Викторина «Цветы в живописи»
Изображение цветов в искусстве живописи имеет давние традиции. Среди различных типов натюрмортов, повествующих о красоте кухонной утвари или снеди, охотничьих трофеев или даров природы, предметов кабинетного стола или набора каких-либо профессиональных инструментов, особо выделяются картины с букетами цветов. И это вполне естественно, поскольку цветам, как полевым, так и садовым, уже с древних времен отведена значительная роль в духовной жизни человека. Отдельные цветы и составленные из них букеты наделяются символическими смыслами – добра и счастья, любви и ревности, долголетия и здоровья, разлуки и печали. Такое содержательное значение цветы имеют во всех культурах и у всех народов.
ART-PORTAL – онлайн галерея произведений мирового искусства: изображения картин, памятников архитектуры, скульптуры и других арт-объектов в высоком разрешении без водяных знаков. Здесь можно найти биографии художников, скульпторов, деятелей искусства, а также описания произведений искусства, истории их создания.
Лимит времени: 0
Информация
Предлагаем Вам окунуться в мир цветов на картинах русских и зарубежных художников и заодно проверить свои знания в этой области. Все картины, представленные в викторине, взяты с сайта ART-PORTAL. Заполните анкету и получите возможность насладиться произведениями мирового искусства, не выходя из дома. Итак, приступим к викторине.
Вы уже проходили тест ранее. Вы не можете запустить его снова.
Тест загружается…
Вы должны войти или зарегистрироваться для того, чтобы начать тест.
Вы должны закончить следующие тесты, чтобы начать этот:
Правильных ответов: 0 из 10
Время вышло
Вы набрали 0 из 0 баллов (0)
| Средний результат |
|
| Ваш результат |
|
Надеемся, что викторина была интересной и познавательной.
Если Вам близка тема цветов в живописи, то предлагаем Вам проявить свои способности на листе бумаги. Выходите в свой сад и рисуйте цветы, если находитесь дома, то объектом вашего творчества могут стать комнатные растения. Удачи!
- С ответом
- С отметкой о просмотре
Задание 1 из 10
Задание 2 из 10
В этюдах импрессионистов и постимпрессионистов краски цветов, как и остальной природы, обретают интенсивность и жизненную убедительность.
ПравильноИмя изображенного художника указано в названии картины – «Моне перед мольбертом в своем саду в Аржантейе» (1873). В 1862 г. Ренуар, скопив небольшую сумму денег для своего обучения, смог поступить в столичную Школу изящных искусств. В классах у своего учителя Шарля Глейра он встретил таких в будущем известных живописцев, как Клод Моне, Фредерик Базиль и Альфред Сислей, которые станут не только его близкими друзьями, но и единомышленниками. Почитать про О. Ренуара
Имя изображенного художника указано в названии картины – «Моне перед мольбертом в своем саду в Аржантейе» (1873).
В 1862 г. Ренуар, скопив небольшую сумму денег для своего обучения, смог поступить в столичную Школу изящных искусств. В классах у своего учителя Шарля Глейра он встретил таких в будущем известных живописцев, как Клод Моне, Фредерик Базиль и Альфред Сислей, которые станут не только его близкими друзьями, но и единомышленниками. Почитать про О. РенуараЗадание 3 из 10
Какие из перечисленных цветов можно чаще всего встретить на картинах французского художника Клода Моне?
Задание 4 из 10
Натюрморт с розами, маленьким букетиком фиолетовых фиалок, рыжим апельсином, сахарницей и кофейником изображен на фоне открытого окна с видом на вечерний парижский бульвар.
Назовите имя русского художника, автора этой картины, который не раз изображал цветы на своих полотнах?
ПравильноАвтор картины «Розы и фиалки» (1912) русский художник Константин Алексеевич Коровин.
Уникальный дар колориста, присущий кисти К. А. Коровина, проявился не только в театрально-декорационной живописи, в портретах, пейзажах и натюрмортах, но и в композициях с цветами. Таковы его полотна «Дельфиниум», «Гвоздики и фиалки в белой вазе», «Розы и фиалки», написанные яркими мазками, из которых складывается общее впечатление от букета цветов. Можно сказать, что Левитан и Коровин заложили основы импрессионистской манеры написания натюрморта с букетами цветов. Почитать про К. А. КоровинаЗадание 5 из 10
А.
Я. Головин – русский художник и сценограф – создал удивительно красивое полотно «Умбрийская долина» (1911). Это произведение одновременно воспринимается и как пейзаж, и как натюрморт, и как эскиз декорации. Эта картина в полной мере соответствует высказыванию искусствоведа Э.Ф. Голлербаха: «Природа становится прекрасной, когда начинает подражать …». Как Вы думаете, чему?
ПравильноЭ.Ф. Голлербах: «Природа становится прекрасной, когда начинает подражать театру». Главное место на картине «Умбрийская долина» занимает растущий на террасе роскошный розовый куст, за ним открывается вид на залитую солнцем долину с голубыми горами у самого горизонта. Цветы и бутоны Головин старался изобразить натуралистически точно, но из-за использования множества оттенков растение больше походит на сказочное.
Неправильно Созданный художником мир похож на реальный, но все же в большей степени выглядит театральным. Почитать про А. Я. ГоловинаЭ.Ф. Голлербах: «Природа становится прекрасной, когда начинает подражать театру». Главное место на картине «Умбрийская долина» занимает растущий на террасе роскошный розовый куст, за ним открывается вид на залитую солнцем долину с голубыми горами у самого горизонта. Цветы и бутоны Головин старался изобразить натуралистически точно, но из-за использования множества оттенков растение больше походит на сказочное. Созданный художником мир похож на реальный, но все же в большей степени выглядит театральным. Почитать про А. Я. Головина
Задание 6 из 10
Французский живописец Э.
Мане создавал небольшие по размеру натюрморты, лучшим из которых можно назвать «Гвоздику и клематис в хрустальной вазе» (1882). Нужно отметить, что Мане очень любил изображать цветы. Зная об этом увлечении живописца, многие его друзья каждый день радовали его небольшим подарком. Что они делали, что бы доставить удовольствие Э. Мане?
ПравильноНа протяжении всей жизни Эдуард Мане создал множество картин, в которых запечатлел разные сорта цветов и их виды. Зная об этом увлечении живописца, многие его друзья каждый день посылали ему прекрасные букеты. Почитать про Э. Мане
НеправильноНа протяжении всей жизни Эдуард Мане создал множество картин, в которых запечатлел разные сорта цветов и их виды.
Зная об этом увлечении живописца, многие его друзья каждый день посылали ему прекрасные букеты. Почитать про Э. МанеЗадание 7 из 10
На представленной картине А. Миньона изображены живописно стоящие в вазе цветы: пионы, маки, гвоздики, ирисы, тюльпаны, нарцисс. Посмотрите внимательно на картину и продолжите её название «Натюрморт с цветами и …» (ок. 1660-1679)?
ПравильноБольшинство цветов в вазе полностью раскрылись и около них ползают и летают осы и мухи, сидит большая бабочка и улитка.
Неправильно В стороне от этого лежат карманные часы с голубой лентой, напоминающие о течении времени, и сами срезанные цветы, которые, увы, недолговечны, намекают на то, что все проходит. Однако в Голландии оттого и были так популярны цветочные натюрморты, что жители этой страны, одни из самых образованных в ту пору, знали: наиболее ценное в жизни – это вещи невесомые, духовные – любовь, вера, дружба, знание и истина – которые они искали в первую очередь. Почитать про А. МиньонаБольшинство цветов в вазе полностью раскрылись и около них ползают и летают осы и мухи, сидит большая бабочка и улитка. В стороне от этого лежат карманные часы с голубой лентой, напоминающие о течении времени, и сами срезанные цветы, которые, увы, недолговечны, намекают на то, что все проходит. Однако в Голландии оттого и были так популярны цветочные натюрморты, что жители этой страны, одни из самых образованных в ту пору, знали: наиболее ценное в жизни – это вещи невесомые, духовные – любовь, вера, дружба, знание и истина – которые они искали в первую очередь.
Почитать про А. МиньонаЗадание 8 из 10
Как Вы думаете, кого мы скрыли около кувшина с цветами на картине французского живописца П. Гогена?
ПравильноПеред Вами картина П.
Гогена «Цветы и кошки» (1899). Мы видим кувшин с букетом цветов. Возле него пристроились две кошки. Они отличаются друг от друга. Та, что спит, выглядит очень мирно, но та, что бодрствует, похожа на древнюю египетскую богиню. Почитать про П. Гогена
НеправильноПеред Вами картина П. Гогена «Цветы и кошки» (1899). Мы видим кувшин с букетом цветов. Возле него пристроились две кошки. Они отличаются друг от друга. Та, что спит, выглядит очень мирно, но та, что бодрствует, похожа на древнюю египетскую богиню. Почитать про П. Гогена
Задание 9 из 10
Натюрморты занимают важное место в творчестве французского художника Анри Фантен-Латура.
Немного старомодные и выписанные с исключительным мастерством, они находили популярность у публики, а их продажа приносила определенный доход. Подумайте, как называется эта картина?
ПравильноКартина называется «Цветы и фрукты» (1865). Работа написана в прекрасных традициях жанра французского натюрморта. Натюрморт невысоко ценился академическим искусством: он считался низким жанром живописи, не заслуживающим внимания уважающего себя художника. Однако Фантен-Латур обращался к написанию цветов и фруктов, не заботясь о мнении представителей официального искусства. Его натюрморты поражают искренней любовью к природе, которая даже в виде сорванных плодов и срезанных растений способна вызывать глубокое восхищение.
Неправильно Почитать про Анри Фантен-ЛатураКартина называется «Цветы и фрукты» (1865). Работа написана в прекрасных традициях жанра французского натюрморта. Натюрморт невысоко ценился академическим искусством: он считался низким жанром живописи, не заслуживающим внимания уважающего себя художника. Однако Фантен-Латур обращался к написанию цветов и фруктов, не заботясь о мнении представителей официального искусства. Его натюрморты поражают искренней любовью к природе, которая даже в виде сорванных плодов и срезанных растений способна вызывать глубокое восхищение. Почитать про Анри Фантен-Латура
Задание 10 из 10
Как Вы думаете, что за цветы изобразил на своей картине русский художник Игорь Эммануилович Грабарь?
Правильно«Хризантемы» (1905) – самый эффектный натюрморт художника.
Неправильно Пышные букеты цветов представлены в хорошо освещенной комнате, будто на пленэре. Цвет разложен на теплые и холодные тона, отсюда зеленоватый оттенок желтых хризантем, переливы желтых и голубых, розовых и зеленых градаций на поверхности скатерти, перламутровое мерцание вазы. Почитать про И. Э. Грабаря«Хризантемы» (1905) – самый эффектный натюрморт художника. Пышные букеты цветов представлены в хорошо освещенной комнате, будто на пленэре. Цвет разложен на теплые и холодные тона, отсюда зеленоватый оттенок желтых хризантем, переливы желтых и голубых, розовых и зеленых градаций на поверхности скатерти, перламутровое мерцание вазы. Почитать про И. Э. Грабаря
Это явление прочно связано с европейской живописью XV–XVII вв. Одним из ярких представителей этой европейской традиции является голландский художник Ян Давидс де Хем. Очень часто на его картинах одновременно с цветочными букетами и фруктами можно увидеть нечто очень от них далекое. Что же изображал голландский художник на своих полотнах?
Назовите имя русского художника, автора этой картины, который не раз изображал цветы на своих полотнах?
Уникальный дар колориста, присущий кисти К. А. Коровина, проявился не только в театрально-декорационной живописи, в портретах, пейзажах и натюрмортах, но и в композициях с цветами. Таковы его полотна «Дельфиниум», «Гвоздики и фиалки в белой вазе», «Розы и фиалки», написанные яркими мазками, из которых складывается общее впечатление от букета цветов. Можно сказать, что Левитан и Коровин заложили основы импрессионистской манеры написания натюрморта с букетами цветов. Почитать про К. А. Коровина
Я. Головин – русский художник и сценограф – создал удивительно красивое полотно «Умбрийская долина» (1911). Это произведение одновременно воспринимается и как пейзаж, и как натюрморт, и как эскиз декорации. Эта картина в полной мере соответствует высказыванию искусствоведа Э.Ф. Голлербаха: «Природа становится прекрасной, когда начинает подражать …». Как Вы думаете, чему?
