Барокко художники известные: Baroque Art — History, Paintings, Artists

ХУДОЖНИКИ БАРОККО: ЛУИЗА МУАЙОН | ARTотека еды

 Самой известной французской художницей эпохи барокко считается Луиза Муайон (1610 – 1696). Во времена доминирования мужчин в мире искусства, Муайон смогла завоевать репутацию одного из лучших мастеров натюрморта. Ее работы пользовались широкой популярностью, а среди ценителей таланта художницы были представители высшей аристократии Франции и Англии. К сожалению, бурные события XVII века наложили трагический отпечаток на ее судьбу.

Луиза Муайон (фр. Louise Moillon) родилась в Париже в 1610 году (некоторые источники указывают 1615 и 1609 годы) в семьи кальвинистов по вероисповеданию и художников по профессии. Отец Луизы Николя Муайон (1555-1619) был известным живописцем, членом Академия Святого Луки и владел престижной художественной галереей; ее мать, Мари Гилберт (1560-1630) была дочерью видного парижского ювелира; ее брат Исаак стал одним из первых членов французской Королевской академии живописи и скульптуры.

Возможно, начальное художественное образование будущая художница получила в мастерской своего отца, но Николя Муайон умер, когда Луизе исполнилось всего 10 лет.
В следующем году ее мать вышла замуж за протестанта Франсуа Гарнье – успешного живописца и торговца. Дальнейшую профессиональную подготовку Луиза получила от своего отчима и вскоре превзошла его в мастерстве. Когда мать художницы умерла в 1630 году, опись ее имущества включала 20 картин и набросков Луизы, которая к тому времени уже прославилась как мастер натюрморта.

 

Натюрморт с корзиной фруктов

 

Корзина со сливами (1629)
 

Большая часть подписанных Луизой Муайон картин датирована 1629 — 1637 годами. Этот период был самым плодотворным в ее творчестве, хотя профессиональная деятельность продолжалась, по крайней мере, до 1674.

Работы художницы отличает утонченная техника с тщательной прорисовкой текстур и истинно французская элегантность композиции. Натюрморты Луизы Муайон написаны под несомненным влиянием фламандской школы, но в то же время она отвергает символику ванитас, присущую натюрмортам северного барокко. Работы Муайон далеки от пуританства, ее знаменитые корзины с фруктами — символ изобилия и процветания.

В то же время простота и гармония ее натюрмортов вытекает из протестантской веры их автора. Натюрморты Луизы Муайон не “мёртвая природа”, а торжество “тихой жизни”.

 

 «Корзина с абрикосами»
 

Луиза Муайон стала одним из первых мастеров натюрморта, в чьих работах появились крупномасштабные человеческие фигуры. Так в “Рыночной сцене”, написанной в 1630 году, изображены две женщины – молодая и пожилая. Но пожилая женщина далека до старческого увядания, именно она принимает тяжелую корзину с фруктами. Корзины, переполненные сочными плодами – сливами, абрикосами, яблоками, виноградом – обрамляют композицию. Две женские фигуры, характеризующие жизненный цикл, пребывают на картине в мире фруктового изобилия.

 

Рыночная сцена (1630)
 

Натюрморты Луизы Муайон пришлись по вкусу представителям высшей аристократии. Среди ее заказчиков был король Франции Людовик XIII , в коллекции французского министра финансов Клода де Буллиона находилось 12 ее картин. В 1639 году король Англии Карл I купил 5 натюрмортов художницы.

 

Натюрморт с фруктами (1637)
 

Но после 1641 Луиза Муайон перестала работать как художница. Скорее всего, это было связано с ее браком – в 1640 году Луиза вышла замуж за богатого лесоторговца Этьена Жирардо де Шанкура, гугенота из Бургундии. В течение следующих трех десятилетий, Муайон посвятила себя ведению домашнего хозяйства и воспитанию троих детей, что было традиционно для женщин того времени. В 1648 году Жирардо умер, но Луиза возобновила свою творческую карьеру только в середине 70-х годов, возможно, это было связано с материальными проблемами.

 

Натюрморт Луиза Муайон
 

Последнее десятилетие жизни художницы было омрачено религиозными распрями во Франции, наложившими трагический отпечаток на жизнь ее семьи.
В 1685 году Людовик XIV отменил Нантский эдикт, даровавший протестантам свободу вероисповедания.

Гугенотам предоставлялся выбор между отречением от веры и эмиграцией. Неподчинившихся закону массово бросали в тюрьмы. Сын Луизы был заключен в Бастилию за отказ отречься от своих убеждений, но в конечном итоге под давлением принял католичество. Сама же художница с двумя дочерьми бежала в Англию. На ту пору ей было 75 лет.
Спустя несколько лет Луиза вернулась во Францию, возможно, опасаясь конфискации своих картин, и была вынуждена перейти в католичество. Она умерла 21 декабря 1696 в возрасте 85 лет.

 

Натюрморт с клубникой, черешней и крыжовником (1630)

 

Творческое наследие Луизы Муайон составляет около сорока картин. Ее сочные, тщательно детализированные натюрморты подняли популярность и престиж этого жанра во Франции, который в то время располагался на более низких ступенях художественной иерархии. Луиза Муайон вошла в историю мирового искусства как самый известный мастер французского натюрморта XVII века и одна из самых знаменитых женщин-художниц своего времени.

 

Абрикосы, корзина слив, какаду и лазоревка

 

Натюрморт (Луиза Муайон)

 

Натюрморт с ежевикой

 

Еще вам могут понравиться статьи

Картины в стиле барокко

Автор: Канарка Канта

Дата: 30 April 2019

Одной из самых ярких эпох в искусстве по праву считается барокко. В нем воплотились лучшие черты эпохи с 1600 по 1700 годы. Картины в стиле барокко отличаются правдоподобностью, точностью и вместе с тем имеют выраженное эмоциональное начало. На сегодняшний день эпоха оставила огромное количество шедевров мировой культуры, которые хранятся во всемирно известных музеях.

История стиля барокко

Искусство неотделимо от жизни людей, и часто его используют в качестве средства массовой передачи информации. Дело в том, что во времена возникновения стиля в Европе происходил процесс реформации церкви. Священнослужители искали способ сделать религию для людей более понятной и доступной. В те времена подобная задача представляла серьёзную сложность, так как у большей части людей не было возможности обучаться. Единственным понятным всем и малому и старому видом информационного ресурса были картины. Именно поэтому для донесения религиозных смыслов использовались картины барокко.

Чтобы достигнуть максимального эффекта и вдохновлять каждого смотрящего на подобные подвиги во имя религии художники старались максимально правдоподобно передать именно эмоции и чувства выбранного героя.

Факт! В переводе с итальянского термин обозначает странный и причудливый.

Особенности барокко

К характерным чертам стиля барокко в живописи следует отнести:

• • появление понятия свет и тень;
• • обращение к религиозной тематике;
• • драматичные темные цвета;
• • сюжетная динамичность, понятность происходящего на картине;
• • обращение к мифологическим сюжетам;
• • возвышенность и не опосредованность;
• • дымчатость фактуры;
• • изобилие декоративных элементов;
• • контрастность между светлыми и темными оттенками;
• • пропорциональность.

Главной особенностью картин барокко можно считать наличие разнообразных украшений и большое количество деталей. Над одной картиной мастер красок мог работать несколько лет. Но результат того стоил, так как произведение искусства передавало всю эпичность, драматичность выбранного сюжета.

Обычно художники выбирали сюжетную линию, основываясь на всем известным в те времена историям. Обычно это были мифы Древней Греции или Рима, а также библейские заветы. Они были понятны практически каждому человеку вне зависимости от уровня образованности.

В качестве опоры художники выбрали предшествующее направление – эпоху Возрождения. Это проявляется в достоверности пропорций изображаемого, в цветопередаче, а также в реализме.

Интересно! Узнать картину эпохи барокко достаточно легко. На таких картинах ярко выражена игра света и тени. Художники старались максимально затемнить темные участки и выделить светлые, что создавало иллюзию солнечного света, спадающего на предмет или человека.

Художники эпохи барокко

Наиболее значимыми фигурами того времени в искусствоведении принято считать Микеланджело Караваджо, Харменса ван Рейна Рембрандта и Питера Пауля Рубенса. Давайте познакомимся с творчеством каждого из них более подробно.

Микеланджело Караваджо

Относится к итальянской школе художеств. В его творчестве преобладающим жанром можно назвать портрет. Именно в нем он мог явно воспользоваться новой техникой применения света и тени, которая позволяла достичь объемности и правдоподобности изображаемого. Мастер обращался к трагичным мифологизированным сюжетам или библейской тематике, поэтому их часто можно встретить их в творчестве:

• • Призвание апостола Матфея;
• • Мученичество апостола Матфея;
• • Распятие Святого Петра;
• • Положение во гроб;

Также художника интересовали личности его времени, поэтому большинство знаменитых картин художника – это портреты:

• • Мальчик, укушенный ящерицей;
• • Гадалка;
• • Музыканты;
• • Больной Вакх;
• • Лютнист;
• • Мальчик с корзиной фруктов.

Также удивительно реалистичным является натюрморт «Корзина с фруктами».

Интересно! Караваджо работал сразу начистую, то есть сразу же набрасывал на холсте. Ни одну композицию не удалось найти в эскизе или рисунке барокко.

Харменс ван Рейн Рембрандт

Является одним из самых великих художников Нидерландов. Его живопись относится к золотому веку страны. Главной заслугой творца можно считать передачу всех эмоциональных состояний человека с удивительной точностью и правдоподобностью. К наиболее известным работам относят:

• • Пир Валтасара;
• • Блудный сын в таверне;
• • Даная;
• • Ночной дозор;
• • Святое семейство.
• • Питер Пауль Рубенс

На картинах великого живописца практически никогда нельзя увидеть тощего человека. Пышные формы являлись показателем богатства, здоровья и успеха в жизни. К наиболее значимым произведениям искусства данного художника следует отнести:

• • Автопортрет;
• • Геркулес и Омфала;
• • Конный портрет герцога Лерма;
• • «Адам и Ева»
• • «Мадонна».

Интересно! За всю жизнь творец создал более трех тысяч картин.

