизни Джордж Харрисон (его нет с нами уже 18 лет) и 8 декабря 1980 года был убит Джон Леннон (с этой скорбной даты прошло 39 лет).

Предполагаем, что концерт Simple Music Ensemble, озаглавленный «The Best of Beatles», посвященный наследию замечательных музыкантов, станет хорошим поводом для того, чтобы вспомнить и переслушать композиции The Beatles.

Состав исполнителей Simple Music Ensemble варьируется от двух до тринадцати человек. Их репертуар состоит из произведений самых разных стилей и направлений: от Эпохи Возрождения – до современной музыки.

Консорциум музыкантов может состоять из разных составов. В широком репертуаре Simple Music произведения, написанные для смешанных и нестандартных ансамблей, популярная и редко исполняемая музыка.

На 1 декабря от Simple Music Ensemble в «Аптекарском огороде» заявлен следующий состав музыкантов:

Светлана Мамрешева — вокал;

Анна Янова — скрипка;

Даниил Падилов — скрипка;

Сергей Барсегян — альт;

Пётр Каретников — виолончель;

Маргарита Бакурина — фортепиано.

Концерт состоится в оранжерее «Аптекарского огорода».

Начало в 20:00.

Билеты на концерты дают право посещения всех выставок и экспозиций Ботанического сада МГУ «Аптекарский огород» (Проспект мира, 26/1).

Дополнительная информация: www.hortus.ru

Видео «Yellow Submarine»

«Наша Версия» поддерживает серию музыкальных концертов в «Аптекарском огороде» информационно.

утвержден предмет охраны церкви Николы Чудотворца / Новости города / Сайт Москвы

Мосгорнаследие утвердило предмет охраны церкви Николы Чудотворца. Храм XVII–XVIII веков расположен по адресу: улица Верхняя Радищевская, дом 20, строение 2.

Это пятиглавый двухэтажный храм с колокольней и трапезной. Изначально на первом этаже размещалась так называемая теплая, отапливаемая церковь для зимних богослужений, а на втором — летняя церковь с престолом апостолов Петра и Павла. Сейчас такого разделения нет.

После проведения научных исследований эксперты составили перечень всех ценных архитектурных и декоративных элементов сооружения.

«Каменный храм был построен в 1682–1702 годах под руководством известного московского зодчего Осипа Старцева в стиле московское барокко. В его пышном убранстве присутствуют поливные изразцы, обилие резного декора, а также сочетание красного и белого кирпича в отделке фасадов. В предмет охраны вошла планировка храма, его конструкции, строительные и отделочные материалы, облик фасадов и интерьеров, а также все элементы архитектурного декора», — пояснил глава Мосгорнаследия Алексей Емельянов.  

Эксперты признали ценным внешнее убранство храма. Это полуколонны с белокаменными базами, капителями, ширинки (квадратное или прямоугольное углубление в стене, оформленное многоступенчатой рамкой) с изразцами, белокаменный цоколь, пояса с сухариками — резным карнизом, окантованным зубцами. Крыши и главы храма с крестами тоже вошли в предмет охраны.

Ценными были признаны и детали интерьеров XVII–XVIII веков — полуколонны и пилястры (плоские колонны), а также белокаменный мощеный пол.

Церковь Николы Чудотворца на Болвановке — объект культурного наследия федерального значения. Здание находится под охраной государства. Любые реставрационные работы в нем могут проводиться только с учетом утвержденного предмета охраны по согласованному Мосгорнаследием проекту и под контролем специалистов ведомства.

Храм расположен на территории Таганской слободы, которая издавна носила название Болвановка. Есть несколько версий его происхождения. По одной из них, во времена монголо-татарского ига в этом месте проходила часть дороги, ведущей в Золотую Орду. На ней стоял болван — идол. Другая версия гласит, что название местности связано с некогда жившими там мастерами, которые изготавливали болванки для шляп.

За свою многовековую историю церковь Николы Чудотворца на Болвановке несколько раз меняла свой облик. Она пережила несколько пожаров и восстанавливалась на средства прихожан. В 1870-х годах храм был перестроен по проекту архитектора Василия Карнеева, а в 1900–1905 годах под руководством архитектора В.А. Осипова была проведена масштабная реставрация, частично вернувшая храму первоначальный внешний вид.

После 1917 года храм постепенно ветшал и разрушался. Оттуда вывезли все ценные предметы и утварь. В 1944 году строительство тоннеля московского метро повлекло за собой частичное разрушение здания церкви. В 1950-х храм частично восстановили, а в 1980-х году в здании провели комплексную реставрацию.

Чернигов: достопримечательности северного города — Tochka.net

Достопримечательности Чернигова

Самый северный областной центр Украины – Чернигов. Достопримечательности этого города поражают своей древностью и архитектурой. Еще бы, ведь именно Чернигов был центром Левобережной Украины и одним из крупнейших городов Древнерусского государства. Несколько дней вполне достаточно, чтобы ощутить атмосферу города и увидеть важные интересные места. Предлагаем тебе отправиться на уикенд в Чернигов – достопримечательности ждут тебя!

• Чернигов, достопримечательности: Троицкий собор

Достопримечательности Чернигова: Троицкий собор © wikipedia.org

Троицкий собор входит в комплекс Троицко-Ильинского монастыря, основанного в далеком XI веке Антонием Печерским. Это священное место было разрушено во время монголо-татарского нашествия и возрождено после, в 1649 году. Полный ансамбль Троицкого собора в стиле украинского барокко с колокольней высотой 58 м, из которой открывается лучшая панорама Чернигова, Введенской церквой и Трапезной сооружен в 1679-1695 годах на средства гетмана Украины Ивана Мазепы. Монастырь сейчас не действует, но собор всегда открыт для прихожан. Здесь покоятся мощи черниговских угодников: святителя Феодосия Черниговского, преподобного Лаврентия, святителя Филарета, частицы мощей некоторых киевских святых. Во время визита можно также посетить могилу известного поэта-баснописца Леонида Глебова.

• Чернигов, достопримечательности: Спасо-Преображенский собор

Достопримечательности Чернигова: Спасо-Преображенский собор © wikipedia.org

Этот действующий храм является одним из древнейших христианских храмов в Украине. Здесь похоронен Игорь Святославич – тот, о ком было написано «Слово о полку Игоревом». Собор является уникальным образцом древнерусской архитектуры, в его интерьере сохранились фрагменты фресок времен Киевской Руси и потрясающий иконостас XVIII в.

• Чернигов, достопримечательности: Ильинский монастырь и Антониевы пещеры

Достопримечательности Чернигова: Ильинский монастырь (Антониевы пещеры) © wikipedia.org

Ильинский монастырь является древнейшей святыней Чернигова и также входит в состав Троицко-Ильинского монастыря на Болдиных горах. Основал этот первый пещерный храм и монастырь преподобный Антоний Печерский в 1069 году. Пещерная часть составляет 315 метров – здесь находятся подземные храмы святых. Попасть под землю можно через Ильинскую церковь. Над монастырем на горе находятся славянские курганы Гульбище и Безымянный. Там же похоронен Михаил Коцюбинский, которому можно положить цветы у монумента.

• Чернигов, достопримечательности: Детинец (Вал) 

Детинец © instagram.com/chernihivgram/

Вал на высоком берегу зачарованной Десны – это самая древняя часть Чернигова. Именно здесь обнаружили остатки княжеских теремов. На валу в свое время размещался комплекс оборонных сооружений города и княжеский детинец. По сей день сохранились два храма, сооружение Коллегиума, построенное в 1700 году, каменица Лизогуба – полковая канцелярия и другие исторически важные здания. Сейчас вал – это парковая зона с красивой панорамой. Здесь установлены памятники Тарасу Шевченко и Александру Пушкину, а также размещены знаменитые 12 чугунных бастионных пушек XVII века, у которых все фотографируются, даже мы 🙂

• Чернигов, достопримечательности: Борисоглебский собор (Музей архитектуры)

Достопримечательности Чернигова: Борисоглебский собор (Музей архитектуры) © wikipedia. org

Борисоглебский собор – самый перестраиваемый храм в Чернигове. Его заложили в XII веке на фундаменте более древнего каменного сооружения XI века. Затем собор постоянно перестраивали соответственно веяниям архитектуры, а во время реставрации в середине XX века сооружению наконец-то возвратили древнерусские формы. В интерьере можно посмотреть на старинные фрески и инкрустированный пол. Некоторые храмы в Чернигове переквалифицировались в музейные площадки, и Борисоглебский собор в том числе. В его помещении находится музей архитектуры, входящий в состав Национального архитектурно-исторического заповедника «Чернигов древний».

• Чернигов, достопримечательности: Черниговский коллегиум

Достопримечательности Чернигова: Черниговский коллегиум © wikipedia.org

Потрясающее белоснежное ажурное здание с использованием элементов древнерусского зодчества было построено в XVIII веке. Одна из первых на Левобережье высших школ была открыта именно здесь — по инициативе архиепископа Иоанна Максимовича и финансовой поддержке гетмана Ивана Мазепы. Сейчас в здании коллегиума с высокой колокольней размещается администрация Национального архитектурно-исторического заповедника «Чернигов древний» и работает выставка икон.

• Чернигов, достопримечательности: Екатерининская церковь

Достопримечательности Чернигова: Екатерининская церковь © wikipedia.org

Древний символ Чернигова, церковь Святой Екатерины в стиле украинского барокко, встречает всех въезжающих в город со стороны Киева. Находится храм на противоположном холме от Детинца, на Аллее героев. Заложили церковь на месте древнего храма периода Киевской Руси на средства братьев Семена и Якова Лизогубов. Причиной послужило завещание отца братьев: он попросил построить церковь в память о героизме, проявленном при штурме турецкой крепости Азов в 1696 году, их дедом Яковом Лизогубом и казаками черниговского полка. Екатерининская церковь была закрыта в советский период, в 1975-80 годах ее отреставрировали и разместили экспозицию Музея народно-декоративного искусства Черниговщины. На сегодняшний день храм открыт для прихожан и совершает службу под эгидой УПЦ Киевского патриархата.

• Чернигов, достопримечательности: Черниговский исторический музей (Музей Тарновского)

Достопримечательности Чернигова: Музей Тарновского © wikipedia.org

Музей Тарновского – это Черниговский исторический музей, который так назвали в честь качановского помещика, предпринимателя и мецената Василия Тарновского, который организовал в городе первый Музей украинских древностей в далеком 1902 году. Особенную ценность это место несет в первую очередь из-за названия, ведь изначально музей назвали «украинским», а не «малороссийским». Здесь собраны более 130 тыс. экспонатов, которые относятся к разным периодам истории Черниговщины с давних времен до современности. Богатая коллекция археологических находок, редчайшие документы, предметы казацкой эпохи, старопечатные книги – все это можно посмотреть в музее.

• Чернигов, достопримечательности: Пятницкая церковь

Достопримечательности Чернигова: Пятницкая церковь © wikipedia. org

Классический памятник древнерусской архитектуры, Пятницкая церковь, была построена на рубеже XII-XIII веков в честь покровительницы торговли Святой Параскевии Пятницы. Во время Второй мировой войны храм был полностью разрушен. Восстановили церковь в 1962 году в первоначальном древнерусском стиле: семигранный храм в стиле украинского барокко внешне имеет вид стройной башни, увенчанной стройной верхушкой, которая создает характерную черту динамичного стремления ввысь и пирамидальности завершения. Храм открыт для прихожан.

• Чернигов, достопримечательности: Черниговский железнодорожный вокзал

Достопримечательности Чернигова: Черниговский ж/д вокзал © wikipedia.org

Железнодорожный вокзал Чернигова представляет собой очень монументальное здание. Во время Второй мировой войны он был разрушен, затем отстроен в новом помпезном облике. В последний раз здание реставрировали в 1999 году, поэтому у вокзала не идеальный, но сносный вид. Место очень колоритное для фотографий, поскольку здесь не многолюдно, а вокруг снуют голуби и вороны.

ЧИТАЙ ТАКЖЕ:

Все самые яркие и интересные новости смотри на главной странице женского онлайн-ресурса tochka.net.

Подписывайся на наш Facebook и будь в курсе всех самых интересных и актуальных новостей!

Музыка барокко — Простая английская Википедия, бесплатная энциклопедия

Фронтиспис оперы Монтеверди L’Orfeo , Венецианское издание, 1609 год. Написанная в начале периода барокко, эта опера также была одной из первых написанных опер.

Музыка барокко — это набор стилей европейской классической музыки, которые использовались между 1600 и 1750 годами.

Слово «барокко» используется не только в музыке, но и в других видах искусства: мы говорим об архитектуре барокко, живописи, скульптуре, танцах и литературе.Период барокко находится между эпохой Возрождения и классицизмом.

Музыканты считают, что период барокко начался примерно в 1600 году. Знаменитые композиторы эпохи Возрождения Палестрина и Ласс умерли несколькими годами ранее. Клаудио Монтеверди написал часть музыки в стиле эпохи Возрождения, а другую музыку — в стиле барокко. Придумывалась опера. Это было время музыкальных перемен.

Переход от написания музыки в стиле барокко к классическому стилю был гораздо более постепенным.1750 год — это год смерти Баха, поэтому его легко выбрать для окончания периода барокко.

Барокко было временем, когда люди любили большие пространства и много украшений. Это можно увидеть в архитектуре известных зданий, таких как базилика Святого Петра в Риме или собор Святого Павла в Лондоне. Они были построены в это время. В Венеции по обе стороны от церкви были церкви с галереями. Композиторы любили писать музыку для двух групп музыкантов, размещенных в противоположных галереях.Джованни Габриэли написал много такой музыки.

Идея двух противоположных групп широко использовалась в музыке барокко. Композиторы писали концерты. Это были произведения для оркестра и сольного инструмента. Иногда концерт противопоставлял группу солистов остальному оркестру. Они называются итальянским названием «Concerti Grossi». Бранденбургские концерты Баха — хорошие тому примеры.

Органы и некоторые клавесины имели как минимум два руководства (клавиатуры). Плеер мог переходить от одного руководства к другому, противопоставляя два разных звука.

Музыка барокко часто представляла собой мелодию с басовой партией внизу. Это может быть, например, певец и виолончель. Также был клавесин или орган, который также играл на басовой партии и составлял аккорды между ними. Часто композитор не утруждал себя записью всех аккордов (гармоний), а просто показывал некоторые аккорды цифрами, предоставляя исполнителю решать, какие именно ноты играть. Это называется «фигурный бас» или «бассо континуо». Солист, который играл или пел мелодию поверх, часто вставлял много орнаментальных нот.Опять же: композитор не записывал все это, а оставил исполнителю импровизировать что-нибудь приятное вокруг написанных им нот.

Поскольку композиторы сейчас писали оперу, для публики было важно четко слышать слова. В эпоху Возрождения коллективы хора часто пели несколько разных слов, используя разные мелодии одновременно. Это называлось «полифония». Полифония широко использовалась в инструментальной музыке, но не использовалась в опере, которая должна была рассказывать историю, не сбивая с толку.

Когда солист в опере поет песню (арию), ария находится в определенном настроении. Они назвали это «привязанностью». Было несколько «привязанностей» или настроений: были арии о мести, ревности, гневе, любви, отчаянии, мирном счастье и т. Д. Каждое движение в концерте также имело определенное настроение. Музыка более поздних периодов отличается. Например: Гайдн в классический период часто менял настроение во время произведения.

Барочная сюита — это собрание танцевальных движений, написанных в стиле барочной музыки.Есть общепринятый стандартный порядок исполнения танцев. Пять основных танцев — это Увертюра, Аллеманда, Куранта, Сарабанда и Жига. Часто композитор добавлял прелюдию перед всеми танцами. Иногда композитор добавлял еще одну пьесу между Сарабандой и Жигой.

Есть много исключений из стандартного порядка, но наиболее распространен порядок Prelude, Allemande, Courante, Sarabande, Other и Gigue. Это легко запомнить по аббревиатуре PACSOG.

Вот несколько наиболее важных композиторов периода барокко:

Италия

Германия

Англия

Франция

• Музыка эпохи барокко , Манфред Букофцер; Дж. М. Дент 1948

Барокко — Википедия

L’Adoration de Pierre Paul Rubens (Королевский музей изящных искусств Анвер). Динамичная структура формирует спокойную красоту в спиральном автоматическом пространстве, драпировки d’éclatantes, суфле из движущихся предметов, украшенное люминесцентным светом, блестящее великолепное сияние.

Le baroque est un mouvement artistique qui Trouve son origine en Italie dans des villes telles que Rome, Mantoue, Venise et Florence dès le milieu du XVI ^e siècle et qui se termine au milieu du 67 ^{e siècle. Il y a un âge baroque différent selon les domaines, qu’ils soient intellectuels, Historiques or artistiques. Определенные критические статьи, которые высказывают свое мнение о постоянной культуре, о долгой истории, напоминающей о критике Эудженио д’Орса.}

Si la définition du baroque reste ouverte, com son étude, on peut en proposer l’approche suivante:

Au sens propre, le terme baroque, qui n’a d’ailleurs jamais été utilisé au XVII, ^и s. платит autres. De l’architecture, ce vable s’est étendu à la скульптура, et à la peinture et aux autres formes de la production spirituelle contemporaine.

Даты барокко varient d’un pays à l’autre, на месте начала XVII ^и и премьер-министр XVIII ^и s., cela n’impliquant pas pour autant que tout ce qui appartient à cette époque soit baroque.

Entre la fin de la Renaissance et le baroque, на улице s’accorde aujourd’hui à insérer la phase maniériste. D’autre part, une esthétique du rococo est en voie d’être clairement définie. Cette Restriction du Champ d’application du terme baroque semble utile dans l’effort de cleification entrepris.

Le baroque, qui touche tous les domaines, se caractérise par l’exagération du mouvement, la дополнительная плата за украшение, les effets dramatiques, la Voltage, l’exubérance des formes, la grandeur parfois pompeuse et le contraste, ce même contraste dont parlait. Филипп Боссан: «Эпоха барокко», «неизгладимое препятствие для возможного гармоничного использования» ^{[R 1]} .

À l’origine, le baroque était un terme péjoratif, related de la bizarrerie et de l’étrangeté ^[1] . L’adjectif «baroque» apparaît au XVI ^e siècle sous le nom de berrueco (en Espagne) и barroco (au Portugal) pour désigner, en joaillerie, une perle irrégulière.

Le mot «baroque» pourrait австралийского проверенца в моей мнемотехнике, использующейся в эпоху Возрождения, для сохранения фасона конструкции, en logique aristotélicienne, un des syllogismes de la deuxième figure, Baroco. La bizarrerie qu’on attache depuis toujours au baroque serait née de cette manière futile et pédante de raisonner, pour finir, au XVIII ^e siècle, par désigner «la forme la plus extrême du bizarre» ^[2] .

