Барокко
Барокко
стиль мебели
Художественный стиль барокко (от итал. barocco – «неправильная/необычная раковина») возник первоначально в архитектуре Италии второй половины XVI века, в Риме, и был связан с именем Микеланджело Буонаротти. Этот стиль был ответом на эстетику Высокого Возрождения, рационализацию и идеализацию в искусстве, стремления к изображению отвлеченно прекрасного и идеально сбалансированного. В живописи предвестником барокко служил маньеризм, снова благодаря позднему творчеству Микеланджело, который первым стал отходить от канонов Ренессанса. Признанным мастером барокко был фламандский художник Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Созданный им цикл портретов Марии Медичи (1620-1625 гг., Лувр) был гимном абсолютной монархии, живописной пропагандой королевской семьи. В музыке барокко связано с именами Иоганна Себастьяна Баха, Георга Фридриха Генделя, Вольфганга Амадея Моцарта и другими. Барочные арии, чаще всего, состояли из трех частей, часто использовались трели – музыкальные украшения основной мелодии.
Как и в живописи, мебель в стиле барокко служила определенным пропагандистским целям: нарочито роскошный стиль позволял подчеркнуть богатство, могущество и власть царственных особ, укрепить авторитет королевской семьи (в живописи церковь тоже широко использовала этот прием: барочные мастера создавали грандиозные полотна на религиозные темы, изображая Страшный суд и другие сюжеты). Барокко быстро распространился повсюду, где правила абсолютная монархия, стал панегириком царской власти и символом их великолепия.
Барочная мебель, кажется, не имеет утилитарной функции – она становится настоящим произведением искусства большой художественной ценности. Высокие инкрустированные шкафы с приподнятым карнизом, бюро, кровати с массивными балдахинами, комоды, кресла, столы, консоли, туалетные столики и другие предметы интерьера были обильно декорированы витиеватыми накладками из золоченой бронзы. Использовались дорогие материалы: красное, розовое или черное дерево, палисандр и другая благородная древесина; обильно использовался текстиль; мебель покрывалась лаком.
Окна застилали массивные шторы с ламбрекенами – бархатные, атласные или из дорогой парчи, чаще всего, темного бордового цвета. Пространство расширяло обилие зеркал в золоченых рамах; комнаты должны быть светлыми и просторными, с большими окнами, чтобы визуально облегчить массивную мебель. Доминировали плавные линии, текучие формы, растительный мотив в орнаменте; обильно использовались лепка и декор, накладки из золоченой бронзы. Диваны с откинутыми спинками и закругленными позолоченными ножками украшались также великолепными гобеленами ручной работы с изображением пасторальных, мифологических или жанровых сцен; все гобелены, использованные в интерьере, должны были быть в одной тематике или полностью совпадать. Круглые столы украшали мраморные столешницы, камины – часы из золоченой бронзы; парадные залы освещали свечи в резных канделябрах. В этом роскошном ансамбле сохранялись правила симметрии и гармонии для достижения наибольшего эстетического эффекта, в то же время, избегнув излишней вычурности и помпезности.
Дополняли интерьер вазы, статуэтки, живопись – например, экспрессивные и динамичные картины Рубенса в массивных позолоченных рамах с витиеватыми узорами.
{advt}
Своего расцвета этот стиль интерьера достиг в эпоху Людовика XIV (1643-1715 гг.). Так как мебель имела сложную геометрическую форму, множество выпуклых и вогнутых поверхностей при обилии украшений, возникали новые техники: мозаичный набор с лакировкой, фанерование, интарсия, маркетри. Одним из известных мастеров этой эпохи был фламандец Шарль Буль, выработавший свой собственный стиль. Он фанеровал мебель черным деревом в технике маркетри – украшая ее пластинками черепах, костью, накладками из золоченой бронзы. Позднее, знаменитым мастером первой половины XVIII века был Шарль Крессан, создавший «стиль регентства» (1715-1723 гг). Мебель Крессана отличалась высоким мастерством исполнения, изящным и подвижным орнаментом, оригинальными изобразительными мотивами. Одним из его оригинальных художественных приемов было украшение мебели изящными женскими головками с высоко зачесанными волосами из золоченой бронзы (espagnolettes).
