Графические портреты: Графические портреты — заказать портрет карандашом с фото в Москве

Художник Александр Николаевич Самохвалов (1894-1971), вошедший в историю русского изобразительного искусства

XX в., известен многим исследователям. Но неравноценное внимание к изучению его портретного творчества большинства спе-

циалистов, которые либо касаются этой темы поверхностно, либо посвящают свои публикации отдельным произведениям, а также отсутствие полного анализа произведений этого жанра стали причиной неадекватного представления об особенностях его портретного искусства. В настоящее время широко известны ранние работы художника 1920-1930-х гг. Но стоит заметить, что Самохвалов прожил сравнительно долгую творческую жизнь, в течение которой он создавал портреты современников. В данной статье проводится краткий обзор литературных данных, касающихся портретного творчества художника, а также рассматриваются известные и некоторые неизвестные живописные и графические портреты, хранящиеся в музеях, частных коллекциях и в семье художника, в хронологической последовательности их создания. В основу работы положены исследования за период с 1999 по 2006 г. Результаты исследования могли бы внести дополнения в творческую биографию художника, а также в историю портретного искусства.

Одной из первых публикаций была статья Н. Стругацкого, который знакомит читателей с биографией Самохвалова и отмечает, что художник нашел в своем творчестве собственный неповторимый живописно-пластический стиль1. После десяти лет молчания Э. Голлербах в своей статье раскрывает умение художника создавать обобщенный, типизированный образ современника2.

О. М. Бескин дает положительную оценку умению художника Самохвалова поста -вить свои эстетические принципы на службу реалистического решения современной темы, но без характеристики его портретной живописи4. Г. Гор отмечает, что, преодолевая будничность повседневного, соединяя мимолетное с долговечным, показывая непреходящее значение труда, художник в своих женских портретах видит женщину-строителя, творца5, от своего учителя К. Петрова-Водкина он усвоил глубокий интерес к культурному наследию как итальянского Возрождения, так и древнерусской живописи и зодчества, и считает, что картины Самохвалова — это «сгусток самого времени, выраженного через образы современников»6.

К. К. Сазонова в статье «Думы о времени» рассматривает серию интересных по остроте и силе характеристики графических портретов, написанных Самохваловым в 1923 г.8

Наибольшее внимание творчеству художника уделял Леонид Зингер. В книге «Александр Самохвалов» он рассматривает историю создания портретов «Спарта-ковка» (1928), «Молодая работница» (1928), «Работница с напильником» (1929), а также типизированного портрета «Девушка в футболке» (1932), получившего после своего появления в залах Русского музея неофициальное название «Советская Джоконда»9. Зингер называет новаторскими произведениями портреты членов коммуны «Ленинский путь», органично соединившие в себе станковую основу с чертами монументализма10.

О. Шихирева считает, что годы, когда Самохвалов входил в общество «Круг художников», стали решающими в становлении его творческой манеры11. В. А. Леня-шин, рассматривая творчество отдельных

Без сомнения, хорошим подспорьем в изучении творчества художника являются воспоминания самого художника, опубликованные в книгах «Мой творческий путь», «Моя Самаркандия», «В годы беспокойного солнца». Он не только признанный мастер портрета, но и мастер слова. В своих книгах художник делится с читателем своими замыслами, творческими поисками, удачами и неудачами. Из них следует, что еще в раннем детстве он, очарованный разноцветной радугой, всю свою жизнь посвя-

тил искусству, в портретном творчестве всегда искал индивидуальную цветовую гамму, подсказанную ему задачей раскрытия выразительной характеристики образа. Александр Самохвалов искренне верил в то, что сила воздействия искусства громадна; если он напишет человека, совершавшего ежедневно подвиг честного труда во имя общего блага, он должен зажечь в душе зрителя отзвук — хорошо быть таким, хорошо быть участником изображенных событий, хорошо жить в эпоху творения новой жизни. Портреты, созданные им на протяжении всей творческой жизни, отражают события, изменения, происходящие как в общественной жизни, так и в жизни самого художника, в его семье, в нем самом, в его творчестве. Со временем изменяется видение художника, меняются приемы образного и пространственного построения произведений.

Во время учебы на архитектурном факультете Высшего художественного училища при Академии художеств в Петербурге Самохвалов много времени проводил в залах Русского музея, изучая работы древнерусских мастеров. Увлекаясь техникой старинной иконной живописи, первые свои работы он писал темперой — «Автопортрет» (1916-?) и «Человек с шарфом» («Автопортрет») (1928). Автопортреты Самохвалова в основном графические, свидетельствующие не только о природной ода -ренности художника-рисовальщика, но и о его высоком графическом мастерстве. Обучаясь в мастерской К. Петрова-Водки-на, система художественного образования которой отличалась от других, Самохвалов приобретал навыки собственного творческого выражения. Дипломная работа «Головомойка» (1923) является ярким примером произведения, созданного под влиянием живописного метода учителя.

В начале XX в. в стране происходило формирование многих творческих объединений, общим стремлением которых было идти в ногу с современностью и бороться за высокое мастерство. Находясь в обще-

стве «Круг художников» (1926), Самохвалов много работал в портретном жанре и создал наиболее значительные ранние работы: «Щебенщики» (1926), «Семья рыбака» (1926), «После бани» (1927), «Кондукторша» (1928), «Спартаковка» (1928), «Молодая работница» (1928), «Дуся» (1928), портрет «Девочка с яблоком» (1928), о котором сам художник говорил, что это новая концепция его живописного произведения. В портрете он стремился передать образ человека труда, особенно женщины-труженицы. Самохвалов часто обращается к типизированному образу работницы. Художественная простота, художественная краткость были неотъемлемой чертой стиля. Исходным фактором для его поисков монументальности в живописи послужили впечатления, полученные на «Печатном дворе», где он встретил женщин, активно включившихся в общий труд. В это время художником написаны портреты работниц: «Работница с напильником» (1929), «Работница, засучивающая рукава» (1929) и др. Художник отмечал, что в атмосфере труда среди огромных печатных литографических и ротационных машин женщина выглядит иначе. Ритмика ее труда, ее движений, пластических, эмоционально содержательных призывала к монументальному выражению в живописи15.

В 1930 г. Самохвалов был направлен Изогизом в Иваново-Вознесенск, где он написал серию акварельных этюдов: «Шпульница» (1930), «В яслях» (1930), «Ясли. Внимание к ребенку» (1930) и др.

В этом же году он вступает в художественное объединение «Октябрь». В осуществлении своих замыслов этого периода художник находил новые пластические мотивы, выделяя тему материнства: «На страже Родины» (1930), «Материнство» (1930), «Портрет Е. П. Самохваловой» (1930), «Материнство (Е. П. Самохвалова с дочерью)» (1932).

Большое место в творчестве Самохвалова занимают работы, созданные в коммуне «Ленинский путь», — серия портретов

передовых работников, написанных на холстах примерно одинакового размера. В основе творческого замысла этих портретов было не фотографическое копирование, а стремление к типически обобщенно-реалистическому изображению. Художник мечтал о фреске, в которой он мог бы воспеть труд нового общества. Известная приподнятость тона в трактовке образов выражена средствами колорита — яркого, свежего, сочного. Самохвалов в этих портретах «стремился с большей ясностью определить цветовое задание, выбирая тот или иной цветовой максимум, определявший трактуемый образ»16. Наиболее полно и ярко, по мнению многих исследователей, талант художника проявился в портрете «Девушка в футболке» (1932), который был признан типическим образом передовой советской женщины тридцатых годов. В 1937 г. портрет был включен в экспозицию Международной выставки в Париже и получил Золотую медаль. Много публикаций было по результатам исследований данного произведения. О портрете «Девушка в футболке» сам художник писал: «Самое странное и для меня самого непостижимое в ней то, что ни повторить, ни развить этой вещи в какой-либо другой работе мне так и не удалось»17. Годом позже художник создает портрет, который не получил широкой известности, -«Комиссар» (1933), не опубликован, долгие годы хранился в семье художника.

Вместе с А. Дейнекой и А. Пахомовым А. Самохвалов принимал участие в выполнении монументального ансамбля зала Советского павильона Международной выставки в Париже (1937) — это было важным событием в жизни страны. Его темой была физкультура, которая в дальнейшей творческой жизни художника будет иметь большое значение. Он создал портреты спортсменок, физкультурниц: «Девушка с ядром» (1933), «Девушка с мячом» (1933), «После кросса» (1935), «Физкультурница» (1935), «На стадионе» (1935), «На теннисной площадке» (1935) и др. В его произведениях отсутствует излишняя иллюстратив-

ность, детализация, отмечается лаконизм, сдержанность цветовой гаммы. Его живописный мир — это мир человека красивого, сильного, спортивного, в многообразии его пластических возможностей, мир человеческих эмоций — открытых, ярких, сконцентрированных в порыве энтузиазма. Новое время требовало новых подходов в изобрази -тельном искусстве. Смелость ракурсов, скульптурная лепка объемов — все это он позаимствовал у великого Микеланджело, восхищаясь созданными им фресками. Он сам мечтал об огромной фреске, где он мог бы воспеть труд нового строящегося общества.

