Доклад на тему импрессионизм: Реферат по изо тема: «Импрессионизм и импрессионисты».

Получивший развитие во Франции во второй половине XIX в., импрессионизм представлял собой событие революционной значимости в системе официальной культуры. Его представители подхватили и продолжили поиски нового, уже имевшие место в творчестве Коро и пейзажистов барбизонской школы, в реализме Курбе и романтизме Делакруа.

На стадии становления импрессионизма большую роль сыграла антиакадемическая программа Эдуарда Мане. Официальная критика отнеслась негативно к его картинам, тогда как писатель Эмиль Золя написал несколько статей в поддержку Мане и других художников группы.

Импрессионизм в живописи

Выставка 1874 г

Первое организованное выступление импрессионистов состоялось в 1874 г., когда в знак полемической независимости от очередной выставки официального Салона они устроили в апреле-мае этого года в мастерской фотографа Феликса Надара собственную выставку, где были представлены работы трех десятков художников, в том числе Базиля, Сезанна, Дега, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуара, Сислея.

В прессе эта выставка получила наименование Exposition impressioniste, с неологизмом, производным от названия картины Моне (Impression, soleil levant, 1872). Ядро движения сформировалось еще ок. 1860 г. из пересечения творческих интересов трех друзей — Писсарро, Сезанна и Армана Гийомена (1841— 1927). К этой группе вскоре присоединились Моне, Ренуар, Сислей и Базиль.

Этих художников, весьма разных по характеру и манере, объединяла особая восприимчивость к проблемам «видения» и воодушевляло одинаковое желание выбраться из пут академических схем и классических сюжетов, скованных множеством условностей: они же стремились «трактовать сюжет ради тональных качеств, а не ради сюжета как такового: вот что отличает импрессионистов от прочих художников».

Техника импрессионистов

Живописному процессу в мастерской импрессионисты предпочли живопись на открытом воздухе, или пленэре (en plein air): вибрации света в пейзаже, вокруг объекта или человеческой фигуры, характер атмосферы фиксировались в их мгновенной изменяемости, что достигалось посредством быстрого наложения мазков открытого, не смешанного цвета.

Пренебрегая пластическими эффектами рисунка и светотени, импрессионисты добивались визуального слияния объекта, пространства и атмосферы, нацеливаясь на совпадение живописного изображения с мгновенным впечатлением, физиологическим и психическим, самого художника.

Разработанная техника получила теоретическое обоснование в изысканиях оптиков того времени по теме дополнительности цветов, но осуществлялась на уровне индивидуальной восприимчивости, в конкретной практике каждого художника, так что метод не был жестко определенным, в отличие от многих других течений, например дивизионизма, «отпочковавшегося» как раз от импрессионизма.

На какое-то время общий интерес к пленэру наложил на творчество этих художников печать единства, пусть не скрывая различий в манере письма и образном строе работ, однако импрессионизм так никогда и не стал организованным движением, скрепленным общей программой.

Яркие представители импрессионизма: Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Опост Ренуар.

Картины в жанре импрессионизм

Интерьер (Изнасилование) Эдгар Дега (1868-1869)

Баржи на канале Сен-Мартен в Париже — Альфред Сислей (1870)

Удивленая Нимфа — Эдуард Мане

Пьер Опост Ренуар

Пьер Опост Ренуар

Мальчик с вишнями — Эдуард Мане

Источник: https://evivid.ru/impressionizm-v-zhivopisi.html

Лучшие картины импрессионистов с названиями и фото :

Одним из крупнейших течений в искусстве последних десятилетий девятнадцатого века и начала двадцатого является импрессионизм, распространившийся по всему миру из Франции.

Его представители занимались разработкой таких методов и приемов живописи, которые позволили бы наиболее живо и естественно отразить реальный мир в динамике, передать мимолетные впечатления от него.

В стиле импрессионизма создавали свои полотна многие художники, однако основателями движения были Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Фредерик Базиль, Камиль Писсаро. Невозможно назвать их самые лучшие работы, так как все они прекрасны, но есть наиболее известные, именно о них далее и пойдет речь.

Клод Моне: «Впечатление. Восходящее солнце»

Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов. Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра.

Спустя два года картина впервые была продемонстрирована публике в бывшей мастерской французского художника и карикатуриста Надара. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства.

Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.

Картина была украдена в 1985 г. вместе с работами О. Ренуара и Б. Моризо. Обнаружили ее спустя пять лет. В настоящее время «Впечатление. Восходящее солнце» принадлежит музею Мармоттан-Моне в Париже.

Эдуард Моне: «Олимпия»

Картина «Олимпия», созданная французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863 г., является одним из шедевров современной живописи. Она была впервые представлена на Парижском салоне в 1865 г. Художники-импрессионисты и их картины нередко оказывались в центре громких скандалов. Однако «Олимпия» стала причиной самого крупного из них за всю историю искусства.

На полотне мы видим обнаженную женщину, лицом и телом обращенную к зрителям. Второй персонаж – это темнокожая служанка, в руках которой завернутый в бумагу роскошный букет.

У изножья кровати присутствует черный котенок в характерной позе с выгнутой спиной. Об истории создания картины известно не так много, до нас дошли лишь два эскиза. Моделью послужила, вероятнее всего, любимая натурщица Мане – Викторина Мёнар. Существует мнение, что художник использовал образ Маргариты Белланже – любовницы Наполеона.

В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством, и поэтому намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой.

Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Никогда до этого картины импрессионистов не вызывали подобного ажиотажа и глумления со стороны толпы. Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее.

Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии», и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди.

Почти четверть века после выставки полотно хранилось в недоступной для посторонних глаз мастерского художника. Затем его вновь выставили в Париже в 1889 г. Ее чуть было не купили, но друзья художника собрали нужную сумму и выкупили «Олимпию» у вдовы Мане, а затем передали в дар государству. Ныне картина принадлежит музею Орсе в Париже.

Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»

Картина написана французским художником в 1884-1887 гг.

Принимая во внимание все ныне известные картины импрессионистов в промежутке между 1863 и началом двадцатого века, «Больших купальщиц» называют самым масштабным полотном с обнаженными женскими фигурами.

Ренуар работал над ним более трех лет, и в этот промежуток было создано множество набросков, эскизов. Больше не было в его творчестве ни одной картины, который бы он посвятил столько времени.

На переднем плане зритель видит трех обнаженных женщин, две из которых находятся на берегу, а третья стоит в воде. Фигуры написаны очень реалистично и четко, что является характерной чертой стиля художника. Натурщицами Ренуара были Алина Шариго (его будущая жена) и Сюзанна Валадон, которая в будущем и сама стала известной художницей.

Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»

Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы».

Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г.). Он рисовал ее с уже ослабленным зрением, поэтому первостепенное значение придается декоративной организации: воспринимается изображение как большие цветные пятна, особенно если рассматривать его вблизи.

Тема танцовщиц была близка Дега. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. А. С.Пушкина в Москве.

Фредерик Базиль: «Розовое платье»

Один из основоположников французского импрессионизма Фредерик Базиль родился в буржуазной семье состоятельного винодела. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью.

Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны.

Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Одна из них – это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.

Камиль Писсаро: «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»

Камиль Писсаро прославился благодаря своим пейзажам, характерной особенностью которых является прорисовка света и освещенных предметов. Его работы оказали заметное влияние на жанр импрессионизма. Художник самостоятельно выработал многие присущие ему принципы, легшие в основу творчества в дальнейшем.

Писсаро любил писать одно и то же место в разное время суток. У него существует целая серия полотен с парижскими бульварами и улочками. Наиболее известная из них — «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Она отражает все то очарование, которое художник видит в кипящей и неугомонной жизни этого уголка Парижа.

Рассматривая бульвар с одного и того же места, он демонстрирует его зрителю в солнечный и пасмурный день, утром, после полудня и поздним вечером. На фото ниже — картина «Бульвар Монмартр ночью».

Эту манеру переняли впоследствии многие художники. Упомянем лишь о том, какие картины импрессионистов написаны под влиянием Писсаро. Данная тенденция отчетливо прослеживается в творчестве Моне (серия полотен «Стога»).

Альфред Сислей: «Лужайки весной»

«Лужайки весной» – это одна из самых поздних картин пейзажиста Альфреда Сислея, написанная в 1880-1881 гг. На ней зритель видит лесную дорожку вдоль берега Сены с деревушкой на противоположном берегу. На переднем плане девушка – дочь художника Жанна Сислей.

Пейзажи художника передают подлинную атмосферу исторической области Иль-де-Франс и хранят в себе особую мягкость и прозрачность природных явлений, характерных для конкретных времен года.

Художник никогда не был сторонником необычных эффектов и придерживался простой композиции и ограниченной палитры красок. Ныне картина хранится в Национальной галерее Лондона.

Мы перечислили самые известные картины импрессионистов (с названиями и описанием). Это шедевры мировой живописи.

Зародившийся во Франции уникальный стиль живописи поначалу был воспринят с насмешкой и иронией, критиками подчеркивалась откровенная небрежность художников в написании полотен. Сейчас же вряд ли кто осмелится оспорить их гениальность.

Картины импрессионистов выставлены в самых престижных музеях мира и являются желанным экспонатом для любой частной коллекции.

Стиль не канул в Лету и имеет много последователей. Наш соотечественник Андрей Кох, французский живописец Лоран Парселье, американки Диана Леонард и Карен Тарлтон – это известные современные импрессионисты. Картины их выполнены в лучших традициях жанра, наполнены яркими красками, смелыми мазками и жизнью. На фото выше — работа Лорана Парселье «В лучах солнца».

Источник: https://www.syl.ru/article/307891/luchshie-kartinyi-impressionistov-s-nazvaniyami-i-foto

Импрессионизм как стиль в живописи

Импрессионизм – направление в искусстве конца 19 – начала 20 века. Родиной нового направления живописи является Франция. Естественность, новые методы передачи реальности, идеи стиля привлекли художников из стран Европы и Америки.

Импрессионизм развивался в живописи, музыке, литературе, благодаря известным мастерам – например, Клоду Моне и Камилю Писсарро. Художественные приемы, использованные для написания картин, делают полотна узнаваемыми, самобытными.

Впечатление

Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Основой стала работа Клод Моне «Впечатление.

Восходящее солнце». Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания. Исследователи отмечают, что методы, используемые Клодом Моне и другими импрессионистами, имели место в творчестве Веласкеса и Тициана.

Для точного определения стиля предлагают использовать формулировку «Барбизонская школа» — речь идет о географической локации, но не о стилистических нюансах.

