Черты живописи в барокко: Baroque Art — History, Artists, Artworks

Итальянская живопись эпохи барокко: яркие представители

Эпоха Возрождения подошла к концу. Наступил XVII в., ставший новым этапом в истории западноевропейского искусства. Укреплялись национальные государства Европы, на смену умирающему феодальному строю шел капитализм. Нарастало недовольство народных масс своим положением. К политической власти рвалась крепнущая буржуазия. В странах с развитой промышленностью и торговлей (Англия и Голландия) буржуазные революции завершились победой нового общественного строя. Борьба с феодализмом была направлена и против католической церкви, стоявшей во главе реакционных сил.

В эту сложную эпоху складывалась новая культура, давшая миру великих ученых — Галилея, Лейбница, Ньютона, философов — Бэкона, Спинозу, Декарта, писателей — Шекспира, Сервантеса, Мольера.

Развивалось и изобразительное искусство, высшие достижения которого связаны главным образом с такими странами, как Италия, Испания, Голландия, Фландрия и Франция.

Главным стилевым направлением в искусстве этой эпохи стало барокко, родившееся в Италии в конце XVI в. Название «барокко» буквально означает «странным», «причудливым». Именно эти эпитеты удивительно соответствуют особенностям нового стиля, сохранявшего свою популярность в искусстве Западной Европы до середины XVIII в. Барокко свойственны такие черты, как страстность и яркость чувств, взволнованность, доходящая до преувеличения, парадная торжественность и пышность.

Правители и католическая церковь стремились использовать его в своих интересах, пропагандируя с помощью искусства свою силу и мощь и укрепляя в народе веру. Именно поэтому искусство барокко было наиболее развито в странах с католической религией.

В то же время в этом стиле выразились и прогрессивные представления о многообразии и изменчивости мира, а человек предстает как сложная личность со своим миром глубоких чувств и переживаний.

Живопись в искусстве барокко занимала особое место. В ней эпоху появились новые жанры и темы. Теперь художники использовали для своих произведений не только религиозные и мифологические мотивы, но и темы, связанные с реальностями окружающей жизни.

Некоторые исследователи разделяют живопись барокко на три части в зависимости от того, кто был ее заказчиком: церковную, придворную, буржуазную. Церковная живопись характерна для Испании, придворная свойственна Фландрии, а буржуазная — Голландии, которая в то время имела наиболее прогрессивный общественным строй.

Мастера барокко использовали в своих произведениях в основном теплые оттенки и плавные цветовые переходы, умело применяли светотеневые эффекты и контрасты светлых и темных тонов. Их картины отличаются напряженным драматизмом; позы героев неустойчивы, жесты и движения резки и преувеличенно выразительный Возведенные к небу очи святым и мучеников, невероятно изогнутые тела персонажей в мифологических композициях должны были усилить впечатление от изображенного на полотне и заставить зрителя сопереживать героям.

Живопись Италии

В Италии, на родине барокко, в XVII в. переживала расцвет фресковая живопись. Большой известностью пользовалась семья художников Карраччи, создавших множество стенных росписей на античные мотивы в Риме и Болонье. Лодовико Карраччи и его двоюродные братья Аннибале и Агостино Карраччи основали в 1585 г. в Болонье мастерскую-академию, где проводили обучение молодых художников по собственной программе, которая была направлена на создание монументально-торжественного искусства. Среди учеников академии особо выщелялись Гвидо Рени и Доменикино, работавшие в Риме в начале XVII в.

Микеланджело да Караваджо

Значительное место в итальянской живописи рубежа XVI-XVII вв. занимает творчество Микеланджело да Караваджо. Родился в 1573 г. в Ломбардии. Художественное образование получил в Милане. Поселился в Риме в начале 1590-х гг. Живописец пользовался покровительством кардинала дель Монте. В 1606 г. во время игры в мяч Караваджо поссорился с одним из участников развлечения и убил его на дуэли. Скрываясь от правительства, художник вынужден бежать в Неаполь, а затем — на остров Мальта. После ссоры с одним из представителей местной знати ему пришлось уехать на Сицилию. В 1608-1609 гг. Караваджо скрывался от наемных убийц в Сицилии и Южной Италии. В Неаполе художнику не удалось избежать нападения, во время которого он был ранен. В 1610 г. Караваджо отправился по морю в Рим, надеясь на прощение Папы, но, не добравшись до конечного пункта, ограбленным перевозчиками, умер от малярии.

Бунтарский дух Караваджо проявился и в его творчестве. Стремившийся к правде, художник в религиозных и мифологических композициях изображает людей из простонародья. Таковы герои его ранних работ («Маленький больной Вакх», ок. 1591; «Вакх», 1592-1593), в которым слащаво-красивые герои академического искусства уступают место образам простых итальянцев с характерными чертами лица (миндалевидным разрез глаз, полные губы, темные шелковистые кудри). Реальность персонажей подчеркивается деталями натюрморта: цветами, фруктами, музыкальными инструментами. Интерес к натюрморту заметен во многих работах Караваджо. В 1596 г. художник исполнил одну из первых в истории европейской живописи композиций в этом жанре — «Корзину с фруктами».

Стремясь к достоверности, Караваджо всегда изображает в своих произведениях реальную жизнь, какой бы грубой и беспощадной она ни была («Жертвоприношение Авраама», 1594-1596; «Юдифь и Олоферн», 1595-1596). По свидетельствам современников, живописец, приглашенным на выставку античным статуй, остался равнодушен к их холодной красоте и, указав на толпы людей вокруг, сказал, что именно они, простые современники, вдохновляют его. В доказательство своих слов художник остановил проходившую мимо цыганку и написал ее предсказывающей судьбу молодому человеку. Так появилась знаменитая «Гадалка» (1595).

Своих героев Караваджо ищет на улицах, в маленьких тавернах, в богемной среде. Он пишет игроков, музыкантов («Игроки», 1594-1595; «Лютнист», 1595).

В зрелые годы Караваджо обращается к монументальному искусству. События Священной истории для церквей Сан-Луиджи деи Франчези и Санта-Мария дель Пополо он изображает так же реалистично и правдиво, как и жанровые сцены. Заказчики были недовольны этим: полотно «Апостол Матфей с ангелом» церковь не приняла, т. к. внешность святого показалась ей грубой и неприличной. Художнику пришлось писать другую картину.

Микеланджело да Караваджо. Лютнист. 1595 г.

Настоящими шедеврами стали две монументальные композиции Караваджо: «Положение во гроб» (1602) и «Успение Марии» (1605-1606). Последнее произведение из-за реалистичности изображения смерти Богоматери было отвергнуто заказчиком — римской церковью Санта-Мария делла Скала. Художник трактует тему вознесения Марии как простую жизненную драму: смерть обычной женщины оплакивают ее родные и близкие.

Картина «Положение во гроб» отмечена глубоким трагизмом, но в то же время ее отличают сдержанность и правдивость, нет в ней преувеличенной экспрессии и экзальтации, свойственным живописи многих художников эпохи барокко. Изображая мертвого Христа и скорбно застывших вокруг него людей, художник стремится передать идею героической смерти и делает это убедительно и реалистично.

Жизненные невзгоды и постоянные столкновения с церковью приводят к усилению трагического звучания в произведениях Караваджо последних лет жизни («Бичевание Христа», 1607; «Семь деяний милосердия», 1607).

Большое внимание итальянский мастер уделяет передаче освещения: действие в его произведениях происходит обычно в полутьме, сноп света, идущий из глубины, пересекает пространство полотна (т. н. подвальное освещение). Многие художники XVII в. использовали в своих работах этот прием, придающий драматизм изображению.

Творчество Караваджо оказало большое влияние не только на итальянских, но и на иностранных художников, работавших в Риме. Последователи живописца распространили его манеру, получившую название «караваджизм», по другим европейским странам.

Большинство итальянских караваджистов не достигли вершины славы великого мастера. Среди них можно выделить работавших в первой половине XVII в. Бартоломео Манфреди, Орацио Джентилески, Джованни Серодине, Джованни Баттисту Караччолло по прозвищу Баттистелло. В начале своего творческого пути караваджизмом увлекались Рубенс, Рембрандт, Вермер, Веласкес, Рибера.

Большой популярностью в XVII в. в Неаполе пользовался Сальватор Роза, чье имя связывают с появлением в живописи романтического пейзажа.

Сальватор Роза

В 1615 г. в доме землемера и архитектора Витантонио Розы в небольшом городке Аренелла близ Неаполя родился мальчик. Назвали его Сальватором. Из окон ветхой усадьбы Казаччио открывался чудесным вид на Неаполь и вулкан Везувий. Вокруг селения было немало местечек, очаровывающих своей красотой: высокая скала Сан-Эльмо, крепость Борго ди Аренелла, возведенная во времена правления Карла V, холмы Вомеро и Позилиппо, остров Капри, побережье Неаполитанского залива с прозрачно-голубыми водами. Все эти образы позднее найдут полное отражение в картинах Сальватора Розы. С ранних лет будущий художник на маленьких клочках бумаги пробовал запечатлеть взволновавшие его картины природы.

Заметив в сыне стремление к знаниям, науке и искусству, родители решили определить его в иезуитскую коллегию конгрегации Сомаска, расположенную в Неаполе. Там Сальватор Роза получил разностороннее образование: занимался классической литературой, изучал грамматику, риторику, логику. Кроме всего прочего, получил музыкальное образование, научился играть на арфе, флейте, гитаре и даже пробовал сочинять небольшие музыкальные произведения (известны написанные им серенады-донцеллы). Некоторые серенады пользовались такой огромной популярностью у неаполитанцев, что те распевали их и днем, и ночью под окнами своих возлюбленным.

Спустя некоторое время Сальватор Роза оставляет коллегию и возвращается в родной городок Аренеллу, где знакомится с местным художником Франческо Фраканцано, бывшим учеником пользовавшегося в те дни необычайно большой популярностью испанского мастера живописи Хусепе Риберы. Увидев картины Франческо, Сальватор делает несколько копий с них, за что и заслуживает похвалу от Фраканцано, сумевшего разглядеть в юноше талант настоящего художника и посоветовавшего ему всерьез заняться живописью.

Начиная с этого момента Роза много рисует. В поисках новым образов он отправляется путешествовать по Абруццким горам. В это время появляются пейзажи с изображениями долин Монте-Саркио с потухшим вулканом, гротов Палиньяно, пещеры Отранто, а также развалин древних городов Канузии и Брундизии, руин арки и амфитеатра Беневенто.

Там же, в Абруццких горах и Калабрии, молодой художник встретил бродяг-разбойников, среди которых находились и те, кто был изгнан из общества «добропорядочным» людей за свободолюбивые, смелые мысли. Обличье этих бандитов настолько сильно потрясло Сальватора, что он решил запечатлеть их в своем альбоме. Их образы были использованы затем в поздних композициях уже зрелого мастера (здесь уместно вспомнить гравюру из сюиты «Каприччи», где показано пленение юноши разбойниками во главе с атаманшей), а также нашли свое отражение в картинах, изображающих батальные сцены.

Путешествие было плодотворным и значимым для развития пейзажного творчества молодого живописца. Во время странствий он делал множество зарисовок с видами итальянской природы. Перенесенные затем на картины, эти ландшафты необычайно реалистичны, живы, естественны. Создается впечатление, будто бы природа лишь заснула на какой-то миг. Кажется, через секунду все оживет, подует легкий ветерок, заколышутся деревья, защебечут птицы. В пейзажах Розы заключена огромная сила, особая экспрессия. Фигуры людей и постройки, являясь частью единого целого, гармонично сочетаются с картинами природы.

Первая выставка Сальватора Розы прошла в Неаполе. Одним из тех, кто заметил и по достоинству оценил работы молодого художника, был знаменитый мастер монументальной живописи Джованни Ланфранко, купивший для себя на выставке несколько пейзажей.

В середине 30-х гг. XVII в. Сальватор Роза переезжает в Рим — столицу мирового изобразительного искусства, где царствуют барокко и классицизм. Именно в Риме Роза знакомится с творчеством таких крупных мастеров живописи, как Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Клод Лоррен. Их манера письма во многом повлияла на становление творческого метода и художественно-изобразительной техники Розы. Наиболее заметно это в картинах с морскими пейзажами. Так, «Морской порт» написан в лучших традициях К. Лоррена. Однако молодой художник идет дальше учителя. Его пейзаж — естественный и конкретный: идеальные, скорее даже абстрактные образы Лоррена заменены здесь фигурами обыкновенных рыбаков из Неаполя.

