«Барóкко» — происхождение и значение слова
Барокко называют стиль в европейском искусстве и архитектуре XVI–XVII веков. Для него характерно внимание к деталям, символы и аллегории, грандиозные композиции, преувеличения, эмоциональность, пышность, витиеватые, изогнутые линии и обилие декора.События XVI века разрушили идеалы эпохи Возрождения. Реформация сломила религиозные устои, Контрреформация устрашила многочисленными казнями еретиков, а учения Коперника показали, что Земля вовсе не центр мира, а лишь песчинка в огромной Вселенной. Мировоззрение европейцев изменилось. По словам Блеза Паскаля, он уже ощущал себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца». Этот конфликт между разумом и чувствами отразился в живописи и архитектуре. На смену гармоничному и симметричному искусству Ренессанса пришло экспрессивное и чрезмерное барокко. Более того, Католической церкви было необходимо вернуть свое могущество, а европейским абсолютным монархиям демонстрировать мощь и богатство.
Поэтому сильные мира всячески поддерживали пышность, роскошь, торжественность в искусстве.
Свое название стиль, а вслед за ним и эпоха, получил от португальского la perola barroca — так моряки этой страны называли жемчужины неправильной формы.
Барокко зародилось в Италии, а потом распространилось по Европе, Америке и пришло в Россию.
Важной фигурой барочной архитектуры был итальянский архитектор Карло Мадерно, который спроектировал фасад базилики Святого Петра в Ватикане.
Он вытянул купол, с помощью статуй разбил поверхность на интервалы и смешал разные по стилю элементы: на фасаде чередовались квадратные и круглые колонны, все двери и окна отличались друг от друга и заканчивались то полукругом, то треугольником.
В интерьерах архитекторы барокко часто создавали оптические иллюзии, чтобы визуально расширить пространство, использовали золотистые, голубые, розовые тона, а также украшали потолки и стены извилистыми лепнинами и узорами.
Известным представителем барокко в изобразительном искусстве был фламандский художник Питер Пауль Рубенс.
Он часто писал картины на мифологические и религиозные темы, изображал на полотнах пышные тела в вычурных и динамичных позах, использовал яркие краски. Также Рубенс работал в популярном тогда жанре парадного портрета. Изображал в дорогих одеяниях королей и вельмож, которые хотели продемонстрировать свой статус в обществе.
Как на раз-два-три научиться распознавать здания в стиле барокко: dombusin — LiveJournal
Барокко в архитектуре– «ответочка» Римской католической церкви на религиозный раскол и реформацию 16-го века, откусившую от владений Ватикана существенную часть Европы. В пику скромным соборам протестантов, роскошные барочные церкви были призваны наглядно демонстрировать силу, мощь и могущество папского престола.
Стиль барокко вышел из классики и ушел обратно в нее же. Но есть три простых, наглядных, легких в распознавании архитектурных признака, по которым в 99% случаев можно уверенно сказать «это здание барокко».
А заодно и примерно датировать постройку 16-17, максимум 18 веком.
Во-первых, это так называемая «раскреповка».
Тут надо пояснить. Зодчие, творившие в стиле барокко, никогда не считали себя создателями чего-то нового, совершенно отождествляя себя с классикой Античности и Возрождения. По их мнению, они лишь немного делали классический стиль «более лучшим», конструктивно и декоративно (само название стиля барокко закрепилось за ним тогда, когда этот стиль уже закончился).
А в античной архитектурной классике есть важная особенность, называемая «тектоничность». Это означает, что при взгляде на здание сразу понятно, как оно конструктивно устроено — вот вертикальные колонны, на них лежат горизонтальные балки. Самая передняя балка или несколько балок формируют прямой классический антаблемент, горизонтальную часть фасада между колоннами и треугольником крыши.
А раскреповка – это отказ от прямой линии фасада, выдвижение его отрезка по всей высоте, сверху донизу. Обычно выдвигалась та часть, где была колонна, а карниз фигурно обтекал эту колонну поверху, такие колонны и назывались – рескрепованные.
Причем, сама по себе раскреповка была изобретена задолго до 16 века, но использовалась ранее как конструктивное усиление строения, те же контрфорсы в готике тоже по сути она же. А в барокко это чисто декоративный элемент, чтоб красиво.
Слева — прямой классический фасад, в центре и справа – барочный раскрепованный.
С развитием стиля барокко и ростом аппетитов по его улучшению фасады раскреповывались все суровее, многократным выдвижением и даже разрывами ордера, и сами фасады становились изогнутыми. Вот такие разорванные карнизы, гнутые фасады, очень характерные для Италии и особенно Сицилии – журавлиная песнь зрелого барокко, его очень характерная черта.
Второй легкий в распознавании признак – овальные формы.
До эпохи барокко овалы практически не использовались в архитектуре, и вообще овал считался просто несовершенным кругом. Само название стиля «барокко» пошло от португальского названия жемчужины искаженной, неправильной формы, а овальные барочные окна сначала так и называли — «перла барокко» (некондиционный жемчуг).
И хотя впервые овальную форму использовал классический зодчий и художник Микеланджело, спроектировав первую овальную площадь, знаменитую площадь Капитолия в Риме, овалы в архитектуре – это признак именно барокко.
Это овальные окна, овальные медальоны, и особенно овальные сглаженные края крыши, часто украшенные спиральными завитками (волютами). Как правило, чем скромнее при этом выглядит здание, тем более раннее барокко перед нами.
Третий признак – обильное использование скульптуры. Однако, здания украшались скульптурными композициями и в другие эпохи, но барочная скульптура особенная. Это гимн роскоши и плоти – пышные тела, сложные вычурные позы, драпировки, музыкальные инструменты в руках извивающихся в танце фигур.
Даже образы святых в барочную эпоху выглядят довольными, упитанными и почти веселыми, а фигуры церковных каноников – едва ли не танцующими.
В отличие от классической скульптуры, где основной темой был героизм, строгость, собранность, сдержанность, жертвенность или скорбь, барочные фигуры олицетворяют пышность, плоть, флирт, заигрывание.
Война закончилась, начинается веселье. Если по современному – классические герои на сушке, барочные – на массе.
Барокко из морского ушка. Гид по выставке «Жемчуг и перламутр»
В Дарвиновском музее открылась выставка «Жемчуг и перламутр», посвященная этим природным материалам и истории их использования в декоративно-прикладном искусстве разных стран. Экспонаты — от раковин моллюсков до ювелирных изделий, от старинных предметов быта до произведений современного искусства — предоставили несколько музеев, частные коллекционеры и мастерские. О самых интересных из них mos.ru рассказала Ольга Стрелкова, автор выставки.
Внимание: для посещения выставки необходим QR-код. Не забывайте о средствах индивидуальной защиты и социальной дистанции в музее.
Раковины галиотисов
В переводе с немецкого слово «перламутр» означает «мать жемчуга». Песчинки или камешки, попадающие в раковину моллюска, покрываются слоями перламутра, и получается жемчужина.
Перламутровый слой встречается не у всех моллюсков. Его оттенок зависит от множества факторов, вплоть до состава воды и микроэлементов, проникающих в раковину. Например, появление розового жемчуга обусловлено примесью марганца, а зеленого — присутствием хрома.
Раковины моллюсков рода галиотис обладают перламутровым слоем фантастических оттенков. Их также называют абалон (или морское ушко) из-за внешнего вида. В них очень редко появляются жемчужины, а если появляются, то неправильной формы. Такие жемчужины из-за их причудливых очертаний получили название «барокко».
Кстати, именно этот моллюск вдохновил Михаила Врубеля на создание картины «Жемчужина»: художник изобразил девушек-жемчужин именно в раковине галиотисов. Такую раковину он получил однажды в подарок от Максимилиана Волошина и был покорен ее формой и переливами.
Изделия, украшенные галиотисами, встречаются у разных народов, поскольку эти моллюски обитают на небольшой глубине во многих морях.
Аборигены Новой Зеландии маори называли их «пауа» и высоко ценили.
На выставке «Жемчуг и перламутр» представлены реплики традиционных новозеландских изделий, которые по музейным образцам создал современный художник Илья Беляков. Маори украшали галиотисами керамические маски, которые помещали на носу каноэ для защиты от злых духов, а также деревянные статуэтки теко-теко
От табакерок до гитары
Особый вид перламутровой инкрустации — в лаковой миниатюре — появился в VIII веке в Китае, а затем распространился на Корею, Вьетнам и Японию. Мастера подбирали раковины разных оттенков, подходящих под сюжет будущей миниатюры. Нужные кусочки перламутра вставляли в углубления рисунка и приклеивали. Изделие шлифовали вручную, а затем покрывали несколькими слоями лака. До сих пор во Вьетнаме и в Китае существуют целые деревни, в которых занимаются перламутровой инкрустацией.
Музей Востока предоставил для выставки несколько предметов, созданных во Вьетнаме в конце XIX — начале XX века. Среди них — альбом, вазы, столик и панно с изображением времен года.
Слоновая кость, бидри и аватар Вишну. Пять индийских экспонатов Музея ВостокаМоринхур и маска мистерии. Пять экспонатов монгольской коллекции Музея ВостокаДаруулга, гуу и Белая Тара. Изучаем бурятскую коллекцию Музея ВостокаЧойдиш, мунисак и ляган. Сокровища узбекской коллекции Музея Востока
В Европе перламутр начали использовать в XVII веке, им украшали веера, футляры, табакерки, шкатулки. Часто мастера использовали раковины моллюсков целиком. На выставке можно увидеть, например,
Иногда мастера вырезали на жемчужницах изображения христианских святых. Такие иконы получили распространение в Палестине в конце XIX — начале XX века.:max_bytes(150000):strip_icc()/Baroque-SantiagodeCompostela-451200820-crop-5935f1ec3df78c08ab010fcf.jpg)
В Россию их привозили паломники, ездившие в Палестину на богомолье.
Один из самых интересных экспонатов —
Перламутр в веерах
В декорировании вееров перламутр стали использовать с начала XVIII века. Долгое время применяли только технику гравировки, позже стали экспериментировать с резьбой. Ремесленники вырезали веерные пластины из раковины и передавали их веерному мастеру, доводившему их до совершенства, полируя, гравируя и обтачивая кончики. Затем пластины соединяли при помощи металлического штифта. Последняя стадия создания веера — соединение веерного экрана с пластинами оправы — считается самой сложной.
Со временем форма и декор вееров менялись, следуя модным тенденциям. Менялась и мода на оттенок самого материала. Например, мастера XVIII века предпочитали белый перламутр, украшая его резьбой с золочением и серебрением. А в XIX веке стали использовать самые разные оттенки — от нежно-розового до глубоких синего и зеленого.
На выставке представлены веера из коллекции музея-усадьбы «Останкино», созданные во Франции с XVIII до начала XX века. Они демонстрируют разные приемы обработки перламутра. Например, на пластинах веера 
Черная жемчужина
К началу ХХ века природные запасы морского и речного жемчуга истощились. Это неудивительно: чтобы найти одну крупную жемчужину, вылавливали и вскрывали до 10 тысяч раковин. В результате многие виды моллюсков оказались на грани исчезновения, а промысел резко сократился.
Сегодня существуют десятки сортов культивируемого жемчуга. Одним из самых красивых считается черный. Его название весьма условно: оттенки варьируются от серых до переливчатых синих. Последние — самые ценные. На выставке представлена великолепная черная жемчужина неправильной барочной формы из частной коллекции.
Выращивать искусственный речной жемчуг начали в Китае еще в XIII веке: в раковину помещали шарик из глины, меди или олова, который постепенно покрывался перламутром. Но массовое культивирование жемчуга начали в Японии. 
Первую плантацию Микимото создал в 1888 году, через пять лет ему удалось вырастить жемчужину полукруглой формы, а круглой — только через 15 лет.
Японские ныряльщицы
Профессия ама (так в Японии называли ныряльщиков за водорослями, моллюсками и главным образом за жемчугом) насчитывает более трех тысяч лет. Занимались этим в основном женщины: они могли задерживать дыхание дольше, чем мужчины, и меньше мерзли в воде благодаря более толстому слою подкожного жира. Ныряльщицы использовали нож, легкую сетку и деревянный бочонок со стеклянным дном. Через него они высматривали моллюсков, а между погружениями использовали как поплавок — для отдыха. Эта тяжелая, но очень прибыльная работа часто становилась сюжетом гравюр японских художников. На выставке можно увидеть предоставленный Музеем Востока
Смеющийся Хотэй и чаша в стиле ваби. Сокровища японской коллекции Музея Востока
С японскими работами XIX века рифмуется серия «Ама, ныряльщицы за жемчугом» современного российского художника 
Четыре графические работы он создал специально для выставки «Жемчуг и перламутр». Рисунки отсылают, с одной стороны, к традиционной японской живописи, с другой — к манге японского художника и писателя Санпея Сирато «Легенда о Камуи».
В четырех работах описан процесс жемчужного промысла: сначала ныряльщица, гибкая и пластичная, как окружающие ее рыбки, погружается в воду, затем (уже с добычей) отталкивается от дна и плывет к поверхности. Третья показывает, как тяжела ее ноша, а четвертая — как велика цена этого труда: нужно было выловить сотни раковин, чтобы найти всего три заветные жемчужины.
Московское барокко (нарышкинское)
Храм иконы Божией Матери «Знамение» на Шереметевом дворе— православный храм в стиле нарышкинского барокко. 1680-е гг. Построен на средства Льва Кирилловича Нарышкина, родственника царя Алексея Михайловича.
Московское нарышкинское барокко — так называли стилевое направление русского зодчества конца 17-начала 18 века, которое стало начальным этапом в формировании русского барокко.
Своим названием это направление в архитектуре обязано боярскому роду Нарышкиных, строившим храмовые сооружения с элементами европейского барокко в своих имениях (комплекс архитектуры конца 17 – начала 18 вв.: относят церкви в Филях, Троицком-Лыкове, Уборах, Дубровицах, Успения на Маросейке).
Генрих Вёльфлин (Heinrich Wölfflin. 1864 — 1945 гг.) — швейцарский писатель, историк, искусствовед, теоретик и историк искусства
Московское барокко – название весьма условное, так как в зданиях присутствовали кроме барокко черты ренессанса и готики, соединенные с традициями русского зодчества.
Если рассматривать систему определений архитектурных стилей, которую создал Г. Вёльфлин,то понятие «барокко» не может быть применимо к данному архитектурному явлению.
Однако, исследования Вёльфлина касались исключительно барокко итальянского, которое отличалось от барокко в других странах. Кроме того, как утверждал сам исследователь, барокко не имеет четко определенных границ.
Мсковское барокко стало связующим звеном между зодчеством патриархальной Москвы и петербургским строительством в европейском стиле. Отличительной чертой этого стиля было устремление строений вверх, их многоярусность, узорчатость фасадов.
Церковь Троицы в Троице-Лыково. В 1935 г. была включена Лигой Наций в список выдающихся памятников мировой архитектуры. Арх. Я. Бухвостов.
Яков Григорьевич Бухвостов (конец 17-начало 18 вв.)— архитектор, один из основоположников московского барокко. Постройки Бухвостова выполнены из кирпича с характерным пышным белокаменным декором.