Созданный художником мир похож на реальный, но все же в большей степени выглядит театральным. Почитать про А. Я. Головина
Мане создавал небольшие по размеру натюрморты, лучшим из которых можно назвать «Гвоздику и клематис в хрустальной вазе» (1882). Нужно отметить, что Мане очень любил изображать цветы. Зная об этом увлечении живописца, многие его друзья каждый день радовали его небольшим подарком. Что они делали, что бы доставить удовольствие Э. Мане?
Зная об этом увлечении живописца, многие его друзья каждый день посылали ему прекрасные букеты. Почитать про Э. Мане
В стороне от этого лежат карманные часы с голубой лентой, напоминающие о течении времени, и сами срезанные цветы, которые, увы, недолговечны, намекают на то, что все проходит. Однако в Голландии оттого и были так популярны цветочные натюрморты, что жители этой страны, одни из самых образованных в ту пору, знали: наиболее ценное в жизни – это вещи невесомые, духовные – любовь, вера, дружба, знание и истина – которые они искали в первую очередь. Почитать про А. Миньона
Почитать про А. Миньона
Гогена «Цветы и кошки» (1899). Мы видим кувшин с букетом цветов. Возле него пристроились две кошки. Они отличаются друг от друга. Та, что спит, выглядит очень мирно, но та, что бодрствует, похожа на древнюю египетскую богиню. Почитать про П. Гогена
Немного старомодные и выписанные с исключительным мастерством, они находили популярность у публики, а их продажа приносила определенный доход. Подумайте, как называется эта картина?
Почитать про Анри Фантен-Латура.jpg)
Пышные букеты цветов представлены в хорошо освещенной комнате, будто на пленэре. Цвет разложен на теплые и холодные тона, отсюда зеленоватый оттенок желтых хризантем, переливы желтых и голубых, розовых и зеленых градаций на поверхности скатерти, перламутровое мерцание вазы. Почитать про И. Э. ГрабаряФельдман В.
А. Свет и чистота красок в живописи. Принципы импрессионизма. — Киев, 1915
Свет и чистота красок в живописи. Принципы импрессионизма / Художник В. А. Фельдман. — Киев : Тип. „С. В. Кульженко“, 1915. — 84 с., ил.
Свѣтъ и чистота красокъ въ живописи. Принципы импрессіонизма / Художникъ В. А. Фельдманъ. — Кіевъ : Тип. „С. В. Кульженко“, 1915. — 84 с., ил.
Знание в творчестве необходимо, но оно должно осуществляться бессознательно.
ПРЕДИСЛОВИЕ
Насколько мне известно, в специальной литературе по живописи до сего времени нет такого руководства по теории красок, которое более или менее удовлетворительно помогло бы художникам разобраться в несомненно заслуживающих внимания вопросах. Все, что попадалось мне по этой части или устарело, представляя из себя пережиток, давно отвергнутый современными мастерами, в особенности же импрессионистами, или не досказывает самого существенного, без чего чтение таких сочинений может доставить, пожалуй удовольствие, но едва ли пользу.
Во всех руководствах (Маркова, Пранга, Лефрана, The principles of colouring in painting, кажется Винзора и Ньютона, Петрушевского и др.) самое ценное — это теория о дополнительных цветах, об одновременных и последовательных контрастах, наконец о составлении всех оттенков из трех „основных красок“: красной, желтой и голубой. Попадаются даже „полезные рецепты“ для получения тонов листвы, облаков, скал, воды и т. п. Последнее, конечно, совершенно нелепо, но и та часть, которая, несомненно, имеет интерес, как общая основа колорита, далеко не объясняет принципов, лежащих в основе новейших достижений импрессионистов.
Импрессионисты слагают свои тона, не смешивая краски, а укладывая отдельные, по возможности мелкие мазки самых ярких, ничем не загрязненных красок в виде штришков или мозаики. На расстоянии эти мазки оптически смешиваются, почему и живопись импрессионистов называется синтетической.
В сочинении Поля Синьяка: „От Эжена Делакруа к нео-импрессионистам“ очень обстоятельно излагается как исторический ход развития дивизионизма, так в особенности и преимущества раздельного мазка перед смешением красок на палитре.
Книга читается с захватывающим интересом и может быть горячо рекомендуема для прочтения. Но она не раскрывает никаких законов, не дает ничего конкретного и у читателя остается досадное убеждение, что в конце концов, вероятно, только присутствие личного таланта может ввести в постижение тайн колорита.
Очевидно, чувствуя этот пробел, автор перевода с французского языка (в издании 1913 года) приложил в конце книги „Теорию о законах цветов“ Шарля Блана из XIII гл. Grammaire des arts du dessin, но, к сожалению, и это приложение повторяет только старую, всем известную и неприменимую в дивизионизме теорию о трех основных цветах: красного, желтого и голубого.
Там же, где Шарль Блан касается законов оптического смешения красок, он обнаруживает поразительную неосведомленность.
Судя по всему, прочитанному мною, у меня составилось убеждение, что все, что достигнуто великими мастерами импрессионизма в смысле их технических приемов, достигнуто эмпирически и по всей вероятности составляет личный секрет каждого.
Между тем, как будет видно из дальнейших рассуждений, существуют совершенно определенные, простые физические и физиологические законы, позволяющие с чрезвычайной легкостью и ясностью классифицировать многие загадочные явления, причем отпадает излишний труд и трата времени на бесполезные искания.
Первый толчок в этом направлении дало мне изобретение братьев Люмьер в Париже аутохромных фотографических пластинок, на которых непосредственно с натуры получаются картинки в натуральных цветах. Не касаясь изложения способа получения этих цветных картин — это вопрос специально фотографический — самое существенное в них то, что построение тонов природы совершается только тремя красками, уложенными в виде рядом лежащих очень мелких крупинок и при том не теми тремя „основными“, берлинской лазурью, кармином и желтой, принятых во всех элементарных руководствах, как необходимых для составления всех остальных оттенков, а в несколько ином составе.
Люмьеровская комбинация состоит из красного (близкого к цвету киновари), изумрудно-зеленого и синего (с оттенком фиолетовым).
Непосвященного в законы оптики может удивить в первый момент отсутствие желтого. Но простые опыты с комбинациями цветов покажут в дальнейшем, как из различных группировок даже только трех люмьеровских красок можно составить какие угодно цвета, в том числе и желтый. Так напр. синефиолетовое с изумрудным дает голубое, синефиолетовое с красным — пурпуровое, красное с зеленым — желтое и т. д.
Люмьер своим открытием таким образом очень близко подошел к манере письма дивизионистов: не смешивая краски и употребляя лишь такие, которые по чистоте своей наиболее приближаются к цветам спектра, он укладывает их в виде очень мелкой мозаики вплотную рядом одну с другой.
Знание оптических смешений цветов — это одно из самых важных условий для каждого художника, даже если он предпочитает механические смеси, не говоря уже о дивизионистах, для которых это азбука.
Опасаться же, что по мнению К. Моклера, научное знание может низвести картину до теоремы (мнение, между прочим, ходячее среди художников), я решительно не вижу никакого основания, ибо в таком случае надо признать вредными вообще все служебные к чистому творчеству элементы, как технику рисования, перспективу, анатомию, теорию теней и т. п.
Цель настоящих заметок — изложить те данные, добытые отчасти и личным опытом, которые, по моему мнению, необходимы для достижения обыкновенными красочными средствами максимальной чистоты колорита и максимальной иллюзии света.
ОГЛАВЛЕНИЕ.
1. Предисловие.. 5
2. Механическая смесь.. 11
3. Оптическое смешение цветов.. 17
4. Дополнительные цвета.. 28
5. Цвет и освещение.. 31
6. Иррадиация.. 40
7. Утомление глаза.. 55
8 Мазки и техника.. 62
9. Освещение картины.. 71
10. Пигменты в акварельной живописи.. 75
11. Таблица оптических смещений.
Примеры страниц
Осенние цветы в живописи: самые известные картины с названиями и фото
Осень во все времена служила вдохновением для художников, а красивые осенние цветы в живописи издавна являются одной из популярных тем, наравне с пейзажами этой чарующей поры. Меланхоличная красота этого времени года наполнена особой философией и атмосферой. Пускай у многих осень ассоциируется с дождем и первыми холодами, будто нарочно природа наградила время умирания самыми яркими красками, щедрым урожаем и изобилием цветов.
Натюрморты с осенними цветами
Сентябрь и первая половина октября плотно ассоциируются с цветением астр, георгин, настурций, хризантем, цинний, гербер и бархатцев, напоминающих об уютном очаровании этой романтической поры. Наиболее часто художники изображают разнообразные осенние цветы на натюрморте.
Этот жанр живописи, в котором главная роль достаётся неодушевленным предметам, зародился более 500 лет назад, но особую популярность приобрел в средине 17-го века. Цветочный натюрморт получил наиболее активное развитие, начиная с первой половины 19-го века.
Все это время художники черпали вдохновение в природе, в смене времен года и, конечно, в цветах. Благодаря пышности и разнообразию, осенние цветы прочно поселились на натюрмортах известнейших живописцев.
Георгины в живописи на картинах известных художников
Иоган Лауренц Йенсен – датский живописец начала 19-го столетия часто изображал на своих полотнах букеты георгин («Корзина цветов с георгинами и бабочкой», «Натюрморт с георгинами», «Натюрморт с цветами и виноградом»).
Художник – Иоган Лауренц Йенсен
Альберт Вильямс – «Чаша с георгинами»
Георгины – частые гости на натюрмортах. К числу наиболее известных картин с этими осенними цветами относятся: «Чаша с георгинами» Альберта Вильямса, «Натюрморт. Георгины» Световлавского Сергея Геннадьевича, «Георгины» Диф Марсель, «Георгины, маргаритки Куинса, розы и васильки» Анри Фантин-Латур и др.
«Георгины» Диф Марсель
Осенние цветы в живописи – Художник Диф Марсель
Хризантемы и астры в живописи
Частым источником осеннего вдохновения для художников служат и хризантемы – яркие и необыкновенно многообразные они прекрасно передают последние осенние краски и тепло.
Хризантемы в живописи изображал все тот же Анри Фантин-Латур («Натюрморт с хризантемами», «Букет цветов»), Клод Моне – «Хризантемы», Элоиза Гарриэт-Стеннард – «Натюрморт с хризантемами» и т.д.
Элоиза Гарриэт-Стеннард – «Натюрморт с хризантемами»
Клод Моне также любил изображать и другие не менее прекрасные осенние цветы – астры. Одноименный натюрморт, на котором изображен скромный букет астр в красивой вазе на столе, послужил вдохновением для таких импрессионистов как Гюстав Кюрбе, Камилия Коро, Эдуард Мане и т.д.
Пышный яркий букет хризантем изображен на картине другого известного импрессиониста Пьера Ренуара. В отличие от белых хризантем Моне Ренуар для полотна «Ваза с хризантемами» выбрал цветы насыщенных теплых тонов.
«Ваза с хризантемами», Моне Ренуар
Осенние цветы в живописи: последний бенефис природы
Осенние цветы особенно часто изображают на своих полотнах импрессионисты, так склонные к передачи образа через цвет, к подчеркиванию чувств через тона и оттенки. Ярким примером могут послужить многочисленные изображения подсолнухов на полотнах Ван Гога.
Подсолнухи на картинах Ван Гога
Примеров использования осенних цветов в живописи в целом и в натюрморте в частности очень много. Они выражают собой последний бенефис природы перед увяданием – завершающий громкий мажорный аккорд перед окончание пьесы. Именно по этой причине осенние цветы стали настоящим символом печальной, но прекрасной меланхолии в искусстве и еще долго будут вдохновлять творцов по всему миру.
Натюрморт в творчестве импрессионистов
20.12.2014Натюрморт стал самостоятельным жанром в европейской живописи на рубеже 14-15 веков. Но уже в 19 веке Гюстав Курбе сформулировал новую концепцию натюрморта. Он стал первым крупным художником нового времени, создавшим собственную школу в натюрморте. Курбе вернул европейскому натюрморту сочность, жизненную силу и глубину. Дальнейшее развитие реалистического натюрморта связано с именем Эдуарда Мане. И пример Курбе сыграл в этом не последнюю роль. Обоих художников объединяло стремление максимально точно изобразить натуру. Но там, где Курбе пытался подчеркнуть проявление общих законов жизни, Мане стремился проникнуть в индивидуальный характер предмета. Возможно, поэтому натюрморты Мане выглядят менее солидными и основательными. Для него характерно упрощение композиции и уменьшение количества предметов.