Большая работа по освоению образа нового человека, которую Самохвалов задумал как большую картину, — это серия из десяти акварелей, посвященная девушкам Московского метростроя, которая представляла бы собой групповой портрет. Этот портрет складывался не только из наблюдений над внутренним и внешним обликом каждой из будущих героинь, но и из четко продуманной композиционной динамики, воплощающей живое развитие пластического действия, энергичного взаимодействия героинь с окружающей средой. У художника было желание создать образ в обстановке, а то и в самом процессе труда, поэтому необходимо было найти технику осуществления, быструю и четкую по своему живописному языку. Для своих произведений Самохвалов избрал белый лист бумаги, акварель. Некоторые из портретов метростроевок художник написал на холсте маслом: «Метростроевка со сверлом» (1937), «Метростроевка у бетоньерки» (1937).

В строительстве Московского метрополитена принимали участие молодые люди, юноши, среди которых были и поэты. Многие были даже влюблены в девушек-метростроевок. Один из участников метростроя вспоминал: «Я сделал удивительное открытие: оказывается, девчата гораздо выносливее и крепче нас. .. В брезентовых спецовках выглядят довольно квадратно, но из душевой они выходят фарфоровые, розо-

вые, словно у них внутри вставлена матовая лампа в сто свечей. Светятся, честное слово»18.

В портретной живописи наблюдалась тенденция отражать активное начало представителей науки и искусства. Самохвалов, как и многие другие художники, писал портреты студентов, делегаток, артистов, музыкантов, а также дорогих и близких для него людей: «Вузовка» (1937), «Портрет дочери Аллы» (1938), «Делегатки» (1939), «Делегатка (Портрет Лукьяновой)» (1939), «Портрет Е. П. Самохваловой, жены художника» (1940), «Портрет дочери Марии» (1940), «Портрет Б. Н. Самохвалова, брата художника» (1940), «Портрет Е. А. Мра-винского». Этюд (1950), «Портрет гримера М. Г. Филипповой» (1942). Работа над портретом Мравинского художнику доставляла удовольствие, потому что всегда сопровождалась беседами о музыке.

В послевоенные годы Самохвалов создал произведения, которые, по сути, являются групповыми портретами: «Встреча друзей» (1945), «Сталинградцы. Город не сдается» (1947), «Бойцы вспоминают». Для картины «Встреча друзей» он пишет несколько этюдов: «Портрет военного», портрет «Офицера с погонами».

С 1948 по 1951 г. Самохвалов преподавал на факультете монументальной живописи в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище, работал в графике, иллюстрируя книги разных авторов в Госиздате. В дальнейшем он решает проблемы психологической характеристики в портретной живописи: «Старик с бородой», «Старик в очках». Создает образы молодых людей: «Портрет молодого человека с вихрастой головой», «Портрет мужчины в галстуке» и др.

В пятидесятые-шестидесятые годы художник находит новые пластические решения. Самохвалов так объясняет: «Изменения, которые произошли в структуре моей изобразительной концепции, в данном случае можно было бы определить как прева-лирование элементов специфических стан-

ковых, как усложненность объемно-пространственной трактовки изображаемого, большую детальность в рисунке»19. Трудно воспроизвести подлинную красоту человеческих фигур, лиц и движений, не впадая в красивость. Для художника тема красоты, понимание сущности портретного жанра, пластичность, недосказанность, очарование получают каждый раз новое воплощение в его живописных женских портретах, которые удивляют способностью художника передать душевное состояние такого загадочного создания, как женщина.

«До рубежа XX века, преобладающей формой, путем приводившим к наиболее высоким ценностям, был так называемый «портрет-лицо», в котором подавляющей доминантой в системе холста оказалось лицо модели»20. Такими портретами можно назвать некоторые неизвестные работы художника: «Портрет девушки в васильковом венке», «Портрет женщины с опущенной головой» и др. Женские портреты, созданные художником в 1957-1958 гг., представляют собой образы, в которых легко угадываются черты лица жены художника Марии Алексеевны.

Портреты «Девушка с цветком» (1970), «Теннис» (1968), в которых художник посредством выразительности рисунка показывает красоту, пластичность девичьих фигур. В этих работах отсутствуют прямые приметы времени, но весь их образный строй рожден ощущением нового времени. Одним из произведений, навеянным воспоминаниями о времени, наполненном революционной стихией, является портрет «Александр Блок в рабочем пикете» (1964), который Самохвалов написал по памяти.

Работая над этюдами разных образов, у художника возник замысел создать боль -шую картину, которая бы собрала воедино все образы, созданные им в течение всей жизни, — картина «Аппассионата» (1967), синтез всего найденного и приобретенного за долгий путь творческих поисков. Он достигает этого пластическими средствами:

рисунком, цветом, монументальной лепкой форм. Кажется, что художнику удалось соединить в одно целое музыку, цвет, линию и телесно-скульптурное начало. Оно производит впечатление своего рода живописных «мемуаров», прощальной встречи ста -реющего художника со своими любимыми героями21.

Самохвалов всегда добивался жизненной выразительности живописными средствами, не впадая в литературность и иллюстративность. Его последние работы, так же как и ранние, исполнены гармонии и вечной свежести мира. Трудными и противоречивыми поисками стиля отмечен весь последний период творчества художника. Самохвалов как в своих ранних работах, так и в поздних достигал живописной выразительности моделированием цветом, цвет усложняется благодаря большему вниманию к объему и пространству, но при этом не терял локальности более ранних работ. Наряду с четким выделением цветовых зон художник все более подчиняет цветовую палитру внутреннему состоянию образа. Живопись позднего периода творчества приобретает большую сдержан -ность в цветовом решении полотен, в ней появляется больше холодных тонов, в колористическом строе художник использует принцип контрастов, выбирая для усиления живописных эффектов соответствующие цвета. Композиция неразрывно связана с творческим мышлением художника. Созданные им образы — это слепок с самой действительности, красота человеческих фигур и лиц раскрывается по-другому, он стремится освободиться от объемно-скульптурных решений, статичности. Линия рисунка в его поздних работах становится телесно-пластичной, облекая и выделяя живость и красоту девичьих фигур, передавая всю энергию и динамику.

Следует отметить, что Самохвалов, как человек всесторонне одаренный, проявил себя не только в изобразительном искусстве: он великолепно писал в прозе, сочинял стихи, играл на скрипке, работал в теат-

рально-декорационном, декоративно-прикладном искусстве, в скульптуре, графике и в книжной иллюстрации, и, наконец, он был интересным собеседником и рассказчиком. Он восхищался талантом Анны Ахматовой, но написать ее портрет так и не смог, но навсегда ее образ, стройный и величественный, остался в его памяти. «Это был воплотившийся в живую жизнь ритм ранней готики. Среди гипсовых богов и героев, довольно непринужденно сбрасывающих одежды, одетая с головы до ног в темное, она казалась одной из жен-мироносиц, сошедших к людям с Голгофы. Она приобрела то движение и ритм неподвижности, которые принадлежат статуе готики, расписанной темными таинственными тонами соборов. И шаль ее обрисовывала ее тонкий стан величавыми складками древних одеяний. И стихи ее, исходившие из сердца, женственные и человеческие, ис-

ходя, колебали ее лик. И она казалась свечой. И пламя этой свечи, светя искрами глаз, колебалось»22. Вот так, поэтично и реалистично художник написал словесный портрет великой поэтессы. Безусловно, создавая прекрасные, драматические и значительные мгновения жизни, живописец приближается к действительности.

Разумеется, в рамках данной статьи сложно раскрыть в полной мере талант художника-портретиста. В результате проведенного краткого обзора литературы можно сделать вывод, что действительно широко известны его ранние работы, а наличие неизвестных живописных и графических портретов, созданных художников, позволят внести дополнения в его творческую биографию.

«Художнику трудно судить о своей работе. Лучший судья — время. Оно и рассудит»23.

ПРИМЕЧАНИЯ

1 Стругацкий Н. Александр Самохвалов (Мастера современной живописи). М.; Л.: ОГИЗ ИЗО-ГИЗ, 1933.

2 Голлербах Э. О творчестве Самохвалова. Л., 1941.

3 Баршева И. Н., Сазонова К. К. А. Н. Самохвалов. Л.: Художник РСФСР, 1963.