Барокко в Москве 17-18 вв. сохранило многое от многовековых традиций русской архитектуры, к которым добавлялись новые черты.
Для этого направления характерна многоярусная архитектура церквей, боярские палаты с белокаменной кладкой, сочетающиеся с элементами ордера: колоннами, полуколоннами и пр., обрамление пролетов и ребер зданий.
Примерами московского нарышкинского барокко также могут служить следующие сооружения: Успенская церковь на Покровке.
Нарышкинское барокко воплотилось в работе крепостного зодчего П. Потапова — тринадцатиглавой Успенской церкви на Покровке. Академик Лихачев описывал ее как легкое «облако из бело-красных кружев». Церковь была разобрана в 1935-1936 гг.
Церковь Успения Пресвятой Богородицына Покровке — приходская церковь. 1696-1699 гг. Арх. Крепостной П. Потапов. Построена церковь на средства купца И. Сверчкова.
Новодевичий монастырь
В 17 веке при царевне Софье был построен архитектурный ансамбль с собором в центре.
Согласно документам автором ансамбля и создателем сооружений монастыря является архитектор П.Потапов. В 1890-х — 1900-х гг. архитектор С. Родионов проводил реставрационные работы по восстановлению сооружений монастыря.
umi-cms.ru/TR/umi»>Новодевичий монастырь (Новодевичий Богородице-Смоленский монастырь) – московский женский православный монастырь монастырь.
Крутицкое подворье
Осип Дмитриевич Старцев (?- 1714г.)— один из московских зодчих конца 17 — начала 18 века.
Пётр Дми́триевич Барано́вский (1892-1984 гг.) советский архитектор, реставратор древнерусского зодчества.
Построено в 18 веке изначально как монастырь, а затем это место стало резиденцией епископов. Архитектор О. Старцев построил в 1700 г. Собор Успенья Пресвятой Богородицы (Малый Успенский собор), нижний храм Петра и Павла (1667-1689гг.).
Митрополичьи палаты созданы в 1655-1670 гг., отреставрированы П. Барановским.
Крутицкий теремок, Воскресенские переходы (1693-1694 гг.) построены с участием О. Старцева. Для декора теремка и Святых ворот были использованы изразцы работы С.Иванова.
ru/TR/umi»>Крутицкое подворье.
Московская церковь Покрова в Филях (1690-1694 гг.)
Построена на средства Л. К. Нарышкина — брата царицы Натальи Кирилловны. Архитектор не известен (есть данные, что автор – Я. Бухвостов, но так же возможно, что церковь строил П. Потапов).
Сооружение декорировано колоннами, капителями. Его цветовое решение характерно для русских традиций: сочетание красного и белого цветов в отделке фасада.
Церковь Покрова в Филях. Москва. 1690-1694 гг.
Храм Воскресения Христова в Кадашах. Москва.
Первое строение было создано в 1657 г. В 1687 г. на средства купцов К. Добрынина и Л. Добрынина начато строительство пятиглавого храма. В 1685 г. созданы порталы нижнего храма, пристроена шестиярусная колокольня (высота 43 м.)
Белокаменными узорами украшены наличники окон, порталы, гребешки и карнизы. Предположительно, автором храма был Сергей Турчанинов (? – начало 18 в.
) русский зодчий, завершивший строительство Воскресенского собора в Ново-Иерусалимском монастыре. В 20 веке храм был отреставрирован архитектором Г. Алферовой (1912 –1984 гг.)
Храм Воскресения Христова в Кадашах.
Барокко в Москве создавали, в основном, русские мастера, что и определило особенности сооружений и их эстетику. Здания имели традиционную для древнерусских храмов конструкцию, сочетающуюся элементами европейского зодчества, которые использовались преимущественно в декоре. Особенности стиля проявились и в архитектуре более позднего периода. Например, московское барокко соединилось с итальянским направлением стиля и проявилось в храме Святого Климента (1762-1769 гг.) (предположительно, арх. П. Трезини или А. Евлашев).
Церковь Святого Климента. Москва. (предположительно, арх. П. Трезини или А. Евлашев). (1762-1769 гг.
)
Нарышкинское барокко – явление типично русское, легко узнаваемое и ставшее важной вехой на пути становления русского барокко.
автор: Марина Калабухова
ИСКУССТВО ПЕРВОЙ БУКВЫ: БАРОККО И РОКОКО
(Окончание. Начало см. «Наука и жизнь» № 10, 2008 г.)Наука и жизнь // Иллюстрации
Помимо Адама (Adam) художник поместил в инициале «A» дерево (лат. — arbor), орла (лат. — aquila, нем. — Adler) и яблоко (нем. — Apfel).
Универсальный сюжет «мастерская живописца» позволял до бесконечности насыщать фон различными персонажами и предметами. Инициалы из изданий Кристофа Плантена. Амстердам. Вторая половина XVI века.
Рядом с юными героями инициалов ороговевшие формы букв кажутся ещё более тяжеловесными и причудливыми. Из алфавита Лукаса Килиана. Аугсбург. 1627 год.
В алфавитах Пауля Франка нет застывших форм. Всякий раз образ буквы на глазах зрителя рождается заново. Инициал «H». Мемминген.
1601 год.
Обитатели алфавитного зверинца Альда Мануция Младшего.
Повальное увлечение эмблемами нередко превращало инициалы в настоящие ребусы. «Нет такой вещи под солнцем, которая не могла бы дать материал для эмблемы», — писал современник Пуже Богуслав Бальбин.
Причудливые фантазии, выложенные из обломков раковин (фр. rocaille), — основной мотив нового стиля, лёгший в основу его названия (rococo = rocaille + barocco). Французские орнаментальные инициалы XVIII века.
Купидоны, романтические виды, аллегории и эмблемы — инициальные герои и декорации, казалось бы, остались прежними, однако их рисунок сделался заметно светлее и легче. Французские орнаментальные инициалы XVIII века.
Кажется, что буквы начертаны одним движением, не отрывая пера от бумаги. Однако в большинстве случаев это не так. Буквы «В», «С», «X» и «Z» из «Новой школы» Мануэля де Андраде. Лиссабон. 1719 год.
Несмотря на общую реалистичность изображений, художник сохранил в них и элемент условности: тело животного может неожиданно слиться с растением, а стебли и листва подчас напоминают архитектурную лепнину.
Персонажи готических фигурных инициалов выращены, как гомункулы в ретортах алхимиков. «V», «Т» и «N» из алфавита Мастера Е. S., область Верхнего Рейна, 1465 год.
Инициалы же барокко свободно передают пластику тела. «F» и «Н» из «Алфавита мечты» Джузеппе Мителли. Болонья. 1683 год.
В алфавитах Пауля Франка нет застывших форм. Всякий раз образ буквы заново рождается на глазах зрителя. Инициалы «Х», «Y» и «Z». Мемминген. 1601 год.
Стёганный в мелкую клетку фон придаёт этому алфавиту уютный вид — словно перед нами не буквы, а элементы мебельного гарнитура. Французские орнаментальные инициалы XVIII века.
Мануэль де Андраде оживил и растительный алфавит — на кустах его букв пробудились и защебетали птицы. Инициалы из «Новой школы». Лиссабон. 1719 год.
‹
›
Шрифт — один из самых красноречивых способов выражения стиля каждой эпохи.
Питер Беренс
Стремясь к ясности и совершенству, искусство Возрождения было исполнено покоя и силы.
Но «как растение не может цвести вечно, а неизбежно подлежит увяданию, так и Ренессанс не мог всегда оставаться верным себе. Он вянет, теряет свои формы, и это его состояние мы называем барокко», — писал известный историк искусства Генрих Вёльфлин.
Гений каллиграфии
Начиная со второй половины XVI века лаконичный сюжет и цельная композиция инициала стали усложняться, их дополняли новыми подробностями. Появилось множество второстепенных персонажей, часто не буквально, а лишь аллегорически связанных с основным изображением. Сатиры, нимфы, путти, рога изобилия, вазоны с цветами, гирлянды — обычный декоративный антураж тех лет загромоздил пространство позади буквы. Материя подавляла своим обилием и массой, ей стало тесно на сравнительно малой площади инициала. Уступив давлению изнутри, инициал увеличился в размере.
Казалось, художники взялись соревноваться друг с другом в том, кто из них сильнее поразит воображение читателя с первой же страницы книги.
Грандиозность замысла и насыщенность исполнения часто не соответствовали скромной природе письменного знака, хотя бы и стоявшего в начале текста. Этот разрыв придавал изображению черты чрезмерности, неоправданного излишества. Эмоциональное воздействие на зрителя было хоть и сильным, однако кратковременным и заканчивалось, как правило, «чувством некоторой опустошённости» (Г. Вёльфлин).
Склонность барокко к излишеству нагляднее всего проявилась в рисунке самих инициальных букв (неслучайно этот стиль получил название от итальянского слова «barocco» — «причудливый»). Выверенные пропорции и лаконичные контуры литер отошли в прошлое. Художников больше не удовлетворяла приближенная к абсолюту одухотворённость классического письма, почти полное отсутствие в нём телесности. Стойки инициалов начали завиваться вокруг своей оси, они сужались посередине, словно перехваченные в талии, и, напротив, расщеплялись на концах. Острые грани сглаживались, засечки закручивались, формы становились мягкими и текучими.
Подчас тела литер сплошь покрывались рель-ефными наростами и наплывами, как будто материал выпирал из тесных рамок букв, «выливался» из них через край. Барочная лепнина инициалов почти не нуждалась в дополнительном орнаменте. Её вычурный рисунок изначально сочетал в себе свойства алфавитного знака и декоративного узора. Письмо и орнамент настолько растворились друг в друге, что невозможно было их разделить. Недаром в этот период широко распространились каллиграфические алфавиты, позволявшие почти безгранично экспериментировать с формами букв.
Своих вершин барочная каллиграфия достигла в творчестве немецкого мастера из города Меммингена Пауля Франка. Изданная им в 1601 году коллекция алфавитов «Искусное начертание различных инициалов, прописных букв и прочее» демонстрирует незаурядный артистизм владения ширококонечным пером. Чтобы детально воспроизвести тонкую работу, многие образцы «Искусного начертания» были гравированы в увеличенном виде. Самые крупные настолько превышали книжный формат, что их печатали на вклейках, вдвое превосходивших размер страницы.
Каллиграфическая выразительность линий была доведена Франком до предела: в одном инициале его перо свободно передаёт и трепетную дрожь тончайших усиков, и напряжённость гигантских тугих спиралей, похожих на часовые пружины. Асимметричный рисунок всех алфавитных знаков (кроме считанных вариантов «О») сообщает письму ярко выраженный динамизм. Энергичная пластика и резкий контраст линий, внезапная смена ритма и множественные повторы — всё это усиливает иллюзию нескончаемого внутреннего движения.
В сущности, букв, как таковых, в этих алфавитах нет. Виртуозное художество Франка отображает не видимые очертания письменных знаков, а то, что обычно ускользает от глаз, — мимолетное возмущение, оставляемое знаком на бумаге. Оно подобно кругам на воде от брошенного камня. Нужно обладать сверхъестественной остротой восприятия, чтобы ухватить взглядом и в мельчайших подробностях запечатлеть завихрения потоков, обтекающих буквы с разных сторон. Графемы без конца дробятся различными вариациями повторяющихся линий, но ни одна из них, взятая в отдельности, не очерчивает буквенного контура.
Только в сочетании их сгущений и разрежений возникает нечто, отдалённо напоминающее ту или иную фигуру алфавита.
Их рисунок подчас так усложнён, что очертания знака едва угадываются. Но, в отличие от Ренессанса, искусство барокко предпочитало как раз не строгость форм, а размытость масс. Для него важнее были не покой, а движение, не математическая выверенность, а кипение мыслей и чувств. Пренебрегая внешними оболочками букв, немецкий каллиграф творил из линий живые характеры алфавитных знаков в их бесконечно разнообразных проявлениях.
Ни до, ни после Пауля Франка рисунок каллиграфических инициалов не достигал такого напряжения и декоративного богатства форм.
«Именные» алфавиты
Впрочем, инициалы барокко были бы гораздо беднее, если бы воздействовали на зрителя только пластикой линий. С конца XVI столетия вошёл в моду новый, утончённый приём в оформлении алфавитов с фигурами. Персонажи инициалов стали подбирать таким образом, чтобы имя человека или название животного начиналось с буквы, которую они украшали.
Нередко эти рисунки составляли сквозной сюжет. Так, «Новый искусный алфавит» (1595) Иоганна Теодора де Бри открывался сценой грехопадения Адама (Adam) — вы видите её на с. 56. А завершала алфавит фигура Христа-искупителя (Χριστος). Между ними разместились герои библейской и церковной истории: царь Давид (David), папа Климент VIII (Kliment VIII), евангелист Лука (Lucas), пророк Моисей (Moses), апостол Пётр (Petrus), сатана (Satan) и даже аллегорическое изображение Истины (Wahrheit). При этом художник показал себя завидным полиглотом: в именах персонажей смешались немецкий, латинский и греческий языки. Некоторые буквы сопровождались не одним «именным» изображением, а несколькими.
Подобная связь алфавитных знаков с графическими образами была не столько нова в XVI веке, сколько хорошо к этому времени подзабыта. Ведь ещё в рукописи эпохи Каролингов — Сакраментарии Дрогона, 850–855 годы — многолюдная сцена внутри буквы «С» изображала Concedeqs — Вознесение. Этим словом и начинался книжный текст.
Заглавную «Е» в начале Книги Иезекииля («Et factum est…» — «И было…») средневековые художники нередко совмещали с фигурой пророка, имя которого на латыни тоже писалось с буквы «Е» (Ezechiel). Известен манускрипт XIII столетия; на одной из его страниц монах-иллюминатор изобразил собственную персону: сидя на скамеечке у основания буквы «R», он раскрашивает алым минием спину дракона. Почему из всех инициалов рукописи художник избрал для себя именно «R», объяснялось здесь же, его подписью: FR·RVFILIVS (брат Руфилий).
Этим приёмом с успехом пользовались как на Западе, так и на Востоке — в Византии и славянских землях. Однако в рукописной книге подобные инициалы содержали в себе тонкую игру, где прежде всего важна была их связь с текстом (или хотя бы с процессом нанесения этого текста на пергамен). Именно она поражала воображение и побуждала задуматься о тайных связях, пронизывающих мир.
Гравированные алфавиты изначально ни с одним текстом связаны не были. Мастер даже предположить не мог, в каких книгах его работа найдёт применение.
Поэтому в алфавитах смысловая рифма стала поверхностной, отвлечённой — персонажи инициалов иллюстрировали не текст, а избранную художником тему: звериную, библейскую, античную… В букве «А» на месте орла (ит. — aquila) могла свободно оказаться цапля (ит. — airone) или утка (ит. — anitra), а в литере «I» героическая Юдифь (лат. — Iudith) без ущерба заменялась пророком Ионой (лат. — Iona) или апостолом Иоанном (лат. Ioannis).