История развития

Первые репрезентативные работы появились в 1860-х годах в знак протеста против академизма. Художники решили самостоятельно искать путь в творчестве. Одним из основателей направления считается Эдуард Мане и Клод Моне. В середине 60-х годов 19 века оформилась узнаваемая техника живописи импрессионистов – использование прерывистых мазков.

Творчество Клода Моне и Камиля Писсарро совершенствовалось под влиянием многих художественных стилей и направлений во Франции. Параллельно в Великобритании работал У.Тернер – предшественник импрессионизма.

Переломным для развития живописи стал 1874 год – состоялась первая крупная выставка работ в стиле импрессионизма. Представлено 165 картин 30 художников.

После выставки художники получили множество критических замечаний – их обвинили в аморальности, пропаганде ложных ценностей, несостоятельности, склонности к мятежности. Судить импрессионистов перестали только через несколько десятилетий.

Русский импрессионизм развивался на базе французского движения, перенимал характерные черты. В отличие от академизма, родиной которого был Санкт-Петербург, стиль сформировался в Москве. Известные русские мастера: В.Серов, Н.Мещерин, А.Мурашко, К.Коровин, И.Грабарь.

Особенности стиля

Центральная идея направления живописи – передать переменчивость жизни, мимолетность каждого момента. Художников часто обвиняли в отсутствии глубинного смысла в картинах.

Импрессионизм не ставил цель поднимать философские проблемы. В сферу интересов художников попадали обыденные проблемы, будничная жизнь, текучесть времени и переменчивость настроения.

Современные критики отмечают особое мастерство и эмоциональность работ.

Истоки эпохи Возрождения

Истоки развития стиля стоит искать в эпохе Возрождения – импрессионисты заимствовали у них технику работы с цветом. На творчество Э.Мане повлияла живопись эпохи классицизма: вопреки стандартам стиля, он применял темные тона, черный цвет в контрасте яркими красками.

Исследователи отмечают влияния романтической и этнической японской живописи.

Наиболее полно творчество западноевропейских и русских импрессионистов раскрылось в жанрах городского и сельского пейзажа. В центре композиции – момент жизни: пара, гуляющая под дождем, крестьянин, собирающий урожай, семейное катание на лодке, танцоры на разминке перед репетицией.

Простые сюжеты

Главными темами работ русских и европейских мастеров стали: деятельность обычных людей на лоне природы, бытовые сцены. Героями полотен становились не прославленные герои, правители государств или литературные персонажи, а обычные люди.

Западноевропейские и русские художники экспериментировали с новыми методами и материалами – они стали определяющими чертами для всего стиля. Во-первых, они намеренно оставляли свои картины незавершенными, исходя из художественных стандартов. На первый взгляд, чувствуется недосказанность в работах.

Красота момента

Вместо отображения реальных картин жизни, живописцы стремились передать момент или впечатление от момента, поэтому работы художников очень эмоциональны, наполнены глубинным смыслом. Факты и реалистичность передачи окружающего мира уходят на второй план, уступая место чувствам, яркости момента, субъективности восприятия мира.

Картины импрессионистов кажутся немного нечеткими и неопределенными. Этого эффекта достигают при помощи специфических методов нанесения краски на холст.

Художники использовали короткие, быстрые мазки, которые создавали на полотне мозаику из мазков разного цвета. Иногда живописцы вообще не использовали кисть, нанося краску прямо из тюбика.

По вышеперечисленным причинам, картины не рекомендуется рассматривать с близкого расстояния – в ней важны не детали, а все изображение, воспринятое целиком.

Сила цвета

Главное оружие представителей импрессионизма – цвет. Он служил основой для передачи момента из жизни. Использовались яркие оттенки, чистый, интенсивный цвет, полноценно передающий эмоцию.

В живописи нет места скучным нейтральным тонам – применяют желтый, красный, голубой, зеленый, синий. В работах импрессионистов цвет важнее образа, переданного на полотне.

Главное поле творчества – природа. Клод Моне и другие европейские и русские художники создавали свои картины непосредственно на природе – это помогало максимально полно передать краски, игру света и тени, туман, облака, блики солнца на воде и другие эффекты, которым ранее не уделяли внимания.

Значение

Творчество Клода Моне, Камиля Писсарро, Эдуарда Мане стало новацией своего времени. Мастера живописи изобрели новые способы отображения объектов на полотне, без необходимости обращаться к стандартам академизма.

Развитие стиля стало базой для формирования художественных направлений второй половины 20 – начала 21 века. На современном этапе движение развивается в формате постимпрессионизма.

Источник: https://artrecept.com/zhivopis/stili/impressionism

Картины в стиле импрессионизм, современный импрессионизм в живописи

Возникнув, как течение живописи, во Франции в конце XX века, импрессионизм шокировал современников. Публика с трудом понимала откровенность чувств, представленную в работах родоначальника этого направления Клода Моне. Его картина «Impression, soleil levant», вызвавшая бурю критики, дала название будущему стилю живописи.

Описание стиля

Импрессионизм переводится с французского как впечатление. Стиль проявился наиболее явственно в живописи, но также нашел свое отражение в литературе, музыке, хореографии. Первые картины, написанные в этом стиле, разительно отличались от принятой академической манеры письма.

В них не было четкого контура, глубокой идеи действительности, символизма изображенных объектов. Изображение было передано хаотичными мазками ярких натуральных красок без полутонов.

Сюжет выражал мимолетное впечатление художника о действительности, увиденной им в определенное время суток под определенным углом.

Основные черты

Техника письма Клода Моне привлекла молодых творческих художников, он невольно стал лидером и основоположником основных черт импрессионизма:

1. Живопись выражает позитивное восприятие мира;
2. В основе сюжета – красота природы, различные стороны жизни простых людей, реже натюрморты и портреты;
3. Полотна наполнены солнечными бликами, живостью, текучестью момента;
4. Изображение не имеет графичности и четкости, рисунок состоит из мазков чистых цветов спектра, которые, накладываясь друг на друга и не смешиваясь при этом, создают иллюзию игры света.

Художники-импрессионисты считали не важным то, что запечатлено на картине. Главное в том, каким образом это запечатлено. Они работали в новой манере письма, которая преображала пейзаж, наполняла лица обычных людей светом.

При чем, светом внешним. В выражении лица могло не быть внутренней силы, одухотворенности или харизмы, но блики солнечных лучей представляли его более чувственным и эмоциональным.

Как, например, в картине «Бар в „Фоли-Бержер“», написанной Эдуардом Мане или «Завтраке гребцов» Пьера Ренуара.

Известные художники-импрессионисты

Наравне с Моне, в историю искусств вошли имена Ренуара, Мане, Сислея, Дега, Сезанна, Писсарро. Именно во время их творческой работы был введен в обиход термин «рисунок на пленэре». Художники впервые отказались от многодневной прорисовки деталей в студии и вышли работать на природу.

Быстрыми мазками они набрасывали общее впечатление от увиденного, передавая скорее свое настроение и отношение к изображению. Это не говорит о том, что картины создавались сиюминутно. Например, Моне создавал «Водяные лилии» в течение многих лет. Он ловил их отражение в искрящейся в лучах солнца водной глади.

Он писал на природе, а после дорабатывал детали в мастерской.

Интересные факты

Излюбленной темой работ импрессиониста Эдгара Дега были прекрасные танцовщицы, закулисье театральных подмостков, кулуарные беседы в клубах и кафе. Хотя картины Дега относят к импрессионизму, он не признавал рисунка на пленэре, работая в студии. К тому же его живопись наполнена четкими линиями и точностью сюжета, что совершенно не типично для стиля.

Подвижник импрессионизма Эдуард Мане передавал в своих полотнах все черты стиля, при этом считал себя свободным маэстро, творящим за рамками условностей и направлений искусства. Он категорически отказывался от участия в выставках, проводимых импрессионистами в Париже.

Современный импрессионизм в живописи

Импрессионизм понятен и близок многим ценителям искусства. Интерес к нему не угасает и у современников. Многие молодые художники и сегодня создают полотна, наполненные игрой света и теней.

Их талант превращает серую действительность будней в притягательное творение живописи.

Используя холст, масло или акрил они пишут прозрачную воду, белый снег, ускользающие тени мазками синего, оранжевого, зеленого, красного, желтого и фиолетового.

Картины современных художников-импрессионистов, как и работы мэтров с мировым именем, прославляют красоту, непосредственность мировосприятия. Они наполнены положительной энергией, пленяют мерцающей яркостью красок и внутренней гармонией.

Работы молодых и известных импрессионистов представлены в виртуальном каталоге нашей онлайн галереи. Вы можете купить любую понравившуюся работу или заказать картину у художника. Искусство вне времени и пространства, оно бесценно! Приобретая живопись, вы получаете частицу вечности, запечатленную на холсте.

Источник: https://ArtDoArt.com/paintings/style-impressionism

Импрессионизм и постимпрессионизм в живописи

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX в., представители которого стремились запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, правдиво передать мгновения жизни. Импрессионизм (термин происходит от французского слова, означающего «впечатление») зародился в 1860-х гг. во Франции, когда живописцы Э. Мане, О. Ренуар и Э. Дега внесли в искусство многообразие, динамику и сложность современного городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерна кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные ракурсы, срезы фигур рамой.

К. Моне. Руанский собор вечером. 1894. Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва.

П. Гоген. Кафе в Арле. 1888. Холст, масло. Государствен­ный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва.

В 70—80-х гг. сформировался импрессионизм во французской пейзажной живописи. Картины К. Моне, К. Писсарро, А. Сислея, написанные на открытом воздухе (пленэре), передавали ощущение сверкающего солнечного света, объемные формы как бы растворялись в вибрации света и воздуха. Разложение сложных тонов на чистые цвета, накладываемые на холст раздельными мазками и рассчитанные на оптическое смещение их при восприятии картины зрителем, цветные тени и рефлексы создавали беспримерно светлую, трепетную воздушную живопись. Импрессионизм широко распространился в мировом искусстве. Среди многочисленных его последователей — американец Д. Уистлер, немцы М. Либерман, Л. Коринт, М. Слефогт, итальянец Дж. Сегантини, русские живописцы К. А. Коровин, И. Э. Грабарь. Присущий импрессионизму интерес к мгновенному движению, ускользающим впечатлениям, текучей форме восприняли и скульпторы — О. Роден во Франции, М. Россо в Италии, П. П. Трубецкой и А. С. Голубкина в России. При своем появлении импрессионизм подвергся яростным нападкам официальных кругов, буржуазной публики и прессы, поскольку он нес новые темы и новые формы восприятия мира, в ряде отношений способствуя расширению реалистических принципов. Но в творчестве как самих импрессионистов, так и в особенности их последователей часто сказывался отход от анализа и оценки явлений социальной действительности.