Барокко доминировал до середины XVIII века, когда на смену ему во Франции пришел рококо – новый придворный стиль, еще более причудливый.
Таким образом, интерьер эпохи барокко превращался в роскошный художественный ансамбль, призванный подчеркнуть высокий статус и положение его владельца. Стиль барокко очень популярен и сейчас, в современном интерьере, благодаря своей роскоши, безошибочной узнаваемости и безупречному стилю антикварной мебели.
Краткая история барокко: самой красивой жемчужины неправильной формы
Католическая церковь и жемчужина неправильной формы: история барокко
Барокко развивался в европейских странах от начала XVI до конца XVIII века. Есть несколько основных версий происхождения названия этого стиля: от португальского языка «барокко», что означает жемчужину неправильной формы, или от итальянского «barocco», что означает искаженные идеи. С самого начала это искусство ассоциировалось с динамикой, хаосом и искривлениями. Но почему?
Джованни Баттиста Гаулли, «Триумф имени Иисуса» (1672-1685).
Церковь Иль-Джезу, Рим. Источник: visualmotley.blogspot.com
Направление барокко начало развиваться после идеализированной эпохи Возрождения. Во второй половине XVI века католическая церковь приняла решение заявить о себе после протестантской Реформации, и начался процесс Контрреформации. Богатые европейские монархи и духовенство были заинтересованы в успехе своей церкви. Именно поэтому они выделяли большие суммы на строительство, роспись храмов, создание картин на религиозные мотивы. Художники возвращали идеалы красоты эпохи Возрождения, но добавляли при этом величие, роскошь и новые техники.
Искусство барокко развивалось лучше в католических странах: Италия, Франция, Испания. Потому, что была поддержка власти, соответственно были возможности и ресурсы.
Бенедиктинский монастырь в Мельке. Источник: www.nomadepicureans.com
Стиль барокко удивляет масштабами и заставляет почувствовать себя всего лишь песчинкой перед тайнами мира. В отличии от эпохи Возрождения, где в центре всего был сам человек.
Таким образом стиль барокко соответствовал желанию католической церкви заявить о себе с помощью роскоши и масштабов искусства.
Болезни и проблемы на полотнах известных художников
Искусство барокко было динамичным, экспрессивным и хаотичным. Художники выбирали более насыщенные цвета, на полотнах использовали контраст и столкновение цвета с тенью. Благодаря этому создавался эффект движения, драмы, передачи настроения и эмоции.
Рембрандт ван Рейн, «Урок анатомии Доктора Тульпа» (1632). Источник: theculturetrip.com
Художники барокко использовали религиозные сюжеты и мотивы. Но изображали их без идеализации, а с экспрессией. Таким образом зритель становился ближе к героям картин, ведь они выглядели искренними и настоящими.
Живописцы не боялись изображать уродливость и болезни. В картинах барокко есть сцены убийств, истерии, меланхолии и отчужденности. В них не было идеализации и пропорциональности. Только страсть, эмоции и сюжет.
Микеланджело да Караваджо, «Юдифь и Олоферн» (1599).
Источник: wikipedia.orgМикеланджело да Караваджо — один из самых известных представителей барокко. Он не имел образования, не родился в семье богатых родителей, не учился в художественных академиях или же школах. Караваджо в молодости был бандитом и даже бежал с Рима из-за убийства человека.
Микеланджело повлиял на целое поколение художников, которые называли себе караваджистами, последователями Караваджо в искусстве. Для его картин характерны религиозные мотивы, игра цвета с тенью, передача экспрессии и драматичность сюжета.
Микеланджело да Караваджо, «Погребения Христа» (1602-1604). Источник: muzei-mira.com
С помощью каких техник рисовал Караваджо:
- Делал темный красно-коричневый фон.
- Использовал яркое освещение от одного источника.
- Не делал скетчей. Но набросками определял контуры форм и основные цветовые блики.
- Работал с ограниченным количеством цветом, растирая их в масле грецкого ореха.
Нидерландский живописец Питер Пауль Рубенс был коллекционером и дипломатом. Кроме профессиональной деятельности, он стал одним из создателей барокко. Для его картин характерны мифологические или религиозные мотивы.