Картины в стиле барокко – это неповторимые образцы достижения реалистичности в живописи. В них воплотились лучшие традиции того времени. Несмотря на общие тенденции в искусстве каждый представитель художественной школы времени обладал неповторимым стилем и почерком, который невозможно спутать. Даже спустя практически триста лет картины эпохи барокко не перестают удивлять драматическим накалом и реалистичностью происходящего. Смотря на подобные работы, понимаешь в чем заключается истинная сила искусства.

▷ Что такое фламандская живопись в стиле барокко? 🥇 cultmir.ru

Разработано
в 16^го и 17^го Века в северном
Бельгия, Люксембург и южные Нидерланды в наше время фламандской живописи в стиле барокко
изображены надежные и подробные изображения мира. Разработка стиля была
вдохновленный итальянскими ренессансными и фламандскими традициями и
Фландрия имеет художественное значение.

5. Обзор стиля –

Живопись фламандского барокко была разделена на различные тематические категории, а разные художники специализировались в определенных областях. Эти разделы были исторической живописью – картины этого жанра изображали исторические, библейские и мифологические сюжеты. Этот жанр считался самым благородным в 17 веке. Самыми известными художниками этого жанра были Питер Пауль Рубенс вместе с Якобом Джордансом и учеником Рубенса Энтони Ван Дейком. Жанр «Цветочный натюрморт» стал довольно популярным в 17 веке во Фландрии. Цветы занимали центральное место в цветочном натюрморте, и они должны были изобразить краткость земной жизни. Портретная живопись жанра была портретом в натуральную величину, также стала особенностью фламандской живописи барокко. Семейные портреты впоследствии стали популярными в 17 веке. Питеру Паулу Рубену приписывают его живописные работы в начале его карьеры, и его влияние было заметно через его ученика, Энтони Ван Дейка. Религиозная живопись жанра с религиозными темами также фигурировала во многих фламандских картинах барокко. Были и другие картины, изображающие повседневную жизнь. Эти жанровые картины были очень популярны во Фландрии 17-го века и в основном изображали жизни низших классов.

4. История и развитие –

фламандский
Картина в стиле барокко была разработана после того, как Голландская Республика отошла от
Габсбург испанские регионы на юге около 1585 года, и продолжалось до
конец правления Габсбургов в 1700 году. Фламандские художники объединили свои традиции
используя масляную среду в картинах с традициями, привезенными из Италии, для создания
Фламандский стиль барокко. Питер Пауль Рубенс, художник из Антверпена, разработал
превосходное мастерство фламандского барокко и способствовало его распространению через его
Учебная мастерская. Его ученики позже станут известными художниками в других
Европейские регионы, такие как Энтони Ван Дейк, который стал придворным портретистом
в Англии. Города Антверпен и Брюссель стали центрами фламандского
Барочные художники.

3. Известные художники и их работы –

Одним из величайших мастеров фламандского стиля барокко был, несомненно, Питер Пауль Рубенс. Картины Рубенса были театральными, энергичными, чувственными и великолепными, и он в основном специализировался на человеческом теле. Некоторые из его наиболее заметных работ включают в себя Самсон и Далидана основе библейской сцены, Охота на волка и лиса, где он изобразил сцену охоты, а Изнасилование дочерей Левкиппа, это была мифологическая картина. Что касается учеников Рубена, то самым заметным из них является Энтони Ван Дейк, который стал известен благодаря своим портретам короля Карла I.

2. Снижение и последующие последовательные движения –

упадок фламандских картин барокко был в результате упадка
Фландрия сама. С падением правления Габсбургов во Фландрии страна была захвачена
в религиозных и политических спорах, которые ослабили его культурное значение.
Фландрию оставили только с горсткой живописцев, со смертью пионеров
такие как Питер Рубен. На его месте неоклассическая живопись начала процветать.

1. Наследие –

фламандский
Живопись в стиле барокко до сих пор примечательна тем, что ей приписывают большие инновации в натюрморте.
Картины этого периода хранятся в художественных музеях и продолжают
исторически и культурно значимы в современную эпоху.

Что такое фламандская живопись в стиле барокко?

Живопись фламандского барокко, созданная в XVI и XVII веках в северной Бельгии, Люксембурге и южных Нидерландах, в настоящее время представляет собой четкие и детальные изображения мира. Разработка стиля была вдохновлена ​​как итальянскими ренессансными, так и фламандскими традициями и подтолкнула Фландрию к художественному значению.

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет. 

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.  

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».  

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Вычурность или минимализм: как распознать стиль Барокко

Слово «Барокко» предположительно происходит от итальянского названия «жемчужина неправильной формы». Изначально этот термин был издевкой, так как Барокко отличался драматичностью и эпичностью.

В предыдущей статье мы с вами ознакомились с Ренессансом и узнали о Маньеристах, которых часто называли мостом между идеализированным Ренессансом и пышным Барокко. В этой статье речь пойдет о втором. 

---

Чем же характеризуется Барокко и почему же так важен религиозный контекст?

Как я уже упоминала в предыдущей статье, в искусстве очень важен исторический контекст. На примере Барокко это наиболее заметно. 

На искусство эпохи Барокко очень повлиял раскол церкви. В связи с этим, искусство 17 столетия можно разделить на 2 части: Протестантское и Католическое. Давайте разберемся чем же они отличались друг от друга.

С распространением протестантизма католическая церковь все больше и больше подвергалась гонению за их расточительность и двуличность. В 1563 году, на последнем Тридентском соборе были выведены правила и указания, как должны выглядеть Католические религиозные изображения. Во многом искусство должно было стать намного реалистичней и драматичней, чтобы поражать людей и вызывать у них набожность.

Религиозное искусство должно было заманить на свою сторону протестантов и предотвратить смену религии уже существующих католиков. Протестанты же считали что не обязательно молится святым и иконам для того чтобы быть услышанным Богом. В Протестантских церквях редко когда можно увидеть картины и предметы искусства, соответственно спрос на религиозные сюжеты был достаточно низок.

В то время как католикам нужно было привлечь людей религиозным искусством, так сказать заманить их на свою сторону, в Протестантских странах стали развиваться новые жанры живописи. 

«Много дорого богато» VS«Минимализм» 

Разница между Католическим и Протестантским Барокко конечно очень хорошо заметна в архитектурных элементах. Для примера рассмотрим две церкви: «Сант-Андреа-аль-Квиринале» в Риме и «Церковь Святого Стефана в Уолбруке» в Лондоне.  

В первом примере мы видим невероятное количество красок, мрамор всех цветов радуги, и конечно же очень много золота. У алтаря можно увидеть картину, интересно то, что над картиной находилось секретное круглое окно, которое нельзя было увидеть стоя и молясь перед алтарем. Днем, через это окно проходил солнечный свет, который падал на картину и создавал ощущение божественного света. Все это было подкреплено лучами света, сделанными из золота и золотых ангелов, которые обрамляли картину и сияли под тем самым дневным светом. 

«Сант-Андреа-аль-Квиринале»

Во втором примере можно увидеть что  церковь находящаяся в Лондоне выглядит  намного менее красочней, весь интерьер выполнен в белых и чистых цветах, огромное количество пространства, и потрясающая акустика ( ведь в протестантских церквях большое значение придавалось проповедям, нежели картинам и визуальным манипуляциям). По сравнению с церковью в Риме, Лондонская, конечно, кажется невероятно минималистичной и даже простой. Такую разницу можно увидеть практически во всей архитектуре 17 столетия. 

«Церковь Святого Стефана в Уолбруке»

Барокко многограннее, чем кажется 

Обычно барокко ассоциируется с роскошью, что во многом правда. Оно было достаточно вычурным, особенно это выделяется в архитектурных работах. Но было и северное барокко и такие художники как Караваджо, о котором мы поговорим чуть позже.

Давайте же на примерах разберемся в разных стилистических приемах и особенностях Барокко.  

Первый пример, как раз таки вычурного искусства, будет картина, выполненная Рубенсом по заказу Марии Медичи (королева Франции, вторая жена Генриха IV Бурбона). 

Рубенс «Выход из Марселя» 1622-1625

Картина показывает зрителю приезд Марии во Францию, но не так буквально, как вы думаете. Смотря на нее очень, сложно понять, что это исторический момент. Но зная, что это картина эпохи Барокко становится ясно почему этот период так часто характеризуют, как вычурный.

Рубенс использует почти все приемы, о которых можно подумать, чтобы подчеркнуть славу и величие Марии. Эта картина – какофония цвета и движения. Красный и золотой – доминирующие цвета на полотне, каждая фигура движется, а трубы добавляют элемент церемониального звука. 

Многочисленное количество фигур на полотне – от хорошо одетых дворян до мифических морских существ. Все они жестикулируют и корчатся в направлении Марии. Когда она выходит из своего позолоченного корабля в окружении свиты, ее буквально приветствуют с распростертыми объятиями.

Элегантно одетая в белое платье, украшенное золотом, она –воплощение царственности. Среди нечеловеческих свидетелей этого события – крылатый ангел, который трубит о приезде Марии, три морские нимфы, Посейдон (Бог моря) и его сын Тритон, которые предположительно охраняли путешествие Марии в ее новое царство.

Франция должна была ликовать ведь даже античные боги и ангелы сопутствовали будущей королеве во время ее путешествия, и явно находятся на ее стороне. Эго Марии явно было не заменять, но именно благодаря таким патронам Барокко и считается стилем великолепия. 

Вершина – Ян Вермеер 

На контрасте, теперь давайте ознакомимся с еще одним представителем эпохи Барокко, Яном Вермеером. Его творчество наравне с Рембрандтом можно считать вершиной голландского искусства эпохи Барокко. По сравнению с Рубенсом его работы можно назвать аскетичными и аккуратными.

Вместо того что бы разбирать одну конкретную работу этого художника, мы поговорим о контексте, который влиял на все Голландское искусство семнадцатого столетия. Помимо раскола церкви, в семнадцатом столетии новыми покровителями становятся купцы и торговцы, которым вряд ли хочется увековечить себя в той же манере что и сделала Мария Медичи, да и места для таких картин у них не было. Поэтому популярными становятся жанровые картины (картины о быте обычных людей) и натюрморт. 