4 Бескин О. М. Искатель. По материалам выставки работ художника А. Н. Самохвалова // Творчество. 1964. № 8.

5 Гор Г. Живопись Самохвалова // Нева. 1966. № 3.

6 Гор Г. Своеобразие искусства Самохвалова // Нева. 1971. № 10.

7 Баршева И. Н., Сазонова К. К. Жить интересами времени // Художник. 1969. № 10.

8 Сазонова К. К. Думы о времени (Графические портреты А. Н. Самохвалова 1920-х годов) К истории русского изобразительного искусства ХУ11-ХХ вв. СПб., 1993.

9 Зингер Л. Александр Самохвалов. М.: Советский художник, 1982.

10 Зингер Л. Очерки теории и истории портрета. М.: Изобр. искусство, 1986.

11 Шихирева О. Н. К истории общества «Круг художников» // Сов. искусствознание. 82. Т. 1. М.: Советский художник, 1983.

12 Леняшин В. А. Художников друг и советник. Л.: Художник РСФСР, 1985.

13 Лебедянский М. С. Живопись, рожденная Октябрем. М.: Искусство, 1986.

14 Александр Николаевич Самохвалов. 1894-1971. Живопись, графика, скульптура, декоративно-прикладное искусство. Каталог выставки. Тверь: Приз, 1994.

15 Самохвалов А. Н. Мой творческий путь. Л.: Художник РСФСР, 1977.

16 Там же.

17 Зингер Л. Александр Самохвалов. М. .: Советский художник, 1982.

18 Долматовский Е. Было. Записки поэта. М.: Советский писатель, 1983.

19 Зингер Л. Александр Самохвалов. М.: Советский художник, 1982.

20 Леняшин В. А. Указ. соч.

21 Зингер Л. Александр Самохвалов. М. .: Советский художник, 1982.

22 Самохвалов А. Н. В годы беспокойного солнца. СПб.: Всемирное слово, 1996.

23 Там же.

Александр Власов — Графические портреты

Александр Власов. Графические портреты. — Кострома: [Издательская фирма «Костромские ведомости»], 1993.

Предлагаемый альбом графических портретов талантливого художника Александра Власова, человека нелегкой судьбы, — первая столь обширная публикация его работ. Ранее его портреты публиковались только в периодической печати.
Альбом адресован специалистам и любителям изобразительного искусства.

© Альбом — издательская фирма «Костромские ведомости».

© Рисунки — А. Власов.

Альбом финансировался финансово-коммерческой компанией «Вехи».

[Вступительная статья]

Сила жизни — великая сила. Радость, которую она дает, искупает все страдания и невзгоды, выпадающие на долю человека. Только благодаря ей и стоит жить, потому что она действует изнутри и ярким своим пламенем освещает каждую минуту нашего существования, так что даже невыносимое кажется нам выносимым.

С.МОЭМ.

Вы держите в руках альбом графических портретов молодого костромского художника Александра Власова. Эти работы — еще только начало его творческого пути. До недавнего времени он был неизвестен даже в Костроме, а теперь его имя и его работы знакомы многим специалистам и любителям, не только в России, но и за ее рубежами.

А. Власов родился в Костроме в 1974 году, его родители, Мария Федоровна и Станислав Серафимович, не имеют никакого отношения к художественной среде. Никто и никогда не учил Сашу рисовать, все он постигал совершенно самостоятельно, благо, от природы был одарен талантом, феноменальной зрительной памятью и невероятным трудолюбием. Наверно, тем весомее достигнутый им самим результат и обретенное мастерство психологического шаржированного портрета, без всяких скидок на возраст и прочие обстоятельства.

Пусть вас не удивляет, что на портретах — только известные люди, лица которых нам всем знакомы по телевизионным передачам, ведь телевизор долгое время был для Саши почти единственным окном в недоступный и заманчивый окружающий мир. Саша с рождения страдает тяжелым недугом (детский церебральный паралич), и всю свою жизнь он проводит в ограниченном замкнутом пространстве квартиры, а каждый штрих дается ему с большим трудом. Сейчас, когда его круг общения заметно расширился, Саша много рисует друзей, знакомых, многочисленных гостей. В альбоме представлена только часть созданной им большой портретной галереи.

Александр рисует с детства, но в полной мере его талант раскрылся в последние 4-5 лет. Он рисует только портреты, наверное, потому что более всего ему интересны люди с их сложным внутренним миром. Портреты эти очень разные, смешные и серьезные, но всегда несом­ненно талантливые, умные и доброжелательные. За лаконизмом графической линии — уверенная лепка объема, поразительный дар сходства с портретируемыми, точная психологическая характеристика, тонкий юмор и яркая творческая индивидуальность художника. Его портреты так убедительны, что зритель полностью доверяется видению художника, охотно принимает предлагаемую интерпретацию созданных образов. И еще: все портреты объединяет огромная духовная сила художника, который очень светло и по-доброму видит всех этих абсолютно разных людей.

Радостно видеть несомненно растущее мастерство и профессионализм А. Власова. Он самокритичен, упорно достигает поставленную цель, не робея перед трудностями.

За последнее время успешно прошли его персональные выставки: в филармонии (1991 г., Кострома), на празднике газеты «Юманите» (1991 г., Париж), в выставочном зале высшего военного командного училища химической защиты (1992 г., Кострома), на благотворительной выставке художников-инвалидов (1992 г., Москва), в выставочном зале городской администрации (1993 г., Кострома).

В 1991 году А. Власов стал стипендиатом молодежного патриотического центра «Отчизна молодая» (Москва) и Всесоюзного детского фонда, в 1992 году ему вручена годовая стипендия международной благотворительной программы «Новые имена», он стал лауреатом I Всероссийского конкурса инвалидов (Москва) и журнала «Крокодил».

В 1991 году Александр успешно окончил школу, сейчас он студент заочного отделения филологического факультета Костромского педа­гогического института (как и в школьные годы, обучается дома), полон творческих планов, с азартом живет, учится и рисует.

Наталья ИОНОВА

Графические портреты Александра Мартемьянова

Александр Мартемьянов является одним из лучших портретистов среди своих коллег по цеху. В его работах стирается граница между наброском или рисунком карандашом – остается только портрет, только человек. Многочисленные портреты углём, сангиной отмечены такой же живостью в передаче характера модели и совершенством в исполнении. Оставаясь реалистом, он безошибочно видит тайну жизни, сущность явлений, что под силу немногим художникам. Его профессиональная зрелость вызывает неподдельное восхищение окружающих.

Поражает всестороннее художественное развитие А. Мартемьянова в искусстве. Диапазон приложимости его таланта довольно широк: это рисунок, живопись, акварель, скульптура, рельеф, дизайн интерьеров, художественная роспись стен. Вспоминая слова русского художника и педагога П. Чистякова, обращённые к известному художнику прошлого века В. Серову, можно с полной ответственностью переадресовать их к творчеству А. Мартемьянова: «И рисунок, и колорит, и светотень, и характерность, и чувство цельности своей задачи, и композиция – все было в превосходной степени». В самом деле, в данной серии портретов с изумительной непринуждённостью разрешены чудесные аккорды, в которых ярко выражено стремление к гармоничности целого. Совершенство и точность его рисунка необыкновенно высоки. Глубина эмоционального и психологического воздействия работ мастера объясняется умением найти верные изобразительные средства и в совершенной форме воплотить жизненный образ. Его портреты не просто воссоздание физических черт индивидуального лица, но, главное, – внутренний мир, в котором живёт изображаемый человек.

Мартемьянов обладает абсолютным видением формы, редкостным даром: мастерски, подчас неуловимо тонко, извлечь из человека «сокровенное», тем самым, показав его истинную натуру и характер. Его искусство не имеет в себе ничего литературного, описательного. Основные черты творчества – простота и непосредственность. Он не даёт ответов на вечные вопросы, и в этом его сила, а портретируемые образы – производная таланта и реальности.

Рисунки А. Мартемьянова, исполненные карандашом, углем или соусом, демонстрируют разнообразие стилей, характерные индивидуальности натуры, отчётливо выступающие при сопоставлении произведений одного жанра. Его нельзя отнести к простому портретисту, озабоченному лишь фотографической точностью воспроизведения позирующего. В каждой из его работ, помимо внешнего сходства, запечатлена духовная суть. Художник видит, чувствует и считывает проницательным умом и удивительной интуицией истинную природу души в тех людях, с которых пишет портреты, всё, что характерно для данного человека: свойственная ему поза, движение, выражение лица. Ведь вкупе это и есть отражение внутреннего содержания и прожитой жизни. Мартемьянову удаются точные и выразительные, разнохарактерные социально-психологические образы.