Роза и тростник
И символика к XVII столетию приобрела совсем иной характер, чем в предыдущие века. Христианские идеалы Средневековья были сильно потеснены индивидуализмом Нового времени, нашедшего поддержку в античной мифологии. Но и та, в свою очередь, не осталась без изменений — её существенно переосмыслили в угоду галантному веку. На новом Олимпе восседал Амур. Ему курили фимиам писатели и приносили в жертву свои творения художники. В моду вошли книги эмблем, закреплявшие посредством символов и остроумных девизов новые жизненные ориентиры.
Будуарные темы и утончённая эротика проникли и в гравированные алфавиты, которые выходили отдельными изданиями, предназначенными обыкновенно для рассматривания. Если ими и пользовались как образцами, то для украшения произведений художественной литературы либо в любовной переписке.
Наиболее знаменита в этом ряду обширная коллекция аллегорически орнаментированных инициалов и монограмм, выпущенная в свет в 1666 году парижским каллиграфом Пуже. Своё издание автор назвал «Алфавит любви», адресовав его «любовникам и художникам». Можно лишь подивиться изобретательности французского мастера. Какие только ситуации не предусмотрел он в своей работе.
Так, свою пленённость предметом страсти можно эффектно заявить, начав письмо буквой, составленной из звеньев цепи. При этом оковы в рисунке инициала, отделанные фигурными вставками, одновременно подчёркивали изыс-канный вкус их обладателя — недаром книги эмблем того времени упоминали о двойственной природе цепей: они служили не только оковами, но и украшением (torquent et decorant).
Победителю в любовной баталии были предназначены буквы, увитые лавровыми листьями, — подобно тому, как в Древнем Риме обвивали лавром оружие, принёсшее победу, дабы очистить его от пролитой крови. Перенесение античного ритуала с оружия на письмо лишний раз свидетельствует: слово в галантный век успешно соперничало с клинком.
Для нежных признаний влюблённого сердца служили многочисленные инициалы, проросшие молодыми побегами и зацветшие дивными цветами — символами весны, юности, страстного влечения. Каждый такой алфавит сочетался с каким-то одним из растений, причём его изображения были на редкость подробны. От художника не ускользали ни мельчайшие шероховатости стебля, ни тонкие прожилки на листьях и лепестках, ни иллюзорная дрожь тычинок.
Цветы, вплетённые в рисунок заглавных букв, порой красноречивее слов говорили о чувствах пишущего. Бутон розы, окружённый шипами, подразумевал «надеющуюся любовь с сомнениями неизвестности». Ветка сирени, полученная в ответ, выказывала осторожную симпатию: «Каждое выражение твоего лица и каждое твоё слово говорят о красоте твоей души».
Холодный ирис, напротив, не оставлял надежды: «Твои лицемерные чувства пройдут, так что и следа не останется». Наконец, тростник не скрывал раздражения: «Приплюсуй этот отказ к уже полученным ранее».
Вершину своей богатой коллекции Пуже поместил на развороте, где каждая новая буква была декорирована особым, отличным от предыдущих букв способом. Поистине это алфавит-гербарий: здесь можно отыскать гирлянду благоухающих роз («D») и плетение из нежных незабудок («L»), поникшие султаны камыша («Н») и венок из лавровых листьев («О»), голый стебель, усыпанный шипами, («R») и плодоносящее древо («Y»).
Впрочем, некоторые письменные знаки имеют наряды нерастительного происхождения: буква «I» изображена в виде многократно перевитой ленты, «М» — нанизанных на нить жемчужин, «U» — вереницы пышных бантов. Стилевое смешение и разнородность материалов не помешали художнику подобрать буквы с завидным вкусом. И хотя каждый знак нарочито самостоятелен, в целом алфавит имеет вид завершённый и в своем роде единственный: ни отнять у него, ни прибавить.
Буквы танцуют менуэт
Легкость, с какой Пуже менял буквам наряды, знаменовала приход в искусство алфавитов новых веяний и настроений. «В начале своего существования барокко было тяжело, массивно, лишено свободы и серьезно, — писал Генрих Вёльфлин. — Постепенно его массивность тает, формы становятся легче и радостнее, и в конце концов приходит то игривое разрушение всех тектонических форм, которое мы называем рококо».
Орнаментальные мотивы рококо выплеснули свою экспрессию в экстравагантном формо-творчестве. Асимметрия и капризная непредсказуемость декора достигли здесь, кажется, крайней степени. Хотя сюжеты инициалов и не отличались особым разнообразием. Чаще всего фоном для букв служили картины быта или пейзажи, лишённые каких-либо конкретных черт, однако непременно красивые и аристократически-изящные. Пасторальная идиллия, мизансцена в саду или гостиной, фривольная сценка из жизни любовников — всё это преподносилось в утончённом виде и с известной долей шарма.
Законодателем мод в подобной орнаментации инициалов долгое время являлась Франция. В числе иностранцев, создавших блестящие образцы нового стиля, можно назвать португальца Мануэля де Андраде — cобрание его каллиграфических и декоративных инициалов было издано в Лиссабоне в 1719 году с характерным названием «Новая школа».
Давно подмечено, что начертания букв в каллиграфических алфавитах исключительно музыкальны. Известный художник шрифта Вадим Лазурский писал, что «буквы поют под пером» настоящего мастера, а «каллиграфические листы производят впечатление музыкальных произведений, только обращённых не к слуху, а к глазу». Более того, какой бы образец письма мы ни взяли, его линии непременно окажутся созвучны тому или иному музыкальному жанру либо отдельной пьесе. И если сложную полифонию сочных нажимов и тонких волосных нитей Пауля Франка можно уподобить токкатам и фугам Баха, то прозрачное кружево Мануэля де Андраде скорее напоминает менуэт.
Порхающие движения пера каллиграфа-виртуоза переносят нас во времена придворных балов и любовных интриг, в жеманную атмосферу румян и белил, кокетливых мушек и пудреных париков.
Плавные округлые линии и дробные перекрестия очень похоже передают манеру бального исполнения менуэта, сочетавшего в себе медленные церемониальные поклоны и реверансы с мелкими па, которые, собственно, и дали название танцу*. Начиная письменное послание, буква Андраде как бы раскланивается перед адресатом, с тонким артистизмом, не исключающим, впрочем, почтительности, приветствует его, прежде чем приступить к сообщению новостей.
Литеры великих дел
В эпоху барокко ещё оставалась популярной идея «книги природы» — представление о мире как о некоем грандиозном тексте, автором которого является Господь. «Этот мир — книга ин-фолио, в которой заглавными литерами набраны великие дела Божьи, — писал в XVII столетии английский поэт Ф. Куарлеа. — Каждое творение — страница, и каждое действие — красивая буква, безупречно отпечатанная».
Мы не можем сказать, были ли эти строки знакомы флорентийскому писцу Мауро Погги, однако фолиант орнаментальных латинских букв, гравированных по его рисункам для аббата Лоренци, как нельзя лучше иллюстрирует слова англичанина.
Работа Погги меньше всего напоминает алфавит. И это неслучайно. Перед нами скорее зоологический атлас, нередкий в те времена, коллекция экзотических птиц и животных, непринуждённо разбросанных фантазией художника по листам альбома. Ажурные плетения вьюнка неплохо организуют изобразительное пространство: они собирают существ в группы, придают композициям законченный вид, и лишь спустя время зритель с удивлением обнаруживает в этих рисунках знакомые контуры букв.
Немалый размер гравюр (каждому инициалу отведена отдельная страница) только увеличивает этот зазор в восприятии. Алфавитные знаки, конечно, можно иметь в виду, но можно и вовсе не обращать на них внимания, любуясь красотой божественных созданий, — художник никого ни к чему не понуждает. Эта оторванность в работе Мауро Погги графики от письма красноречиво говорит о некоем пределе, к которому подошло в алфавитах декораторское искусство рококо.
Сменивший барокко классицизм вновь вспомнил о лапидарной простоте былых времен.
Формы заглавных литер снова очистились от орнаментальных наслоений, сюжеты инициалов опять приобрели цельность и ясность, техника гравирования свелась к тонкой пластичной контурной линии без всякой тушёвки.
Широкое распространение вновь получили обыкновенные наборные буквицы. «Любая книга тем совершеннее, чем отчётливее проявляется в ней простая красота букв… Одни только буквы и являются необходимым и достаточным элементом книги, всё прочее же существует благодаря им»,— провозгласил в «Типографическом руководстве» (1818) известный artista della semplicità (мастер простоты) своего века Джамбаттиста Бодони.
История, замкнув круг, повторилась на качественно ином витке своего развития, но это уже тема для новых наблюдений и размышлений.
Комментарии к статье
* Menuet от фр. menu — маленький, мелкий.
Барокко | Designer-OK
Барокко.
Стиль Барокко зародился в XVII – начале XVIII века.
Следует отметить, что этот стиль невозможно перепутать ни с каким-либо любым другим стилем. Отличительными чертами барокко являются пространственный размах, пышность, великолепие и роскошь, изменчивость и игру образов этого стиля можно сравнить с морской раковиной, в честь которой и был назван этот стиль.
Он использовался для оформления дворцов знатных семей. Во Франции во времена Людовика XIV, Барокко получил особенное распространение. Но уже к концу XVII века гораздо большее внимание при отделке стали уделять комфорту и функциональности. Поэтому сегодня Барокко подходит не только для так называемой «верхушки общества», но и для людей, стремящихся к созданию тепла и уюта в своём доме.
Стиль Барокко, зародившись в Италии, быстро охватил всю Западную Европу. С итальянского baroccо переводится как «странный», «причудливый», с португальского perola barroca – «жемчужина неправильной формы». Стиль Барокко абсолютно соответствует свойственному той эпохе образу жизни, Барокко это первый стиль, который объединил понятия «образ жизни» и «стиль».
Очень интересно происхождение самого термина Барокко. Хотя этот стиль появился ещё в XVII веке, но термин «барокко» появился намного позже. Существует несколько версий происхождения термина. Все версии имеют итальянское происхождение. Но суть каждого совершенно разная. По первой версии, термин «барокко» произошло от итальянского слова «baruecco», которое в переводе означает жемчужина неправильной формы. По второй, от названия религиозно- догматического силлогизма «baroco». По третье, от слова «barocco». В переводе это слово означает нечто грубое и фальшивое. Следует отметить, что третья версия произошла из-за того, что в XVIII веке термин «барокко» имел отрицательное эстетическое значение. Барочным называли всё неестественное и преувеличенно вычурное. Такой стиль получается в результате использования слишком пышных атрибутов интерьера в целях показной роскоши. Таким образом, разрушается целостность композиции и впечатление от изысканности стиля.
Вечная молодость стиля Барокко объясняется просто: во все времена спросом пользовались элементы, подчеркивающие изобилие и роскошь.
Барокко – дворцовый стиль, но кому не хотелось хоть раз почувствовать себя обладателем дворца, пусть и маленького?
Главная черта – динамичность, например, стена не будет ровной, а будет изгибаться. Дома покрыты растительными орнаментами, много украшений , углов не видно, они оформлены колоннами.
В архитектуре сохранена ордерная система.
В интерьере – формы мебели криволинейные. На потолке – роспись (плафон) – небо, облака, люди, святые, амуры. Динамика в изображении достигается при помощи складок, облаков. Плафон не может быть квадратным или прямоугольным.
В скульптуре, спиралевидные изображения, эллинистические традиции красивого обнаженного тела.
Украшения в барокко делаются из стукко (мраморная крошка с клеевым составом), покрытая золотом.
Зимний Дворец, Екатерининский Дворец – в стиле барокко.
В Версале находится самый знаменитый барочный интерьер – Зеркальная галерея.
Мебель Людовика 14-го. Впервые появляется диван – интимное место для двоих (6 ножек).
На стуле впервые появляется обивка, ножки изогнуты и соединены по диагонали. Бахрома, гобелен на обивке. Стол круглый на базе, резьба. Новинка – стол консоль.
Характерными особенностями оформления интерьера в стиле Барокко является преобладание изогнутых сложных линий, спиралей, крученых колонн, часто встречаются витиеватые узоры – раковины, вьющиеся стебли, гирлянды, венки. Часто используются стилем Барокко орнаменты с львиными лапами, плодами, листьями дуба и аканта и цветами. Стиль Барокко обильно использует в отделке лакировку и применяет ценные материалы, придающие стилю помпезность: такие как золото, серебро, различные породы дерева, медь, слоновая кость, мрамор. Цветовые палитры стиля очень богаты: цвет красного вина, сапфира, изумруда, золотой цвет. Белый в сочетании с золотом — самая распространенная комбинация в стиле Барокко. Стены обретают невиданные ранее динамику и пластику, лишаясь своих прямых черт – монументальности и
надежности. Фасады зданий стали похожи на изысканные торты.
В качестве облицовки в интерьерах стиля Барокко часто можно встретить шпон и мозаику. В стиле Барокко очень популярна обшивка стен деревянными панелями, причем как естественной фактуры, так и окрашенных. Наиболее распространённые цвета для этого стиля: светло-зелёный, голубой, белый. Стены украшаются гобеленами или же рисунками, имитирующими роскошные дорогие материалы, такие как мрамор, черепашьи панцири, лазурит. Последний прием особенно хорош для отделки современных помещений. Помимо того что сейчас просто очень модно расписывать стены, имитируя различные натуральные материалы: дерево, мрамор, гранит, – это еще и очень красивый и недорогой способ сделать ваш интерьер оригинальным и самобытным. Обои – это скучно, натуральный мрамор для пола или тем более для стен – очень дорого и не слишком практично. А вот роспись «под мрамор» – это как раз то, что нужно. Замена скучных обоев оригинальной росписью на стенах очень популярна на сегодняшний день. Камень является одним из главных атрибутов при отделке пола и облицовки стен.
В декоре преобладают лепные композиции выпуклые и прямолинейные. Всё это придаёт интерьеру атмосферу динамики и энергии.
Полы в этом стиле могут стать настоящим произведением искусства, несущим определенную смысловую нагрузку. Для каждой комнаты художниками по паркету разрабатывается оригинальный рисунок, содержащий многочисленные сложные графические элементы. При его создании учитывается все: функциональное назначение помещения, цвет и оформление стен. Например, для спальни очень подходит рисунок в виде объемных квадратов, создающих ощущение своеобразной «лесенки». При работе над такими полами используется большое количество разнообразных, в том числе и редких, таких как черное дерево, лимонное дерево, корень ореха, пород дерева. До середины XVIII века предпочтение отдавали паркетным и дощатым дубовым полам. Но вскоре в моду начали входить ковры с бордюром. В настоящее время производители паркета украшают доску витиеватым рисунком. Такая деталь прекрасно гармонирует со стилем барокко и придаёт превосходный вид всему интерьеру.
Материи в интерьере стиля Барокко уделялось особое внимание. Элементы, выполненные из материи, должны были сиять особой роскошью. Так же, как и в средневековье, широко распространены шпалеры – тканые ковры без ворса, которыми занавешивали стены дома. Во Франции в семнадцатом веке шпалеры стали называть гобеленами по имени братьев, основавших собственное производство этих ковров.