В 1863 году Мане выставил картину «Завтрак на траве», которая стала переломной для его творчества. Хотя в Салоне отверженных ей досталось большое количество насмешек и критики, «Завтрак на траве» во многом предопределил дальнейшее творчество Мане. Человеческие фигуры на картине и натюрморт на первом плане очень реальны, серебристые и голубые оттенки переднего плана гармоничны, а лежащие на траве предметы полны пленэрной свежести, легкости и изящества. Особое внимание уделено натюрморту в последнем шедевре Мане «Бар в Фоли-Бержер» (1881). Главная героиня картины — продавщица, стоящая за стойкой бара, задумчива и печальна. В зеркале за ней отражается пространство бара, залитое светом. Стойка бара превращена художником в драгоценную оправу из натюрморта для прекрасной продавщицы, которую художник представил древнегреческой богиней. В свете люстр на поверхности бара стекло бутылок переливается зелеными и коричневыми тонами, золотыми искорками поблескивают их пробки. В хрустальной вазе золотистой горкой лежат фрукты. Перед девушкой стоят две розы, а их лепестки по нежности сравнимы только с кожей девушки.
В этой картине натюрморт и портрет гармонично соединены талантом Мане в единое целое. Эта работа стала блестящим завершением цветовой революции, которую художник развернул в своем творчестве, начиная с натюрмортов 1860 годов, «Олимпии», и «Выхода у Булонского порта». Мане взял за основу цветовую гармонию и пленэрные решения своих предшественников, но полностью удалил из своих картин черные тени и освободился от сухой академической моделировки. Примерно с 1875 года в натюрмортах Мане все больше становится импрессионизма. Многочисленная серия цветов, над которой он работал уже, будучи серьезно больным, демонстрирует взлет творчества Мане-натюрмориста. Картины этого периода удивляют чистотой и искренностью, особым чувством трепетной жизни цветка, как, например, в натюрморте «Ваза с цветами» (1882). Композиция этой картины проста — в небольшой вазе стоит скромный букет. Крупные цветы и зеленые листья небрежно переплелись между собой. Каждый лепесток отражает отблеск других листьев и цветов, отсвет солнечных лучей, голубизну небесной синевы. Отдельный предмет уже не обладает персональным цветом, а словно связан общим спектром с другими. Благодаря этому возникает новое ощущение целостности и многокрасочности мира.
В другом натюрморте «Белая сирень в стеклянной вазе»(1882) Мане легко и непринужденно создает пластику букета, вазы и глубину пространства скупыми и мазками, а окружающий воздух художник передает градацией и контрастами нежнейших оттенков зеленого и белого. Натюрморт максимально лаконичен, в нем только ветка сирени и луч солнца. Благодаря Эдуарду Мане в живописи появился новый метод, который обогатил ее, открыв целый мир, ранее ускользавший от художников. Картины его последователей отличаются свежестью восприятия, предельной искренностью и о трепетном чувстве природы. В похожей манере выполнены и натюрморты Эдгара Дега. Для раннего творчества Дега наиболее характерна работа над портретами. Особенно художник предпочитал бытовой портрет. Сочетание натюрморта и портрета можно увидеть в его картине «Дама с хризантемами» (1865).
Большую часть полотна занимает букет пестрых хризантем. Фигура женщины расположена несколько в стороне и дана гораздо скромнее в плане цвета, но благодаря оригинальному композиционному решению, между героиней и цветами устанавливается определенное эмоциональное равновесие, и они взаимно дополняют друг друга. Клод Моне наверно нарисовал все, что хотя бы немного притягивает его взгляд: поля, уголок сада, интерьер квартиры, вокзал, фрукты на столе. На его натюрморте «Яблоки и виноград» (1880) поражает гармоничность и лаконичность образа. И все это достигается благодаря простоте и очень точном взаимоотношении тонов: белоснежная скатерть играет голубыми отблесками, блестят упругие бока налитых яблок, гроздья винограда изящно лежат на плетеной тарелке. Пространство вокруг натюрморта наполнено светом и воздухом. В этом натюрморте художник старался одушевить предметы: в нем все живет скрытой напряженной жизнью. Картина выполнена настолько реалистично, что создается впечатление возможности взять эти привлекательные фрукты.
В творчестве другого французского импрессиониста Огюста Ренуара трудно найти натюрморты. Эти небольшие картины практически все находятся в частных собраниях. Любимая тема для натюрмортов Ренуара – это цветы. В ранних работах, которые сложно отнести к импрессионизму, главенствуют цветы и пастельные тона. Но есть и исключения, например натюрморт «Анемоны» (1898). Здесь нет пастельных тонов. А художник заостряет внимание не только на цветах и оттенках, но и на форму цветков: одни согнулись, другие стоят вертикально, третьи уже опустили свои венчики. Чувствуется, что Ренуар прочувствовал каждый цветок и проник в его сущность. В этом натюрморте есть главные признаки импрессионизма: свет и воздух. Другой знаковый натюрморт Ренуара – «Плоды в вазе в форме раковины» (1881). Фрукты, которые изобразил на полотне художник, словно живые. Когда Ренуар работал над этой картиной, он встречался с Полем Сезанном и смотрел его работы. И в «Плодах в вазе…» чувствуется влияние Сезанна. Но есть и существенные отличия от его стиля. Хотя бы то, что если Сезанн при создании композиции натюрмортов использовал несколько предметов, то у Ренуара их больше двадцати. Причем все они очень декоративны. Четко разделены темные и светлые стороны композиции. Темная расположена в левой верхней части холста, а светлая – на переднем плане и справа. Ярко-красные перцы образуют практически равносторонний треугольник, Их уравновешивают двумя пурпурными гранатами. Все это – влияние Сезанна.
Прекрасный натюрморт есть и жанровой картине Ренуара «Завтрак гребцов» (1881). Полотно отличается радостной палитрой. Свет чувствуется в любом уголке картины: жаркий летний день, зеленые заросли кустарника, и стол, заставленный посудой, бутылками и фруктами. Хотя предметов много, натюрморт не перегружен, он очень гармоничен. Как и все полотно, натюрморт очень обаятелен: гамма утонченная, эффекты уместные, впечатление отчетливо и едино, свет превосходно распределен. Натюрморт отличается большой искренностью, как и все картины импрессионистов. Безмятежность и ясность ощущается не только в людей, но и в предметах. Здесь царит задорное веселье летнего дня. Импрессионизму не удалось долгое время пробыть ведущим направлением в европейском натюрморте: кроме Клода Моне и Огюста Ренуара практически никто не занимался этим жанром. Однако этих художников ощущается даже в творчестве такого мастера натюрморта как Пьер Боннар.
Первой серьезным ответом импрессионисткой концепции натюрморта стали картины Сезанна. Натюрморт по важности занимал второе место после пейзажа в творчестве художника. Работы 1870-х годов еще отличаются от классических сезанновских работ, и в них присутствует какая-то теплота, которая напоминает картины Шардена. В этот период был создан «Натюрморт с черными часами» (1870). Обыденные вещи: часы, ваза, чашка, раковина, лимон – стали для художника мотивом для натюрморта, который оказался одним из самых удачных работ Сезанна. Хотя все эти предметы несут определенные символические ассоциации, они здесь вторичны. Сезанн сместил акцент в сторону конструктивного настроения: на натюрморте чувствуется пространство, но одновременно подчеркнута и плоскость картины. В определенный момент Сезанн пришел к выводу, что симметрия в картинах не более чем обман. Впервые ассиметрия встречается на натюрморте «Голубая ваза» (1885 — 1887 года), где художник намеренно избегает пропорциональности.
Натюрморт «Персики и груши» относится к концу 1880-х. Даже при беглом просмотре ощущается внутренняя напряженность картины. Работая над картиной, Сезанн подкладывал под фрукты мелкие монетки, чтобы у них был разный наклон. Обычный столик, который встречается в каждом втором натюрморте, здесь стал площадкой для особого действа. Предметы уже не являются символами чего-либо, как это было в ранних работах Сезанна. Красота и сила натюрморта в сопоставлении чистых цветов и простых форм. На картине смятая салфетка струится волнами салфетка и, словно сопротивляясь ее течению, лежат налитые груши, немного наклонено блюда с персиками, а белый фарфоровый молочник стоит прямо. Веером раскрывается окружающее пространство, одновременно обволакивая и обтекая все изображенные предметы, создавая единое напряженное поле. В натюрморте не соблюдаются правила классической перспективы, и совмещается несколько углов зрения – Сезанн первым использовал в живописи этот прием так откровенно.
В непродолжительный период увлечения импрессионизмом, Сезанн пытался исправить слабые места этого течения. Художник вернул цвету постоянный характер, и благодаря этому снова обрел в натюрморте материальный предмет. Хотя в поиске физических качеств Сезанн иногда немного перегибает палку. Пытаясь вернуть предмету форму, вес и объем, он старается утвердить неизменные, «изначальные» формы предметов, которые он видел в простейших фигурах стереометрии: цилиндре, шаре и пирамиде. Поэтому композиции его натюрмортов становятся устойчивыми и уравновешенными, но это приводит к их статичности и безжизненности. И импрессионистское восприятия предмета, как мимолетного момента беспрерывного движения, сменяется другой крайностью – запечатлением покоя вечности.
В натюрмортах последнего периода творчества Сезанн старается преодолеть этот недостаток и его композиции приобретают динамичность, и ощущение «жизни», подавляемое раньше, все чаще находит себе единственный выход. Натюрморт не стал важным аспектом творчества импрессионистов, за исключением Мане. Они создали собственную концепцию натюрморта словно заодно, работая над принципами пленэра для пейзажа. Импрессионисты считали в натюрморте главным свет и воздух, а предметы стали простым носителем световоздушных рефлексов. Из-за этого предмет в импрессионистском натюрморте теряет свои физические свойства: четкие контуры, объем, массу и даже устойчивость цвета. Дематереализация предмета в творчестве импрессионистов стала первым признаком упадка европейского натюрморта. Однако импрессионизму удалось привнести в этот жанр (вспомните голландские ванитас) светлые, радостные и оптимистические нотки.
Есть ли жизнь после импрессионизма?
Гора Сен-Виктуар с большой сосной, 1887
Живопись для Сезанна — инструмент для поиска первооснов мира. Он хочет найти объективную истину и связывает монументальность классики и последние достижения в живописи. Так он постепенно низводит предметы до простых геометрических форм, поэтому, в работах Сезанна формы как бы рубленые. Именно этот прием позаимствует Пабло Пикассо, чтобы основать на нем новое течение — кубизм.
«Я хочу сделать импрессионизм незыблемым и вечным, как музейное искусство»
Священная гора, 1892
Целью Гогена было открыть рай не умозрительный, а реальный. И он находит его на Таити. Там он все больше склоняется к примитивному искусству — цвета предметов становятся яркими и неестественными, контуры жесткими. А основные сюжеты его работ склоняются к таинственному, часто к изображению древних мифов. Это очень нравилось художникам-символистам, и они даже объявили Гогена главой нового живописного направления. Также он привил фовистам любовь к экзотике.
«Я заимствую сюжет у природы или у самой жизни, используя его как предлог, и так располагаю линии и цвета, чтобы добиться гармонии, которая сама по себе не изображает ни одной реальной вещи и ни одной идеи. Но она заставляет вас размышлять, так же, как вас заставляет размышлять музыка»
Поле и дерево на фоне Мон Госье, 1889
Каждая картина Ван Гога — это целая притча. В то же время, для него характерно желание выразить в искусстве собственные переживания: отсюда и яркие цвета, и энергичный вихрящийся мазок, и искаженные формы. Эти приемы и отношение к живописи позаимствуют у Ван Гога художники экспрессионизма. А клубящиеся мазки и столкновение контрастных цветов впечатлят фовистов.
Винсент Ван Гог
«Я постоянно подпитываюсь природой. Я ее утрирую, я иногда изменяю предметы, но никогда не выдумываю всю картину целиком. Напротив, я нахожу ее уже существующей там. Нужно лишь выбрать то, что именно тебе нужно от природы»
8 простых характеристик, после которых вы сразу уясните, что такое импрессионизм / AdMe
Слово «импрессионизм» знакомо практически всем, даже далеким от искусства людям. Мы любуемся работами художников в музее, но не всегда понимаем, что же представляет из себя это направление в живописи.
AdMe.ru решил разобраться в картинах импрессионистов и предлагает вам научиться отличать это течение в живописи от всех остальных. В конце статьи вас ждет бонус.
Когда и почему появился импрессионизм
В XIX веке в Европе ведущую роль играли неоклассицизм и Академия изящных искусств, которая всячески способствовала его процветанию в обществе. Произведения любимцев Академии были всегда безупречно и профессионально выполнены, но часто их невозможно было различить между собой. У многих подобный глянцевый подход вызывал утомление и скуку, и в культурной среде назревали перемены.Тогда же Париж, переживший многочисленные революции и войны, был кардинально изменен своим знаменитым градоначальником бароном Османом. Население столицы увеличилось вдвое за 20 лет, город стал мегаполисом. Это было бурное время метаморфоз, они не могли не повлиять на начинающих художников.