Ян Вермеер «Молодая женщина с кувшином воды» 1660-1662

Даже Рембрандт, у которого много известных работ с религиозным сюжетом, писал огромное количество пейзажей. Но также он рисовал портреты и картины для гильдий, одной из самых известных является «Ночной Дозор».

Рембрант «Ночной Дозор» 1642

Рембрандт отличается своим мастерством игры светотени, но его работы вряд ли можно назвать пышными или полными величества и богатства. Наоборот он отличается исключительным реализмом, в связи с этим многие критики того времени говорили, что он предпочитает уродство красоте.

Современному человеку будет сложно увидеть уродство в его работах, но по сравнению со многими идеализированными и преувеличенными работами того времени он действительно выделяется. 

Рембрандт «Каменный мост» 1638

Мастер кьяроскуро или художник, который известен своим искусством так, как и своим плохим поведением

Посмотрев несколько примеров искусства эпохи Барокко, я хочу отдельно поговорить о Караваджо. Караваджо наверно сейчас один из самых известных художников эпохи Барокко. И если, честно сказать, один из моих личных фаворитов. Выше я упомянула что Рембрандт считается мастером светотени, но в моих глазах это Караваджо. 

Перед тем, как мы перейдем к обсуждению, жизни и творчества этого художника хочу дать моим читателям небольшую подсказку. Если гуляя по галерее вы захотите показать себя, есть два термина которыми искусствоведы просто обожают пользоваться: кьяроскуро, и тенебризм.

Кьяроскуро – это прием в искусстве, который описывает достаточно сильный контраст между светом и тенью.

Тенебризм, тоже можно использовать для описания очень темных и драматичный картин. В тенебризме некоторые участки картин могут оставаться абсолютно черными, этакий драматический свет, при тенебризме в картине присутствует один источник света, который и создает тот самый драматизм.  

Караваджо, как самый яркий представитель Барокко

Почему мы вспоминаем об этих терминах говоря о Караваджо? Все очень просто, он несравненный мастер этих техник и во многом считается их создателем. Был даже миф, что Караваджо первый создал картину с одним источником света, который исходил от свечи. Это не правда, но смотря на его картины легко понять откуда пошел этот миф. Развитие творчества и карьеры Караваджо можно легко продемонстрировать всего в нескольких картинах. Надеюсь, после этой статьи все станут немножечко экспертами в Караваджо и полюбят его так же сильно, как и я. 

Начало: Много фруктов и полуобнаженные и томные мальчики Караваджо «Юноша с корзиной фруктов» 1593

Начинал Караваджо, как художник, задолго до этих картин, но его творчество становится нам известно именно с периода, когда он решает уйти из мастерской, как ученик и стать независимым художником. 

Средств как у любого начинающего художника у него было немного, поэтому большинство его работ – это портреты молодых мальчиков/мужчин с натюрмортом на первом плане. Рисовал он то, что было знакомо, и что было у него в доступности. Ярким примером является картина: «Мальчик с корзиной фруктов».

На картине изображен молодой человек, его рубашка спущена с плеч, он прижимает к себе корзинку фруктов и томно смотрит на зрителя. Многие картины этого периода называют гомоэротическими, возможно так Караваджо хотел привлечь к себе внимание. Но кроме очевидного эротизма, во всех его работах присутствуют или фрукты или какой-нибудь натюрморт. В искусстве, фрукты чаще всего ассоциируются с молодостью, силой и плодородием, тема, которая хорошо пересекается с молодыми юношами, которых он так часто изображал.

В связи с этим есть много теорий о том, что эти картины о любви, соблазне и провокации. При этом, другие эксперты, к примеру Летиция Тревес (куратор Итальянских и Испанских картин в Национальной Галерее Лондона), считает, что тайного подтекста в картинах нет. В конце концов этими картинами Караваджо пытался показать свое мастерство и привлечь влиятельных патронов.   

Слава и популярность

В конечном итоге благодаря своим ранним работам Караваджо нашел себе патрона в лице Кардинала Франческо Дель Монте, который в последствии помог ему получить один из самых важных заказов: серию картин о Матфее, для церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези. После этого к Караваджо пришла слава, ведь многие художники путешествовали в Рим для того, чтобы ознакомится с античным искусством и посмотреть на современных художников. В отличии от многих предыдущих его картин, которые были частными заказами в дома ( где их могла увидеть только определённая публика), эта серия картин была доступна массам и произвела фурор. На тот момент сам Караваджо достиг нового уровня в своем искусстве, и думаю, он понимал, что нес за собой такой заказ.

«Призвание Апостола Матфея»

Одной из моих любимых картин из этой серии является «Призвание Апостола Матфея». Важно принять во внимание каноны и наставления, которые утвердила католическая церковь в то время: реализм и драматизм, который должен был поражать людей и вызывать набожность. Картина Матфея изображает момент, когда Иисус Христос вдохновляет Матфея последовать за ним и стать апостолом.

Караваджо «Призвание святого Матфея» 1600

В соответствии со своей неприкрашенной эстетикой Караваджо разворачивает сцену в том, что кажется обычной современной таверной. За столом сидят ростовщики, и сам Матфей. Не смотря на то, что Матфей сидит в стороне его лицо освещено светом исходящим из правого верхнего угла картины, когда он видит, как Христос указывает на него, он отвечает жестом, как бы говоря: «Я?». Не понимая, указывают ли на него или на мужчину, сидящего рядом. Кроме того, луч света, освещающий их лица, привлекает внимание к двум молодым людям, которые кажутся довольно потерянными в этой группе пожилых людей.

В то время как один из них отступает в опасении и смотрит на своего старшего соседа за защитой, другой повернулся, чтобы противостоять Христу, в результате чего Святой Петр (стоит рядом с Христом) жестом просит его успокоиться. Через визуальный контраст между их реакциями Караваджо демонстрирует психологическое понимание двух возможных моделей поведения человека в одной и той же ситуации.

Эта картина должна была производить неизлагаемое впечатление на зрителя. В отличии от предыдущих эпох, Караваджо одевает библейских героев в современные вещи. Люди, даже сам Иисус, выглядят как обычные жители Рима того времени, это давало возможность людям идентифицировать себя в лицах этих святых. Самый интересный прием, который делал эту картину особенно реальной, это то, что она висела так, что свет, исходящий из окна в таверне, совпадал с реальным светом исходящим из окна церкви, это создавало ощущение того, что реальный мир и картина как бы сливались воедино. 

Скверный характер, убийство и тоска по Риму

После заказа для церкви к Караваджо приходит мировая слава. И все бы было хорошо, но его дебоширство и скверный характер приводят к тому, что он смертельно ранит в стычке Рануччо Томассони. И его обвиняют в убийстве.

Караваджо вынужден бежать из Рима и отправиться на Мальту. Жизнь его явно не научила, и спустя несколько лет на Мальте его арестовывают и садят в тюрьму (из которой он впоследствии сбегает).  До ареста, он пишет картину «Соломея с головой Иоанна Крестителя». Это произведение хорошо показывает его более поздний период, отражает  его переживания, и его желание вернутся обратно в Рим. В этой работе его палитра становится более приглушенной, его мазки становятся более мягкими и не такими точными как в начале его карьеры. Фокус смещается в сторону эмоций и жестов, нежели места, в котором происходит действие. 

Караваджо «Саломея с головой Иоанна Крестителя» 1609

Эта сцена взята из новозаветного рассказа, в котором Саломея своим танцем завоевывает расположение Ирода, царя Иудейского. В знак своего восхищения царь удовлетворяет одну просьбу Саломеи – мать Саломеи убеждают её попросить голову Иоанна Крестителя. На картине мы видим тот самый момент, когда Саломее приносят ее «трофей», она отворачивается в отвращении. У нее достаточно интересные эмоции, на первый взгляд она безразлична, но если присмотреться, то в ее глазах можно заметить сожаление. Также, интересно то, что на картине не известно где происходит событие, фон настолько темный что сама сцена кажется театральной.

Эта работа датируется более поздними годами Караваджо и фокусируется на реалистичном изображении психологического воздействия события. Возможно, это связано с эмоциями самого Караваджо, которые он выплескивает в своей работе, возможно он тоже жалеет о том, что случилось в Риме. Догадок существует много, но точно можно сказать, что поздние работы Караваджо, написаны почти на современный манер, они очень схожи с работами Реалистов, которые творили во второй половине 18 столетия. 

Сейчас Караваджо один из самых известных художников 17 столетия. Но на самом деле он был забыт после своей смерти и вновь найден уже в 20 столетии!

Караваджо и Off-White

К несчастью для него, и с большой удачей для искусствоведов, есть много записей о жизни этого художника, благодаря многочисленным судебным разбирательствам в которых он был вовлечен.  Даже сейчас, его работами восхищаются не только искусствоведы, но и дизайнеры. К примеру, бренд Off-White использует работы Караваджо на своих майках и толстовках. 

Барокко подарил миру одних из самых известных художников. Мало кто, не знает таких известный имен как Рубенс, Рембрандт, Караваджо и Вермеер. Но я уверена что не смотря на то, что эти имена на слуху, немногие по-настоящему знакомы с их произведениями.

Барокко не только про пышность и золото, оно и про реализм, и драматизм, начинает развиваться жанровая и пейзажная живописи, 17 столетие по-настоящему становится прорывом в искусстве.  

5 выставок фламандских мастеров: год Рубенса и эпохи барокко

Во времена расцвета изобразительных искусств Фландрия, северный регион Бельгии, служила источником вдохновения для разных направлений в искусстве: фламандского примитивизма, ренессанса и барокко. На протяжении 250 лет Фландрия продолжала оставаться местом для встреч и знакомств самых известных художников Западной Европы. Трое из них — Ян ван Эйк, Питер Брейгель и Питер Пауль Рубенс — добились особой известности и были признаны величайшими художниками всех времен. В рамках программы «Фламандские мастера 2018-2020», посвященной их творчеству, во Фландрии пройдет множество мероприятий, которые познакомят гостей со всего мира с фламандскими мастерами и их работами.

