Стиль в искусстве | ИСКУССТВО В ЖИЗНЬ!
Tweet
О СТИЛЕ В ИСКУССТВЕ.
Стиль как понятие теснейшим образом связан с развитием культуры и теми изменениями, которые постоянно происходят в искусстве. Понятие «стиль» многозначно, им широко пользуются не только в искусстве. Проникнув в быт, это слово стало обозначать вообще совокупность характерных признаков, как любого вида, так и разных сторон жизни человека (стиль поведения, стиль мышления, стиль работы).
Первоначально греческое слово «стиль» (стилос) означало палочку, которой писали по вощеной табличке, затем этим словом стали обозначать литературную манеру изложения, постепенно оно приобрело более широкий смысл в других видах искусства, обозначая содержание, мировоззрение, метод, технику исполнения и другие факторы.
Стиль в искусстве не ограничивается формой или содержанием – это сам принцип организации художественного мира, сфера оперативного воздействия искусства на сознание людей.
Стиль – видимый знак эстетического единства всех видов искусства. Глубокие связи в пределах стиля между различными видами и формами искусства характеризуют определённую культуру в целом. Тенденция общности признаков стиля базируется на определённом уровне развития политической психологической, идеологической и экономической жизни общества.
Под стилем в искусстве следует понимать исторически сложившуюся устойчивость творческих принципов образной системы, набор определённых приёмов формообразования и технологий, а также характерные признаки различных аспектов развития материальной и духовной культуры общества.
Классификация стилей тесно связана с социологическими и историческими закономерностями развития человечества. И это не касается не только европейского искусства, но с культурой и искусством цивилизации в целом.
В истории искусства выделяют следующие «большие» художественные стили:
стили древних цивилизаций:
— египетский
— месопотамский
— древнеиндийский
— древнекитайский
— древнеяпонский
стили античности:
— эгейский
— древнегреческий
— этрусский
— древнеримский
стили Средневековья:
— византийский
— романский
— готический
стили Возрождения:
— ранний
— высокий
— поздний
стили нового и новейшего времени:
— барокко
— рококо
— классицизм
(конец 17в., конец 18 в.,
начало 19 в. — ампир)
— модерн
(иллюстрации в конце статьи)
Любой стиль как живой организм развивался, постепенно проходя этапы становления, развития, расцвета, угасания и упадка.
Искусствовед 19 века Кон-Винер, изучая проблемы стиля, создал классификацию типов стилей исходя из особенностей основных черт и признаков.
Типы стилей и характерные особенности:
— конструктивный тип стиля:
ясность конструкции, чёткость и простота форм;
преобладание горизонталей, статика;
сдержанность декора;
— декоративный тип стиля:
усложнение форм и конструкций,
преобладание вертикалей, активная роль декора;
— орнаментальный тип стиля:
сложность конструкций, форм и декора, динамика,
преобладание декора над формой;
В принципе не существует типов стилей в чистом виде, и последний тип проявляется достаточно редко, в основном черты разных типов проявляются более или менее активно на протяжении развития какого-либо большого стиля.
Кроме «больших» стилей существует стиль национальный, в рамках «большого» стиля каждая страна вырабатывает собственные стилевые особенности, связанные со своеобразием культуры.
Индивидуальный стиль художника с одной стороны ориентирован на «большой» стиль, с другой стороны – каждый художник уникален в своём творчестве. Отмечаются стилевые особенности разных периодов творчества художника, даже стиль отдельных произведений и элементов произведений.
В стилеобразующем процессе важную роль играют такие понятия как китч и эклектика. Эклектика – это социально-культурное явление характерное для периода поиска нового стиля. Это соединение в одном произведении элементов нескольких 
Вместе с тем китч является необходимым условием формирования стиля, китч – это промежуточная стадия между шоковым восприятием нового и равнодушием к привычному. Виоле-ле-Дюк считал, что эклектизм неизбежен «в переходные и зачаточные эпохи», допуская возможность существования «хорошего эклектизма». Наряду с эклектикой существует явление полистилизма. Это одновременное независимое существование нескольких стилевых тенденций в одном из видов искусства.
С понятием «стиль» связано понятие «стилизация», стилизация может употребляться в двух значениях.
Первое – совокупность художественных приёмов, с помощью которых на основе первоисточника создаются новые оригинальные произведения. Первоисточниками могут быть мотивы природы и т.п.