Il touche tous les domaines artistiques, скульптура, искусство, литература, архитектура, театр и музыка, и т. Д., Rapidement Rapidement в plupart des pays d’Europe.

Этимология и происхождение [модификатор | модификатор кода файла]

Термы «барокко» виент дю португалия «барроко» qui signifie «perle irrégulière» ^{[Примечание 2]} .Жемчужные идеи барокко — это ретровент в трудах Мишеля-Анжа. Le style baroque débute aux alentours de 1580.

Исторические произведения искусства, сувенирные протестанты, традиционные элементы, акцентирующие внимание на фактах в стиле барокко, эволюционировавшем в эпоху католической католической эпохи, римское лицо и новые религиозные движения, создаваемые новой религией и наукой. ^{[Примечание 3] , [R 2]} . В духе монументального стиля барокко, который представляет собой инструментальный инструментальный папауте, называемый «les monarchies absolues», «en imposant une voie d’expression à même de restaurer son prestige», «au point de start symbolique de la Contre-Réforme catholique».Que ce fût ou non le cas, son développement eut du succès à Rome ^{[Примечание 4]} où l’architecture baroque renouvela largement le center-ville; peut-être la plus importante rénovation urbanistique.

Le terme «baroque» dans son sens actuel, com la plupart des périodes ou désignations stylistiques, a été par. l’histoire de l’art ) et non par les artistes des XVI ^e et XVII ^e siècles.Ceux-ci ne se pensaient pas baroques , mais classiques. Утилитарные формы du Moyen Âge, les ordres classiques, les frontons, toute une modénature classique issue des modèles gréco-romains. Барокко возникло в Риме в конце XVI ^e siècle. En français, le terme est attesté dès 1531 à provse d’une perle, à la fin du XVII ^e siècle au sens figuré ^{[E 1]} . Ainsi Jean-Jacques Rousseau écrit en 1768 dans son Dictionnaire de la musique «Барокко: барочная музыка, устойчивая к гармонии, смешанная, исполнитель модуляций и диссонансов, песнопение dur et peu naturel, l’intonation difficile и т. Д. ле ограничение движения.Il y a bien de l’apparence que ce terme vient du baroco des logiciens ^{[E 2]} . »C’est en 1855 que, pour la première fois, le mot est utilisé для décrire la période et l’art succédant à la Renaissance sous la plume de l’historien d’art suisse Jacob Burckhardt dans Le Cicerone ^{[A 2]} .

Il faut servere une génération et 1878 pour que le «style baroque» fasse son Entrée dans le Dictionnaire de l’Académie française et que la definition perde un peu de son caractère dépréciatif ^{[E 3]} . Il est vrai que l’impératrice Eugénie a remis au goût du jour les mignardises et le style Louis XV et qu’est né, ce que nous appelons le style néo-baroque ^{[Примечание 5]} : la réhabilitation peut begin et Wölfflin écrit son œuvre pour nous éclairer sur ce qu’est ce baroque si complexe, tourmenté, irrégulier et, au fond, plus fascinant que bizarre…

L’historien d’origine suisse Heinrich Wölfflin ^{[R 3]} (1864) -1945), dans Renaissance et Baroque ^{[A 3]} , définit le baroque com un «mouvement en masse», un art antithèse de l’art de la Renaissance ^{[Примечание 6]} .Il ne fait pas defictions entre le maniérisme et le baroque, ce que font les auteurs modernes, et il ignore sa phase plus récente, le rococo qui s’épanouit dans la première moitié du XVIII ^e siècle. «En France et en Grande-Bretagne», «сын не получил награды в течение всей жизни», «за участие в предварительном влиянии Вельфлина, приобретенного в соответствии с немецкой школой» (Wölfflin acquiert au sein de l’école germanique).

Les Historiens de l’art actels utilisent avec réticence le mot baroque, terme polysémique qui a une value trop floue et ambiguë ^{[C 1]} .

La diffusion en Europe [модификатор | модификатор кода файла]

C’est grâce à l’Église catholique que l’art baroque se propage en Europe ^{[R 4]} . Il se diffuse au XVII ^e siècle dans toute l’Europe, et plus specific en Espagne, Europe centrale et Pays-Bas. Во Франции, например, Клод Лоррен на Port de mer au soleil couchant avec un grand travail de la lumière. Et en Espagne, Les Ménines de Vélasquez.On peut retrouver encore aujourd’hui des traces de ce mouvement baroque partout en Europe, par instance la façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle.

Популярность и успех барокко не поощряет католическую католическую религию Ромэн quand elle décide que le côté théâtral du style des artistes du baroque pouvait promouvoir des thèmes Relieux avec une implation direnelle et é é é é é é és . C’est un art du catholicisme tel qu’il fut défini en 1545-1563 par le concile de Trente, décret le plus значительный Декрет об инновациях и реликвиях святых и об изображениях святых .C’est donc une esthétique de la Contre-Réforme, que l’on retrouve specific dans l’art jésuite; on a d’ailleurs longtemps assimilé l ‘«art jésuite» и l’ «art baroque». Cette esthétique rencontre de fortes résistances dans les pays acquis à la Réforme, o se développe un art протестант. L’Angleterre reste très réfractaire, la France également.

L’aristocratie laïque considérait également l’effet spectulaire des Arts et de l’architecture baroque, com une façon d’impressionner leurs visiteurs et leurs éventuels rivaux.Les palais baroques sont constitués d’une succession de cours à l’entrée, d’antichambres, de grands escaliers et de salles de réception, dans un ordre de splendeur croissante. De nombreuses формирует искусство — музыку, архитектуру и литературу — вдохновляющие les unes des autres au sein de ce mouvement culturel.

Очарование стиля барокко, преображающее сознание, проход изящества, интеллектуальное мастерство в искусстве XVI ^и siècle au charme viscéral visant les sens.Il emploie une iconographie directe, simple, évidente et dramatique. L’art baroque s’inspire dans une suree mesure des tenances héroïques d’Annibale Carracci et de son cercle, et Trouve l’inspiration à travers d’autres artistes Com Le Corrège et Le Caravage et Federico Barocci, qualifiés parfois de nos jours de «Протобарокко».

В противопоставлении souvent l’art des Carraccis (les frères et cousins) à l’art du Caravage par les Termes de classique et baroque, ce sont deux влияет на opposées au niveau plastique (ce qui fut défini par Wölfflin) qui vont escapeir beaucoup d’influences sur leurs sucesseurs.

Le Baroque tardif [модификатор | модификатор кода файла]

Prométhée de Nicolas-Sébastien Adam, daté de 1737 (Musée du Louvre): un fiévreux tour de force rempli de soltensions Contraes, de multiple angles et points de vue, et d’intense émotion.

Позднее барокко или рококо succède au baroque classique, au XVIII ^e siècle. Il apparaît dès la fin du XVII ^e en Allemagne, en Autriche et en Bohême. Le got de la beauté sensuelle apporte une Composition plus libre au caractère systématique du baroque du XVII ^e siècle.L’ornementation se multiplie, devient riche et fantaisiste. Les fresques en trompe-l’œil, les escaliers, les nymphées et les скульптуры allégoriques vont jusqu’à la надбавка за églises, des châteaux et des fontaines. Вена, Лондон, Дрезд, Турин, L’Allemagne du Sud et la Bohême en adetent toutes les audaces. Le plaisir des yeux est impératif autour du capriccio exubérant du baroque tardif, com la fontaine de Trevi à Rome (1732-1762) par Salvi et l’escalier de Caserte près de Naples (1751-1758) par Vanvitelli.

Les espaces architeuraux s’ouvrent в Париже (площадь Согласия), в Бордо (площадь Биржи), в Нанси (площадь Станислава). En Autriche, Fischer von Erlach et Lucas von Hildebrandt, конкурирующий с фантастической архитектурой. En Bavière, les abbayes rurales se couvrent d’angelots. Les frères Asam sont célèbres в Мюнхене. Le rococo d’Autriche, de Bohême, de Moravie et d’Allemagne du Sud orne les églises de pèlerinage, Com à Wies où les murs croulent sous les effets de dorures sur fond blanc.

Американские колонии Испании и Португалии, прославившиеся в иберикском стиле платереско. Во Франции ученики Мансара проходят через особые отели и внутренний декор, видимые в предместьях Сен-Жермен и в Марэ или на бис по экстраординарным буазери в Рамбуйе.

«Литература в стиле барокко» использует метафоры и аллегории в веках. Le thème le plus abordé est le thème Relieux mais les artistes baroques aiment aussi parler de la mort et utilisent fréquemment l’illusion dans leurs œuvres.

Le théâtre est le lieu de l’illusion par excellence. Le théâtre baroque accentue cette illusion par de fréquents change d’intrigues Com dans l’Illusion comique de Corneille. Театр барокко — это плутот фонд сюрреалистических эмоций.

Dans les romans baroques, les intrigues sont complex и др. On distingue de nombreux типы римского барокко, parmi eux le roman pastoral, qui présente un monde idéalisé et le roman picaresque, à mi-chemin entre idéal et réalité.

Подвеска «Эпическая поэзия в стиле барокко (1570–1630)» Подвеска «Геро веры веры» la paix devient lyrique. Il y a dans cette poésie de nombreux affrontements entre l’Église catholique et l’Église réformée.

Литература и философия [модификатор | модификатор кода файла]

Le baroque exalte de nouvelles valeurs que l’on resume souvent à l’utilisation de métaphores et d’allégories, que l’on retrouve largement en littérature baroque, et en recherche de «maraviglia» ^{[R 6]} (Merveilleux, étonnement, Com dans le maniérisme), et l’utilisation d’artifices.Si le maniérisme ouvrit une première brèche à la Renaissance, le baroque en fut la réponse opposée. On retrouva l’affliction Psyologique de l’Homme — un thème Abandonné après les révolutions de Copernic et de Luther dans la recherche d’un soutien solide, une preuve de l ‘ ultime puissance humaine — à la fois dans l’art et al. l’architecture de la période baroque. Ревелатрис будущей реальности на религиозные темы, католическая католическая религия, римлянин était alors le main «клиент».

Les artistes recherchaient la virtuosité (et le virtuoso devint une forme commune d’art) avec le réalisme, soucieux du détail (определенные parlent d’une «complexité» typique) ^{[R 7]} .

Le Privilège donné aux formes extérieures devait composer et équilibrer le manque de contenu observé dans de nombreuses œuvres baroques: Maraviglia de Marino, например, настоящая футуристическая практика с первобытной партией первозданной формы. Elles devaient susciter au spectateur, au lecteur, à l’auditeur, fantaisie et imagination.Toutes étaient focalisées sur l’homme en tant qu’individu, com une Relations directe avec l’artiste, ou directement entre l’art et ses utilisateurs, ses customers. L’art est alors moins distant de son utilisateur, s’approche de lui de manière plus directe, resolvant le fossé culturel qui tenait à l’écart l’art et l’usager l’un de l’autre, par Maraviglia. Mais l’attention croissante de l’individu, créa également avec ces Principes quelques жанры, важные для Romanzo (римского) и met de côté d’autres formes populaires ou locales, en specific la littérature dialectale, ce qu’il faut souligner.En Italie ce mouvement face au simple Individual (que определенно désignent в честь «потомков культуры», tandis que d’autres l’indiquent com une cause possible de l’opposition classique au baroque) fut la cause du remplacement irrémédiable du latin par l ‘ итальянский.

В английской литературе, по метафизическим поэтам, представляющим очевидное движение; leur poésie Employait de la même façon d’inhabituelles métaphores, qu’ils excinaient souvent avec précision. Leurs vers manifest un goût pour le paradoxe, et pour d’inhabituelles et délibérément inventives tournures de фразеологизм.

Театр [модификатор | модификатор кода файла]

Dans le domaine du théâtre, l’élaboration de vanités, de multiple change d’intrigue, et une varété de caractéristiques du maniérisme sont suplantés par l’éra qui regroupe tous les arts en un tout unifié.

Авторы-большие художники, создавшие пьесы театра в стиле барокко, корнеля ( Комедии , Комик иллюзий ) и Мольера ( Дом Жуана или Фестена Пьера ) во Франции; Тирсо де Молина ( Marthe la dévote , comédie; L’abuseur de Séville , drame Historique) et Lope de Vega ( l’Etoile de Séville , Aimer sans savoir qui , comédies (9000 ou Calderó) vie est un songe ) en Espagne.

Театр в стиле барокко, созданный в соответствии с определенными условиями, в лучших темах, в духе классического театра. А l’analyse intellectuelle, le baroque prefère l’émotion, la perception; Лицо в поисках внешнего вида, барокко, промеут в иллюзиях; à l’unité de ton, le baroque privilégie l’inconstance et le paradoxe; à la simplicité, le baroque противопоставляет la complexité.

En règle générale, la littérature baroque est marquée par une forte implation de la mort et du jeu de l’illusion.Comme dans les vanités en peinture, la mort est utilisée comm métaphore du temps qui pas, de l’irrémédiable, et de l’éphémère. Contrairement au romantisme, la mort ne représente pas une souffrance morale, mais plutôt une évidence métaphysique.

L’illusion est aussi une caractéristique du baroque qui se présente, étymologiquement, com une pierre précieuse à множественные аспекты. Ainsi, nombreuses œuvres sont porteuses de diverses de diverses mises en abyme: dans l’Illusion comique de Corneille, общественная помощь в спектакле, который проводится на его основе, чтобы увидеть его сына в мире, в котором вы находитесь.De ce fait, l’auteur donne plus de force à son plaidoyer en faveur du théâtre et entraîne malgré lui le public à adhérer à son point de vue. Les personnages, tout com le Spectateur, sont, à un moment ou à un autre, victimes de l’illusion. Pridamant croit son fils mort au vers 977, Matamore croit en ses propres mensonges. Комическая иллюзия ne fait pas que parler du théâtre: par ses personnages, cette pièce convoque aussi d’autres genres littéraires répandus au XVII ^e siècle. Clindor est un héros picaresque, c’est-à-dire audacieux et оппортунист, бродяга и авантюрист, tandis qu’Aventurier, tandis qu’Alcandre подобный аватарам магов, присутствующих в пасторалях. De même, le personnage de Matamore соответствует типу Soldat fanfaron présent dans les comédies latines.

«Иллюзия, позволяющая совершить ужасную веритэ»: на улице в течение дня Гамлет , Шекспир. Le jeune Hamlet sait que le roi actuel, son oncle, a tué son propre frère, autrement dit le père du jeune héros.Il fait représenter sous les yeux du roi une scène de meurtre semblable en tous points à celle que nous n’avons pas vue, mais que nous connaissons par le discours du fantôme du roi Hamlet assassiné par son frère. Le roi, devant cette représentation, quitte la scène. Dans cette pièce, illusion et vérité se rejoignent étrangement et provoquent ainsi un vertige chez le Spectateur. Dom Juan de Molière встретил aussi en scène un caractère baroque: l’inconstance. Pour le Héros séducteur, «tout le plaisir de l’amour est dans le changement», cette the s’applique dans tous les domaines et rejoint ainsi le mouvement baroque.

L’esthétique baroque repose sur le mouvement, l’inconstance, la противоречие, l’antithèse. Les personnages passent d’une palette de sentiments à une autre. On est dans l’excès, le paroxysme. Le discours donne à voir plus qu’à entender; il s’agit de montrer, de convoquer les images par le procédé rhétorique de l’hypotypose. Alors que l’esthétique classique recherche l’unité, le baroque se complaît dans la pluralité, d’où son goût pour l’accumulation. Le baroque donne les deux versants d’une médaille: la vérité est unissociable du mensonge, com le réel l’est du rêve, com la vie l’est de la mort

Мизансцена в стиле барокко. L’arrière-plan peint était changé à chaque acte. В aussi vu l’apparition de machineries sophistiquées, tel que des chars de bois qui s’élevaient (difficilement) dans les airs et sortaient de la scène «par le haut». Все машины являются экстраординарными программами для периодов и текущих резервов для королевского двора по номинальной цене. Cela s’est également traduit grâce à une suree mise en scène (люмьер, одежда, костюмы. ..). Le jeu du théâtre baroque se base sur trois Principes: le langage, le geste et l’énergie ^[3] . Le théâtre baroque se caractérise par une diction unique. Les acteurs reprennent le langage de Cour, avec un grand travail de Prononciation, dans la précision de specifices consonnes (например, les «r» sont roulés) et de voyelles (les «a» sont ouverts). Театр барокко — это диссоциация, играющая художественные произведения с жесткими хореографическими движениями, актерская игра, адаптация которой к тексту.Ainsi le geste sera le reflet d’un sentiment, d’une émotion que le texte a voulu faire ressentir. Le langage et le geste se réunissent dans l’axe de l’énergie corporelle et voice. Il y a réant ainsi un jeu frontal, très spécifique du jeu baroque ^[4] .

Poésie [модификатор | модификатор кода файла]

La poésie de la période littéraire baroque entre 1570 et 1600 est qualifié de poésie épique ^{[Примечание 7]} .On qualifiera plus tard de poésie baroque la poésie riche et разнообразный qui s’est développée entre 1600 и 1630, ainsi les 4 grand poètes de l’époque baroque sont Mathurin Régnier ^{[Note 8]} (1573-1613), Théophile de Viau ^{[Примечание 9]} (1590-1626), Malherbe ^{[Примечание 10]} et Saint-Amant ^{[Примечание 11]} (1594-1661) ^{[R 8]} .

«Барочная поэзия», написанная на основе классической литературы и гуманизма, состоит из новых форм: «сонет», «мод и новые темы».Le baroque se prête à la satire, qui permet de denoncer les vices du temps mais il donne surtout naissance à une poésie lyrique subtile et émouvante, выражение настроений, с которыми люди сталкиваются в любви, к природе, la fuite du temps ou à la mort. La foi peut renforcer le lyrisme en l’élevant, en le sublimant et le baroque débouche sur une poésie Relieuse.

Les poètes Théodore Agrippa d’Aubigné, Théophile de Viau, François L’Hermite или Marc-Antoine Girard de Saint-Amant ont en commun le goût de la sensualité, de l’ostentation, du contraste, du langage à effets, d Обитатели метафоров, гипербол, оксиморов.Des images de mouvement, symbols de l’éphémère, predominent: flamme, nuage, arc-en-ciel, plume d’oiseau, bulle de savon, eau. Ils répondent à l’inconstance et à la fragilité de la vie par l’utilisation de la métamorphose et du surnaturel. Leur poésie exprime la Постоянное напряжение, драматическое и театральное, entre le désir de saisir le sens de la vie et la vanité de l’existence humaine. Depuis la révolution copernicienne, le monde est instable et l’homme fragilisé.