Что писать художникам, определял Салон — ежегодная выставка картин, жюри которой придерживалось консервативных взглядов. Вскоре появился Салон отверженных, где появлялись работы, не прошедшие суд жюри, поскольку их авторы отошли от традиций классицизма. Именно там прошла первая выставка работ Мане, Ренуара, Моне, Сислея, Дега, Писсаро и Моризо, с легкой руки журналиста получившая название «Выставка импрессионистов».
Что отличает импрессионизм от всех остальных течений
1. Все картины написаны мелкими, но густыми мазками чистых красок. Сравните
Художники смешивали краски не на палитре, а сразу на картине. Такой подход позволял цветовым контрастам звучать более звонко, что предоставляет возможность глазу самого зрителя синтезировать цвета на небольшом расстоянии от картины.
2. Свет — главный в картине. Ему подчинены и сюжетная канва, и персонажи
До импрессионистов художники избегали яркого солнечного света, поскольку он меняет очертания предметов, их цвет, лишает их материальности.
3. Все световые явления передаются через противопоставление холодных и теплых тонов
Находясь на открытом воздухе, художники поняли, что предметы, освещенные солнцем, не только сами становились яркими и светоносными, но и обзаводились тенями, которые также имели свою окраску. Освещенные места были теплее, в то время как тени — холоднее. Так, импрессионисты стали использовать два контрастных цвета, которые при взаимодействии на картине могли усиливать друг друга или, наоборот, приглушать.
4. Излюбленная тема — пейзаж с присутствием людей
Мы не найдем в картинах импрессионистов личностных драм и социальных конфликтов, страдающих героев и трагических обстоятельств. Они не были мастерами психологических глубин или философских высот, их не интересовала текущая политическая ситуация. Задачи своего искусства они видели в том, чтобы запечатлевать красоту каждого мгновения как пика гармонии. Это все равно, что в наше время фотографировать пробки на дорогах или людей в супермаркете.
5. На полотнах отсутствует детализация, но при этом все реалистично
Импрессионисты упускали мелкие подробности ради художественной целостности. Они стремились создавать гармоничные полотна, на которых атмосфера, цвет и форма соединяются воедино.
6. Все персонажи находятся в движении, как и большая часть предметов
Мерцающий, вибрирующий, трепетный мир на картинах импрессионистов был призван наиболее точно выразить неуловимый характер мгновения, динамичную подвижность ускользающей действительности. Более того, многие объекты стремятся выйти за пределы полотна. Так создается эффект присутствия зрителя в картине и участия его в сюжете.
7. Картины будто написаны очень быстро
Техника старых мастеров подразумевала многослойное письмо: предварительный рисунок и подмалевок по грунту, а затем долгий процесс нанесения прозрачных слоев лессировки. В результате картина приобретала гладкую поверхность без следов кисти. А задачи, которые ставили перед собой импрессионисты, могла решить только быстрая живопись в один прием, практически без рисунка и светотеневой моделировки, заменяя их работой с красками.
8. Воздух осязаем, его не игнорировали как пустое пространство
Когда мы созерцаем некий объект, то видим его в окружении воздуха и света. Качества этого объекта в нашем восприятии, его цвет, фактура и даже форма, зависят от этой среды. Импрессионистам это открытие понравилось, и они сделали воздух почти осязаемым, а предметы, напротив, этой материальности лишились.
Почему импрессионизм сейчас так популярен
Популярность импрессионизма в наше время обусловлена господством эпохи модернизма с его болезненным восприятием мира, после которого крепкое душевное здоровье и позитивный настрой импрессионистов необходимы как никогда. Кроме того, быстрый мимолетный взгляд художников на пространство и объекты, создающий вечно ускользающий образ мира, близок современному динамичному, постоянно меняющемуся стилю жизни. Также фотографичность видения импрессионистов понятна большинству из нас, поскольку сейчас каждый владелец смартфона сам себе фотограф.
Кстати, про группу художников этого течения снят документальный сериал, который позволит лучше узнать их судьбу и творчество.
Бонус: попробуйте себя в роли художника
Мы нашли сайт, с помощью которого любое фото может стать картиной в стиле импрессионизма. Надо просто загрузить картинку, немного подождать — и вы увидите результат.
Есть ли у вас любимые полотна среди работ импрессионистов?
«Живопись 2.0 в поисках новых символов». Художественные мастер-классы для детей 7+ — События
Команда из художников-живописцев отправится в удивительное путешествие в мир цвета и поиска скрытых смыслов! Под предводительством капитана-художника юные исследователи смогут узнать о том, как рисовать привычное новыми способами, как изобразить то, чего нельзя увидеть, научатся доблестно сражаться с растекающимися красками и создавать яркие картины.
Расписание:
19 сентября. По секрету про портреты.
Как отличить детский портрет от взрослого? Какие существуют секреты построения портрета, которыми пользуются все художники? Узнаем это, обратившись к работам Ильи Машкова, Бориса Григорьева, Виктора Васнецова, Федора Захарова и других мастеров. Нарисуем портреты своих близких, друзей или даже создадим собственный автопортрет.
26 сентября. Путешествие на Восток.
Знакомимся с творчеством Мартироса Сарьяна, с его фантастическим видением цвета и необычными восточными сюжетами. На основе его картины «Арабская танцовщица» создадим собственные композиции по восточным мотивам.
3 октября. Иллюстрация.
Поговорим про важность использования иллюстраций в книгах. Обсудим историю возникновения первых изображений в печатных изданиях, узнаем про художников-иллюстраторов и поговорим про судьбу иллюстрации в наши дни. В смешанной технике нарисуем сюжеты по заданным рассказам.
10 октября. Балет в изобразительном искусстве.
На занятии погрузимся в атмосферу изящества и красоты балета: познакомимся с известными произведениями, изображающими балерин, а одно из них даже увидим в экспозиции; научимся рисовать легкие и воздушные костюмы балерин с помощью акварели.
17 октября. Портрет домашнего питомца.
Рассмотрим фотографии, где питомцы удивительным образом кажутся похожими на своих хозяев. Научимся основным правилам построения любых животных и придумаем домашних питомцев для определенных мультипликационных персонажей.
24 октября. Импрессионизм – что это такое?
Узнаем, как отличать живопись художников-импрессионистов. Познакомимся с творчеством Клода Моне, Эдгара Дега, Константина Коровина, Валентина Серова и Юрия Пименова. Сделаем копию одной из работ импрессионистов и подробно изучим технику и секреты художников этого направления.
31 октября. Море волнуется раз.
Познакомимся с картинами художников-маринистов, поговорим об ощущениях, которые вызывают полотна. Сравним, как выглядит морской пейзаж в солнечную погоду и в сильный шторм. Вдохновившись представленной в экспозиции работой Григория Бобровского «Вечер на черном море», создадим собственные произведения!
7 ноября. Цветы в технике «акварель по-мокрому».
Познакомимся с техникой акварельной живописи «по-мокрому», рассмотрим произведения художников, работавших в этой технике. Создадим свои натюрморты с прекрасными летними цветами!
14 ноября. Диатипия.
На занятии поговорим про существующие печатные техники, рассмотрим на выставке работы мастеров офорта и ксилографии. Узнаем, как с помощью краски, валика и простых подручных инструментов создать настоящий печатный оттиск.
21 ноября. Портрет человека без человека.
Обсудим портрет, как жанр изобразительного искусства. Разберемся, почему этот жанр был так популярен у художников в прошлом и какова его судьба в наши дни. Поговорим об альтернативных изображениях человека, без его прямого присутствия на листе. Создадим автопортреты из предметов, которые с нами связаны.
28 ноября. Деревянное зодчество.
Познакомимся с архитектурными элементами, которые можно увидеть на памятниках деревянного зодчества. Придумаем и нарисуем наличник с элементами, отражающими характер хозяина дома.
5 декабря. Живопись пастелью.
Продолжаем знакомство с разными художественными материалами. Изучим технику пастельной живописи: рассмотрим картины Эдгара Дега – истинного мастера этой техники и, вдохновившись работами импрессиониста, нарисуем свои композиции.
12 декабря. Мелодичное рисование.
Видели ли вы когда-нибудь звук? Если нет, то нужно это исправить! На занятии прослушаем несколько музыкальных фрагментов, к каждому из которых подберем визуальный образ. С помощью карандашей и акрила нарисуем возникшие ассоциации.
19 декабря. Меняем законы природы.
На примере серий картин Клода Моне «Руанский собор» разберем влияние цвета и светотени на впечатление от произведения. Научимся понимать, что помогает нам определить время дня, изображенное на картине. Нарисуем копию картины «Рыбацкий домик в Варанжвиле», изменив состояние природы на пасмурное.
26 декабря. Зимние пейзажи в смешанной технике.
Рассмотрим примеры пейзажной живописи, написанные как в традиционных техниках, так и в экспериментальных, с использованием необычных материалов. Проведем собственный опыт, смешав масляную пастель, акварель и обычную соль.
Продолжительность одного занятия: 1 час.
Группа рассчитана на 7 человек.
По всем интересующим вопросам обращайтесь на почту coordinator@rusimp.org.
12 знаменитых цветочных картин, от Моне до Мондриана
На протяжении всей истории искусства цветы были одним из самых любимых предметов для художников. Яркие цветы издавна вдохновляли художников, и многие из них посвятили свою карьеру созданию натюрмортов с изображением различных ботанических красот. От голландских натюрмортов 17 века до японских гравюр на дереве , Цветочное искусство имеет долгую и легендарную историю.
Независимо от того, рисуете ли вы розы, ирисы или пионы в вазе или рисуете их прямо с натуры, каждый художник привносит свой неповторимый стиль в законченное произведение искусства.Фактически, просто рассматривая картины с цветами во времени, можно проследить развитие истории искусства. И даже если история искусства вас не особенно интересует, нельзя отрицать, что цветочные картины обладают мощным качеством, независимо от того, из какой они эпохи. Живопись с цветами может вызвать вечное чувство радости, надежды или даже угрюмости. Есть причина, по которой некоторые картины, изображающие только цветы, вызывали отклик на протяжении десятилетий, если не столетий.
Эти знаменитых цветочных картин напоминают о том, что природа может предложить, и о том, что одним из лучших источников вдохновения является то, что вы можете найти у входной двери.Каждая картина инкапсулирует момент времени как в истории искусства, так и в жизни художника, который ее нарисовал. Взгляните на некоторые из самых запоминающихся картин цветов, созданных за последние 500 лет, и вы можете просто начать рисовать свои собственные цветы.
Натюрморт с цветами по Амброзиусу Босхарту (1617)(общественное достояние через WikiCommons)
Хотите верьте, хотите нет, но когда-то натюрморты считались второстепенным видом искусства, поскольку элита отдавала предпочтение религиозным и историческим картинам.Ситуация постепенно начала меняться в течение 16-17 веков, и первыми стали голландцы. Город Антверпен был особенно важен, так как здесь художники начали рисовать монументальные натюрморты, часто с цветами. Амброзиус Босхарт — голландский художник-натюрморт, известный своей любовью к рисованию букетов цветов с почти научной точностью. Любовь к цветам была настолько глубокой в его семье, что все трое его сыновей позже стали художниками-цветочными художниками.На цветочных картинах Босхарта изображены симметрично расположенные цветы, и он был одним из первых художников, которые сосредоточились на рисовании букетов. Очевидно, что его работы вызвали тенденцию, которая сохранялась на протяжении всей истории искусства.
Цветы в стеклянной вазе со сверчком в нише Рэйчел Рюйш (1700)(общественное достояние через WikiArt)
Рэйчел Рюйш не только известна как самая известная художница голландского Золотого века, но и подняла цветочную живопись на новый уровень.Она смогла изобрести свой собственный стиль и на протяжении 60 лет занималась рисованием ботанических образов. Она отошла от традиций и создала асимметричных композиций из своих раскрашенных букетов, что сделало произведение искусства более динамичным. В то же время каждый лепесток тщательно детализирован, а ее умение складывать богато окрашенные цветы помогло ей стать на голову выше других художников-цветочников того времени.