Антверпен 2018: год Рубенса и эпохи барокко

Программа «Фламандские мастера 2018-2020» начнется в июне с проекта «Антверпен 2018: год Рубенса и эпохи барокко». Рубенс (1577-1640) был гением стиля барокко и остаётся настоящим символом города Антверпен. В наши дни творчество Рубенса продолжает служит источником вдохновения для современных художников. Работы Рубенса заставляют художников Антверпена продолжать свои творческие эксперименты и придавать городу уже ставшую традиционной атмосферу жизнерадостности. Фестиваль антверпенского барокко – это сочетание традиционного барокко Рубенса с творчеством современных мастеров, таких как Ян Фабр, Люк Тёйманс, Сиди Ларби Шеркауи. 

В рамках фестиваля пройдут интересные выставки, выступления и мероприятия, на которых будут экспонироваться новые художественные произведения. Некоторые из них станут постоянными инсталляциями города. Ниже представлены главные мероприятия программы «Фламандские мастера 2018-2020», которые пройдут в 2018 году.

Праздничное открытие (1-3 июня)

Праздничное открытие программы в первый уикенд июня превратит город в сценическую площадку. В рамках программы, посвященной целиком барокко, откроются три важные выставки (информация ниже), а также пройдут красочные театральные, музыкальные и танцевальные представления.
Гости могут принять участие в мероприятиях бесплатно.

Выставка «Михаэлина» (1 июня-2 сентября)

Выставка «Михаэлина», посвященная творчеству Михаэлины Вотье (1617-1689), – ее первая ретроспективная выставка. Выставка продемонстрирует исключительный талант художницы барокко, которая творила в то время, когда женщины-живописцы были настоящей редкостью. Вотье работала над масштабными историческими полотнами, за которые не осмеливались браться мужчины-художники того времени. 26 картин Михаэлины Вотье примечательны своими смелыми сюжетами и превосходной техникой исполнения. 

Где: MAS, Hanzestedenplaats 1, Антверпен (www.mas.be). Стоимость билетов: 10 евро. Дети до 12 лет, обладатели фестивальной карты: вход бесплатный.

Выставка «Сангина. Люк Тёйманс о барокко» (1 июня-16 сентября)

Антверпенский художник Люк Тёйманс будет куратором выставки «Сангина» в Музее современного искусства в Антверпене M HKA. Выставка покажет работы старых мастеров в экспериментальных пространствах современного искусства. На ней Тёйманс сопоставит дух мастеров барокко с видением модных современных художников. На ней будут представлены ключевые работы мастеров барокко, таких как Жорж де Латур, Франсиско де Сурбаран и Караваджо, работы классических современных мастеров, таких как Он Кавара и Эдвард Кинхольц, а также новые произведения современных звезд, таких как Такаси Мураками, Михаэль Борреманс и Зигмар Польке.  

Где: M HKA, Leuvensestraat 32, Антверпен (www.muhka.be). Стоимость билетов: 10 евро. Дети до 12 лет, обладатели фестивальной карты: вход бесплатный.

Выставка под открытым небом «Experience traps» (1 июня-30 сентября)

В музее-парке скульптур Мидделхейм (площадью 12 гектаров) пройдет выставка современных работ в стиле барокко, особое внимание будет уделено противоречиям между естественным и искусственным. Грот, лабиринт, живые картины, безрассудство, фонтан, оптические иллюзии – каждый из этих мотивов барокко вдохновляет современных международных художников на создание новой архитектуры, скульптур и инсталляций. Эти работы будут выставлены в Музее Мидделхейм и в общественных городских пространствах. Они никого не оставят равнодушными: посетители, как минимум, будут озадачены, удивлены и останутся под впечатлением. 

Где: Middelheim Museum, Middelheimlaan 61, Антверпен (www. middelheimmuseum.be) + различные площадки по всему городу. Вход свободный.

Открытие нового алтаря Яна Фабра в исторической церкви Св. Августина (9 июля)

Многие великие художники эпохи барокко работали по заказу церкви Святого Августина и участвовали в создании запрестольного образа для алтаря церкви в 1628 году. Питер Пауль Рубенс нарисовал полотно для главного алтаря, изобразив сюжет, связанный с двумя святыми (также называемый «Мистическое обручение святой Екатерины»). В рамках мероприятий проекта «Антверпен 2018: год Рубенса и эпохи барокко» современный антверпенский художник Ян Фабр создаст алтарь для Церкви Св. Августина, продолжая историческую традицию выполнения работы по заказу церкви.

Где: Церковь Св. Августина: Kammenstraat 81, Антверпен. Билеты: для обладателей фестивальных карт – бесплатно. 

Возврат к списку

Искусствоед.

ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 108 521

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна

Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.

---

Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Топ 6 известных художников барокко

Художники барокко последовали за известными художниками эпохи Возрождения и маньеризма. Этот стиль зародился в начале 17 века в Риме и просуществовал примерно до 1740-х годов , хотя он продолжался гораздо дольше в некоторых районах южной Европы.

У художников этого периода был главный мотив для достижения чувства благоговения, для чего они использовали ярких деталей и невероятного величия .Давайте подробнее рассмотрим некоторых из самых известных художников барокко .

1. Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс (1577-1640) считается самым известным художником фламандского барокко . Он создал уникального стиля барокко и работал над многочисленными шедеврами , включая алтари, портреты, пейзажи и исторические картины, которые включали религиозные и мифологические сюжеты.

Рубенс руководил большой мастерской в ​​Антверпене в современной Бельгии и является одним из самых плодовитых художников своего времени .Его мастерская произвела 1403 произведения искусства , которые были куплены многочисленными представителями знати и богатыми коллекционерами произведений искусства по всей Европе. Питер Пауль Рубенс / Wiki Commons

2. Йоханнес Вермеер

Йоханнес Вермеер (1632-1675) был голландский художник в стиле барокко, который считается одним из самых талантливых художников Золотого века Голландии. Его специальностью были домашних сцен , изображающих женщин, занимающихся домашними делами, или портреты, такие как « Девушка с жемчужной сережкой ».Он написал всего несколько работ на открытом воздухе, из которых сохранились только две, в том числе « Вид на Делфт », изображающий его родной город.

Несмотря на то, что он считается абсолютным мастером своего времени, он только добился умеренного успеха за свою жизнь. Это привело к тому, что Вермеер оказался в долгу , когда он скончался . Сам он никогда не покидал Нидерланды, но сегодня его картинами можно любоваться в различных музеях по всему миру! Johannes Vermeer / Wiki Commons

3.Караваджо

Караваджо (1571-1610) был итальянским художником эпохи барокко , который большую часть своей карьеры работал в Риме. Его картины считаются одними из самых влиятельных произведений искусства периода барокко , изображающих реалистичные сцены физического и эмоционального состояния человека.

Его самым замечательным талантом было использование света для увеличения драматического эффекта сцен, которые он изображал. Это обозначается как « светотени » или « тенебризм », что относится к драматическому освещению .Помимо того, что он был одним из самых известных художников барокко, он также имел вспыльчивый характер и на самом деле убил человека, в результате чего был вынесен смертный приговор . Последние несколько лет своей жизни он провел практически в бегах и умер при подозрительных обстоятельствах в 1610 году. Караваджо / Wiki Commons

4. Джан Лоренцо Бернини

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680) был еще одним итальянским художником в стиле барокко. наиболее известен как скульптор и архитектор . Он считается самым известным скульптором своего времени и был признан несколькими историками искусства как « создатель барочной скульптуры ».

Он явно был эрудитом, а также умеренно успешным художником , в основном сосредоточившись на небольших работах с использованием масла. Хотя он создал всемирно известных скульптур , он также является архитектором площади Святого Петра , одной из самых известных площадей в мире перед одной из самых великолепных церквей в мире, Базилика Святого Петра в Риме . Джан Лоренцо Бернини / Wiki Commons

5.

Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669), более известный как просто «Рембрандт», считается одним из величайших мастеров эпохи барокко в трех областях: рисование, печать и живопись . Из-за этого он считается одним из самых известных художников-художников в истории искусства .

Как и Вермеер, Рембрандт никогда не покидал свою страну, хотя явно находился под влиянием итальянских художников и фламандских художников , таких как Питер Пауль Рубенс.Несмотря на то, что он считается одним из самых известных художников всех времен, его жизнь была беспокойной, и страдала от лишений и финансовых проблем .

Знаменитый Французский скульптор Огюст Роден однажды сказал:

Сравните меня с Рембрандтом! Какое кощунство! С Рембрандтом, колоссом искусства! Мы должны падать ниц перед Рембрандтом и никогда никого не сравнивать с ним!

Роден со ссылкой на Рембрандта.

Рембрандт ван Рейн / Wiki Commons

6.Диего Веласкес

Диего Веласкес (1599-1660) был испанским художником эпохи барокко , который в основном писал работы для королевской семьи Испании при дворе короля Филиппа IV. Подобно Караваджо, он использовал освещение таким образом, чтобы усилить драматический эффект его картин , усовершенствовав великолепный, точный тенебристский стиль.