Parmi les poètes baroques, условный звонок на бис Пьер де Марбеф, Жан де Спонд…

Теофиль де Вио, «Поэта ле плюс лу де л’эпок барокко», traduit cet état d’esprit dans ses vers:

«Il faudrait inventer quelque nouveau langage
Prendre un esprit nouveau, penser et dire mieux…»

— Élégie à une Dame

Енея Трои де Федерико Бароччи (1598): классическая сцена вдохновения, драматический образ в жанре драматического действия, общий план изображения в диагональных точках.

Origine [модификатор | модификатор кода файла]

La peinture baroque — née au XVI ^e siècle en Italie suivant le maniérisme. On peut y voir que les corps des personnages sont très détailléscom dans L’Archange Michel écrasant les anges rebelles ^{[R 9]} . Перспектива, которая играет важную роль, или великий номер света (clair-obscur) ^{[R 10]} et de jeux d’ombre. Les tableaux sont formés de Courbes; на du mal à repérer l’organisation du tableau du premier coup d’œil.

Caractéristiques [модификатор | модификатор кода файла]

Принципиальные особенности caractéristiques de cette peinture sont:

• l’utilisation de couleurs chaudes;
• les contrastes de lumière ^{[Примечание 12]} ;
• L’impression de mouvement donnée par les gestes des personnages et les drapés;
• des lignes de force en diagonale;
• des personnages communiquant par le отношении;
• des personnages très expressifs.

Определение значения барокко в пейнтуре — это четыре серии изображений, исполненных Пьера Поля Рубенса. ^{[R 11]} pour Marie de Médicis au Palais du Luxembourg à Paris (à présent au Louvre), dans lesquels un peintre catholique удовлетворяет aux exigences d’un mécène catholique: концепции монархии в стиле барокко, иконография, maîtrise de la peinture и композиции для описания пространства и движения. Du Caravage ^{[R 12]} в Пьетро-да-Кортона, вы ждете различных ответвлений в итальянской школе барокко, очень подходящей для динамичного движения в разных стилях.Une autre œuvre fréquemment citée, Sainte-Thérèse en extase du Bernin, pour la chapelle Cornaro de Sainte Marie de la Victoire, беспорядочная архитектура, скульптура и театр в грандиозном ваните ^{[R 13]} .

Le style baroque tardif fait прогрессивное место с декором в стиле рококо, лакель, цепендан, контрастом с апелляцией и поздним барокко. Et en оппозиция в стиле барокко в стиле классического сувенирного искусства, ассимилированная во Франции, в духе искусства в служении монархии.

L’Extase de sainte Thérèse dans la chapelle Cornaro, œuvre du Bernin.

Скульптура в стиле барокко, ансамбли фигур, имеющих первостепенное значение, новое движение, динамичное движение и внутренняя энергия, образующие человеческие — elles s’enroulent en volutes autour d’un tourbillon central, ou atteignent vers l’extérieur les espaces алентур. À ce titre L’Annonciation (1603–1608) de Francesco Mochi, pour la cathédrale d’Orvieto, représente l’un des tout premiers examples du genre ^{[D 1]} .De façon novatrice, la скульптура в стиле барокко eut plusieurs angles de vue idéaux. Une caractéristique de la барочная скульптура Fut d’ajouter des éléments sculptés Supplémentaires, par instance, des éclairages disimulés ou des fontaines ^{[R 14]} .

Une autre caractéristique de la baroque serait les piliers en forme de personnages mitologiques. Prenons l’exemple du palais du Belvédère supérieur в Вене, bâti entre 1721 и 1722. Dans la salle du rez-de-chaussée, la voûte en pavillon est soutenue par des puissants télamons (sorte de titans ayant pris les traits des Turcs) sculptés dans le marbre.Les Turcs — это настоящая жизнь, в которой нет ничего необычного в жанре скульптурных телесериалов в барочных резиденциях Отриша.

Скульптура барокко ce fut Le Bernin qui marqua si bien qu’il fût surnommé le «второй Мишель-Анж», le Bernin était aussi une figure importante de l’architecture baroque ^{[R 15] , [Примечание 13]} .

Призрак [модификатор | модификатор кода файла]

Развитие стиля барокко — это общий элемент, основанный на непоколебимой форме.Il a néanmoins été accepté par les élites des платит протестантов Северной Европы и par celles du monde ортодоксальный раб. «Sa naissance à Rome est concomitante avec celle de la compagnie de jésus», фонд в 1537 году для оказания католического влияния и развития нового мира; et avec celle du concile de Trente (1545–1563), которая является формой исключительных льгот и патентами римской католической церкви, не имеющей отношения к репутации, связанной с системным непотизмом и скандалом индульгенций.Il a ainsi essaimé dans l’Europe entière et le Nouveau-Monde ^{[R 16]} .

Le dernier édifice de Michel-Ange, la basilique Saint-Pierre, peut être considéré com le precurseur de l’expression baroque en architecture, de par ses sizes colossales inédites. Son élève, Giacomo della Porta en développe le langage, en конкретное à travers l’évation de la façade l’église du Gesù (1584), église-mère de la compagnie de Jésus alors en pleine extension. Cet édifice est souvent considéré com le premier instance d’architecture baroque lequel effectra l’architecture Relieuse pour le siècle à venir ^{[Примечание 14]} .

Caractéristiques [модификатор | модификатор кода файла]

Dans l’architecture baroque, l’accent est mis à la fois sur l’aspect massif et chargé, колоннады, dômes, clair-obscur, effets colorés de peinture, et le jeu chargé des томов противостоящих на вид, liberté des formes et al. обилие украшений. Dans les intérieurs, le mouvement baroque se manifest autour et à travers un savant escalier monmental sans precédent en architecture.

Nous retrouvons cet escalier monmental dans le palais Zwinger à Dresde.Ce palais été édifié à l’initiative d’Auguste le Fort Com lieu de fêtes entre 1709 и 1732 годов, как архитекторы Пёппельманн и Пермозер. On remarque aussi sur cet édifice baroque des jeux d’ombre et de lumières qui sont le fait des pleins et des vides. Это необычный парфей со скульптурой и архитектурой в магистрале, qui est typique dans l’architecture baroque.

L’autrevention du baroque que l’on retrouve dans les intérieurs du monde entier est l’appartement public, une succession processionnelle d’intérieurs de richesse croissante culminant avec l’emplacement de la chambre à coucher, de la salle du trône , ou d’une chambre publique.L’enchaînement de l’escalier monmental suivi de l’appartement public fut copié à moindre échelle partout dans les résidences aristocratiques de toutes pretentions.

L’architecture baroque fut reprise avec enthousiasme dans la partie centrale de l’Allemagne (см., Например, Le Château de Ludwigsbourg et le Palais Zwinger à Dresde), в Autriche et en Pologne (ср., Например, Wilanów et le palokais) . En Angleterre, кульминационный момент барочной архитектуры Fut incarné par l’œuvre де сэра Кристофера Рена, сэра Джона Ванбру и Николаса Хоксмура, от ~ 1660 до ~ 1725.На retrouve de nombreux образцы архитектуры в стиле барокко и план-де-план-де-Виль-данс-ле-Виль-де-Европа, ainsi qu’en Amérique hispanique. Les plan de ville de cette époque comprennent des avenue rayonnantes, avec des squares à leurs, перекрестки, s’inspirant des plan des jardins baroques.

Варианты [модификатор | модификатор кода файла]

En Italie [модификатор | модификатор кода файла]

Барокко в стиле барокко, развивающееся в период XVI, ^и , эпохи, когда-то в Риме, после отдыха в Италии.Il respecte tout d’abord le paradigme romain de la basilique en croix dont le chœur est surmonté d’un dôme. Outre l’Église du Ges sus-citée, on considère que le pionnier de l’architecture baroque Relieuse est Carlo Maderno avec son église Santa Susanna al Terme di Diocleziano, construite entre 1585–1603 гг. централизованный и сложный, величественный стиль и стиль классических кодов эпохи Возрождения, статуи, расположенные в нишах, и восхитительное сооружение структуры античной сцены в римском стиле с шрифтом для премьер-образцов барокко.Ce premier essai est poursuivi par Pierre de Cortone dans son église Notre-Dame-de-la-Paix de Rome (1656) avec des ailes concaves, qui rappellent, scène de théâtre et dont la partiecentrale s’avance, чтобы окунуться в маленькое место qui lui fait face.

En Франция [модификатор | модификатор кода файла]

Les Français, аппелятивная «классическая» архитектура времен Людовика XIV и другие успешные и новые апелляции, péjorative en français ^{[E 4]} , de «baroque».Эта оппозиция классицизма, «разумного» на французском языке и барокко, «излишества» в итальянской труппе из источника в волонте, подтверждается в XVII ^и siècle, de supplanter Rome et, dans les faits, c ‘ Это момент Версаля и Королевской Солей на площади Италии, объединяющей культуру района. Le tournant est le refus des plan du Bernin в августе 1665 года для колоннады Лувра: l’architecte le plus célèbre, le plus require d’Europe est rejeté par la Cour de France.

Cependant, некоторые историки искусства, согласующиеся с французской архитектурой в стиле эпохи Людовика XIV и Людовика XV в стиле барокко: ils estiment que la plupart des constructions «classiques» françaises, qu’elles soient религиозные или цивилизованные, auraient pu étre édédé ailleurs en Europe et qu’elles comportent tous les éléments baroques: got pour la magnificence, la перспектива, le décor ^{[Примечание 15]} .

En Espagne et au Portugal [модификатор | модификатор кода файла]

Au fur et à mesure que pénètre l’influence italienne au-delà des Pyrénées, elle fait reculer l’approche classicisant en vogue jusqu’alors sous la férule de Juan de Herrera.En 1667, les façades de la cathédrale de Grenade par Alonso Cano annoncent la victoire du baroque en Espagne. S’ensuit la cathédrale de Jaén par Eufrasio López de Rojas, qui intègre les leçons baroques au структур, архитектурных, специальных, испанских.

En contraste avec l’art du nord de l’Europe, les Espagnols ont cré un art qui fait appel aux sens plus qu’à l’intellect. La famille Churriguera, Architectes spécialisés dans le dessin et la construction d’autels et de retables s’est opposée au style dépouillé qu’on appelle «herreresque» в обращении к сыну изобретателя и директора по продвижению, Хуану де Эррере и т. Д. exagéré, élaboré, presque capricieux qui couvre chaque pouce de surface disponible avec un motif et qui est passé à la postérité sous le voice de «churrigueresque». En moins d’un demi-siècle, les Churriguera преобразовывают Salamanque en une cité modèle du churrigueresque.

Le Portugal, sous domination espagnole entre 1580–1640, est dans la sphère d’influence culturelle de son grand voisin et ne s’en distingue (ce qui est vrai aussi pour le Brésil, по отношению к испанским колониям) Amérique latine) que par une atténuation sensible, empreinte d’une douceur toute portugaise.

Héritage [модификатор | модификатор кода файла]

De même que l’art de la Renaissance connaît un déclin formel avec le maniérisme, le baroque s’épuise dans un académisme précieux, et qualifié de vain par ses détracteurs, dans le rococo.

L’architecture baroque est consubstantielle à l’absolutisme, sa période rococo se termine avec celle du despotisme éclairé ^{[Примечание 16]} . Et on peut faire l’hypothèse que si le baroque s’épuise, c’est en raison de l’épu умножение на политическую и религиозную философию ( cuius regio, eius Religio ) qui le sous-ten.

Au sens le plus large, в соответствии с периодом барокко и музыкой в ​​период с 1600 по 1750 год, барочной музыкой, вдохновленной архитектурой барокко.Le baroque couvre donc une large période dans l’histoire de la musique et de l’opéra. Il s’étend du début du XVII ^e siècle environmental au milieu du XVIII ^e siècle, de façon plus ou moins uniforme selon les pays. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance (apogée du contrepoint et de la polymélodie) et précèdent celles du classicisme (naissance d’éléments discursifs, comu la ponct musicale ponct) Архитектура, «фигурки», музыкальные барокко, сутьены, как «бас-продолжение», стабильно (на месте, где находятся контрпойнт и гармония).

Аппель-музыка в стиле барокко, музыкальная школа XVII ^и siècle, d’un point de vue purement chronologique. Или Жан-Жак Руссо, определяющий музыку в стиле барокко, «не путайте гармонию, обвиняемый в модуляциях и диссонансах». Il s’agit du style de musique composée au Cours de la période chevauchant celle de l’art baroque, et également celui d’une période légèrement plus tardive. Жан-Жак Руссо утверждал, что сын дезаккорда в стиле барокко, а не в оригинале Керель-де-Буффон.

C’est en Italie qu’apparaît le mouvement de la musique baroque, sous l’influence du композитур Монтеверди, qui avec Orfeo (considéré com le premier opéra), marque une rpture dans l’histoire de la musique. En France, la musique étant peu développée ^{[R 17]} , c’est un Italien, Jean-Baptiste Lully, qui va la développer auprès du roi Людовика XIV. Люлли изобрела жанр оперы: la tragédie lyrique. Par la сюита композиторов в честь Жана-Филиппа Рамо perpétueront la musique baroque française.Avec la musique baroque, se développe la cantate, suite de danse; Courante, Sarabande, Allemande … и другие популярные танцы: Les Folies d’Espagnes. En 1750, avec la mort du композитур Аллеманд Иоганн Себастьян Бах, la période musicale du baroque laisse place à la musique classique.

L’époque musicale baroque peut se découper en trois périodes différentes: le premier baroque de 1580 à 1630 ^{[Примечание 17]} , puis le baroque median jusqu’à la fin du XVII ^e siècle ^{[Примечание 18 ]} , et enfin le dernier baroque jusqu’à la mort de Bach (1750) ^{[Примечание 19] , [R 18]} .Кульминационные фигуры барочной музыки в апогее, c’est-à-dire lors du dernier baroque, sont Corelli (1653-1713) и Вивальди (1678-1741) в Италии, Гендель (1685-1759) в Англетере, Бах (1685-1750) en Allemagne. Pour la France, на Ретендра Жан-Батиста Люлли (1632-1687) или на бис Жан-Филиппа Рамо (1683-1764). L’étendue des points communs de la musique baroque avec les Principes esthétiques des arts graphiques et littéraires de la période baroque est encore une question débattue.

René Huyghe ^{[Примечание 20]} , à Propos du baroque: «le classique, tendant à la définition fixe, est de type« архитектурный »; le baroque, excitant des perceptions émotives et mouvantes, est de type «music» » ^{[Примечание 21] , [D 2]} .

Apparition et évolution [модификатор | модификатор кода файла]

L’ère de la musique baroque debute symboliquement en Italie avec l’opéra de Claudio Monteverdi (1567–1643), L’Orfeo (1607), и так далее, как современники Жана-Себастьяна Баха и Георга Фридриха Генделя.Жан-Филипп Рамо (1683-1764) и Георг Филипп Телеман (1681-1767), du fait de leur longévité, composent leurs dernières œuvres dans les années 1760 mais, bien avant cette décennie, les композиторы плюс jeunes se sont tournés vers un nouveau стиль.

Un groupe de musiciens vers 1635

Au Cours de la période baroque, la musique instrumentale s’émancipe et naît véritablement: elle ne se content plus d’accompagner ou de Compléter une polyphonie essentiellement voice; si elle emprunte encore, au début du XVII ^e siècle, ses formes à la musique voice, elle ne tarde pas élaborer ses propres структуры, адаптированы к возможностям методов и выразительности.

«Два полюса музыки барокко в Италии и Франции», не обращайте внимания на стили, которые не укрепляют противоположных влияний. Эта оппозиция était telle que beaucoup de musiciens de l’une des écoles allaient jusqu’à refuser de jouer des œuvres proventant de l’autre. Le style italien se diffusa largement hors d’Italie. La France est sans doute le pays qui résista le plus à cette domination, sous l’influence de Jean-Baptiste Lully (Italien naturalisé français), ceci jusqu’à la Querelle des Bouffons, au milieu du XVIII ^e .Par ailleurs, la France, suivi avec замедлить европейское движение эволюции музыки в стиле «классической» иллюстрации, отмеченной Гайдном и Моцартом.

Существующие фойе D’autres и участники движения в различных специальных центрах: les Pays-Bas et l’Allemagne du Nord (le stylusantasticus , le choral), l’Angleterre (искусство вариаций), un peu l’Espagne. Синтезированный аппарат в аллемандной музыке, который имеет различную музыку и кульминацию в творчестве Жана-Себастьяна Баха.Elle existe aussi, de façon beaucoup moins created, chez quelques autres dont Johann Jakob Froberger (musicien européen par excellence), Georg Muffat, Savoyard devenu Autrichien après voir étudié en France et al. . Quant à Haendel, сын œuvre relève плюс de l’assimilation персоналаle de chaque style que d’une véritable synthèse: il sait composer Com un Allemand du Nord, Com un Italien, Com un Français, et crée même le nouveau genre de l’oratorio en anglais.

Caractéristiques [модификатор | модификатор кода файла]

Le style baroque se caractérise notamment par l’importance du contrepoint puis par une harmony qui s’enrichitgressivement, par une expressivité accrue, par l’importance donnée aux ornements, par la Division fréquente de l’orchestre avec basse continue, qui est nommé ripieno , par un groupe de solistes qui est le Concertino et par la technic de la basse continue chiffrée Comcompagnement de sonates.C’est un style savant et sophistiqué.

Le luth jouit d’une grande vogue au XVII ^e siècle. Туаль дю Караваж (1595)

Le style baroque exprime aussi beaucoup de contrastes: les противопоставления нот tenues / notes courtes, graves / aiguës, sombres / claires (un Accord majeur à la fin d’une pièce mineure) … ou encore l’apparition du Concerto (de l’italien Concertare «dialoguer»), встреченный в оппозиции un soliste au reste de l’orchestre (le tutti ), l’opposition entre pièces d’invention (прелюдия, токката, фантазия) и pièces construites (фуга) ne sont que des instances.

Классицизм, плюс запоздалость, аура амбиций «возрождения а ля природа». Конфронтация с двумя идеями, одна из иллюстраций, плюс célèbres dans la véhémente «Querelle des Bouffons», qui confronte, en France vers 1740 la tragédie lyrique à la française et l’opéra-bouffe italien (Рамо против Руссо).

De nombreuses формирует musicales sont créées pendant cette période d’un siècle et demi: surees y atteignent leur apogée (например, la suite, le Concerto Grosso…) для собственного tomber dans l’oubli, d’autres connaîtront une fortune qui durera bien au-delà de la fin du baroque: l’opéra, la sonate (qui engendrera la symphonie), le Concerto de soliste.