Второе – намеренная и явная имитация того или иного стиля, полное или частичное воспроизведение его стилевых черт (важнейших особенностей).
Приёмы стилизации.
Первый из приёмов – объединение, обобщение черт первоисточника.
Второй приём – утрирование характерных черт.
Третий приём – деформация или искажение естественных форм.
Стилевые черты или характеристика стиля.
- Характеристика основных форм (формы) по основным элементам: силуэт, объём, пропорции.
- Конструкция.
- Материалы.
- Технологии.
- Цветовая гамма.
- Орнамент (декор)
- Композиционные приёмы.
- Образное содержание.
- Хронологические рамки.
- Историческая ситуация (политический аспект).
- Социально-экономическое состояние общества.
- География климат.
По выше перечисленным параметрам можно охарактеризовать как отдельное произведение искусства, так и любой стиль в целом. Стиль как исторически сложившуюся, относительно устойчивую общность признаков образной системы, средств и приёмов художественного выражения, обусловленную. единством идей и тем.
«Формула стиля» — минимальное сочетание формально-эстетических признаков, визуально характеризующих стиль.
Стили живописи: общая характеристика основных стилей
Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.
Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.
История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.
Готика
Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви.
Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.
Ренессанс или Возрождение
Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.
Маньеризм
Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.
Барокко
Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.
Классицизм
Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля.
Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.
Романтизм
Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.
Символизм
Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.
Реализм
Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки.
Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.
Импрессионизм
Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.
Модерн
Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм.
Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.
Авангардизм
Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.
Примитивизм или наивный стиль
Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.
Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.
Абстракционизм как стиль в живописи
Футуризм как стиль в живописи
Постимпрессионизм в живописи
Импрессионизм как стиль в живописи
Пуантилизм как стиль в живописи
Экспрессионизм как стиль в живописи
Китайская живопись Гохуа
Дадаизм как стиль в живописи
Стиль живописи арт-деко
Концептуализм как стиль в живописи
Неоклассицизм как стиль в живописи
Поп-арт как стиль в живописи
Минимализм как стиль в живописи
Маньеризм как стиль в живописи
Стиль живописи рококо
Реализм как стиль в живописи
Супрематизм как стиль в живописи
Символизм как стиль в живописи
История и развитие романтизма в живописи
Сюрреализм как стиль в живописи
Живопись эпохи северного возрождения
История живописи эпохи барокко
Конструктивизм как направление авангарда
История готического стиля в живописи
История кубизма в живописи
3 стиля искусства — Lovin ART
Реалистичная, стилизованная и абстрактная живописьЧто такое абстрактное искусство? Зачем вам что-то абстрагировать, если вы можете просто посмотреть на объект и нарисовать его реалистично? Обычно, когда мы говорим о видах искусства, мы относим их к одной из 3-х категорий: (а) реалистическое, (б) стилизованное, (в) абстрактное. Этот проект заключается в том, чтобы взять что-то узнаваемое, например буквы, и нарисовать рисунок в трех разных стилях. Суть в том, чтобы каждый раз менять то, как ваш мозг думает об одной и той же идее. Мы будем (1) строить бумажную модель положительного слова, (2) использовать значения для реалистичного рисования, (3) сводить все по форме и цвету, чтобы нарисовать стилизованную версию, и (4) накладывать друг на друга и переставлять все части чтобы в конце сделать абстрактную пьесу в стиле кубизма. |
Кем был Пабло Пикассо? Что такое абстрактное искусство? В чем суть кубизма? | Три музыканта, Пабло Пикассо 1921 | Жорж Брак, 1914, Человек с гитарой, холст, масло, 130 x 73 см, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж |
Альбом для рисования: 3 стиля искусства
Создание модели и создание реалистичного рисунка
Стилизованный рисунок
Реалистичные и стилизованные версии одного и того же слова
абстракция Word
аналогичные цвета
После абстрагирования слова нарисуйте и подпишите цветовой круг в альбоме для рисования. Далее покажите, что вы понимаете аналогичные цвета на странице справа. Потренируйтесь смешивать нужные цвета с масляной пастелью. |
добавление цвета к окончательному рисунку
|
студенческая работа — вы можете найти буквы?
Цели и оценка | Стандарты ВА6МС1с. |
Исследует важные вопросы, большие идеи или темы лично значимыми способами. 
Создает произведения искусства, отражающие ряд концепций, идей и предметов, включая определенные элементы или принципы. Каковы основные художественные стили?