О. Ренуар. Дешушки в черном. 1883. Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва.

П. Гоген. Таитянские пасторали. 1893. Холст, масло. Государственный Эрмитаж. Ленинград.

Вслед за импрессионизмом во французской живописи конца XIX — начала XX в. возникли течения, получившие общее название «постимпрессионизм». Постимпрессионизм повысил интерес к философским и символическим началам искусства, к закономерной организации художественной формы — построению пространства, объема, к декоративной стилизации. При общих чертах творчество художников этого направления значительно отличается друг от друга. В этом отразилась атмосфера сложных, противоречивых поисков нравственных ценностей, которая характеризует период начинающегося кризиса европейской культуры. Ведущий представитель постимпрессионизма — П. Сезанн стремился выявить величественную устойчивость и материальность мира, закономерность его структуры. Рядом с ним — голландец В. ван Гог. Его страстный социальный протест выразился в картинах, предельно напряженных по цвету, написанных порывистым, экспрессивным мазком. П. Гоген воплотил свои мечты о гармонии мира, поэтическом единстве человека и природы в картинах на темы быта и легенд Полинезии. Его творческие искания прокладывали путь символизму и стилюмодерн, прямыми выразителями которых стали ученики Гогена (так называемая понт-авенская школа, по названию деревушки в Бретани, где Гоген работал с учениками) и особенно его последователи из группы «Наби» (т. е. «пророки») — М. Дени, П. Боннар. Еще один крупный представитель постимпрессионизма — А. де Тулуз-Лотрек. В его полотнах и литографиях на темы быта парижской богемы (актеров, циркачей, завсегдатаев кафе) язвительная ирония подчеркнута выразительной остротой композиции, рисунка, цветового пятна. К постимпрессионизму причисляют также течение неоимпрессионизма, называвшееся также дивизионизмом (от французского слова «дивизионе» — «разделение») и пуантилизмом (от французского слова «пуант» — «точка»). Картины Ж. Сера, П. Синьяка, некоторые полотна К. Писсарро выписаны отдельными мазками правильной формы, наподобие точек или квадратиков.

А. Тулуз-Лотрек. Портрет певицы Иветт Гильбер. 1894. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва.

Доклад — Импрессионизм — Культура и искусство

Реферат

по предмету: «Мировая художественная культура»

на тему: «Импрессионизм»

Челябинск

2009

Содержание

Введение… 3

1. Импрессионизм… 5

2. Эдгар Дега… 11

3. Огюст Ренуар… 14

Заключение… 16

Литература… 18

Импрессионизм,живопись импрессионистов… Сегодня одно лишь упоминание этих окрашенных эмоциямипонятий неизменно вызывает теплые чувства у тех, кто знаком с творчествомпредставителей, самого популярного направления современного искусства.Французские слова «импрессион» (впечатление) и «импрессионисты» ассоциируются споэтической атмосферой небольших по формату пейзажей, словно наполненныхсолнечным светом и вибрирующим воздухом, с прекрасными женскими образами, какбы материализующими встречу с «мимолетным видением», с жанровыми картинами и портретами,излучающими упоение жизнью, безмятежность, душевную и физическую красоту.

Впротивоположность академическому искусству, опирающемуся на каноны классицизма– обязательное помещения главных действующих лиц в центр картины,трехплановость пространства, использование исторического сюжета, – импрессионистывыдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Ониперестали разделять предметы на главные, достойные высокого искусства, ивторостепенные. Отныне изображенным в картине мотивом мог стать стог сена,фрагмент нервной поверхности каменного готического собора, разноцветные тени отпредметов в полуденные часы, куст сирени, отражение зелени и неба в воде,движение снующей по улице толпы. Парадным портретам в роскошных интерьерах импрессионистыпредпочитали мастерские модисток, упражнения танцовщиц перед балетным станком итренировку жокеев перед скачками. Они изгнали из картины повествовательность,предельно упростили может ради цельности и гармонии покрытого красками мазкамихолста. Иллюзорному пространству старой картины импрессионисты протмвопоставиливыхваченный из окружающей действительности кадр. При этом они не ставили передсобой задачу копировать преходящие состояние природы. Беспрерывная вибрацияпульсирующих шероховатых мазков на картинах импрессионистов уничтожила иллюзиютрехмерного пространства обнажая исконную двухмерность холста и заставляязрителя расшифровать не столько перипетии сюжета, сколько тайны самой живописи.

Подвлиянием представителей живописи критического реализма (Курбе, Домье) появилосьнаправление в искусстве – ИМПРЕССИОНИЗМ (от франц. Impression – впечатление).Его история сравнительно кратковременная – всего 12 лет (от первой выставкикартин, 1874, до восьмой, 1886 г.).

Импрессионизмпредставлен в творчестве таких художников, как Клод Моне (1840–1926), ОгюстРенуар (1841–1919), Эдгар Дега (1834–1917), Камиль Писсаро (1830–1903), БертМоризо и др. Они объединились для борьбы за обновление искусства и преодолениеофициального салонного академизма в художественном творчестве. После проведенияв 1886 г. восьмой (первой успешной) выставки эта группа распалась,исчерпав возможности развития как системы единого направления в живописи.

Импрессионистыпервыми отказались от «коллективного опыта», чем вызвали бурю протестаобщественного мнения.

Подэтим случайным названием (оно берет начало от картины Моне «Впечатление»,вызвавшей шум в Салоне 1867 г.) объединились независимые художники,оппозиционные идеалу официальной школы, но отличающиеся творческойиндивидуальностью, – Мане» Дега» Моне, Ренуар, Сислей, Писсарро.

С импрессионистов началась новая эпоха в живописи, их нельзяспутать с предшественниками. Они совершили перелом в искусстве (намечавшийсяуже давно), разрушив строгую иерархию живописных жанров. Импрессионисты былиуверены, что темой и сюжетом картины может быть непосредственное впечатление отувиденного. И они доказали это своим творчеством. Импрессионизм – это нефилософия и не техника, это новое художественное видение мира. Правдивостьискусства импрессионисты видели не в тождестве с реальностью, а в том, чтоживопись должна воссоздавать момент, когда человек смотрит на мир непредвзятымвзглядом, словно впервые, как ребенок. В этом «чудном мгновении» человекураскрывается та сущность природы, которая не может быть постигнута с помощьюразума. В импрессионизме раскрывается способность человека видеть мирнепосредственно, интуитивно, инстинктивно; способность образного, а непонятийного мышления.

Импрессионизмне имел (и не мог иметь) строгой доктрины и канонизированных норм.Импрессионизм – это прежде всего индивидуальные искания. Импрессионистовупрекали в субъективном и непонятном для остальных взгляде на мир. Но ихцветовое видение мира не было чисто субъективным. Оно отражало реальносуществующие природные законы, не понятные современникам, но не представляющиезагадок для сегодняшнего зрителя. Основа сложной техники импрессионистов – теорияразложения цветов. Цвет создается вибрацией света на поверхности предметов взависимости от наклона лучей. Состояние атмосферы, воздух – единственныйреальный сюжет картины. В природе нет смешанных тонов, их образуют сочетаниямисеми красок спектра, которые искусственно составляет наш глаз. Импрессионистыне смешивают на палитре эти чистые основные цвета спектра, а раскладывают иходин возле другого прямо на холсте. Переворот в живописной технике шелпараллельно с попыткой выражения в искусстве современности. Как всякое крупноеявление в искусстве, «импрессионистическая революция» приобрела социальныйоттенок. Импрессионисты были бунтовщиками, и общество, только чторасправившееся с коммунарами, видело в них новую угрозу достигнутомуспокойствию. То, что ополчились против импрессионистов официальное искусство,реакционная пресса, буржуазная публика, носило собирательное название«общественное мнение». Но это было мнение обывателя, не имеющего собственногосуждения. Для художника искусство – это мировоззрение, выраженное в образнойформе, для зрителя – объект развлечения или покупки, если он выступает какбуржуа. Его суждение о картине всегда носило потребительский оттенок,обусловленный либо ее продажной стоимостью, либо вопросом – можно ли даннуюкартину повесить в гостиной. Этим эстетическим потребностям буржуазии и отвечалата художественная продукция, которая в основном выставлялась в Салоне.Художники Салона шли навстречу обывательским вкусам, придавая своимпроизведениям характер иллюзорной, кажущейся правды (уклон в сторонуописательности). «Вина» общества состояла не в том, что оно не понимало новогоискусства, а в том, что не желало его понимать, инстинктивно отстраняясь отвсего, что выходило за рамки его практических интересов. Искусствоимпрессионистов содержало в себе приметы нового мировоззрения, в этом мировоезначение их творчества.

Импрессионистырезко и бескомпромиссно противопоставили себя академическому и салонномуискусству, но они с глубочайшим уважением относились к освоению опыта великихмастеров прошлого. Исходной точкой для самостоятельных исканий был опытбарбизонцев, Курбе, Домье. Импрессионисты явно сознавали свое глубинное родствос главнейшими художественными явлениями европейской культуры.

Публика,привыкшая к помпезной и приглаженной салонной живописи, не принимала ни сюжетовхудожников, отказавшихся от подражания вечным канонам красоты, ниихживописной манеры. Импрессионистов упрекали в неумении рисовать инезаконченности работ. Потребовалось около полутора десятилетий, чтобы новоетечение в живописи получило общественное признание.

Вовторой половине 80-х годов импрессионизм перестал быть полем сражений и получилширокое распространение во всех крупных художественных центрах Европы, так и неразвившись вне Франции и не получив самостоятельных оригинальных течений вдругих странах. Повсеместно наблюдалось варьирование того, что было открытофранцузскими мастерами.

Пониманиеимпрессионизма «задним числом» способствовало появлению постимпрессионизма– разных течений французской живописи, получивших общее название «те, ктопришел после». Художники, которых называют постимпрессионистами, – Сезанн»Ван Гог, Гоген, Синьяк, Сера – не были объединены общим методом, каждый ихних – яркая индивидуальность. Постимпрессионизм повысил интерес к символическимначалам искусства, к декоративной стилизации, построению пространства и объема.Никто из столпов живописи следующего поколения не миновал импрессионистическогоэтапа в своем творчестве.