Спустя несколько месяцев Роза, тяжело заболев, покидает пышную и прекрасную столицу Италии. Возвращается обратно лишь в 1639 г. Летом этого года в Риме проводили карнавал, на котором Роза выступил в роли странствующего актера под маской Ковиелло (плебея, не смирившегося со своей судьбой). И если другие Ковиелло изо всех сил старались как можно больше быть похожими на настоящих крестьян, то Роза превосходно обыграл свою маску, сочинив целый спектакль и показав поющего и играющего на гитаре, веселого, не унывающего ни при каких обстоятельствах и жизненным невзгодах молодого человека. Карнавальное действо проходило на Пьяцца Навона. Сальватор Роза с небольшой группой актеров выезжал на повозке, богато украшенной цветами и зелеными ветками. Успех Розы был огромным.

После завершения карнавала все сняли маски. Каково же было удивление окружающих, когда обнаружилось, что под личиной крестьянина скрытался не кто иной, как Сальватор Роза.

После этого Роза решил заняться актерским ремеслом. Недалеко от Порта дель Пополо в одной из пустующих вилл он открывает свой театр. Содержание пьес, ставившихся под руководством Розы, искусствоведам и историкам не известно. Однако существуют факты, говорящие сами за себя: после премьеры спектакля, в котором актеры высмеяли придворный театр под руководством известного в то время архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, кто-то нанял убийц для Розы. Они подстерегали его возле дома.

К счастью, покушение не состоялось — молодой человек остался жив. Однако в силу этих обстоятельств он вынужден был вновь уехать из Рима.

Ответив на приглашение кардинала Джованни Карло Медичи, Роза отправляется во Флоренцию. Здесь художник создает
знаменитый «Автопортрет».

Полотно отличается своеобразием исполнения. Молодой человек, представленный на портрете, кажется несколько угловатым. Однако в нем чувствуются кипучая энергия, необычайная по силе воля и решительность. На картине юноша опирается на доску с надписью на латыни: «Avt tace, Avt Loqver meliora silentio» («Или молчи, или говори то, что лучше молчания»). Эта надпись звучит как сквозная мысль всего художественного произведения и одновременно как кредо молодого человека, изображенного на полотне (а значит, и самого живописца).

Художник мастерски владеет игрой света и тени. Выразительность изображения достигается именно эффектом тени, резко и порой даже неожиданно переходящей в светлые пятна.

Не случайно фигура молодого человека расположена на фоне вечернего неба: образ гордого, независимого юноши в темных одеждах выделяется на светлом фоне, а потому становится ближе и понятнее зрителю.

В том же ключе созданы и известные сатиры Розы, среди который особое место занимают «Поэзия», «Музыка», «Зависть», «Война», «Живопись», ставшая своего рода гимном молодого литератора и художника. Здесь автор говорит о том, что живописцы, являясь служителями одной из сестер искусства — художественно-изобразительного творчества, должны хорошо разбираться в истории, этнографии, точных науках. Стиль Розы в поэзии, равно как и в живописи, проявился во всей его полноте. Его стихи энергичны, порывисты, эмоциональны и в некоторых местах чересчур грубы и резки. Они являются своеобразным противопоставлением сложившейся в то время в литературе жеманной и искусственно-театральной манере построения и звучания стихотворный форм.

Сальватор Роза. Автопортрет. Ок. 1640 г.

Во Флоренции Сальватор Роза оставался до 1654 г. Дом его, по воспоминаниям современников, был тем местом, где постоянно собирались самые известные люди: поэт Р. Джамбатисти, живописец и литератор Ф. Бальдинуччи, ученым Э. Торричелли, профессор Пизанского университета Дж. Б. Риччиарди.

Одной из центральных в искусстве барокко быта идея «учить зрителя или читателя ненавязчиво, поучать посредством прекрасного». Следуя этому негласному правилу, художники создавали полотна, при взгляде на которые у зрителя возникали совершенно определенные ассоциации, вызывающие в памяти образы литературных героев. И наоборот, по мнению литераторов периода барокко, поэтическое произведение должно быть таким, чтобы по его прочтении перед глазами читателя представали живописные, яркие и красочные картины.

Почти все художественно-изобразительное творчество Розы основано на созданных им литературных образах. Именно так были написаны многие картины на сказочные сюжеты и полотна с батальными сценами, возникшие после создания сатир «Ведьма» и «Война».

Полотно под названием «Ложь» является хорошей иллюстрацией к стихотворению «С лица снимаю своего румяна я и краски». Заметно здесь и сходство главного героя картины с самим автором. Сальватор Роза демонстрирует прекрасное владение живописной техникой в передаче мимики и жестов. Сюжет построен на эпизоде, в котором два актера ведут беседу за кулисами театра после спектакля. Тон всему произведению задают необычные переходы света в тень и использование красок определенного цвета (темно-коричневым фон, желтоватые одежды актера символизируют ложь и обман). Особое значение приобретает взгляд одного из актеров, устремленный не на собеседника, а куда-то в сторону. Человек как будто пытается спрятать свои мысли от товарища.

Основную мысль полотна можно определить ставшими своеобразным девизом для искусства барокко словами У. Шекспира, сказавшего, что люди — актеры на театральных подмостках жизни. Главным приемом художественного изображения действительности и человека в театральной постановке является обман. Отсюда и идет в картине Розы связь понятия лжи с образом драматического актера, надевающего во время представления маску.

Мысль о возможности существования сверхчеловека, наделенного многими способностями, ярче всего проявляется у Сальватора Розы в портретах. Таковым является «Мужской портрет» («Портрет бандита»), на котором перед нами предстает человек с острым, пронизывающим, проницательным взглядом и застывшей на губах язвительной улыбкой. Этот образ нельзя назвать определенно однозначным. Есть в глазах бродяги что-то настораживающее и предупреждающее нас, зрителей, о сильном, решительном и гордом характере этого человека, эмоции которого могут прорваться и выйти наружу в любой момент. Портрет бандита оказывается сложнее открытого и несколько романтично настроенного юноши с полотна «Автопортрет». Двусмысленность в толковании образа возникает за счет особого сочетания и расположения на полотне света и тени. Необычайно яркая выразительность портрета достигается мастерским владением живописной техники и использованием контрастным красок (темная шляпа и светлый фон, белая сорочка и черная шуба).

Искусствоведы утверждают, что «Мужской портрет» — тот же автопортрет. Здесь автор, как профессиональный актер, пробует себя в роли бандита, каждую секунду готового вступить в борьбу со своими врагами. Современники писали, что и здесь (так же, как в «Автопортрете») во многом проявляется характер самого художника — бунтаря с решительным и сильным характером. Герой картины — уже не абстрактный персонаж, а реально существующий человек, в душе которого кипят бурные страсти.

Творчество Сальватора Розы является начальным этапом формирования и развития новой живописной формы — пейзажа-картины. Произведения, построенные подобным образом, соединяют элементы, реально существующие в обыденной жизни и вымышленные.

Особенно интересна и показательна работа Розы под названием «Пейзаж с мостом», хранящаяся в настоящее время в галерее Питти во Флоренции. На полотне представлен небольшой пейзаж с мостом и сразу же поднимающейся за ним в виде арки высокой скалой. Два путника едут по дороге. Они, видимо, заблудились в незнакомом для них месте. Спрашивают дорогу у какого-то оборванца. Вдали за скалой скрываются две фигуры. Солнце зашло за облако. У моста темно, из-за каждого куста или камня могут напасть на прохожего разбойники, скрывающиеся от правосудия и в одиночку ищущие правду.

Пожалуй, таковым может быть истолкование сюжета картины. Впечатление тревоги, некой двусмысленности создается в ней благодаря мастерскому владению художником техникой сочетания светлых пятен и теней. Солнечным свет, хорошо видным вдали, на заднем плане композиции, постепенно сменяется на полотне тенью, мраком, вызывая у зрителя тягостные ощущения и предчувствие опасности.

Изображенный на картине мост, а также арка-скала, уходящая ввысь, смена света и тени — все придает пейзажу необычайный динамизм, вдыхает в него жизнь.

Современники художника не раз говорили о присутствии и преобладании романтических элементов в творчестве Розы. Есть они и в «Пейзаже с мостом»: светлая, утонувшая в лучах солнца долина и темные, мрачные, полные тревожного ожидания скалы возле моста.

Часто природа оказывается в общей композиции доминантой. Причем этот элемент является значимым для оживления картины и создания определенного настроения и ассоциаций у зрителя. В картине «Испуг» особая выразительность достигается путем слияния человеческих фигур и природы в единое целое. Люди выступают здесь как неотъемлемая часть мира живой природы.

Особое настроение в пейзаже создается контрастом света и тени, в результате чего в картине появляются места, как бы вы-хваченные из мрака световым лучом. Ощущение беспокойства вызывается также и определенным положением фигур. Разворот тел, мимика и жесты людей, используемые художником, экспрессивные, густые краски вызывают у зрителя ощущение тревоги и надвигающейся опасности.

В настоящее время это полотно хранится в галерее Питти во Флоренции.

Сальватор Роза является создателем и такого вида пейзажа, как философский. Ярким примером служит знаменитым «Лесной пейзаж с тремя философами». Природа здесь не только задает тон общей композиции, но и выражает чувства, эмоции, душевное состояние трех мужчин, ведущих спор, быть может, о смысле земной жизни и ежедневной человеческой суете. Необычайная экспрессия выражена гнущимися под ветром могучими деревьями, стремительно движущимися вперед тучами, почти полностью закрывшими прозрачное небо, жестикулирующими людьми, пытающимися что-то доказать друг другу. Динамика и особая эмоциональность заданы в картине резкой сменой светлым и темным пятен.

Смелая, подчас даже несколько резковатая, волнующая зрителя манера письма Розы (контраст света и тени, детали пейзажа, яркая экспрессия общей композиции) была позднее продолжена в искусстве художниками-романтиками.

Тем же тревожным и мятежным характером отличаются и почти все натюрморты, созданные Розой. В Италии того времени большой популярностью пользовались картины-натюрморты Паоло Порпора и Джузеппе Рекко. Их полотна привлекали зрителей почти ощутимой реальностью выведенных образов. Создавалось впечатление, будто бы цветы, рыбы, фрукты не нарисованы, а просто перенесены на стену, приклеены к ней, настолько живыми они казались.

Следуя принципу искусства барокко (олитературивание произведений изобразительного искусства), Сальватор Роза создавал натюрморты, полные философского содержания. Постоянными объектами его внимания были древние книги в обветшалых переплетах, разнообразные музыкальные инструменты, нотные сборники, приборы для наблюдений за звездами и почти всегда — череп, символизирующий напрасную суету земной жизни — Vanitas (с лат. «суета сует») .

Сальватор Роза считается мастером в изображении батальных сцен. Выписывать битвы он научился в мастерской Аньелло Фальконе (1607-1656). На полотнах Фальконе невозможно найти героев главных и второстепенным. Все образы составляют единое целое и подчинены одной задаче: созданию реальной картины, передающей без каких-либо преувеличений характер той или иной битвы.

Та же манера свойственна и Розе. Его обращение к теме батальным сцен связано с ведением странами Западной Европы войны, названной позже Тридцатилетней.

Театр военным действий у Сальватора Розы необымайно выразителен и, как правило, располагается до самого горизонта на фоне разрушенных, застывших в молчании архитектурных построек (башен, дворцов, храмов) и прозрачно-голубого неба, местами закрытого еле заметными для глаз белыми облаками. Контраст чистого неба и поля, на котором разворачиваются драматические события с участием объятых ненавистью друг к другу людей с искаженными от боли или злобы лицами, еще более оттеняет и заостряет вечную для человечества тему бессмысленности и трагизма войны.

И здесь художник выступает как замечательный мастер, в совершенстве владеющий искусством сочетать свет и тень. Лучи света, выхватытая из мрака отдельные человеческие фигуры и лица, делают общую композицию выразительной, необымайно эмоциональной и динамичной.

Одной из самых интересных картин признана «Битва», изображающая сражение между отрядами повстанцев и регулярной испанской армией в период восстания под предводительством Т. Мазаньелло. Существует мнение, что Сальватор Роза участвовал в этом восстании. Предположение возникло в связи с тем, что на полотне, в левом углу, изображен сам художник. Догадка, помимо визуального сравнения, подтверждается еще и надписью на доспехах этого воина: «Saro» (Salvator Rosa).