Его последний шедевр называется « Las Meninas » (1656 г.) и был спасен (хотя и поврежден) из Королевского дворца в Мадриде , когда в 1734 году огромный пожар уничтожил многие его части.Его выбросили из окна одной из комнат дворца, и теперь он находится в « Museo del Prado » в Мадриде. Веласкес в конечном итоге стал источником вдохновения для многих других художников, включая Пабло Пикассо и Сальвадора Дали! Диего Веласкес / Wiki Commons

Французские художники в стиле барокко

Живопись в стиле барокко во Франции Знаменитые представители французского стиля барокко Живопись (кроме Николя Пуссена и Клода Лоррена) включает: Филипп де Шампень (1602-74), любимый портретист Людовика XIII и религиозный художник; Гаспар Дюге (1615-75), зять Пуссена известен своими декоративными пейзажами; Жорж де Ла Тур (1593-1652), известный своими крестьянскими сценами и ночным образом жизни. картинки с эффектными эффектами светотени; и Ле Братья Наин — Антуан (1588-1648), Людовик (1593-1648) и Матье (1607-77), живописцы масштабных запрестольных и аллегорических произведений.Подробнее о конкретных работах см .: Лучшие Картины в стиле барокко. О великих портретах см .: Барокко. Портреты. За возрождение дизайна интерьера во Франции в эпоху барокко и рококо — особенно стили Людовик XIV, Регентство, Людовик XV и Людовик XVI — см .: французский Декоративное искусство. Информацию о меблировке см. На французском языке. Мебель (1640-1792). Для художников и мастеров см .: французский Дизайнеры. Список французских художников барокко Среди множества мастеров барокко живопись, скульптура и другие виды изобразительного искусства во Франции 17 века, были следующие: Адам, Ламберт-Сигисберт (1700-1759) Скульптор (Нэнси) Адам, Николя-Себастьен (1705-1778) Скульптор (Нанси) Аллегрен, Этьен (1644-1736) Художник (Париж) Анжье, Франсуа (1604-1669) Скульптор Анжье, Мишель (ок.1613-1686) Скульптор Одран, Клод III (1658-1734) Художник (Париж) Авед, Жак-Андре-Жозеф (1702-1766) Художник (Париж) Авелин, Антуан (1691-1743) График (Париж) Авелин, Пьер-Александр (1702-1760) График (Париж) Байи, Жак I (около 1634-1679) Миниатюрист (Париж) Байи, Жак II (около 1700-1768) Художник (Париж) Барбо , Жан (1718-1762) Художник (Рим) Барра, Дидье (1590-1644) Художник Боген, Любен (ок. 1610-1663) Художник (Париж) Бобрен, Шарль (1604-1692) Художник (Париж) Белин де Фонтене, Жан-Батист (1653-1715) Художник (Париж) Белланж, Жак (1594-1638) График Белль, Алексис-Симон (1674-1734) Художник (Париж) Бертен, Николя (1668-1736) ) Художник (Париж) Бертран, Филипп (1663-1724) Скульптор Фанат, Трофим (ок.1600-1650) Художник (Арль) Бланшар, Жак (1600-1638) Художник (Париж) Бланше, Томас (1614-1689) Художник Боссе, Абрахам (1602-1676) График Буль, Андре-Шарль (1642) -1732) Краснодеревщик (Париж) Буллонь, Бон (1649-1717) Художник (Париж) Буллонь, Луи Младший (1654-1733) Художник (Париж) Бурдон, Себастьен (1616-1671) Художник Каффьери, Жан-Жак (1725-1792) Скульптор Калло, Жак (1592-1635) График Кайо, Клод-Огюстен (1677-1722) Скульптор (Париж) Чекко Дель Караваджо (Активный 1610-е) Художник (Рим) Шампань, Филипп Де (1602-1674) Художник Шарден, Жан-Батист-Симеон (1699-1779) Художник Шастийон, Клод (ок.1560-1616) График Шово, Франсуа (1613-1676) График (Париж) Клод Лоррен (1600-1682) Художник (Рим) Клев, Корнель Ван (1646-1732) Скульптор (Париж) Кочин, Карл-Николай I (1688-1754) График (Париж) Кордье, Николя (1565-1612) Скульптор (Рим) Корнель , Мишель I (около 1601-1664) Художник (Париж) Котель, Жан II (1642-1708) Художник Куртуа, Гийом (1628-1679) Художник (Италия) Куртуа, Жак (1621-1676) Художник (Рим ) Кусту, Гийом I (1677-1746) Скульптор Кусту, Николас (1658-1733) Скульптор Койпель, Антуан (1661-1722) Художник Койпель, Шарль-Антуан (1694-1752) Художник Койпель, Ноэль-Николя (1690-1734) Художник Coysevox, Антуан (1640-1720) Скульптор Дандре-Бардон, Мишель-Франсуа (1700-1783) Художник Даулле, Жан (1703-1763) График (Париж) Деруэ, Клод (1588-1662) Художник (Нанси) Деше, Жан-Батист (1729) -1765) Художник (Париж) Деспорт, Александр-Франсуа (1661-1743) Художник Дориньи, Луи (1654-1742) Художник (Италия) Дориньи, Мишель (1616-1665) График (Париж) Дуайен, Габриэль -Франсуа (1726-1806) Художник Древе, Пьер (1663-1738) График (Париж) Дроллинг, Мартен (1752-1817) Художник (Париж) Друэ, Франсуа-Юбер (1727-1775) Художник Дюге, Гаспар (1615-1675) Художник (Рим) Дюмонтье, Даниэль (1574-1645) Художник (Париж) Дюмон, Франсуа (ок.1687-1726) Скульптор Дюперак, Этьен (ок. 1525-1601) График (Рим) Дюпюи, Николя-Габриэль (ок. 1698-1771) Скульптор (Париж) Дюпюи, Пьер (1610-1682) Художник Дюкнуа , Франсуа (1597-1643) Скульптор (Рим) Фальконе, Этьен Морис (1716-91) Скульптор (Париж) * также Рококо Фламен, Ансельм (1647-1717) Скульптор Франсуа, Гай (1578 / 79-1650) Художник (Ле Пюи) Фремин, Рене (1672-1744) Скульптор Габриэль, Анж-Жак (1698-1782) Архитектор (Париж) Галлош, Луи (1670-1761) Художник (Париж) Гарнье, Луи (ок.1639-1728) Скульптор (Париж) Годрео, Антуан-Робер (ок. 1682-1746) Краснодеревщик (Париж) Готье-Даготи, Жак-Фабьен (1716-1785) График Жильо, Клод (1673-1722) ) Художник Жирардон, Франсуа (1628-1715) Скульптор Гисси, Анри (1621-1673) График (Париж) Гобер, Пьер (1662-1744) Художник (Париж) Гобен, Мишель (Работал около 1681 г.) Художник (Орлеан) Гонтье, Линар (1565-c) .1642) Художник по стеклу (Труа) Гравело, Юбер-Франсуа (1699-1773) Художник-график Гриму, Алексис (1678-1733) Художник (Париж) Гийен, Симон (1581-1658) Скульптор Уасс, Рене-Антуан (1645-1710) Художник (Париж) Уиллио, Пьер Николя (1674-1751) Художник (Париж) Хупен, Жак (Активная деятельность середины 17-го века.Художник Юкье, Габриэль (1698-1750) График (Париж) Жора, Этьен (1699-1789) Художник Жубер, Жиль (1689-1775) Краснодеревщик (Париж) Жувене, Жан-Батист (1644- 1717) Художник Лестен, Жак Де (1597-1661) Художник (Труа) Ла Фосс, Шарль Де (1636-1716) Художник Ла Хир, Лоран Де (1606-1656) Художник Ла Тур, Жорж Де ( 1593-1652) Художник Ла Тур, Морис Квентин Де (1704-1788) Художник Ланьье, Жак (1620–1672) График (Париж) Лажуэ, Жак Де (1686-1761) Художник (Париж) Лаллеман, Жан -Баптист (1716-1803) Художник Лальман, Жорж (1575 / 76-1636) Художник Ланкре, Николя (1690-1743) Художник Ларжильер, Николя Де (1656-1746) Художник Ле Брюн, Шарль (1619-1690) ) Художник (Париж) Ле Клерк, Себастьян I (1637-1714) График (Париж) Ле Гро, Пьер Младший (1666-1719) Художник Ле Лоррен, Робер (1666-1743) Скульптор (Париж) Братья Ле Нэн (1598 / 1610-1648 / 77) Художник Ле Паутр, Жан (1618-1682) График (Париж) Ле Паутр, Пьер II (ок.1659-1744) Скульптор (Париж) Ле Сюёр, Юсташ (1616 / 17-1655) Художник Леклерк, Жан (c.1587-1633) Художник Лефевр, Клод (1637-1675) Художник Лемойн, Франсуа (1688- 1737) Художник Лемойн, Жан-Батист I (1679-1731) Скульптор (Париж) Лемойн, Жан-Батист II (1704-1778) Скульптор (Париж) Лемойн, Жан-Луи (1665-1755) Скульптор (Париж) Лепичье, Франсуа-Бернар (1698-1755) художник-график (Париж) Ле Вау, Луи (1612-70) Главный соавтор Версальского дворца. Линар, Жак (около 1600-1645) Художник Лоо, Карл Ван (1705-1765) Художник Лоо, Жан-Батист Ван (1684-1745) Художник Лоо, Луи Мишель Ван (1707-1771) Художник Манглар , Адриан (1695-1760) Художник (Италия) Мансар, Франсуа (1598-1666) Французский архитектор-классицизм. Мансар, Жюль (1646-1708) Один из величайших архитекторы дня. Маро, Жан I (1619-1679) График (Париж) Марси, Гаспар (1624-1681) Скульптор Мартен, Жан-Батист (1659-1737) Художник (Париж) Мартен, Пьер-Дени (ок.1663-1742) Художник (Париж) Моперше, Анри (1602-1686) Художник (Париж) Мазьер, Симон (1648-c.1721) Скульптор Меллан, Клод (1598-1688) График (Париж) Меллин, Шарль (c.1600-1649) Художник (Рим) Миньяр, Николя (1606-1688) Художник Миньяр, Пьер (1612-1695) Художник Милле, Франциск (1642-1679) Художник (Париж) Муайон, Луиза ( 1616-1674) Художник (Париж) Монно, Пьер Этьен (1657-1733) Скульптор Моннуайе, Жан-Батист (1636-1699) Художник Монфокон, Бернар Де (1655-1741) График Морен, Жан (ок.1590-1650) График (Париж) Нантей, Робер (1623-1678) График (Париж) Наттье, Жан-Батист (1678-1726) Художник (Париж) Наттье, Жан-Марк (1685-1766) Художник (Париж) Нокре, Жан (1617-1672) Художник Номе, Франсуа Де (1593-1644) Художник Оппенорд, Александр-Жан (1639-1715) Краснодеревщик (Париж) Одри, Жан-Батист (1686- 1755) Художник Парросель, Жозеф (1646-1704) Художник Патель, Пьер (около 1605-1676) Художник (Париж) Патель, Пьер-Антуан (1648-1707) Художник Патер, Жан Батист Жозеф (1695-1736) ) Художник (Париж) Pensionante Del Saraceni (Работал в 1610-1620-е) Художник (Рим) Перель, Габриэль (1604-1677) График (Париж) Перро, Клод (1613-1688) Архитектор (Париж) Перье, Франсуа (c.1594-1649) Художник Перронно, Жан-Батист (1715-1783) Художник Песне, Антуан (1683-1757) Художник Петау, Поль (1568-1614) График Пигаль, Жан-Батист (1714-1785) Скульптор * также неоклассицизм Пуальи, Франсуа Де (1623-1693) Художник (Париж) Пуарье, Клод (ок. 1656-1729) Скульптор Пуссен, Николя (1594-1665) Художник (Рим) Пьюже, Пьер (1620-1694) Скульптор Рабель, Даниэль (1578-1637) График (Париж) Равен, Симон Франсуа (1706-1774) График (Лондон) Ренье, Николя (1591-1667) Художник Ренар Де Сен-Андре, Симон (1613) -1677) Художник (Париж) Ресторан, Жан II (1692-1768) Художник Риго, Гиацинт (1659-1743) Художник (Париж) Рубильяк, Луи-Франсуа (1705-1762) Скульптор (Лондон) Сен-Игни, Жан Де (ок.1595-c.1649) График (Париж) Сантер, Жан-Батист (1658-1717) Художник Саразин, Жак (1588-1660) Скульптор Сильвестр, Израиль (1621-1691) График Сильвестр, Луи Де ( 1675-1760) Художник Слодц, Поль-Амбруаз (1702-1758) Скульптор Слодц, Рене-Мишель (1705-1764) Скульптор Стелла, Жак (1596-1657) Художник Стоскопф, Себастьян (1597-1657) Художник ( Страсбург) Сублейрас, Пьер (1699-1749) Художник Суруге, Луи (ок.1686-1762) График Тардье, Николя-Анри (1674-1749) График (Париж) Тассель, Жан (1608-1667) Художник (Лангр) Тестелен, Анри (1616-1695) Художник Токке, Луи ( 1696-1772) Художник Турнье, Николя (1590-c.1638) Художник (Рим) Турньер, Робер (1667-1752) Художник Троя, Франсуа Де (1645-1730) Художник Троя, Жан-Франсуа Де (1679 -1752) Художник Туби, Жан-Батист (1635-1700) Скульптор Валентин Де Булонь (1591-1632) Художник (Рим) Варин, Квентин (ок.1570-1634) Художник Вейрье, Кристоф (1637-1689) Скульптор Виньон, Клод (1593-1670) Художник Вивьен, Жозеф (1657-1734) Художник Вуэ, Симон (1590-1649) Художник Варен, Жан ( 1607-1672) Скульптор Дополнительные ресурсы • фламандский Барокко (1600-80) • Голландское барокко (1600-80) • Испанское барокко (1600-1700)