Портреты Мартемьянова очень разные, ведь для каждого из позирующих он подбирает не только соответствующий ракурс, но и манеру исполнения, наиболее близкую к создаваемому образу. Для художника нет неинтересных людей – в каждом он находит уникальную, особую красоту и скрытую идею: устремлённость «Балерины», надмирность «Евгении», прозорливость «Старика из Тирлян», усталость «Бабы Зои», проницательность образа в композиции «Мужская голова».

Психологический анализ, по-научному беспристрастный, которому подвергает своих моделей Мартемьянов, позволил ему создать целую галерею не человеческих типов, но ярких и интересных. С помощью традиционных приемов изобразительного искусства А. Мартемьянов передает собственное видение внутренней, глубинной сути характера и личности. Так, «Портрет старика из Тирляна» передаёт черты верно схваченного социального типа: обветренное лицо деревенского жителя, испещрённое сеткой морщин; картуз, ставший продолжением лица, скрывает лихой дух бывалого казака, точно переданный сквозь хитроватый прищур добрых глаз.

В портрете «Баба Зоя», написанном углем в свободной эскизной манере, тёмный силуэт умудрённой жизнью женщины, выделяется на светлом фоне. Динамичные линии, в сочетании со штриховкой, выстраивают композицию. Этот рисунок, выполненный в свойственной ему живописной манере, представляет несомненную ценность в портретной галерее А. Мартемьянова. Мягкий штрих угля, лёгкая растушёвка передают эффект светотеневой градации, скрадывают очертания немолодого лица. Непосредственность натурной зарисовки, граничащая с живым, экспрессивным исполнением образа, не исключает «былинной эпичности».

«Портрет балерины» не содержит сколь-нибудь значительной характеристики, однако обращает на себя внимание виртуозностью исполнения. Рисунок выполнен легко, динамично, можно сказать, в один приём. Быстрые штрихи прозрачной лепки, в совокупности с пятном и просветами бумаги, создают впечатление воздушности и устремлённости женского образа. Есть впечатление, что модель не может представить себя вне сцены. Её губы как будто сжаты, но в них столько детского беззаботного и счастливого лукавства!

Продолжает галерею образов портрет «Евгения», выполненный в «мягкой» технике – «соус». Уверенным, абсолютным рисунком, изысканной и благородной гаммой изобразительного материала привлекает зрителя этот портрет. Строгая завершённость композиции, безукоризненная тщательность отделки объёма, изысканная «серебристая» фактура рисунка, техническое совершенство которого не превалирует над содержательностью образа, позволяют считать этот графический портрет одним из лучших в творчестве А. Мартемьянова первого «курганского» периода.

Анатомическая правдивость рисунка, скульптурная построенность формы присущи портретному этюду А. Мартемьянова «Мужская голова», исполненная карандашом. Созданный образ мужчины отличается особой трезвостью характеристики, но, вместе с тем, он психологически глубок, неоднозначен. Здесь ощутим отказ от линейной чёткости, определённости, непрерывности контура. Линия его карандаша то лёгкая, еле видимая, то широкая, энергичная, неожиданно обрывается или растворяется в тенях. Светотень передаётся не тушёвкой, а короткими, нанесёнными ребром грифеля штрихами, прозрачными на лице и густыми при обозначении объёма в тени.

Как видим, портреты Мартемьянова не столько академические, сколько живые, они красноречиво отражают отношение художника к моделям.

Поразительные графические портреты от японского дизайнера Кухей Накамы

Кухей Накама (Kouhei Naka­ma) — известный японский дизайнер, который сотрудничает с такими ведущими мировыми брэндами, как Lexus, Toy­ota, Coca­Co­la, Nike и Drop­box. При помощи различных графических редакторов Накама создает удивительные виртуальные миры, не похожие ни на одну работу других дизайнеров.

Один из последних проектов Накамы – «ожившие» портреты людей, лица которых покрыты слоями жидкой кожи или множеством неизвестных роящихся существ. В эпоху, когда каждый студент курса цифрового дизайна может похвастаться реалистичными визуализациями, Накама удивляет неожиданными и местами даже пугающими решениями в своих захватывающих портретах. Лучшие из них вы сможете увидеть в нашем материале.

Людям со слабыми нервами лучше не смотреть некоторые работы Накамы…

Напоминает кадр из фильма «Обитель зла», где мужчину разрезало на части лазерами.

В большинстве работ Накамы человек состоит из каких-либо геометрических форм. 

Или из странных субстанций, обволакивающих его тело. 

Часть одного из самых популярных проектов Накамы «Dif­fu­sion»

instagram.com/p/BfFpmA-BhbY/?utm_source=ig_embed&utm_medium=loading» data-instgrm-version=»12″>

Дизайнер рассказывает, что любит экспериментировать, хоть и переживает на счет того, как зритель воспримет его фантазию. 

Правда, завораживает?

Скульптура «Head of a Beard­ed Old Man» в представлении дизайнера. 

Один из самых просматриваемых роликов на странице Кухей Накамы в Instagram. 

Выглядит хоть и страшно, но очень захватывающе.  

Работа Кухей Накамы для «Coca-Cola»

Еще один кадр из видеоряда «Диффузия»

Накама создает не только портреты людей, но и вот такие яркие визуализации. 

А это – одна из последних работ Накамы. Все узнали знаменитую картину Мунка «Крик»?

Смотрите также: Обман зрения: искусные рисунки малайзийского художника обхитрят ваш ум

Источник

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Графические портреты и акварельные пейзажи Николая Мищенко покажут в Национальном художественном музее

Фото музея

20 сентября, Минск /Корр. БЕЛТА/. Персональная выставка Николая Мищенко «Дорогою творчества», посвященная 70-летию автора, откроется 26 сентября в Национальном художественном музее, сообщили БЕЛТА в учреждении.

«Выставка Николая Мищенко познакомит с его творческим путем, свидетельствующим о безграничной увлеченности и преданности мастера своему ремеслу», — подчеркнули в музее.

За многолетнюю творческую деятельность Николай Мищенко обращался к различным жанрам и техникам изобразительного искусства. Художник создает утонченные акварельные пейзажи родных мест. Подвластна ему и лаконичность линий в графических портретах. Восхищают зрителя яркость и насыщенность живописных полотен.

«Одним из любимых жанров многих белорусских художников остается пейзаж. Кажется, что в нем уже нельзя сказать ничего нового: поля, ручьи и лесные опушки написаны многократно. Но актуальность пейзажа в современной живописи неслучайна, — отметили в музее. — Большинство людей живет сегодня в городах и нуждается в образном проникновении в многогранный природный мир. Пейзаж помогает расширить горизонты восприятия, выводит человека за жесткие рамки монотонных рабочих будней офиса».

Особое место в работе Николая Мищенко занимают пленэры. В 2003-2010 годах он стал организатором и участником международных пленэров, посвященных памяти классиков пейзажного искусства В.Бялыницкого-Бирули, В.Цвирко, В.Сидорова. Для создания пленэрных работ Николай Мищенко посетил многие уголки Беларуси, России, Украины. Особую любовь художник питает к своим родным местам, белорусской глубинке.

Экспозиция будет работать по 27 октября.-0-

Живописные и графические портреты Н.И. Фешина русского и американского периодов

В данной статье речь пойдет о выдающемся русском и американском живописце, графике, скульпторе, резчике по дереву, фотографе, представителе импрессионизма и модерна Николае Ивановиче Фешине. Он окончил Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге, где учился в мастерской И.Е. Репина. Репин и Фешин не слишком хорошо ладили между собой, однако это обстоятельство не помешало Илье Ефимовичу называть тогда совсем еще юного художника одним из лучших своих учеников.

По окончании Академии художеств Фешин вернулся в свою родную Казань и преподавал в Казанской художественной школе, ныне носящей его имя. В 1916 году он был избран академиком Императорской Академии художеств, а в 1923-м эмигрировал с семьей в США, где прожил до самой смерти в 1955 году.

Николай Иванович Фешин был достаточно известен как в России и СССР, так и в США. Более того, в Штатах его считают национальным американским живописцем. Он создал около 2000 произведений, которые находятся в коллекциях более 30 музеев в США, не считая частных собраний. Самое большое собрание работ Николая Фешина в России (189) находится в Музее изобразительных искусств Татарстана.

Годы жизни Фешина в России до отъезда в Америку были весьма плодотворными. Талант художника заметили и оценили довольно рано. Его имя часто встречалось в периодических изданиях — например, в «Волжском вестнике» за 1900 год. Считается, что именно здесь о художнике написали в первый раз. Это был отзыв на выставку учеников Казанской художественной школы. «Большую толпу останавливают работы еще молодого ученика Фешина “Христос” и два пейзажа. Смелость таланта сквозит в каждом мазке смелых и богатых, еще не высохших красок»1.