La période baroque est aussi un moment important pour ce qui Concerne l’élaboration de la théorie musicale. На пути к прогрессивной тональности полифонии (тонны ecclésiastiques du plain-chant) à la gamme tempérée и aux deux mode majeur et mineur légués à la période classique. On aura entre-temps, изобретайте и экспериментируйте с nombreux tempéraments et posé les базисами классической гармонии. Инструменты безупречны, автоматические устройства представляют собой определенную форму, подвешивают к факту выполнения номинальных программ и техник выполнения, которые стабилизируют и исправляют.Il s’agit donc, à tous égards d’une période très féconde.

Depuis les années 1960, on appelle danse baroque l’art chorégraphique des XVII ^e et XVIII ^e siècles, Principalement la danse de cour et de théâtre ^{[R 19]} .

étroitement liée à la musique baroque, tant par la chronologie que par le style, la danse baroque évolue dans le cadre du «merveilleux», que ce soit dans le ballet de Cour, la tragédie en musique ou l’opéra-ballet.Dénommée à l’époque la « belle danse », elle a été remise au goût du jour par des chercheurs et des Historiens de la danse, qui ont реабилитирован в искусстве и стиле танца классического и романтического балета, упрощенного и простого ^{[R 20]} .

Plusieurs danses sont considéréscom baroque ainsi en danse binaire baroque в ретрове лесных танцев, антрес, ле марше, гавот, ла гайард, ла сарабанда, ла фолиа, ла шакона, меню и т. Д. l’allemande.Въезд по принципу ретрове les danses de la Sicilienne, la gigue, la canarie et la forlane ^{[R 21] , [R 22]} .

Заметки [модификатор | модификатор кода файла]

1. ↑ On estime que les modèles du peintre étaient choisis dans sa famille: L’enfant serait sa sœur Francisca, la Vierge son épouse Juana, Melchior son beau-père Pacheco et Gaspar serait Vélasquez en personne
2. ↑ Термы барокко, значащие причудливые или грубые, являются одним из лучших произведений искусства, использовавшимся для художников XIX, ^и , которые были созданы для дизайнерского искусства в период с 1600 по 1720 год.Si le langage pictural предлагает новый синтаксис visuelle ce n’est pas une rapture radicale par rapport au siècle passé mais plutôt une эволюция кодов репрезентаций в переходах на новую страницу и оригинальный словарь.
3. ↑ Identité artistique d’une époque, le courant baroque réunit des styles différents, souvent propres aux artistes et à leur origine. La remise en question du langage maniériste Trouve, чтобы ответить на сообщение, необходимое религиозное сообщение в соответствии с католической Европой или наоборот, в стиле, который переходит в адаптацию протестантской иконоборчества.
4. ↑ Ceci s’explique car Rome est à l’époque la capitale des États Pontificaux, les жители de l’église catholique apprécie cet art baroque de représentation Religieuse.
5. Перейти к началу страницы На канале Шарля Гарнье, отвечающем за империю, в соответствии с требованиями стиля Оперы Гарнье, представленного: «c’est du Napoléon III, votre Altesse …» меланжантный ренессанс, неоклассицизм и стиль Людовика XV.
6. ↑ Le mot a d’abord été réiabé par l’historien d’art d’origine suisse Генрих Вёльфлин с сыном œuvre «Барок и Возрождение», en 1888.Wölfflin — это одно из обозначений барокко, которое является «массовым движением», антитезисом искусства эпохи Возрождения. Il n’a pas fait la различие в стиле maniérisme и baroque que les écrivains modernes font и il a ignoré la phase ultérieure qui a existing au XVIII ^e siècle.
7. ↑ Кулон «Герои религий».
8. ↑ Самые разные жанры сатирики
9. ↑ Qui a poursuive la Traditional du genre poétique de l’ode
10. ↑ Le plus âgé des 4 mais aussi le plus «moderne»
11. ↑ Qui achèvera ce tour d’horizon, avec la publishing de son premier recueil: Œuvres en 1629.
12. ↑ On pense ici au clair-obscur.
13. ↑ Avec ses contemporains l’architecte Francesco Borromini et le peintre et architecte Pietro da Cortona. Au début de leur carrière, ils travaillèrent tous ensemble au Palais Barberini, d’abord sous Carlo Maderno et, à sa mort, sous la direction de Bernini. Плюс tard, cependant, ils furent en compétition et des rivalités féroces se développèrent, en special entre Bernini et Borromini.
14. ↑ Citons Santa Maria in Vallicella (1577-1617), l’église Saint-Ignace-de-Loyola (1626) à Rome, l’église Saint-Paul-Saint-Louis de Paris, l’église Notre-Dame de Metz (1665), Сент-Круа (1685) в Нанте, Святые Пьер и Поль де Кракови, церковь Иезуитенкирхе в Гейдельберге и т. Д.
15. ↑ Christian Norberg-Schulz, pour sa part, dans Architecture du Baroque tardif et rococo , considère les architectes français dits «classiques» comm baroques. Claude Lebedel, dans Histoire et splendeurs du baroque en France , écrit «un chauvinisme tout à fait déplacé a fait dire à beaucoup que le« classicisme »français correpondait à une recherche de l’équilibre, de la mesure ( …) Le rejet du mot baroque a parfois un effet comique: ainsi on peut lire à Propos de l’abbaye des Prémontrés de Pont-à-Mousson que son «faste classique évoque l’architecture baroque» ».
16. ↑ Voir à ce sujet la chronologie de l’absolutisme dans l’article sur le livre L’Europe absolutiste de Robert Mandrou.
17. ↑ Le premier baroque en musique: 1580-1630: Монтеверди, Шютц, Кариссими: продолжение изобретений баса.
18. ↑ Le baroque médian (1630-1700): découvertes de procédés expressifs: Люлли, М.А. Шарпантье, Марин Марэ. Mais aussi Pachelbel et Purcell.
19. ↑ Le dernier baroque (1700-1750): Бах, Корелли, Вивальди, Гендель и Рамо.Plusieurs pratiques musicales: la musique d’église (инструментальный или вокальный) и la musique de chambre.
20. ↑ René Huygue (1906-1997): écrivain et philosophe et ancien académicien et conservateur du musée du Louvre.
21. ↑ Voir ici pour le texte intégral de René Huyghe, René Huyghe, «La sève du baroque», Барокко [En ligne], 4 | 1969, mis en ligne le 03 mai 2012, consulté le 15 décembre 2013.

Ссылки [модификатор | модификатор кода файла]

Сайтов Интернет [модификатор | модификатор кода файла]

1. ↑ Барочная музыка на гужевом транспорте.org
2. ↑ Барокко сюр histoiredelart.net
3. ↑ История искусства барокко на Art-Baroque.net
4. ↑ Le baroque sur CNDP-CRDP de Nice
5. ↑ Réforme catholique sur larousse.fr
6. ↑ Анализ влияния барокко на современную философию на prezi.com
7. ↑ Le baroque littéraire sur universalis.fr
8. ↑ Poésie baroque sur espacefrancais.com
9. ↑ « http://www.cityzeum.com/dossier/les-chefs-d-oeuvre-du-kunsthistorisches-museum-de-vienne/4184/l-archange-saint-michel-renversant-les-anges- мятежники-де-лука-джордано »
10. ↑ « Rembrandt (voir partie caractéristiques) », sur art-baroque.net (см. От 16 декабря 2013 г.) .
11. ↑ « Rubens, peintre baroque flamand », sur art-baroque.net (см. От 16 декабря 2013 г.) .
12. ↑ « le Caravage », в стиле барокко.net (от 16 декабря 2013 г.) .
13. ↑ « Definition de la peinture baroque », sur art-baroque.net (см. От 16 декабря 2013 г.) .
14. ↑ « Скульптура в стиле барокко », sur art-baroque.net (см. От 16 декабря 2013 г.) .
15. ↑ « Bernini », sur art-baroque.net (см. От 16 декабря 2013 г.) .
16. ↑ le baroque sur grandpalais.fr
17. ↑ Лоик Шаин, « Сравнительная французская музыка / Итальянская (период барокко) », sur Musebaroque.fr (обратитесь к 15 декабря 2013 г.) .
18. ↑ Жан-Ноэль Робли, « Arts du baroque », sur ac-nice.fr (см. 15 декабря 2013 г.) .
19. ↑ Avant-Prosupport Origine de la danse baroque (Статья 130), La belle danse ou le classicisme français au sein de l’univers baroque! из mediatheque.cnd.fr
20. ↑ Танцевальное барокко на festesdethalie.org
21. ↑ Danse baroque sur Musebaroque.fr .
22. ↑ Mouvements des danses baroque sur festesdethalie.org

Livres électroniques [модификатор | модификатор кода файла]

Ouvrages (папье) [модификатор | модификатор кода файла]

1. ↑ Рагуза, « Las obras maestras », p. 74.
2. ↑ Источник: Клод Лебедель, Histoire et splendeurs du baroque en France , édition Ouest-France, Rennes, 2003.
3. ↑ Генрих Вёльфлин, Renaissance und Barock: Eine Untersuchung über Wesen und Entstehung der Barockstils в Италии , 1888

1. ↑ Альберт Даузат и др., Этимологический словарь Ларусс , 1989 (ISBN 2-03-710006-X)
2. ↑ Жан-Жак Руссо, Dictionnaire de musique, par J.-J. Руссо , Париж, Vve Duchesne, 1768 , 550 p. (lire en ligne) , стр. 40.
3. ↑ Dictionnaire de l’Académie française , 7 ^e édition. Ф. Дидо, Париж, 1878 г. en ligne
4. ↑ Dictionnaireistorique de la langue française , sous la direction de Alain Rey, dictionnaires Le Robert, Paris, 1995 (ISBN 2-85036-402-9) , статья «Барокко»

Эмиссия [модификатор | модификатор кода файла]

Autres références [модификатор | модификатор кода файла]

1. ↑ Энтони БЛАНТ, Путеводитель по Риму, барокко, églises, palais, fontaine., Туры, Хазан, 1992
2. ↑ Элизабет Кроппер, La réforme de l’art et la deuxième renaissance de Rome. Des Carrache au Bernin , Paris, Citadelles & Mazenod, 1998 , 616 p. (ISBN 2-85088-072-8) , стр.92.
3. ↑ « Théâtre baroque » (консультируйтесь с 05.04.2018)
4. ↑ « Théâtre baroque » (от 5 апреля 2018 г.)

Библиография [модификатор | модификатор кода файла]

Ouvrages en anglais [модификатор | модификатор кода файла]

• (en) Энтони Блант, Сицилийское барокко , Вайденфельд и Николсон, 1968
• (en) Джон Руперт Мартин, Барокко (Стиль и цивилизация) , éd.Викинг, 1977 г., (ISBN 978-0713
• 5)
• (en) Майкл Китсон, Эпоха барокко , éd. McGraw-Hill, Лондон, 1966

Ouvrages en français [модификатор | модификатор кода файла]

• Hermann Bauer et Andreas Prater, Baroque , Édition Taschen, 2006
• Germain Bazin, Baroque et Rococo , Thames & Hudson, колл. «Univers De L’art», Париж, 1964, ред. 2004 (ISBN 2878110730)
• Germain Bazin, Destins du baroque , Hachette Groupe Livre, Париж, 1968
• Андре Бланшар, La Poésie baroque et précieuse , Éditions Seghers, 1985
• Беатрис Дидье, «Le Baroque», Dictionnaire universel des littératures , Париж, Press Universel de France, 1994
• Энтони Блант, Искусство и архитектура во Франции, 1500-1700 , Макула, 1983,
• Yves Bonnefoy, Rome, 1630: l’horizon du premier baroque , Фламмарион, Париж, 2000
• Barbara Borngässer, Rolf Toman, L’Art du baroque, архитектура, скульптура, peinture , Könemann, 1998, traduit de l’allemand
• Yves Bottineau, L’Art baroque (1986), Citadelle & Mazenod, Париж, ред.2006, (ISBN 978-2850880216)
• Pierre Charpentrat, L’Art baroque , PUF, 1967
• André Chastel, L’Art italien , Flammarion, 1999
• Жиль Делёз, Le Pli — Leibniz et le baroque, Les éditions de Minuit (сборник «Критика»), Париж, 1988, 191 с.
• Доминик Фернандес, фотографии Ферранте Ферранти. La Perle et le Croissant / L’Europe baroque de Naples à Saint-Pétersbourg , coll. «Terre humaine», Париж, 1995
• Philippe Minguet, Esthétique du rococo , Vrin, 1979
• Eugenio d’Ors, Du baroque , Gallimard, колл.«Folios essais», 1935, ред. 2000, (ISBN 2070413411)
• Benito Pelegrín, Figurations de l’infini, l’âge baroque européen , le Seuil, Paris, 2000, 456 p. , (ISBN 2020147017)
• Benito Pelegrín, D’un temps d’incertitude , Éditions Sulliver, Paris, 2008.
• Виктор-Люсьен Тапье, Барокко и классицизм , Hachette, колл. «Pluriel Référence», 1957, выпуск 1980, (ISBN 2012792766)
• Victor-Lucien Tapié, Le Baroque , PUF, колл.«Que sais-je», Париж, 2000 г., (ISBN 213052849X)
• Louis-Georges Tin, Français, Auteurs et œuvres , Éditions Bréal, 2008 г.
• Jean-Claude Vuillemin, Epistémè baroque: le mot et la selected , Hermann, coll. «Savoir Lettres», 2013. (ISBN 9782705684488)
• Рудольф Витткавер, Искусство и архитектура в Италии, 1600-1750 , Издательство Йельского университета, 1999
• Heinrich Wölfflin, Renaissance et baroque , éd.Г. Монфор, коллекция «Imago Mundi», Brionne, 1997, (ISBN 2852265370)
• Jean Rousset, La Littérature de l’âge baroque en France (Circé et le paon) , éd. Корти, 1953.

Статьи коннексов [модификатор | модификатор кода файла]

Liens externes [модификатор | модификатор кода файла]

Sur les autres projets Викимедиа:

Мода барокко: история, стиль и особенности — видео и стенограмма урока

Людовик XIV в 1701 году

Стиль и характеристики

Модные тенденции в основном определялись монархами и дворянами, которые были социальным классом, способным позволить себе дорогую одежду.Одежда часто была большой и показной и предназначалась для того, чтобы отличать дворян от низших классов.

Средний класс, особенно в Нидерландах, где он был сильнее, пытался повторить моду дворянства, но обычно только через некоторое время и в более простой одежде. Для рабочего класса одежда не сильно изменилась и была больше связана с работой людей, чем с модными тенденциями.

В период барокко предпочтительной тканью был шелк, иногда также использовался бархат.Лен был обычным для внутренних слоев одежды.

Длинные платья с облегающим лифом, известные как платья , были наиболее распространенной одеждой для женщин. Силуэты постепенно смягчались по мере того, как жесткие корсеты эпохи Возрождения были заменены гибкими корсетами. Вырез горловины был низким, для украшения использовано кружевных воротников . Рукава Virago , которые шили из больших полос разных тканей, собираемых у локтей, пользовались популярностью. В моде были изысканные узоры и темные цвета, а сверху было принято носить черный плащ.Прическа состояла из завитков по обе стороны головы. Обувь обычно прикрывалась платьем, поэтому они были очень простыми.

Анна Австрийская в темном платье с кружевным воротником и рукавами типа вираго, около 1625 г.

Мужская одежда в милитаристском стиле. Обтягивающая куртка, известная как дублет , была популярна. Оно было заостренным в нижней центральной части, приподнято в стороны и имело окантованные рукава, обнажающие майку.Кружевной отделкой выполнены воротники и нижняя кромка рукавов (манжеты). Нижняя часть состояла из галифе , которые были свободными и доходили до колена или ниже. Носили тесные сапоги до колена, часто перевернутые шнурком. Наряд завершался длинным мечом. Длинные распущенные волосы были в моде для мужчин.

Карл I в Англии в милитаристской одежде, 1629 год.

По мере развития периода барокко основным предметом женской одежды по-прежнему были платья с более простыми узорами и даже с однотонными узорами.Акцент делался на плечи с очень низким вырезом. Снова были надеты узкие корсеты , видимые и заканчивающиеся V-образной формой на талии. У халатов были свободные рукава , которые заканчивались ниже локтя. Также стало популярным использование сложных ручных вееров. Женская обувь оставалась простой с небольшим каблуком, а вьющиеся волосы продолжали оставаться в тренде.

Портрет неизвестной пары в одеждах позднего барокко, 1661 год.

Мужская одежда была более изысканной, чем женская, а изящные наряды иногда описывались как женственные и даже нелепые.Верхом была рубашка с длинными рукавами , украшенная обильными лентами на поясе и плечах. Поверх рубашки мужчины носили пальто , облегающее тело. В нижней части мужчины носили мешковатые бриджи, почти похожие на широкие юбки. К концу века бриджи снова изменились и стали теснее. Носили туфли на каблуках, часто украшенные лентами. Стало обычным делом делать пальто и бриджи одного цвета. Волосы носили длинные и вьющиеся, а некоторые мужчины носили парики, которые становились все более популярными.

В 18 веке барокко постепенно сменилось рококо, и модные тенденции снова изменились. Кроме того, различия в стилях между Западной Европой, Англией и Нидерландами стали более очевидными.

Краткое содержание урока

Барокко Период года был периодом истории искусства между 17-м и началом 18-го веков. Мода в стиле барокко была яркой и была сделана, чтобы показать богатство и отличить дворянство от низших классов.Французский двор оказал большое влияние на моду в стиле барокко, и шелк часто использовался.

В период раннего барокко женщины носили длинные платья с глубоким вырезом, кружевными воротниками для украшения и рукавами вираго. Были популярны замысловатые узоры и темные цвета. Мужская одежда имела милитаристский вид, а наряды состояли из камзола, надеваемого поверх майки, свободных бриджей и сапог до колен. Кружевное украшение и мечи были обычным явлением.

В конце 17 века женщины носили платья с простым узором и низким вырезом.Наряд включал в себя плотный корсет, оканчивающийся V-образной формой, и свободные рукава. Мужская одежда была более пышной: рубашка с длинными рукавами, украшенная множеством лент, пальто, подходящее по размеру, и мешковатые бриджи, почти похожие на широкие юбки.

Барокко 1600 (17-18 века)

Стиль барокко зародился в Италии и распространился по всей Европе. Он был разделен на три периода: раннее барокко, высокое барокко, позднее барокко.

Деталь ангела в стиле барокко

Источник изображения: https: // in.pinterest.com/olfi77/baroque/

Происхождение термина

Термин барокко происходит от итальянского барокко , которое философы использовали в средние века для описания ошибок в логических схемах. Позже это слово стало обозначать любую искаженную идею или сложные мысли. Другое возможное происхождение этого слова происходит от португальского barroco (испанский barrueco ), используемого для обозначения жемчужины несовершенной формы.Этот способ использования этого слова до сих пор сохранился в названии ювелира барочная жемчужина .