Известны были и «Рубенсовские женщины» — на его картинах они были идеалом красоты, здоровья и сексуальности. Он использовал эротику, но не создавал вульгарные образы и сюжеты.
Питер Пауль Рубенс, «Три грации» (1639). Источник: veryimportantlot.com
Артемизия Джентилески была последовательницей школы караваджистов. В своих работах она использовала религиозные мотивы, акцентируя внимание на образе женщин. Артемизия рисовала женщин не просто красивыми и эстетичными, а сильными.
Джентилески была первой женщиной, которую приняли в Академию рисунка во Флоренции. В числе покупателей её картин — богатые покровители и выдающиеся короли.
Артемизия Джентилески, «Юдифь со служанкой» (1625).
Источник: artguide.com
Никола Пуссен был первым живописцем короля Людовика XIII. Он украшал галерею Лувр в Париже, создавал картины для замков. В своих работах использовал историко-мифологические и библейские сюжеты. Интересно, что он был не только представителем барокко, но и теоретиком искусства. После его смерти большинство высказываний стали теоретической основой академизма.
Никола Пуссен, «Смерть Германика» (1627). Источник: gallerix.ru
Создавали и формировали барокко в искусстве также Диего Веласкес, Ян Вермеер, Лоренцо Бернини, Хосе де Рибера. Из-за того, что барокко развивалось во многих европейских странах, стиль картин различается. Художники творили соответственно со своими взглядами на искусство, культурными особенностями и традициями живописи.
Как отличить картины барокко от других? Если изображено действие, есть игра цвета с тенью, детализированность, драматизм, некий хаос постановки, сюжет из религии или мифологии — то это картина стиля барокко.
Питер Пауль Рубенс, «Сад Любви» (1630-1631). Источник: www.dailyartmagazine.com
Как стиль повлиял на музыку и архитектуру
Для музыки были характерны новые приемы игры, драматизм, постановочные формы. Самыми известными композиторами стали Иоганн Себастьян Бах, Джердж Фридрих Гендель, Антонио Вивальди, Доминико Скарлатти.
Архитектура барокко — это более драматичный и роскошный вариант архитектуры Возрождения. Здания в стиле барокко, как правило, имели купола, высокие потолки, иллюзорные эффекты освещения, художественные росписи и скульптуры.
Среди самых известных зданий в стиле барокко: площадь святого Петра в Ватикане, Версальский палац, Собор в Сакатекас, Собор Святого Павла в Лондоне и другие.
Неправильная жемчужина или уникальный шедевр?
Стиль барокко украсил Европу: пышные формы, золотые детали, огромный масштаб, глубокие темные цвета. На картинах появились болезни, старые люди, реальные эмоции и движения.
Питер Пауль Рубенс, «Четыре континента» (1615). Источник: www.sartle.com
В музыке прозвучали новые вариации композиций. А в архитектуре были построены шикарные здания, которые даже спустя столетия привлекают к себе внимание искусствоведов и туристов. Хоть и вначале барокко был стилем католической Контрреформации, но со временем от церковной сдержанности и канонов не осталось следа. Осталась только экспрессия, драма и гениальные соединения цветов.
Барокко стал стихией в искусстве. Несмотря на критику, время показало, что эта «неправильная жемчужина» на самом деле уникальный шедевр.
Я не совсем осознавал, насколько расистской может быть история искусства, пока не увидел эту картину в стиле барокко.
Прежде чем я углублюсь в проблемные рассказы о танцах в выпускном классе средней школы, мне, вероятно, следует ответить на несколько ваших животрепещущих вопросов. Что такое барокко и почему меня это должно волновать?
Барокко — стиль искусства, музыки, архитектуры и танца, получивший огромную популярность в 17 веке в Европе.
Он возник в Италии и характеризуется богатыми цветами, величием и замысловатыми деталями. Как и другие стили искусства, барокко имеет колониальную историю, в которой не учитываются разнообразные изображения чернокожих, живших в ту эпоху. По большей части это выбеленный стиль искусства, однако в прошлом веке он обрел новую жизнь.