Цветы в стеклянной вазе Джона Констебля (ок.1814)(Фото: WikiArt)
Английский художник-романтик Джон Констебл известен своими пейзажными картинами, запечатлевшими окрестности его дома. Но к тому времени, когда Констебль начал заниматься своим искусством, цветочная живопись стала прочно укоренившейся частью художественной традиции. Он, как и многие известные художники до и после, пробовал себя во многих разных жанрах, включая натюрморты. Его Цветы в стакане Ваза — это этюд, нарисованный маслом на картоне, и теперь принадлежит Музею Виктории и Альберта после того, как дочь Констебля подарила музею содержимое своей мастерской.Темная приглушенная цветовая палитра уравновешивается красными и желтыми цветами на цветах, а Констебль создает драматизм за счет контраста света и тьмы.
Гибискус Хиросигэ (ок. 1845)(общественное достояние через WikiArt)
Цветы имеют историческое значение в японской культуре, используются ли они для создания декоративных цветочных композиций или включены в гравюры на дереве. Ukiyo-e master Hiroshige Изображение цветов гибискуса является триумфом, поскольку их смелый оранжевый цвет буквально соскакивает со страницы.Согласно японскому языку цветов, также известному как hanakotoba , слово гибискус означает «нежный». Эти цветы дарят как социальный обычай, чтобы приветствовать посетителей. Хиросигэ 1845 Гибискус — один из многих случаев, когда он изображал цветок на своих цветных гравюрах на дереве. Иногда он включал птиц, взаимодействующих с гибискусом; в то время как во многих случаях, подобных этому, он заполнил всю композицию растением.
Букет цветов — Эдуард Мане (1882)(общественное достояние через WikiArt)
Влиятельный художник Эдуард Мане был любителем цветов и часто их рисовал.Нарушая традицию, он писал не только букеты в вазах, но и цветы, разбросанные по столам. Его свободные, динамичные мазки, которые сделали его центральной фигурой между реализмом и импрессионизмом, придают нарисованным цветам неотразимое и эфемерное ощущение. Цветочная живопись была настолько важна для Мане, что последние полгода своей жизни он писал только цветочные натюрморты. По данным Christie’s, Мане часто использовал эти картины в качестве небольших подарков для друзей.
Розы и лилии Анри Фантен-Латур (1888)(общественное достояние через WikiArt)
Французский художник Анри Фантен-Латур специализировался на рисовании цветов, придерживаясь консервативного подхода к своей работе в то время, когда импрессионизм набирал силу.Его реалистичные картины показывают его преданность великим мастерам искусства, поскольку он совершенствовал свое мастерство, копируя картины в Лувре. Создав роз и лилий , Фантен-Латур использовал длинные стебли лилий, чтобы разрезать холст, уравновешивая небольшой розово-белый букет роз, покоящийся на столе. Он также продемонстрировал свое блестящее использование цвета, подчеркнув романтизм картины с помощью румяно-розовых оттенков лепестков роз, которые создают мягкий контраст с темно-коричневым деревянным столом.
Натюрморт с ирисами Винсента Ван Гога (1890)(общественное достояние через WikiArt)
Есть много известных цветочных картин Винсента Ван Гога на выбор, в том числе его знаменитая серия Подсолнухи . Но мы неравнодушны к Натюрморт с ирисами , который подчеркивает интересное использование художником цвета. Этот натюрморт, написанный в то время, когда он был пациентом психиатрической больницы в Сен-Реми, мастерски использует смелые контрастные цвета.Картина — одна из двух версий. Один из них, который сейчас находится в Метрополитен-музее, был нарисован на уже выцветшем розовом фоне, чтобы создать «мягкую и гармоничную» атмосферу. Вместо этого Ван Гог имел совсем другие намерения по поводу этой версии, о чем он писал в письме своему брату Тео. «Другая фиолетовая гроздь (от кармина до чистого берлинского синего) выделяется на поразительном цитрусовом фоне с другими желтыми тонами в вазе и подставке, на которой она покоится, так что это эффект чрезвычайно разных дополняющих друг друга, усиливающих каждую из них. другие по их сопоставлению.”
Букет роз — Пьер Огюст Ренуар (ок. 1890 — 1900)(общественное достояние через WikiArt)
Ренуар Букет роз — чувственная работа маслом на холсте, в которой мастер импрессионистов заполняет рамку пышными пухлыми бутонами роз, выполненными в различных ярких оттенках красного и розового. Еще один художник, который позже обратился к цветочной живописи, Ренуар часто рисовал розы, чаще всего красные.В это время Ренуар был более свободен в своем искусстве, просто желая вызвать ощущение объекта, а не сосредотачиваться на мельчайших деталях. Это позволило ему создавать цветочные картины, которые обладают тактильными качествами и энергией, которые исходят от холста.
Цветочный сад Густава Климта (1905)(общественное достояние через WikiArt)
Очарованный пейзажами, которые он видел летом в Литцльберге, Набор картин Густава Климта , изображающий поля цветов, является ярким примером работы во время его Золотой фазы. Цветочный сад , или Bauerngarten , считается одним из лучших пейзажей Климта и изображает множество цветов, выпадающих из кадра. Работа, проданная на аукционе в 2017 году за 59,3 миллиона долларов, воспевает деревенское очарование сада, не полагаясь на реализм. Каталог аукциона Sotheby’s прекрасно резюмирует его прекрасное качество, заявляя: «Этот замечательный пейзаж уходит корнями в мир природы, но одновременно тянется к символическому декоративному авангарду.Именно этот синтез естественной красоты и гармоничной регулярности придает работе глубоко трогательное качество ».
Водяные лилии Клода Моне (1908)(общественное достояние через WikiArt)
Это был бы не лучший список цветочных картин без Клода Моне Кувшинки . В этой культовой серии гений импрессионистов дает мастер-класс по живописи на пленэре . Моне был настолько предан сериалу, что позаботился о том, чтобы его личный сад в Живерни всегда был в отличной форме, чтобы давать ему необходимое вдохновение.Моне написал более 205 работ для этой серии за последние 30 лет своей жизни, и его свободные мазки часто делают композиции граничащими с абстракцией. Самое главное, он никогда не терял внимания, воплощая в жизнь дух нежных кувшинок, передавая их в насыщенных цветах и показывая их красоту в различных типах света.
Амариллис Пита Мондриана (1910)(общественное достояние через WikiArt)
Пит Мондриан , голландец, вырос из давних культурных традиций цветочного искусства.Но он не боялся привнести в свой натюрморт свой современный штрих. Этот ранний натюрморт, Amaryllis , , намного опередил самые известные абстрактные картины Мондриана, основанные на геометрии. Написанный в стиле фовист , мы видим, как он разбивает композицию на смелые цветные блоки, которые сводят цветы к их элементарной форме. Акварель представляет собой прекрасный баланс между живописными качествами и цветом, отрываясь от импрессионизма.
Белая ваза с цветами Одилон Редон (1916)(общественное достояние через WikiArt)
Выполненный в пастельных тонах этот яркий цветочный натюрморт работы художника-символиста Одилона Редона — это взгляд в будущее. Ушли в прошлое точная сервировка стола и фона, столь заметные в ранних голландских натюрмортах. Вместо этого Редон создает пространство, используя градиенты пастельных тонов. Его цветы переходят от точных, детальных изображений к более абстрактным лепесткам, которые делают всю картину динамичной.Интересно, что Редон не обращался к рисованию цветов, пока ему не исполнилось 60 лет, и тогда он посвятил их созданию большую часть своего времени. Живопись цветов была для Редона серьезным делом, и он безмерно наслаждался этим. «Я представляю себе одну из хороших вещей, которые я нарисовал, — эту вазу с цветами, которая так и осталась для меня видением», — сказал он однажды. «Я не знаю ничего, что доставило бы мне больше удовольствия, чем такое восхищение простыми цветами в их вазе, дышащих воздухом».
Статьи по теме:
Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства
25+ цветущих произведений искусства из настоящих цветов
Прекрасное искусство цветущих цветов
Как вышивальщицы вышивают цветы для создания цветущих букетов на ткани
Как создать картину импрессионистов с цветком
Цветочная живопись и способность запечатлеть мимолетную красоту цветочной композиции популярны с 1500-х годов.
Традиционный натюрморт. Автор © Joe Anna Arnett
В 1600-1700-х годах голландские, фламандские, итальянские, немецкие и французские художники усовершенствовали цветочные натюрморты. К 1800-м годам французские импрессионисты предпочитали рисовать яркие пейзажи, но им также нравилось исследовать художественный потенциал цветочной живописи.
По сей день многие художественные жанры, от реализма до импрессионизма и не только, бросают вызов цветочной живописи. Одним из самых известных современных художников-флористов является Джо Анна Арнетт.Как и импрессионисты до нее, Джо Анна одинаково комфортно рисует пейзаж на пленэре или натюрморт в своем саду или студии.
Пленэр Джо Анны Арнетт дома в ее цветочном саду в Санта-Фе
Много лет назад я впервые встретил Джо Анну в Скоттсдейле на одном из ее популярных мастерских по рисованию натюрмортов. Я изучил некоторые ценные техники масляной живописи, которые использую до сих пор. С тех пор Джо Анна остается прекрасным наставником и другом.
На самом деле, Джо Анна щедро поделилась еще большим количеством секретов рисования в моей популярной книге « Советы по изящному искусству с Лори Макни: методы рисования и профессиональные советы».
Между тем, для меня большая честь поделиться с вами демонстрацией Джо Анны!
Как создать картину импрессионистов-цветов Джо Анны Арнетт
«Ничто не является вашим, пока вы это не отдадите». ~ Джо Анна Арнетт
Эта цветочная композиция — идея жестов и выдумка. Я наблюдал за ирисом и сиренью с натуры, но они никогда не находились в одном месте. Для этой цветочной картины никогда не было реальной декорации.
Блок-в
Начните с холста, тонированного смесью Ultramarine Blue Deep, Transparent Oxide Red и желтой охры.Нанесите его кистью, а затем вытрите бумажным полотенцем. Дайте ему высохнуть.
Затем очень свободно укажите расположение радужки и сирени и добавьте абстракцию фона. Плоской кистью №12 я использовал Transparent Oxide Red и немного синего Ultramarine, думая больше о драматическом жесте, чем о чем-либо, что действительно существовало.
Двухцветная радужная оболочка находится в центре внимания картины, так что начните с нее.Начните с цветка ириса в его теневом цвете и оцените сначала, думая только о его форме. Для тени белого стандарта (лепестки, которые выступают вверх) используйте ультрамариновый синий глубокий, немного кадмия красно-оранжевого плюс белый. Для водопада (падающих лепестков) используйте красный оранжевый кадмий, немного перманентной розы и небольшое количество синего марганца, чтобы сделать смесь тусклой. Марганец очень зелено-синий и действует как комплимент, чтобы апельсин не стал слишком насыщенным.
Раскрашивание огней Завершите работу над радужной оболочкой, покрасив свет толстым слоем импасто.Для стандартов используйте белый цвет с добавлением зеленого. Я сделал зеленый цвет с помощью синего марганца и желтого кадмия бледным. Я добавил совсем чуть-чуть, правда, чтобы убрать с белоснежного. Для водопада смешайте белый цвет с красным кадмием, оранжевым, перманентным розовым и немного бледно-желтого кадмия. Для крошечных полутонов я взял немного зеленого цвета, который смешал для стандартов.
Используйте жирный шрифт. Нанесите краску и оставьте. Если что-то не так, сделайте это снова. Если вы осторожно наденете его, а затем вернетесь в него, вы потеряете это свежее мгновенное ощущение.
Поместите сиреневые формы, используя только их теневой цвет: ализариновый малиновый и глубокий ультрамариновый синий. Это была сирень Charles Jolly, темно-красного цвета.
Работайте мокрым по мокрому для всей картины. На заключительных этапах нарисуйте огни на сирени, используя ультрамариновый синий глубокий и перманентный розовый плюс белый. Не выкладывайте сирень полностью. Они представляют второстепенный интерес и не должны конкурировать с радужной оболочкой.Как только огни будут нарисованы, используйте мягкую кисть, чтобы немного размыть сирень.
Я проработал потускневшие цветы и бутоны и добавил несколько листьев к сирени, а также несколько широких широких листьев ириса. Делайте эти штрихи очень простыми и жесткими.
На протяжении всего рисования цветов я старался не закончить слишком много и работал над созданием идеи движения, а не буквальной визуализации.
- Укладка лепестка поверх лепестка работает, если вы используете густую краску и легкие прикосновения. Я стараюсь делать каждый лепесток одним движением.
- Чем больше вы рисуете на цветке, тем менее свежо он будет выглядеть. Постарайтесь нанести штрихи и оставить их. Если вы пропустили форму, соскоблите ее и повторите попытку. Это один из главных секретов рисования живых цветов.