Существует бесконечное количество художественных стилей. Но какие основные? Оглядываясь назад на тех, кто оставил след в истории искусства, мы можем понять изменения, которые произошли в искусстве. 21 художественный стиль, от романтизма до модернизма.
Статьи по теме: Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве – Руководство, которое поможет вам найти свой художественный стиль – Искусство века в 26 мощных движениях – Что такое кубизм? 9 знаменитых произведений искусства, которые вы действительно должны знать (и некоторые из них вы никогда раньше не видели)
Перечислить все когда-либо существовавшие художественные стили было бы невыполнимой задачей.
Любой список является неполным и должен отражать исторически сложившийся в основном белый мужской европейский взгляд на историю искусств. Мы можем представить себе прогулку по музею — то, чего многие из нас жаждут. Мы позволим нашему взгляду сосредоточиться на предметах, которые мы видим, блуждая по воображаемым семи комнатам. Они будут выделять отличительные стили, тенденции и социально-политические настроения. Войдя, мы проследим за коллекцией от романтиков до модернизма…
Романтизм (1770-1850)
Это период Возвышенных и больших тем. Конечно, первая картина в этом туре — та, которая показывает необъятность Бога, отраженного в природе, в которой человек может потеряться: «Чудесник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818). Вторая работа в этом зале охватывает социально-политические темы, поэтизированные в этот исторический момент, Французскую революцию в июле 1830 года. «Свобода, ведущая народ» Эжена Делакруа (1830) совершенно скульптурна, где Свобода ведет вперед и размахивает французами.
флаг – но в то же время грубо драматичный. Североевропейские романтики и французские романтики различаются тем, что скромность первых отсутствует во вторых. Но романтическая поэтическая линия присутствует в обеих картинах.
Каспар Давид Фридрих, Странник над морем тумана, 1818 г., предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.
Братство прерафаэлитов (1848-1855)
Переход во второй зал: Прерафаэлиты. Эта группа была основана в противовес ориентации на романтические идеализированные пейзажи прошлого. «Офелия» сэра Джона Эверетта Милле (1851–1852) висит на наших воображаемых стенах. В этой картине все органично, чисто с акцентом на природу. В центре сцены проплывает шекспировская героиня Офелия из «Гамлета», утонувшая в ручье. Но она является частью этой природной сцены, и значение природных элементов подчеркивается их символикой. Цветы, розы, ивы и маргаритки символизируют любовь, боль и невинность.
Барбизонская школа (1830-1870)
Рядом с этой картиной мы находим еще одну впечатляющую работу «Сборщики урожая» Жана-Франсуа Милле (1857). На этой картине французской барбизонской школы середины XIX века Милле изображает труд низшего сословия и крестьянскую жизнь. Это тонкое напоминание о больших темах Французской революции и подъеме социализма — и по этой причине критики не приняли его хорошо. Движения рабочих срываются, замедляя их тяжелый труд. Композиция заставляет нас сосредоточиться на их согбенном положении на переднем плане, контрастирующем с далеким и увядшим урожаем и управляющим, смотрящим на их работу. Это простой, но представительный класс, с натурализмом — напоминающий о поиске романтизма комфорта в природе, но без драмы.
Реализм (1840-1880)
Последняя картина во второй воображаемой комнате, «Мастерская художника» Гюстава Курбе (1855), также затрагивает тему современной жизни.
По словам Курбе, он хотел создавать «живое искусство». Эта картина представляет все, что имеет для него ценность, и реальность, которая (буквально) его окружает, является самим предметом его творчества. Его друзья, люди, которых он знает, и даже бедняки заслуживают места. Многие аллегории символически представляют его взгляд на современный мир. Например, женщина, стоящая рядом с ним, — художественная традиция. Собака — это его верность искусству, его работе. В произведении он демонстрирует свою гордость и важность современной жизни — вместо мифологических или исторических сюжетов, предпочитаемых Академией.
Гюстав Курбе, Мастерская художника, 1855 г., предоставлено Gustave-Courbet.com.
Импрессионизм (1860-1890)
Теперь мы переходим в нашу третью комнату, и здесь стиль совершенно отличается от того, что мы видели в двух предыдущих. Но сразу узнаем: Nymphéas en fleur (1914-1917) Клода Моне.