Однако категорически утверждать участие Розы в восстании искусствоведы все же не могут. По мнению биографов, Сальватор Роза отсутствовал в это время в Неаполе. Он был во Флоренции и оттуда следил за страшными событиями, происходящими в большом городе. Необходимо заметить также, что художник целиком и полностью разделял взгляды повстанцев. И для того, чтобы хоть как-то выразить свое отношение к событиям и восставшим, решил изобразить себя в батальной сцене.

В 1649 г. Сальватор Роза уезжает из Флоренции и отправляется в Рим, где поселяется на Монте Пинчио, находящейся на Пьяцца делла Тринита дель Монте. Из окон дома открывался замечательным вид на собор Св. Петра и холм Квиринал. По соседству с Розой жили известные в те дни художники Никола Пуссен и Клод Лоррен, а недалеко от дома живописца находилась вилла Медичи.

Со времени появления Сальватора Розы во Флоренции жители улицы Монте Пинчио разделились на два лагеря. Одну группу возглавлял молодой человек аскетичного вида, Никола Пуссен. Другой, в которой были знаменитые музыканты, певцы и поэты, руководил Роза.

Одну из комнат своего дома Сальватор Роза превратил в мастерскую. Стены ее украшали авторские работы живописца. Мастер постоянно работал, создавая полотна различного содержания: на религиозные, мифологические и исторические темы. Его кредо было — постоянная работа, совершенствование техники. Он всем говорил о том, что «звездная болезнь» (как сказали бы сейчас наши современники) может погубить даже самый сильный и яркий талант. А потому, даже после того как к мастеру пришла слава и всеобщее признание, необходимо продолжать работать над собой и своими произведениями.

В поздний период творчества Сальватор Роза часто обращается к библейским и античным сюжетам. Для художника здесь оказывается наиболее важным передать самый дух того времени и его особенности. Мастер старается как бы возродить, вернуть к жизни все то, что существовало задолго до тех, чья жизнь послужила источником возникновения сказочно прекрасных и поучительным историй.

Таковыми являются достаточно известные полотна «Справедливость, спустившаяся к пастухам» (1651) , «Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» (1664), «Блудным сын».

Картина «Справедливость, спустившаяся к пастухам» написана по известному сюжету «Метаморфоз» Овидия. На полотне взгляду зрителя предстает богиня Справедливость, дарящая пастухам меч и весы правосудия. Основную мысль полотна можно определить так: истинная справедливость возможна только среди простым людей.

«Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» быти написаны Сальватором Розой после приезда из Венеции, где он познакомился с полотнами венецианских живописцев (в том числе и Паоло Веронезе, в лучших традициях которого и созданы названные выше работы).

Сальватор Роза. Морской пейзаж. Фрагмент

В картине «Блудным сын» сюжет, по сравнению с евангельской притчей, оказывается несколько упрощенным и приземленным. Так, герой представлен как простой неаполитанский крестьянин. Нет здесь и пышного окружения: блудным сын обращается к Богу в окружении баранов и коровы. Огромные размеры полотна с изображением несколько видоизмененной сцены вызывают ощущение издевки и сарказма по поводу того, что считается в обществе хорошим вкусом. Роза выступает здесь как продолжатель идей реализма, становление которого начинается с творчества Микеланджело да Караваджо.

С 1656 г. Сальватор Роза приступает к работе над циклом, состоящим из 72 гравюр, получившим название «Каприччи». Образы, выведенные на этих листах, — крестьяне, разбойники, бродяги, солдаты. Некоторые детали гравюр характерны для раннего творчества Розы. Это позволяет говорить о том, что, вполне возможно, в цикл вошли зарисовки, сделанные еще в детстве, а также во время путешествия по Абруццким горам и Калабрии.

Великий мастер живописи, поэт, замечательный актер и постановщик драматических спектаклей ушел из жизни в 1673 г.

Ярким представителем романтического течения в итальянской живописи XVII в. был Алессандро Маньяско, работавший в Милане и Флоренции. Он писал портреты, композиции на мифологические и религиозные сюжеты, но любимыми его жанрами были пейзажи и бытовые сцены.

Художника привлекают образы бродячих музыкантов, солдат, цыган, комедиантов. Большой интерес представляет цикл картин на тему монастырской жизни («Трапеза монахинь», «Похороны монаха»). Обычная, ничем не примечательная жизнь монастыря превращается у Маньяско в мрачную комедию. Гротескные фигуры монахов и монахинь непомерно вытянутый пропорции деформированы, а жесты и позы преувеличенно экспрессивны. Пустоту серой монастырской действительности подчеркивает колорит, выдержанный в темно-коричневых и зеленоватых оттенках.

Большое место в живописи мастера занимает пейзаж. Художник изображает мрачные руины, темные лесные чаши и морские бури. В природной стихии как будто растворяются гротескные человеческие фигуры, придающие ландшафтам фантастический вид («Пейзаж с прачками»; «Горный пейзаж», 1720-е; «Проповедь св. Антония Брешианского»; «Морской пейзаж», 1730-е). Несмотря на иронию, присутствующую в изображениях людей, глядя на картины, зритель испытывает чувство жалости к монахам, музыкантам, бродягам, населяющим причудливый мир живописи Маньяско.

Искусство барокко

Курс Культурология. Разработано О. Г. Петровой Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь.

Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России.

Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини).

В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность.

В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме.

В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью. В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта.

В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера). Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А.

Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Поддержите нас донатом. Проект существует на пожертвования и доходы от рекламы

Рококо в живописи: особенности стиля

Дорогие друзья, посетители и  постоянные читатели блога!

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени? 

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото:
Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Чем отличается Рококо от Барокко?

• Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное,  так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое.
  Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо

• Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо

• Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.

• Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца  Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным  названием! 

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»   

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая  свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа —  «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона-  Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото: 
Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

На фото: 
Слева —  Фрагонар «Девочка играющая с собачкой» 1770г.
Справа — Франсуа Буше «Геркулес и Омфала» 1731г.

«Манящие» картины в стиле Рококо

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен. Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики …. Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Кстати, стиль Рококо имеет популярность и в современной моде, и даже отражается в картинах многих современных художников

Стиль рококо в современной моде

В моей творческой деятельности есть совершенно разные картины, написанные в разных стилях, жанрах и направлениях. В том числе имеются и картины в современной интерпретации стиля Рококо. Выставляла их на выставке современного искусства во Франции.

Я заметила, что к картинам современного Рококо проявляется интерес, возле них задерживаются и задают вопросы. Поверьте, для творческого свободного художника это хороший знак, чтобы и дальше проводить эксперименты в картинах!

Картины Рококо в современной интерпретации

В картинах на фото выше, помимо краски, я использовала натуральные стразы, для ожерелья, папье маше для головного убора и нижней части платья, а также маленькие кусочки зеркала. В таком виде картина выглядит куда интереснее, ведь живопись и микс медиа на холсте относится к новым направления в искусстве!

Видео для размышления:  Зачем нам нужны картины и По какому принципу мы  их выбираем?

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Барокко в живописи | Интересные факты

Главная » Барокко в живописи

17. 02.2020 в 20:05

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко .

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона . Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

17.02.2020 в 20:03

Г отика — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы.

Слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский — (Goten — варвары; к историческим готам этот стиль отношения не имеет), и сначала использовалось в качестве бранного. Впервые понятие в современном смысле применил Джорджо Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от Средневековья.

Происхождение термина

13.02.2020 в 19:43

«Barocco» — жаргонное слово, которым португальские моряки называли бракованные жемчужины, можно перевести как «склонный к излишествам», «странный».

В барочных произведениях отражены внутренние конфликты человека, его метания и страдания, противоборство добра и зла, жизни и смерти, любви и ненависти. Архитектура, скульптура и живопись сливаются воедино. Обилие деталей, сочетание контрастных цветов, вычурная пышность форм реализуют цель стиля — поражать своей роскошностью, приковывать взгляды зрителей.

10.02.2020 в 19:19

Значение слова «Барокко» в Историческом словаре. Что такое барокко? Узнайте, что означает слово barokko — толкование слова, обозначение слова, определение термина, его лексический смысл и описание.

05.02.2020 в 19:09

Барокко — художественный стиль, покоривший Европу в конце XVI — середине XVIII в. Родина барокко — Италия. Итальянское слово Ьагоссо означает «раковина вычурной формы». Это стало символом богатых и пышных интерьеров. Здесь мы видим повышенную динамичность форм и беспокойный ритм кривых линий. В архитектуре барокко можно видеть обилие выступов, ниш, изогнутых карнизов. В интерьерах присутствовали дорогие ткани, лепные украшения, позолота, перспективная роспись потолков (изображение неба с порхающими амурами). В мебели применяются формы без особой строгости и последовательности. В результате — изогнутые поверхности предметов, крученые колонны, богато украшенные рамки и карнизы. Характерная новинка стиля мебели барокко — гнутая ножка. Мебель обивается дорогими тканями, гобеленами.

01.02.2020 в 18:45

Русское барокко  — общее название разновидностей стиля барокко , которые сформировались в Русском государстве и в Российской империи в конце XVII—XVIII веках:

24.11.2019 в 21:18

Художники в стиле барокко сознательно работали над тем, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали интенсивные и теплые цвета и, в частности — основные цвета: красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. Барочная живопись включает в себя широкий спектр стилей, так как наиболее важная и основная живопись в период, начинающийся примерно с 1600 года и продолжающийся в течение 17-го века, и в начале 18-го века, идентифицируется сегодня как барочная живопись. Наиболее типичными проявлениями барокко в искусстве являются: большой драматизм, насыщенный, глубокий цветом и интенсивные светлые и темные тени.

19.11.2019 в 04:37

Барокко — один из значимых стилей в культурной жизни Европы. Наибольшей популярности он достиг в таких странах, как Германия, Испания, Россия, Франция. Родиной его считается Италия. Эпоха барокко охватывает около двух столетий — с конца 16 до середины 18 века.

К отличительным чертам данного стиля относятся напыщенность, торжественность и парадность. Причем барокко охватывает не только художественное творчество, литературу и живопись, но и образ мышления человека, его существования, а также в какой-то мере и науку.

Произведения данного времени экспрессивны и выразительны, им присуща изощренность форм, создание иллюзорного пространства, а также причудливая игра тени и света.

17.11.2019 в 09:16

Барокко (итал. barocco — «порочный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») — художественный и архитектурный стиль, направление в европейском искусстве XVII—XVIII веков, центром которого была Италия.

Стиль Барокко возник как противопоставлениеи рационализму. Главной идеей Барокко можно считать неприятие «естественности», которая становится синонимом дикости. Барокко было призвано облагораживать, приукрашивать. Именно во время Барокко в Версале появляется первый европейский парк, где все вычерчено как по линейке, деревья подстрижены в форме геометрических фигур. Барокко — это величие, пышность, совмещение реальности и иллюзии, контрастность, напряженность образов.

 

11.11.2019 в 01:26

В конце 16-го — начале 17-го века в искусстве Западной Евролпы сложился большой художественный стиль — «барокко». Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского означает «причудливый», «вычурный» . Зародилось барокко в Италии, в конце 16го века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Итальянское барокко

31.10.2019 в 22:30

Появление Барокко:

Архитектура барокко — период в развитии архитектуры стран Европы и Америки (особенно в Центральной и Южной), охвативший примерно 150—200 лет. Период начался в конце XVI века и завершился в конце XVIII. Барокко (как стиль) охватило все виды искусства, но наиболее ярко отразилось в живописи, театре (и связанной с ним литературе, музыке) и архитектуре.

Краткая характеристика архитектурного стиля барокко:

Характерные черты: симметрия в стиле простор. Очень много лепнины. Сложные поверхности плоскости в зданиях большие новороты в колоннах бешено отделанные потолки с углубленными частями.

Преобладающие цвета: приглушенные пастельные тона; красный розовый белый голубой с желтым акцентом.

21.02.2020 в 03:49

Эпоха Барокко.

Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина — в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен.

12.02.2020 в 19:38

«Barocco» — жаргонное слово, которым португальские моряки называли бракованные жемчужины, можно перевести как «склонный к излишествам», «странный».

В барочных произведениях отражены внутренние конфликты человека, его метания и страдания, противоборство добра и зла, жизни и смерти, любви и ненависти. Архитектура, скульптура и живопись сливаются воедино. Обилие деталей, сочетание контрастных цветов, вычурная пышность форм реализуют цель стиля — поражать своей роскошностью, приковывать взгляды зрителей.

10.02.2020 в 19:27

Барокко — один из значимых стилей в культурной жизни Европы. Наибольшей популярности он достиг в таких странах, как Германия, Испания, Россия, Франция. Родиной его считается Италия. Эпоха барокко охватывает около двух столетий — с конца 16 до середины 18 века.