- Укладка лепестка поверх лепестка работает, если вы используете густую краску и легкие прикосновения.Я стараюсь делать каждый лепесток одним движением. Это придает лепестку силу и авторитет.
«Если у вас есть хорошая идея для картины, немедленно запишите ее. Это может ускользнуть, и вы можете пропустить шедевр ». ~ Джо Анна Арнетт
Джо Анна делится еще большим количеством своих секретов в моей книге Fine Art Tips!
В цвету: живопись цветов в эпоху импрессионизма
Картина Жан-Мари Рейнер «Посвящение королеве Гортензии» слева направо отдает дань уважения матери Наполеона III и является примером исторических ссылок в цветочном искусстве.
«Больше всего мне нужны цветы, всегда, всегда». Клод Моне
Ваза с васильком и маками, Винсент Ван Гог
В цвету: живопись цветов в эпоху импрессионизма — это прогулка по французскому цветочному натюрморту в XIX веке. На яркой выставке в Художественном музее Денвера до 11 октября представлены около 60 картин всемирно известных французских художников Эдуарда Мане, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Поля Сезанна, Винсента Ван Гога и других.
«Цветы продолжают вдохновлять благодаря своей прямой связи с природой», — сказала Анжелика Данео, младший хранитель живописи и скульптуры музея. «В XIX веке природа была важным предметом поэзии, музыки и искусства. Возросло производство натюрмортов и пейзажей. Цветы доступны по цене, мгновенно и позволяют экспериментировать с цветом так, что другие предметы могут быть слишком ограничены ».
Ваза с белой сиренью и розами, Эдуард Мане
Выставка демонстрирует, как художники XIX века заново изобрели традиционный жанр по мере того, как мир искусства сместился в сторону модернизма.Хронологическая экспозиция представляет собой путешествие от картин конца 1700-х годов к истокам современного искусства. «Мы хотели, чтобы выставочные галереи оставались открытыми и светлыми, чтобы, глядя на более раннюю картину, вы могли просмотреть другую галерею и сравнить ее с более поздними работами», — сказал Данео.
Прогулка по саду начинается с работ Пьера-Жозефа Редуте конца 18 века и других. «Эти предшественники импрессионизма во всех деталях соответствовали ботаническому описанию цветов — лепестков и даже жуков», — сказал Данео.«Это был аналитический подход, основанный на ботанических иллюстрациях того времени».
Этрусская ваза с цветами, Одилон Редон
Цветочное искусство изменилось в середине 1800-х годов, отдав предпочтение цвету и композиции, а не научному представлению. Цветочный натюрморт представлял собой сложный стиль, в котором в качестве символических ссылок использовались люди, статуи и другие элементы. Картина Жана Мари Рейнера чествует Наполеона с орлом, держащим «7824189», — количество голосов, полученных Наполеоном, обеспечило его восхождение к императору.«На наш взгляд, эти цветочные натюрморты — слишком много. Но в то время они были популярны », — сказал Данео.
Напротив, картины с изображением единственной вазы с цветами были шедеврами композиции и структуры. «Картины Анри Фантен-Латура и его жены Виктории были интимными предметами», — сказал Данео.
Многие импрессионисты были заядлыми садоводами и сами писали цветы. Посетителей приглашают прогуляться по саду Моне — фреске во всю стену — и вдыхать запах цветочных паров в первой в музее «ароматической комнате».«Вы испытаете то, что Моне мог испытать в своем саду, — сказал Данео.
Посетители музея прогуливаются по саду Моне — фреске во всю стену — вдыхая цветочные ароматы, которые Моне мог испытать в своем саду в первой в музее «ароматической комнате».
В последней галерее художники конца 1800-х годов начинают набег на модернизм. «Натюрморты Ван Гога показывают его эксперименты с теорией цвета», — сказал Данео. «Работы Сезанна оказывают влияние на будущих художников.Картины Матисса интимны. Художники рисуют из своих фантазий и мечтаний, и иллюзионизм создает ощущение двусмысленности, когда мы теряем чувство плоскости: что на переднем плане, а что на заднем? К ботанике первой галереи имеет мало отношения. Субъективность с точки зрения художников выводит искусство на новые горизонты ».
Шадиа Лемус, менеджер по связям с общественностью Денверского художественного музея и проживающая в Стэплтоне с 2003 года, находит в выставке вдохновение для садоводства.«Мы очень любим открытое пространство в Стэплтоне с цветами, деревьями, вьющимися виноградными лозами и всеми видами зелени. Выставка показала мне, как добавить красок в мой сад, а также предоставила множество замечательных примеров того, как внести в наш сад красочные букеты ».
Помимо выставки картин, посетители могут познакомиться с искусством, вдохновленным цветами, и посетить различные мероприятия в музее. Практическая Цветочная студия позволяет семьям вместе творить. Пространство для создания искусства помогает посетителям опробовать художественные материалы, изучать стили дизайна и экспериментировать с техниками.Местные художники готовы продемонстрировать искусство, вдохновленное цветами.
Мероприятия последней пятницы будут посвящены теме летних цветов с программами по ботанике и парфюмерии.
In Bloom бесплатно для членов. Билеты для нечленов варьируются от 5 до 15 долларов, дети до 5 лет проходят бесплатно. Для получения дополнительной информации посетите сайт www.denverartmuseum.org или позвоните по телефону 720.865.5000.
Посетители музея могут создавать цветочные композиции на интерактивных экранах в студии имитационного художника конца 1800-х годов.
Как Моне изображал своих цветочных муз в картинах — Floracracy
«Мне всегда и всегда нужны цветы». — Клод Моне
Любой, кто посещал даже самый элементарный курс истории искусства, может сказать вам, что каждый художественный период возглавляется горсткой художников, имена которых становятся синонимами движения, которое они отстаивают. И, пожалуй, самый простой пример — Клод Моне. Конечно, чтобы узнать имя Моне, не требуется никакого класса.Помимо своего неоценимого вклада в искусство импрессионизма, Моне стал одним из самых известных художников всех времен. А его любимая муза — цветы — сопровождала его на каждом этапе пути.
Клод Моне
Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Отец Моне, Адольф, работал в семейном судоходном бизнесе, а его мать Луиза содержала дом. Когда Моне было пять лет, семья переехала из Парижа в Гавр, портовый город в Нормандии.Моне был приличным учеником, но гораздо больше предпочитал проводить время на улице, чем сидеть взаперти в классе. Он также обнаружил свою любовь к рисованию в раннем возрасте. Местный художник-пейзажист Эжен Буден познакомил Моне с картиной на пленэре , иначе известной как живопись на открытом воздухе. Моне нашел способ совместить два своих любимых занятия. Он никогда не оглядывался.
В возрасте 20 лет Моне вернулся в Париж. Как и многие молодые художники того времени, он проводил дни, окружая себя искусством в Лувре.Но, в отличие от современников, Моне не интересовался совершенствованием своего ремесла путем копирования работ мастеров. Вместо этого он целыми днями писал то, что мог видеть из окна.
В 1861 году Моне был призван на дипломатическую службу и провел год в Алжире. После ухода со службы он вернулся в Париж и снова окунулся в мир искусства. Он присоединился к частной студии Шарля Глейра и разделил студийное пространство с Пьером-Огюстом Ренуаром, Фредериком Базилем и Альфредом Сислей.
Импрессионизм
Моне и его новые друзья, которые также любили рисовать и творить на открытом воздухе, разочаровались в искусстве, продвигаемом престижными художественными школами того времени. В этот период наивысшей честью, на которую может надеяться художник, было бы то, что их работы были выбраны для выставки Парижским салоном, величайшим художественным событием западного мира. Моне действительно выбрал для выставки в 1865 году две работы ( La femme à la robe verte или Женщина в зеленом платье и небольшой пейзаж), но в целом Салон не оценил новый стиль Моне и его коллеги экспериментировали с.
Признанное искусство того времени, периода реализма, ориентированного на реалистичные изображения повседневной жизни. С другой стороны, импрессионизм — это понимание того, как свет влияет на предметы и цвет. И это больше всего увлекало Моне. Он был настолько увлечен изображением сцен, связанных со светом, что часто рисовал одну и ту же сцену снова и снова в разном свете, чтобы она могла быть полностью представлена в его глазах.
Разочарованный отсутствием поддержки со стороны крупнейшего авторитета в художественном сообществе, Моне и его друзья решили устроить собственное шоу — Анонимное общество художников, скульпторов и граверов в 1874 году.На этой первой выставке Моне выставил, среди прочего, Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ). Именно по названию этой картины искусствовед Луи Лерой ввел термин «импрессионизм» для описания не только искусства Моне, но и всего движения, которое он представлял. Хотя термин имел в виду пренебрежительный, художники приняли это название; принять оскорбление и превратить его в историю искусства.
Clos Normand
Сад в Живерни
В 1879 году жена Моне и постоянная муза Камилла умерла от рака матки, оставив Моне в сильном расстройстве.Однако после нескольких трудных месяцев Моне начал создавать одни из величайших произведений своей карьеры и, возможно, 19 века.
В 1883 году Моне переехал с семьей в Живерни. Имущество в Giverney включало дом, сарай, используемый как студия, фруктовые сады и сад. Моне тратил много времени на проектирование своего сада и наслаждение им, строя его по мере того, как росла его слава и росло состояние.
Главный сад, известный как Clos Normand, простирается на 100 акров, и Моне спроектировал его как сад перспектив, симметрий и цветов.Моне разделил землю на клумбы разной высоты, а центральную аллею покрыл железными арками для плетистых роз. Его интересовали обычные, организованные сады, и вместо этого он выбрал пары по цвету, ромашки и маки рядом с редкими цветами, и позволил им свободно расти.
Через десять лет после того, как он впервые переехал в Гиверни, Моне купил еще один участок земли, примыкающий к его собственному, и начал работу над тем, что стало источником вдохновения для его прочного наследия.
Японский пешеходный мост и бассейн с водяными лилиями, Живерни — Клод Моне
Кувшинки
При создании своего водного сада Моне черпал вдохновение в японских садах в собранных им гравюрах. Он даже добавил японский мостик; Построен местным мастером и стал центральным элементом многих более поздних работ Моне.
У Моне знаменитый мост был покрыт глициниями и посадил плакучие ивы.Конечно, настоящим украшением сада были кувшинки. Местные французские белые кувшинки были посажены вместе с разновидностями, импортированными из Южной Америки и Египта. Сочетание этих разных типов кувшинок привело к образованию прудов, усеянных желтыми, синими, белыми и розовыми пятнами.
Затем, после шести лет, потраченных на создание сада своей мечты, Моне начал его рисовать. Как говорят историки, которые теперь управляют его домом как музеем: «Никогда прежде художник не создавал своих предметов в природе так, прежде чем рисовать их.И поэтому он дважды создавал свои произведения ».
Как он всегда делал, он рисовал одну и ту же сцену снова и снова, при разном освещении, чтобы передать ее суть. Он начал с картин, где японский мост был центром внимания, а затем полюбил крупномасштабную серию водяных лилий, которые займут следующие 20 лет его жизни и станут его самыми известными работами.
Нимфея ( Водяные лилии ) состоит из примерно 250 картин маслом, изображающих пруд с лилиями Моне.Оставаясь верными своим импрессионистским корням, картины варьируются от почти реалистичных до практически абстрактных. Следует отметить, однако, что зрение Моне, хотя и никогда не было хорошим, в то время быстро ухудшалось.
В 1923 году Моне перенес две операции по удалению катаракты. Его картины с кувшинками до и после операции заметно изменились. Поскольку люди с катарактой легче воспринимают красный цвет, чем другие цвета, картины, сделанные до операции, имеют общий красноватый оттенок.После операций, когда он смог увидеть более широкий диапазон длин волн ультрафиолета, его картины приобрели более голубой оттенок. Фактически, он даже вернулся и перекрасил некоторые из своих более ранних работ, добавив больше синих кувшинок.
В 1926 году в возрасте 86 лет Моне умер от рака легких. Единственный сын и наследник Моне, Мишель, в 1966 году подарил свой дом и сад в Гиверни Французской академии изящных искусств. Поместье пришло в упадок после Второй мировой войны, и потребовалось почти десять лет, чтобы восстановить сад и дом до того уровня, который был у Моне. держал их на.
Сегодня дом и сад Моне в Живерни существуют как музей, и люди со всего мира приезжают, чтобы прогуляться среди цветов, которые сам Моне выбрал, и полюбоваться прудом с лилиями, который вдохновил на создание сотен шедевров. Картины Моне хранятся в музеях по всему миру, но только в Живерни люди могут увидеть работы, которые он создал первыми.