Барочная консоль

Источник изображения: http://www.metmuseum.org/art/collection/search/209244

Архитектура

Архитекторы в стиле барокко задумали здания в виде единой массы , которая должна быть сформирована в соответствии с конкретными требованиями. На фасаде элементов вроде колонн и пилястр различными способами связаны с центром.Фасад выглядит разделенным по горизонтали, на самом деле он организован вертикально. Святой Петр в Ватикане — важный пример этого стиля. Он был завершен в 1615 году при Павле V. Запроектирован трехнефный латинский крест с куполом на переходе, над алтарем, прикрывающим святыню апостола Петра. Здание является ключевым местом паломничества.

Базилика Святого Петра

Источник изображения: https://en.wikipedia.org/wiki/St._Peter%27s_Basilica

салон СПб.Петра украшен шедеврами эпохи Возрождения и искусства барокко. Самые известные из них — Pietà Микеланджело и балдахин , сделанный Бернини над главным алтарем. Актуальными считаются могила Урбана VIII и кафедральный собор Святого Петра в апсиде.

Балдахин Бернини в Св. Петре.

Источник изображения: https://en.wikipedia.org/wiki/St._Peter%27s_Baldachin

Характеристики дизайна в стиле барокко

Как и все остальные стили барокко имеет свои особенности:

• Позолоченные рамы много раз использовались в картинах и зеркалах и обычно представляли собой картуши, резные цветы и скульптурные фигуры.
• Итальянская мебель этого периода насчитывала приподнятых крышек , часто украшалась резными листьями и фигурками .

Итальянский кассон

Источник изображения: http://wolfsgallery.com/collection/an-italian-baroque-walnut-table-cassone-18th-century

• Украшения были роскошны. Резное дерево часто позолочено золотом или бронзой, а ноги, например, в столах, были кариатидами или мускулистыми фигурами, которые выглядели так, как будто они поддерживали мраморную плиту, положенную сверху.

Барочный венецианский столик для консоли

Источник изображения: http://culturemechanism.blogspot.it/2013/09/baroque-furniture.html

• Сегменты и обвязки использовались, а также были включены новые ключевые характеристики, такие как пилястры, арочные панели и конструкции pietra dura . Многие религиозные или мифологические сюжеты были нарисованы внутри панно для улучшения украшения объекта.

Кабинет в стиле барокко

Источник изображения: https: // www.pinterest.it/pin/437060338814114000/

• Комоды, например, были сделаны из ореха или дуба, жемчуга, драгоценных камней и слоновой кости, чтобы сформировать аллегорических историй . Чаще всего их украшали ангелами, животными, листьями. Их также называли львиными комодами из-за их футов в нижней части ящика, напоминающего животное.

Комод в стиле барокко

Источник изображения: http://www.metmuseum.org/toah/hd/cfurn/hd_cfurn.htm

• Столы сильно менялись в течение того периода, но обычно делались из позолоченного дерева, дуба или ореха.Большие столы были вытянутыми, богатыми и величественными, а меньшие — богато украшенными и украшенными резными геометрическими формами.

Стол в стиле высокого барокко

Источник изображения: http://www.metmuseum.org/toah/hd/cfurn/hd_cfurn.htm

Скульптура барокко

Часовня Корнаро — известная церковь Санта-Мария-делла-Виттория в Риме в стиле барокко. В нем хранится один из самых амбициозных шедевров Бернини: «Экстаз Святой Терезы». Представляет собой мини-театр.Освещение исходит из скрытого окна в задней части алтаря. Божественный свет нисходит на взволнованную Терезу на пике ее духовного экстаза. Вылепленная из белого мрамора, она окружена позолоченной бронзой, олицетворяющей божественный свет.

Экстаз Святой Терезы, Бернини, Рим, Италия

Источник изображения: https://www.wikiart.org/en/gian-lorenzo-bernini/the-ecstasy-of-st-teresa-1652