К отличительным чертам данного стиля относятся напыщенность, торжественность и парадность. Причем барокко охватывает не только художественное творчество, литературу и живопись, но и образ мышления человека, его существования, а также в какой-то мере и науку.

06.02.2020 в 18:53

Термин «Барокко» образован от итальянского «barocco», что в переводе на русский означает «порочный» и «склонный к излишествам». Также существует иное значение — «жемчужина неправильной формы». И действительно все эти черты можно найти в барочной эстетике. Например, храм, оформленный в этом стиле, можно узнать за версту: он буквально лоснится лепниной и всяческими золотыми орнаментами, хитросплетениями статуй и символов, цветов и животных. В таком здании всегда есть что-то от напыщенного, важного, но очень красивого свадебного торта.

03.02.2020 в 18:59

Дизайн в стиле барокко (что с итальянского переводится «вычурный») является одним из самых востребованных среди любителей окружать себя роскошными вещами. ХVІІ век, а именно период правления Людовика ХVІ, – время расцвета изумительного стиля. Любовь короля к размаху, богатству и шику стала причиной развития направления, которое и сегодня пользуется большой популярностью.

Ключевые особенности барокко:

1. Плавные линии и различные завитки.

2. Обилие дорогих материалов и зеркал.

3. Целостность. Утонченная и роскошная мебель, аксессуары и отделка – все это должно создавать единую картину.

03.02.2020 в 18:44

Эпоха Барокко.

Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина — в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен.

30.01.2020 в 18:39

Появление Барокко:

Архитектура барокко — период в развитии архитектуры стран Европы и Америки (особенно в Центральной и Южной), охвативший примерно 150—200 лет. Период начался в конце XVI века и завершился в конце XVIII. Барокко (как стиль) охватило все виды искусства, но наиболее ярко отразилось в живописи, театре (и связанной с ним литературе, музыке) и архитектуре.

Краткая характеристика архитектурного стиля барокко:

Характерные черты: симметрия в стиле простор. Очень много лепнины. Сложные поверхности плоскости в зданиях большие новороты в колоннах бешено отделанные потолки с углубленными частями.

Художники барокко самые известные — Oh Italia

Стиль барокко начал зарождаться еще в эпоху Возрождения в Италии, откуда постепенно распространился по всей Европе и преобладал в европейском искусстве конца XVI — середины XVIII века. Его приметы — пышность и размах, обилие деталей, вычурность.

Происхождение стиля и названия

Две самые популярные версии происхождения слова «барокко» — от итальянского baroсco («причудливый, странный») и от португальского perolabarroca («жемчужина неправильной формы»). Этот стиль, в котором все преувеличено и чрезмерно, проявил себя и в живописи, и в музыке, и в архитектуре, и в моде. Каковы же были причины его появления?

К концу XVI века позиции церкви в Европе серьезно пошатнулись благодаря открытиям Николая Коперника и борьбе Мартина Лютера с церковными злоупотреблениями. Люди стали уделять больше внимания земным удовольствиям. Новые дворцы знати возводились с размахом и пышностью. При этом новые храмы также отличались роскошью и гигантскими размерами — священнослужители желали вернуть церкви былое могущество…

«Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения.» С. Моэм

Италия тогда была практически полностью захвачена испанцами. Тем не менее эта страна, которая всегда славилась своим искусством, не желала отказываться от звания «культурного центра Европы». Отсутствие самостоятельности итальянцы компенсировали роскошью — вот еще одна причина показного великолепия барокко.

В разных странах Европы существовали свои варианты стиля барокко. Более скромное «северное» барокко было характерно для Германии, Голландии и Британии. «Южное» барокко — итальянское, испанское и французское — отличалось невероятной пышностью.

В России барокко принято делить на петровское (относительно строгое) и елизаветинское — блестящее и масштабное.

• Динамичность образов
• Преувеличенная эмоциональность
• Смешение реального и иллюзорного

Человек эпохи барокко. Знаменитые итальянцы

Костюм европейского аристократа того времени был сложен и необычен: многоэтажные парики, корсеты, кружево. И мужчины, и женщины носили каблуки и использовали много косметики. Все естественное в среде знати подвергалось гонениям, поскольку приравнивалось к варварству, дикости и невежеству.

Все это нашло отражение и в живописи: картины, созданные в стиле барокко, даже вполне реалистические, сложны по композиции, отличаются обилием фигур и напряженностью сюжета.

В Европе выдающимися мастерами барокко были итальянец Караваджо, испанцы Веласкес и Эль Греко, «великий фламандец» Рубенс и голландец Рембрандт.

Живописец Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) любил рисовать простых людей из толпы: мальчишек, уличных торговцев, музыкантов, но охотно воплощал и религиозные сюжеты. Персонажи его картин, как правило, будто выхвачены ярким лучом света из окружающей тьмы, что придает полотнам загадочность и таинственность.

Художник Караваджо был знаменит не только своими картинами, но и вспыльчивым характером, разгульным образом жизни и пристрастием к алкоголю. В расцвете славы он был обвинен в убийстве, объявлен вне закона, бежал из Рима и умер в изгнании.

Однажды Караваджо приказал доставить в мастерскую мертвое тело, чтобы правдоподобнее изобразить сцену воскрешения Лазаря

Испанское барокко.

Эль Греко и Веласкес

Будучи глубоко верующим человеком, художник Эль Греко (1541–1614, настоящее имя Доменико Теотокопули) часто обращался в своем творчестве к библейским мотивам. При этом он трактовал изображаемые события как нечто иллюзорное, воображаемое. Его картины: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие Святого Духа» и другие — отличаются особой, свойственной только этому художнику серо-перламутровой цветовой гаммой. Чтобы получить такой эффект, он так наносил основные краски на белый грунт, чтобы тот частично просвечивал на полотне.

Внимание посетителей музеев всегда привлекают его картины, на которых фигуры персонажей вытянуты по вертикали, представлены в неожиданных ракурсах и «одеты» в беспокойные, словно пульсирующие цвета. Известнейшая картина Диего Веласкеса (1599–1660) — «Менины» («Фрейлины»). На полотне художник представил себя пишущим портрет… Кого? То ли королевской четы — Филиппа II и его жены Марианны (которых мы не видим — только их смутное отражение в нарисованном зеркале). То ли их дочери — инфанты Маргариты: в окружении многочисленной свиты она кокетливо смотрит прямо на зрителя.

В 23 года Веласкес стал придворным портретистом. По легенде, Филипп IV однажды сказал художнику: «Никто, кроме тебя, изображать меня не будет»

Иллюзорность, игра, загадка — тоже характерные черты искусства барокко.

Фламандское и голландское барокко

Фламандец Питер Пауль Рубенс (1577–1640) учился живописи в Италии и Антверпене (Бельгия) и в своем творчестве успешно соединил традиции «северного» и «южного» европейского барокко. Он создавал парадные портреты («Герцог Лерма»), картины на мифологические сюжеты («Персей и Андромеда»), а также на религиозные сюжеты («Святой Георгий и дракон»).

Во многом благодаря этому художнику появились устойчивые выражения «фламандская пышность» и «рубенсовская красавица»: Рубенс всегда был страстным жизнелюбом, большинство его картин — это торжествующий гимн телесной красоте человека, пышущего здоровьем.

Рубенс не только писал картины на любые темы, но и делал на заказ эскизы для гобеленов, иллюстрировал книги

Уравновешенные и трудолюбивые голландцы ценили не бурное проявление эмоций, а спокойствие и практичность.

Именно таковы были ранние картины Рембрандта (1606–1669). Признанный мастер барокко, он всегда старался отразить в своих полотнах внутреннюю суть людей и явлений, работал почти во всех жанрах живописи и к концу жизни пришел к своему собственному узнаваемому стилю.

Его поздние картины, например знаменитое «Возвращение блудного сына», при внешне довольно статичной композиции отличаются колоссальным внутренним накалом.

Еще одна известнейшая картина Рембрандта — «Ночной дозор» (1642). Едва ли не впервые в истории художник отступил от традиций парадного портрета, изобразив многочисленную группу стрелков в момент выхода из арки на площадь.

Скульптура. Великий Бернини

Характерные черты скульптуры барокко — групповая композиция из нескольких фигур, обилие деталей и «закрученность» по спирали: статую можно неоднократно обойти кругом, каждый раз открывая для себя что-то новое.

Непревзойденным мастером своего времени был выдающийся скульптор и архитектор Джованни Лоренцо Бернини (1598–1680). Он участвовал в создании грандиозного римского Собора Святого Петра. Его «Аполлон и Дафна, превращающаяся в лавр», «Экстаз святой Терезы» и композиция «Фонтан четырех рек» — подлинные шедевры скульптуры барокко.

«Наибольшей похвалы заслуживает тот архитектор, который умеет соединить в постройке красоту с удобством для жизни». Л. Бернини

Живопись Барокко (в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Художники направления барокко

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа. Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

Термин происходит от итальянского слова, используемого во времена Средневековья, чтобы описать отказ от схематической логики. Впоследствии слово стало обозначать любую искаженную идею или особый процесс мышления. Другим возможным источником является португальское слово «Barroco» (испанское «Barrueco»), используемое для описания несовершенной формы жемчуга. История работ в стиле насчитывает около 200 лет – развитие эпохи длилось с 1600-х по 1700-е годы.

В искусствоведении слово барокко используется для описания всего причудливого, ассиметричного, необычного, яркого, символизирующее отказ от установленных правил и пропорций. Это представление появилось, благодаря критикам XVII века. До конца XIX века этот термин всегда носил подтекст гротеска, преувеличения, избытка декораций, пышности. Только в 1888 году термин стал использоваться в качестве обозначения стилистического направления, а не в качестве понятия, критикующего избыточность, чрезмерность в живописи.

Барочный стиль написания эмоционально насыщенной картины оказал глубокое воздействие на все формы искусства, в том числе архитектуры и скульптуры. Именно в живописи это направление искусства наиболее выражено.

История развития стиля

Часть усилий по реформированию церкви должна была воспитывать своих прихожан, помогая им понять больше о вере. Это не было легкойзадачей, поскольку большинство людей были неграмотными в это время.

Было принято решение сделать искусство понятнее простым людям – необходимо использовать творение живописи для объяснения глубоких догматов веры всем, а не только образованным. Для достижения их цели, картины на религиозную тематику должны было быть однозначными, эмоционально убедительными, мощными, чтобы вдохновлять зрителя к большей набожности.

Новые конфессии, например кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми. Однако официальная церковь и священники постановили, что искусство и его красота могут донести больше, чем их слово.

Караваджо

Основал стиль Караваджо – самый влиятельный художник раннего периода барокко. Ему принадлежит открытие главной особенностью – яркое освещение сцены из темноты работ в стиле барокко. В дальнейшем этот признак станет общей чертой живописи барокко.

Караваджо вызывал критику своего творчества. Его картины на религиозную тематику вызвали споры относительно его желание отображать людей без идеализации. Живописец стремился передавать их несовершенство. Благодаря Караваджо произошел отрыв от ренессансной традиции идеализма, особенно – религиозных сюжетов.

Этапы развития

Среднее

Главный представитель – Караваджо. Период развития: 1600 – 1625 годы.

Высокое

Развивалось в 1625 – 1675 годы. В рамках этого этапа выделяют несколько направлений:

• Динамическое барокко: Рубенс;Позднее

  1675-1725 годы. Стиль создали приемники представителей раннего и высокого этапов.

  Основные черты

  Искусство барокко в живописи характеризуется динамичностью (ощущение движения), которая дополняется экстравагантными эффектами (изогнутые линии, богатая отделка, яркое освещение).

  Полномасштабное барокко или полное барокко была развито в южной части Западной Европы, в то время как северная Западная Европа создала классическое или сдержанное направление.
  Для барокко характерно непрерывное перекрытие, пересечение фигур и элементов.

  • Драматическое использование цвета;
  • Картины являются очевидными, драматичными, прямыми, без подтекста;
  • Высокая эмоциональность и динамичность сюжета, что привлекает зрителя;
  • Изображения позволяют чувствовать частью яркой реальности, которую передают художники барокко;
  • Экстравагантные декоративные элементы изображения;
  • Развиваются картины в жанрах портрет, натюрморт, пейзаж;
  • Резкие контрасты между светлыми и темными, между светом и тенью.