Импрессионистическиетенденции, проявляясь в разных видах искусства, смешивались с другимихудожественными методами. Часто в творчестве одного и того же автора можнообнаружить черты реализма, символизма и импрессионизма. Человек XIX в.находился в более сложном взаимодействии с окружающим миром чем в предыдущиеэпохи, более сложной стала и художественная культура. В обиходе искусствапоявились предметы, которые считались антиэстетическими. Впервые в поэзию, вживопись полноправно вошла тема большого современного города. Импрессионистывидели только его красоту, поэты старались передать уродство городскойцивилизации. Город был их любовью и проклятием (Бодлер, Верлен, Рембо). В ихописании городского пейзажа мы видим те же художественные приемы, что и вживописи: ценность фрагмента, живопись «куска», воссоздание момента.

Импрессионистическиетенденции сказывались и в творчестве скульпторов. Среди них – самыйзамечательный скульптор XIX векаОгюст Роден (1840–1917). Роден создалскульптуру нового стиля. Его заслуга в том, что он сделал решающий шаг ввозрождении истинной скульптуры, такой, какой она была в течение многих столетийи какой она перестала быть в годы ее кризиса в XIX веке. Язык пластическогоискусства устарел и нуждался в обновлении. В его время смутно представляли, чтотакое истинное искусство Древней Греции. Роден не только приблизился кподлинной классике, он восхищался искусством средневековой готики (без егоувлечения позднеготическими плакальщицами он не смог бы создать своих «ГражданКале» по достоинству ценил искусство Востока. Роден обладал на редкостьшироким взглядом на историю мирового искусства, шедевры которого служили ему необразцом, а отправной точкой. Искусство Родена резко противостоялоакадемической классической скульптуре XIX в. Нам трудно оценить сейчас всеноваторство этого гениального скульптора, потому что его работы сливаются длянас в необозримом море пластики XX в, появившейся как результат новогостиля, у истоков которого стоял Роден.

Роденоткрыл новые возможности скульптуры и новые приемы мастерства. Человеческоетело приобрело у Родена такие возможности движения и самовыражения, о которыхраньше нельзя было и мечтать. Оно стало гибким, пластичным, стремительным, вдвижении. Фигуры Родена погружаются в пространство, в стихию света (это роднитего с импрессионистами). Он обрабатывает поверхность мрамора так мягко ирасплывчато, что фигуры оказываются словно в тумане, сливаются одна с другой.Кажется, что из мрамора высечены не только фигуры, но и окружающее ихпространство. Роден подчинил пластическую форму психическому переживанию. Онлишил скульптуру привычной гладкой поверхности, чтобы добиться ощущенияживописности и беспокойного движения.

Характерныйприем Родена, имеющий широкое распространение в современной скульптуре, – неполноевысвобождение пластического образа из каменной глыбы. Зрителю предоставляетсяправо соучастия в творческом процессе («Вечная весна» и «Поцелуй»).

Роденсделал великое открытие: фрагмент может быть выразителен сам по себе. Частьцелого, скрыто несущая в себе его образ, может сама воздействовать нахудожественное чувство. Этот принцип использовался в живописи Моне и Дега. УРодена много скульптур, изображающих только торсы или руки. Например, «Собор»:композиция из двух кистей рук, соприкасающихся кончиками пальцев, – символсвященной защиты.

Роденне создал школу, но расчистил дорогу для современной скульптуры. Все формы иприемы, которыми она живет, заключены в работах Родена.

Подвлиянием художественных веяний французской культуры термин «импрессионизм» сталиспользоваться в применении к музыке. Может быть, первым, кто попыталсяперенести его на музыкальное искусство, был художник Ренуар, назвавший одно изпроизведений Вагнера импрессионистическим. Новое название укрепилось лишь закомпозиторской школой, возглавляемой Клодом Де Бюсси (1862–1918). Первымимпрессионистическим произведением в музыке принято считать симфоническийпрелюд Дебюсси «Послеполуденный отдых фавна» (1892), задуманный вкачестве сопровождения к чтению символистской поэмы Малларме. Но это быласвободная иллюстрация, самостоятельное симфоническое произведение, в которомчувствуется культ изысканных настроений. Фортепианные прелюдии, симфонические «Ноктюрны»Дебюсси построены на образно-эмоциональных ассоциациях, капризахвоспоминания. Для композиторов-импрессионистов (Равель, Шабрие, Шарпантье) внешниймир предстает как поток ассоциаций. Для них характерны поиски новыхтембро-красок, необычных комбинаций музыкальных инструментов.

Влитературе, музыке, живописи XIX века не прекращалось драматическоепротивостояние Позитивизма и Романтизма. В начале века более влиятельным былоромантическое движение, в середине столетия оно отступило на второй план,отчаянно сопротивляясь неумолимой поступи научно-технического прогресса и егоидеологическому и психологическому отражению – позитивизму. Романтизм оказался«внутренним эмигрантом» в прагматической, техницистской, вещистской культуре. Вконце века романтическое движение все чаще принимает формы бегства на «башню изслоновой кости», декадентства (от француз, decadence – разложение, упадок). И только в первой половинеследующего столетия стало ясно, что Позитивизм и Романтизм – это двепротивостоящие стороны европейской цивилизации, друг без друга невозможные идруг друга дополняющие.

Дегаявляется одним из классиков импрессионизма. Если сводить искусство импрессионизмав первую очередь к обязательности работы непосредственно с натуры, к передачеосвещения, к связанным со всем этим изменениям палитры, то Дега, с егоотрицательным отношением к пленерной живописи и убежденностью в преобладающемзначении рисунка по сравнению с цветом, безусловно, остается за пределамиимпрессионистического течения. С направлением его роднят черты сходства менеенаглядные, но более глубокие. Таким сходством было стремление к новому,современному искусству, выражающееся в изображении окружающей жизни, в желаниизапечатлеть видимое явление в его мгновенной неповторимости и в то же времятипичности. Но, следуя основным принципам импрессионистического искусства,творчество Дега вносило в них существенные коррективы. Дега изображал толькото, что видел, но это «что» было у него иным. Импрессионисты шли к своей цели,фиксируя изменения цвета, а Дега – наблюдая движение.

Живипинаятрадиция большинства импрессионистов шла от колористических завоеванийДелакруа. На нее оказали воздействие тональное богатство полотен Коро икрасочная слитность живописи Курбе. Дега, проявивший большой интерес к живописиДелакруа и Курбе, также высоко ценил из, но это не оказало существенноговлияния на его творчество. Он изображал себе иного учителя – Энгра, ревностногоприверженца классической доктрины, блестящего рисовальщика, провозглашавшего,что «рисунок заключает в себе три четверти с половиной того, что составляетживопись».

Именновосхищение картинами Энгра побудило Дега стать на путь художника, броситьзанятия юриспруденцией и поступить в мастерскую энгровского ученика Ламотта,хотя он пробыл там всего несколько месяцев. Дега предпочитал развиватьсясамостоятельно, копируя старых мастеров. Картины, которые он избирал в качествеобразцов, вряд ли привлекали бы внимание его будущих товарищей, даже если быметод работы в музеях они считали подходящим и плодотворным для себя.

ЭдгарДега (1834–1917), так же как и Мане, целиком посвятил себя изображениючеловека. Блестящий живописец, он одновременно и замечательный мастер пастели ирисовальщик. В последние годы жизни Дега показал себя незаурядным скульптором.Дега, пожалуй, самый глубокий из всех импрессионистов. Он всегда стремилсяпсихологически раскрыть образ, показать как-то по-новому внутренний мирчеловека. Свою карьеру он начал как мастер реалистического портрета. В егоранних портретах та же острота восприятия, что и в портретах Мане, та жеживопись и непосредственность, но у Дега больше настроения, внутренней теплоты,сосредоточенности, наблюдательности.

Портретысоставляют наиболее значительную часть творчества раннего Дега. Они отличаютсявысоким мастерством, редким для такого молодого мастера.

ДляДега, как и для других импрессионистов, «мгновенное» не было равнозначно«случайному», наоборот, эти два понятия представляли прямую противоположность,ибо изображение мгновения у художника являлось результатом внимательностинаблюдения, глубокого анализа и затем – максимального обобщения. «В искусственичего не должно быть похожим на случайность, даже движение», – заявлял Дега.Но, передавая движение при помощи композиционного решения, и по-прежнемупридерживаясь рисунка как основы своей живописи, художник сталкивался снеизбежной трудностью, которую ему еще предстояло преодолеть, поскольку рисунокДега, усвоившего принципы энгровского классицизма, был мало пригодным средствомдля передачи движения.

Всемидесятых годах Дега становится на пути импрессионизма. Портрет уступаетместо бытовому жанру – Дега создает серию, посвященную жизни жокеев,ипподромам, затем им создается обширная серия, центральная в его творчестве,посвященная балету. Дега, в отличие от предыдущих ему художников, показал балетне только с его праздничной стороны – балерин на сцене; главное внимание онсосредоточил на обыденной закулисной жизни балета: он рисует балерин нарепетициях, отдых измученных однообразными упражнениями, усталых танцовщиц ит.д. Балетную серию сменяет прекрасная серия, посвященная певичкам дешевых кафеи ресторанов. Затем темы артистического труда сменяет тема труда физического –серия прачек, гладильщиц, модисток, шляпниц и т.д. В последний период Дегамного работал над изображением обнаженной женской фигуры.

Самметод работы Дега, его стремление к совершенству порождали в художникепостоянное неудовлетворение, сомнения в достигнутых успехах, толкали его кбесконечным переделкам. «Сделайте рисунок, начните его сначала, переведите егона кальку, начните его сызнова и снова скалькируйте», – дает он совет молодымхудожникам.

В своевремя интерес к «бытописательству» привел к тому, что групповые портретыявлялись для Дега только предлогом изображать определенные ситуации, аизображаемые лица превращались в простых персонажей бытовых сцен. В зрелыегоды, когда изображение окружающей жизни становится главной линией творчествахудожника, проблема группового портрета интересует его гораздо меньше. Но, хотяпортретный жанр давно не стоит в центре внимания Дега, он продолжает заниматьего. Наиболее совершенными работами в этой области следует считать выполненныев 1876 году портреты писателя Дюранти и гравера Мартелли.

Композициястановится основным выразительным средством у зрелого Дега. В этом сказалосьпреобладание интеллектуального начала в его творчестве, которое он самнастойчиво подчеркивал: «Все, что я делаю, есть результат размышления иизучения старых мастеров; о непосредственности, вдохновении, темпераменте японятия не имею». Ни у кого из импрессионистов композиция не играла такойдейственной роли, как у него.