Источник информации: https://www.britannica.com/art/Baroque-art-and-architecture

http: // www.visual-arts-cork.com/history-of-art/baroque-architecture.htm

https://www.britannica.com/topic/Saint-Peters-Basilica

https://en.wikipedia.org/wiki/Italian_Baroque_interior_design

http://www.visual-arts-cork.com/sculpture/baroque-sculpture.htm#sculptures

http://www.visual-arts-cork.com/sculpture/baroque-sculpture.htm#sculptures

История духового оркестра: Духовой оркестр в стиле барокко

Больше всего на свете мне нравилась музыка духовых. — Сэмюэл Пепис В эпоху барокко духовой оркестр стал более заметным в самых разных местах — от муниципальных оркестров Центральной Европы до двора Людовика XIV во Франции. Гобой пользовался большим уважением, а труба достигла невиданного ранее уровня виртуозности. Военная музыка становилась все более важной, поскольку правители от Англии до Османской империи содержали постоянные армии. А на закате эпохи величайшее произведение духового оркестра на сегодняшний день вызвало настоящий переполох в Лондоне. Барокко было периодом поразительных перемен для инструментальной музыки, начавшимся с синтеза музыки и драмы, который стал известен как опера . На закате эпохи Возрождения группа интеллектуалов, известная как «Флорентийская камерата», работала над восстановлением формата драмы, который практиковался в древнегреческой древности, с включением музыки в том виде, в котором, по их мнению, она могла исполняться. Проблема, с которой они столкнулись, заключалась в том, что полифония с ее многоголосой фактурой не подходила для драматургии, поэтому на практике вошла концепция монодии (одиночная мелодическая линия) и омофонии (одиночная мелодическая линия с аккомпанементом).Это значительно облегчило драматический поток, поскольку текст теперь имел приоритет над музыкой. Инструментальное сопровождение этого нового вида искусства продолжало способствовать развитию концепции особого инструментария, что, в свою очередь, предвещало развитие симфонического оркестра. В эпоху позднего барокко симфоническая форма начала развиваться, обеспечивая жизнеспособную ансамблевую среду для духовых и струнных за пределами оперной ямы. Симфоническая форма возникла из неаполитанской увертюры Аллесандро Скарлатти.Эта единственная форма движения была разделена на три части контрастного темпа (быстрый, медленный, быстрый), которые в конечном итоге превратились в первую, вторую и четвертую части Классической симфонии, разработанные и усовершенствованные композиторами Гайдном, Моцартом и Бетховеном. МОНТЕВЕРДИ ORFEO Клаудио Монтеверди 2 Ни один композитор не представляет переход от Возрождения к барокко лучше, чем Клаудио Монтеверди.Обзор его мадригалов показывает наиболее резкий переход от полифонии к омофонии, а его опера « Орфей », впервые исполненная в 1607 году, является первым шедевром раннего барокко. Orfeo сочетает в себе элементы старого и нового стиля. С одной стороны, он был написан в новом омофоническом стиле, установленном Камератой. Но с другой стороны, приборы, хотя и демонстрируют определенные новшества, все же возвращаются к прежним обычаям. Размер и оснащение оркестра для Orfeo были беспрецедентными.Струны представляли собой комбинацию семейств скрипки и скрипки, а духовые состояли из небольшой флейты, двух корнетти, четырех тромбонов и одной трубы с тремя приглушенными трубами. Завершали набор инструментов две басовые лютни, небольшая арфа, переносной орган, два органа с деревянными трубами, а также клавесин и спинет. Однако, несмотря на большой состав и разнообразие цветов, инструменты в основном использовались в небольших группах или консортах с разнообразным аккомпанементом клавиатуры, а не в больших секциях тутти.Тем не менее, оркестр Orfeo , по крайней мере по размеру, предсказывал появление оркестра. — Вернуться к началу — ИЗМЕНЕНИЕ И РАЗРАБОТКА ВЕТРО-СТРУННЫХ ПРИБОРОВ Тромбоны На протяжении веков тромбон был единственным медным духовым инструментом, который мог играть хроматически. Труба и валторна были ограничены нотами, воспроизводимыми естественным образом через серию обертонов до изобретения клапана в начале 19 века.Поэтому парадоксально, что в период барокко, когда труба и валторна пользовались все большей популярностью, тромбон, несмотря на свою гибкость, пережил период ограниченного использования. Он пользовался некоторым авторитетом благодаря «башенной музыке», играемой в различных немецких муниципалитетах, а также являлся составной частью церковной музыки. Он также имел ограниченное использование в оперной яме. Но он не попадал в симфонический репертуар до рассвета романтического периода и Симфонии № 5 Бетховена. В эпоху барокко одни инструменты вышли из употребления, а популярность других возросла.Например, такие опоры, как флейты и корнетто, пришли в упадок, в то время как гобой и фагот стали, возможно, самыми популярными деревянными духовыми инструментами той эпохи. Популярностью пользовалась валторна, тогда как труба вступила в своего рода «золотой век» исполнения. Что еще более важно, к концу 17 века семейство скрипачей пользовалось таким признанием, что считалось основой классического и романтического оркестра, в то время как семейство виол, за исключением струнного баса, ушло в безвестность. Гобой и фагот Барокко гобой 3 Гобой — это высшее совершенство средневекового шаума. Как упоминалось в предыдущей главе, шаум представлял собой инструмент с хриплым звуком, который обычно изготавливали из цельного куска дерева конической формы с трубчатым колоколом на нижнем конце. У него было шесть отверстий для пальцев, а его длина составляла от чуть более одного фута до девяти или десяти футов.Двойная трость, издающая звук, удерживалась на месте устройством, называемым пируэтом. Рот игрока прижимался к краю пируэта в форме полумесяца, создавая воздухонепроницаемую ветровую камеру. Последующий удар в пируэте создавал очень хриплый звук, поскольку трость вибрировала без какого-либо давления губ на ее сторону.1 В начале XVII века Мерсенн в своей книге Harmonie Universelle описал два типа шаума — Hautbois de Poitou , который соответствует описанному выше, и тройной hautbois , который, по-видимому, является предшественником современного гобоя. .Этот инструмент не использовал пируэтов и имел восемь отверстий для пальцев в дополнение к двум отверстиям для настройки. Вскоре после этого (около 1660–1670 гг.) Гобой превратился в шарнирный, более цилиндрический инструмент с клавишами, который сформировал ядро ​​секции деревянных духовых инструментов во второй половине семнадцатого века2. Самые ранние свидетельства существования фагота находятся в середине 16 века в Италии и Германии. Несомненно, созданный для создания басового голоса для гобоя или шаума, ранний фагот был сделан из цельного куска дерева с двумя просверленными проходами, соединенными на одном конце.Это позволило игроку использовать менее громоздкий инструмент, хотя и требовавший, мягко говоря, неудобной аппликатуры. Похоже, что предшественник современного гобоя возник во Франции и вскоре после этого распространился на Англию и Германию. Одна практика, которая предполагает, что это сочетание французского и немецкого языков в термине Hautboisten , распространенном в Германии. Популярность гобоя в эпоху барокко лучше всего проявляется в ансамбле гобоя и фагота Людовика XIV из двенадцати человек, известного как Les Grande Hautbois .Многие обычаи двора Людовика XIV подражали всей Европе, и на рубеже восемнадцатого века оркестр Hautboisten был скопирован в ряде великих резиденций Германии.3 Типичный инструментальный инструмент для такого оркестра состоял из двух сопрано-гобоев, тенор-гобой, известный как taille , и фагот. — Вернуться к началу — Рупор Натуральный рог с крючками (Репродукция LLBrown) 4 К концу 17 века фундаментальные изменения в составе рожка привели к его растущей популярности и приспособляемости.Во-первых, длина рожка выросла до двенадцати футов, что позволило исполнителю получить доступ к последовательным ступеням гаммы четвертой октавы гармонического ряда. Кроме того, форма была изменена с закрытой мультикатушки на открытую форму с обручем и значительно большим колоколом. В начале восемнадцатого века была предложена серия жуликов, которые позволяли игроку изменять длину рога, тем самым давая возможность менять ключевые центры. В совокупности эти приспособления сделали валторну более гибким и приятным по звучанию инструментом.4 Рупор со временем стал общепринятым медным инструментом, дополняющим деревянные духовые инструменты. К началу восемнадцатого века рожки были распространены в немецких оркестрах, таких как баварские военные (6 гобоев, 2 рожка в 1722 году) и Sächsische Variante (2 гобоя, 2 рожка, 2 фагота, ок. 1730). В исполнении для Нюрнбергской гильдии плотников в 1731 году было три отдельных оркестра, каждый из которых состоял из 3 гобоев, 2 рожков и 1 фагота.5 Эти ансамбли, несомненно, были предшественниками стиля Harmoniemusik классического периода (см. Главу 4) — Вернуться к началу — Барочная труба Репродукция c.1700 Нюрнбергская труба 5 На протяжении веков труба считалась исключительно придворным инструментом, в частности, собственностью правителя самого высокого ранга, который обычно был королем. В эпоху барокко искусство игры на трубе развилось до высокого уровня технической виртуозности, достигнутого избранной группой игроков, которые сохранили свою исключительность благодаря членству в гильдии. Еще в 1623 году в Священной Римской империи была образована Императорская гильдия придворных и полевых трубачей, придворных и армейских барабанщиков с целью регулирования обучения.Это ограничивало количество исполнителей, а также накладывало ограничения на места выступления и на то, кому было разрешено выступать. Курфюрст Саксонии был назван покровителем гильдии. В то время как другие страны за пределами империи не обязательно имели сопоставимые гильдии как таковые, игра на трубе пользовалась аналогичным статусом во всей Европе.6 Использование глухих Трубачисты привыкли играть с различными приглушенными нотами, обозначенными в их музыке, будь то симфоническая, джазовая или сольная литература.Но, возможно, самое раннее название игры с приглушенным звуком происходит от военного приказа 17-го века. Сигнал la sourdine был приказом идти «без шума». Директива для такой практики была объяснена следующим образом: … немой используется, когда есть риск быть обнаруженным противником или когда он хочет его застать врасплох, а также когда желательно сбежать или тайно уйти. .. 1 Чтобы обеспечить соблюдение привилегий для вновь образованной гильдии, император Священной Римской империи Фердинанд II в том же году издал декрет: Ни один уважаемый трубач или литавр не должен позволять себе использовать свой инструмент каким-либо образом, кроме как для религиозных служб, императоров, королей, выборщиков и князей, графов, лордов, рыцарей и знати или других лиц высокого уровня: он также должен быть вообще запрещено использовать трубу или литавры в неблаговидных случаях; равно как и чрезмерное ночное неприличное кутеж на улицах и переулках, в винных и пивных.Тот, кто согрешит таким образом, будет наказан7. Не меньшего можно было ожидать от класса музыкантов, которые не только носили благородное перо в своих фуражках, но также имели лошадей и личных слуг. Ожидалось, что трубачи будут путешествовать со своими лордами, чтобы раздавать фанфары всякий раз, когда лорд входит в город или замок. Они также передавали сообщения во время войны и политического кризиса, а также участвовали в политических интригах8. В Германии, как и во Франции, трубачи требовались в вооруженных силах, особенно в конной кавалерии.Трубы лидировали на военных парадах, но во время битвы они были расположены в тылу сражения рядом с командиром, готовые передать различные порядки движения, такие как стандартные вызовы на седло и заряд , которые были требуется для поддержания порядка и сроков. Мастера труб, стремясь сохранить свое высокое положение, сохраняли завесу секретности над своей гильдией, играя по памяти и обучая новых членов гильдии наизусть.Они особенно скрытно относились к таким техникам, как трепетание языка, двойное и тройное нарезывание, трели и игра с высокой тесситурой, а также конструкцию инструментов, такую ​​как дизайн мундштука и трубки для изменения высоты звука. Трубы также были задействованы в других формах музыки, которые не обязательно напрямую затрагивали дворянство. В эпоху барокко появилось несколько форм развлечений, в которых война имитировала искусство, и наоборот. Одним из примеров является концепция «боевой хореографии», описанная в книге Мёллера Trilekunst zu fuss ( Infantry Drill ), опубликованной в 1672 году.Здесь автор дает подробные инструкции по размещению пехотинцев в узор, представляющий герб императорского города Любека. Другим примером был турнир, где соревнования проводились с музыкой, а выступления приобрели театральный характер с аллегорическими тонами. Винтовки теперь стали обычным элементом войны, делая оружие и конфликты, которые представляли турниры, устаревшими. Тем не менее турниры оставались популярным занятием, и труба, будучи музыкальным знаком знати, была неотъемлемой частью этого времяпрепровождения. Конный балет Со временем турниры уступили место военным или конным балетам. В Италии ранние образцы даже включали элементы оперы. Фердинанд III ввел эту практику в Австрию, где испанская школа верховой езды все еще используется сегодня в выступлениях жеребцов Lippizaner. Во Франции Людовик XIV также любил эти конные балеты, известные как Caroussels .Поскольку большая часть музыки трубы была импровизирована, немногие примеры сохранились от этих выступлений. Иногда композиторы писали музыку для трубы меньше программной. Некоторые конкретные примеры включают постановку Претория в 1618 году из In dulci jubilo ( Polyhymnia panegyrica et caduceatrix № 34) с использованием ансамбля из шести частей в хоральном стиле. Франц Бибер написал две сонаты для трубных ансамблей из шести и восьми партий с литаврами и континуо. Также стоит упомянуть «Дивертисмент» Мишеля Корретта, соч.7 для двух труб. Готфрид Райх 6 По мере совершенствования технического мастерства композиторы сочиняли музыку с использованием высоких тесситур или кларино , играющих в их партиях трубы. Дизайн мундштуков в стиле барокко облегчил этот стиль игры с более плоским и широким ободом, обеспечивающим большую выносливость. У него также был ярко выраженный край между чашкой и горлом, который позволял (1) изменять высоту тона на расстроенных нотах, а также (2) придавать определенную яркость тону.Раньше в стиле барокко музыканты регулярно доходили до 16-й партии, а в конце классической эпохи доходили до четвертой или пятой октавы, как это было слышно в концертах Михаэля Гайдна, Ройтера, Ф. X. Рихтера и Йозефа Рипеля. Во многих своих произведениях Бах проявил мастерство прославленного музыканта Готфрида Райхе (старший Stadtpfeifer в Лейпциге до его смерти в 1734 году), хотя второй Бранденбургский концерт предшествовал их знакомству, а Рождественскую ораторию исполнил его преемник.10 По мере того, как эпоха барокко приходила в упадок, музыкальный вкус диктовал стиль, отличный от блестящей виртуозности, которую требовали от трубачей. Кроме того, королевское богатство и статус снизились, отчасти благодаря Французской революции, что сделало финансовое положение гильдии трубачей все более шатким. Гильдия была распущена в Берлине к 1810 году, а гильдия в Саксонии, просуществовав около 200 лет, последовала их примеру в 1831 году. — Вернуться к началу — ШТАДТФАЙФЕР И МУЗЫКА В ЛЕЙПЦИГЕ Муниципальные духовые оркестры играли значительную роль в культурной жизни немецких городов в период барокко.Большинство из этих городских музыкантов подпадали под юрисдикцию городского совета и были известны как Ratsmusik — Rat , что в переводе с немецкого означает совета . Stadtpfeifer были оплачиваемыми музыкантами, основной обязанностью которых было давать концерты с башни ратуши в разное время дня (отсюда и название «музыка башни»). Они также участвовали в религиозных и гражданских церемониях, играли в танцы и предупреждали город о приближении врага или возникновении пожара. Причины этой конкретной немецкой практики были, по крайней мере, двоякими. Во-первых, публика высоко ценила духовую музыку, считая ее особенно благородным звучанием. Во-вторых, Германия оставалась раздробленной страной с множеством небольших королевств и городов-государств, каждое из которых отвечало за социальную, культурную и физическую жизнь своего народа. Таким образом, Ratsmusik предоставил возможность связям с общественностью улучшить культурную жизнь сообщества. Winds vs.Струны В эпоху среднего барокко игра на духовых инструментах по-прежнему пользовалась большим уважением. Музыка духовых инструментов напоминала гражданину эпохи барокко королевское великолепие, шествия и промоушены, в то время как струнная музыка напоминала танцпол или частный дом. В городе Лейпциг хранятся записи о различных практиках Ratsmusiker, которые дают представление о музыкальной практике того времени. К 1650 году опустошительные жертвы Тридцатилетней войны подошли к концу, и Германия, наконец, смогла вернуться к развитию торговли и творческих занятий.Лейпцигу предстояло переживать величайшее столетие своей музыкальной истории. Первоначально четыре Stadtpfeifer работали в качестве Ratsmusiker, выступая в основном в качестве духовых. Со временем еще трое музыкантов, которых называли Кунстгейгером, были наняты для игры на скрипке. Сохранившиеся записи свидетельствуют о разногласиях между двумя группами, в основном из-за несоответствий, которые ощущали Kunstgeiger, подчинявшиеся Stadtpfeifer. Kunstgeiger считались учениками Stadtpfeifer и часто использовались ради денег, имея доход ниже, чем у их начальства.Ревность была общим знаменателем, поскольку Stadtpfeifer, будучи привилегированной группой, получали право первоочередного выбора для занятий, выходящих за рамки их требуемых обязанностей. Иногда эти две группы объединялись для борьбы с конкурентами, которые представляли Бирфидлер (скрипачи, работающие в пивных). В то время струнные музыканты часто считались гражданами второго сорта по сравнению с духовыми. К 1700 году другой класс музыкантов, NeuKirchenmusiker (новые церковные музыканты) еще больше усложнил ситуацию для городского совета.11 Поскольку Stadpfiefer и Kunstgeiger обучались просто как ремесленники, Ratsmusik недоставало уважения, которым органисты и канторы пользовались из-за их гуманитарного образования. Кунау писал, что среди ста Кунстгейгеров едва ли найдется тот, кто мог бы написать десять слов, не совершив ошибки, и Маттесон также мало к ним относился, отмечая их кажущееся тщеславие и необразованность12. Башня старой ратуши в Лейпциге 7 В Лейпциге самым важным регулярным мероприятием четырех Stadtpfeifers было ежедневное выступление с башни мэрии в 10:00.м. и в разное время в течение вечера. Эта функция была известна как Abblasen или Turmblasen . Иоганн Пезель, возможно, самый известный из этих Stadtpfeifer, отметил в посвящении своего Hora Decima , что этот обычай имеет турецкое или персидское происхождение, а затем поспешно подтвердил, что теперь он стал христианской традицией. Готфрид Райх отметил, что эта музыка в башне была символом радости и мира — несомненно, отсылка к миру, достигнутому после окончания Тридцатилетней войны.13 Поскольку медные духовые инструменты были предоставлены для этой функции городом, и инструменты, и музыка хранились в башне. Для работы на стороне музыкантам приходилось предоставлять свои собственные инструменты. В дополнение к предоставлению музыки и инструментов, Ratsmusiker пользовался другими привилегиями, включая еженедельную зарплату, случайные дополнительные деньги и одежду. Кроме того, до 1717 года Stadtpfeifer не платили налогов и получали бесплатное жилое помещение на Stadtpfeifergäszlein (маленькой городской улице музыкантов), где они и их семьи жили вместе в одном доме.Хотя звание Штадтпфайфера было пожизненным, обратная сторона заключалась в том, что после смерти игрока выжившая семья могла остаться без средств к существованию. Кроме того, во время траура или эпидемий доход был ненадежным, поскольку музыка для таких торжеств, как свадьбы, была ограничена на установленный период времени14. Иногда, если не регулярно, Stadtpfeifer присоединяется к Kunstgeiger под руководством Кантора для церковных представлений. Благодаря их универсальности в игре как на духовых, так и на струнных инструментах, сочетание двух групп музыкантов в сочетании со студентами позволило Cantor создать солидный оркестр, с которым можно было работать.15 Когда музыкант подавал заявку на должность Stadtpfeifer, обычно требовалось полное знание инструментов Stadtpfeifer. Сюда могут входить труба, корнет, тромбон, валторна (во времени), бомбарт [немецкий для шаума], дульциан [ранний фагот], флейта, гобой, а также струнные. Сегодня мало что доступно в отношении учебников или письменных инструкций, касающихся ремесла Stadtpfeifer из-за секретности, окружающей гильдию. Действительно, было очень трудно достичь высокого уровня зрелости, если бы его не обучили товарищи-музыканты.Только когда традиция Ratsmusiker начала умирать, появился первый известный текст, написанный Иоганном Эрнстом Альтенбургом. Возможный упадок движения Ratsmusiker можно объяснить несколькими факторами: 1. Постоянный приток свободных и независимых музыкантов постепенно взял свое. Эти «бродячие музыканты», представленные Bierfiedler (скрипачи, играющие в пивных и тавернах, Dorfmusikunsten (деревенские музыканты), Schallmeyer (шампанские музыканты) и Hümpler und Stümplengler (« , отсылка с их гильдейского сленга), играли на свадьбах, вечеринках и крестинах.На них не распространялись ограничения муниципальных запретов, и они могли получать зарплату в течение всего года. 2. В город был наплыв концертов и оперных спектаклей. Поначалу Ratsmusiker пополнял ряды музыкантов на местных концертах и ​​составлял ядро ​​путешествующей оперной труппы. Однако на местных концертах их почетное положение постепенно терялось, поскольку они профессионально ассоциировались с теми самыми людьми, которых раньше игнорировали.Кроме того, в опере стало неловко ожидать увеличения путешествующего оркестра, который уже усовершенствовал игру все более требовательных партитур. Со временем продолжалась только игра на башне.17 Примеры репертуара, исполненного в Лейпциге, несомненно, включали Hora decima musicorum Lipsiensium (1670) Пезеля, написанную для ансамбля корнета и тромбона из пяти частей, и корнет Райха Vier und zwantzig neue Quatricinia (1696), написанный для четырехчастного корнета. тромбоны.Несомненно, в то время было написано множество другой литературы, о чем свидетельствуют инвентарные списки от 1747 года, в которые входили пять хоральных книг и 122 духовые пьесы, написанные Готфридом Райхе, которые сейчас утеряны18. Гравюра XVIII века с изображением горизонта Лейпцига 8 — Вернуться к началу — КОМПОЗИТОРЫ И МУЗЫКА ЦЕНТРАЛЬНОЙ И ВОСТОЧНОЙ ЕВРОПЫ Несколько композиторов из Центральной Европы, Восточной Европы и Северной Италии заслуживают внимания либо за их новаторскую музыку для духовых инструментов, либо просто за то, что они написали музыку исключительно для духовых. Иоганн Пезель Иоганн Кристоф Пезель всю свою большую карьеру провел в качестве городского оркестра и композитора в Германии. Как Ratsmusiker , он играл на духовых и струнных инструментах, но впервые упоминается как струнный исполнитель. В 1664 году, когда город Лейпциг проголосовал за увеличение размера городской группы с семи до восьми игроков, Пезель был назначен четвертым Kunstgeiger . В 1670 году он получил звание Stadtpfeifer , назначенное на всю жизнь, и написал свой Hora decima musicorum .Эта литература, безусловно, не является «передовой» для своего времени, но что делает музыку Пезеля такой привлекательной, так это творческое использование текстур в чередующихся имитативных и гомофонических частях19. Пезель Sarabande (из другого набора) привлекает внимание слушателя простым, но все же эффективное использование нисходящих и восходящих линий шкалы. — Вернуться к началу — Tiburtio Massaino Канцона как инструментальная форма продолжала жить в первые годы эпохи барокко.Яркий пример — Canzona для восьми тромбонов и Continuo , написанная Тибуртио Массайно. Массайно (или Массайни) был несколько сомнительным персонажем, который, несмотря на его связь с юности с Орденом Августина и работу капелланом, был изгнан из Зальцбурга за «преступления против природы». Эта конкретная канцона появилась в сборнике из канцони per sonare , выпущенном венецианским издателем Алессандро Равери в 1608 году. Хотя в музыке указаны два хора, что предполагает стиль св.Марка, музыка функционирует как единое целое от начала до конца. Эта канцона также примечательна своим специфическим инструментарием, практика, которая становилась все более распространенной благодаря влиянию Андреа и Джованни Габриэли. — Вернуться к началу — Иоганн Фридрих Фаш Музыка Фаша, современника Иоганна Себастьяна Баха, представляет собой переход от фугального письма барокко к тематическому письму Гайдна и Моцарта.Фаш был хорошо известен в свое время и наслаждался благоприятным исполнением своих композиций за пределами своего дома в Саксонии, включая многочисленные дворы и церкви от Гамбурга, где жил его друг Телеман, до Праги и Вены. Как и Бах, ему нравилось иметь сына, который был придворным музыкантом Фридриха Великого, а К. Ф. К. Фаш был придворным клавесинистом. Хотя ранее музыкальные историки пренебрегали этим, исследования теперь показывают, что Фаш был композитором-новатором, чей стиль предвосхитил лексику классического периода. Его обращение с духовыми инструментами также заслуживает внимания. Его оркестровая партитура, как видно из его большого количества кантат, не только включает большую партию духовых, но и включает духовые как в тематическом развитии, так и в выразительном мелодическом письме. Его концерты написаны в трехчастной форме, близкой к стилю Вивальди. Во время разделов ритурнели он часто прерывает тематическое изложение контрастными разделами для духовых инструментов. Он также использовал духовые (флейты, гобои, фаготы, валторны и трубы) в парах как сольные инструменты, иногда с солирующей скрипкой.В других случаях он использовал «восклицание ветра» между фразами и использовал ветер для повторения повторяющихся или последующих фраз. Его оркестровые сюиты состоят из французских увертюр, за которыми следует череда танцев. В увертюрах фугальные секции часто прерываются омофоническими секциями для духовых инструментов, в то время как арии или другие движения, перемежающиеся между танцевальными движениями, обеспечивают лирическое или ритмическое чередование духовых и струнных20 — Вернуться к началу — Иоганн Давид Хайнихен Dreseden Hofkirche 9 Дрезден, до его разрушения бомбардировками союзников во время Второй мировой войны, был известен как Флоренция на Эльбе.В самом деле, он имел наиболее значительную культурную жизнь, начиная с тех времен, когда Саксония оказывала значительное политическое влияние, незадолго до военного и политического подъема Фридриха Великого в Пруссии. Дрезден был особенно известен своим культурным богатством во время правления Августа II и его сына, когда Саксония и Польша находились под одним правителем. Та же дальновидность, которая побудила этих правителей собирать картины старых мастеров, таких как Рафаэль и Тициан, также привела их к созданию оркестра, который не имел виртуозных соперников к северу от Альп.Для этого знаменитого ансамбля писали такие композиторы, как Альбинони, Фаш и Телеманн. Среди многочисленных музыкантов, работающих при дворе Дрездена, был композитор и теоретик Иоганн Давид Хайнихен, который принял обязанности Капельмейстера в 1717 году. Его композиционный стиль несколько более доклассический, чем сильно выраженный контрапунктный стиль, распространенный в северной Германии. . Концерты Хайнихена, отражающие отход Дрездена от итальянского концерта, развивают «концерт per molti Strumenti».Количество частей в этом типе концерта колеблется от трех до пяти, что делает его чем-то вроде чего-то среднего между сюитой и концертом. Эти камерные концерты или расширенные сюиты требуют от пяти до десяти солистов (концертино), а также рипиено (полный оркестр). В некоторых концертных сюитах Хайнихена указаны разные солисты в каждой части. Например, его Концерт фа мажор, Seibel 235, определяет следующих солистов по частям: 1.гобой, скрипка 2. флейта I / II 3. рог I / II 4. флейта I / II 5. звуковой сигнал I / II в сопровождении 2 гобоев, 2 блокфлейт, 2 флейт, струнных и басового континуо. Любопытно отметить, что вторая часть Концерта до мажор, Seibel 211, называется Pastorell , в которой струны и духовые инструменты имитируют волынку самым уникальным образом. Несомненно, название оправдывает его эксцентричность. — Вернуться к началу — Антонио Вивальди Антонио Вивальди 10 Еще одно заслуживающее упоминания произведение принадлежит перу Антонио Вивальди, написавшего за свою жизнь более 450 концертов. В значительной части этих произведений используются духовые инструменты, но его Концерт для 2-х гобоев и 2-х кларнетов до мажор, RV 559 уникален не только тем, что в нем задействованы четыре духовых солиста, но и тем, что средняя часть написана исключительно для музыкантов. четыре солиста без струнного сопровождения. — Вернуться к началу — Джордж Филип Телеманн Телеманн написал сюиты для одного или нескольких сольных инструментов с оркестровкой. Его практика объединения элементов сольного концерта и сюиты в одну форму оказала сильное влияние на серенады и дивертисменты, которые были основным продуктом камерной музыки в ранние годы Моцарта. — Вернуться к началу — ФРАНЦУЗСКИЙ ДВОР КОНЦА 17 ВЕКА Страсть, которую Западная Европа испытывала ко всему французскому в конце 17 века, не ускользнула от Жана-Батиста Люлли, музыкального руководителя Людовика XIV.