  Главные тематики полотен: преобразования, мученичество и смерть, битвы, интенсивные психологические моменты, любые формы проявления действия, их последствий. Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве. В эпоху Возрождения, европейские художники осознали важность формы и анатомии в представлении человеческих фигур реалистично. Творцы в стиле барокко преуспели в реалистичной передаче изображений людей – их портреты стали более вычурными, яркими, эмоциональными. Барочные художники были одержимы светом, картины точно изображают пейзаж или интерьер сцены.

  Живопись эпохи барокко можно разделить на динамическое и реалистическое барокко. Первое можно рассматривать как продолжение итальянского Возрождения, последнее – в качестве искусства стран с другим уровнем развития живописи, в котором основное внимание фиксируется на физической составляющей.

  Пейзажные картины представлены работами Якоба Исаакса ван Рейсдал из Ниделандов, натюрморты писал Жан Батист Симеон Шарден из Франции, портретный жанр — Франс Халс. Их работы известны особой подачей и восприятием реальности.

  Известные работы

  «Распятие Святого Петра» Караваджо

  В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, художники эпохи Возрождения, предпочитали рисовать сцены и людей с их природными недостатками.

  Питер Пауль Рубенс «Четыре континента»

  Художник принес энергию, чувственность и драматизм в барокко, не только в религиозные работы. В их изображении можно увидеть барочные черты яркого цвета, телесности и перекрывающихся фигур.

  «Снятие с креста» Рембрандт

  Живописец стремился к естественной передаче движения. В своем работе переданы черты работ в стиле барокко: эмоциональность сцены, повышенная драматичность, активное использование света и тени.

  «>

  Любопытно

Классицизм и барокко: сравнение направлений искусства

Искусство 17-18-го веков сформировало два удивительных стиля — классицизм и барокко. Эти два крупнейших общеевропейских стиля существовали бок о бок на протяжении двух веков. Несмотря на очевидные различия, они тесно взаимодействовали друг с другом. За время своего развития, классицизм и барокко нашли себя не только в мировой и российской архитектуре, но также в скульптуре, литературе, интерьере и художественном искусстве. Сравнение классицизма и барокко, двух стилей, ярких, эпатажных и неповторимых, рассмотрим далее.

История классицизма

Классицизм в переводе с латинского — «образцовый». Запоминающиеся направление в европейской культуре возникло в 17-м в. Это была эпоха укрепления монархии, все должно быть идеально и в то же время роскошно, что прослеживается в безупречных фигурах античного мира.

Основателем стиля классицизм стала Франция, где летал дух свободы и совершенства человека как духовного, так и физического. Строгие, идеальные силуэты в архитектурных ансамблях, античные сюжеты в живописи и скульптурах, богатое, но сдержанное убранство интерьеров. Все это — черты классицизма.

В России этот стиль закрепился при Екатерине II, ее желание европеизировать страну сыграло ключевую роль в постройке знаменитых памятников архитектуры того времени.

Классицизм — это классика, гармония человека и природы, простая и лаконичная в своем направлении. Стиль, где нужно соблюдать определенные правила, очень быстро нашел себя в дворцовой культуре в Германии, Италии, Англии и России.

История барокко

Барокко значит — «распущенный», «склонный к излишествам». Основателем этого помпезного стиля стала Италия. Конец 16-го в. — эпоха Возрождения, укрепления католической власти, яркая, смелая и величественная, она должна была производить впечатление. Все отличительные элементы барокко нашли воплощение в католических городах Италии.

Однако европейские страны также взяли для себя некие атрибуты и элементы «распущенного» итальянского стиля. Англия, Франция, Россия использовали новое веянье культуры в своей архитектуре и интерьере, дабы подчеркнуть свой блеск и уникальность.

Стиль, ориентированный на создание иллюзии богатства и роскоши церкви, а также итальянской знати, впоследствии нашел отражение во всех странах Европы, Америки и России. И остался бессмертным спутником католической церкви.

Два стиля на протяжении веков идут рядом друг с другом. Однако они имеют явные различия в истории и целях создания, в воплощении в искусстве.

Сравнение классицизма и барокко

Направление	Классицизм	Барокко
Общее	За образец берется античное искусство. Простота, утонченность, понятные и лаконичные образы. Идеальная рациональность. Строгость, единые образы, равновесие деталей	За образец берется роскошь и помпезность, демонстративное богатство. Сильные контрасты, театральность. Яркая экспрессивность
В искусстве	Объемные уравновешенные композиции, четкость линий, античные идеалы в искусстве. Понятный сюжет, сдержанные эмоции	Стремительное развитие действий. Сильные, яркие эмоции. Восторженные образы. Замысловатый сюжет
В архитектуре	Строгие четкие формы. Масштабность. Величие. Гармоничные пропорции, монументальность. Строгая простота	Сложные криволинейные формы. Праздничная напыщенность. Масштабные колоннады, искажение пропорций строений. Цветовые контрасты, большие окна
В интерьере	Дорогие, сдержанные материалы. Спокойные цвета, богатая простота. Преобладание геометрических форм. Античные орнаменты	Богатые, разнообразные материалы в декоре. Яркие сочетания, золото, мрамор, лак. Сложные орнаменты. Роспись на потолке, крупногабаритная мебель

Классицизм и барокко наглядно

Основные черты барокко и классицизма роскошь и сдержанное богатство. Оба стиля нашли свое отражение в дорогих произведениях искусства и ярких архитектурных сооружениях. Рассмотрим самые известные объекты двух разных стилей одного периода времени.

Классицизм — это, конечно, площадь Восстания и Пантеон в Париже. Исаакиевский и Казанский соборы в Петербурге. Большой театр в Варшаве. Знаменитая картина Жака-Луи Давида «Переход Наполеона через Альпы» — совершенно отражает стиль классицизма в живописи. «Психея, разбуженная поцелуем Амура» — самая известная статуя в классицизме. Архитектурный ансамбль «Аполлон и нимфы» — невероятный по своей красоте пример классического стиля.

Тогда как барокко известен нам по Смольному собору в Санкт-Петербурге, Оперному театру в Одессе и, конечно, же Католическому храму в Ватикане. Рубенс и Караваджо — самые узнаваемые живописцы в стиле барокко. А итальянец Лоренцо Бернини раскрывает нам всю выразительность барокко в своих потрясающих скульптурах.

Классицизм и барокко в архитектуре

Как мы можем видеть из описаний и сравнений двух стилей, различия барокко и классицизма очевидны. В последнем — это обращение прежде всего к античному зодчеству, в барокко — к роскоши католических храмов.

Классицизм и барокко в архитектуре, сравнение на примере двух выдающихся памятников

Базилика дель Санта Кроче, Италия — типичный пример итальянского барокко. Отличительные особенности — пышный декор и множество статуй на фасаде. Скульптуры, балконы, колонны, сложная форма здания. Центр венчает огромное круглое окно — уже выход за стандарты типичной архитектуры. Кариатиды и атланты, причудливые формы — все это отличительные черты барокко.

Классицизм — это Большой театр в Москве. На его примере мы можем увидеть характерные черты в архитектуре этого стиля. Простота и лаконичность. Монументальность и строгость. Четкие формы, колонны. Маленькие окна стандартной формы. Сдержанный рисунок лепки на фасаде с типичными узорами античного мира. Четкая геометрическая форма строения. Приятный неброский однородный цвет всего здания.

Архитектура барокко и классицизма в сравнении очень различны. С первого взгляда можно отличить их друг от друга: вычурность барокко бросается в глаза, безусловно, это сложные архитектурные произведения. Тогда как здания в стиле классицизма настолько имеют четкие пропорции и строгий вид, что невольно заставляют задуматься о своем величии и монументальности.

Классицизм и барокко в живописи

Выходцы из одной временной эпохи, классицизм и барокко, тем не менее, имеют отличительные черты в искусстве.

Микеланджело — один из самых известных итальянских художников, который задал новый стиль в живописи — барокко. Это преимущественно религиозные сюжеты, яркие образы, эмоциональные сцены из жизни обычных людей. Контраст цветов, свет и полумрак, много предметов быта, реалистичность эмоций. Последователи этого стиля в искусстве — Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

Классицизм не менее живописен, но за основу берется античная Греция. Рафаэль, Джулио Романо на своих полотнах изображают идеальные физические формы божественных персонажей. Холодные мифические сюжеты завораживают своей лаконичностью, ничего лишнего, до мелочей продуманная композиция и пространство вокруг действующих лиц.

Можно выделить главные элементы в сравнении направлений искусства классицизма и барокко. Во-первых, это реальная эмоциональность барокко, сила сюжета и красочность образов, и во-вторых, сдержанная красота античной мифологии, понятная и лаконичная в своем проявлении.

Сравнение классицизма и барокко в интерьере

Помимо выдающихся произведений искусства и невероятных памятников архитектуры, барокко и классицизм нашли отражение и в интерьере домов и комнат. Далее — сравнение классицизма и барокко в убранстве помещений.

Свои основные черты эти два стиля привнесли и в интерьер. Прежде всего это дорого. В обоих случаях — это роскошь и богатство. А дальше можно говорить о цветовых решениях. Барокко — это всегда ярко, всегда золото, мрамор, лакированные поверхности. Множество дополнительных предметов, сложная форма мебели и причудливые узоры балдахинов и обивки кресел. Безусловно, это та красота, в которую хочется погрузиться, каждый предмет, которой хочется изучать. Восхищение и помпезность, то, что так любят короли.

Классицизм в этом плане играет на контрасте с барокко. Сдержанные пастельные цвета, гармонирующие между собой. Спокойный, но не менее величественный интерьер создан, скорее, успокаивать, нежили будоражить. Преимущественно светлые тона, четкость линий, правильность предметов. Функциональность атрибутов интерьера, не лишенная, тем не менее, своего очарования.

Классицизм и барокко в России

В Россию эти два стиля пришли в 18-м в. Царская Россия была в тесном контакте с европейскими государствами и не хотела отставать в возможности продемонстрировать свое величие.

Барокко и классицизм в архитектуре России воплотил, преимущественно, Растрелли. Именно он занимался реконструкцией и возведением основных зданий Петербурга в то время. Естественно, стили были русифицированы, переняв основные принципы двух направлений, традиционное русское зодчество было сохранено. Смольный монастырь, пожалуй, самый яркий представитель барокко в Петербурге, тогда как «изюминкой» классицизма является, естественно, Казанский собор. У истоков этого стиля в России стояли архитекторы В. Баженов, М. Казаков, И. Старов, возведенные по их проектам церкви и дома можно увидеть в Москве.

Барокко и классицизм в русской архитектуре играют большую роль. Как в историческом проявлении — основание Петербурга, новая Москва, так и в борьбе за равенство русских писателей-классицистов.

Сейчас невозможно представить наши города без Эрмитажа, Академии наук и Таврического дворца.

Классицизм и барокко в наше время

В современном мире архитекторы часто обращаются к барокко и классицизму, сравнивая и смешивая эти стили. Времена королей и императоров прошли, а любовь к роскоши и величию осталась. Сейчас можно увидеть уже современные замки в стиле барокко где-нибудь на Рублевке или дачу очередного олигарха в стиле классицизма в поселке Нирвана под Петербургом.

В отеле «Трезини» вы можете погрузиться в роскошь царей, а в ресторане «Ампир» отведать блюда современных королей. Но это уже сегодняшняя роскошь, хотя доступна она по-прежнему не каждому.

Искусство барокко — AP European History

Искусство барокко: эпоха украшений

Караваджо, Обращение святого Павла

Искусство барокко (1600 – 1750) приходится на период Контрреформации, возглавляемой католической церковью против протестантов. Ему удалось соединить передовые методы и масштабы Возрождения с эмоциями, интенсивностью и драматизмом маньеризма, что сделало эпоху барокко самой роскошной и богато украшенной в истории искусства. В то время как термин «барокко» часто используется в негативном смысле для обозначения чрезмерного и показного, семнадцатый век не только породил таких выдающихся художественных гениев, как Рембрандт и Веласкес, но и расширил роль искусства в повседневной жизни 9. 0009

Художники, которых сейчас называют барокко, приезжали в Рим со всей Европы, чтобы изучать шедевры классической античности и Высокого Возрождения, а затем возвращались в свои дома, чтобы придать тому, чему они научились, свое особое культурное значение. Как колонисты XVII века следовали за исследователями шестнадцатого века, так и эти художники опирались на прошлые открытия. В то время как стили варьировались от итальянского реализма до французской пышности, наиболее распространенным элементом во всем была чувствительность и абсолютное владение светом для достижения максимального эмоционального воздействия.