Имя Фешина встречалось и в статьях журналов «Золотое руно», «Весы», «Аполлон». Одни рецензенты находили его работы «великолепными, выделяющимися из всего», другие считали, что его произведения отличаются «пустопорожней виртуозностью», но в конечном итоге все сходились на том, что у Фешина большое дарование, говорили о безупречности его техники. Близкий друг художника скульптор С.Т. Коненков написал в своей статье «Соколиный глаз живописца», посвященной Фешину: «В то время, как Малевич и Кандинский “завоевали” Запад абстрактными новациями, “настоящий мужик в искусстве” Николай Фешин показал образцы живописного стиля, которые с.тояли. в одном ряду с искусством Ренуара и Моне» 2. Сергей Тимофеевич отмечал, что «Фешинрисовал всем нутром.. Рисовал свободно, широко, смело»3.

С 1920-х имя Фешина в периодических советских изданиях встречается все реже, а после отъезда в США упоминания о нем практически сходят на нет. В 1958 году в СССР Николай Фешин был открыт заново. В его честь была устроена выставка в Государственном музее Татарской АССР.

Дочь Фешина Ия внесла большую лепту в популяризацию его искусства в Америке, написала ряд воспоминаний, комментариев о нем, не отказывалась давать интервью. Именно благодаря ей в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан сейчас хранится наиболее полное собрание работ мастера.

«Фешин — художник русской школы. Незыблемость фундаментальных принципов академического образования с его ориентацией на глубокое постижение природных форм и явлений, опорой на точный рисунок, логичные, почти универсальные, законы композиции, опорой на высшие достижения европейского искусства обеспечивает сильной творческой индивидуальности высочайшую степень профессиональной свободы.. Академическая система позволила Фешину стать одним из самых виртуозных мастеров натурного рисунка первой половины XX века» 4.

* * *

Николай Иванович Фешин — художник двух континентов. Он прожил долгую жизнь, разделенную на две половины — русскую и американскую. Его работы и первого, и второго периодов уникальны и неповторимы.

В чем же уникальность Фешина и его таланта? Каких высот он добился, как живописец, рисовальщик? В чем заключаются особенности его портретов? Какие творческие принципы он перевез из России в Америку? Как повлияла Россия на творческий гений художника? В какой степени изменился его стиль в связи с переездом? Был ли Фешин вовлечен в художественную жизнь Америки, и как это отразилось в его творчестве? Повлияла ли Америка на творческий метод художника? Постараемся ответить на все эти вопросы.

Исследователь творчества Николая Фешина Г.П. Тулузакова в своей книге о нем написала так: «Фешин — художник во многом парадоксальный. Он соединял век девятнадцатый с двадцатым, для академистов был слишком модернист, для модернистов слишком академичен»5. Как было сказано выше, Николай Иванович являлся учеником Репина (с 1902 г.). Репин предопределил общее направление творчества Фешина: интерес к бытовой картине и психологическому портрету, пастозный мазок, первое знакомство с импрессионизмом и пр. Именно благодаря Репину Фешин отражал в своем искусстве сочувствие к простому человеку. На творческий метод Николая Ивановича повлияли и атмосфера Петербурга, и эстетизм мирискусников, и русский импрессионизм поздних передвижников и мастеров «Союза русских художников», и экспрессивный декоративизм Малявина, и русский авангард. Далее Г.П. Тулузакова делает заключение: после того, как Репин в 1907 году покинул ИАХ, «Фешин стал писать как Фешин».

Что же изменилось в его стиле? Сложное взаимодействие объема и силуэта, благородная сдержанность колорита, виртуозное владение линией, точные композиционные решения (например, в работах «Портрет неизвестной (Дама в лиловом)», «Черемисская свадьба»), смешение академической основы, реалистических тенденций передвижников, импрессионистических и экспрессионистических элементов — все это объединилось воедино. Пожалуй, это характеризовало Фешина как подлинного представителя стиля модерн. Живописец Н.М. Никонов писал о Фешине: «Он преодолел академическую школу и создал в искусстве свой., присущий ему стиль»6.

Художественное наследие Николая Фешина включает в себя портреты, пейзажи, натюрморты. Для пейзажей художник выбирал простые мотивы, ведь, по его мнению, прекрасное заключалось в простом. Он любил подчеркивать неповторимость частного, не сосредоточиваясь на выявлении многообразия качеств общего. Но главная тема Фешина — человек. Безусловно, Николай Иванович был выдающимся портретистом. Человек был интересен ему во всех его проявлениях. В живописи художник часто соединял тщательно проработанное лицо со свободно написанным фоном, выполненным пастозным, фактурным, рельефным мазком. Важная особенность его портретов заключается в том, что эмоциональность и страстность сочетаются со сдержанностью и глубиной.

Огромное внимание Фешин уделял анатомии человека. Своего ученика Александра Андреевича Любимова он учил так: «Вы стараетесь нарисовать и написать портрет похожим, а у вас еще нет черепа в портрете. Рисуйте как можно больше и графически, серьезнее изучайте череп. Не стремитесь сделать портрет похожим — это вопрос будущего. Вы сделайте портрет непохожим, но чтобы все было построено в пропорциях, слезники были на месте, в черепе это главное»»7.

Что касается графических работ художника, выполненных в России, то, несомненно, портреты обнаженных натурщиц занимают одно из важнейших ступеней его творчества. Любой академический рисунок стремился облагородить натуру, однако Фешин подчеркивал характерные черты натурщиц. Поэтому можно говорить о смешении приемов академизма (изображение модели, изолированной от окружения, использование светотеневой моделировки) с подчеркнуто неакадемическими тенденциями (натура выбиралась заведомо далекой от академических канонов: грузные женщины с пышными формами). Художник часто работал на оберточной бумаге, обыгрывая ее шероховатость.

* * *

В 1923 году семья Фешиных переехала в Нью-Йорк. Почему Фешин оказался в Америке? Советские художники часто покидали Советский Союз от невостребованности, но ведь Фешин был популярен в России. Сам Николай Иванович писал в своих дневниках, что искусство в те годы использовалось только в целях пропаганды. Работа в подобных условиях теряла для него смысл, и он решил, что в Америке сможет в полной мере воплощать свои творческие идеи.

Переехав в США, Фешин оказался между двух лагерей — консерваторов и модернистов. Он балансировал на тонкой грани и того, и другого. Изображая формы человека в классической манере, он создавал абстрактный фон, граничащий с беспредметностью.

Хотелось бы заострить внимание читателя на живописном портрете Бурлюка, полотне уже американского периода. И.Э. Грабарь в своей книге «Моя жизнь» вспоминает об этом портрете: «Был в то время в Нью-Йорке еще один русский художник, окончательно перекочевавший в Америку, казанец Николай Иванович Фешин., отличный портретист, стяжавший заслуженное имя <..>. Одним из лучших на выставке, был его портрет Давида Бурлюка. Не знаю, снял ли сейчас Бурлюк свой знаменитый жилет из золотой парчи, вывезенный еще из Москвы сперва в Японию, а оттуда в Америку, но тогда он красовался в нем на всех выставках. Фешин написал его в этом историческом жилете»» 8. Из этих слов становится ясным, что Николай Фешин был далек от любого рода идеализации, стремился смотреть «вглубь» портретируемого. В своей характеристике Бурлюка он ничего не приукрашивает, лишь с явной иронией рассказывает зрителям о самоуверенности Бурлюка и его позерстве.

В Нью-Йорке, как в Казани и в Петербурге, портрет занимал особое место в творчестве живописца. Круг моделей был достаточно широк: художник писал жену, дочь, ему также позировали творческие люди — русские художники и артисты, эмигрировавшие в США, например, театральный режиссер Евреинов, певица Хатаева, балерины Микешина и Фокина. Американцев Фешин тоже писал, в основном это были люди, связанные с искусством (в этот период им были созданы портреты художника Горсона, писательницы Кэйсер, киноактрисы Гиш).

О графических нью-йоркских работах художника известно мало. Судя по коллекции дочери художника Ии Николаевны Фешиной-Брэнэм, моделями для рисунков были русские эмигранты («Портрет Тиширковой», 1923— 1926, ГТГ) или представители творческой интеллигенции Нью-Йорка («Портрет Лилиан Гиш», 1925, ГТГ). В этих работах все-таки присутствует элемент идеализации. Однако в это время создаются портреты и с более острыми характеристиками («Портрет пожилой женщины», 1926), а также недатированный, но, вероятнее всего, относящийся к тому же времени «Портрет профессора В. Мельникова», подаренный Фешиной-Брэнэм в ГМИИ РТ. В портрете Мельникова отчетливо видно, что художник прежде всего очень хорошо представлял себе конструкцию черепа, мысленно «одевал» его мышцами и кожей, но на поверхности оставлял лишь тончайшие линии.