В соответствии с типичным акцентом на пейзажи этого художественного стиля, сюжетом является его пруд с кувшинками в Живерни. Она написана свободными мазками и даже есть участки, где холст не покрыт. Художники-импрессионисты, такие как Моне, пытались запечатлеть свет определенного момента, быстро рисуя на пленэре масляными красками — новинка для художников того времени. Получив критику за свои картины, они выставлялись в Салоне Отверженных, созданной ими альтернативе официальному Парижскому Салону.
Постимпрессионизм (1886-1905)
Вторая картина в этой комнате, которая встречает нас, состоит из множества крошечных точек, которые кто-то тщательно (и кропотливо) нарисовал на холсте. Эта постимпрессионистская картина сильно отличается от картин Ван Гога, Гогена или Сезанна, на которые больше повлияли японские произведения искусства с их четкими очертаниями и смелыми цветами. Но то, что делали постимпрессионисты, хорошо представлено в этом произведении.
Идет поиск нового стиля, который контрастирует со стилем прошлого и более организован, чем импрессионизм. Это знаменитая картина Жоржа Сёра «Un Dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte» Жоржа Сёра (1882–1884). На нем изображены люди, наслаждающиеся днем на солнце, современная простая тема. Используемая инновационная техника, пуантилизм, основана на теории цвета, и идея состоит в том, чтобы представить чистые цвета, не смешивая их, для создания изображения. Эффект свечения, а формы отлиты на холсте. Тема также особенная, так как все фигуры появляются в тени, кроме девушки в белом, обращенной к зрителю. Кажется, в основе лежит эмоциональное послание о лицемерии буржуазии.
Движение искусств и ремесел (1880-1920 гг.)
Скромный, но замысловатый дизайн — последнее, что есть в этой комнате.
Сильно отличающийся от остальных, это пример движения «Искусство и ремесло». Мотив цветочный и повторяющийся. Это «Клубничный вор» Уильяма Морриса (1883). Декоративный, красивый и вдохновленный природой – но скромность – это не простота, а настоящий шедевр. Выступая за традиционное мастерство, движение «Искусство и ремесло» часто заимствовало средневековые стили, перерабатывая их для целей используемых машин. Дизайн можно идеально повторить. Цель состоит в том, чтобы заново изобрести роль ремесленника в промышленном мире и остановить снижение стандартов, вызванное фабричным производством.
Модерн (1890-1914)
Перейдя в четвертую комнату, находим картину Гюстава Климта «Смерть и жизнь» (1915). Слева от нас более темная фигура, напоминающая Смерть, а справа группа людей, которые, кажется, обнимаются. Тема жизни и времени смешивается с темой природы. Это также психологическое явление, поскольку отражает старение и осознание человеком смертности.
Он производит угрожающее и обнадеживающее впечатление на тех, кто им восхищается, как если бы вы были в группе с другими, а Смерть наблюдает за вами. Фигуры органично переплетаются с цветочными и геометрическими мотивами, напоминающими движения искусств и ремесел. В результате получается чрезвычайно плавное и чувственное повторение линий и форм, которые мы находим в природных элементах, типичных для иллюстраций, плакатов и других произведений и продуктов дизайна в стиле модерн. Этот художественный стиль декоративный — стиль не только для картин.
Примитивизм (1890-1950)
В этом зале мы также видим произведение, напоминающее джунгли. Это произведение Анри Руссо «Голодный лев бросается на антилопу» (1905). Это произведение заимствовано из творчества постимпрессиониста Поля Гогена, поскольку оно ищет среду, не затронутую западной художественной традицией. Идея «примитивности» относится к этому и также может рассматриваться как расистская из-за того, как европейские художники искали другие культуры, используя свои произведения для развития своих собственных практик.
Хотя то, как художники заимствовали эти культуры, спорно, картина Руссо показывает восхищение богатыми цветами и очаровательными растениями, которые защищены культурами, которые ближе к природе — ближе к настоящему «чистому» образу жизни.
Анри Руссо, «Голодный лев бросается на антилопу», 1905 г., любезно предоставлено henrirousseau.net.
Кубизм (1907-1921)
На третьей стене этой четвертой комнаты висит картина Пабло Пикассо «Скрипка и виноград» (1912). Тема фрагментирована. Мы узнаем, что на нем изображено, только благодаря нескольким деталям и названию. Геометрические угловые линии образуют кубы объектов. Как и в других произведениях кубизма, предметы исследуются с разных позиций, ориентируясь на пластичность предметов. Подобно тому, как постимпрессионист Сезанн поступал через цвет в своих работах. В кубизме различные точки зрения объединяются, чтобы представить идею объекта, как будто различные ракурсы дополняют его.