Качество гобеленов в эпоху Барокко стало таким высоким, что они зачастую конкурировали с живописью. Кроме шпалер, для усиления впечатления роскоши, для отделки интерьера часто использовали глазет (известный нам под названием парчи). При помощи этой материи оформляли стены, окна и двери, мебель. Будуары украшались шторами – плотными полотнами со сложным тканым рисунком.
Не только в семнадцатом веке, но и в поздние периоды престижным был бархат – эта ткань считается наиболее характерной для стиля Барокко. Особо ценился длинноворсовый генуэзский бархат. В период расцвета барокко в Лионе была выпущена новая атласная ткань с мелким рисунком растительной тематики, такая ткань получила довольно широкое распространение в убранстве Барочных интерьеров.
Кроме того, к концу семнадцатого века в моду вошла материя с рисунком, которая в Англии называлась japanning, хотя на ней изображались картины не только японской, но и китайской тематики: восточные пейзажи, красочные птицы и цветы. Интерьер в стиле Барокко изысканно усложняется: неописуемо красивые камины, яркие красочные инкрустации, изогнутые линии и динамичность форм стульев, диванов и кресел, огромные напольные зеркала, балдахины на кроватях – шатрах. В интерьере, как, впрочем, и на фасаде, можно встретить декоративные барельефы и скульптурные группы. Все эти предметы интерьера в стиле Барокко придадут вашему жилью схожесть с роскошными аристократичными дворцами.
В полноценных кабинетах, появившихся во время процветания стиля Барокко, стены обшивались в одном стиле с наполняющей интерьер мебелью. Письменный стол, бюро и шкафы для книг всегда должны присутствовать в интерьере кабинета в этом стиле. Бывает, что интерьер в стиле Барокко дополняется большим глобусом или географическими картами на стенах.
Роскошь и великолепие интерьера стиля Барокко усиливает соответствующим образом оформленная мебель, которая, начиная с семнадцатого века, становится все более и более разнообразной.Элементы декора этого стиля внушительны по объему, в них часто применяется резьба, металлические накладки из бронзы и благородных металлов, а также мозаика из различных пород дерева. Эпоха Барокко оставила потомкам такой предмет, как шезлонг.
Спальня, кстати, в стиле Барокко выполняет сразу и функцию гостиной. В опочивальне часто совершается прием гостей, поэтому постепенно кровать приобрела форму шатра с обилием украшений. Особенно много модификаций придумано для такого элемента интерьера, как кровать. Варианты кроватей с различного вида балдахинами часто украшали султанами из перьев страуса. Ложе опиралось на скульптуры в виде женских торсов, в ногах ложе опиралось наподобие античных ваз. Кровать в эпоху Барокко была одним из наиболее пышно убирающихся предметов интерьера.
При оформлении помещений в стиле Барокко желательно чтобы окна были большими.
Они украшаются шторами из дорогой
ткани или занавесями, можно также использовать жалюзи. Шторы выполняются не только из шёлка и парчи, но и из простых
хлопчатобумажных тканей. Особенно популярны английские ситцевые ткани с рисунками экзотических цветов и фруктов, а
также с использованием растительных мотивов. Эти мотивы заимствованы с расписанных вручную старинных индийских и
китайских обоев. А чтобы создать впечатление пышности подбираются карнизы из резного и золочёного дерева. Помпезность
интерьеру придают позолоченные и посеребренные детали. Ткани драпируются в виде фестонов. Драпировки декорируются бахромой, шнуром и пафосными кистями. Притягивает взор ламбрекен эпохи «барокко». Он состоит из нескольких деталей и украшен вышивкой или аппликацией в виде цветов и листьев. И, конечно, знакомые нам кисти и бахрома. Отличительная черта штор – использование контрастных подкладочных материалов, двусторонние драпировки, разнофактурность тканей, многослойность ламбрекенов, за счет которой достигалась та самая вычурная пышность.
Освещение при помощи свечей придавало интерьерам семнадцатого века неповторимое романтическое звучание, оно передавалось на картинах художников того времени. Именно под свечи были придуманы разнообразные приборы освещения, которые от чисто утилитарного назначения стали самостоятельными элементами декора. Это – канделябры и жирандоли, шандалы и подсвечники.
Если подсвечники и шандалы можно было относительно свободно перемещать из одной комнаты в другую, то канделябры и жирандоли закреплялись на полу или стенах. Название «люстра» в переводе с французского обозначает «блеск», – этот тип светильника был введен в употребление во второй половине семнадцатого века и с тех пор стал (и остается, пожалуй, и в наше время) самым эффектным из всех источников света. Хрустальная люстра – обязательная деталь любого интерьера «дворцового» типа.
При оформлении современных помещений в стиле Барокко освещение должно быть нежным и приглушенным. Можно использовать светильники, имитирующие свечи в серебряных или деревянных подсвечниках.
Недопустимы лампы дневного света: они не позволяют создать впечатление теплой и пышной дворцовой атмосферы, характерной для эпохи Барокко. Больше подходят к стилю лампы с разноцветными абажурами, рассеивающими свет и делающими его мягче. Лучше всего для создания стиля барокко подходят лампы с цветными абажурами. Такие лампы рассеют свет и сделают его мягче. Большие зеркала, отражающие свет и оптически увеличивающие помещение, станут заключительным штрихом в оформлении помещения в стиле Барокко. Идеально, если зеркала будут в рамах с классическими мотивами (раковины или гребешки). Зеркала можно разместить над камином или между окнами – это лучше всего соответствует выбранному стилю Барокко.
Стоит понимать, что стиль Барокко не подходит для интерьера небольшого загородного дома, так как ему требуется много пространства. Поскольку стилем используются массивная мебель и украшения, то и без того небольшой объем пространства дома будет казаться совсем крошечным. Но если большими площадями вы не располагаете, а стиль «барокко» очень уж запал в душу, можно обойтись небольшой стилизацией с использованием только некоторых деталей.
При использовании стиля Барокко в интерьере небольшого коттеджа следует хорошенько продумать цветовое оформление комнаты, разделить ее на два уровня (верхний и нижний), и сделать ниши небольшого размера в стенах, разместив в них понравившиеся вам статуэтки или вазы с цветочными орнаментами и миниатюрами. Важно, создавая стиль Барокко в небольшом жилье, не переборщить и соблюсти чувство меры, иначе Барокко будет смотреться нелепо.
Стиль Барокко в отделке интерьеров пользуется популярностью, как правило, среди преуспевающих людей, желающих подчеркнуть свой достаток и любовь к комфорту и роскоши. Этот стиль – своеобразная визитная карточка состоятельных людей. В то же время Барокко – стиль коварный. Достаточно лишь немного переступить границу при подборе аксессуаров и отделки – и элегантная роскошь превратится в вычурность и помпезность, исчезнет ощущение цельности и интерьер будет больше напоминать скопление красивых вещей, нежели завершенную композицию.
Назад
Если Вам понравился материал, поделитесь им в социальных сетях (кнопки слева).
Хотите заказать дизайн или визуализацию?
Парфюмерия «барокко»: изобилие и чрезмерная роскошь
Стиль Барокко появился в Италии в начале XVII века, как папский стиль, но очень быстро стал популярным за пределами Рима и Ватикана. Он использовался для оформления дворцов и домов знатных аристократических семей по всей Европе.
Барокко невозможно перепутать ни с каким-либо любым другим стилем – по великолепию и красоте ему просто нет равных. В эпоху барокко в декор помещений вновь вернулись изысканность, великолепие и неприкрытая роскошь.
Барокко в архитектуре – это пластичность форм украшений, используемых при декорировании, причудливые витиеватые орнаменты и узоры, дорогие ткани и текстиль, а также, возвышенность, объемность и превосходство человека над природой. Доминирующим элементом интерьера барокко является фресковая роспись, которой обильно украшали потолки и стены, скульптуры, ковры, огромные гобелены и зеркала, а также мебель, отделанная бархатом, шелком и парчой с причудливо изогнутыми формами.
Повсюду используется инкрустация, мозаика, мрамор, слоновая кость, медь и сусальное золото.
Этому стилю присущи яркие краски, игра света и тени на барельефах, скульптурах, вазах и сложном декоре, а также сложно изогнутые очертания всех архитектурных элементов. Всё это делает данный стиль самым роскошным и пышным из всех больших стилей.
Особое распространение барокко получил во Франции во времена правления Людовика XIV. Для него была спроектирована и построена великолепная королевская резиденция Версаль, помпезность и величие которого достойны правителя, называющего себя ни много, ни мало — «Королем-Солнце». При его строительстве соединили сразу два стиля – классицизм и барокко, создав особый «сплав», именуемый «Le Grand» или Высокий стиль.
Знаменитый дворец, расположенный недалеко от Парижа – гордость Франции и самая узнаваемая королевская резиденция в мире.
Идея создания дворцового ансамбля принадлежала самому Людовику XIV. Он сам изучал все планы и картинки с набросками, вносил в них коррективы.
Правитель отождествлял Версаль с символом власти, демонстрируя таким образом её могущество и нерушимость. Его основной фасад раскинулся на 640 метров, а парк занимает более 100 гектаров.
Парк Версаля представляет собой образец французского регулярного парка, чарующий своим многообразием, красотой и целостностью. Здесь можно увидеть причудливо украшенные фонтаны, ботанические сады, оранжереи, бассейны, роскошные цветочные клумбы, и кустарники необычной геометрической формы.
Описать достопримечательности Версальского дворца просто невозможно, так как все в ансамбле настолько гармонично и изысканно, что любая деталь является настоящим произведением искусства. Его внешнее оформление, изящество интерьера и парковая зона выполнены в едином стиле, так, чтобы удовлетворить требовательный вкус короля и его свиты — этот комплекс был создан, чтобы по нему прогуливались только представители высшей аристократии.
И, несмотря на то, что мы с вами в большинстве своём не принадлежим к высокородным французским аристократам, мы тоже можем себе это позволить.
Так как первый аромат из нашей подборки от нишевого бренда Parfums du Château de Versailles так и называется — Promenade a Versailles Pour Elle, или Променад по Версалю.
Этот аромат был выпущен в 2014 году, однако, его производители уверяют, что создавали его по оригинальным формулам, восстановленным по архивным материалам времен Людовика XIV.
Это фруктово-цветочный шипр, но шипр очень мягкий, на основе пачули, а не дубового мха. Он начинается яркими цитрусами и ананасом, причем ананас, который очень многие любят, здесь очень даже отчетливо слышится. Затем в хор нот вплетаются белые цветы – жасмин, флердоранж, лилия и совсем немного розы. Пикантность им придает оттенок попкорна, который настолько хорошо встроен в формулу, что, не зная об этом, его довольно сложно вычленить. Ну, а база здесь цветочно-пачулевая в светлом, чистом мускусе.
В целом, это очень милый и женственный парфюм, который не претендует на особую оригинальность или нишевость, но он довольно приятный и качественно собранный.
Продолжая прогулку по Версалю, давайте поговорим о фаворитках королей, которые стали одной из самых ярких страниц эпохи барокко. Эти женщины играли важную роль в правлении государством, порой определяя даже судьбу страны.
В королевских семьях браки заключали исключительно по расчёту, преследуя политические или династические цели, там не было места романтике любви. Именно поэтому рядом с королями всегда были фаворитки. Эти дамы, как правило, были очень красивы и умны, и несомненно обладали особым обаянием. Титул фаворитки был официальным, поэтому они получали должность при дворе и должны были всюду сопровождать короля. И, конечно же, любовницы обладали огромным влиянием при дворе. Фаворитки задавали тон, определяли стиль и моду, флиртовали, плели заговоры и участвовали в интригах. И при этом, все им старались угодить, так как их расположение — это самый короткий путь к королю. Эти женщины обычно служили источником развлечения для королей, но некоторые из них сыграли большую роль в судьбе государства.
Зачастую фаворитки становились советниками и стратегами, влияющими на историю.
Одной из них была Франсуаза де Ментенон. Надо сказать, что эта незаурядная женщина очень сильно отличалась от привычного нам образа королевской фаворитки. Посудите сами, как пятидесятилетняя вдова, не слишком привлекательная, полная, строгая и несколько скучная смогла с легкостью привлечь внимание короля, обойдя всех более молодых и привлекательных соперниц? Да еще такого знаменитого ловеласа и гедониста как Людовик XIV! Берите ручки, и записывайте рецепт: нужно быть умной, образованной, религиозной, обладать добрым нравом, разбираться в людях и в политике, и, самое главное — с любовью воспитывать его детей.
Франсуаза д´Обинье, будущая Ментенон жила в доме всемогущей любовницы Людовика – мадам Монтеспан и была гувернанткой их с королем незаконнорожденных детей. Познакомившись с ней, Людовик был шокирован ее незаурядным умом, внутренней чистотой, бескорыстием и добротой, что в корне отличалось от избалованных и капризных дам его окружения.
Довольно быстро он без памяти влюбился в нее, но был отвергнут и отправлен к супруге. Королева настолько была благодарна Франсуазе за возвращение внимания мужа, что по прошествии нескольких лет, уж будучи при смерти, подарила ей свое обручальное кольцо. Мадам де Монтеспан стала второй официальной женой Людовика XIV и в браке с ним прожила около 30 лет.
Эпоха балов и чувственных удовольствий при дворе закончилась: король постился, читал духовную литературу и проводил вечера в душеспасительных беседах. За всем этим наблюдала строгая, но очень добрая и сердечная Франсуаза. Она была не только женой, но и доверенным лицом короля, с которым он советовался при принятии всех важных решений.
Именно этой неординарной женщине эпохи барокко посвящен наш следующий аромат от того же нишевого дома Parfums du Château de Versailles, который так и называется — Madame de Maintenon.
Он был создан в 2014 году и относится к группе восточных ароматов. Его композиция довольно скромна и включает в себя ноты мускуса, шафрана, жасмина, сандала, пачули и амбры.
Он имеет очень резкий шафрановый старт, который может даже отпугнуть, однако за ним раскрывается мягкое и доброе сердце аромата, звучащее цветочно-сандаловой дымкой, с амброй и пачулями, которая окутывает и создает уютное, расслабленное настроение. Он становится очень женственным и буквально очаровывает вас своей мягкостью.
В целом, парфюмерам на славу удалось в аромате передать характер нашей героини – строгий, несколько чопорный снаружи, и мягкий, добрый, женственный, уютный, искренний – внутри. Это прекрасный и очень достойный парфюм для взрослой и умной леди.
Жизнь двора эпохи барокко – это бесконечная череда балов и приёмов. Роскошные туалеты дам, высокие причёски, и, конечно же роскошные украшения – драгоценности эпохи барокко. По сравнению с предыдущими веками, ювелирные украшения в это время стали более изящными, утонченными и воздушными, появились орнаментальные элементы и флористические элементы. В них чаще всего использовали золото, серебро, разноцветные эмали, а также яркие драгоценные камни или крупные жемчужины необычной или же вытянутой формы.
Позднее за таким типом жемчуга даже закрепилось название — «барочный жемчуг».