Для получения дополнительной информации о влиянии цветов на импрессионизм, ознакомьтесь с «Хризантемами раздавите его в картинах импрессионистов».
Источники:
https://www.biography.com/people/claude-monet-9411771
https://www.claude-monet.com/
http://giverny.org/gardens/fcm/visitgb.htm
Clos Normand Источник изображения (измененный размер):
Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Непортированная лицензия
Цветочная живопись импрессионистов ПЛЮС Как красить серебро и ткань
Когда я собирался создать эту импрессионистскую цветочную картину, я хотел больше узнать о том, как передать энергию и сущность красоты природы.Художники веками рисуют цветы, а в юности я нарисовал один или два цветка, но не помнил, как тяжело им было.
Я решил сделать то, что я думал, простой натюрморт с цветком. Я нашла красивую розу, достала мою любимую серебряную сахарницу и кусок холста вместо скатерти. На мой взгляд, я думал, что на создание картины у меня уйдет четыре часа. Понятия не имею, откуда взялось это заблуждение. В моем простом натюрморте было несколько очень сложных элементов: сложный многолепестковый цветок, светоотражающее серебро и мятая ткань.Но благодаря этому я смог попрактиковаться в рисовании трех разных предметов, которыми я поделюсь с вами сегодня.
Размышляя о композиции
Все три композиционных элемента могли легко конкурировать друг с другом за внимание зрителя, поэтому, когда я рисовал, стало ясно, что мне нужно приглушить некоторые элементы, чтобы глаз не смутил, на что смотреть.
Я хотел бы сказать, что сознательно заранее продумал сложность композиции, но я был больше сосредоточен на размещении цветка в вазе и настройке освещения в приятной манере.Я скомпилировал пару фотографий, из-за которых у меня возникли проблемы с отражением в серебре, но я смог исправить это без особых проблем в процессе рисования.
Некоторые изображения, которые я включил в эту статью, являются скриншотами из видео, которое я сделал во время рисования этого цветка. Если вы хотите посмотреть видео, нажмите кнопку воспроизведения выше. Все скриншоты видео перенесут вас на мой канал YouTube для просмотра видео.
Цветочная живопись импрессионистов — начало работы
Первое, что я сделал, чтобы начать эту цветочную картину, — это нанести акриловую краску желтой охры на холст 11 × 14.Затем я набросал цветок и серебряную чашу, используя виноградный уголь. Вы можете использовать метод прицела, получив копию вашего объекта в точном размере, который вы хотите нарисовать на холсте. Если у вас нет копии точного размера, вы можете нарисовать сетку на эталонном изображении и создать соответствующую пропорциональную сетку на холсте. Я использовал сетку для этой картины, чтобы убедиться, что у меня есть «визуальный центр», так как мой цветок был немного смещен влево.
Рисунок от руки также подойдет, особенно если у вас есть помощь с помощью удобного пропорционального делителя для проверки измерений, если у вас сложный объект.Вы всегда можете рисовать непосредственно краской, если вам это удобно. Обычно я люблю делать наброски заранее, чтобы мои ключевые моменты были расположены на холсте. На Amazon есть хороший набор для пропорционального делителя, видоискателя, цветового колеса и средства поиска значений шкалы серого. Все эти инструменты очень полезны для создания композиции и точного определения значений.
Принадлежности для рисования цветов импрессионистов
Ниже представлены краски, использованные в этой цветочной картине импрессионизма.У меня есть вводный набор красок от Gamblin, с которыми я добился хороших результатов (выгоднее покупать набор, а не отдельные тюбики). Черный цвет слоновой кости и синий ультрамарин слева считаются крутыми синими. У меня нет проблем с использованием черного, как это делают некоторые художники, но я смешаю жженую умбру и синий ультрамарин, если считаю, что черный слишком сильный.
Умбра жженая, желтая охра и красный свет — все теплые тона. Я использую жженую умбру как очень темно-красный цвет.Я использовал теплый белый цвет от M. Graham. Теплый белый цвет не дает моим бликам слишком быстро стать яркими. Я использовал титановый белый Windsor Newton (не показан) для самых ярких отражений на серебре и лепестках. Хинакридоновая роза и малиновый ализарин использовались, чтобы получить некоторые из моих красных и розовых тонов, и при необходимости были согреты желтой охрой, индийским желтым (необязательно) и желтым светом.
Veridian и постоянный зеленый свет были использованы в смеси с желтой охрой, синим ультрамарином или жженой умброй для зелени.Вы можете придерживаться более ограниченной цветовой палитры и пропускать или смешивать некоторые из этих цветов, но у меня они были под рукой, и я решил использовать их. Я использовал гель Gamblin без растворителей, чтобы придать краске консистенцию, и уайт-спирит Gamsol, чтобы разбавить ее. Я также использую медленно сохнущую среду по направлению к середине и концу картины (рецепт можно найти здесь).
Палитра и смешивание
Ниже фото моей палитры до того, как я начал смешивать. Я использую палитру из тонированного стекла. Тонирование холста в тот же цвет, что и палитра, позволяет более точно почувствовать цвет, когда он помещается на холст.Честно говоря, не знаю, почему я этого не делаю. Я довольно быстро покрыл холст цветом, поэтому в данном случае в этом не было необходимости.
Так как я много лет рисовал акриловыми красками, я привык смешивать краски по ходу работы. Когда вы предварительно смешиваете акриловую краску, вы в конечном итоге много тратите. Другое дело масляная краска. Он не сохнет быстро, поэтому вы можете потратить время на предварительное смешивание палитры. Думаю, я читал на сайте Сары Седвик, что «время, потраченное на смешивание красок, — это время, потраченное на рисование».Это имело для меня смысл, поэтому я предварительно смешал свою палитру ниже.
Если вы новичок в смешивании цветов, помните, что дополнительные цвета уравновешивают друг друга. Дополнительные цвета противоположны на цветовом круге. Так что, если у вас слишком насыщенный цвет, вы можете смягчить его с помощью дополнения.
Я часто использую дополнительные цвета, чтобы смягчить красный, желтый, синий и зеленый. Думаю, именно поэтому некоторые художники не используют черный цвет в своей палитре. Смешивание черного с цветом — не всегда лучший способ сделать цвет темнее.Сначала попробуйте дополнительный цвет, а затем затемните его жженой умброй и синим ультрамарином.
Блок в темных областях
Как всегда, я начинаю эту импрессионистскую цветочную картину, блокируя темные области. Я сделал это, используя жженую акриловую умбру, но, оглядываясь назад, думаю, мне было бы лучше заблокировать масляную краску, разбавленную гамсолом. Я рассмотрю эту задачу более подробно в видео.
Начав с акриловой краски, а затем масляной краски, я следую принципу «жир вместо постного».Многие художники, работающие масляными красками, не возьмутся за акриловую краску, а некоторые могут быть против нее. Но большинство холстов загрунтовано акриловой краской, так что это прекрасно. Если вы начинаете рисовать на холсте, грунтованном маслом, вам придется отказаться от акрила и сразу перейти к маслу.
Эта картина была сделана alla prima (мокрый по мокрому), поэтому я не беспокоился о том, чтобы рисовать слоями. Но если вы позволяете краске высыхать между сеансами, вам нужно придерживаться принципа жирности над постным.
Если вы рисуете более «тощей» краской поверх более «жирной», вы рискуете растрескаться на ней, поскольку она высыхает быстрее, чем медленно высыхающее масло.Я говорю об этом в видео, но метафора, которую я использую, чтобы вспомнить, как это работает, связана с едой. Пища для откорма обычно содержит больше масла и сливочного масла, тогда как «постная» пища содержит меньше масла / сливочного масла.
Если вы положите слой обезжиренного сливочного сыра поверх слоя масла, слой сливочного сыра в конечном итоге высохнет и потрескается поверх масла. Масло останется маслянистым и эластичным, тогда как сливочный сыр будет менее эластичным и склонным к растрескиванию.
Добавление средних тонов к цветочной картине импрессионистов
Ниже я начинаю добавлять к цветку красные тона.Я был очень взволнован, когда начал работу над цветком, и у меня было видение того, куда я хочу пойти с ним. Это менялось по мере того, как рисовалась картина, но это все часть творческого процесса.
Я обязательно начал с более темных красных тонов, чтобы определить форму, а затем перешел к средним розовым тонам. Это был мой наивный первый шаг в рисовании этого «легкого» цветка. Оглядываясь назад, я начал с большой кисти, которая отлично подходила для смешивания оттенков. Однако я думаю, что после этого мне следовало перейти на кисть меньшего размера.Я заставлял себя придерживаться большой кисти, чтобы не слишком детализировать слишком рано.
Блокировка в серебре и ткани
На фотографии ниже я быстро выделил значения на серебряной чашке и ткани. На этом этапе картины меня не слишком беспокоит беспорядок. Моей целью было как можно быстрее покрыть холст. Я делаю это и со своими цифровыми картинами и называю это «грязной серединой».
Как справиться с уродливой сценой
Неряшливая середина всегда неизбежна для меня, когда я рисую.Я теряю терпение и быстро кладу краски, чтобы мозг не слишком много думал о том, что я делаю. Я пытаюсь избежать того, чтобы перфекционист изнутри критиковал работу вначале.
Это не всегда легко сделать, и в конце концов я слышу, как говорю «вау, это ужасно». И во многих случаях это действительно ужасно. Но затем я должен напомнить себе, что это всего лишь этап, и продолжать идти дальше.
Если я слишком расстроен, я встану и пойду заняться чем-нибудь другим. Обычно, когда я возвращаюсь к картине после перерыва, все не так плохо, как я думал.
Исправление ошибок
Как я упоминал ранее, я скомпилировал пару фотографий, чтобы использовать их в качестве образца для этой импрессионистической цветочной картины. В моем исходном справочнике по игре я допустил ошибку и не допустил, чтобы край стола отражался в чашке. Это вызывало у меня проблемы не только из-за ошибки композиции, но и из-за того, что в серебряной чашке не было достаточно темных тонов, чтобы отражаться и выглядеть «серебряным». Ниже вы можете увидеть, что я добавил более темное отражение в верхней части серебряной чашки.
Теперь чашка более точно отражает край стола и больше не кажется «выключенной». Он также имеет выпуклую форму, которая создает зеркальный вид. Блестящие предметы отражают окружающую их среду. Вам не нужно вдаваться в детализацию с помощью отражения, но формы должны визуально «читаться», как если бы они отражали элементы, окружающие объект.
Мне потребовалось время, чтобы грубо закрасить складки на ткани, чтобы убедиться в правильности перспективы.Позже я сопоставлю складки на скатерти, чтобы они более точно совпадали с морщинами на отражении.
Делает серебро похожим на серебро
Как и при рисовании глаз, блестящие объекты действительно начинают выглядеть блестящими, когда вы добавляете блики. Ниже вы можете увидеть, что я применил титановый белый цвет, чтобы добавить самые яркие блики. Не нужно добавлять слишком много, чтобы объект выглядел блестящим. На видео вы можете увидеть, где я добавил блики, а затем убрал один, потому что это было слишком много.
Форма здания в цветочной картине
Продолжая изображение выше, вы можете видеть, что я начал восстанавливать темные части цветка с более глубоким красным оттенком. Поскольку серебро и скатерть читаются очень нейтрально по цвету, у цветка была возможность действительно украсть зрелище. Один из способов сделать это — усилить цветность цветка. Я использовал эти темные области для создания средних и светлых оттенков сверху, чтобы создать форму цветка.
Работа с творческими блоками
Так как я решил направить свою внутреннюю Мэри Кассат при рисовании этого импрессионистского цветка, я обнаружил, что борюсь с тем, насколько свободно держать мазки.С одной стороны, я хотел, чтобы картина имела ощущение реализма, но с другой стороны, я хотел, чтобы в ней было ощущение энергии за счет использования рыхлых мазков кисти. Эта борьба несколько раз заставляла меня полностью отключаться.
Если бы я не снимал видео по этой картине, я бы отказался. Почему-то я считаю, что рисование должно быть легким и беспроблемным. Но творческий процесс — это решение проблем, и иногда эти проблемы трудно решить.Я рад, что снимал это, потому что это заставило меня сосредоточиться на картине и найти решение, вместо того, чтобы сдаваться и чувствовать себя довольно плохо из-за всего этого.