Впоздних работах Дега можно отметить ряд новых черт. Это прежде всего касаетсярисунка: четкая, несколько суховатая, чеканящая форму линия исчезает,видоизменяется, постепенно становится все более свободной и драматичной и в тоже время более живописной и мягкой.

Дега –мастер характерного, выразительного жеста; он показывает свои персонажи вдействии, подчеркивает в постановке фигур профессиональные движения, позы. Егокомпозиции неожиданны, но всегда жизненно вероятны; его интерьеры театров иателье окутаны воздушной атмосферой.

ОгюстРенуар (1841–1919) начал свой путь с росписи фарфора и раскраски вееров. Новскоре он расстается с этим ремеслом и отдается со всей страстью «чистому»искусству живописи. Художников стиля рококо (Буше, Ватто), которых он вначалеизучал в силу своей профессии, сменяют новые кумиры – Курбе, Коро, Диаз,которым Ренуар стремится подражать.

Сближениес Моне делает Ренуара убежденным последователем импрессионизма. Темные тона,четкая объемная форма уступают место проискам светлых тонов, мерцающих всолнечном освещении, на открытом воздухе. «Купанье на Сене» – яркий пример этихновых живописных исканий. Но в дальнейшем пейзаж не занял сколько-нибудьзаметного места в творчестве Ренуара; его внимание поглощают: портрет, главнымобразом женский, жанровые сцены и обнаженная натура. В последний периодобнаженная натура доминирует в его творчестве.

Ренуар– выдающийся портретист среди своих современников. Портрет артистки Самари –типичнейший пример его портретного творчества. Художник умеет уловить ипередать мимолетное движение лица, фигуры, внезапно появившееся выражение,мгновенный блеск глаз, движение губ, меняющиеся краски лица.

Жанровыекартины Ренуар посвящает отдыху парижан: «Танцы в «Мулен де ла Галлет»»,«Завстрак после катанья на лодках». А.В. Луначарский назвал Ренуара«художником счастья». Это очень верно. Его картины жизнерадостны – этопозволяет сравнить Ренуара с жизнерадостнейшим художником мира – Рубенсом. Неслучайно также, что Ренуар так любил изображать детей – самый счастливый ибеззаботный возраст. Колорит Ренуара полон праздности, изящная, радужная игратончайших мазков, нежных оттенков белого, розового, голубого, оранжевого,зеленого и лилового рождает радостные красочные симфонии.

Начавшийсяв конце 80-х годов кризис импрессионизма заставляет Ренуара одним из первыхпокинуть корабль, доставивший его к славе. Он уходит в поиски чистойпластичности, возвращается к единой тональности, усиленно изучает помпейскиеросписи. Но работы, исполненные в этой новой манере, уступают тем, что былисозданы им в первый период импрессионизма.

Импрессионизм(от франц. Impression – впечатление) – направление в искусстве последней трети XIX – начала XX в.Наиболее полное выражение получило во французской живописи. Отказываясь отфабулы (присущей, например, академизму), художники-импрессионисты стремилисьсохранить силу и свежесть первого впечатления, которое позволяет запечатлеть вживописном произведении неповторимо характерные черты. Импрессионизм нашелвыражение в музыке, литературе и скульптуре.

Импрессионистыстремятся запечатлеть отдельные моменты бытия человека и природы, онистремятся, не выходя за рамки крошечных отрезков времени, уловить, раскрыть вовсем жизнь. Они бросаются за правду, но само понимание правды несколькообедняют. Они не хотят ничего знать заранее о том, что пишут, они хотят тольковидеть, только наблюдать. Если для реалистов правда – это опыт народа, этознания, добытые на протяжении долгого времени, то для импрессионистов правда –это опыт самого художника, это впечатление, полученные им от созерцанияокружающего. Они отказываются от сложных типичных образов, основанных наглубоком знании отдельных явлений и их связи между собой, но вместе с тем ониприходят к пониманию жизни как непрекращающегося движения, изменения, онинаходят живописные средства для того, чтобы уловить и показать в картине самыйтрепет жизни.

Довольствуясьтолько непосредственными впечатлениями, импрессионисты ограничивали, обеднялисвое творчество. Они жили лишь одним днем и не хотели вспомнить героическоепрошлое Парижа и Франции, думать о ее будущем, замечать вокруг всеобострявшиеся социальные противоречия. Некоторые из импрессионистов смутночувствовали эту ограниченность и тосковали о больших социальных и героическихтемах. Ренуар говорил об упадке современного искусства и главной причиной этогосчитал отсутствие идеала.

Уже кконцу 1870-х годов импрессионизм исчерпал себя, оказался бесперспективным, иэто сыграло свою роль в том, что многие младшие современники импрессионистов, последовавшие,было, за ними, стали видеть цели искусства лишь в изобретении новых живописныхприемов, в работе над формой самой по себе, то есть пошли по пути формализма.

1.  Грибунина Н.Г. История мировой художественнойкультуры. – Тверь, 1993.

2.  Денвир Б. Импрессионизм. Художники и картины. – М.: 2008.

3.  Живопись импрессионистов и постимпрессионистов: Альбом. –Л.: 1986.

4.  Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мироваяхудожественная культура. Учебное пособие для старших классов школ, гимназий,лицеев, а также для студентов высших учебных заведений. – М.: 2008.

5.  Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейскоеискусство. – М.: Высшая школа, 1993.

6.  Калитина Н.Н. Французское изобразительноеискусство конца XVI–XX веков. – Л.: 1990.

7.  Мэннеринг Д. Жизнь и творчество Дега. Б. м.: Спика, 2003.

8.  Популярная художественная энциклопедия. В 2-х т. – М.:Советская энциклопедия, 1986.

9.  Ревалд Д. История импрессионизма. – М.: 2003.

10.      Террасс А. Дега Эдгар: Кат. картин –Берлин: Кн. 1, 2 2001.

11.      Энциклопедический словарь юногохудожника. – М.: Педагогика, 1983.

Импрессионизм в музыке

Импрессионизм появился во Франции в 60-х годах XIX века как направление в живописи, но позднее распространился и на музыку. Суть нового течения состояла в фиксации мимолетного впечатления от увиденного в своем произведении.

В это время в культурной жизни Парижа наступает переосмысление академического искусства. Появляется нужда в переменах, что приводит к возникновению нового движения.

Стивен Шортридж Уроки музыки

Особенности импрессионизма в музыке

Импрессионизм в музыке берет начало в 90-х годах XIX века. Его родоначальниками считаются такие французские композиторы, как Клод Дебюсси, Эрик Сати, Морис Равель.

Изначально термин «импрессионизм» к музыкальным произведениям Дебюсси был использован критиками в ироническом подтексте. Да и, строго говоря, этот термин не вполне верно классифицирует творения французских музыкантов. Однако, есть много черт, по которым эта музыка схожа с живописными полотнами импрессионистов. Прежде всего, это стремление передать субъективное впечатление автора. Широкое использование диссонансов, необычных тембров и созвучий. Мелодизм уходит на второй план в угоду гармоническим звучаниям нонаккордов, кварто-квинтовых последовательностей, внезапных диссонансов.

Новое направление взялось не из воздуха. Его корни растут из романтизма. Очень большое влияние на музыкантов оказал немецкий композитор Рихард Вагнер.

Рихард Вагнер

 Однако засилье оперы в музыкальной жизни Франции того периода, не давало возможности полноценно развиваться другим направлениям и жанрам. Это вызвало своеобразный протест в виде нового движения. Также, как в живописи, импрессионизм в музыке возник из противостояния бездушному отлакированному академизму.

Не стоит забывать и о влиянии на композиторов французских поэтов-символистов: Поля Верлена, Артюра Рембо, Шарля Бодлера, Стефана Малларме и других. Они уделяли большое внимание мелодичной игре звуков и изображению эмоциональных переживаний души в своих литературных произведениях.

Музыка теперь стремится передать неуловимые впечатления и движения чувств, используя новые гармонические инструменты. Классический строй музыкального произведения, по мнению импрессионистов, изжил себя. Гармония больше не зависит от мелодики, давая возможность аккордам звучать свободно, выражая определенное настроение.

Произведения импрессионистов имеют яркую эмоциональную окраску. Они сознательно отказываются от классического драматизма, предпочитая пейзажи и жанровые сцены. Музыканты чаще пишут короткие произведения ‒ сюиты, музыкальные миниатюры. Нередко обращение к народной, экзотической и восточной музыке, к сказочным или фантастическим сюжетам. Композиторы используют расширенные гармонические комплексы, отдают предпочтение чистому и контрастному тембровому звучанию. В отличие от больших симфонических оркестров, обходятся малым количеством инструментов. Классическое сочетание ‒ флейта и арфа.

Эрик Сати

Первооткрывателем импрессионизма в музыке считается Эрик Сати. И сейчас еще не утихают споры о месте его личности в истории музыкальной Франции. Но бесспорно, что его новаторские эксперименты оказывали влияние не на одно поколение французских музыкантов. Его творческий путь не раз менял свое направление. Будучи одним из основателей импрессионизма, Эрик Сати первый же отошел от него после всеобщего увлечения творчеством Дебюсси. Недаром Сати называют реформатором европейской музыки.

Эрик Сати

Эрик Сати родился в 1866 г. в Нормандии в семье портового маклера. В ранние годы мальчика растил дядя, в связи с ранней смертью матери. Отец с новой семьей жил в Париже. В 12 лет Эрик переехал к отцу. Мальчик уже тогда проявлял интерес к музыке.

Эрик Сати дважды поступал в Парижскую консерваторию, но так ее и не закончил. Долгое время он оставался безвестным музыкантом, работая аккомпаниатором эстрадных певцов в разных кафе.

Свой творческий путь он начал в 1885 г. с небольших фортепианных пьес. Позднее он сочиняет пьесы «Три гимнопедии», «Три гноссьены», оказавшие впоследствии огромное впечатление на Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Уже в этих ранних произведениях он пишет без указания метра и ключевых знаков, ломая музыкальные традиции. Впоследствии это станет его фирменным знаком.

Рамон Касас Богема. Поэт Монмартра (портрет Эрика Сати)

Около 1891 г. Сати знакомится с Жозефеном Пеладаном и пишет музыку к его пьесе «Сын звезд». В ней композитор применяет шестизвучные аккорды, состоящие из кварт. Этот прием сразу стал популярен у французских композиторов. В этом произведении Сати использует мелодизм без определенного лейтмотива, что не мешает ему выразить весь драматизм пьесы. Эрик Сати строит композицию своих произведений из 5 ‒ 6 на первый взгляд не связанных между собой частей.