Из-за нарастающей болезни Николай Фешин вынужден был переехать из шумного Нью-Йорка в место с более благоприятным климатом. И он выбрал Таос (штат Нью-Мексике). Таосский период (с 1927 г.) — самый плодотворный в его творчестве. Художник был в восторге от местных аборигенов, ценил их чувство собственного достоинства. Работы этого периода отличаются техничностью, отсутствием внешней красивости. Он изображает их горделивые, тяжелые головы. Почти не заботится о светотени, а тонировка и тушевка заменяются штрихами и линиями, абсолютно разными. В этих рисунках создается ощущение трепета жизни благодаря штрихам. Язычество индейцев Таоса напоминало ему о народных обычаях черемисских и русских деревень. Индейцы подолгу позировали, но говорили, что им гораздо легче было бы рыть каналы.

Колорит художника всегда был разнообразным, но именно на Таосе он становится предельно насыщенным — видимо, яркие краски новой природы повлияли на живопись мастера.

Особое место в художественном наследии Николая Фешина отведено портретам дочери Ии, преисполненным отцовской гордости и любви. В живописных портретах он либо изображает ее, подделывая свой стиль под манеру мастеров эпохи Возрождения (особенно Гольбейна), либо, наоборот, отказываясь от всяческой стилизации (характерный пример — портрет «Ия в крестьянской рубахе»). Однако в какой-то момент он перестал писать дочь, а на ее вопрос почему, отвечал, что девушка перестала быть хорошенькой, что в ней уже пропала детскость, но еще не сформировалась личность, что в ее внешности еще не проявился характер. Это еще раз говорит о том, что Фешина очень интересовали люди с выявленным стержнем, с четкой жизненной позицией.

В 1934 году художник с дочерью переехал в Калифорнию: галерист Эрл Стендаль предложил мастеру преподавать в художественных классах в Лос-Анджелесе. К тому моменту он расстался со своей женой, что не могло не отразиться на его работе. В Калифорнии Фешин создал множество портретов лощеных бизнесменов и дам. Нередко пользовался таосскими мотивами. Эти работы отличались сухостью, «красивостью» и однотипностью. Ностальгируя по России, художник продолжал развивать технические приемы русского периода. Размеры листов, их формат, строго продуманная композиция, незаполненная плоскость листа — все несло эстетический смысл.

На определенном этапе Фешина перестала удовлетворять характерная ему сложность техники рисунка. Он купил альбом рисунков Гольбейна, развесил их в мастерской и стал искать точности через упрощение. Изучение Гольбейна и китайского искусства отразилось на произведениях художника. Его стиль приобрел законченность, стало невозможно выделить из многообразия рисунков наброски или законченные листы.

В противоположность русскому периоду, в американский период Николай Фешин особо много работает над самостоятельными, не связанными с живописью, станковыми рисунками. Жанры остаются прежними: портреты и штудии с обнаженных натур. Однако портретные темы становятся необычайно разнообразными: художнику позируют аборигены и туземцы Нью-Мехико, жители Японии, Явы, Бали, коммерсанты, поэты, актрисы, драматурги, психологи, политики. Художника интересует все: и экзотика этнических типов, и лощеная светскость модели, и возрастные особенности. Недаром он выбирает крупный план, изображает лица практически во весь лист. Он замечает и ловит и ускользающий взгляд, и дрогнувшие в улыбке губы, и слегка приподнятую бровь. Подчеркивает и сформировавшуюся личность портретируемого, и переменчивость его характера.

Создавая графические портреты и наброски, Фешин преимущественно выбирал уголь, самый благородный для рисунка материал. Уголь помогал создавать четкие толстые линии силуэта в сочетании с тончайшей паутиной штрихов. Бумагу он заказывал из Китая. Используя подобную бумагу, сделанную вручную и отличавшуюся своими непрочными свойствами, художник точно планировал каждый штрих рисунка — китайская бумага помарок не терпела. Однако эта бумага обладала рядом преимуществ: ее шероховато-бугристая поверхность бежевых, серых и даже темно-коричневых оттенков грамотно обыгрывалась художником и давала ощущение атмосферы.

* * *

Техника Фешина поражает легкостью штриха. Создается впечатление, будто ему все очень легко дается, будто он умеет смотреть «внутрь» человека и видит его душу сразу же, подобно хорошему психологу. И в то же время Фешин, питая большой интерес к науке, в особенности анатомии, был точен в воспроизведении не только внутреннего содержания человека, но и его внешнего вида.

Далеко не всегда художнику удавалась углубленная психологическая характеристика, и он компенсировал это виртуозной техникой. Часто в изображении лиц можно найти явную отработанность приемов. Салонность, особенно заметная в женских и детских портретах, хоть и фрагментарно, присутствовала уже и в ранних, и в зрелых работах художника. В Калифорнии салонность проявилась с наибольшей силой. Возможно, художник тосковал по родине и пытался наделить персонажей особенностями и глубиной русской души. Однако американских бизнесменов, к которым он не питал должного интереса, изображал отчуждено.

Почему ранний период творчества (во время учебы в академии), а также период жизни на Таосе отмечены многими искусствоведами как самые плодотворные и лучшие годы художника? Вполне возможно, это обусловлено тем, что именно в эти годы он смог быть до конца искренним, изображать то, что ему было наиболее интересно. Именно во время обучения в Петербурге, а затем на Таосе он был наиболее свободен и раскован, работал только с желаемыми персонажами и сюжетами. В Калифорнии же, наоборот, Фешин зависел от своих заказчиков, как правило, высокопоставленных чиновников из Америки, изображать которых у мастера не было особого желания.

Николай Фешин долгие годы жил в США, но американская традиция мало повлияла на него, он не стал частью ее художественной жизни, он существовал сам по себе, обособленно. Проживая в Америке, он мысленно будто оставался в России и настолько был оторван от американской реальности, что долгое время никак не стремился овладеть английским языком, а круг его общения состоял лишь из русских эмигрантов и тех людей, которые были связаны с Россией. Несмотря на то, что Фешин жил в двадцатом веке, он будто задержался в предшествующем столетии. Он оказался крайней точкой развития всей реалистической линии русского искусства именно девятнадцатого века.

За годы своей творческой деятельности Николай Фешин создал ряд автопортретов. Он подробно изучал свой внешний облик, человеческие характеристики. На одном из автопортретов, выполненном в технике рисунка, Николай Иванович изображает себя в качестве художника. Берет не случаен, он вызывает ассоциации с портретами Рембрандта. Художник отдает себя познанию законов жизни, места человека в ней. «Спокойное достоинство человека, умудренного опытом, впитывающего в себя все виденное и одновременно творящего свой мир, человека, открывающего новые пространства, но и подчеркивающего свою причастность великой традиции, в диалоге, с которой утверждаются новые ценности, — таков для Фешина образ художника, т.аки.м, он видел себя, таким и вошел в историю искусства»9.

Евгения САВИНКИНА

Журнал «Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования», № 123 (январь-февраль 2015), стр.34

художников-графиков и иллюстраторов-портретистов — Магазин обезьяньих перьев

1. Сколько стоит доставка и погрузка / разгрузка?
2. Сколько времени займет от подтверждения заказа до окончательной доставки?
3. Смогу ли я предварительно просмотреть свою книгу, прежде чем подтвержду оформление заказа?
4. Как я могу быть уверен, что фотография моего ребенка находится в безопасности на вашем веб-сайте?
5. Какие форматы файлов фотографий подходят для отправки?
6. Сколько фотографий нужно отправить?
7.Какой максимальный размер загружаемого файла?
8. Предлагаете ли вы персонализированную детскую книгу, в которой записано более одного ребенка?
9. Какие эксклюзивные функции предлагают ваши персонализированные книги?
10. В сборнике образцов на вашем веб-сайте цвет кожи ребенка отличается от цвета кожи моего ребенка. Вы настраиваете оттенок кожи в своих персонализированных книгах?
11. Есть ли у вас разные версии персонализированных книг для мальчиков и девочек?
12. Какую бумагу и переплет вы используете для детских книжек?
13.Какие формы оплаты вы принимаете?
14. Как я могу быть уверен, что информация о моей кредитной карте будет в безопасности на вашем сайте?
15. Когда с моей кредитной карты будет снята оплата?

1. Сколько стоит доставка и погрузка / разгрузка?

> Мы предлагаем БЕСПЛАТНУЮ Королевскую почту застрахованную доставку по всему миру
<назад

2. Сколько времени займет от подтверждения заказа до окончательной доставки?

> Примерно UK Доставка: 10 рабочих дней

> Ориентировочно США / Канада / Австралия / Новая Зеландия Доставка: 14 рабочих дня
> Ориентировочное время доставки в в любую другую страну : 21 рабочий день
<назад

3.Смогу ли я просмотреть свою книгу в предварительном просмотре, прежде чем подтвержду оформление заказа?