​Эпоха барокко началась в Риме около 1600 года, когда католические папы финансировали великолепные соборы и грандиозные сооружения, чтобы продемонстрировать триумф своей веры после Контрреформации и привлечь новых верующих, подавляя их театральной архитектурой, которую «обязательно нужно увидеть». Оттуда она распространилась во Францию, где абсолютные монархи правили по божественному праву и тратили суммы, сравнимые с фараонами, на свое прославление. Дворцы превратились в волшебную среду, предназначенную для того, чтобы произвести впечатление на посетителей силой и величием короля. Богатство, поступающее из колоний, финансировало изысканную мебель, сады и искусство выставочных площадок, таких как Версаль Людовика XIV. Хотя французские картины столь же богаты, как и религиозное искусство, греческие и римские модели, такие как спокойные пейзажи Пуссена, населяли языческие божества.
В католических странах, таких как Фландрия, религиозное искусство процветало, в то время как в протестантских землях Северной Европы, таких как Англия и Голландия, религиозные образы были запрещены. В результате картины, как правило, представляли собой натюрморты, портреты, пейзажи и сцены из повседневной жизни. Покровителями искусства были не только преуспевающие купцы, стремящиеся похвастаться своим богатством, но и горожане из среднего класса, покупавшие картины у себя дома. От «Ночного дозора» Рембрандта, характерного для искусства северного барокко, до чувственных, ярких панорам Рубенса, типичных для католического барокко, искусство этого периода отличалось театральным, сценическим изобилием и драматизмом.

Характеристики барокки

• Сильные перспективные эффекты
• Драматический цвет
• Драматический свет и темный (Chiaroscuro and Tenebrism)
• Движение фиг. детальные композиции (для эмоционального воздействия на зрителя)

Итальянское барокко

Сент-Томас Караваджо

Экстаз святой Терезы Бернини

Сан-Карло Алле Кватро Фонтане Борромини

Художники в Риме первыми создали стиль барокко, прежде чем он распространился по остальной Европе. К этому времени были созданы художественные академии для обучения художников методам, разработанным в эпоху Возрождения. Художники могли мастерски изобразить человеческое тело с любого ракурса, изобразить самый сложный ракурс и реалистично воспроизвести практически любой внешний вид. Чем барокко отличалось от ренессанса, так это упором на эмоции, а не на рациональность, на динамизм, а не на застой. Создавалось впечатление, что художники эпохи барокко брали фигуры эпохи Возрождения и заставляли их вращаться, как волчки.0009

Фламандское барокко

Снятие с креста Питер Пауль Рубенс

Падение Фаэтона

Южные Нидерланды, называемые Фландрией, а затем Бельгией, остались католическими после Реформации, что дало художникам достаточный стимул для создания религиозной живописи. История фламандской живописи в стиле барокко — это на самом деле история одного человека, сэра Питера Пауля Рубенса.
Редкий творческий гений, у которого было все, и мирской успех, и личное счастье, Рубенс был общительным, классически образованным, красивым, энергичным и много путешествовавшим. Он свободно говорил на шести языках и обладал неисчерпаемой выносливостью. Как сказал один покровитель, «У Рубенса было так много талантов, что его знание живописи следует считать наименьшим из них». Он был счастлив в браке с двумя женщинами (когда умерла его первая жена, он женился на 16-летней). Оба были его идеалом женской красоты, которые он рисовал снова и снова: грудастая, пухлая и улыбающаяся, с золотыми волосами и сияющей кожей.

Голландское барокко

Рембрандт

Хотя Голландия имеет общую южную границу с Фландрией, в культурном и политическом плане эти две страны не могли быть более разными. В то время как во Фландрии господствовала монархия и католическая церковь, Голландия или Нидерланды были независимой, демократической протестантской страной. Религиозное искусство было запрещено в суровых, побеленных церквях, а обычные источники покровительства — церковь, королевский двор и дворянство — исчезли. Результатом стала демократизация искусства как в предмете, так и в собственности.
Художники впервые были брошены на произвол рынка. К счастью, у зажиточного среднего класса была мания коллекционирования произведений искусства. Такой энтузиазм породил множество высококачественных произведений искусства и огромное количество художников, специализирующихся на конкретных предметах, таких как натюрморты, морские пейзажи, интерьеры или животные. В семнадцатом веке в Голландии было более 500 живописцев, работающих только в натюрмортах.

Рембрандт: Вероятно, самым известным художником западного мира является Рембрандт ван Рейн. При жизни Рембрандт был чрезвычайно успешным художником-портретистом. Сегодня его репутация основывается в основном на испытующих, интроспективных картинах его последних лет, тонкие оттенки которых подразумевают необычайную эмоциональную глубину.

Las Meninas — лучшая картина в истории? В ходе опроса художников и критиков, проведенного в 1985 году, картина Веласкеса «Менины» («Фрейлины») была признана со значительным отрывом «величайшей картиной мира». Пикассо отдал дань уважения, выполнив серию из сорока четырех вариаций работы. Веласкес серьезно отнесся к диктату Леонардо «зеркало — наш хозяин» и пытался максимально точно воспроизвести увиденное, часто работая годами над холстом. Картина якобы представляла собой королевский портрет пятилетней принцессы Маргариты в сопровождении ее фрейлин и двух карликов. С разнообразными дополнительными портретами это как бы групповая картина на тему: «Посетители мастерской художника». На среднем плане зеркальное отражение Короля и Королевы, на заднем плане портрет придворного в рост на ступенях. ​Критики предположили, что Веласкес играл с идеей двусмысленности изображений, включая множество вариантов портретной живописи, даже слева автопортрет самого себя в процессе воспроизведения этой самой сцены из зеркала. Его мастерство было таково, что все изображения кажутся одинаково убедительными, будь то непрямые (зеркальные отражения и картины картин) или «прямые» портреты.

Посмотрите видео выше, в котором критикуется картина «Менины».

Искусство барокко | Что такое, характеристики, происхождение, история, актуальность, работы, краски

Искусство

Искусство барокко является важным культурным и художественным движением, которое включает политическое , социальное и религиозное аспекты. Считается продолжением итальянского маньеризма , просуществовавшего до середины 16 века. Это один из самых сложных стилей, в каждом из его произведений проявляется волнение и движение.

Похожие темы

Византийское искусство, Египетское искусство, Греческое искусство, Средневековое искусство, Наскальное искусство, Римское искусство, Романское искусство

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко считается художественным стилем , развившимся между семнадцатым и восемнадцатым веками, который проявляется в различных художественных дисциплины такие как архитектура, живопись, музыка и литература, отличающиеся чрезмерной орнаментальностью .

• Baroque art characteristics
• Origin of Baroque art
• History
• Relevance of Baroque art
• Baroque art architecture
• Sculpture
• Paint
• Baroque art representatives
• Examples of outstanding works

Baroque art characteristics

Среди основных характеристик и особенностей, которые мы можем наблюдать в искусстве барокко, можно отметить следующие.

• Он призван отображать внутренние чувства , страсти, способы мышления и различные эмоции.
• Его темы включают религиозные темы , которые были оставлены Ренессансом.
• Имеет смысл движения , энергии и напряжения.
• Свет и тени этого искусства сильно контрастируют.
• Его духовность интенсивна и основана на мученичестве и явлениях.
• Он пытается правильно представить пространство и перспективу .
• Его картины основаны на натурализме .
• Темы барочной скульптуры мирские и мифологические .
• Они использовали ню постоянно придавая им большое значение.
• Имеет силу и монументальность , динамичность и выразительность.

Происхождение искусства барокко

Искусство барокко зародилось сначала в области пластических искусств , а затем распространилось на литературу, театр и музыку . Он возник в Италии в семнадцатом веке и успел распространиться в такие места, как Бельгия , Голландия и даже Латинская Америка , куда он был завезен художниками, которые путешествовали в экспедициях из Европы. Искусство возникло в течение политический и религиозный сеттинг в Европе, выражающий духовность и теоцентризм Средневековья, использующий рационализм и антропоцентризм эпохи Возрождения.

История

Можно сказать, что искусство барокко зародилось в 1600-х годах и продолжалось до 1750 года, в середине того, что мы знаем как Ренессанс и неоклассический период, период, когда католицизм в Европе реагировал на различные культурные движения ведущий к новой науке и новой религии; Протестант Реформация . Когда коррупция проникла в католическую церковь, они поняли, что искусство можно использовать как средство публичности и контроля над идеями, поэтому они наняли художников, чтобы удовлетворить своих верующих посредством драмы . Как художественный стиль он возник в начале 18-го и 19-го веков в Италии и затем распространился по всей Европе.

Актуальность искусства барокко

Это один из важнейших периодов в Западная история как бы способствовала построению европейской идентичности которая искала выход из классицизма из Ренессанса. Кроме того, она сыграла важную роль во всех религиозных конфликтах , происходивших в то время, так как протестанты противостояли тем, кто строил простые и скромные здания для богослужений с изящными, величественными и сложными конструкциями; можно сказать, что искусство барокко выступало в качестве эстетического выражения Контрреформация .

Архитектура в стиле барокко

В архитектуре изогнутые линии были приняты вместо прямых динамичности и выразительности . Для них были очень важны фасады , и они украсили их большими украшениями, используя карнизы и греческие и римские колонны . Можно сказать, что это был архитектурный стиль оформления. Храмы строились с использованием круглых полов вместо прямых. В Испания , он был введен в конце 16 века, но использовались плохие и затененные материалы. В период барокко искусство барокко прогрессировало и было наполнено орнаментами, убирающими эррерианских элементов .

Скульптура

Полные украшений с великолепным движением и динамизмом , изображения выражали бурные и возвышенные страсти. Он представил различное религиозное и моральное содержание, которое изменило способ самовыражения людей. Преобладала религиозная тематика, одной из главных характеристик они делали реализм, создавали образы, украшенные множеством деталей. Основным заказчиком барочной скульптуры был Костёл а затем двор . Изготовленные в основном из полихромного дерева , их работы используются в празднованиях Страстной недели .

Краска

Отличалась фигурами, заполненными светотенями и выражением . Они использовали масляную живопись, потому что это придавало им большую яркость и разные цвета, вязкость и качество. Холст был излюбленным материалом художников барокко, и линейная и симметричная тенденция была утрачена, потому что художники использовали больше свобода в своих цветах и ​​движениях. Они рисовали такие предметы, как пейзажи, натюрморты и людей, в зависимости от критериев каждого художественного направления.

Представители искусства барокко

• Диего де Веласкес, который был одним из самых важных представителей мира.
• Караваджо, итальянский художник считается первым представителем барокко.
• Педро Пабло Рубенс, художник фламандской школы.
• Джан Лоренцо Бернини, выдающийся художник в области скульптуры, архитектуры и живописи.
• Хосе де Рибера, испанский художник и гравер.
• Франсиско де Сурбаран, религиозный и мистический художник.
• Рембрандт , мастер всех времен, выдающийся в живописи и гравюре.
• Артемизис Джентилески, выдающийся живописец среди всех мужчин.

Примеры выдающихся произведений

Некоторые из основных произведений искусства барокко:

• Святой Петр Ватикана
• Версальский дворец
• Санта-Капилья, базилика Пилар
• Экстаз святой Терезы
• Фонтан четырех рек
• Лежащий Христос
• Три грации
• Круг ночи

Автор: Габриэла Брисеньо V. Искусство История Что именно изучать?

История искусств — это дисциплина социальных наук , изучающая эволюцию искусства во времени. Сосредоточьте эти исследования на анализе художественного самовыражения человека в разные периоды существования человечества и того, как это представляло их особое видение окружающего мира с помощью различных техник и художественных проявлений. История искусства как наука позволяет классифицировать исследования о различных культурах и устанавливает энциклопедические знания о том, как они проявляются в каждый из исторических периодов, определяя характеристики, которые делают их отличительными.

Эта наука также является результатом тесной связи и сотрудничества между различными междисциплинарными науками. Поддержка, которую история искусств получает от различных дисциплин, и все большее число современных изощренных методов приводят к более полному и точному изучению художественных проявлений, которым она посвящена, среди которых: скульптура, архитектура, живопись, керамика, музыка, текстиль, изделия из металла, производство стекла и другие, хотя диапазоны, которые в настоящее время достигаются, выходят за рамки так называемого изобразительного искусства.

Каждая из сотрудничающих наук вносит свой особый вклад в видение событий, сформировавших художественное наследие человечества на протяжении веков, среди них: археология, антропология, химия, геология, история, биология, архитектура и многие другие. История наук наиболее достоверна.