В 1891 г. Эрик Сати знакомится с Клодом Дебюсси. Их дружба продлится долго и приведет к созреванию Дебюсси как импрессиониста. Позднее Сати утверждал, что это именно с его подачи зародился импрессионизм, поскольку он советовал Дебюсси использовать в музыке те же средства выражения, что и художники-импрессионисты. Правда это или нет, неизвестно, поскольку эксцентричный Сати мог и приукрасить свою роль в становлении Дебюсси как композитора.

После 1897 г. Эрик Сати отходит от импрессионизма с его яркостью мелодизма и сложными гармониями. Теперь он выступает за простоту музыкальных форм. У него появляются миниатюры с ироничными названиями и пометками для исполнителей. Например, «Три арии, от которых все сбегут», «Джек в стойле», «Три пьесы в форме груши» и др.

В 1898 г. Эрик Сати переезжает в небольшой французский городок Аркей, где проживет до самой смерти. Всю жизнь он работал тапером в парижских кафе, получая мизерный доход.

Сантьяго Руссиньоль Комната Эрика Сати

В 1911 г. композитор обращается к неоклассицизму, написав несколько пьес, которые позднее были исполнены Равелем. При этом он начинает критиковать импрессионизм в своих произведениях за расплывчатость формы и неясность содержания. Он издает откровенно сатирические пьесы «Тощий танец», «Три засушенных эмбриона» и др.

В 1913 г. Эрик Сати пишет музыку для балета Дягилева «Парад», а в 1918 г. ‒ симфоническую драму «Сократ» по мотивам платоновских диалогов. Это были самые значительные произведения композитора. Так же он стал изобретателем так называемой «меблировочной музыки», служащей ненавязчивым фоном в магазинах или в салонах при приеме гостей. Умер музыкант в безвестности, от цирроза печени в 1925 г.

Значение творчества Эрика Сати

Об Эрике Сати вспомнили лишь в 50-е годы XX века. Его известность вышла за пределы Франции. Он стал родоначальником не только импрессионизма, но так же авангарда и минимализма, оказав большое влияние на становление многих известных композиторов.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси вошел в историю музыки как яркий представитель импрессионизма, его основатель и идеолог. В конце XIX ‒ начале XX веков он стал властителем дум не только во Франции, но и во всем мире. Он пришел на смену Вагнеру и начал новую эпоху в музыке. Сам Дебюсси был не согласен с применением термина «импрессионизм» по отношению к своему творчеству. Однако история распорядилась иначе.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси родился в 1862 г. в городке недалеко от Парижа. В десять лет он поступил в Парижскую консерваторию. Его учителями были известные композиторы Мармонтель, Лавиньяк, Франк, Гиро, Массне. Мальчик учился довольно прилежно и даже в 1884 г. был награжден поездкой в Рим. В Италии он провел 4 года. За это время Дебюсси создал несколько произведений, среди которых были «Весна» и «Дева-избранница». В консерватории новый стиль композитора не одобрили, и Дебюсси закончил свое обучение.

Марсель Баше Портрет Клода Дебюсси

В 1890 г. Дебюсси тесно общается с поэтами-символистами. Через 2 года он пишет симфоническую прелюдию «Послеобеденный отдых фавна» на одно из стихотворений Стефана Малларме. Большое влияние на композитора оказывает и знакомство с Эриком Сати.

В 1899 г. он получает приглашение от русской меценатки Надежды фон Мекк приехать в Россию.

Надежда Филаретовна фон Мекк

Служа учителем музыки в этой семье, Дебюсси не только получил возможность путешествовать по Европе, но и приобщиться к культуре России. За два года Дебюсси познакомился с творчеством Чайковского, Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина. Проникся он и русской народной музыкой. Однако влюбленность в одну из дочерей покровительницы положила конец их сотрудничеству.

В 1902 г. в Париже состоялась премьера оперы Дебюсси «Пелеас и Мелиссанда» на текст поэта Мориса Метерлинка. Опера вызвала неоднозначные отзывы у французской публики, но в то же время стала поворотным моментом во всей европейской истории музыки.

Несмотря на нужду и болезни, Дебюсси продолжал творить. Чтобы прокормить семью он ездил с концертами по разным странам. Его самыми известными творениями являются: созданный по заказу Дягелева балет «Игры», оркестровые произведения «Море», «Иберия», «Святой Себастьян», «Весенние хороводы», «Ноктюрны» и др. Скончался Дебюсси в 1918 г. в Париже.

Клод Дебюсси играет на фортепиано

Значение творчества Клода Дебюсси

Своим творчеством Дебюсси пытался отстоять национальную музыкальную традицию Франции. Мировое же значение этого композитора заключается в его принципиальном и новаторском взгляде на гармонию, ритм, мелодию музыкального произведения, глобальном обновлении «музыкального языка». Подобно художникам-импрессионистам, он смог изобразить в музыке неуловимые эмоциональные переживания и настроения, красоту природы и жизни. Его творчество оказало огромное влияние на развитие музыки не только Франции, но и других стран в течение первой половины ХХ века.

 Морис Равель

Горячим последователем Дебюсси был Морис Равель. Он родился в 1875 г. в Пиренеях в семье швейцарского автомобильного инженера. Любовь к музыке мальчику привил его отец. В 1889 г. Равель поступил в Парижскую консерваторию. Большое влияние на молодого человека оказала музыка Эрика Сати, испанского пианиста Рикардо Виньеса и Клода Дебюсси.

Морис Равель

 Несколько раз Равель пытался получить Римскую премию, но каждый раз безуспешно. Последняя попытка была связана с большим скандалом. Жюри отказало композитору в участии в конкурсе, сославшись на возрастные ограничения, которые, однако, еще не наступили. Истинной причиной было творчество молодого композитора, вызывающее непонимание в академических кругах. Поскольку к тому времени Морис Равель уже получил некоторую известность, несправедливый отказ вызвал большой резонанс в околомузыкальном сообществе Франции. Сам же Морис принял ситуацию спокойно, однако скандал сыграл ему на руку в плане личной известности и в то же время подвел черту с занятиями академической музыкой.

Морис Равель сочиняет музыку

Во время Первой мировой войны Равель добровольцем отправляется на фронт. В память о павших товарищах он пишет сюиту «Гробница Куперена».

По возращению домой Равель сочиняет по заказу Дягилева музыку к балету «Дафнис и Хлоя». В том числе и знаменитое «Болеро». Равель много гастролирует по Франции и другим европейским странам как пианист и дирижер. В 1928 г. он едет с концертами в Северную Америку.

Нежинский и Равель за фортепиано

В 1932 г. Равель во Франции попал в автомобильную катастрофу. В результате аварии у него развилась опухоль мозга, и в 1937 г. композитор скончался.

Значение творчества Мориса Равеля

Равель продолжил дело Клода Дебюсси и стал общепризнанным мастером французской школы. В его произведениях немалую роль играет четкий ритм и яркая эмоциональная окраска. Они не столь «расплывчаты» и беспредметны, как у Дебюсси. Он вполне лояльно относится к классическим музыкальным формам. Равель является одним из основателей камерно-симфонического стиля первой половины ХХ века, недаром его называют виртуозом оркестровки.

Роль импрессионизма в мировой музыке

Импрессионизм возник во Франции как попытка возврата к своим корням и некое противодействие к засилью немецких опер и опостылевших академических произведений. Впоследствии он стал самостоятельным новаторским движением, популярным не только у себя на родине, но и во всем мире.

Правда век импрессионизма был недолог. Даже его последователи в своем развитии уходили дальше. К началу 30-х годов ХХ века импрессионизм уже прочно занял свое место среди классики. Но он положил начало большим изменениям в истории музыки ‒ открыл дорогу новым направлениям ‒ авангарду, экспрессионизму, неоклассицизму.

Впрочем, импрессионизм не забыт. И сейчас произведения Клода Дебюсси, Мориса Равеля и Эрика Сати пользуются большой популярностью у любителей музыки.

импрессионизм

Импрессионизм и Салон

CLOUDE MONET (1840-1926)
«Впечатление восхода», 1872 (холст, масло)

Парижский Салон

В течение 19-го века Академия изящных искусств была опорой французского художественного учреждения и проводила ежегодную открытую выставку в парижском Салоне. Жюри Академии считало себя защитником художественных традиций своего времени и поддерживало их, контролируя стандарт картин, которые были приняты на выставках Салона.Любая новая работа, которая бросала вызов их стандартам, была отклонена, и многие из молодых инновационных художников-импрессионистов того времени часто оказывались исключенными из этой основной выставки.

Салон Рефузей

В 1863 году была организована альтернативная выставка под названием «Салон отказчиков», в которой представлены картины и скульптуры, отклоненные официальным Салоном. По иронии судьбы, «Les Refusées» привлекла больше внимания, чем оригинальная выставка, и предоставила идеальную платформу для демонстрации нового импрессионистского искусства для публики.Однако будущий «Салон отказников» не стал обычным явлением, и в 1874 году некоторые из отвергнутых художников организовали альтернативную выставку в студии парижского фотографа Надара. Именно эта выставка раскопала имя, которое воплощало новый подход к живописи. Луи Леруа, журналист и критик сатирического журнала «Le Charivari», написал ужасную рецензию под названием «Выставка импрессионистов». «Импрессионизм» означал насмешку, нацеленную, в частности, на картину Клода Моне о туманной утренней гавани в Гавре «Впечатление: восход».Тем не менее, саркастический заголовок понравился как художникам, так и публике, и название застряло. Выставка в Надаре стала первой из восьми выставок импрессионистов с 1874 по 1886 год.

Простая английская Википедия, свободная энциклопедия Клод Моне, Впечатление, Восход , (1872), холст, масло, Музей Мармоттан

Импрессионизм — это стиль живописи, который начался во Франции в конце 19 века. Живопись импрессионистов показывает реалистичные предметы, написанные в широком, быстром стиле, с хорошо видимыми мазками и часто яркими цветами. Термин «импрессионизм» происходит от картины Клода Моне, которую он показал на выставке под названием Impression, soleil levant («Впечатление, восход»).Искусствовед по имени Луи Леруа осмотрел выставку и написал рецензию, в которой сказал, что все картины были просто «впечатлениями».