Все наши персонализированные книги созданы с ручной иллюстрацией нашими штатными художниками. Поскольку книги не являются стандартизированными цифровыми продуктами, мы не сможем произвести для вас предварительный просмотр, пока вы не подтвердите заказ у нас.
<назад

4. Как я могу быть уверен, что фотография моего ребенка находится в безопасности на вашем веб-сайте?

Вся ваша личная информация, включая фотографии, обрабатывается через Shopify, безопасную систему, совместимую с PCI, которая использует технологию SSL для защиты информации о клиентах и ​​фотографий.Кроме того, поскольку мы являемся британской компанией, на ваши личные данные распространяется закон ЕС о защите данных (GDPR).

Когда художники закончат создавать иллюстрации для персонализированной книги на основе загруженной вами фотографии, фотография будет удалена из нашей цифровой базы данных. Мы ценим доверие клиентов, которое мы формировали на протяжении многих лет, и для того, чтобы поддерживать нашу репутацию, у нас есть надежные процессы, позволяющие убедиться, что фотография вашего ребенка используется только для создания персонализированной книги и удаляется сразу после использования.
<назад

5. Какие форматы файлов фотографий подходят для отправки?

JPG и JPEG предлагают наилучшие результаты, но также можно использовать форматы PNG и GIF.
<назад

6. Сколько фотографий нужно отправить?

Нам нужна как минимум одна фотография, представленная в соответствии с нашими советами по отправке фотографий (нажмите здесь, чтобы узнать подробности). Для достижения наилучших результатов мы рекомендуем вам отправить два, поскольку тогда у наших художников будет больше деталей для работы при создании иллюстрации вашего ребенка для книги.Однако мы можем попросить вас прислать еще одну фотографию, если та, которую вы загрузили, не подходит для книги. Лучше всего подойдет цветная фотография паспортного типа (профиль спереди и улыбка — это здорово!)
<назад

7. Каков максимальный размер загружаемого файла?

15 МБ на фотографию — максимальный размер загружаемого файла.
<назад

8. Предлагаете ли вы персонализированную детскую книгу с несколькими детьми в книге?

Прямо сейчас у нас есть подборка историй, посвященных исключительно одному ребенку.Однако мы работаем над другими вариантами персонализированных историй, и скоро появятся книги, допускающие различные вариации.
<назад

9. Какие эксклюзивные функции предлагают ваши персонализированные книги?

Наши персонализированные книги предлагают индивидуальные иллюстрации вашего ребенка (на основе присланной фотографии). Наши штатные художники создадут подобие вашего ребенка, а не будут просто вырезать и вставлять присланную фотографию. Иллюстрация вашего ребенка будет появляться от 13 до 15 раз в персонализированной книге.Вашему ребенку будет отправлено личное сообщение, и его / его имя появится на вводной странице. К этому случаю в книге будет написано ваше посвящение, которое мы напечатаем бесплатно. У нас есть версии книг для девочек и мальчиков, и для каждой истории доступны вариации тона кожи (светлый, средний, темный).
<назад

10. В сборнике образцов на вашем веб-сайте цвет кожи ребенка отличается от цвета кожи моего ребенка. Вы настраиваете оттенок кожи в своих персонализированных книгах?

Мы предлагаем варианты оттенка кожи (светлый, средний, темный) для каждой книги, представленной на нашем сайте.При оформлении заказа сообщите нам правильный оттенок кожи ребенка.
<назад

11. Есть ли у вас разные версии персонализированных книг для мальчиков и девочек?

Мы предлагаем индивидуальную версию для мальчиков и девочек для каждой персонализированной книги, доступной на нашем сайте.
<назад

12. Какую бумагу и переплет вы используете для детских книжек?

Наш формат в твердом переплете имеет прочную обложку с прекрасным глянцевым ламинированным покрытием и толстыми, удобными для детей страницами.Твердая обложка произведена из высококачественных досок, предварительно обрезанных и переплетенных на переплетной машине. Они прошиты, чтобы гарантировать долговечность. Внутренняя часть книги напечатана на белой мелованной бумаге плотностью 120 г / м2.
<назад

13. Какие формы оплаты вы принимаете?

Мы принимаем большинство кредитных карт, Shopify Payments, Apple Pay, Amazon Pay и PayPal.
<назад

14. Как я могу быть уверен, что информация о моей кредитной карте будет в безопасности на вашем сайте?

Информация о вашей кредитной карте обрабатывается через Shopify Payments, безопасную систему, совместимую с PCI, которая использует технологию SSL для защиты информации о клиентах, включая загруженные фотографии.Вы также можете произвести оплату с помощью Paypal, безопасной платежной системы, которая гарантирует 100% защиту от несанкционированных платежей с вашей учетной записи.
<назад

15. Когда с моей кредитной карты будет снята оплата?

С вашей кредитной карты будет снята оплата после подтверждения заказа.
<назад

Amazon.com: Original Sisters: Portraits of Tenacity and Courage (Pantheon Graphic Library) электронная книга: Kunz, Anita, Gay, Roxane: Kindle Store

Оригинальные сестры родились в результате карантина COVID-19.В начале марта 2020 года, запертая в своей домашней студии в Торонто и жаждущая вдохновения, художница Анита Кунц начала исследовать женщин в Интернете. Она не знала, что ищет, но вскоре она нашла множество удивительных людей, которые делали удивительные вещи — о некоторых она слышала, но о большинстве — нет. А потом она начала рисовать их картины и записывать их истории. Результатом стал потрясающий подвиг исторического и художественного исследования. Разнообразие жизней, занятий, периодов времени и достижений просто ошеломляет.

От Жанны д’Арк до Жозефины Бейкер, от Ипполиты до Греты Тунберг, от Анны Франк до Мисти Коупленд: эти женщины сделали и изменили историю. Но есть столько же, о которых вы никогда не слышали, которые никогда не получали признания при жизни, чьи достижения необходимо раскрыть. Среди них антинацистская активистка Софи Шолль, казненная Третьим рейхом в возрасте двадцати одного года, и Элис Болл, молодая афроамериканская учёная, открывшая лекарство от проказы, но трагически погибшая, прежде чем получила признание за это.

Как отмечает известная журналистка Роксана Гей в своем предисловии: «Эта книга в целом предлагает читателю возможности и многообещающие. . . Вы впервые познакомитесь со многими из этих женщин, потому что история редко бывает доброй к женщинам, пока этого не заставят. Вы узнаете о художниках и активистах, правителях и повстанцах ».

Это не только захватывающий артбук. Original Sisters также излагает тайную историю, которую нужно рассказать, чтобы она больше не была секретом.

Графические портреты — повара

• Работа
• О
• Бронирование
• Покупка

• Работа
• О
• Бронирование
• Покупка

Рекомендуемые

© Cook Captures 2021

иллюстраций и руководств по художественному портрету WPAP | Вдохновение

Удивительная коллекция портретных иллюстраций WPAP (Wedha’s Pop Art Portrait) от лучших художников и дизайнеров WPAP. WPAP Art выполнен с использованием прямых линий и резких, ярких, контрастных заливок. Вдохновляющие художественные иллюстрации wpap , несомненно, завораживают и будоражат ваше воображение. Надеюсь, вам понравятся примеры WPAP, а учебники по WPAP помогут создать геометрический портрет, художественный портрет WPAP в Illustrator и Photoshop.

Что такое WPAP Art?

Ведха Абдул Рашид работал иллюстратором в прессе с 1970-х годов, создавая портреты важных фигур любого происхождения: политиков, музыкантов, художников и вымышленных персонажей.

В начале 90-х Wedha начала иллюстрировать лица, образованные едиными линиями и яркими цветами, вдохновленные стилем кубизма. Затем он приступил к рисованию этих лиц в соответствии с истинными размерами, используя мозаику цветов. (по talenthouse)

Вас также могут заинтересовать следующие статьи по теме.

Неограниченные загрузки

Примеры художественных портретов WPAP

Картина «Поп-арт» от Wedha, известная как WPAP, является одним из произведений поп-арта во всем мире, впервые созданным Ведой Абдул Расиидом, иллюстратором и художником из Чиребона, Индонезия.