Представители знати носили длинные многорядные жемчужные нити, серьги «жирандоль» с тремя жемчужными подвесками и крупные броши-склаважи в виде букетов или бантов с подвесками, которыми декорировали декольте, талию или шейную ленту. Одежду и обувь украшали драгоценными пряжками.
Именно эти роскошные украшения послужили источником вдохновения при создании аромата Jewel for Her от M. Micallef, или «Драгоценность». Он был создан в 2011 году и к настоящему времени, к сожалению, снят с производства, однако, если постараться, его еще можно найти в интернет-магазинах. Jewel for Her – это изумительный шипр, и, если вы являетесь любителем данного направления в ароматах – очень рекомендуем с ним познакомиться.
Этот шипр не является классическим, с точки зрения парфюмерии, т.к. здесь нет знаменитого шипрового аккорда, того самого — с дубовым мхом. Однако, его композиция составлена просто гениально, из нее ничего не выпирает, а все звучит единым слаженным оркестром.
Ведущую партию, конечно же, здесь исполняет роскошная, глубокая роза в окружении специй – пряных кардамона и кориандра, а также благородных пачулей. Свежесть аромату добавляет нота бергамота, а иланг-иланг и жасмин звучат только на подпевках, для создания букета и усиления полифоничности звучания. Аромат получился глубоким, изысканным и очень благородным. Он переливается нотами, как бриллиант в подвеске на тонкой, белой шее молодой аристократки на королевском балу в Версале.
Данный аромат очень специевый, розовый, пряно-пачулевый, ассоциирующийся с роскошью и дороговизной. Это хороший вкус и элегантность в чистом виде.
Стиль барокко отразился на всех областях жизни, в том числе и в одежде того времени. При дворе Людовика XIV царили строгий этикет, которому были подчинены и костюмы. Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли установившуюся здесь моду. Как же выглядела женщина эпохи барокко?
Прежде всего, она отвергала естественность, которая отождествлялась с дикостью и невежеством, заменяя её на вычурность и искусственную сложность всех форм.
Женщина барокко дорожила бледностью кожи, делала сложную причёску, носила корсет и искусственно расширенную юбку на каркасе из китового уса, а также изящную шелковую, парчовую или бархатную обувь на каблуках, украшенную пряжками. Сзади платья прикреплялся шлейф, по его величине определялась знатность дамы. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.
Идеалом мужчины в эпоху барокко становится «джентльмен» — изнеженный, рафинированно-утонченный и избалованный. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета. Он предпочитает брить усы и бороду, пользоваться духами и носить напудренные парики с локонами — обязательную принадлежность дворянского костюма. Парик в то время олицетворял величие и неприступность.
Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты надевали исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке носили туфли, украшенные популярными в то время бантами.
Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.
Именно с этими изысканными дамами эпохи барокко ассоциируется следующий аромат из нашей подборки — Moreta от итальянского нишевого дома Moresque.
Как гласит пресс-релиз аромата: «У испанцев есть слово, определяющее сногсшибательно привлекательную женщину. Очаровывая своей женственностью, она знает, как добиться внимания. Такую женщину они называют Moreta».
Чем же пахнет эта красотка? Это роскошный цитрусово-цветочный парфюм, где ярче всего проявляются ноты сладкого апельсина и иланг-иланга, оттененные пачулями и кедром. Здесь очень интересный мускус – он какой-то густой и слегка лактонный, благодаря ему создается ощущение, что цветы плавают в густом лимонно-апельсиновом креме. В целом, это очень изысканный и женственный аромат с ярким и узнаваемым звучанием.
Он обтекаемый, округлый, атласно-гладкий, без острых углов и противоречивых нот. У него веселый и солнечный характер, бездна обаяния, шикарное звучание и благородное ДНК. Он всегда вызывает улыбки и дарит хорошее настроение.
Если вы ищете парфюм, в котором на вас точно обратят внимание и захотят узнать его название – рекомендуем! А также, если вас интересуют небанальные, дорого звучащие, изысканные цитрусовые ароматы – это ваш вариант.
Как уже упоминалось в статье, центром появления и развития барокко был Рим. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти. Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Римского Климента VII, которая впоследствии стала прообразом всех архитектурных сооружений стиля барокко.
Барокко появился как стиль, демонстрирующий могущество и возвышенность церкви и аристократии в изменившихся политических условиях того времени. В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.
Необходимо было обновить Римско-католическую церковь, внести в неё свежую струю и восстановить её престиж, заметно упавший благодаря Реформации церкви.
Барокко должно было визуально выразить власть и могущество, оно должно было ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать людей. Простым в оформлении церквям протестантов противопоставляют роскошные католические храмы, украшенные богатой позолотой, лепниной, статуями, орнаментом, росписями, мозаиками, колоннами, взмывающими вверх куполами и различными видами благородного мрамора. Образцом нового стиля католических храмов стал Собор святого Петра в Ватикане. Его величественный вид потрясал воображение верующих того времени, и по сей день он является непревзойденным образцом высокой барочной архитектуры.
Именно с этими роскошными храмами ассоциируется следующий аромат из нашей подборки — Baghari 2006 от Robert Piguet. Этот парфюм, выпущенный в 2006 году является современной версией оригинального аромата — Baghari Robert Piguet, увидевшего свет в 1950 году.
Его пирамиду несколько упростили и осовременили, однако, как утверждают знатоки, они все равно очень похожи по звучанию.
Baghari 2006 — это очень классический альдегидный аромат, который придется по вкусу всем любителям этого направления. Если вам нравятся такие парфюмы как Chanel №5, Chanel №22, Arpege Lanvin, Caleche Hermès, Vega Guerlain и тому подобные, Baghari 2006 вас точно не разочарует! Он не является копией какого-либо из них, но он достойно продолжает эту линейку ароматов.
Итак, чем же он пахнет? Baghari – это восковые альдегиды с яркой розой, ванилью и жасмином на амбровой базе. Все это звучит очень благородно и классически элегантно. На протяжении всей жизни на коже аромат практически не меняется, только в начале звучит очень ярко и харизматично, а затем постепенно теплеет, садится ближе, становится ванильнее и медленно утихает.
Это аромат не на каждый день, для него необходимо подобрать образ и ситуацию. Его не наденешь с джинсами и кроссовками, здесь все гораздо тоньше и изысканнее.
Но, если вы с ним подружитесь и научитесь его носить, он сделает вас безупречно стильной!
Говоря о барокко, нельзя обойти вниманием искусство того времени, которое отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В живописи преобладают яркие цвета, а мифологические и религиозные темы дополняются сюжетами реальной жизни. Наиболее выдающимися представителями этого стиля стали Рубенс и Караваджо, а голландцы Рембрандт и Вермеер. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.
Вслед за живописью, меняется и скульптура. Мастера эпохи барокко отказываются от понятия пластического покоя. В их руках мраморные скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, создавший гениальные мраморные композиции, украшающие Собор Святого Петра в Ватикане.
Музыку эпохи барокко прославили Бах, Гендель и Вивальди.
Композиторы того времени объединяли музыкальные формы, пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.
Яркое, насыщенное цветом, звуком и солнечным светом искусство барокко ассоциируется со следующим ароматом из нашей подборки — Le Parfum Eau de Parfum Intense от Elie Saab. Он обладает таким же сочным, насыщенным и жизнеутверждающим характером, как и барочное искусство.
Этот аромат был создан в 2013 году знаменитым Francis Kurkdjian и является третьим ароматом в линейке, которая по замыслу должна отобразить красоту солнечного света в разные периоды дня. Данный парфюм предаёт очарование золота закатного солнца.
Это классический белоцветочный аромат, в котором ярче всего звучат ноты медового флёрдоранжа, смягченного илангом и подчеркнутого пряными пачулями с глубокой амброй. Этот парфюм напоминает густой и сладостный мёд, собранный в цветущем апельсиновом саду. Он очень глубокий, томный, жаркий и притягательный.
И, кстати, этот аромат очень нравится мужчинам – проверено на практике! Он собирает огромное количество комплиментов, так как именно такое подчеркнуто женственное звучание не оставляет сомнений, что перед ними Женщина с большой буквы!
Ну, и к тому же, он обладает хорошей стойкостью и довольно ярким звучанием.
Это очень достойный представитель качественного люкса.
Эпоха барокко подарила нам огромное количество великих и интересных личностей, среди которых одним из самых неоднозначных и скандальных был маркиз де Сад.
Донасьен Альфонс Франсуа де Сад — французский аристократ, политик, писатель и философ. Был проповедником идеи абсолютной свободы, которую не должны ограничивать ни нравственность, ни религия, ни право. Основной ценностью жизни он считал утоление стремлений каждой личности.
При жизни маркиз де Сад был в основном известен как писатель и философ — его перу принадлежат 14 романов, 6 исторических трудов, 2 эссе, 18 пьес и 9 политических памфлетов. Однако в настоящее время его имя ассоциируется совершенно с другими вещами. По его имени жестокие сексуальные отношения с причинением другому человеку боли или унижений, получило название «садизм». Впоследствии его стали употребляться и в более широком смысле.
Этот эксцентричный француз пропагандировал личную свободу каждого и бесконечное стремление к удовольствию вопреки всему.
Всей своей жизнью он доказывал свои философские воззрения и нарушал все мыслимые и немыслимые нормы общества и морали. За это его трижды приговаривали к смерти, и трижды ему удавалось избежать наказания. Практически всю жизнь он был в бегах, в итоге — разорился, лишился всей собственности и отказался от титулов, поддержав Французскую революцию.
И именно этой скандальной личности и посвящен наш следующий аромат от французского нишевого бренда Histoires de Parfums, который так и называется — 1740 Marquis de Sade, где цифры означают год рождения мятежного маркиза. Данный парфюм относится к «портретной» линейке дома, где каждый аромат посвящен какой-то исторической личности и назван годом, который для нее является значимым. Маркиз де Сад – один из самых популярных ароматов данной серии парфюмов.
Чем же по мнению парфюмеров пах Маркиз де Сад? Это очень брутальный кожаный аромат. Причем, кожа здесь не нежная и изысканная, это не замша или перчатка, это настоящее седло со специями, берёзовым дёгтем, горьковатым бессмертником, кисло-свежим бергамотом, кедром и лабданумом.
В целом получился очень неоднозначный аромат, под стать той неординарной и спорной личности, которой он посвящен. Кто-то считает его шедевром, а для других он стал настоящим кошмаром. Пробуйте, причем неоднократно, чтобы составить свое личное мнение.
Он заявлен как унисекс, однако, больше подойдет мужчинам. Но, если вы смелая девушка и не боитесь рискованных экспериментов во всех отношениях – пробуйте, возможно он станет тем самым незабываемым штрихом, который придаст характер и харизму вашему образу!
10 лучших композиторов эпохи барокко | Граммофон
Примерно с 1600 по 1750 годы в эпоху барокко были созданы одни из величайших музыкальных шедевров, когда-либо созданных
Баха называют «высшим арбитром и законодателем музыки». Он для музыки то же, что Леонардо да Винчи для искусства и Шекспир для литературы, один из величайших творческих гениев истории.
Основная запись Страсти по Матфею
Солисты; Trinity Boys Choir, Monteverdi Choir, English Baroque Soloists / сэр Джон Элиот Гардинер (Запись месяца, апрель 2017 г.
; номинирована на премию Baroque Vocal Award 2017 г.) Прочитать обзор
Узнать больше Граммофон Подарки И. С. Баха
С Антонио Вивальди музыка итальянского барокко достигла своего апогея.Процветающий, культурный мир современной Венеции просвечивает во всех его работах, созданных с врожденным мастерством.
Основная запись Времена года
Rachel Podger vn Brecon Baroque (выбор редакции, май 2018 г.; номинирован на премию Gramophone Concerto Award 2018 г.)
Читать обзор
Узнать больше Подкаст: Мартин Фрост о Вивальди для кларнета
Гендель — один из гигантов музыкальной истории.Его веселая, уверенная, мелодичная музыка пропитана изяществом итальянской вокальной школы, легким владением немецким контрапунктическим письмом и английской хоровой традицией, унаследованной от Перселла.
Основная запись Мессия
Солисты; Dunedin Consort and Players / John Butt (лауреат премии Gramophone Baroque Vocal Award 2007) Прочитать обзор
Узнать больше 50 величайших записей Генделя
Подписаться на Gramophone легко , вы можете выбрать, как вы хотите получать удовольствие от каждого нового выпуска (наш красиво оформленный печатный журнал или цифровое издание, или и то, и другое), а также хотите ли вы получить доступ к нашему полному цифровому архиву ( вплоть до нашего самого первого выпуска в апреле 1923 года) и беспрецедентную базу данных обзоров, охватывающую 50 000 альбомов и написанную ведущими экспертами в своей области.
Чтобы найти идеальную для вас подписку, просто посетите: gramophone.co.uk/subscribe
Многие считают Перселла величайшим английским композитором всех времен.
Среди его самых влиятельных произведений — опера «Дидона и Эней » и полуоперы «Королева фей» и «Король Артур ».
Основная запись Королева фей
Люси Кроу, Клэр Дебоно, Анна Девин; Глайндборнский хор и оркестр эпохи Просвещения / Уильям Кристи (DVD месяца, октябрь 2010 г .; премия Gramophone 2010 г. за выступление на DVD) Читать обзор
Узнать больше Тони Палмер: «Как мы сделали Англию, мою Англию»
Монтеверди, композитор, соединивший эпохи Возрождения и барокко, по праву может считаться одной из самых влиятельных фигур в истории музыки.Среди его наиболее заметных произведений — оперы Orfeo и L’incoronazione di Poppea .
Основная запись Вечерня
Taverner Consort / Andrew Parrott (Лучший выбор в нашей статье Gramophone Collection в июне 2010 г.
) Прочитать обзор
Узнать больше Мой любимый момент Монтеверди… (Дэвид Викерс рассказывает ведущим музыкантам об их любимых моментах из произведений Монтеверди)
Шютц был величайшим немецким композитором 17 века и первым композитором международного уровня.
Основная запись Musicalische Exequien
Vox Luminis / Lionel Meunier ( Граммофон Запись года 2012) Прочитать обзор
Узнать больше Домашняя страница Schütz
Скарлатти написал огромное количество инструментальной музыки, благодаря которой он наиболее известен, в частности сонаты для клавишных. Эти работы неизмеримо расширили жанр, привнеся виртуозность и блеск, которые открыли новые горизонты.
Основная запись Сонаты
Евгений Судьбин pf (Запись месяца, апрель 2016; номинирована на премию Gramophone Instrumental Award 2016) Читать обзор
Узнать больше Домашняя страница Scarlatti
Хотя он не разбирался в либретто, он поднял музыкальную сторону оперы на новый уровень и ввел в свои балеты много новых описательных эффектов — французы любили их — например, землетрясение в Les Indes galantes .
Основные записи Увертюры
Les Talens Lyriques / Christophe Rousset (лауреат премии Gramophone Baroque Non-Vocal 1998 г.) Читать обзор
Узнать больше 10 лучших записей Рамо
Корелли был главным основоположником современной оркестровой игры и композитором, создавшим две новые музыкальные формы: барочное трио и сольную сонату, а также Concerto Grosso .