Художники-импрессионисты в основном известны своими работами масляной краской на холсте. Некоторые художники-импрессионисты также делали акварели и гравюры. Есть также какая-то импрессионистская скульптура.

Corot, Итальянский пейзаж . Картины Коро оказали влияние на импрессионистов

В 19 веке большинство художников научились рисовать, посещая художественную школу или академию.Академии были очень строги к тому, как молодые художники учились рисовать. Популярный стиль живописи назывался классицизмом. Классические картины всегда делались в студии. Они часто показывали истории из мифологии. Художник готовился к картине, делая много рисунков. Картины были очень плавно и аккуратно расписаны.

В то же время было несколько художников, которые любили рисовать французский пейзаж и деревенских людей реалистично, в отличие от классицизма.Они часто делали небольшие быстрые картины из дверей, а затем заканчивали их в студии. К таким художникам относятся Гюстав Курбе и Жан-Батист Коро. Эдгар Дега писал в 1883 году: «Есть один мастер, Коро. Мы ничто в сравнении, ничто». ^[1] Группа молодых художников, которые восхищались творчеством этих художников, подружились и начали рисовать вместе. Этими художниками были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Фредерик Базиль, Камиль Писсарро, Поль Сезанн и Арманд Гийом.

Каждый год парижская академия будет проводить большую выставку (арт-шоу) под названием Salon de Paris . В 1863 году художник по имени Эдуард Мане поместил в шоу картину « Обед на траве » («Le déjeuner sur l’herbe»). Судьи в Салоне отказались вешать эту работу в галерее, потому что на ней была изображена обнаженная женщина, сидящая на траве с двумя мужчинами в одежде. Если бы картина была о древнегреческой мифологии, это не было бы проблемой, но эти мужчины были одеты в обычные костюмы, а платье и шляпа женщины лежали на траве.Возможно, она была проституткой! Судьи сказали, что картина была неприличной (очень грубой). ^[2] Моне и его друзьям тоже отказали в картинах. Они были злы и встретились с Мане, чтобы обсудить это. Император Наполеон III дал разрешение на еще одну выставку под названием Salon des Refusés , на которой были показаны все картины, которые были «отклонены». Многие люди посетили эту выставку и вскоре обнаружили, что в искусстве появилось новое «движение», совершенно отличное от стиля, к которому они привыкли.

Мане, Обед на траве («Le déjeuner sur l’herbe»)

В 1872 году Моне и его друзья создали общество под названием «Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов» . Они начали организовывать свои собственные художественные шоу. В 1874 году тридцать художников провели свою первую выставку. Критик Луи Леруа высмеял их работу и написал статью под названием «Выставка импрессионистов ». Публика, пришедшая на выставку, тоже стала использовать это имя.Сами художники вскоре стали использовать имя «импрессионистов», и с тех пор их так называют. У них было восемь выставок в период с 1874 по 1886 год. Они заплатили дилеру по имени Пол Дюран-Руэль за организацию выставок, а он организовал шоу в Лондоне и Нью-Йорке. Постепенно их картины стали популярными. Некоторые из импрессионистов, Моне и Ренуар, жили, чтобы быть старыми и знаменитыми, но другие умерли очень бедно. Основными художниками, которых называют «импрессионистами», являются Клод Моне, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Берта Морисо, Арман Гийомен, Мэри Кассат, Гюстав Кайбот и Фредерик Базиль.

Многие художники работали с импрессионистами недолго, но затем начали пробовать новые идеи. Все эти художники рисуют по-разному, но вместе их называют постимпрессионистами. Среди них Жорж Сера, Поль Сезанн, Поль Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек и Винсент Ван Гог.

Пока французские художники-импрессионисты работали во Франции, художники в других странах также начали рисовать на улице в более широком стиле. В конце концов импрессионистский стиль распространился во многих странах Европы, в Северной Америке и Австралии.Некоторые художники продолжали рисовать в стиле импрессионизма вплоть до 20-го века.

Дега, Женщина моется в своей спальне . Импрессионисты рисовали повседневные предметы, часто, как будто они смотрели в камеру.

Импрессионизм и фотография [изменить | изменить источник]

До времен импрессионистов многие художники работали над портретами. До изобретения камеры, нарисованные портреты были основным способом запечатлеть «внешность» человека (как он выглядел).Но к тому времени, когда импрессионисты начали рисовать, было много фотографов, у которых были студии, куда люди могли пойти фотографироваться. С улучшением камер фотографы начали делать «снимки» пейзажей и людей на улице.

Фотография оказала два влияния на художников. Во-первых, это означало, что им было гораздо труднее жить, рисуя портреты. Многие художники стали очень бедными. Во-вторых, изображение, снятое камерой, часто имеет интересные углы и точки обзора, которые обычно не рисуются художниками.Художники-импрессионисты могли учиться на фотографиях. Многие картины импрессионистов заставляют зрителя чувствовать себя так, словно они находятся прямо там, глядя на сцену глазами художника.

Предметы [изменить | изменить источник]

Художники-импрессионисты рисовали не из своего воображения, из литературы, истории или мифологии, как большинство других художников 19-го века. Они рисовали то, что видели в окружающем их мире: город, в котором они жили, пейзаж, в котором они уезжали на отдых, свою семью, своих друзей, свои студии и вещи, которые были вокруг их дома.Иногда их «заказывали» (давали работу) рисовать портрет кого-то.

Художники-импрессионисты любили рисовать «обычные» вещи, которые были частью повседневной жизни. Они рисовали женщин, которые занимались стиркой и глажением одежды, танцорами балета, выполняющими упражнения, лошадьми, готовящимися к гонке, и скучающей официанткой, обслуживающей клиента. Никто до импрессионистов никогда не думал, что эти предметы достаточно интересны для рисования.

Несмотря на то, что многие художники-импрессионисты рисуют людей, их считают главным образом своей пейзажной живописью.Художники-импрессионисты не были удовлетворены тем, что делали какие-то рисунки или быстрые наброски на улице, а затем делали великолепные картины в студии. Художники-импрессионисты не были удовлетворены живописью формы земли, зданий и деревьев. Они хотели запечатлеть свет и погоду.

Техника [изменить | изменить источник]

Художники-импрессионисты искали «технику» (способ сделать что-то) для рисования пейзажей, показывающих свет и погоду.Свет и погода все время меняются. Свет солнца на ландшафте меняется каждую минуту, когда Земля поворачивается. Художники-импрессионисты смотрели на работы более ранних французских художников, таких как Камиль Коро и Гюстав Курбе. Курбе часто брал свои краски на открытом воздухе и делал быстрые цветные эскизы, которые он мог затем использовать, чтобы сделать большие картины в своей студии. Художники-импрессионисты больше интересовались эскизами, чем готовыми картинами.

Моне, Скалы в Пурвилле, .Яркие краски были использованы без их смешивания.

Другой художник, Евгений Будин, раньше сидел на пляже в Довиле со своими масляными красками и быстро рисовал людей на отдыхе. Иногда они покупали его картины в качестве сувениров.

Клод Моне познакомился с Буденом и узнал, что единственный способ «запечатлеть» то, как пейзаж выглядел в определенное время, — это нарисовать маленькие картинки, очень быстро, и не удосуживаясь смешать краски, чтобы получить красивые ровные ровные цвета.Художники-импрессионисты использовали большие мазки разных ярких цветов и позволяли им смешиваться на холсте, вместо того, чтобы сначала тщательно смешивать их в палитре. Рисуя таким образом, не беспокоясь о деталях, художники-импрессионисты запечатлевают реалистическое «впечатление» от мира, который они видели вокруг себя.

Некоторые вещи, которые они нарисовали, были: снег, мягко падающий над городом, туман, поднимающийся по реке в розовом утреннем свете, люди, идущие по пшеничному полю с ярко-красными маками, растущими в нем, солнечный свет, падающий через листья на людей танцы, поезд, поднимающий клубы дыма на большой железнодорожной станции, и водяные лилии, плавающие в бассейне под свисающими ивами.

Большинство пейзажных картин импрессионистов невелики, поэтому художник мог носить их на улице. Некоторые художники, в частности Клод Моне, брали несколько полотен, и по мере того, как проходил день, и свет менялся, он оставлял одного и брал другого. Он снял комнату, из которой он мог видеть Руанский собор, чтобы он мог нарисовать его из окна в разное время дня. Моне также сделал серию из картин Хейстек , на которых они стояли в поле под разными углами и в любую погоду, при ярком солнечном свете, утреннем морозе и снеге.Картины, которые сделаны на открытом воздухе, называют картинами «пленэра». Художники-импрессионисты часто вместе отправлялись в живописные поездки, поэтому есть много картин, которые можно сравнить.

Термин «импрессионизм» использовался для других видов искусства, таких как письмо и музыка. Октав Мирбо часто описывается как писатель-импрессионист. В 1887 году музыкальные критики заявили, что произведения Клода Дебюсси были импрессионистами. Позже другие композиторы были также описаны как импрессионисты, в том числе Морис Равель, Пол Дукас, Эрик Сати и Альберт Руссель.

Галерея картин импрессионистов [изменить | изменить источник]

Нажмите на каждое изображение, чтобы увеличить его, чтобы увидеть, как каждый художник использовал мазки и цвет.

Захват сцены [изменить | изменить источник]

• Евгений Буден, Причал в Довиле , (1869)

• 

  Берта Морисо, день стирки , (1875)

• 

  Клод Моне, Снег в Ветее , (1879)

• 

  Камиль Писсарро, Молотьба зерна , (около 1880 г.)