Сегодня термин «африканское барокко» относится к красочным украшениям, одежде и украшениям, изготовленным из традиционных африканских тканей. Он сочетает в себе красочное величие искусства барокко с мастерством и дизайнерским выбором африканского искусства.
[Описание изображения: Мужчина смотрит на Национальный музей искусства Каталонии, Парк Монжуик, Барселона, Испания. Пример архитектуры барокко.] через Unsplash Тем не менее, все еще сомнительно пытаться связать африканскую идентичность с искусством барокко, и мой школьный танец был прекрасным примером. Еще в 2014 году темой моего выпускного танца в старшей школе было «Африканское барокко». Имейте в виду, что это событие обычно является веселым и праздничным моментом в жизни большинства студентов, и было бы достаточно беззаботной «сказочной» темы.
В то время я понятия не имел, что такое барокко, как и никто из моих сверстников. Тема не подходила никому из нас, но последнее слово было за учителями, и нам просто пришлось смириться с этим.
В ночь танцев декор стола состоял из предметов декора в стиле барокко, африканских текстильных принтов, цветов, некоторых других украшений в «африканском стиле» и афрогребней. Да, вы правильно прочитали. У нас были афро-расчески для украшения стола, и организаторы почему-то сочли это хорошей идеей. Для контекста я ходил в богатую частную школу в северном пригороде Йоханнесбурга, Южная Африка. Оглядываясь назад, я считаю, что все это мероприятие было отчаянной попыткой продвигать разнообразие и черную культуру в преимущественно белой школе, и оно не достигло цели. Решение объединить африканские темы с искусством барокко было, возможно, расистским решением. И я здесь, чтобы рассказать вам, почему.
В прошлом изображения африканцев в искусстве барокко были немногочисленны. Мне понадобилась целая вечность, чтобы найти в Интернете картину в стиле барокко, на которой чернокожий изображен в центре внимания.
В свете этого утомительного исследовательского опыта я не собираюсь делать вид, что добавление слова «африканец» перед словом «барокко» имеет какое-то существенное значение. Это по-прежнему глубоко колониальная форма искусства.
[Описание изображения: Картина Аннибале Карраччи в стиле барокко. На нем изображена африканская рабыня в красном коралловом ожерелье, жемчужных серьгах и черном платье с длинными рукавами и белым кружевным воротником. около 1585 года работы итальянского художника Аннибале Карраччи. Он считается одним из основоположников стиля барокко и одним из самых плодовитых художников своего поколения. На его картине изображена элегантно одетая африканская рабыня в красном коралловом ожерелье, жемчужных серьгах и черном платье с длинными рукавами и белым кружевным воротником. Личность женщины еще предстоит выяснить, но ее одежда показывает, что она продукт современности и колониальной Европы.
[Описание изображения: «Портрет африканца», картина Яна Мостарта (около 1525-1530).
На мужчине свободная одежда с длинными рукавами эпохи раннего Возрождения. через Wikimedia CommonsАналогично картина голландского художника Яна Янса Мостарта «Портрет африканца » ( около 1525-1530 ) иллюстрирует присутствие черных тел в европейской жизни и на художественной сцене барокко. Это настоящая редкость, так как это один из немногих известных портретов чернокожего человека того периода, который не был рабом. Искусствоведы полагают, что из-за одежды мужчины на картине изображен темнокожий дворянин , работавший в здании суда. Мостарт уделял внимание деталям и стремился создать детализированные, реалистичные черты лица, изображая джентльмена в почетном положении, а не в роли слуги.
Создание портрета было исключительной практикой, обычно предназначенной для богатой белой знати или религиозных лидеров. Это означает, что само существование этой картины является новаторским, поскольку на ней изображен темнокожий мужчина из высшего сословия той эпохи.
К сожалению, не все изображения чернокожих африканцев в стиле барокко обладают такой же энергией, как у Мостарта. На барочной картине Бенедетто Дженнари 1688 года печально известная распутница Гортензия Манчини (герцогиня де Мазарини) изображена в образе Дианы-охотницы.
Описание изображения: Гортензия Манчини в образе Дианы-охотницы. Художник Бенедетто Дженнари.] via cultureand.orgДиана — богиня охоты и диких животных в древнеримской религии, аналог греческой Артемиды. На картине Манчини окружена черными детьми-рабами в ошейниках и смешивается с ее домашними собаками. Это ужасное изображение, которое явно приравнивает черных детей к животным.