Люлли использовал богатые музыкальные силы и десятилетия традиций, которые французский двор предоставил в его распоряжение. Одним из таких предприятий был Écurie , департамент конного мастера, который восходит к временам Франсуа I, в начале 16 века. The Grand Écurie Духовные музыканты на коронации Людовика XV, 1722 г. 11 Музыканты Écurie были сгруппированы по категориям, чтобы служить в той роли, в которой суд считал нужным.Еще в 1540-х годах музыкантов разделили на три категории: двенадцать мешков и инструменталистов, пять флейтов и барабанов и семь труб. К 1571 году число музыкантов Экюри выросло до двенадцати труб, восьми пят и барабанов, пятнадцати мешков, гобоев и корнетов, а также одного мюзетта. Позже, в 1689 году административные единицы Великой Экюри были разделены на пять категорий: двенадцать трубачей; двенадцать исполнителей на скрипках, гобоях, мешковинах и корнетах; шесть гобоистов и исполнителей на волынке Пуатевена; восемь играющих на дудке и барабанах; и шесть музыкантов, играющих на рупорах и морских трубах [любопытный однострунный инструмент, играющий гармоническую гамму, подобную естественной гармонике трубы].Названия категорий, сохранившиеся с более ранних лет, несколько вводили в заблуждение, поскольку во время правления Людовика XIV мешковины больше не использовались, корнетты использовались в основном для удвоения сопрано в Королевской часовне, а крохорны использовались редко, а то и вовсе не использовались. .21 Великая Écurie (или Великая конюшня ) включала боевых лошадей, лошадей школы верховой езды и обслуживающий их персонал. Он также курировал администрацию Musique de l’Ecurie, которая была связана с военными и уличными представлениями и состояла из некоторых из лучших музыкантов Людовика XIV.Таким образом, около 40 инструменталистов, в основном играющих на духовых инструментах, были доступны для самых разных ситуаций. Некоторые играли на громких инструментах: либо на трубах и барабанах с музыкантами верхом на лошадях, либо на гобоях и фаготах (крумхорны вскоре были оставлены). Иногда использовались мягкие инструменты, такие как записывающие или струнные инструменты. Технически можно было также использовать флейты и барабаны, но они считались более подходящими для армии. Музыканты Большой Экюри выступали на различных мероприятиях, таких как провозглашение мира, цветные парады, приемы иностранных сановников, шествия для королевского крещения, свадьбы, похороны, турниры и карусели (конные балеты), праздники на воде, посещения к ратуше или к началу охоты.Их ливрея была роскошной, с богатой тканью, пропитанной золотом и серебром, большими шляпами, ремнями из желто-коричневой кожи и петлями для труб. Музыканты Экюри не ограничивались описанными конкретными обязанностями. По мере необходимости они могли дополнять выступления других придворных ансамблей, например, используя гобоиста или трубачика с 24 струнами22. Les Douze Grands Hautbois du Roi 12 Музыканты Экюри, как и положено их высокому статусу, пользовались особыми привилегиями.Они были товарищами короля по еде и были освобождены от денежных обязательств, таких как налоги taille и franc-fief , обязательства перед мэрами или церковными надзирателями и пошлины на продукты питания. Помимо оплаты еды и одежды, они также получали значительные стипендии за участие в специальных церемониях, таких как шествия по религиозным праздникам, транспортировка вражеских флагов в Нотр-Дам после военной победы или проведение входа короля в lit de Justice .23 Самым известным ансамблем Экюри был Les Grand Hautbois или Douze grands hautbois du roi . В отличие от струнных оркестров, которые обычно играли в пяти частях, французские оркестры гобоя играли в четырех частях, используя от восьми до двенадцати исполнителей. Термин hautbois использовался как общий термин для обозначения всего ансамбля, но на самом деле использовались инструменты разных размеров — гобой трех размеров (dessus, расположенный в C, haute-contre, расположенный в A, и taille. поставлена ​​в F) плюс фагот (бас де готбуа).Барабаны часто добавляли для военной музыки. Жан Батист Люлли 13 Жан Бабтист Люлли начал свою карьеру при французском дворе, писал балеты для короля. Один из ранних примеров — Les Nopces de Village (1663). Он также сотрудничал с Мольером в написании ряда комедийных балетов, в которых танец интегрирован в пьесу, наиболее известным примером является Le Bourgeois Gentilhomme . После того, как Люлли получил контроль над Парижской Оперой, он писал в среднем по одной опере (или трагедии с музыкой , как он ее называл) каждый год с 1673 года до своей смерти. У Люлли была монополия на Парижскую оперу, что позволяло ему диктовать стиль исполняемой музыки. Но его безвременная смерть в 1687 году открыла двери для других композиторов и музыкальных стилей. Ярким примером является комический маскарад Андре Даникана Филидора « Le Mariage de la Gross Cathos » («Свадьба толстой Кейт») для мужского состава, написанный в 1688 году. Многие из этих сценических мероприятий, включая Lully’s, использовали оркестры гобоя в пасторальной обстановке. Артисты часто выходили на сцену с певцами и танцорами, поскольку по сюжету они изображали деревенский оркестр.Типичные танцы, встречающиеся в таких произведениях, включают паване, воздух, паспиэ и менуэт. 24 Людовик XIV и Экюри Музыка Экюри начала приходить в упадок после 1690 года, но даже в конце правления Людовика XIV он находил утешение в их музыке, поскольку они, как считается, играли под его окном всего за несколько дней до его надвигающейся смерти. Церемония и зрелище достигли апогея во время правления Людовика XIV, когда король использовал такие события, чтобы ослепить и держать население в страхе.Несколько композиторов, в том числе Люлли, Анри Десмаре и Мишель де Лаланд, написали боевую музыку для гобоев и фифов, фанфары для труб и т. Д. Для таких мероприятий. Эти пьесы редко сочинялись для одного конкретного случая, но были предназначены для многократного использования в различных мероприятиях подобного рода, которые были довольно частыми, поскольку Франция находилась в состоянии войны на протяжении большей части правления Людовика.25 Музыка была прямой и не чрезмерной сложно по понятным причинам. Например, в Prelude, Menuet, et Gigue Люлли , написанном для труб, барабанов и «гобоя» (термин, который включает фаготы), мелодия трубы не соответствует ловкости, которую мог бы обеспечить корнетто.Тем не менее, то, что слушатель теряет в мелодическом интересе, достигается силой и статусом, которые труба представляет как символ благородства. Эта работа предвосхитила создание Генделя «Музыка для королевского фейерверка », которое выйдет некоторое время спустя. Стиль и манера исполнения музыки Экюри внесли значительный вклад в музыку французского барокко. Écurie обеспечивал стабильную среду исполнения, которая не только укрепляла технику исполнения, но и поощряла реформы в конструкции самих инструментов, до такой степени, что в начале 18 века французские гобои и флейты вызывали наибольшее восхищение в Европе.26 — Вернуться к началу — АНГЛИЙСКАЯ ВЕТРОВАЯ ЛЕНТА 17 век был бурным периодом в истории Англии. Карл I был свергнут Содружеством и впоследствии обезглавлен в 1649 году. Но после всего одиннадцати лет правления Содружества монархия была восстановлена, и 29 мая 1660 года Карл II, после изгнания во Францию, был коронован. коронация была самым значительным событием — одним из крупнейших собраний духовых исполнителей в 17 веке.Рассказы о событии описывают триумфальное шествие, проходящее через различные арки, которые были либо заполнены, либо окружены духовыми исполнителями. Один очевидец сообщил, что у первой арки на Лиден-Холл-стрит недалеко от Лайм-стрит-Энд стояло тридцать труб и восемнадцать барабанов. В дополнение к оркестрам ожидания из Лондона и окрестностей, коммерческие компании Лондона также использовали духовые оркестры в качестве личных представителей, что было обычным делом на всех крупных общественных мероприятиях.27 Следует отметить как минимум две пьесы для духовых, написанные за это время. Во-первых, это была недавно сочиненная Мэтью Локком «Музыка для его Величеств Сагбуттов и Корнетов », исполненная во время коронации Карла II. Он включает Air и Courante из пяти частей, Pavan-Almand из шести частей и Saraband из четырех частей. Также заслуживает упоминания похоронный марш Генри Перселла для плоских траурных труб , написанных после смерти королевы Марии. По какой-то причине Перселл называл трубы заунывными и плоскими, по всей видимости, это были просто скользящие трубы.28 Расцвет трубы со времен Карла II 14 — Вернуться к началу — Военная музыка На протяжении большей части XVII века ключевыми компонентами британской военной музыки были труба, бой и барабан. Точное использование каждого из них было указано в Законах и указах Варра (1639), в которых говорилось: Каждый солдат должен прилежно наблюдать и изучать отчетливые и отличные звуки барабанов, фей и труб, чтобы он мог знать, как отвечать и повиноваться каждому из них во время службы. Было очень важно, чтобы солдаты идентифицировали все используемые сигналы независимо от используемого инструмента. Что касается того, какой инструмент считался наиболее выдающимся, то определенно определяли страну происхождения и хронологическое время. Макиавели в своей книге Libro della arte della guerra (1521) утверждал, что в бою труба должна быть слышна выше всего остального, за ней следует барабан, а затем зуфоли (флейты). Почти столетие спустя Фрэнсис Маркхэм в своей книге Five Decades of Epistles of Warre (1622) также поддерживал доминирование барабана над жизнью: Солдье должен полностью слушать голос Барабана, а не звук свистка. Маркхэм четко разграничивал сигналы между барабанами и трубами. Барабанные сигналы были следующие: Сначала утром разряд или разрушение Дозора, затем подготовка или вызов, чтобы заставить их восстановиться до своего цвета; затем избиение перед тем, как они двинутся в марш; после этого марш в соответствии с природой и обычаями страны (для разных стран есть разные марши), затем атака, затем возврат, затем труппа и, наконец, батальон или батарея, помимо других звуков, которые зависят от фантасттикенов. многих наций не так полезны. Указанных трубных сигналов: … Труба — это то же самое, что Барабан и Фип, но отличаются только слезами и звуками инструмента: первая точка Warre — это Butte sella, хлопайте по седлам; Мунте Кауалло, месяц верхом на лошади; Таккет, марш; Carga, carga, Alarme для взимания: A la Standardo, ретрейт, или уход на пенсию в свои цвета; Auquet, в стражу, или разряд для вахты, помимо других пунктов, таких как Прокламации, Призывы, Призывы — все, что наиболее необходимо для каждого Солдье как знать, так и подчиняться.29 Французский бакет, 1643 г.15 Использование итальянских и французских терминов для звуков трубы предполагает, что британцы много заимствовали из практики исполнения на континенте. К барабанам пришла ответственность за четкие и последовательные сигналы, необходимые для передачи точной информации войскам. Никакого творческого приукрашивания не допускалось. Из-за уровня ответственности, требуемого от барабанщика, он по своей природе был «скорее миролюбивым человеком, чем мечом, и для любого человека, сознательно и неосознанно, наносить ему удары или ранить очень бесчестно.»30 Барабан-мажор, термин, восходящий к 1590 году в британских военных трактатах, должен был обеспечивать дисциплину и исправление ошибок, когда это было необходимо, и, помимо того, что он был самым опытным барабанщиком, должен был свободно владеть несколькими языками» 31 Трубач был в равной степени уважаемым и тщательно выбранным, выполняя обязанности, несколько схожие с барабанщиком, как упоминалось ранее. Литавры также были частью британской традиции в 17 веке. После восстановления монархии в 1660 году они были соединены с трубой в Королевской Лейб-гвардии — четыре трубы и одна литавр на отряд.Фифы вышли из употребления к концу 17 века, но были восстановлены во Фландрии в 1745-17 годах. Волынка, формально популярная среди аристократии в средневековый период, к этому времени постепенно утратила свою известность, хотя в ордере на заработную плату от 1674 года предусмотрено обучение игре на волынке одного человека на компанию. Поворотный момент в развитии британских оркестров наступил в конце 17 века с появлением двойных язычков. В 1678 году к конным гренадерам было прикреплено шесть гобоев (четыре гобоя и два фагота), а несколько лет спустя британские драгуны получили по одному гобою и двум боковым барабанам в каждой роте.В 1684-85 гг. Пешие гвардейцы перешли на использование оркестров для гобоя.32 Британцы теперь уступили практике, распространившейся из Франции на большую часть континента. — Вернуться к началу — Музыка для Королевского фейерверка Джордж Фредерик Гендель 16 Именно в сумерках барокко в Лондоне в апреле 1749 года состоялся самый заметный концерт духового оркестра XVIII века.Война за австрийское наследство завершилась в октябре прошлого года подписанием Экс-ла-Шапельского договора. В рамках празднования мира рабочим было поручено построить памятник с триумфальной аркой и колоннадами, включая статуи греческих богов и барельеф короля, который послужит центральным элементом огромного фейерверка. Прославленный композитор Джордж Фредерик Гендель поставил перед собой задачу предоставить музыку для этого случая. С самого начала был некоторый фурор относительно того, какой тип музыки и инструментов будет наиболее подходящим.Сохранившиеся буквы указывают на то, что Гендель предпочитал комбинацию рожков, труб и струнных, в то время как король намеревался иметь (если вообще нужна была музыка) стиль музыки martial , исключающий струнные. 28 марта 1749 г. герцог Монтегю написал: . Я думаю, что Хендель теперь предлагает иметь только 12 труб и 12 валторн; сначала их должно было быть шестнадцать, и я помню, как сказал об этом королю, который в то время возражал против того, чтобы они были музыкантами; но когда я сообщил ему о количестве и количестве боевой музыки, он был более удовлетворен и выразил надежду, что скрипок не будет.Теперь Гендель предлагает уменьшить количество труб и т. Д. И использовать фиалки. Я нисколько не сомневаюсь, но когда король услышит это, он будет очень недоволен. Если война должна быть такой, чтобы нравиться королю, она должна состоять не из каких-либо инструментов, а только из боевых орудий. Любой другой, я уверен, выведет его из себя, поэтому я уверен, что Генделю надлежит иметь как можно больше труб и других боевых инструментов, чтобы он не отказывался от скрипок, что, я думаю, он и должен был, хотя я полагаю, что он меня никогда не убедят сделать это.Я упоминаю об этом, поскольку мне совсем недавно сообщили из очень авторитетного источника, что король в течение этих двух недель высказался с этой целью33. Оценка автографа указывает на то, что в конечном итоге инструментами были 9 труб, 9 рожков, 24 гобоя, 12 фаготов и 3 пары литавр (плюс контрафагот и басовый змей, позже удаленные). Позже Гендель заметил, что на струнных должны дублироваться партии гобоя и фагота, что предполагает либо компромисс между композитором и королем, либо просто упрямство со стороны композитора. Репетиция 21 апреля прошла с большим успехом. Группа из 100 человек выступила перед аудиторией в 12000 человек в садах Воксхолла, вызвав такой интерес, что «такой замечательный курорт вызвал такую ​​остановку на Лондонском мосту, что ни один экипаж не мог проехать 3 часа». 34 Другое дело — празднование. Уолпол описал это событие следующим образом: Ракеты и все, что было подброшено в воздух, вполне могло быть успешным; но колеса и все, что должно было составлять основную часть, были жалкими и плохо управляемыми, без изменения цветных огней и форм: освещение было скудным и горело так медленно, что едва ли у кого-то хватило терпения дождаться завершения; а затем, что способствовало неловкости всего, было то, что правый павильон загорелся и сгорел в середине спектакля. О музыке не упоминается, что может объяснить, почему Гендель быстро запланировал еще один концерт в течение месяца. Музыка для Королевского фейерверка , без сомнения, была самой известной композицией и исполнением духовой музыки на сегодняшний день из-за размера ансамбля, а также большой аудитории, которая его приняла. Раскрашенный вручную офорт Королевского фейерверка 15 мая 1749 г.17 — Вернуться к началу — МЕХТЕР ПОЯСЫ ОСМАНСКОЙ ИМПЕРИИ Османская империя оказала сильное влияние на Западную Европу в течение нескольких столетий, особенно к востоку от Дуная, где мусульмане соперничали с христианами за контроль над территорией.Несмотря на столкновение из-за религии, у западных европейцев, несомненно, есть определенное очарование этой экзотической культурой, простирающейся от Восточной Европы до Ближнего Востока. Влияние Турции на венский классицизм В ряде случаев янычары (также термин для турецких солдат) султанов шли к воротам Вены с мыслями о завоеваниях. Тем не менее, именно элементы их военной музыки смогли проникнуть в Европу, где их завоевательные армии не добились успеха.Моцарт «Похищение из Сераля » поместил оперное либретто в гарем, а Бетховен вставил любопытный, но эффектный марш «alla turca» в свою монументальную Девятую симфонию. Среди других работ — симфония № 100 Гайдна «Военная», «Неожиданная встреча » Глюка, «Руины Афин» Бетховена , а также «Ноттурно до мажор» Луи Шпора для духовых инструментов и турецкий оркестр . Европейцы были особенно очарованы визуальным и звуковым воздействием оркестров Mehter Band.Эти ансамбли пользовались большим уважением, подобно пышности и торжественности, которые связаны с сегодняшними выступлениями военных оркестров. Действительно, группы мехтер, или «янычары», как их называли европейские дворы, были предшественниками многих современных практик, таких как использование колокольчика, тарелок, большого барабана, литавр и гобоев. Даже Shakos, которые носят на головах участников марширующего оркестра, или жезл или булаву, гордо держащуюся в воздухе барабанщиком, могут проследить свои корни в этих ансамблях. Как упоминалось ранее, турецкая банда впервые была встречена жителями Запада во время крестовых походов на Ближний Восток. В то время как в первые годы использование инструментов было стратегией сражения (см. Главу 1), выступления группы Mehter Band также использовались для задания боевого тона, а также для деморализации врага. Их цель состояла в том, чтобы вдохновить воинов на видение победы во время войны и обеспечить концертную музыку в мирное время для султана в его дворце Топкапы. Интерес к этому экзотическому ансамблю не ускользнул от правителей и военачальников Европы.Во втором десятилетии 18 века польский Август II получил в подарок от султана полный турецкий военный оркестр. Чтобы не отставать, российская императрица Анна послала в Константинополь с аналогичным оркестром, состоящим из скрипичных и тенорных шаумов, фифа, пары литавр, большого барабана, обычных и больших тарелок и треугольника. В 1741 году Риттер фон дер Тренк вошел в Вену, которому предшествовала турецкая музыка, а во время войны за австрийское наследство маршал де Сакс держал турецкую музыку в своих уландах.Этому тренду поддалась даже Пруссия, но после того, как турецкий посол высмеял выступление европейских музыкантов, их заменили турецкие исполнители. Турецкая музыка также распространилась на Британские острова. К концу века Британский Королевский артиллерийский оркестр имел большой барабан, тарелки и бубен, а позже добавил турецкий полумесяц. В 1785 году оркестр гвардии Колдстрима включал в себя два бубна и турецкий полумесяц [шест или жезл с полумесяцем наверху, к которому прикреплялся колокол.Также известен как «звенящий Джонни»]. Британские группы никогда не привлекали турецких игроков, вместо этого нанимали черных. В своей изысканной одежде (пальто и тюрбаны) в сочетании с яркими выходками эти исполнители вносили экзотический элемент в выступление группы35. Османский браслет Mehter 18 Номера оркестров Mehter были обозначены в соответствии со степенями: оркестр Mehter седьмой ступени состоял из семи бас-барабанов, семи гобоев, семи труб, семи тарелок и семи пар наккар (маленьких неглубоких литавр).Отряды Мехтера были такими маленькими, как Третья Степень, или такими же большими, как Двенадцатая Степень.36 В битвах собиралось еще большее количество. Сулейман Великолепный (1520-1566), как сообщается, нанял более двухсот игроков во время своих поисков в Вене.37 Более крупные оркестры использовали Cevgen или Turkish Crescent. Игроки перемещают полумесяц вверх и вниз в такт музыке, воспевая древнюю славу империи. Настройка выступления требовала, чтобы исполнители каждого типа инструментов были сгруппированы вместе, и весь ансамбль стоял полукругом или полным кругом, в зависимости от количества исполнителей. В 1836 году султан Махмут II упразднил банду Мехтер, а также элитный корпус янычар и нанял брата Гаэтано Доницетти, чтобы он основал военный оркестр, более похожий на западноевропейский. Турки возродили его в 1911 году только для того, чтобы увидеть быструю кончину второго оркестра Мехтер с падением султаната во время Первой мировой войны. Со временем третий оркестр Мехтер был сформирован после того, как начальник турецкого генерального штаба посетил Лондон в 1952 году и слышал шотландских волынщиков на параде — мероприятии, которое вдохновило его воссоздать славу звука, которой когда-то была могущественная империя.38 — Вернуться к началу — ДВОР ПЕТРА ВЕЛИКОГО Петр Великий, правивший в России с 1682-1725 гг. (Он принял власть в 1689 г.), имел особую склонность к полковым оркестрам: элитная Преображенская гвардия насчитывала около 40 барабанщиков и 32 флейтистов, в то время как меньшие группы насчитывали около 10- 12 членов. В решающей битве при Платаве в 1709 году, когда Петр победил короля Швеции Карла XII, русские захватили около 120 музыкантов, в том числе трубачей, гобоистов, флейтистов, барабанщиков и цимбалистов, и потребовалось 54 телеги для перевозки захваченных инструментов.39 ЗАКЛЮЧЕНИЕ Компоненты духовой музыки в стиле барокко — музыка башни, игра на трубе кларино и оркестры гобоя французского двора — в конечном итоге были связаны с развитием октета духовых и развитием симфонической формы с ее балансом ветра и струнных с ограниченное использование перкуссии. Новый инструмент, кларнет, захватил воображение композиторов классического периода, поскольку он бросил вызов гобою за господство. — В начало — — Следующая глава — — Содержание — СНОСКИ 1 Адам Карс, Музыкальные духовые инструменты , (Лондон, 1939, переиздан Da Capo Press, 1965), стр.122. 2 Там же. , стр. 125. 3Дэвид Уитвелл, История и литература духового оркестра и ансамбля духовых инструментов , Vol. 3, Барочный духовой оркестр и ансамбль духовых инструментов (Нортридж, Калифорния, WINDS, 1982), стр. 5. 4Carse, стр. 213-216. 5 Уитвелл, стр. 10. 6Эдвард Х. Тарр, «Trumpet», Словарь музыки и музыкантов New Grove , Vol.19, изд. Стэнли Сэди (Лондон: MacMillan Publishers, Limited, 1980) стр. 217. 7Don Smithers, Музыка и история трубы в стиле барокко (Лондон: Дент), стр. 115. 8 Джеймс Альберт Ваттенбаргер, Турмюзик Иоганна Пезеля (Анн-Арбор, Мичиган: Университетские микрофильмы, 1974) с. 13-14. 9 Уоттенбаргер, стр. 14-15. 10Тарр, п. 217 219. 11 Уоттенбаргер, стр.39-42. 12 Там же. , стр. 55-56. 13 Там же. , стр. 43. 14 Там же. , стр. 43-44,52. 15 Там же. , стр. 54. 16 Там же. , стр. 57. 17 Там же. , стр. 58-62. 18Джордж Б. Штауфер, «Лейпциг: космополитический торговый центр», из Музыкальное общество и эпоха раннего барокко , Джордж Дж.Бюлоу, изд. (Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1994), стр. 284. 19 Адриенн Симпсон, «Иоганн Кристоф Пезель», Словарь музыки и музыкантов New Grove , Vol. 14, изд. Стэнли Сэди (Лондон: MacMillan Publishers, Limited, 1980), стр. 607-608. 20Готфрид Кюнцель, «Иоганн Фридрих Фаш», Словарь музыки и музыкантов New Grove , Vol. 6, изд. Стэнли Сэди (Лондон: MacMillan Publishers, Limited, 1980), стр.413-414. 21 Джеймс Р. Энтони, Музыка французского барокко , (Портленд, Орегон: Amadeus Press, 1997), стр. 22-23. 22Марсель Бенуа, «Париж, 1661-87: Эпоха Люлли», Эпоха раннего барокко: с конца 16 века до 1660-х годов , изд. Кертис Прайс (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл, 1993), стр. 252-253. 23Ишервуд, стр.284-285. 24 Ребекка Харрис-Уоррик и Кэрол Дж.Марш. Примечания из записи лондонского оркестра гобоев, Harmonia Mundi № 2. 25 Роберт М. Ишервуд, Музыка на службе короля: Франция в семнадцатом веке (Итака: издательство Корнельского университета), стр. 281-282. 26 Энтони, стр. 24. 27Уитвелл, стр. 86-87. 28 Генри Джордж Фармер. Военная музыка . (Лондон: Макс Пэрриш и Ко. Лимитед), стр. 25. 29Francis Markham, Five Decades of Epistles of Warre , цитируется в The New Grove Dictionary of Music and Musicians Vol.12, изд. Стэнли Сэди (Лондон: MacMillan Publishers, Limited, 1980), стр. 317-318. 30 Цитируется у Генри Фармера, Military Music , (Лондон, 1912), стр. 40, цитируется по Whitwell, p.137. 31Н. Г. Фармер и Энтони С. Бейнс, «Барабан-мажор», Словарь музыки и музыкантов New Grove , Vol. 5, Стэнли Сэди, (Лондон: MacMillan Publishers Limited, 1980) стр. 649. 32Farmer, Military Music , стр.21. 33Christopher Hogwood, Handel (Великобритания: Темза и Гудзон, 1984), 214-215. 34 Там же. , 216. 35Н. Г. Фармер и Джеймс Блейдс, «Музыка янычаров», Словарь музыки и музыкантов New Grove , Vol. 9, изд. Стэнли Сэди, (Лондон: MacMillan Publishers Limited, 1980) стр. 497. 36Charles El Adelson, «Турецкий марш», Selmer Bandwagon No.57, стр. 11. 37 Уитвелл, стр. 95. 38 Адельсон, стр. 12. 39 Милош Велимирович, Варшава, Москва и Санкт-Петербург, от Музыкального общества, стр. 451. Боковые примечания 1Уитвелл, стр. 125-127. 2Wattenbarger, стр. 56. 3Энтони, стр.24. КРЕДИТЫ НА ИЗОБРАЖЕНИЯ 1 Эрцгерцогиня Изабель и эрцгерцог Альберт в процессии служанок Саблона , Антуна Салларта, 1615.С веб-сайта Dulcian. Используется с разрешения. Источник: http://www.hansmons.com/dulcians/pictures/flandes_m.jpg 2Портрет Клаудио Монтеверди работы Бернардо Строцци, 1640 г. Общественное достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Claudio_Monteverdi.jpg. 3Фотография репродукции гобоя в стиле барокко модели Стэнсби, сделанная Норикой, 2005 г. Используется с разрешения. Источник: http: // commons.wikimedia.org/wiki/Image:Baroque_oboe.jpg. 4 Фотография натурального рога с жуликами, принадлежащая доктору Биллу Шафферу, Обернский университет. Используется с разрешения. Источник: http://www.auburn.edu/~schafwr/naturalhorn.jpg. 5 Фотография натуральной трубы, сделанная Франсиско Пересом. Используется с разрешения. Труба — это современная репродукция г-на Переса, созданная по образцу инструмента Иоганна Леонхарда Эхе, Нюрнберг, ок. 1700. Источник: http: // en.wikipedia.org/wiki/Image:Eheiii.jpg. 6Портрет Готфрида Райха работы Элиаса Готтлоба Хаусмана, 1726 г. Общественное достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Reiche1726.jpg. 7 Выдержка из фотографии Старой ратуши в Лейпциге, сделанной Marvel в 2005 году. Используется с разрешения. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Leipziger_Rathaus_%28Frontansicht%29.jpg. 8 Отрывок с цветной гравюры XVIII века с изображением горизонта Лейпцига, художник неизвестен.Всеобщее достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Prospect_von_Leipzig_wie_solcher_von_Sued-Ost_anzusehen.png 9 Выдержка из фотографии Дрезденской Хофкирхе, сделанной компанией Ingersoll, 2005 г. Общественное достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Dresden-Hofkirche.04.jpg. 10 Гравированный портрет Антонио Вивальди, неизвестный художник. Всеобщее достояние. Источник: http: // commons.wikimedia.org/wiki/Image:Antonio_Vivaldi.jpg. 11 Отрывок из «Королевского фестиваля», Коронация Людовика XV , Антуан Данше. Из Нейлора, Тома Л. Труба и тромбон в графическом искусстве, 1500-1800 , стр. 93. Nashville, TN: Brass Press, 1979. Используется с разрешения. Источник: Отсканировано из книги. 12Гравюра «Les Douze Grands Hautbois du Roi» неизвестного художника. С веб-сайта www.waits.org.uk/. Используется с разрешения. Источник: http: // www.waits.org.uk/pictures/hautbois.jpg. 13Гравюра неизвестного художника с изображением Жана Батиста Люлли. Всеобщее достояние. Источник: http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Jean-Baptiste_Lully.jpeg. 14 Пример расцвета трубы времен Карла II. От Нейлора, Эдварда В. Шекспир и музыка: с иллюстрациями из музыки 16-17 веков . Лондон: J.M. Dent, 1896. Используется по лицензии Project Gutenberg: «Эта электронная книга предназначена для использования кем угодно где угодно бесплатно и почти без каких-либо ограничений.Вы можете скопировать ее, отдать или использовать повторно в соответствии с условиями лицензии Project Gutenberg, включенной в эту электронную книгу, или на сайте www.gutenberg.org «. Источник: http://www.gutenberg.org/files/19676/19676-h/images/music54.png. 15Пример французского тукета, 1643 г. Из Нейлора, Эдварда В. Шекспир и музыка: с иллюстрациями из музыки XVI и XVII веков . Лондон: J.M. Dent, 1896. Используется по лицензии Project Gutenberg: «Эта электронная книга предназначена для использования кем угодно где угодно бесплатно и почти без каких-либо ограничений.Вы можете скопировать ее, отдать или использовать повторно в соответствии с условиями лицензии Project Gutenberg, включенной в эту электронную книгу, или на сайте www.gutenberg.org «. Источник: http://www.gutenberg.org/files/19676/19676-h/images/music61.png. 16 Портрет Джорджа Фредерика Генделя, художник неизвестен. Всеобщее достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Georg_Friedrich_H%C3%A4ndel.jpg. 17 Цветная гравюра «Королевский фейерверк», неизвестный художник, 1749 г.Всеобщее достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:RoyalFireworks.jpg. 18 Цветная гравюра с османским мехтерским браслетом 1839 года. Общественное достояние. Источник: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Mehterhane.jpg. — В начало — — Следующая глава — — Содержание — Авторские права на текст © 2007, Стивен Л. Родс. Веб-дизайн Дэвида Р.Хамрик. Этот веб-сайт спонсируется Липскомбским университетом и музыкальным факультетом Липскомбского университета.