Это воссоздание трехмерной формы, концепции скрипки и винограда.
Экспрессионизм: Les Fauves (1905-1908), Die Brücke (1905-1913) и Der Blaue Reiter (1911-1914)
На последней стене мы находим Анри Матисса Женщина в шляпе (1905) . Это произведение французского фовизма из Les Fauves («дикие звери»). Это авангардное движение взяло от эмоционального качества работы Ван Гога. Как и работы Ван Гога, картины Матисса характеризуются яркими красками. Вместо реалистичного эффекта Les Fauves ищут живость за счет мудрого использования насыщенных цветов и упрощенных изображений, которые удивительно интенсивны.
Рядом с работой Матисса выставлено еще одно сильное произведение: «Маски Эмиля Нольде» (1911). Стиль Die Brücke современен фовизму и основан на тех же влияниях. Здесь важна яркость ярких красок, но немецкое движение показывает отчуждение и разобщенность человеческой жизни. Маски тают, искажаются, как и другие работы Die Brücke.
Картину можно охарактеризовать как гротескную и навязчивую. Насилие, которого нет в фовизме.
Сосредоточив внимание на значении цветов, Der Blaue Reiter также был немецким стилем, в котором участвовали такие художники, как Кандинский и Клее. Работа на стене, рядом с этими двумя другими, — «Голубая лошадь I» Франца Марка (1911). Цвета потрясающие, даже яркие. Но смысл духовный. Лошадь является символом силы и невинности, а цвет дает ощущение глубины и медитативного созерцания. Здесь центральное место занимают цветовые оттенки, создающие более спокойную атмосферу, чем в двух других картинах на этой стене.
Дада (1916-1922)
Что мы находим, входя в пятую комнату? Скульптура? Это, несомненно, писсуар, но он стоит на боку. Это «Фонтан» Марселя Дюшана (1917). Это абсурдно, странно и даже смешно. Это произведение яркого авангардного движения Дада. Группа художников запустила дадаизм в 1916 году в Кабаре Вольтер в Швейцарии — в ответ на Первую мировую войну.
Его члены выступали против войны и выступали против буржуазии. Их работы были протестом. Коллажи, поэзия, визуальные и скульптурные произведения, направленные на то, чтобы шокировать публику, представляя известные вещи в необычных сочетаниях или неуместные объекты («редимейды»), такие как Фонтан.
Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г., копия 1964 г., предоставлено галереей Тейт © Преемственность Марсель Дюшан / ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021 г.
За скульптурой и выводом от дадаизма, на стене – картина Сальвадора Дали «Приспособления желания», написанная в 1929 году. Она полна символов, намекающих на сексуальные желания. Этот пример сюрреалистического произведения искусства соответствует «Первому манифесту сюрреализма» Андре Бретона (1929 г.).) – основа движения, в которое вовлечены художники по всей Европе и даже в Америке. Эти художники выступают против подъема национализма, видя разрушения, вызванные Первой мировой войной. Как и эта картина Дали, работы сюрреалистов абсурдны и порой тревожны.
Основываясь на трудах Фрейда, в которых он разработал психоаналитическую теорию, цель сюрреалистов состоит в том, чтобы представить реальность бессознательного и сновидений. Именно беспокойство, которое вызывают эти художники, создает этот сказочный эффект.
Футуризм (1909-1914)
Повернувшись к правой стене, мы находим работу итальянского футуриста Луиджи Руссоло «Восстание» (1911), сделанную до Первой мировой войны. Как и другие произведения этого движения, картина подчеркивает идею движения. Для этого используются яркие контрастные цвета, геометрические формы и острые углы. То, что мы воспринимаем, — это быстрое движение, которое невозможно остановить. Прогресс и волнение войны представляли футуристы. Действительно, это движение было тесно связано с фашизмом, поскольку художники стали ярыми сторонниками кампании Муссолини.