Что еще хуже, существует множество других картин эпохи Возрождения, в которых используется тот же тон, что затрудняет ссылку на эту часть работы, не признавая ее темные истины.
Учитывая проблематичную и расистскую историю движения в стиле барокко, понятие «африканское барокко» выглядит довольно иронично. Это определенно не подходит для танцевальной темы средней школы, даже если она была адаптирована для включения современного африканского искусства.
В конечном счете, мы не можем игнорировать весь исторический контекст любых форм искусства, отдавая им должное в 21 ст веке. Давай лучше.
Получите The Tempest на свой почтовый ящик. Читайте больше подобных эксклюзивов в нашей еженедельной рассылке!
Говорящие предметы: Эпоха барокко: Элементы власти
Картины обладают силой. Это общеизвестный факт, который существовал веками и был принят художниками по всему миру близко к сердцу. Были ли они созданы, чтобы сделать заявление или дать зрителю чувство, чтобы вызвать определенную эмоцию, почти всегда есть какой-то основной мотив в голове художника, когда он начинает рисовать.
Стили живописи также приходили и уходили и продолжают колебаться по сей день, но на этой выставке мы сосредоточимся на начале 17 века и сосредоточимся на знаменитом стиле барокко в искусстве, который начал делать имя для себя в Италии в это время. Хотя барокко — это расплывчатый термин, используемый для обозначения широкого спектра художественных устремлений, от музыки до поэзии, в европейской живописи были, в частности, важные темы, которые заслуживают внимания и будут подробно исследованы на этой выставке.
Эта особая выставка представляет собой исследование некоторых прекрасных произведений эпохи барокко, в которых представлены драматические сцены как религии, так и мифологии. Некоторые из художников, упомянутых на этой выставке, были очень важными игроками в самом движении барокко и его распространении за пределы Италии и по всей Европе на протяжении столетия.
Питер Пауль Рубенс, Венера и Адонис,
середина 1630-х годов, холст, масло, 77 3/4 x 95 5/8 дюйма, 37,162 900 46
Хотя Питер Пауль Рубенс сосредоточился на религиозных картинах на протяжении большей части своей карьеры и имел большой успех в работе для церквей, он также исследовал сцены из культовых мифологических повествований, таких как этот. На этой картине, взятой из знаменитого стихотворения Овидия, изображены двое влюбленных в напряженном прощании, когда один из них поворачивается, чтобы уйти. Способ, который Рубенс выбрал для изображения напряженных конечностей, и сильный контраст, который, кажется, захватывает сцену справа, придает повествованию драматизм и напряжение.
Гверчино (Джованни Франческо Барбьен), Захват Самсона филистимлянами,
1619, холст, масло, 75 1/4 x 93 1/4 дюйма, 1984.459 .
В отличие от мифологического повествования, представленного в произведении Рубена, эта картина изображает хорошо известное библейское повествование и дает зрителям возможность заглянуть в жизнь Самсона. В этой сцене Гверчино удалось драматично передать конечности каждой фигуры, окружавшей Самсона, когда они хватались за его напряженную спину, придавая картине тяжелое ощущение драмы и замешательства, что только добавляло истории в целом. То, как свет падает на кожу каждой фигуры на этой картине, также придает пьесе очень театральное ощущение, что было еще одним популярным элементом барокко, который широко использовался в то время для выражения драматических повествований.