Essential Recording Complete Concerti Grossi
Amandine Beyer vn Gli Incogniti (Выбор редакции, февраль 2014 г.; номинирован на премию Gramophone Baroque Instrumental Award 2014) Прочитать обзор
Узнать больше 10 лучших записей Corelli
Телеман был, вероятно, самым плодовитым композитором в истории музыки. Он написал почти столько же, сколько Бах и Гендель вместе взятые (и каждый из них написал озадачивающее количество), включая 600 французских увертюр или оркестровых сюит, 200 концертов, 40 опер и более 1000 произведений церковной музыки.
Основная запись Концерты и кантата Ihr Völker Hört
Clare Wilkinson mez Florilegium (Выбор редакции, сентябрь 2016 г.; номинирован на премию Gramophone Baroque Instrumental Award 2017) Прочитать обзор
Узнать больше Домашняя страница Telemann
Спасибо, что посетили…
Мы пишем о классической музыке для наших преданных и знающих читателей с 1923 года, и мы будем рады, если вы присоединитесь к ним.
Чтобы найти идеальную подписку, просто посетите: gramophone.co.uk/subscribe
Переименование барокко: альтернативная история искусства Курсовая работа
Весной 2017 года я попросил студентов, изучающих искусство барокко в Государственном университете Фрамингема, переименовать барокко. Я стремился создать задание, которое функционировало бы как альтернатива традиционной курсовой работе по истории искусства, проверяло бы понимание учащимися характеристик искусства 17 го века и побуждало их к творческому мышлению.
Преподаю курсы по эпохе Возрождения и барокко, я регулярно начинаю с обсуждения названия, используемого для описания периода. Я включаю не только объяснение того, что означает «Ренессанс» или «барокко» и как это определение относится к периоду, но и призываю студентов задуматься над уместностью названия. Например, я прошу своих студентов подумать о влиянии использования слова с некоторыми негативными ассоциациями («барокко» как термин, происходящий от португальского слова, обозначающего неправильную жемчужину).) Читая эту лекцию, я часто делал небрежное замечание типа «но лучшего термина не придумали». Мне пришло в голову, что я могу поставить эту задачу своим ученикам.
Затем я заменил традиционную курсовую работу в своем курсе по барокко на «Переименовывая барокко», признав, что это новое задание может проверить понимание учащимся визуальных характеристик и тем искусства в той же степени, что и традиционное задание. Класс представлял собой 300-уровневый лекционный курс с 18 студентами; большинство из них были мастерами студии или истории искусства и прошли вводный курс истории искусства.
Я представил это задание не только как проверку стилей и тем того периода и способности учащихся к визуальному анализу, но и как возможность для творчества, чтобы, возможно, повлиять на то, как искусствоведы думают об искусстве 17 -го -го века, и подчеркнуть моим студентам произвольный характер разделительных линий, которые ученые установили, создавая исторические периоды. Я назначил статью Хасока Чанга «Плюрализм против периодизации» [1] в качестве связанного чтения. Я хотел, чтобы это чтение, в котором критикуется использование технологических достижений как метода описания эпох в истории науки, стимулировало мысли студентов о научной проблеме разделения истории.Я выбрал эту статью из-за краткой критики устоявшегося подхода к периодизации в родственной дисциплине, но подойдет любая научная работа, посвященная вопросу периодизации. Например, при использовании этого задания в курсе Ренессанса я назначаю первые страницы книги Кеннета Бартлетта «Краткая история итальянского Возрождения» , в которой рассматриваются традиционные определения эпохи Возрождения и историографическое наследие Джейкоба Буркхардта.
[2]
Караваджо. Призвание святого Матфея (1599–1600).Часовня Контарелли, Сан-Луиджи-дей-Франчези, Рим
В целом бумаги были солидные. В то время как предложенные названия в целом были более или менее такими, как я ожидал («Театральный век», «Эпоха света и тьмы» и т. д.)[3] или промахивались («The Neo Outré Renaissance», «17 -й -й век классического и эллинистического искусства возрождения»), в классе учащиеся написали убедительно. Лишь несколько студентов выбрали имена, принципиально не отражающие период.В первую очередь я оценивал степень, в которой студент приводил убедительные примеры в поддержку своего имени; поэтому, даже когда студенты не выбирали убедительного названия, многие все же демонстрировали твердое понимание визуальных характеристик и функций произведений, охваченных в курсе, посредством описания тематических и визуальных тенденций и выбранных примеров.
Моя оценка была сосредоточена на демонстрации учащимися навыков визуального анализа, выявления закономерностей в работах по внешнему виду в разных странах и критического мышления, обоснования нового имени с помощью убедительной аргументации, подкрепленной соответствующими примерами.
Моя оценочная рубрика состояла из 25% создания убедительного нового имени, 50% демонстрации знания стиля того периода и 25% грамматики и синтаксиса. Большинство студентов получили пятерку за свою работу, что является более высоким процентом пятерок, чем на предыдущих курсах с традиционной курсовой работой. Остальные оценки были либо B, либо ниже из-за проблем с письмом или опоздания. Тот факт, что оценки учащихся в целом были выше, чем обычно, свидетельствует о том, что учащиеся чувствовали себя более заинтересованными и писали с большей убежденностью и/или уделяли письму больше усилий.
Задание успешно оценило, насколько хорошо учащиеся усвоили материал курса. Даже когда выбранное название не было совершенным, учащиеся продемонстрировали свое понимание визуальных характеристик того периода, таких как «использование света и тьмы [для] создания драмы» и «неустанное внимание к натурализму», а также предполагаемую функцию многие работы, в частности эмоциональное воздействие католической Контрреформации, описанное одним студентом как искусство, «призвано шокировать и трепетать своих зрителей.
Большинство студентов продемонстрировали эти идеи, ссылаясь на соответствующие примеры, идентифицируя, например, тенебризм в « Призвании святого Матфея» Караваджо или попытку создать доступные эмоциональные реакции в таких произведениях, как « Экстаз святой Терезы» Бернини.
Франческо Борромини. Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане (Сан-Карлино). Освящен 1646 г.
Читатели, знакомые с барокко, заметят, что студенческие работы тяготели к Италии, отражая основную проблему в газетах.Хотя в задании студентов просили придумать название, подходящее для работ как из Южной, так и из Северной Европы, многие студенческие работы не относятся к Северу. Этот недостаток проявлялся в отсутствии примеров, взятых из Англии, Фландрии и Голландской республики, но еще больше в названиях, многие из которых не отражали визуальные характеристики искусства этих стран. Возьмем, к примеру, предложенное название «Период Святых видений»; студент сосредоточился на библейском вдохновении искусства того периода, игнорируя растущую популярность пейзажей и жанровых сцен в Голландии.
Однако некоторые учащиеся успешно определили связи между различными странами, включенными в учебную программу. Один студент связал театральные элементы в творчестве Веласкеса и Рубенса с искусством и архитектурой Контрреформационной Италии в поддержку предложенного названия «Драматургический период». Другой студент, выступая за «эпоху инноваций», указал на «экспериментирование с новыми жанрами в Голландии». Итальянский уклон, возможно, можно было ожидать, учитывая, что статья должна была быть представлена примерно на ¾ курса, а это означало, что студенты сдали работу до того, как мы полностью рассмотрели Голландскую республику.Если бы эта работа была назначена в конце семестра, ответы могли бы быть другими.
Студенческие работы отразили проблематичность периодизации и важность языка. Многие студенты обрамляли свои работы вступительными абзацами, в которых говорилось, почему «барокко» не подходит, либо потому, что его первоначальное значение предполагало «неправильный» стиль, который не подходит ни к чему совершенно правильному [и] может считаться периодом «плохого искусства».
или потому, что он «не отражает все различные стили периода барокко; он суммирует итальянский и испанский стили, но, похоже, не соответствует стилям Англии, Франции и Голландии.Другой утверждал, что его название «Период больших деталей» было лучше, чем «Барокко», потому что его было легче понять. В целом я был удивлен тем, насколько студенты увлеклись критическим упражнением, лежащим в основе задания, и я был рад видеть готовность студентов принять дух задания, бросить вызов установленной парадигме и уверенно предложить собственную интерпретацию.
Оценки учащихся были самым неожиданным аспектом введения этого задания.Студенты в целом отметили, что им понравилось задание; оценки описали его как «более интересный, чем« обычная работа по анализу живописи, которую есть в большинстве курсов истории искусства », и как тот, который «бросил мне вызов, как никогда раньше, с моим анализом и критическим мышлением». Один студент заметил, что это заставило его или ее «задуматься о периоде в целом».
Не менее трех студентов использовали слово «критическое» при оценке задания, заметив, например, что «хотя работа была для меня вызовом, она помогла мне доказать, что я училась на уроке, и заставила меня критически относиться к работам.«Я был в восторге от того, насколько учащиеся определили, как задание позволило им продемонстрировать визуальный анализ и критическое мышление, которые они развили в классе. То, что эти навыки были очевидны, по крайней мере, для некоторых студентов, означало, что задание было хорошим и его стоило использовать в будущих курсах, а один студент даже предложил повторить задание.
Артемизия Джентилески. Юдифь, убивающая Олоферна, 1614–1620 гг.
Это задание на «переименование» достаточно гибкое, чтобы его можно было использовать в любом курсе.В настоящее время я использую его на курсах барокко и ренессанса, и его можно было бы адаптировать для вводного опроса, где студенты могли бы выбрать, какой период переименовать. Такое задание может быть особенно интересным, так как учащимся нужно будет обосновать, почему они выбрали именно этот период для переименования.
Это задание также работает в разных форматах. В текущем курсе Высокого Возрождения я предлагаю студентам делать презентацию в классе, а не письменное задание, и задание может быть адаптировано к дополнительным письменным или классным форматам, таким как серия структурированных вопросов или дебаты в классе.
+++
Микеланджело Меризи да Караваджо, Призвание святого Матфея, Капелла Контарелли, Сан-Луиджи-деи-Франчески, Рим, 1599–1600 гг. (холст, масло). Получено с http://library.artstor.org.proxy.bc. образование/актив/ARTSTOR_103_41822000573889
Джанлоренцо Бернини, Экстаз святой Терезы , Часовня Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, 1645–1652 гг. (мрамор и позолоченная бронза). Получено с http://library.artstor.org.proxy.bc.edu /актив/AWSS35953_35953_31698042
[1] Хасок Чанг, «Плюрализм против периодизации», Isis 107, вып.4 (2016).
[2] Кеннет Бартлетт, Краткая история итальянского Возрождения (Торонто: University of Toronto Press, 2013), стр.
1-7.
[3] Студентам была предоставлена возможность отказаться от включения своих статей в будущие научные работы, такие как доклад или статья на конференции; никто не решил отказаться.
Лучшие и самые причудливые оскорбления — микростихи на века ‹ Литературный центр
В древнем искусстве обзывания есть свои мечтатели-поэты и низколобые оппортунисты.В лагере мечтателей есть покойный критик Клайв Джеймс, который однажды назвал Арнольда Шварценеггера «коричневым презервативом, полным грецких орехов». И есть покойный журнал Spy , который несколько десятилетий назад правильно определил Дональда Трампа как «короткопалого вульгарина». На низколобом фронте есть, ну, Трамп, который никогда не демонстрировал особого воображения, но умел забивать гвоздь — «Кривая Хиллари» — снова и снова.
Последним новатором в этой постоянно развивающейся области является Джейк Таппер, который вместе с Джейком Таппером ведет программу CNN The Lead. Несколько недель назад Таппер нацелился на сторонников взъерошенного премьер-министра моей страны Джастина Трюдо.
Таппер освещал распространение вакцины в Канаде, называя это в прямом эфире «настоящим провалом правительства Трюдо…». Позже в Твиттере он написал: «Осторожнее с признанием фактов, иначе Тру-Анон нападет на вас».
Тру-Анон! Умная адаптация Таппера «QAnon» — название культа тупиц, которые верят, что демократы, элита и другие сатиры управляют глобальной сетью педофилов — бурлила в правой колонке главной страницы Twitter, грязный акведук, который объясняет что в тренде в любой момент.Консерваторы, естественно, восхищались чеканкой Таппера, но не нужно было быть правым или даже соглашаться с Таппером в отношении сторонников Трюдо, чтобы восхищаться поэтическими отбивными.
Обзывание не обязательно должно быть точным, чтобы быть эффективным. Рассмотрим случай с Амандой Нокс, американской студенткой по обмену в Италии, которая была арестована в 2007 году за убийство своей соседки по комнате во время предполагаемой неудачной оргии. Таблоиды быстро ухватились за старое прозвище Нокс — «Фокси Нокси», которое она приобрела, играя в футбол в детстве, — и использовали его в качестве оружия против осажденной молодой женщины.
(Нокс провел четыре года в тюрьме и в конце концов был оправдан.) За темной стороной прозвища часто скрывается вредоносное оскорбление.
Тем не менее, точное оскорбление просто оскорбление. Это скальпель: острый, легкий и компактный. Он режет до гнилой сердцевины. Как удачно фраза «Хитрый Дик» попала в сморщенное сердце вечно скрюченного Ричарда Никсона. (Его враги уже пробовали «Дик Трейси».) Но знаете ли вы, что некая Хелен Гахаган Дуглас, демократ, носила имя «Хитрый Дик» во время политической кампании 1950 года, и что это имя не было рождено Уотергейтом? И я нет!
Но тогда истинная поэзия часто выходит за пределы своего автора, выходит за пределы своего первоначального контекста и рассеивается в культуре.Журналист Пол Гринберг придумал «Ловкого Вилли» в 1980 году, после выступления Билла Клинтона, тогдашнего губернатора штата Арканзас, на Национальном съезде Демократической партии. Гринберг возражал против того, как Клинтон представлял себя частью линии прогрессивных губернаторов, тогда как, по мнению Гринберга, Клинтон нарушил эту линию.
«Ловкий Вилли» родился в Pine Bluff Commercial , но вскоре отрастил ноги сороконожки и помчался вслед за Клинтоном, с частыми остановками в прозе консерваторов. Нравится нам это или нет, убийственное оскорбление становится частью запаса народных поговорок.Становится всем.
Наименее совершенные, но самые первобытные оскорбления — это те, которые наши сверстники обнаруживают в начальной школе, напевая звуки, которые издают наши несчастные имена. В старом Seinfeld подруга Джерри Долорес описывает «безжалостные» насмешки, которым она подвергалась из-за того, что у нее было имя, которое, по ее словам, «рифмуется с частью женской анатомии». Джерри на данный момент на самом деле не знает ее имени и стесняется спросить. Таким образом, он вынужден обдумать возможность «Мулва.Вставьте трек смеха.
На темной стороне прозвища часто скрывается вредное пятно. Рифма — одно из первых поэтических средств, к которому прикоснется школьник-любитель. Никто не зашел слишком далеко с моей фамилией — «Гуриэль» — дактилическое и сбивающее с толку — даже если были мужественные попытки использовать вариации «Девушка», «Горилла» и «Гриль Сыр».