Лучшие картины в стиле барокко: алтары, фрески квадратуры, пейзажи

Лучшее испанское барокко Картины

Эль Греко (1541-1614)
Его интенсивные религиозные картины внес огромный вклад в живопись барокко в Испании.Увидеть Mannerist раздел «Величайшие картины эпохи Возрождения».

Джузепе Рибера (1591-1652)
Караваджист из Неаполя. См .: Неаполитанский Живопись в стиле барокко (ок. 1650-1700).
Святая Троица (1635) холст, масло, Музей Прадо, Мадрид
Святой Павел Отшельник (1640) холст, масло, Прадо, Мадрид

Франсиско Сурбаран (1598-1664)
Благочестивый мастер светотени, известный своими монашескими религиозными картинами.
Натюрморт с апельсинами и лимонами (1633) масло, Fondazione Contini-Bonacossi
Христос на кресте (1627) холст, масло, Художественный институт Чикаго

Диего Веласкес (1599-1660)
Живописец Королевского двора Мадрида, выдающийся портретист.
— Продавец воды Севильи (1618-22) Апсли-Хаус, Лондон.
— Христос Распятый (1632) Прадо, Мадрид.
— Сдача Бреда (1634-5) Прадо, Мадрид.
— Рокби Венера (1647-51) Национальная галерея, Лондон.
— Портрет Папы Иннокентия X (1650) Галерея Дориа Памфили, Рим.
— Las Meninas (1656) Музей Прадо, Мадрид

Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682)
Популярный художник религиозных и жанровых сцен.
Непорочное зачатие Эскориала (1678) Музей Прадо, Мадрид

См .: испанский Художники барокко.См. Также: испанский Картина.

Лучшие картины французского барокко

Симон Вуэ (1590-1649)
Мастер рисования, известный портретами, религиозными и аллегорическими работами.
Представление в храме (1641) Лувр, Париж

Жорж де Ла Тур (1593–1652)
Художник из Лотарингии, великолепные цвета и тенебризм , под влиянием Караваджо.
Сент-Томас (1625-30) Лувр, Париж
Мошенничество с тузом треф (1632) Художественный музей Кимбелла, Форт Стоит
Уплата налогов (1643) Львовская картинная галерея, Украина

Николя Пуссен (1594-1665)
Французский художник, работавший в Риме; один из величайших классических академиков художники.
Эт в Аркадии Эго (1637) Лувр, Париж
Похищение Сабинянок (1638) Метрополитен / Лувр
Святое Семейство на ступеньках (1648) Национальная галерея, Вашингтон DC

Клод Лоррен (1600-82)
Классический итальянский пейзажист, изобретатель стиля Клод.
Пейзаж с женитьбой Исаака и Ребекки (1648) Национальная галерея, Великобритания

Le Nain Brothers (Луи, Антуан, Матье)
Луи Лен (ок.1593-1648)
Известен по крестьянским реалистическим сценкам в манере Веласкеса.
Антуан Лен (c.1599–1648)
Лучше всего запоминаются небольшие жанровые произведения.
Mathieu Le Nain (1607-1677)
Отмечен полированными картинами кавалеров и другими жанровыми предметами.

Филипп де Шампань (1602-74)
Французский художник фламандского происхождения, известный своими картинами и портретами на религиозную тематику.
Тройной портрет кардинала Ричлиу (1642) Национальная галерея, Лондон

Шарль Лебрен (1619-90)
Французский художник, директор Французской академии, Гобелен гобеленовая фабрика.
Поклонение пастухов (1689) Лувр, Париж.
Христос на кресте (1637) ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва.

Hyacinthe Rigaud (1659-1743)
Французский художник-портретист Людовика XIV и Людовика XV.
Портрет Людовика XIV в коронационных одеждах (1701) Лувр, Париж

См .: французский Художники барокко. См. Также: Французская живопись.

Лучшие картины фламандского барокко

Рубенс (1577–1640)
Пожалуй, величайший художник эпохи барокко того времени.
Самсон и Далида (1609-10) дерево, масло, Национальная галерея, Лондон
Спуск от Креста (Рубенс) (1611-14) Собор Богоматери, Антверпен
Изнасилование Дочерей Левкиппа (1618) масло, Старая пинакотека, Мюнхен
Решение Парижская (1632-6) Национальная галерея, Лондон.

Энтони Ван Дайк (1599-1641)
Ученик Рубенса, прославившегося своими портретами.
Портрет кардинала Бентивольо (1623) холст, масло, Палаццо Питти, Флоренция
Английский король Карл I в охотничьем костюме (1635) холст, масло, Лувр, Париж,

Якоб Йорданс (1593–1678)
Работал в Антверпене, работал над картинами вместе с Рубенсом.
Четыре евангелиста (1625) Лувр, Париж

Ян Брейгель Старший (1568–1625)
Сын Питера Брейгеля; известный как «бархатный Брейгель» за его отполированные пейзажи.
Пейзаж с ветряными мельницами (1607) Музей Прадо, Мадрид

Франс Снейдерс (1579–1657)
Художник-натюрморт; работал в Антверпене, сотрудничал с Рубенсом.
Мясник (1635) Пушкин Музей изобразительных искусств, Москва

Давид Тенирс Младший (1610–1691)
Антверпенский художник, ученик Рубенса и Эльшаймера.
Галерея эрцгерцога Леопольда (1651) Дом Петворта, Великобритания

См .: фламандский Барокко. Смотрите также: фламандские художники и фламандская живопись.

Лучшее голландское барокко Картины

Франс Хальс (1582–1666)
Первый великий портретист Золотого века Голландии XVII века.
Смеющийся кавалер (1624) холст, масло, Коллекция Уоллеса, Лондон

Hendrik Terbrugghen (1588-1629)
Утрехтский художник, известный своими жанровыми картинами.
Флейтисты (1621) Staatliche Kunstsammlung, Кассель.

Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)
Художник-караваджист утрехтской школы.
Христос перед первосвященником (1617) Национальная галерея, Лондон.

Рембрандт (1606-1669)
Величайший портретист в мире; мастер офорта и светотени.
Анатомия Урок доктора Николаеса Тулпа (1632) Маурицхейс, Гаага
Ночной дозор (1642) Рейксмузеум, Амстердам
Аристотель Созерцая бюст Гомера (1653) Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Вирсавия Держит письмо царя Давида (1654) Лувр, Париж
Портрет Яна Шесть (1654) Частная коллекция, Амстердам
Заговор Клавдия Цивилиса (1661) Национальный музей, Стокгольм
Syndics Гильдии суконщиков (1662) Рейксмузеум, Амстердам
Самоубийство Лукреции (c.1666) Институт искусств Миннеаполиса
Еврейский Невеста (c.1665-8) Рейксмузеум, Амстердам
Возвращение блудного сына (1666-69) Эрмитаж, Санкт-Петербург

Ян Давидс де Хем (1606-83)
Мастер натюрморта Утрехтской / Антверпенской школы.
Стол с десертами (1640) Лувр, Париж

Адриан ван Остаде (1610-85)
Художник крестьянских сцен из Харлема.
Курильщик (1655) Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Harmen van Steenwyck (1612-56)
Выдающийся представитель натюрморта vanitas.
Аллегория суеты человеческой жизни (1640) Национальная галерея, Лондон.