 

Постоянное получение обновленной информации о художественном наследии человечества помогает нам сегодня лучше понять красоту и ценность художественных произведений наших предков, а также анализировать уровень сложности, с которым они были созданы, и их связь с их историческими, религиозный, философский и социальный контекст.

Изучение уровней навыков художников или ремесленников в каждой культуре; также помогают понять влияние, которое они получили от других предыдущих или современных культур, и то, как эти навыки, в свою очередь, повлияли на навыки их собственных потомков. Несомненно, эти влияния, прошедшие через века, определили то, как сегодня создаются вещи не только с художественной точки зрения, но и с практическими функциями.

Артефакт вне надлежащего контекста, который включает в себя другие очень важные для человека факторы, ограничивает оценку настоящей ценности, они могут казаться даже красивыми или хорошо законченными, но без истории, которая их окружает, их ценность не может быть оценена с полной честностью . Искусство носило по существу элитарный характер на протяжении большей части истории человечества и долгое время было доступно только богатым классам; совсем недавно эти произведения искусства приобретают то значение, которое они действительно имеют в глазах широких масс.

 

Наслаждайтесь искусством сегодня благодаря обширной сети изучения, распространения и сохранения всего художественного наследия, созданного человечеством на протяжении всей его истории. Предстоит еще многое сделать для повышения эффективности сохранения исторических мест и артефактов и защиты их от вандализма и разграбления.

Начиная с 20-го века появилось множество учреждений, фондов, музеев и галерей, государственных и частных, занимающихся анализом и каталогизацией произведений искусства, а также их надлежащей экспозицией для широкой публики по различным темам, которые не ограничивается только так называемым изобразительным искусством.

Художественная комната в Музее Ринглинга и Мейбла в Сарасоте, Флорида. Музей открыт каждый понедельник бесплатно для посетителей этого художественного зала

. Следует отметить, что рост средств массовой информации и охват ими различных социальных слоев населения был очень важен для распространения сообщений о необходимости изучения и сохранить искусство и артефакты в наши дни. Этот важный труд способствовал распространению новых художников и эстетических форм, которые, тем не менее, показывают нам свою связь с культурным наследием прошлого. Новые технические и художественные возможности выражения , которые они фактически разрабатывают, будут изучаться и будущими поколениями.

Так или иначе, искусство стало более доступным для масс, и влияние этих художественных произведений можно увидеть в бесчисленных формах выражения или дизайнерских тенденциях современного художника. Любители искусства и истории в целом увеличивают сегодня количество интернет-страниц, посвященных донесению идеи искусства, через огромное количество страниц, тематика которых столь же разнообразна, как и само искусство.

Чтобы знать, как и где человечество должно управлять своим будущим, нам нужно узнать о История искусства и наши прошлые сокровища, черпайте из этого мудрого потока информации необходимое вдохновение для увеличения духовного обогащения настоящего и будущих поколений.

Кампаниформная шнуровая керамика

Пожалуйста, посетите список категорий, чтобы получить доступ к ссылкам на периоды искусства или культуры.

Вы можете связаться со мной по адресу [email protected] или по электронной почте geogle+ Elena Victorero
Я хотел бы узнать ваше мнение, но имейте в виду, что плагин «Askimed» настроен на блокировку спам-комментариев, поэтому, пожалуйста, укажите свое настоящее имя (имя человека). ) и комментарии, которые можно понять, также вносят свой вклад в содержание или дизайн блога.

Ваше мнение очень важно для меня, но я не буду одобрять спам-комментарии.

7 важнейших черт барокко

He Барокко стиль барокко это период исторической культуры западный, который характеризовался или парадигмой понимания искусства.

Он был разработан в Западной Европе и в европейских колониях в Латинской Америке и применялся между семнадцатым и восемнадцатым веками.

Фонтана ди Треви

Историки делят барокко на три этапа: «первобытное» (1580-1630), «зрелое» (1630-1680) и «позднее» (1680-1750). Эта новая парадигма произвела изменения и новые работы во всех областях искусства

Вам также может понравиться Этот список авторов барокко.

Общая характеристика стиля барокко

1- Это преувеличенное искусство

Художники барокко играли с дисбалансом и пытались произвести впечатление на наблюдателей эффектными и динамичными формами. Искажение классических форм, контрасты света и тени отличают его.

Барокко было движением, контрастировавшим с искусством Ренессанса и Классицизма. Его преувеличенный характер отражается в его архитектуре с избытком украшений. Например, Базилика Святого Петра Римского по проекту Джан Лоренцо Бернини.

2- Это реалистично

На искусство барокко повлияло время религиозных войн в Европе. Часто это шокирует или даже гротескно. Преобладало реалистическое представление о жизни, порой противоречащее религии. Развитый в эпоху экономических трудностей, человек сталкивается с суровой реальностью.

Его реалистичный характер был основан на известных отрывках из Библии и показан его героям как люди.

Например, итальянский художник Караваджо, один из величайших представителей барочной живописи, написал Смерть Девы Марии Смерть Делла Верджине. Эта картина, которая сейчас выставлена ​​в парижском Лувре, вызвала споры, поскольку неизвестно, попала ли Мария на небеса в образе своего сына. Это полотно очень по-человечески отвечает на этот вопрос.

3- Это синкретический тип

Культурные выражения в стиле барокко были синхронными, этическими, в том смысле, что каждое художественное выражение было связано с другими.

Архитектура была тесно связана с живописью и скульптурой. Волновая музыка, танец и театр, слияние которых создало оперу. В другие времена характеристики каждого вида искусства были более независимы друг от друга.

4- Влияние научных и географических открытий

Галилео Галилей усовершенствовал телескоп, а Рене Декарт развил рационализм. Эти открытия сломали представление о мире, которое было у обычного человека. Вот почему барокко выражает чувство страха перед новым, растерянности и подозрительности.

Эти чувства отражены в музыке, полной чувств и драматизма. Например, композиция Страстей из Иоганна Себастьяна Баха или Произведения Шекспира.

Этот «эмоциональный груз» очень заметен в скульптурах, например, Эль Давид Бернини. Хотя до классического Давида далеко. Бернини показывает Давида, совершающего действие, его лицо отражает усилие, а фигуру движения, в то время как классическое искусство стремится изобразить вечное.

Следовательно, искусство барокко имеет Слабое логическое содержание И смешивает истинное и ложное, начало и конец, ясное и темное. Это своего рода искусство педантичное и искусственное, саркастичное и противоречивое.

5 — С пропагандистской целью

Абсолютизм, Церковь и буржуазия Используемое искусство барокко Для продвижения ваших идей. В ответ барочные художники разделились на тех, кто работал на церковь или на монарха, и на тех, кто хотел быть независимым.

Как следствие, предметы, рассматриваемые каждым художником, были разными. Церковь, с другой стороны, хотела продвигать свое учение и показать, что Контрреформация приносит плоды и что католическая церковь не потерпела поражения.

В этой строке монархи хотели продемонстрировать, что их власть абсолютна. Благодаря чему в живописи развился, прежде всего, портретный жанр.

Наконец, были независимые художники, которые в основном жили в Нидерландах и Германии. Его работы показывали повседневную жизнь буржуазии. Например, работы Йоханнеса Вермеера как Девушка, читающая письмо или Девушка жемчуга .

Благодаря «культурной политике» этих властных групп эпоха барокко пережила бум покровительства церковных, монархических и аристократических. Искусство стало популярным, и было создано множество художественных школ, таких как Королевская академия искусств в Париже в 1648 году и Академия искусств в Берлине в 169 году.6.

6- Тенебризм

Это контраст света и тени благодаря освещению. Хотя эта концепция в основном применяется к живописи в стиле барокко, можно сказать, что барочный театр, скульптура и другие жанры визуального представления находились под влиянием этой игры с освещением.

Эта техника помогла подчеркнуть драматизм произведений и создала оптическую иллюзию смены настроения нарисованных мужчин или лиц скульптур.

7- Отсутствие центральной точки в его композициях

В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое указывает на зрителя как на главную мысль произведения, искусство барокко состояло из многих компонентов, каждый из которых представляет собой историю.

Например, согласно классическому зодчеству при строительстве храма или какого-либо здания ОН различает А и Алтарь или колонны, которые были красивее остального здания и были его центром.

Вместо стиля барокко предлагается создать полное здание Из деталей: на полу, стенах, окнах. То же самое относится к живописи или музыке.

С философской точки зрения отсутствие центральной точки отражало сломанные представления европейцев, которые понимали, что Европа не является центром мира и что Ватикан не является владыкой Европы.

В живописи расфокусировка выражалась в отсутствии четких линий. По сравнению с искусством эпохи Возрождения, линии и перспективы которого Указывали на первичное и вторичное, барокко уделяло внимание истории в произведении и процессе его создания. Он фокусируется на чувствах, которые он передает, и других факторах.

Особенности барокко

Литература барокко

HE Характеризуется отказом от безмятежного стиля, стилизованного под классицизм. Барокко – конфликтный и драматичный стиль.

В разных странах Европы барокко развивалось по-своему. Английские поэты развили эвфуизм, в то время как во Франции и Италии это отразилось в драгоценном движении и маринизме соответственно.

Барокко в Испании называлось Conceptismo, а Германия следовала общим тенденциям того времени.

Интересно отметить, что барокко развивалось и в Латинской Америке. Его основными представителями были Сор Хуана Инес де ла Крус, Педро де Онья, Бернардо де Бальбуэна и Франсиско де Террасас. Его характеризовали:

1. Прикосновение Негативные вопросы, такие как голод или страдание
2. Использование и избыток метафор, перифраз, аллитераций и преувеличений. Гипербатон или гипербаты — это фразы, в которых изменен логический порядок предложения.
3. Латинизация европейских языков. То есть брали словосочетания и грамматические конструкции латыни.

Барочная скульптура

Лаокоонт и его сыновья

1. Представительство движения. С помощью подсветки были получены разные ракурсы произведения при взгляде на него под разными углами.
2. Изображение природы, но без ее идеализации.
3. Обнаженная натура Как и в классической скульптуре, но композиции были асимметричными. Не было предпринято никаких попыток отразить совершенство. В них преобладают косые позы и серпантины.
4. Они также разрабатывают Источники и скульптуры С религиозными, мифологическими и другими мотивами. В данном случае скульптура дополняла архитектуру.

Архитектура барокко

Некоторыми он рассматривается не как стиль Архитектурный стиль, а как декоративный стиль архитектурных объектов. Характеризуется:

1. Симметричностью.
2. Здания с множеством украшений. L Колонны стали украшением, стены были заполнены росписями, а потолки фресками.
3. Изогнутые линии Преобладают перед прямыми линиями, которые создают ощущение движения, что создает оптические иллюзии. У структур было достаточно кораблей.
4. Много окон.

Театр Барокко

Стиль барокко в пьесах характеризовался шестью основополагающими правилами, которыми он управлял:

1. Он нарушил правило трех частей. В соответствии с этим каждая работа имела основное действие, сцену и день (действия происходили в один и тот же день).
2. Сокращение количества актов: с пяти до трех.
3. Язык был адаптирован, что позволило непривилегированным классам понять театр.
4. Представлена ​​Трагикомедия.
5. Риторическим фигурам в диалогах персонажей придавалось большое значение.
6. Метрики лирической поэзии доведены до театра.

Живопись в стиле барокко

Мария Непорочная. Бартоломе Эстебан Мурильо.

Хотя основной техникой того времени является живопись маслом на холсте, есть и другие характеристики, определяющие дисциплину этой эпохи:

1. Натурализм, без идеализации. Он также представляет старое и уродливое. В этом смысле можно подчеркнуть ставшие популярными сладострастные и преувеличенные формы.
2. Цвет и его контрасты играют важную роль. Как было сказано выше, цвета играют со светом. См. Тенебризм.
3. Движение и выразительность. Картины были освобождены от геометрических композиций и симметрии.
4. Объем домена и глубина объектов. Эта техника позволяла изображать предметы, которые появлялись с разных ракурсов и собирались в центре картины. Каждый из разных планов рассказал свою историю.

Музыка барокко

Иоганн Себастьян Бах

1. Контраст. Как и в других художественных выражениях того времени, музыка барокко показывает большой контраст между нотами каждого инструмента и голосами певцов.
2. Разработал Непрерывный бас. Например, одна и та же нота игралась на разных инструментах, таких как клавесин или клавесин и виолончель. Таким образом была оценена разница между этими звуками. За этим чередованием звуков последовали медленные звуки.
3. Разработана нотная музыка. Раньше музыка была модальной и основывалась на древних ладах и гаммах. В барокко была создана система гамм: мажорная и минорная, с аккордами.
4. Создан компас Y ритм. Он развивает регулярный и заметный пульс, используемый сегодня.
5. Инструментальная музыка становится самостоятельной.
6. Популяризировалась и развивалась светская музыка.
7. Разработаны вокальные формы: Опера, Ораторское искусство, кантата, пассия.