Некоторые рифмы представляют собой безыскусные мэшапы, которые, тем не менее, цепляют («Губернатор»), в то время как другие настолько органичны и очевидны, что, должно быть, были придуманы на склонах Парнаса («Обама без драмы»).
Затем идут рифмы как базовые , так и блестящие, объединяющие Падшую Землю и Небесный Небосвод. В темные, неграмотные века до изобретения RhymeZone требовался гений вроде лорда Байрона, чтобы понять, что делать с «Вордсвортом». Плодотворное, вдохновенное решение Байрона: «Тердсворт».
Настоящий стилист избегает очевидного и прикладывает усилия. Печально известное описание Кристофером Хитченсом Нобелевского лауреата и святой Матери Терезы — «вороватого, фанатичного албанского карлика» — настолько барочно, что практически имеет свой собственный купол и расписной потолок.Это не может не запомниться.
В самом деле, поэт Роберт Фрост однажды заметил: «Самое большое честолюбие — поместить несколько стихотворений туда, от которых будет трудно избавиться…» Это, несомненно, цель обзывательства, стремящегося создать поэзию на века.
«Деревня-толкователь, — сказала Гертруда Стайн об Эзре Паунде, — отлично, если ты был деревней, но если ты ею не был, то нет». В пренебрежительном отношении Штейна есть тонкая музыка: изысканная аллитерация «объяснитель» и «отлично» и убийственное повторение «не», того второго «не» гвоздь.Конечно, не нужен , чтобы обладать таким талантом, как у Штейна, чтобы делать легкую палку. Как только мы услышали «Tricky Dick», мы застряли на нем.
А гонка вооружений Твиттера только обостряет искусство. Зингеры выпущены как пробные воздушные шары. Колючки проверены, отшлифованы. Неустанное превосходство, ставшее возможным благодаря платформам лучших игроков из Силиконовой долины, гарантирует, что до горячей фразы — «Tru-Anon» — всегда рукой подать. Один из величайших ужасов 21-го века — а их уже было так много — состоит в том, что каждый является потенциальным автором заголовков.Вы можете проконсультироваться с RhymeZone, когда будете называть своего потомка. Вы можете отключить упоминания.
ПРЕСС-РЕЛИЗ: Ричард Эгарр назначен следующим музыкальным директором PBO
National Public Relations:
Amanda Sweet, Bucklesweet Media
347-564-3371
[email protected]
17 января 2019 г.
САН-ФРАНЦИЗО — Президент совета Philharmonia Baroque Orchestra & Chorale (PBO) Кей Спринкель Грейс и исполнительный директор Кортни Бек объявили сегодня, что Ричард Эгарр подписал пятилетний контракт на должность следующего музыкального руководителя ансамбля.Эгарр станет вторым музыкальным руководителем за почти 40-летнюю историю PBO; он сменит Николаса МакГигана, который будет занимать эту должность 35 лет по окончании сезона 2019/20. Эгарр присоединится к PBO в начале сезона 2020/21, когда его титул будет назначен музыкальным директором, поскольку он продолжает работать музыкальным директором Академии старинной музыки. В сезоне 2021/22 он примет на себя должность музыкального директора.
«Я рада назначить Ричарда Эгарра новым музыкальным руководителем Филармонии, — сказала исполнительный директор Кортни Бек.
«Ник МакГеган заложил необыкновенный фундамент, на котором Ричард может строить. Ричард — выдающийся и уникальный дирижер, который невероятно владеет репертуаром в стиле барокко, классики и раннего романтизма и с энтузиазмом поддерживает новую музыкальную инициативу PBO. Зрители иногда увидят, как Ричард дирижирует на клавесине; Я уверен, что в ближайшие сезоны мы также увидим его на сольных концертах, возможно, с другими известными соавторами. У Ричарда есть новые идеи о репертуаре и солистах, а также интересные идеи о крупных проектах, основанных на том, что PBO так хорошо делает.Он подходит к миру классической музыки и поп-культуры с одинаковым любопытством и обладает всеядным музыкальным вкусом. Зрители любят его, потому что он общительный и естественный учитель, а то, что он черпает из оркестра, глубоко на многих уровнях. То, что вы видите, это то, что вы получаете с Ричардом: приземленный артист, который любит музыку и людей независимо от их происхождения».
«Я очень взволнован и очень взволнован своим назначением в Philharmonia Baroque Orchestra & Chorale, — сказал Эгарр.
«У меня был прекрасный контакт с игроками и всей организацией во время моих предыдущих обязательств, и я не могу быть более честен и предан своей предстоящей роли. Я надеюсь продолжить замечательную работу, которую Ник проделал до сих пор. Я также надеюсь вдохновлять, углублять и развивать репертуар и игру. Предстоит еще многое сделать и привнести новые подходы в мир исторических перформансов, и я благодарен и очень рад возможности продолжить свою работу в этой области с PBO».
Эгарр уже хорошо известен музыкантам PBO, поскольку с 2012 года он трижды дирижировал оркестром в качестве гостя как в их обычной, так и в альтернативной серии концертов.Он занимал должность музыкального директора Академии старинной музыки с 2006 года, сменив директора-основателя Кристофера Хогвуда. В дополнение к должности музыкального директора в PBO, Эгарр также недавно был назначен артистическим партнером Камерного оркестра Святого Павла и главным приглашенным дирижером оркестра Residentie Orkest в Гааге.
Как режиссер, Эгарр колеблется между исторически обоснованным исполнением и современным симфоническим исполнением, что делает его идеальным кандидатом для параллельной приверженности PBO старинной и новой музыке.Эгарр шесть лет работал на факультете Джульярдской школы в отделе исторических представлений, а в августе 2018 года он дебютировал с фестивальным оркестром «В основном Моцарт» в Линкольн-центре. Эгарр родился в Линкольне, Англия, и уже более 20 лет живет в Амстердаме.
«Совет директоров и я очень рады, что наняли Ричарда Эгарра, дирижера с выдающимся талантом, харизмой и репутацией, — сказала Кей Спринкель Грейс. «Филармония добилась национального и мирового признания, что стало кульминацией почти 35-летнего музыкального лидерства Николаса МакГигана.Этот высокий уровень мирового признания сыграл важную роль в том, что Ричард Эгарр принял эту должность, и мы с нетерпением ждем новой динамичной эры впереди».
О Ричарде Эгарре
Ричард Эгарр привносит радостное чувство приключений и острый, пытливый ум во все свое музыкальное творчество — будь то дирижирование, дирижирование клавишными, сольные концерты, исполнение камерной музыки и даже разговоры о музыке при каждой возможности.
Музыкальный директор Академии старинной музыки с 2006 года, в сентябре 2019 года он добавляет две новые обязанности в качестве главного приглашенного дирижера Residentie Orkest в Гааге и художественного партнера Камерного оркестра Святого Павла в Миннесоте.Он был ассоциированным артистом Шотландского камерного оркестра с 2011 по 2017 год, дирижировал крупными симфоническими оркестрами, такими как Лондонский симфонический оркестр, Королевский симфонический оркестр, Королевский симфонический оркестр, Сиэтлский симфонический оркестр и Филадельфийский оркестр, а также выступал с ведущими барочными ансамблями, такими как Philharmonia Baroque Orchestra & Chorale и The Philharmonia Baroque Orchestra & Chorale. Общество Генделя и Гайдна. Он регулярно дает сольные концерты на клавесине в Вигмор-холле, Карнеги-холле, Смитсоновском институте и других местах.
В 2018/19 году Эгарр дирижирует «Nullte» Брукнера и Бетховена 5 с Residentie Orkest, Шумана 2 с Симфоническим оркестром Юты и Шуберта 9 с Обществом Генделя и Гайдна.
Он дебютирует с Симфоническим оркестром Цинцинатти с Бахом и Вивальди и возвращается в Симфонический оркестр Сиэтла и Камерный оркестр Святого Павла для Генделя и Перселла. Он также возвращается в Токийский камерный оркестр Kioi Hall для Баха и Вивальди, в Шотландский камерный оркестр для большего количества Генделя и в Сеульскую филармонию для Моцарта. Он дает сольные концерты на клавесине в Wigmore Hall, Tokyo Spring Festival и в Madrid Auditori. Основные моменты сезона с Академией старинной музыки в Барбикан-центре включают Дидону и Энея Перселла (постановка) и редко исполняемую «Страсть по Брокесу» Генделя, а также его первое сотрудничество с фестивалем Grange (постановка Nozze di Figaro).
В начале своего пребывания в ААМ Эгарр основал Хор ААМ; оперы и особенно оратории Генделя составляют основу его репертуара. Он дебютировал в Глайндборне в 2007 году, дирижируя постановочной версией «Страстей по Матфею». Он поставил Моцарта La Finta Giardinera, цикл Монтеверди и оперы Перселла с Академией старинной музыки в Барбакане, а также поставил постановки La clemenza ди Тито, Свадьба Фигаро и Синьор Брускино Россини в Нидерландской оперной академии.
Он долгое время преподавал в Амстердамской консерватории и в течение шести лет преподавал в отделении исторического исполнительского мастерства Джульярдской школы.
Обширная дискография Эгарра на Harmonia Mundi включает сольные клавишные произведения И. С. Баха, Генделя, Моцарта и Луи Куперена. Его длинный список записей с Академией старинной музыки включает семь дисков Генделя (премия Gramophone 2007 г., награды MIDEM и Эдисона 2009 г.) и «Страсти по Иоанну и Матфею» И. С. Баха на собственном лейбле AAM.Его последний сольный диск Берда и Свелинка появился в мае 2018 года на лейбле Linn Records, который также выпустил его исполнение HMS Pinafore Гилберта и Салливана в прямом эфире на Эдинбургском международном фестивале 2015 года.
Эгарр учился на певца в Йоркском соборе, в Музыкальной школе Четема в Манчестере и на органиста в Клэр-колледже Кембриджа. Его учеба с Густавом и Мари Леонхардт в Амстердаме еще больше вдохновила его на работу в области исторического перформанса.
Ричард Эгарр представляет Intermusica в Лондоне.
О Филармонии Барочный оркестр и хорал
Под музыкальным руководством Николаса МакГигана в течение последних 33 лет Филармонический барочный оркестр и хорал (PBO) признан ведущим американским ансамблем с историческими данными. Используя аутентичные инструменты и стилистические условности от барокко до раннего романтического периода, оркестр привлекает публику своей фирменной серией Bay Area, национальными турами, записями, заказами и образовательными проектами самого высокого уровня.Ансамбль, основанный в районе залива Сан-Франциско 37 лет назад, является крупнейшим в своем роде в Соединенных Штатах и известен своей универсальностью в программировании и веселыми выступлениями.
Музыканты PBO являются одними из лучших в стране и работают, в частности, на факультетах Джульярдской школы, Гарварда и Стэнфорда. Оркестр проводит ежегодный сезон подписки на четырех площадках в районе залива Сан-Франциско, а также популярную серию альтернативных концертов оркестра для молодой и новой аудитории — PBO SESSIONS, билеты на которые регулярно распродаются с момента его создания в 2014 году.
В апреле 2017 года PBO исполнила современную премьеру оперы Рамо «Храм славы». Полностью поставленная опера включала в себя международный состав певцов и танцоров, а также знаменитые аншлаговые зрители и признание критиков со всего мира.
Каждый сезон приглашает выдающихся приглашенных артистов, таких как меццо-сопрано Сьюзен Грэм и Энн Софи фон Оттер, контртенора Андреаса Шолля, виолончелиста Стивена Иссерлиса, фортепианиста Эмануэля Экса и маэстро Хорди Савалла и Ричарда Эгарра. Оркестр активно сотрудничает, в том числе постоянно сотрудничает с танцевальной группой Марка Морриса и регулярно гастролирует по таким площадкам, как Карнеги-холл, Линкольн-центр, Концертный зал Уолта Диснея, Тэнглвуд и Вейл-холл в Green Music Center.В июле 2017 года PBO совместно с Энтони Ротом Костанцо и National Sawdust в Бруклине выступила сопродюсером получившей признание критиков современной адаптации «Aci, Galatea e Polifemo».
Один из самых записываемых оркестров в мире, PBO может похвастаться дискографией из более чем 40 записей и запустил собственный лейбл в 2011 году, на котором выпустил десять записей, в том числе заветное архивное выступление меццо-сопрано Лоррейн Хант Либерсон в опере Берлиоза « Les Nuits D’été», а также запись симфоний Гайдна, номинированная на премию «Грэмми».
Оркестр выпустил запись своей современной североамериканской премьеры Алессандро «La Gloria di Primavera» Скарлатти, которая совпала с туром в мае 2016 года, и выпустил запись мировой премьеры оригинальной версии «Le Temple de la Gloire» Рамо с неотредактированное либретто Вольтера в июле 2018 г.
В 2015 году Филармония запустила свою инициативу «Евреи и музыка» — постоянную работу по изучению и пониманию отношений между евреями и музыкой с 17 по 21 века.Инициатива привносит еврейский исторический контекст в классическую музыку и предоставляет возможности для значительного сотрудничества с SFJCC, Еврейским современным музеем, Oshman JCC и The Magnes Collection в Калифорнийском университете в Беркли, среди прочих. В 2016 году Гарвардский и Йельский университеты пригласили PBO представить «Евреи итальянского еврейского гетто XVII века» с работами Саломоне Росси и Монтеверди. Программа была повторена в Чикагском университете в апреле 2018 года и названа Chicago Times «блестящей… стильной, точной и выразительной».
PBO запустила инициативу «Новая музыка для старых инструментов» в 2016 году, чтобы заказать и исполнить новые произведения, написанные специально для старинных инструментов. Недавние заказы включают совместную работу с Лондонским оркестром эпохи Просвещения с композитором Салли Бимиш, две работы лауреата Пулитцеровской премии композитора Кэролайн Шоу, первое произведение для меццо-сопрано Анны-Софи фон Оттер, мировая премьера которого состоялась в Уолте Диснея. Концертный зал в апреле 2016 года, а затем второе произведение в цикле песен для сопрано Доминик Лабелль в 2017 году.Премьера третьего произведения состоится в Линкольн-центре в 2019 году. Кроме того, PBO заказала «В ад и обратно» научного сотрудника Гуггенхайма Джейка Хегги. В будущих сезонах Кэролайн Шоу, Мэтью Окойн и Мэйсон Бейтс получат новые заказы.
Чтобы воспитать новое поколение исторически обоснованных исполнителей, Филармония и программа Исторического перформанса Джульярдской школы объединились, чтобы собрать звездных учеников
из Juilliard415, знаменитого школьного ансамбля старинных инструментов, чтобы попрактиковаться и выступить вместе с опытными профессионалами PBO.
Ежегодные резиденции включают мастер-классы, коучинг и завершающую презентацию наставников PBO и студентов J415.
Philharmonia Baroque Orchestra был основан клавесинистом и пионером старинной музыки Лоретт Голдберг. Николас МакГиган станет лауреатом премии музыкального директора в сезоне 2020/21.