• 

  Пьер Огюст Ренуар, Мечеть , (1882)

Видеть как камеру [изменить | изменить источник]

• 

  Эдуард Мане, Эмиль Золя (1868)

• 

  Эдгар Дега, Урок балета , (1875)

• 

  Эдгар Дега, Пьющие абсент , (1876)

• Берт Морисо, Колыбель

• 

  Пьер Огюст Ренуар, На концерте , (1874)

Люди на улице [изменить | изменить источник]

• 

  Клод Моне, Женщины в саду , (1867)

• 

  Эдуард Мане, Железнодорожный вокзал Сен-Лазар , (1872)

• 

  Эдуард Мане, Моне, рисующий в своей лодке , (1874)

• 

  Пьер Огюст Ренуар, Обед Гребля (1881)

• 

  Берта Морисо, Муж и дочь художника в саду , (1883)

Смена времен года в городе [изменить | изменить источник]

• Камиль Писсарро, Лувесьен осенью

• 

  Камиль Писсарро, Бульвар Монмартр ночью (1898)

• 

  Альфред Сислей, Лувесьен в снегу

• 

  Клод Моне. Париж осенью , (1873)

• 

  Камиль Писсарро, Париж весной

Свет на воде [изменить | изменить источник]

• 

  Моне, Мост в Аржантее

• Пьер Огюст Ренуар, Дворец Дожей, Венеция , (1881)

• 

  Альфред Сислей, Потоп в Порт-Марли , (1876)

• Камиль Писсарро, Руан в дождливый день (1896)

• Клод Моне, Цветущие арки, Живерни , (1913)

Хронология: жизни импрессионистов [изменить | изменить источник]

Импрессионисты

1. Il «Il y un seul maître, Corot.Nous ne sommes rien en Сравнение, rien «.
2. ↑ Хелен Гарднер, Искусство сквозь века

• Хелен Гарднер, Искусство сквозь века , Harcourt, Brace and World, Inc. ISBN 0-15-503752-8
• Юрген Шульце, Искусство Европы XIX века , Абрамс, (1979) ISBN 0-8109-8017-7
• Натаниэль Харрис, Импрессионисты , Виконт Букс, (1984) ISBN 0-600-35848-8

,

импрессионизм | Определение, история, искусство и факты

Импрессионизм , Французский Impressionnisme , крупное движение, сначала в живописи, а затем в музыке, которое развивалось в основном во Франции в конце 19 и начале 20 веков. Живопись импрессионистов включает в себя работы, созданные между 1867 и 1886 годами группой художников, которые поделились рядом связанных подходов и методов. Наиболее заметной характеристикой импрессионизма в живописи была попытка точно и объективно зафиксировать визуальную реальность с точки зрения переходных эффектов света и цвета.В музыке это должно было передать идею или аффект посредством звукового сопровождения, а не строгой формальной структуры.

Ренуар, Пьер Огюст: Танец в Ле Мулен де ла Галетт Танец в Ле Мулен де ла Галетт , холст, масло Пьер Огюст Ренуар, 1876; в музее Орсе в Париже. Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

Подробнее на эту тему

история Европы: символизм и импрессионизм

Затем выяснилось, что те, кто хотел уйти от вульгарной действительности, делали искусство с большой столицей в независимом регионе…

Живопись

Основными художниками-импрессионистами были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берт Морисо, Арманд Гийомен и Фредерик Базиль, которые влияли друг на друга и выставлялись вместе. Эдгар Дега и Поль Сезанн также рисовали в стиле импрессионизма в начале 1870-х годов. Штатный художник Эдуард Мане, чьи работы в 1860-х годах сильно повлияли на Моне и других членов группы, сам принял импрессионистский подход около 1873 года.

Эти художники были недовольны в начале своей карьеры академическим преподавательским акцентом на изображении исторического или мифологического предмета с литературным или анекдотическим подтекстом. Они также отвергли традиционные образные или идеализирующие методы академической живописи. К концу 1860-х годов искусство Мане отразило новую эстетику, которая должна была стать руководящей силой в работах импрессионистов, в которой важность традиционного предмета была понижена, а внимание было переключено на манипуляцию художника цветом, тоном и текстурой. заканчивается в себе.В живописи Мане предмет стал средством для искусной композиции областей плоского цвета, и перспективная глубина была минимизирована так, чтобы зритель мог смотреть на поверхностные образцы и отношения картины, а не в иллюзорное трехмерное пространство, которое он создал. Примерно в то же время на Моне оказали влияние новаторские художники Эжен Буден и Йохан Бартольд Йонгкинд, которые изобразили мимолетные эффекты моря и неба с помощью ярко окрашенных и разнообразных по текстуре методов нанесения краски.Импрессионисты также переняли практику Будина рисовать полностью на улице, глядя на реальную сцену, вместо того, чтобы заканчивать рисование на основе эскизов в студии, как это было в обычной практике.

В конце 1860-х годов Моне, Писсарро, Ренуар и другие начали рисовать пейзажи и речные сцены, в которых они пытались беспристрастно фиксировать цвета и формы объектов в том виде, в каком они появлялись в естественном свете в данное время. Эти художники отказались от традиционной пейзажной палитры приглушенных зеленых, коричневых и серых цветов и вместо этого нарисовали ее более светлым, солнечным, более ярким ключом.Они начали с рисования игры света над водой и отраженных цветов ее ряби, пытаясь воспроизвести многообразие и анимационные эффекты солнечного света и тени и прямого и отраженного света, который они наблюдали. В своих попытках воспроизвести немедленные визуальные впечатления, зарегистрированные на сетчатке, они отказались от использования серых и черных в тенях как неточных и использовали вместо этого дополнительные цвета. Что еще более важно, они учились создавать объекты из отдельных пятен и мазков чистого гармонизирующего или контрастирующего цвета, вызывая тем самым блеск с разбитыми оттенками и изменения оттенков, производимые солнечным светом и его отражениями.Формы на их фотографиях утратили четкие очертания и стали дематериализованными, мерцающими и вибрирующими при воссоздании реальных условий окружающей среды. И, наконец, от традиционных формальных композиций отказались в пользу более случайного и менее надуманного расположения объектов в рамке рисунка. Импрессионисты расширили свои новые методы, чтобы изобразить пейзажи, деревья, дома и даже городские уличные сцены и железнодорожные станции.

Моне, Клод: Пляж в Сент-Адрессе Пляж в Сент-Адрессе , холст, масло, Клод Моне, 1867; в Художественном институте Чикаго. Мистер и миссис Льюис Ларнед Кобурн. Мемориальная коллекция, 1933.439 / Фотография © Чикагский институт искусств, Получите эксклюзивный доступ к контенту из нашего первого издания 1768 года с вашей подпиской. Подпишитесь сегодня

В 1874 году группа провела свою первую выставку, независимую от официального Салона Французской Академии, которая последовательно отклоняла большинство своих работ. Картина Моне «Впечатление: Восход солнца » (1872) заслужила им имя «Импрессионисты», которое изначально было ироничным, от журналиста Луи Леруа, написавшего в сатирическом журнале « Le Charivari » в 1874 году.Сами художники вскоре приняли имя как описание их намерения точно передать визуальные «впечатления». Они провели семь последующих шоу, последнее в 1886 году. В течение этого времени они продолжали развивать свой личный и индивидуальный стили. Все, однако, подтвердили в своей работе принципы свободы техники, личного, а не традиционного подхода к предмету и правдивого воспроизведения природы.

К середине 1880-х импрессионистская группа начала распадаться, поскольку каждый художник все больше преследовал свои собственные эстетические интересы и принципы.Однако за короткое время он совершил революцию в истории искусства, предоставив техническую отправную точку для художников-постимпрессионистов Сезанна, Дега, Поля Гогена, Винсента Ван Гога и Жоржа Сёра и освободив всю последующую западную живопись от традиционных техник. и подходы к предмету.

В музыке Клод Дебюсси всегда считался главным импрессионистом. Хотя Дебюсси находился под влиянием общих эстетических взглядов художников-импрессионистов, он не делал попыток сочинять музыкальные приемы, которые были очень похожи на приемы живописи.Кроме того, характеристики музыки Дебюсси настолько изменчивы от первой до последней его композиций, что даже общий смысл импрессионизма может быть лучше всего ограничен большей частью его музыки, написанной в период с 1892 по 1903 год, и некоторыми конкретными более поздними композициями, сильно напоминающими эти работает в стиле. Некоторыми из этих импрессионистских произведений будут опера Pelléas et Mélisande (впервые исполненная в 1902 году), оркестровая пьеса «Nuages» («Облака» из Nocturnes, законченная в 1899 году) и фортепианная пьеса «Voiles» ( «Паруса», от Дуз Прелюдс, Книга I, 1910).Другие композиторы, считающиеся импрессионистскими, включают Мориса Равеля, Фредерика Делиуса, Отторино Респиги, Кароля Шимановского и Чарльза Гриффеса.

Музыкальный импрессионизм, как часто полагают, относится к тонкой хрупкости, аморфной пассивности и смутному настроению музыки. Более точная характеристика импрессионистской музыки будет включать в себя сдержанность и преуменьшение, статичность и вызывающе красочный эффект, возникающий в результате увлечения композиторов чистым звуком как красивым и загадочным самоцелью.Технически, эти характеристики часто являются результатом статического использования гармонии, неоднозначной тональности, отсутствия резких формальных контрастов и поступательного ритмического влечения, а также размывания различия между мелодией и аккомпанементом. Хотя импрессионизм считается движением в сторону от излишеств романтизма, источники многих его характеристик можно найти в произведениях композиторов, которые также считаются романтическими предшественниками экспрессионизма — например, Франца Листа, Рихарда Вагнера и Александр Скрябин.

Эта статья была недавно отредактирована и обновлена ​​Алишей Желязко, помощником редактора.

Узнайте больше в этих связанных статьях Britannica:

,

импрессионизм — арт-термин | Тейт

Клод Моне
Кувшинки после 1916 года
Предоставлено Национальной галереей 1997
Предоставлено Национальной галереей, Лондон 2003. Фото: Тейт
Импрессионизм

был разработан Клодом Моне и другими парижскими художниками с начала 1860-х годов.(Хотя можно сказать, что процесс рисования на месте был впервые осуществлен в Британии Джоном Констеблем примерно в 1813–17 годах из-за его желания реалистично рисовать природу).

Вместо того, чтобы рисовать в студии, импрессионисты обнаружили, что они могут запечатлеть кратковременные и преходящие эффекты солнечного света, работая быстро перед своими объектами на открытом воздухе (на пленэре), а не в студии. Это привело к большему пониманию света и цвета и изменяющейся модели естественной сцены.Кисть стала быстрой и разбилась на отдельные мазки, чтобы передать мимолетное качество света.

Первая групповая выставка была в Париже в 1874 году и включала работы Моне, Огюста Ренуара, Эдгара Дега и Поля Сезанна. Показанная работа была встречена насмешкой с Impression Моне, Sunrise особенно выделен для насмешек и дал свое имя (используется критиками как оскорбление) для движения. Семь дополнительных выставок были проведены с интервалом до 1886 года.

Другими основными художниками импрессионизма были Камиль Писсарро и Берт Морисо с Эдгаром Дега и Эдуардом Мане, также часто связанными с движением.

Несмотря на то, что импрессионизм зародился во Франции, он оказал большое влияние за рубежом. Основными британскими импрессионистами были Уолтер Ричард Сикерт и Уилсон Стир.

,

No related posts.