V для Vendetta WPAP от Musashigyo

Шерлок WPAP от дипизамора

Мэрилин Монро WPAP, ndop

Майк Шинода в WPAP от setobuje

Шерлок Холмс WPAP от skandaldjepit

Лиза Пресли в WPAP от ARaFah

Дайан Састро В WPAP от ARaFah

Солнечный WPAP от SAMPLE2

MM в WPAP от wedhahai

Мик Джаггер в WPAP от ARaFah

Bjork Homogenic Pop Art WPAP, автор ndop

Bono U2 WPAP, автор — sunjaya

Джон Леннон в WPAP, автор: wedhahai

Мэрилин Монро в WPAP от ARaFah

Джимми Пейдж WPAP, автор adi-yulianto

Джонни Депп WPAP, автор skandaldjepit

Роуэн Аткинсон в WPAP от ullahahn

Крис Джон в WPAP от TheMbamoeVectory

Нельсон Мандела в WPAPот icalsaid

HULK в WPAP от 8lackhand

Автопортрет в WPAP, автор — ihsanulhakim

Inneke Koesherawati В WPAP by harrypotro

Махатма Ганди WPAP, автор mbleg25

Scarlett WPAP, автор: wedhahai

Джейсон Стэтхэм WPAP от Ризки Дион

WPAP Art Tutorials

Как создать геометрический векторный портрет WPAP в Adobe Illustrator

Ссылка на учебное пособие

Учебное пособие по WPAP с Photoshop и Illustrator

Ссылка на учебное пособие

Создание рисунков в стиле WPAP в Adobe Illustrator

Ссылка на учебное пособие

графических и геометрических портретов Эрики Золли — Fubiz Media

Картины Эрики Золли сюрреалистичны, геометрически и образны, это очень особенный и оригинальный стиль, который выделяется в ее последней серии, которую мы представляем здесь.
В этом новом проекте «Метаморфоза себя» фотограф погружается в представление себя, состоящее из символических значений, которые действуют как мост к глубокому наблюдению за сознательными и бессознательными чувствами. Образы, в которых творчество переплетается с сказочным и сюрреалистическим миром: оригами, вращающиеся вокруг объекта, шестеренки, движущие головой и сердцем, хрустальные очки, отражающие лицо, серебристые метаморфозы и небо, гармонично сочетающиеся с геометрическими формами.

«В этом проекте я хотел создать тринадцать репрезентаций самого себя, каждое изображение вращается вокруг концепции, которая имеет для меня фундаментальное значение, сильных и слабых сторон, которые с помощью фотоискусства раскрываются, чтобы их мог увидеть глаз, представляющий сам. В автопортрете человек помещает себя вне себя, он становится чужим самому себе, и посредством этого движения он хочет узнать себя, создав своего рода слепое пятно. Он преодолевает противоречие между чувственным и понятным, тем самым действуя как мост между двумя частями, позволяя лучше узнать свое бессознательное.Эти тринадцать изображений характеризуются яркими и яркими цветами, чтобы выделить объект, который, хотя и неподвижен и позирует, сохраняет стабильность, пропитанную динамической силой ». — объяснил нам фотограф.

портретов выдающихся женщин украшают Галерею Блокфорта для Месяца женской истории

Студенты-художники, а также известные художники внесли свой вклад в «Прочное наследие», новую выставку в Блокфорте.Предоставлено Панайотой Курниотис.

Галерея Блокфорт представляет выставку «Прочное наследие», освещающую женские исторические личности — от кельтского лидера Боудики до Мишель Обамы.

Выставка «Прочные наследие» проводится до 3 апреля в рамках празднования Месяца женской истории в Блокфорте, расположенном по адресу Шестая улица, 162 с. им.

«У нас есть широкий спектр женщин-исторических деятелей со времен викингов до наших дней, которые все еще живы», — сказала Панайота Курниотис, третий год иллюстрации в Колледже искусства и дизайна Колумбуса и куратор выставки.

Курниотис сказала, что она выбрала участников из одноклассников и художников из Колумбуса, чьими работами она восхищалась, с помощью Адама Бруйетта, совладельца галереи.

Курниотис включила в выставку одну из своих работ — произведение, выполненное традиционными чернилами, а затем раскрашенное цифровым способом. Это портрет Аните из Тегеи, эллинистической поэтессы третьего века до нашей эры, которую часто называют «женщиной-Гомером».

Курниотис сказал, что большая часть работ Аните из Тегеи связана с эпитафиями — надписями на памятниках и могилах, которые в то время были обычным явлением на древних кладбищах домашних животных.

«Моей работой был ее портрет в окружении животных и различных растений, которые символизируют смерть, потому что это было темой всей ее работы», — сказал Курниотис.

Мелоди Томпсон, художница, представленная в галерее, создает искусство множеством способов. От работы в качестве тонкого художника, сосредоточившегося на американском пейзаже и городском пейзаже, до росписи фресок в жилых и коммерческих помещениях, Томпсон в настоящее время в основном пишет портреты, как это видно из ее вклада в «Прочные наследия.”

Когда Томпсон проводила мозговой штурм влиятельным женщинам, она сказала, что Рита Дав сразу пришла в голову. Дав вошел в историю как первый афроамериканец, ставший лауреатом поэтессы Соединенных Штатов в 1993-95 годах. Томпсон сказала, что она включила одно из своих стихотворений в название картины «Венчает ее небом».

Томпсон сказала, что обсуждение, которое она провела с другом, убедило ее изобразить влиятельную чернокожую женщину в своей работе.

«Как человек, есть так много людей, которые отличаются друг от друга и не изображаются в обществе, особенно в искусстве», — сказал Томпсон.«И это одна из причин, почему я сравнил цветных с белым».

Томпсон сказала, что она была взволнована, когда погрузилась в группу женщин, участвовавших в шоу, и открыла для себя начинающих артистов.

Что касается прав женщин, Томпсон сказала, что с такими проблемами, как неравенство доходов, боролись на протяжении веков, и их все еще очень трудно преодолеть. Несмотря на трудности, она сказала, что остается уверенной в себе и что небольшие жесты и повседневные действия, такие как выслушивание людей и выход из зоны комфорта, действительно имеют значение.

«Я пытаюсь говорить так и показывать то, что люди могут не видеть в обществе, потому что я действительно думаю, что это работа художника: показать миру совершенно другой взгляд на вещи», — сказал Томпсон.

Чтобы просмотреть галерею лично, гости могут написать по электронной почте [email protected], чтобы назначить встречу, но в социальных сетях могут быть указаны дополнительные часы просмотра, согласно странице галереи в Facebook. В галерею допускаются не более шести человек и требуются маски.Галерея также будет выпускать документальные фильмы, чтобы представить их широкой публике.

Я только что узнал, что Джим Керри рисует графические портреты Дональда Трампа и коронавируса, и это определенно что-то вроде

Ну, этого я не ожидал от Джима Керри.

Джим Керри все свое время на карантине отращивал бороду и рисовал.

День 1.Я отращиваю бороду, пока мы все не вернемся к работе. Я опубликую фото, чтобы вы поразились чуду моей бессмысленной трансформации. Обычно я стараюсь оставаться в авангарде развлечений. Теперь я покорю необрезанный край. Пожалуйста, присоединяйтесь ко мне. #letsgrowto together

22:55 — 23 марта 2020 г.

Борода тут же попадает.

Но мы здесь не для того, чтобы говорить о постепенном росте его волос на лице, мы здесь, чтобы поговорить о его картинах.

Извините, мне пришлось использовать эту гифку !!

Джим Керри любит рисовать.

Подобно капитану Ахаву, одержимому белым китом земного господства, Трамп манит всех, кто доводит его безумие до гибели. Пробудимся ли мы к истине или проигнорируем собственные чувства и слепо последуем за маньяком в бездну? Мне? «Меня зовут Измаил!»

18:40 — 4 декабря 2019 г.

Его любимый предмет — Дональд Трамп.

Но в 2020 году Джим переключился исключительно на манго.

Всех с Новым годом! В этом году давайте наполним наши сердца благодарностью: угощайте каждый месяц в 2020 году, если уже май и деревья полны манго! Ыыыыыуммы!

05:00 — 01 янв.2020 г.

Белка с манго:

Если белка украдет ваше манго в Центральном парке, купите еще одно — оно того не стоит!

18:18 — 7 февраля 2020 г.

Муравьи, лазающие на манго:

Иногда то, что кажется непреодолимым препятствием, оказывается большим спелым манго.# 758

23:46 — 10 февраля 2020 г.

Для Джима это было совершенно новое творческое направление.

Но со времен коронавируса Джим вернулся к контенту Трампа.

Трамп кричит на людей на пляже:

Трамп готов рискнуть бесчисленным количеством жизней, чтобы спасти свой экономический рекорд.Он полностью стал мэром из Челюстей.

03:22 — 27 марта 2020 г.

Трамп на «PornStorm» в постели:

Поскольку количество случаев COVID-19 в Нью-Йорке удваивается каждые три дня, президент заверяет Уолл-стрит, что он может обращаться с важными тканями.

21:19 — 24 марта 2020 г.

Мрачный Жнец отталкивает его:

Моя критика: «Очень интересно, Джим.

No related posts.