###
Что такое «Барокко Обама»? Распространенное неправильное написание имени бывшего президента вдохновило на создание славного мема
Итак, эй, а вы знали, что мемы «Барокко Обама» — это вещь? До сегодняшнего дня я этого не делал.Я даже не знал, что такое «барочный Обама», хотя одно только имя, когда я его встретил, дало мне довольно хорошее представление о том, чего ожидать: образы искусства барокко (или, ну, классического искусства — мои знания история искусства неоднородна, но я не совсем уверен, что все изображения, используемые для этих мемов, на самом деле барочные) с лицом Барака Обамы, стратегически отфотошопленным в выбранных местах.
Одним словом, это приятно. Приходить. Пожалуйста, разделите со мной эту радость. Это слишком хорошо, чтобы держать в себе.
Обаму часто называют самым запоминающимся президентом в истории Соединенных Штатов. Это правда, отчасти потому, что начало его первого срока совпало с ростом популярности интернет-мемов; макросы изображений стали мейнстримом с LOLcats примерно в 2006 году, примерно за два года до того, как Обама вступил в должность в 2008 году. Однако одного этого фактора было бы недостаточно, чтобы привести ко всем этим мемам. Я подозреваю, что это также во многом было связано как с тем, каким был президент Обама, так и с тем, какой он человек: он был дальновидным, выразительным и любимым многими, сочетание которых хорошо подходило для мягкого подшучивания над культовыми персонажами. картинки.
Интересно, что, несмотря на все имеющиеся у нас мемы с Обамой, трудно проследить историю барочного Обамы. BuzzFeed недавно включил его в подборку твитов, описывающих вещи, которые люди случайно загуглили, только чтобы обнаружить, что результаты все равно были замечательными; Bored Panda подхватил его оттуда, что, в свою очередь, привело к тому, что Hello Giggles выделил Барокко Обаму как единственную тему отдельного поста. Но Барокко Обама, как оказалось, существует намного, намного дольше, чем кто-либо из нас может подумать, потому что самые старые твиты с мемом, которые я нашел, датируются 2012 . Это позволяет предположить, что он, возможно, возник во время предвыборной кампании, предшествовавшей президентским выборам 2012 года. Кроме того, это старых. Пять лет — это вечность в интернет-времени.
Увы, но у меня нет возможности подтвердить свою теорию. Обычно я обращался к «Знай своего мема», этой самой священной из баз данных мемов, чтобы проверить, согласуется ли мое мышление со всем остальным, что мы знаем о барочном Обаме; несколько удивительно, однако, барочный Обама почти полностью отсутствует в Know Your Meme.У него нет своей страницы; он не является подзаголовком на главной странице Барака Обамы; просто… никуда. За одним исключением: если вы наберете на сайте «Барокко Обама», вы выведете одно изображение — всего одно. Это, пожалуй, самое известное изображение Обамы в стиле барокко, и оно подписано: «Если это не барокко, не исправляйте это». Но это все.
Несмотря на это, однако, учитывая долговечность мема, ясно, что он здесь, чтобы остаться — даже несмотря на то, что Обамы больше нет в Овальном кабинете. Вот 11 лучших примеров этого, гуляющих по Интернету.Не знаю, как вам, а мне сегодня как раз это было нужно. Наслаждаться.
1
Барокко Обама прибыл
Похоже, он готов к вечеринке.
2
Могу ли я вам помочь?
Тссс. Не мешайте гению работать.
3
Пусть едят капусту
Отлично сыграно, мастер мемов. Хорошо сыграно, правда.
4
Счастливый случай
Это кадр из Амадей? Мне кажется, что это кадр из Amadeus. Может ли кто-нибудь подтвердить или опровергнуть это для меня?
5
Смех — лучшее лекарство
Плохой перевод, твит гласит: «Друзья, вот кое-что, чтобы уменьшить экзаменационный стресс».
6
Baroque Out
Когда Обама выпустит альбом классической музыки, это будет обложка.
7
Почему так серьезно?
8
Очень официальный портрет
Это своего рода переворачивание стандартного мема, не так ли? Это не изображение в стиле барокко с отфотошопленным лицом Обамы, это изображение Обамы с отфотошопленным элементом барокко (парик).На самом деле, это делает его похожим на адвоката.
9
Самый старый мем
Это самый старый мем Барокко Обамы, который я нашел. Ему больше пяти с половиной лет. Вот почему я так впечатлен его долговечностью — обычно мемы проходят через несколько дней, максимум.
10
The Ultimate Lock Screen
Хорошо, да, здесь я немного обманываю; это тот же мем, что и в пункте номер четыре. Это , , однако, особенно остроумное его использование.Отличная идея, Джеки.
11
Следующий бродвейский хит
Всякий раз, когда они делают музыкальную биографию жизни Обамы, лучше, чтобы музыку написал Лин-Мануэль Миранда. Просто говорю’.
барокко – Детские имена Нэнси
Согласно Национальному реестру Шотландии (NRS), самыми популярными именами для детей в стране в 2018 году были Оливия и Джек .
Вот 10 самых популярных имен для девочек и 10 лучших имен для мальчиков в Шотландии в 2018 году:
Имена девушек
- Olivia, 444 Baby Girls
- Emily, 423
- ISLA, 383
- Sophie, 331
- Amelia, 395
- ELLA, 295
- AVA, 292
- AVA, 292
- Grace, 286
- Aria, 272
- , 272
- Джессика , 262
Имена мальчиков
- Jack, 422 Baby Boys
- Oliver, 330
- Джеймс, 323
- Logan, 307
- Leois, 300
- Lewis, 298
- Alexander, 294 (галстук)
- Harris, 294 (галстук)
- Ноа, 284
- Рори, 280
В десятке лучших среди девушек Грейс заменила Шарлотту (сейчас 11-е место).
В десятке лучших среди мальчиков Рори заменил Гарри (теперь он делит 11-е место с Чарли).
Имена, вдохновленные шотландскими островами, включают Арран (118 мальчиков; 47-е место), Иона (83 девочки; 56-е место), Айлса (37 девочек), Айлей (11 девочек), Колл (3 мальчика), Джура (3 девочки), Гига. (1 девочка) и Тайри (1 девочка).
И вот еще несколько детских имен, которые, как Гига и Тири, были даны всего один раз в прошлом году в Шотландии:
| Уникальные имена для девочек | Уникальные имена для мальчиков |
|---|---|
| Адора-Бель, Брора, Каллумина, Карди , Делароза, Эмбла , Июне-Бе, Джунеу, Франки-Нирвана Киндах, Лхоцзе , Миллиемае, Ниска, Омния, Пекулярный, Раффи, Суити, Тигги, Ульяна, Вейя, Уинри , Ксантиппа, Иви, Зузу | Аврик, Барокко-Валентин, Камасан 0 0 3, 4, , , Эк, Фитех , Гигиан, Хэкстон, Индио, Иззелдин, Джедди, Кафка , Люцифер, Мондер, Ниликс , Уфф, Панаше, Рив, Светозар, Тапиш, Уал, Вельо, Вит, Ксайфер, Йоган, Зостера |
Возможные объяснения некоторых из вышеперечисленных:
- Cardi B, американская рэп-исполнительница и певица
- Эмбла, первая женщина (согласно скандинавской мифологии)
- Лхоцзе, 4-я по высоте гора в мире (в переводе с тибетского означает «южная вершина»)
- Уинри, персонаж манги из Стальной алхимик
- Кессон, ящик для боеприпасов или двухколесный фургон для боеприпасов (означает «ящик» по-французски)
- Camhanaich, шотландское слово, обозначающее «рассвет» или «сумерки»
- Fitheach, шотландское слово «ворон» (а также название детского приключенческого игрового шоу, премьера которого состоялась на шотландском канале BBC Alba в 2018 г.)
- Зостера, вид морской травы
(Я разместил больше уникальных детских имен Шотландии на Patreon.)
В 2017 году два первых имени были одинаковыми.
Источники: Самые популярные имена в Шотландии, Имена младенцев, От А до Зидана… выявлены необычные имена новорожденных, Детские имена 2018 года: шотландские младенцы Удивительны и Адора-Белль
женщин барокко — Музыка читает
Они были в монастырях и при дворах, а иногда и внештатно работали.
Они были женщинами-композиторами эпохи барокко, и они сочинили одну из величайших музыкальных композиций, которую вы, возможно, никогда не слышали.
Мартин Бузакотт знакомит вас с шестью лучшими.
Франческа Каччини (1587 – после 1641)
Франческа Каччини была ласково известна как Ла Чеккина, и ее прекрасный певческий голос выделялся в юности, когда она была участницей семейной вокальной группы, известной как Le Donne di Giulio Caccini. (названа в честь ее отца, прославившегося «Каччини Аве Мария»). Позже король Франции Генрих IV предложил Франческе Каччини работу, назвав ее «лучшей певицей Европы». Он мог бы добавить лютниста, арфиста и клавишника.Каччини играла на них всех, а также на других инструментах на таком высоком уровне, что стала самым высокооплачиваемым музыкантом при дворе Медичи во Флоренции, где провела большую часть своей карьеры.
Но наибольшее влияние на историю Франческа Каччини оставила как композитор. Она стала одним из первых композиторов, когда-либо написавших оперу (сочиненную в 1625 году и основанную на знаменитом рассказе об Альсине), и почти наверняка была первой женщиной, написавшей это. Она также написала более 200 песен, не менее 13 придворных развлечений, и величайшие умы того времени, включая Галилея, приглашали ее в свой круг.Когда вы услышите ее музыку, вы сразу поймете, из-за чего была вся эта суета.
Пропустить видео с YouTubeпользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
Кьяра Маргарита Коццолани (1602 – ок. 1676–1678)
Итальянский композитор Кьяра Маргарита Коццолани была самой известной и плодовитой из примерно дюжины монахинь, издававших свою собственную музыку в 17 веке.
Родившись в зажиточной семье, Коццолани поступил в монастырь Св.Радегонда в Милане в подростковом возрасте, приняв обеты в 1620 году. В то время святая Радегонда могла похвастаться лучшими музыкантами Милана, а Коццолани был руководителем по крайней мере одного из хоров. Со временем она занимала несколько других должностей в Ордене, в том числе должность настоятельницы, а также писала замечательную музыку, такую как ее «Вечерня», изданная где-то между 1640 и 1650 годами. Санта-Радегонда Милана одарены такими редкими и изысканными музыкальными талантами, что признаны лучшими певцами Италии.Среди этих сестер наибольшей похвалы заслуживает Донна Кьяра Маргарита Коццолани, Кьяра [‘светлая, ясная’] по имени, но еще больше по заслугам, и Маргарита за ее необыкновенное и превосходное благородство изобретательности». Пропустить видео с YouTube
пользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
Барбара Строцци (1619 — 1677)
Барбара Строцци была музыкальным эквивалентом барокко человеческого заголовка, выдающимся композитором и исполнителем, настолько опередившим свое время, что ее карьера вполне уместна в 21 веке. .
Известная, даже печально известная в свое время, она была самым широко публикуемым венецианским композитором своего поколения: за время ее жизни в печати появилось не менее восьми огромных музыкальных томов. Несмотря на это или, возможно, благодаря этому, в то время она была редчайшим из известных художников в том смысле, что она была настоящим фрилансером, полагаясь на свой собственный природный гений, а не на поддержку церкви или официальных работодателей среди венецианской знати. .
Наиболее известна своим вокалом. Она часто сама писала тексты, тщательно прописывая каждый слог и используя вдохновенное рисование слов.Вдали от музыки она была в равной степени заслуживающей внимания и частым объектом сплетен, слухов и инсинуаций. Сама незаконнорожденная (ее мать была служанкой отца), она бросила вызов условностям того времени, родив четверых собственных детей, причем всех внебрачных.
Пропустить видео с YouTubeпользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
Изабелла Леонарда (1620 – 1704)
Изабелла Леонарда происходила из семьи церковных и гражданских чиновников в Новаре, Италия.В 16 лет она поступила в урсулинский монастырь и оставалась там до конца своей долгой жизни. На самом деле она дожила до 83 лет, и, учитывая, что она писала музыку практически всю свою жизнь, она накопила обширный музыкальный каталог. Большинство ее композиций были написаны в духовных жанрах, таких как мотеты, постановка псалмов, магнификаты, литании и мессы, но также включали и светскую музыку.
Несмотря на то, что музыка играла столь важную роль в ее жизни, Леонарда в опубликованных нотах всегда отмечала, что пишет музыку только во время, отведенное на отдых, чтобы не пренебрегать своими административными обязанностями в монастыре.
В наши дни Леонарду все еще помнят в ее родном городе к западу от Милана, а местные музыканты из Новары внесли свой вклад в недавнее международное возрождение ее творчества.
Пропустить видео с YouTubeпользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
Элизабет Жаке де Ла Герр (1665 — 1729)
Элизабет Жаке, не теряя времени, пробилась к вершине. Всего в пять лет она играла на клавесине и пела при дворе Людовика XIV, начав пожизненную связь с «Королем-Солнце».
Будучи подростком, она была взята под опеку любовницы короля, мадам де Монтеспан, и оставалась частью ее окружения в течение трех лет до 1684 года, когда Людовик перенес двор в Версаль. Затем Жаке вышла замуж за органиста Марина де ла Герра, но продолжала выступать публично, к большому успеху. Она написала первую французскую оперу, написанную женщиной, под названием Céphale et Procris , а также несколько вокальных произведений, а в области инструментальной музыки помогла стать пионером в разработке сонаты.
В возрасте 26 лет она вместе с Мареном Марэ считалась «парнасом» французской музыки, а современники восхищались ее «чудесной способностью играть прелюдии и фантазии с ходу». Иногда она импровизирует то или иное в течение получаса с самыми разнообразными мелодиями и гармониями и в самом лучшем вкусе, весьма очаровывая своих слушателей». сын, ее мать, отец, муж и брат, умершие с разницей в несколько лет, Элизабет продолжала выступать и публиковаться.В конце концов она вернулась туда, где все началось, прямо на вершине французской музыки, как знаменитая фигура в самом блестящем музыкальном дворе Европы.
Пропустить видео с YouTubeпользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
Вильгельмина, маркграфина Байройтская (1709 — 1758)
Вильгельмина была старшей и всеми любимой сестрой Фридриха Великого, и они оба любили музыку, сами играли и сочиняли ее. В юности Вильгемина училась у великого композитора-лютниста Сильвиуса Леопольда Вайса.
Не так много музыки Вильгельмины сохранилось, но она написала оперу под названием Argenore (к сожалению, сейчас она утеряна, хотя сохранились отдельные арии), концерт соль минор для клавишных и инструментальную камерную музыку.
Сегодня Вильгемина лучше всего помнят как строителя музыкальной инфраструктуры. Выйдя замуж за маркграфа Фридриха Байройтского, она решила превратить этот город в культурную Мекку. По общему мнению, теплый и дружелюбный «человек», усилия Вильгемины по восстановлению городского оперного театра в стиле барокко привели поколения спустя к тому, что Вагнер оказался в месте, с которым его имя теперь является синонимом.
Пропустить видео с YouTubeпользователей FireFox NVDA — чтобы получить доступ к следующему содержимому, нажмите «M», чтобы войти в iFrame.
.