Луиджи Руссоло, Восстание, 1911, предоставлено WikiArt.
com, общественное достояние. 0173 Теперь мы можем продолжить в шестую комнату, когда мы приближаемся к концу нашего тура. В этой комнате первая работа, которую мы находим, явно сильно отличается от всех работ, которые мы видели. Это абстрактно. Всего несколько линий и цветов составляют Композицию II Пита Мондриана с красным, синим и желтым (1929). Это простой дизайн, в котором выделены геометрические фигуры. Типичная работа голландца De Stijl («стиль»), заметной фигурой которого был Мондриан. Это был не только стиль визуального искусства, но и архитекторы и дизайнеры. Это была общая тенденция среди художников геометрической абстракции, поскольку цилиндры, объемы и формы используются для создания механических узоров, объектов, скульптур и зданий новым революционным способом.
Конструктивизм (1919-1932)
Двигаясь дальше, мы оказываемся перед скульптурой, чем-то напоминающей разбитые фигуры кубизма. Это произведение — «Голова № 2» Наума Габо (1916).
Современный русской революции конструктивизм, направление абстрактного искусства, в полной мере использует промышленные материалы. Здесь материал рисует контур фигуры, а не наращивает ее массу. Это промышленный. Действительно, искусство, созданное конструктивистами, является скорее «продуктом», поскольку такие художники, как Габо, считали бы свою практику скорее технической, чем художественной.
Наум Габо, голова № 2, 1916 г., увеличенная версия 1964 г., предоставлено галереей Тейт © Нина и Грэм Уильямс / Тейт, Лондон, 2021 г. 019
Изображение дама отображается. В отличие от других работ, на которых изображены женщины, эта картина очень динамична. Картина Тамары де Лемпицка «Девушка в перчатках» (1929). Польская художница подчеркивает объемы и упрощает их. Ее творчество противостоит декоративному модерну. На самом деле объект не теряется на заднем плане. Фрагментарные геометрические формы — намеки на кубизм и футуризм. Сильные линии — это то, что отличает движение ар-деко, заставляя эту женщину казаться реальной, твердой, а не извилистой или текучей.
Она настоящая, сильная, но элегантная и светящаяся, точно отражающая суть искусства и дизайна ар-деко.
Тамара де Лемпицка, «Девушка в перчатках», 1929 г., предоставлено tamaradelempicka.org.
Баухауз (1919-1938)
На мгновение обращаем внимание на здание. Комнаты, в которые мы ходили, обычные и функциональные. У него явно есть цель, подходящая для «механического мира». Это идея немецкого Баухауза, родившегося после поражения в Первой мировой войне. Центральной была их Школа, где обменивались идеями — инновационная по сравнению с традиционной моделью «учитель-ученик». Под влиянием конструктивизма он сочетает в себе дизайн и функциональность. Упрощенные формы, рациональность, функциональность и массовость – ключевые слова этого стиля.
Кинетическое искусство (1930-1960)
В комнате что-то привлекает наше внимание.
Он движется, постоянно меняется, геометрические абстрактные формы напоминают работы Жоана Миро. Действительно, дадаизм и сюрреализм действительно влияют на этот изобретательный художественный стиль. Работа, на которую мы смотрим, — это картина Александра Колдера «Без названия» (1937). Он отражает растущее значение машин и нестабилизирующее влияние времени. Геометрические фигуры соединены, но целое выглядит очень хрупким. Произведение представляет собой своего рода «мобиль», характерный для этого художника. Это действительно революционно, если учесть тот факт, что скульптуры обычно очень статичны.
Александр Колдер, Без названия, 1937, предоставлено галереей Тейт © Фонд Колдера, 2021, Нью-Йорк / DACS, Лондон.
Art Informel (1945-1960)
В последней комнате тура по нашему воображаемому музею мы ясно видим абстрактный предмет, который использует мешок, подобный тому, который используется для картофеля.
Это картина итальянского художника Альберто Бурри «Мешковина и красное», 1954 год. Художник, проработавший на войне врачом, воссоздает на холсте эффект рваной повязки. Как и другие произведения информель-искусства, произведенные в основном в Италии, Бурри как будто представляет материалы, прошедшие через что-то, в какой-то степени воспроизводящие последствия опустошительной войны. Это произведение состоит из кройки, шитья и покраски — это произведение искусства, созданное путем манипулирования этими грубыми материалами. Текстура и ощущение легко представить, глядя на него.
Альберто Бурри, «Увольнение и красный», 1954, предоставлено галереей Тейт © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Читта-ди-Кастелло (Перуджа) / DACS 2021.
Абстрактный экспрессионизм (1946–1919 гг.) 68)
Последние два части этого тура, несомненно, мощные. Их делают два американских гиганта послевоенного абстрактного экспрессионизма.