Барочная опера

Опера, организованная монархами в их дворцах, имела много персонажей (между певцами и танцорами), в то время как оперы, представляемые в театрах, имели мало персонажей и даже могли быть представлены дуэтами.

1. Сценография В эпоху позднего барокко.
2. Кастраты Они становятся самыми влиятельными артистами оперы. Кастраты были певцами, которых кастрировали в детстве, чтобы их голос оставался острым.

Загрузка..

Библейские повествования в стиле барокко

Шестнадцатый и семнадцатый века в Европе часто характеризуются политической и религиозной напряженностью, вызванной протестантской Реформацией и возникшей в ответ католической Контрреформацией. Особенно в Италии католическая церковь оказала значительное влияние не только на религию и политику региона, но и на художественную практику, которая развивалась вместе с этим культурным сдвигом.

Тридентский собор, который католическая церковь провела в Италии в конце шестнадцатого века, был направлен на то, чтобы официально ответить на критику протестантского движения. Важнейшим из них в развитии католического искусства был отрывок, подтверждающий дидактическую роль религиозных образов. Собор подтвердил, что искусство должно быть прямым и убедительным в изображении библейских событий. Это вызвало резкий сдвиг в изображении библейских повествований и католического искусства в Италии. Стилистические инновации и тенденции включали возобновление тенденции к драматическому натурализму и использование поразительного контраста между светом и тенью, известного как тенебризм.

Движение итальянского барокко в первую очередь возглавляли два художника: Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) и Аннибале Карраччи (1560–1609). Караваджо поднял использование тенебризма на новую высоту в технике, известной как chiaroscuro , которая подчеркивает использование света и тени для создания драматического моделирования и объема в фигурах. Карраччи, с другой стороны, был наиболее известен тем, что он включил классические тенденции в свою интерпретацию натурализма. Художники, работающие в традициях итальянского барокко, несомненно, находились под влиянием тенденций, заданных этими ведущими деятелями.

Antiveduto Gramatica (итальянский, 1571–1626). Юдифь с головой Олоферна , ок. 1625. Холст, масло, 30 5/8 x 35 дюймов (77,8 x 88,9 см). Покупка музеем на средства Роберта и Сары ЛеБьен, Фонда приобретения произведений искусства Элизабет П. Майерс и поместья Германа Б. Уэллса через Мемориальный фонд Джозефа Грэнвилля и Анны Бернис Уэллс, Художественный музей Эскенази, Университет Индианы, 2003 г.148

Коллекция Художественного музея Эскенази включает ряд работ итальянских художников этого периода. Antiveduto Gramatica’s Юдифь с головой Олоферна (ок. 1625 г.) изображает повествование из Книги Юдифи. Это интересно, потому что, хотя этот текст исключен из еврейского канона и считается неканоническим в протестантской традиции, он включен в канон католической церкви.

На этой картине рассказывается история добродетельной еврейской героини, которая спасла свой город Ветулию после того, как ассирийский полководец Олоферн осадил его в седьмом веке до нашей эры. Юдифь, красивая вдова, использует свои способности обольщения, чтобы войти в шатер Олоферна, где он напивается и засыпает. Юдифь, как известно, обезглавливает генерала, тем самым спасая свой город и утверждая свою женственность через соблазнение Олоферна. Это повествование широко изображалось художниками эпохи Возрождения и барокко, в том числе Караваджо, подчеркивавшим отчетливую кровавость обезглавливания. Gramatica, однако, преуменьшила это насилие, полагаясь на то, что аудитория уже знала об этом рассказе, и вместо этого изобразила Юдифь и ее служанку, выходящих из палатки Олоферна, с осторожно спрятанной головой в юбке служанки.

Якопо Пальма, иль Джоване (итальянец, ок. 1548–1628). Святой Иоанн Креститель проповедует , ок. 1620. Холст, масло, 63 ¾ x 94 ½ дюйма (161,9 x 240 см). Дар доктора и миссис Генри Р. Хоуп, Художественный музей Эскенази, Университет Индианы, 64,129

На картине Якопо Пальма иль Джоване «Святой Иоанн Креститель, проповедующий » (ок. 1620 г.) изображен титульный святой из Нового Завета. Святой Иоанн Креститель был популярным сюжетом в живописи эпохи Возрождения. Великие венецианские художники шестнадцатого века, такие как Тициан, Веронезе и Тинторетто, изображали святого в подобных композициях, и они, вероятно, вдохновили Пальму, который также жил в Венеции. Святой Иоанн обычно изображается крестящим Христа в реке Иордан. На этой картине Пальма вместо этого изображает святого, проповедующего большой группе, намекая правой рукой на реку Иордан позади него. Женщина в толпе указывает на стоящую позади нее женщину, предположительно покровительницу картины. Это, в сочетании с большим масштабом работы, предполагает, что она была заказана для церкви, братства или благотворительного хосписа.

Приписывается Франческо де Мура (итальянец, 1696–1782), в честь Франческо Солимены (итальянец, 1657–1747). Триумф Давида , ок. 1750. Холст, масло, 40 ¼ x 49 ¾ дюйма (102,2 x 126,4 см). Дар доктора и миссис Ричард Раух, Художественный музей Эскенази, Университет Индианы, 85,65

Наконец, картина Франческо де Мура «Триумф Давида » (ок. 1750 г.) представляет собой картину в стиле позднего барокко, изображающую культовое повествование из еврейских писаний, известное в католической канонической традиции как Ветхий Завет. В этом драматическом изображении молодой пастух только что убил Голиафа. Он триумфально возвращается с поля боя с головой великана. Де Мура был учеником плодовитого неаполитанского художника Франческо Солимены, и считается, что эта картина была создана по образцу работы, которую Солимена написала для короля Испании Филиппа V.

Хотя все эти картины изображают религиозных деятелей и повествования в очень драматизированной и знаковой манере, их подход и целевая аудитория сильно различаются, демонстрируя диапазон развития итальянской живописи в семнадцатом веке. Изображение святого Иоанна Крестителя Пальмой является новаторским, поскольку оно опирается на аудиторию, которая уже хорошо осведомлена о повествовании, в то время как изображение Юдифи, убивающей Олоферна, более разборчиво с иконографической точки зрения. Стилистические и иконографические подходы в этих произведениях можно рассматривать в контексте католической Контрреформации, уделяя особое внимание Трентскому собору середины шестнадцатого века, который стремился прояснить роль искусства в религиозной практике. Благодаря представлению этих повествований в визуальной форме эти доктринальные послания стали более прямыми и убедительными.

Мишель Мандарино
Ассистент, европейское и американское искусство

Поделитесь этой функцией

Как цитировать эту страницу
Мандарино, Мишель. «Библейские повествования в стиле барокко». Коллекции онлайн. Художественный музей Сидни и Лоис Эскенази, Университет Индианы, 2020 г. https://artmuseum.indiana.edu/collections-online/features/biblical-narratives-baroque-art.php.

Семь галерей. Тысячи произведений искусства. Изучите нашу коллекцию онлайн!

или просмотрите…

on view древнее искусство африканское искусство древняя америка океаническое искусство коренное искусство америки современное искусство европейское и американское искусство гравюры и рисунки фотографии азиатское искусство

В чем разница между эпохой Возрождения и Барокко

Основное различие между эпохой Возрождения и Барокко заключается в том, что искусство эпохи Возрождения характеризуется натуралистическим и реалистичным изображением человеческой формы и ландшафта, а период барокко характеризуется обильными деталями и величием.

Эпохи Ренессанса и Барокко возникли в Европе и распространились по всей Европе. Известно, что оба стиля изображают реализм, но стиль барокко имеет тенденцию быть очень подробным и сложным.

Ключевые области охвата 

1.   Что такое эпоха Возрождения
— определение, искусство, архитектура
2. Какой период барокко
— Определение, Art, Architecture
3. Сходство между Renaissance и Baroke Perio . Разница между эпохой Возрождения и Барокко
     – Сравнение ключевых различий

Ключевые термины

Искусство, барокко, ренессанс 

Что такое эпоха Возрождения

Возрождение — период европейской истории, знаменующий собой переход от Средневековья к современности, охватывающий 15 и 16 века. Искусство эпохи Возрождения зародилось во Флоренции в 15 веке и достигло своего пика в начале 16 века, когда были созданы шедевры Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля. Более того, художники этой эпохи стали отказываться от плоскостности готической живописи и двигались в сторону большего натурализма. Кроме того, одной из самых отличительных черт эпохи Возрождения являются натуралистические изображения тела и пейзажей.

Кроме того, ракурс (укорачивание линий для создания иллюзии глубины), сфумато (тонкое и постепенное смешивание для размытия четких контуров для обозначения трехмерности), светотень (взаимодействие между светом и тьмой для передачи ощущения глубины) , и реалистичная линейная перспектива — некоторые другие примечательные черты искусства эпохи Возрождения. Натурализм и реализм также являются важными атрибутами скульптуры эпохи Возрождения. Кроме того, использование религиозных тем, синкретических влияний и использование мрамора — некоторые другие примечательные особенности скульптуры эпохи Возрождения. Статуя Давида Микеланджело и римская Пьета, а также Геракл и Какус Бандинелли являются некоторыми примерами.

Хотя в архитектуре эпохи Возрождения выделяют три периода, между ними есть некоторые общие черты. К ним относятся использование математически точных соотношений высоты и ширины, симметрии, пропорций и гармонии, а также творческое использование арок, куполов, колонн и фронтонов.

Что такое период барокко

Период барокко — это стиль живописи, скульптуры и других искусств, зародившийся около 1600 года в Риме и распространившийся по всему европейскому континенту. Он предшествовал стилю рококо и следовал стилям ренессанса и маньеризма. Термин барокко обычно подразумевает что-то очень детальное и сложное. Картины и скульптуры периода барокко имели сильный акцент на христианские темы. Фактически, католическая церковь поощряла этот стиль как способ противодействия протестантской Реформации. Таким образом, Реформация и Контрреформация являются двумя важными факторами в этот период.

В различных европейских странах искусство барокко принимало различные формы в зависимости от их уникального политического и культурного происхождения. Как правило, стиль барокко характеризуется контрастом, преувеличенным движением, изобилием деталей, глубоким цветом и величием. Техника светотени — общая черта искусства барокко. Это взаимодействие между светом и тьмой, которое придает тускло освещенным сценам очень высокую контрастность и драматическую атмосферу. Кроме того, Рембрандт, Питер Пауль Рубенс и Караваджо — некоторые известные картины в стиле барокко.

В скульптуре в стиле барокко мы часто можем заметить группы фигур, а также динамичное движение и энергию человеческих форм. Они также могут иметь несколько идеальных углов обзора. Архитектура барокко, с другой стороны, подчеркивала большие массы, купола и смелые пространства. Национальный дворец Келуш в Португалии является образцом архитектуры барокко.

Сходства между эпохами Возрождения и Барокко

• Периоды Возрождения и Барокко возникли в Европе и распространились по всей Европе.
• Известно, что оба стиля изображают реализм.
• В искусстве обоих периодов особое внимание уделялось темам христианства и греко-римской мифологии.

Разница между Ренессансом и Барокко

Определение

Ренессанс — это период в европейской истории, знаменующий собой переход от Средневековья к современности, охватывающий 15 и 16 века, в то время как барокко — это период искусства, который начался около 1600 г. в Риме и распространился по всему европейскому континенту.

Искусство

Натуралистическое изображение человеческого тела и пейзажа, ракурс, сфумато, светотень и реалистичная линейная перспектива являются примечательными чертами искусства эпохи Возрождения, в то время как контраст, преувеличенное движение, обильные детали, глубокий цвет, светотень и величие являются примечательными черты искусства барокко.

Скульптура

Использование натурализма, религиозных тем, синкретических влияний и использование мрамора и камня являются некоторыми примечательными чертами скульптуры эпохи Возрождения, в то время как использование групп фигур, динамическое движение и энергия человеческих форм, а также множество идеальных изображений углы — примечательные черты скульптуры эпохи Возрождения.

Архитектура

Использование математически точных соотношений высоты и ширины, симметрии, пропорций и гармонии, а также творческое использование арок, куполов, колонн и фронтонов являются отличительными чертами архитектуры эпохи Возрождения.

No related posts.