Неудачи случаются
Конечно, после того, как я закончил съемки, у меня возникла еще одна проблема — кадры были слишком темными. Я думал, что придется все выбросить. Затем я придумал, как облегчить отснятый материал с помощью монтажа. После того, как я понял это, на моем жестком диске закончилось место. Это означало, что мне нужно было получить внешний жесткий диск и научиться форматировать его для Mac.ТОГДА, iMovie не работал. К счастью, быстрый перезапуск устранил мою проблему с iMovie, и я не оказался в куче на диване, утопая свои печали шоколадом и Netflix.
Все это отбросило меня от графика, и это очень расстраивало. Но теперь я знаю НАМНОГО БОЛЬШЕ, чем знал раньше, поэтому благодарен за неудачи. Это просто делает меня более осведомленным, прежде чем я начну другие проекты. Мораль этой истории заключается в том, что у художника и создателя есть взлеты и падения. Вы должны оставаться достаточно гибкими, чтобы справляться с неизбежными разочарованиями.Художники от природы умеют решать проблемы и знают, «где воля, там и выход».
Создание центральной точки в цветочной живописи импрессионистов
Пишу ли я портреты людей или домашних животных, естественным фокусом для меня всегда являются глаза. При рисовании натюрморта определить фокус — немного сложнее. Однако, поскольку эта картина довольно монохроматична вне цветка, было намного легче понять, что я хотел сфокусироваться где-то внутри цветка.Человеческий глаз от природы притягивается к самым светлым и ярким вещам, поэтому корона цветка стала моим главным фокусом.
Я знал, что остальная часть цветка и серебро будут привлекать внимание, но темная линия, отражающая ручку в чашке, привлекает внимание. Кривая темного отражения заставляет взгляд двигаться вверх к лепесткам. Эти лепестки изгибаются вверх и перемещают взгляд к верхней части картины. Таким образом, даже если люди сначала смотрят на серебро, взгляд довольно быстро движется.
Смогу ли я когда-нибудь получить эти лепестки цветов правильно?
Выше вы можете видеть, что я немного переборщил с облегчением своих ценностей. Я добавил немного теплых тонов к лепесткам, а затем на фотографии ниже вы можете увидеть, где я добавил холодные тона для визуального интереса.
Я постарался сохранить приглушенный оттенок зелени, так как не хотел, чтобы розовый и красный слишком сильно конкурировали с яркими зелеными цветами.
Между прочим, если у вас нет палки для мала, чтобы держать руку во время рисования, я настоятельно рекомендую ее.Палка у меня не изящная, но она помогает. Это похоже на Amazon, если вы ищете.
Записки об импрессионизме
Многие художники-реалисты не являются поклонниками импрессионизма. Я понимаю, почему, поскольку это на время убило реализм и привело к тому, что современное искусство стало популярным. Когда я учился в школе, у меня никогда не было инструкторов, кроме моего профессора рисования, которые научили бы меня чему-либо, что могло бы помочь мне как художнику-реалисту. Я был так разочарован, что вместо этого выбрал диплом дизайнера.
Мне до сих пор нравится импрессионизм, и я думаю, что он оказал положительное влияние на некоторых великих художников-реалистов. Мир искусства в целом больше виноват в подавлении реализма, чем импрессионизм. И именно отсутствие гибкости мира искусства в включении других форм искусства с самого начала и положило начало всему импрессионистскому движению.
Импрессионизм также совпал с развитием современной физики. Меня всегда восхищало, как искусство не только отражает жизнь, но и соединяется с ней на подсознательном уровне.Если вы интересуетесь как искусством, так и наукой, возможно, стоит взглянуть на книгу «Искусство и физика: параллельные видения в пространстве, времени и свете».
Создание складок на ткани в стиле импрессионизма
Раньше я рисовал очень детально складки ткани и потратил на это МНОГО времени. На эту скатерть у меня ушло бы несколько дней, если бы я решил рисовать в более реалистичном стиле. Но живопись в реалистичном стиле не обязательно должна быть идеальной, чтобы добиться реалистичного вида.Человеческий мозг всегда будет заполнять детали за нас, поэтому достаточно просто предложить складки ткани свободно расположенными мазками кисти.
Я просто «набросал» темные тона и немного смешал их со средними тонами. Затем я добавил блики, проводя кистью по холсту и аккуратно растушевывая все. Было бы очень легко переосмыслить эту скатерть, и я почувствовал, что мой мозг хочет туда пойти. Постоянный вопрос: «Что бы сделала Мэри Кассат?» Как бы вырвал у меня желание «стать реальным» и придерживаться импрессионистского стиля.
Как далеко уйти от реализма в цветочной живописи импрессионистов
Битва между созданием иллюзии реального посредством небрежно нарисованных мазков и созданием высокореалистичной картины происходила на протяжении всей этой картины. После того, как я решил использовать импрессионистический стиль, моей целью было передать энергию и эмоции с помощью краски. То, как далеко можно зайти, основано больше на чувствах, чем на фактах.
Выше вы можете видеть, где я сохранил лепестки в некоторых частях очень абстрактно.Это визуально создает энергию и движение. Энергия + движение = эмоция в моей книге.
Моя цель — всегда, чтобы моя картина выглядела «реальной» на расстоянии, но несколько неаккуратной вблизи. В этой импрессионистской цветочной картине было важно оставаться в стороне от беспорядка.
Если вы посмотрите на снимок крупным планом на серебряной чашке вверху, он на самом деле не так детализирован, как вы могли бы подумать с расстояния. Это очень просто и не идеально сочетается.
Последние мысли об этой цветочной картине импрессионистов
Моя первая мысль — я рад, что все закончилось.Эта картина стала для меня настоящей борьбой. В процессе рисования мне нужно было принять множество решений, которые я не планировал. К настоящему времени я должен знать лучше, но я все еще просматриваю многие картины, думая, что точно знаю, как все обернется, только чтобы оказаться в затруднительном положении. Тогда я должен смеяться, потому что я достаточно хорошо знаю, как я действую, чтобы знать, что на каком-то уровне я создал этот опыт «МакГайвера», так что мне нужно будет решить проблему.
Этого можно избежать, выполнив небольшие исследования, но эта картина была достаточно маленькой и достаточно простой, чтобы в сущности быть этюдом сама по себе.
Я всегда могу вернуться и кое-что подправить, но пока я собираюсь назвать эту картину законченной и перейти к другому проекту.
Спасибо, что заглянули!
Надеюсь, вам понравилась эта статья. Если вас интересует больше подобных сообщений, ниже приведены другие мои популярные уроки и статьи по рисованию:
7 советов по рисованию портретов для традиционных и цифровых художников Как нарисовать портрет собаки маслом поэтапно Портретная живопись питомца: смотри, как я рисую мопса Советы по покраске серебряных предметов Как нарисовать кошку на iPad Pro — Учебное пособие по цифровой живописи с Tippy Как я рисую на iPad — пошаговый портрет в ArtRage 8 советов по покраске черного меха Как нарисовать кошку маслом поэтапно с Jorge & Nacho 30 лиц 30 дней Задание по портретной живописи Картина кота в ArtRage с участием горгульи Реми Картина кота маслом с изображением Прескотта, великолепного кота мейн-кун сообщить об этом объявленииКак нарисовать портрет пожилой собаки — Советы и хитрости
Роз в искусстве — Часть III
Розы в картинах
Часть III
В этой части мы рассмотрим основную часть серии, когда розы были очень популярны в живописи.
Розы часто были основным предметом картин в реалистический (1840-1900) и импрессионистский (1860-1900) периоды. Картины того времени в основном были портретами, натюрмортами и пейзажами. Имена художников, которые писали в этот период времени, хорошо известны нам сегодня, например, Ренуар и Моне.
Анри Фантен-Латур (1836–1904) был, безусловно, самым известным из рисовальщиков роз. Он был вовлечен в набирающее силу движение импрессионистов, но большинство его работ были чисто реалистическими.Он любил рисовать цветы, особенно розы. Он приносил цветы в дом, чтобы рисовать, а не на улице. Он был близким другом Мане, Уистлера, Ренуара и Моне. Он написал такие шедевры из роз, как «Белые розы» (ок. 1878 г.) и «Розы и фрукты» (1866 г.). Его розы и внимание к деталям были замечательными. Вы можете купить копии большинства его репродукций сегодня.
Эдуард Мане (1832-1883) Близкий друг Фантен-Латура, Мане страдал редким нервным расстройством, из-за которого ему было трудно рисовать.Он является частью импрессионистского движения, и его розы — это смелые, почти абстрактные картины, такие как «Розы в вазе». Его работы представляли собой сочетание импрессионистского и реалистического движений, поскольку он не смешивал свет с цветами.
Винсент Ван Гог (1853-1890) Все мы знакомы с этим безумным гением художника, который отрезал себе ухо. Его любимыми цветочными предметами были ирисы и розы. Часто он рисовал всего один или два цветка. Его стиль — чисто экспрессионистский в первые годы и импрессионистский в более поздние годы, с смелыми мазками ярких цветов, пропитанных светом.Его последней картиной незадолго до самоубийства были «Белые розы».
Клод Моне (1840-1926) Каждый должен быть знаком с Моне и его картинами, изображающими его знаменитые сады в Живерни. Считается отцом импрессионистов, его картины — это фигуры, которые достаточно размыты, чтобы вы могли почувствовать объект, но при этом отсутствуют мелкие детали. Яркие смелые цвета и воздушность, которую немногие смогли скопировать, делают его картины фаворитом сегодня.
Элиза Брюйер (1776-1842) Одна из немногих женщин-художников того времени, она любила рисовать цветы и розы.Ее детализация превосходна и демонстрирует реалистичность. Роза (1842) не была закончена ее смертью, и она была завершена Хазалом.
Эмиль Карлсен (1853-1932) Эмиль был главным художником-импрессионистом из США. Хотя его работы не такие смелые или либеральные в деталях, как Моне, они напоминают Мане. Он наиболее известен как художник желтых роз.
Поль Сезанн (1839–1906) Сезанн был одним из основоположников кубизма. Он намеренно рисовал растения и предметы в плоском виде.Ему было нелегко рисовать цветы и фрукты, потому что это длилось недолго. Все остальное он нарисовал, потом каждый цветок отдельно. Он использовал несколько роз, но был более известен своими тюльпанами и геранью.
Антуан Шазаль (1793–1854) Один из лучших художников периода Реализма, ориентированных на детали. Его розы, цветы и листва кажутся настоящими на холсте. Он был учеником Ван Спендонка. Хороший пример — «Летние цветы с розовыми розами» (1845 г.).
Адольф Монтичелли (1824–1886) Другой из французских импрессионистов, его в значительной степени игнорировали, но им восхищались Сезанн и Ван Гог.Он наиболее известен своими картинами цветов и пейзажей.
Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919) Безусловно, самая плодовитая из всех цветочных картин импрессионистов. Он начал рисовать розы на краях тарелок, а потом перешел к букетам. На него повлияли Мане и Кубер, что можно увидеть в его более ранних букетах. С 1870-х годов Ренуар стал излюбленным предметом рисования розы. Любимый цветок импрессионистов, хризантема, со временем отказался от роз.
В последнем сегменте этой серии мы рассмотрим современных художников-розаристов ХХ века.
Перепечатано из июньского выпуска «Rose Ecstasy» за 2000 год, бюллетеня Общества розоводов Санта-Кларита-Вэлли, Китти Белендес, редактор. Эта статья является лауреатом премии Американского общества розоводов «За заслуги».
© Copyright 2001-2011 Стив Джонс. Все права защищены.
Amazon.com: ЦВЕТЫ БАБОЧКИ И МАКИ 1890 ИМПРЕССИОНИСТИЧЕСКАЯ КАРТИНА ВИНСЕНТА ВАН ГОГА РАЗМЕР ИЗОБРАЖЕНИЯ 16 «X 24» НА ХОЛСТЕ ВОСПРОИЗВЕДЕНИЕ: Плакаты и принты
| Цена: | 58 долларов США.00 +21,30 $ перевозки |
| Марка | ЧУДЕСНЫЕ |
| Размер | 16 x 24 дюйма |
| Материал | Холст, Хлопок |
- Убедитесь, что это подходит введя номер вашей модели.
- ДЛЯ ХОРОШЕГО КАЧЕСТВА КУПИТЬ У WONDERFULITEMS
- ДАННЫЙ ХОЛСТ ПОСТАВЛЯЕТСЯ ЗАКАТАННЫМ ВНУТРИ ТРУБЫ !!!!!!!!!
- РАЗМЕР ИЗОБРАЖЕНИЯ 16 X 24 ДЮЙМА НА ХОЛСТЕ 18 X 28 ДЮЙМОВ
- СДЕЛАНО В США
- *** 100% ГАРАНТИЯ УДОВЛЕТВОРЕНИЯ !! ***