Эмануэль де Витте (1616-92)
Голландский художник, известный своими архитектурными росписями церковных интерьеров.
Интерьер церкви Ауде Керк, Амстердам (1669) Частная коллекция

Виллем Кальф (1619-93)
Один из величайших голландских художников-натюрмортов.
Натюрморт с китайским фарфоровым кувшином (1662) холст, масло, Gemaldegalerie, SMPK, Берлин

Эльберт Кейп (1620-91)
Голландский художник-пейзажист из Дордрехта.
Дордрехт с севера (1650) холст, масло, Собрание Ротшильдов.
Речной пейзаж со всадником и крестьянами (1658) Национальная галерея, Лондон

Ян Стин (1626-79)
Лейденский художник, известный своими картинами в жанре трактир.
Праздник крещения (1664) Собрание Уоллеса, Лондон.

Samuel Van Hoogstraten (1627-78)
Художник-жанрист, известный своими интерьерами.
Вид вниз по коридору (1662) Дирхам Парк, Великобритания

Габриэль Метсу (1629-67)
Лейденский художник небольших жанровых сцен.
Больной ребенок (1660) Рейксмузеум, Амстердам.

Питер де Хох (1629-84)
Голландский художник-жанрист из Делфта. Последователь Вермеера.
Внутренний двор дома в Делфте (1658) холст, масло, Национальная галерея, Лондон

Ян Вермеер (1632–1675)
Величайший голландский художник-реалист; лидер делфтской школы.
Маленький Улица (улица в Делфте) (c.1657-58) Рейксмузеум, Амстердам
Солдат and a Laughing Girl (c.1658) Frick Collection, New York
The Milkmaid (c.1658-1660) Рейксмузеум, Амстердам
Женщина держит Баланс (1662-3) Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
Янг Женщина с кувшином для воды / кувшином (ок.1662) Метрополитен, Нью-Йорк
Женщина с Жемчужное ожерелье (около 1663) Gemaldegalerie, СМПК, Берлин
Девушка с Жемчужная серьга (1665) Маурицхейс, Гаага
Девушка с красным Hat (c.1666-1667) Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
Искусство живописи: Аллегория (ок. 1666-73) К.М. Вена
Кружевница (около 1669-1670) Лувр, Париж,

Рэйчел Рюйш (1664-1750)
Ведущий художник-цветочник в стиле барокко.
Цветы, фрукты и насекомые (1716) Палаццо Питти, Флоренция.

См .: голландский Барокко. Также: голландский Реалистическая школа и голландский реалист Художники.

Лучшее немецкое барокко Картины

Адам Эльсхаймер (1578-1610)
Влиятельный немецкий живописец-историк и художник-пейзажист.
Бегство в Египет (1609) масло на меди, Старая пинакотека, Мюнхен.

Подробнее о художниках Германии и Австрия в 17 веке, см .: немецкий Художники барокко.

Лучшие картины в стиле барокко висят в лучшие художественные музеи мира.

Репродукций картин в стиле барокко на продажу

Начало XVII века было довольно насыщенным: философия Декарта посеяла семена вопросов в умах людей, Исаак Ньютон и Галилей — новые научные открытия, не говоря уже о самодержавном правительстве, щеголяющем своим экстравагантным богатством. Религиозная сцена была напряженной, поскольку протестантская Реформация оказала давление на католическую церковь, которая ответила контрреформацией.Католическая церковь больше, чем когда-либо, вкладывала средства в искусство, чтобы воспроизводить библейские повествования, чтобы восстановить веру людей.

Спонсируемое в основном католической церковью, барокко было ответом на маньеризм, просуществовавший до конца XVI века. В искусстве барокко использовалась сложная композиция, с систематическими схемами, тяжелыми украшениями и переливом света и тени. Художники были заинтересованы в том, чтобы вызвать более непосредственное обращение к чувствам, придавая большее значение движению и драматическому ощущению работы.

Термин, приписываемый движению, как и многие другие, изначально был уничижительным, так как был дан более молодым поколением критиков, которые чувствовали необходимость дискредитировать творчество художников эпохи барокко. Этот термин использовался в смысле гротескного, искаженного и нелепого из-за текучести, которую художники приписывали движению.

В связи с продолжающимся ремонтом, спонсируемым церковью, Рим постоянно приглашает художников со всей Европы работать и учиться, в основном о мастерах эпохи Возрождения.Эта миграция приводит к богатому культурному обмену, и движение барокко распространяется по всей Европе. Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино и двоюродным братом Лодовико основал художественную академию. В этой академии студенты черпали из реальных вещей, укрепляя приверженность истине. Они также изучали классиков художников эпохи Возрождения. В картинах Аннибале внимание уделяется движению и цвету. Его работа позже повлияет на Гверчино, поскольку он создает движение, играя с развевающейся одеждой фигуры.

Караваджо — самый известный художник итальянского барокко, хотя о его жизни известно очень мало. Он хотел честно и верно изобразить мир, и этот смелый взгляд на реальность сделал его картины чрезвычайно откровенными. В своей технике он любезно развил светотень, впервые использованную Леонардо да Винчи, и усилил использование света и тьмы, как это видно в «Обращении святого Павла». Его работа была настолько влиятельной, что возникли школы последователей, вдохновленных его работой под названием Caravagesques .

Самой известной женщиной-художником XVII века, а также первой женщиной, поступившей во Флорентийскую Академию художеств, где учился тот же Микеланджело, была Артемизия Джентилески. Ее стиль живописи похож на стиль Караваджо и несет мощный посыл. Артемизию, которую всегда подрывали и часто отвергали за то, что она была женщиной в сфере, где преобладают мужчины, приписывали многие свои картины другим мужчинам, например, ее отцу. Только в 70-х годах исследователи поняли, что она была первым феминистским символом мира искусства.Представляя сильные женские фигуры из Библии, как это было в греческой мифологии, она, казалось, посылала послание силы. Художница была вынуждена выйти замуж после того, как ее репутация была запятнана изнасилованием в 18 лет; ее работы кажутся ее местью этому патриархальному и несправедливому обществу. В ее самой известной картине «Юдифь, убивающая Олоферна» Юдифь с помощью служанки обезглавливает своего обидчика.

Джан Лоренцо Бернини, скульптор и архитектор, смог определить в своих работах, что такое стиль барокко.Его пышные проекты были театральными, органичными и динамичными. Экстаз Святой Терезы — это захватывающее произведение искусства с почти эротическим чувством, в котором сочетаются архитектура и скульптура. Бернини работает с мрамором, бронзой, стеклом и фресками, чтобы завершить этот шедевр барокко. Другой влиятельный художник — Диего Веласкес, официальный художник королевской семьи. В «Лас Менинас» Веласкес рисует себя перед холстом, когда пишет портрет короля и королевы, которые находятся в позиции зрителя, другими словами, их нет на картине.Рядом с ним члены двора и королевской семьи.

В это время голландцы также переживали золотой век живописи. Не связанное с католической церковью и сумевшее стать самой богатой европейской страной, искусство барокко в Нидерландах развило другую тематику. С появлением среднего класса, который хотел потреблять искусство, не было необходимости в библейском повествовании, открывающем живопись натюрмортам, портретам, пейзажам и домашним сценам. Эта последняя тема была прекрасно раскрыта Йоханнесом Вермеером, как в «Доярке».Рембрандт Ван Рейн также является важным голландским художником и наиболее известен своими автопортретами.

Искусство барокко: что нужно знать

Сообщение от Сотрудник ARTEZA

У всех нас есть возможность творить, и мы хотим предоставить инструменты и принадлежности для искусства, чтобы подпитывать ваше самовыражение.

Содержание:

Познакомьтесь с величием искусства барокко

Ищете ли вы вдохновение или просто интересуетесь историей искусства, художникам важно изучить работы великих мастеров прошлого и увидеть, как искусство эволюционировало на протяжении веков. Знаменитое прошлое искусства изменилось, от наскального искусства до современных произведений, в соответствии со временем.По мере появления каждой новой волны искусства в ней всегда есть элемент, извлеченный из произведений, которые были созданы ранее. Один из периодов перемен в искусстве случился в 17 веке. Это время получило название периода барокко. До этого периода художественные правила были очень строгими, суровыми и определялись академиками того времени. Во время католической Контрреформации церковь взяла на себя художественное руководство и подтолкнула эпоху величия и драмы в искусстве и архитектуре, которая должна была понравиться массам.

В этой статье мы рассмотрим стиль барокко. Мы надеемся, что глядя в прошлое, вы вдохновитесь на создание произведений искусства в будущем.

Что такое живопись в стиле барокко?

Католическая церковь хотела сделать библейские истории легкодоступными для широкой публики в надежде на их обращение, поэтому было важно, чтобы эти картины были динамичными и полны чрезмерных изображений. Они хотели, чтобы изображения и сцены вызывали эмоциональный отклик у зрителя. Художники того времени начали раздвигать границы приемлемого искусства и начали включать грандиозную среду, чувственных и драматических персонажей, которые изображались как чрезмерно эмоциональные, и сложные композиции, полные роскоши и богатства цвета.Из-за необычности этих картин по сравнению с их более простыми и ручными предшественниками они стали называться барокко. Этот термин произошел от португальского слова barroco, означающего «жемчужина необычной формы». Со временем термин барокко стал обозначать все, что можно было считать причудливым, или что-то, что оставляло за собой традиционные пропорции и правила.

Это движение не заставило себя долго ждать, чтобы путешествовать по Европе, включая Германию, Голландию и Испанию. К 18 веку он стал особенно популярным во Франции.