Юсташ Ле Сюёр, Похищение Тамары,
вероятно 1640, холст, масло, 74 1/2 x 16 1/2 дюйма, 1999.121 9000 3
Эсташ Ле Сюёр был французским художником, преподавал под руководством Симона Вуэ и большую часть своей карьеры сосредоточился на религиозных темах. Его учителем Вуэ был итальянский художник эпохи барокко, сыгравший большую роль в самом движении барокко, когда оно только зарождалось в Италии. Сьюэр написал картину
Красочные туники и материалы в целом также были просто популярным элементом, используемым художниками эпохи барокко в то время, и поэтому это помогает поставить эту картину в один ряд со многими похожими на нее. Фигуры на этой картине также застыли в движении, добавляя нотку барокко классическим фигурам, которые выглядят так, как будто они сами были вдохновлены греческой скульптурой.Караваджо (Микеланджело Меризи), Отречение Святого Петра,
1610, холст, масло, 37 x 49 3/8 дюйма, 1997.167 90 003
Караваджо был одним из самых известных художников стиль барокко и оказал сильное влияние на таких художников, как Рубен, Рембрандт и многих других. В этой конкретной картине его любовь Караваджо к драматическому освещению и светотени действительно проявляется из-за его использования сильного контраста и того, как он передает выражения лиц и одежду на фигурах. Общий тон этого произведения очень похож на другие произведения, которые были упомянуты до сих пор в этой коллекции, в частности, с использованием Караваджо как цвета, так и контраста.
Все цвета невероятно глубокие и богатые, и они имеют интенсивный контраст по сравнению с черным как смоль, который Караваджо выбрал для этой картины. Караваджо также добавляет тяжелого драматизма в произведение тем, как он передает выражение лица пожилого мужчины, морщины и то, как контраст усиливает их, добавляет напряженности сцене в целом.
Иоганн Лисс, Нимфа и пастух,
1625, холст, масло, 41 1/8 x 37 3/8 дюйма, 1999.121
Иоганн Лисс был немецким художником, который находился под влиянием во многом благодаря творчеству Караваджо, и это видно по его картинам. В этой причудливой сцене странствующий пастух обнаружил спящую нимфу, прекрасную лежащую обнаженную и идеальное воплощение покоя. Использование Лиссом сильного освещения в этой части показывает, как он фокусирует большую часть его на самой нимфе, а бледность ее тела с добавленным светом резко контрастирует с окружающей ее тьмой. Эта сцена также является остановленным действием и напряжением из-за того, как пастух держит жезл вокруг головы существа, как будто он собирается ударить ее.
Эта картина также имеет цветовую палитру, аналогичную тем, которые мы видели раньше, в частности, использование темно-красного цвета, окружающего обнаженную женщину. Этот красный цвет также виден на 9-м изображении Сьюера.0044 Похищение Тамары и действует аналогичным образом, помогая добавить напряженности приостановленному моменту драмы.
Авраам Янссен ван Найссен, Мёртвый Христос во гробе с двумя ангелами,
c. 1610, холст, масло, 45 3/8 x 58 дюймов, 1971.101
Подобно Рубенсу, Авраам Янссен ван Найссен был фламандским художником, и, как и многие до него, на него сильно повлияли работы Караваджо в стиле барокко. Эта конкретная его сцена носит религиозный характер и изображает Христа сразу после его смерти на кресте. И снова мы видим интенсивное драматическое освещение, которое освещает все три фигуры в этой сцене, и в особенности лежащая фигура Христа освещает так много света на своей коже, что кажется, что он может светиться. Светотень также широко используется в этом произведении, поскольку у фигуры Христа почти каждый мускул в его теле затенен, чтобы создать драматический объем.
Ангелы в этой сцене также изображены застывшими в движении, с руками и выражениями, намекающими на их отчаяние по поводу смерти их Христа. Наряду с интенсивностью света эти вещи также помогают добавить драматизма и театральности картине.
Сальватор Роза, Сон Энея, 1660-65,
холст, масло, 77 1/2 x 47 1/2 дюйма, 65,118
900 02 Эта картина представляет собой сцену из «» Вергилия. Энеида и изображает главного героя Энея, спящего на реке Тибр. Художник Сальватор Роза черпал вдохновение из этой истории и использовал свои навыки затенения и рендеринга фигур, чтобы воплотить эту мифологическую историю в жизнь. Предполагается, что старик на этой картине — это сама река Тибр, когда он шептал слова Энею о начале Рима. В целом эта сцена очень темная, но это только усиливает стратегическое использование Розой света, чтобы выделить фигуры, на которые он хочет, чтобы зритель обратил внимание. Свет сильнее всего падает на спящую фигуру Энея в нижней части сцены, а грозовое небо, которое Роза решила добавить над ним, добавляет драматизма сцене и помогает более прочно придать картине стиль барокко, из которого она вышла.