Art baroque — Vikidia, l’encyclopédie des 8-13 ans

Église Santa Maria della Salute à Venise

L ‘ art baroque est un art qui naît en Italie à la fin du XVI ^e siècle. Il se répand rapidement dans les pays catholiques d’Europe et en Amérique Centrale et du Sud du fait de la Colonization Espagnole et Portugaise.L’art baroque — это искусство движения, qui lignes Courbes, qui aime les contrastes и les jeux de lumières. C’est un art qui théâtralise. Son but est de charmer, de surprendre et d’émouvoir. À partir de traits communs, il s’est adapte à la sensibilité specific des pays où il s’est imposé. Этот стиль — лучшая противоположность классическому искусству.

Le mot baroque provient du mot portugais barroco qui désignait une perle de forme irrégulière dont la surface présentait des verrues.Aujourd’hui, le mot baroque qualifie les choses ou les жизненные установки, экстравагантные или необычные. Le qualificatif baroque a été appliqué à l’art du XVII ^e siècle et du début du XVIII ^и siècle par les critiques de la deuxième moitié du XVIII ^e siècle période où l’art est devenuo plus sobre (art est devenuo sobre) -классика). L’art baroque, art du mouvement, de l’exubérance décorative, de l’illusion d’optique, faisant appel à l’imagination, tranchait aussi sur l’art de la période précédente (la Renaissance qui recherchait l’équilibre, la sobriété et la logique rationnelle).

Барочный фасад дворца Кариньян в Турине

Le baroque recherche le mouvement, в архитектуре. Une фасадный барокко n’est pas rectiligne, elle peut être ondulée; на peut également rajouter, aux étages les plus bas, des avancées avec lesquelles jouent des party en retrait, на profite de l’intervalle ainsi créé pour y loger un balcon (voir le palais perpignon à Turin). Dans les églises, à la rigueur du plan carré ou en croix grecque de la Renaissance, на prefère le plan ovale ou elliptique beaucoup plus souple.Borromini — это мем, созданный с помощью конструкции, которая гласит, что план en abeille pour plaire à son commanditaire dont les armoiries portaient des abeilles. Pour relier deux étages de largeurs différentes, on use des contreforts en form de grosses volutes enroulées sur elle-mêmes qui sont caractéristiques de l’art baroque (voir l’église de la Salute à Venise). На сопоставлении томов и различных высоких взглядов, которые созданы в рамках объединения дворца Бельведер в Вьенне (Com le palais du Belvédère à Vienne). Les façades sont animées с обильными декоративными скульптурами.Les ouverture encadrées par des draperies de pierres ont des formmes qui jxtaposent carrés ou прямоугольники avec le cercle ou l’ovale (œil de bœuf). Les frontons triangulaires sont brisés avec la partie haute décalée vers le haut ou manquante; Le Fronton Peut Associer le треугольник et l’arc de cercle. Tout ce qui rompt la régularité est mis en œuvre.

Alors qu’à la Renaissance, on recherche l’éclairage uniforme à l’intérieur des édifices, le baroque, lui, joue sur les contrastes qui animent l’espace.Определенные вечеринки укреплены éclairées voisinent avec des party dans la pénombre, ce qui accentue la théâtralité. On y parvient en créant des volume rentrants et des volume saillants. La Colonne Torse, animée d’un mouvement en spirale ascendante, voit le jour (voir le baldaquin de la basilique Saint-Pierre de Rome), elle va s’imposer partout. L’architecte et théoricien Guarini предлагает de créer un «ordre ondulé» qui совокупный классический порядок (toscan, dorique, ionique, corinthien, композитный), nouvel ordre où les базис колонн, lescolnes et les entablements seraient ondulés.

Fresque du plafond de l’église du Gésu в Риме

Murs et plafonds se дополнительные украшения сувенирные скульптуры, прибывшие в архитектурную маскировку. Le trompe-l’œil est pratiqué systématiquement, il agrandit l’espace en créant une impression de profondeur infinie (l’exemple le plus spectulaire en est le plafond de l’église du Gésu à Rome). L’abondance de la décoration doit impressionner le Spectateur, l’éblouir, l’étonner à chaque принимая во внимание и обогащая воображение сына, c’est-à-dire le séduire.

Le baroque aime aussi la confusion des genres. Скульптура из первых рук в архитектуре, «Дворец Бельведер в Вене и колоссальные статуи», шрифт «Офис с колоннами» для Сутенир ля Войт. La peinture en trompe-l’œil simule l’architecture en démultipliant les thèmes architeuraux et semble repousser les limites de l’espace.

Descente de Croix, œuvre du Caravage

La peinture baroque s’est manifestée dans la décoration des murs (fresques) et dans le tableau.La fresque baroque a systématiquement usage le trompe-l’œil. Celui-ci, en donnant de la profondeur, donne l’illusion que le support réel n’existe pas. Tous les sujets sont abordés: античная мифология, борьба католиков и суверенов. Les personnages ont le plus souvent une Relations en mouvement qui est renforcée par une profusion de vêtements soulevés ou agités par le vent. Les перспективах en contre-bas ou de bas en haut donnent des effets saisissants.

Пейнтюр барокко сюр туаль декуль де Л’ёвр дю Караваж.Ce dernier renouvelle la peinture qui, à la période précédente (эпоха Возрождения), avait imité la nature. Я использую людей, которые занимаются популярной средой, для того, чтобы заменить новую среду аристократических caractéristiques эпохи Возрождения. Surtout, il Introduction le jeu de lumière dans le tableau. Il renonce à un éclairage uniforme et le remplace par un éclairage par taches qui concentre l’attention sur определенных точек и laisse d’autres party dans la pénombre. Ce procédé donne du mouvement et de la dramatization.En Flandres, Rubens est baroque par le mouvement qu’il donne aux personnages qu’il peint. Ceux-ci ont des attitude tourmentées qui donnent une композиция en Courbe de ses œuvres. La couleur éclatante ajoute une richesse décorative. Le Néerlandais Rembrandt éclaire une partie Assez restreinte du tableau, le reste étant dans l’ombre. Ce contraste fait de lui un des plus grand maîtres du Baroque. Sa mal nommée Ronde de nuit témoigne aussi du goût des Néerlandais pour les portraits de groupe (qui ont fait la renommée de Frans Hals) и ses nombreux autoportraits montrent une recherche de la vérité Psyologique.

L’extase de Sainte Thérèse d’Avila, œuvre du Bernin

Скульптура в стиле барокко — это сотрудник для хорошей архитектуры. В Le Baroque используются прекрасные файлы статуй, установленные на верхних этажах, сувенир на балюстраде, кашан лес туитс или на мосту на мосту (ainsi le pont Saint-Ange à Rome), ou la colonnade du Bernin sur la place Saint-Pierre à Рим и мама в Версале. Скульптура, созданная австралийской архитектурой, соответствует статуям кариатидов или атлантов , и плафон салонов дворца Бельведер в Вене.Скульптура — это австралийский декор для душевных увертюр, арок и тентур де Пьер, юных ангелов, которые используются в изобилии. Статуи изолированы, демонстрируя движение, возникшее на большом пространстве, неустойчивое равновесие. Les corps tenus par l’effort sont enveloppés par des vêtements gonflés par l’air en mouvement pour accentuer l’effet.

Notamment plusieurs grands musées du monde permettent de voir un nombre important d’œuvres baroques:

Вкусный порошок [модификатор | модификатор wikicode]

Чучан-сираносский: Чучан-сираносский

«Привлечение внимания — это привилегия выдающихся художников.
К этой категории относится скрипач Чучан Сираносян. « (Диапазон)

Чушан Сираносян — один из ведущих виртуозов на международной арене барокко сегодня, как солист, так и в составе многих престижных оркестров. Ее мастерство игры на инструменте, подкрепленное ее музыкальными исследованиями и образцовым опытом, сделало ее очень востребованным музыкантом с ярко выраженной индивидуальностью. Когда Чушан не на сцене и не занимается исследованиями, она посвящает себя альпинизму и лыжным прогулкам.

Она начала изучать игру на скрипке у Тибора Варги в Сионе, затем в пятнадцать лет была принята в класс Павла Верникова в Высшей национальной консерватории Лиона. В 2002 году она начала тренироваться с Захаром Броном в Musikhochschule Zürich, а в 2007 году получила диплом солистки с отличием. Вскоре после этого она стала концертмейстером симфонического оркестра Санкт-Галлена (Швейцария), где оставалась до решающей встречи с Райнхардом. Гебель.Затем она интенсивно посвятила себя изучению старинной музыки с ним в Зальцбургском Моцартеуме и регулярно работала с ним в качестве солистки.

Она также участвует в создании новых произведений, сотрудничая с такими композиторами, как Дэниел Шнайдер, Марк-Андре Далбави, Майкл Розин, Бехара Эль-Хури, Эрик Танги, Бенджамин Аттахир и Томас Деменга.

Чушан Сираносян выступает в качестве солиста на скрипке в стиле модерн и барокко с такими партнерами, как Кристиан Безуиденхаут, Бертран Шамайу, Андреа Маркон, Леонардо Гарсиа Аларкон, Даниэль Оттенсамер, Томас Деменга, Йосольф ван Иммерсель, Кристоф Коин, Андреа Коин, Вацлуда. Лутц, Алексис Косенко, Томас Хенгельброк и Франсуа-Ксавье Рот.

Она является лидером ансамбля Esperanza, основанного в Лихтенштейне в 2015 году, получившего в 2018 году премию Opus Classic и с которым она регулярно гастролирует.

Ее первый сольный альбом Time Reflexion был удостоен премии Diapason Découverte в 2015 году. Ее запись Концерта Мендельсона с Anima Eterna Brugge ( In Time ) и компакт-диск L’Ange et le Diable в дуэте вместе с Йосом ван Иммерзелем оба получили множество призов, в том числе две премии ICMA (International Classical Music Awards, 2017 и 2019).Ее последняя сольная запись вышла в марте 2020 года: концерты Тартини с оркестром Venice Baroque Orchestra и Андреа Маркон. За этот альбом она получила «Preis der Deutschen Schallplatten Kritik» в марте 2020 года.
Ее предстоящие CD-проекты включают скрипичные концерты Андреаса Ромберга, записанные с оркестром Capriccio Baroque, и «L’Art du violon selon Johann Sebastian Bach» с Леонардо Гарсия Аларкон.
Чучан Сираносян — эксклюзивный художник Alpha Classics.

В сезоне 2020/21 Сираносян даст концерты с оркестром Венецианского барокко и Cappella Mediterranea, а также с Дрезденским фестивальным оркестром в Kulturpalast Dresden.Она будет гостьей в Версале с ансамблем Le Concert Spirituel. Она также гастролирует с Андреа Маркон и Леонардо Гарсиа Аларкон и дебютирует с Bamberger Symphoniker. В сезоне 21/22 она гастролирует как солистка с Les Siècles.

Шушан играет на двух скрипках: скрипке в стиле барокко Джузеппе и Антонио Гальяно и скрипке Джованни Баттиста Гуаданьини, любезно предоставленной Фабрисом Жирарденом, мастером в Ла Шо-де-Фон.

Сезон 2020/2021

Используйте только авторизованную биографию Weigold & Böhm.

Чучан Сираносян Биография EN (PDF)

Биография Чучана Сираносяна DE (PDF)

Биография Чушана Сираносяна FR (PDF)

.