Взгляд на живопись в стиле барокко

Прогуливаясь по музею, вы заметите характерные черты барокко, которые отличают этот художественный стиль от других. Эти качества помогут вам идентифицировать произведение искусства в стиле барокко:

• Рассказывание историй — главы католической церкви поручили художникам пересказывать важные библейские истории; поэтому картины в стиле барокко всегда рассказывают историю или посылают сообщение зрителю. Вот почему так важно отойти в сторону и рассмотреть эти картины целиком.Это позволит вам увидеть состав персонажей и ситуацию, в которой они находятся, и узнать, что они пытаются сказать.
• Интенсивная драма — Эти картины должны были вызвать у зрителей сильные эмоции. Это была эпоха отсутствия телешоу или фильмов, поэтому картины должны были быть достаточно интересными, чтобы вовлечь зрителя в действие. Они используют все приемы из книги, включая резкие контрасты, детали, движения и элементы неожиданности. Чем больше драматизма было в картине, тем больше у зрителя был трепет и тем дольше он оставался сосредоточенным на искусстве.
• Насыщенные, глубокие цвета — эти картины создают ощущение пышности отчасти из-за используемых глубоких теплых оттенков, практики размещения контрастных цветов рядом друг с другом, чтобы создать больше энергии в изделии, и добавления золотых акцентов. Все цветовые решения объединены, чтобы создать изделие, излучающее исключительное великолепие и грандиозность.
• Сильное использование контраста. Обычно персонажи нарисованы светлой кожей на фоне более темного фона. Это заставляет зрителя сосредоточиться на персонажах и помочь им увидеть историю внутри.Также виден контраст в освещении, где в одной работе показаны яркий луч света и темные загадочные тени.
• Использование светотени — эта техника использовалась во всем искусстве барокко и стала одной из основных характеристик, в которых теперь определяется стиль. Кьяроскуро — это использование контрастных светлых и темных оттенков, которые могут повлиять на всю композицию. В искусстве барокко он обычно используется для драматизации тускло освещенной сцены.

Художники барокко и их шедевры

Хотя сюжет или стиль картины могут быть разными, художники эпохи барокко были визуальными драматургами своего времени.Их сцены часто были наполнены действием самых трогательных библейских историй и мифологических сказок. Давайте посмотрим на некоторых из этих известных художников эпохи барокко и их работы.

Рубенс — Питер Пауль Рубенс был художником, который считается самым важным фламандским художником барокко всех времен. Его динамичные и изобретательные сцены основаны на рассказах из Библии и мифологии. Широко используемый термин для описания крепкой женщины — «рубеновский» из-за сладострастной природы женских персонажей, которых он изображал в своем искусстве.

Караваджо — Ведущий художник эпохи барокко в Италии в начале 17 века, Микеланджело Меризи да Караваджо (иногда называемый вторым Микеланджело) наиболее известен своими тревожными и очень реалистичными крупномасштабными картинами. Караваджо был столь же драматичен, как и его работа, часто взрываясь яростной яростью, которая в конечном итоге приводила к его убийству.

Вот его работа под названием «Погребение Христа». Обратите внимание на высокий контраст между бледной кожей Христа и темным фоном.

Веласкес — Диего Веласкес был одним из самых важных художников при королевском дворе короля Испании Филиппа IV. Хотя он писал исторические сцены, Веласкес наиболее известен своими портретами. Его умелое использование светотени вдохновило на работы многих художников, в том числе художников 20-го века, таких как Фрэнсис Бэкон, Сальвадор Дали и Пикассо.

Его самая известная картина, «Менины», принадлежит испанской королевской семье.

Рембрандт — Кто не слышал о Рембрандте? Рембрандт Харменс ван Рейн — голландский художник и один из величайших художников в истории искусства.Его богатая цветовая палитра и привлекательные портреты обычных людей, в том числе более 70 его самого, до сих пор вдохновляют художников и восхищают коллекционеров по всему миру. Он сочетает в себе все черты искусства барокко в своих шедеврах, изображающих библейские и исторические события.

«Ночной сторож» Рембрандта считается одним из его самых влиятельных произведений.

Пуссен — Хотя Николя Пуссен провел большую часть своей карьеры в Риме, он считается мастером французской живописи в стиле барокко.Он писал мифологические, классические и религиозные сцены для различных коллекционеров.

Его самая известная работа — Et in Arcadia ego, показанная здесь.

Vermeer — Йоханнес Вермеер был голландским художником, который рисовал в основном домашние сцены. Они показывают обычных людей, занимающихся своими повседневными делами. Вермеер был гением в захвате света, который придавал драматический эффект тому, что в противном случае считалось бы приземленным предметом.

Он наиболее известен своей картиной «Девушка с жемчужной сережкой».

Как видите, период барокко освободился от ограничений прошлых произведений искусства и подарил нам одни из самых захватывающих картин в истории искусства. Эти щедрые и эмоциональные работы вдохновляли поколения художников и продолжают привлекать поклонников в музеи, в которых они представлены. Мастеров барокко до сих пор с энтузиазмом изучают художники, коллекционеры и ценители искусства. Это действительно стиль для веков.

Получайте учебные пособия прямо в ваш почтовый ящик

Хотите больше подобного контента?

Подпишитесь, и оно будет отправлено прямо на ваш почтовый ящик.

картин в стиле барокко на продажу, репродукции известных картин в стиле барокко, скидка 50-75%, бесплатная доставка и начало 18 в.

Одна из основных черт стиля живописи в стиле барокко — упор на единство искусств. Художники барокко проявили блестящие технические навыки и внесли значительную гармонию в живопись, скульптуру и архитектуру.Чтобы подчеркнуть пространственное значение, художники экспериментировали с пропорциями и часто могли создавать поразительные визуальные эффекты. В этот период французское и английское искусство выглядело очень сдержанным по сравнению с более неистовыми работами художников Центральной и Южной Европы и Нового Света. И живопись, и скульптура использовали искусный натуралистический иллюзионизм, обычно усиленный световыми эффектами, создавая высокую энергию и театральную энергию в движении форм. Архитектура в этот период приобрела плавность форм и стала очень скульптурной.

Живопись и скульптура в стиле барокко, основанные на натуралистических традициях эпохи Возрождения. Религиозные картины, аллегории, исторические сюжеты и портреты по-прежнему считались самыми важными предметами. Пейзажи, натюрморты и сцены повседневной жизни писали художники Ян Вермеер, Клод Лоррен, Виллем Кальф и Якоб Ван Рейсдал. Караваджо и его последователи, как и Вермеер, были известны своим естественным отношением к людям в обычных условиях.Эффекты глубокого космоса, наполненные иллюзиями, были очень популярны. Среди тех, кто предпочитал эту группу техник, были художники Гверчино и Андреа Поццо. Другой способ, которым внутреннее пространство играло роль, заключалось в представлении длинных рядов комнат, часто представляющих расширенные виды через окна, двери и зеркала, как в работах Вермеера и Диего Веласкеса.

Цвет был устройством, используемым для манипулирования эмоциями. Николай Пуссен предпочитал чистые, спокойные тона. Пьетро да Кортона предпочитал теплые и мерцающие цвета.Питер Пауль Рубенс предпочитал яркие оттенки. Обостренное ощущение драматизма было достигнуто за счет резких контрастов между светом и тьмой. Это была техника, характерная для произведений Караваджо. Карраччи, Рембрандт и Пуссен имели работы, вызывающие сдержанные эмоции в следовании академическим принципам достоинства и приличия того периода. Другие, в том числе Караваджо, Рембрандт и Рубенс, изображали индивидуальную психологию, религиозный экстаз и физическую чувственность в своих картинах маслом.

Знаковым деятелем произведений искусства в стиле барокко является Диего Веласкес.Он также является величайшим художником Испании. Искусно владея техникой и индивидуальным стилем, он оказал огромное влияние на европейское искусство.

Одним из самых ценных его учителей была Природа. В конце концов он стал придворным художником и жил в Мадриде. Его картины включают мифологические и религиозные сюжеты, пейзажи и сцены из повседневной жизни. Многие из них — портреты известных придворных.

Веласкес был мастером реализма и исключительным художником жестов, способным передать сущность любого живого существа несколькими быстрыми движениями.Его называли художником из-за его необычайного мастерства в объединении цвета, пространства, света, ритма линий и массы, так что все они имеют одинаковую ценность. Художники, написавшие картины в стиле барокко под влиянием Веласкеса, — это Франсиско де Гойя, Бартоломе Мурильо, Камиль Коро, Эдуард Мане, Гюстав Курбе и Джеймс Макнил Уистлер.

Веласкес побудил многих художников внести оригинальный вклад в выдающееся искусство человечества. Портрет инфанты Марии Терезии, Сдача Бреды, Торговец водой в Севилье, Папа Иннокентий X, Христос на кресте и Лас Менинас — самые известные работы Веласкеса.Из всех картин в стиле барокко это одни из самых известных.

Выдающиеся художники периода барокко

Напряженное и экстравагантное движение барокко определило искусство 17 века. Период барокко отличался преувеличенным динамизмом и четкими деталями, направленными на создание драматизма и величия в скульптуре, живописи и архитектуре.

Считается, что этот стиль зародился около 1600 года в Риме, а затем распространился по Европе. На него сильно повлияла и поощряла католическая церковь, которая использовала его для передачи религиозных тем, военных образов и аристократов, которые ценили изобилие.Художники того времени сосредоточились на изображении естественных образов, пропитанных сильными эмоциями и преувеличенных за счет игры света и тени. Он был одновременно упрощен и мелодраматичен по своей форме, прославляя церковь и монархию.

Хотя многие художники закрепили за собой место во время движения, самыми известными в период барокко были Микеланджело Меризи да Караваджо, Питер Пауль Рубенс и Рембрандт в живописи и Бернини в скульптурах.

Художники эпохи барокко: Микеланджело Меризи да Караваджо, 1571 — 1610 гг.

Неверие св.Томас

Хотя технически художник 16 века, итальянец Караваджо оказал значительное влияние на искусство барокко. Его картины были явным отходом от художественных условностей маньеризма — доминирующей формы искусства 16-го века — с его драматическим использованием света и тени и его реалистичным изображением предметов и людей. Караваджо определил использование светотени (художественная игра света и тени), и благодаря этому использованию он смог создавать реалистичные фигуры и насыщать свое искусство драматизмом и напряжением.Эти элементы нашли отражение в творчестве самых выдающихся художников эпохи барокко.

Франциск Ассизский

Мученичество святого Матфея

Вакх

Художники эпохи барокко: Питер Пауль Рубенс, 1577 — 1640

Аллегория о благословениях мира

Рубенс был плодовитым и, возможно, самым известным художником эпохи барокко. Его стиль точно отражал Караваджо, а его работы обычно изображали религиозных деятелей. Главной отличительной чертой искусства Рубенса была крайняя эмоция, которую он выражал, но с минимальными деталями.У него также была склонность рисовать пышных женщин, что дало начало термину «рубенески» для женщин с полной фигурой.

No related posts.