Графика модерн: Графика в стиле модерн

Графика стиля модерн: karhu53 — LiveJournal

Обри Винсент Бёрдслей ( Aubrey Vincent Beardsley) 21 августа 1872 — 16 марта 1898 — английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт.

Рисовать Бёрдслей начал с четырёх лет, под влиянием матери рано заинтересовался английской и французской литературой, а также занимался с матерью музыкой. При поддержке нескольких аристократических семей он брал уроки у известных пианистов и, как результат, в 11 лет сочинял музыку и стихи, которые отличались редким изяществом, а с марта 1881 года (после переезда в Лондон) вместе с сестрой Мейбл давал концерты, на которые собирались до 3000 человек. После возвращения в родной Брайтон он также находит поддержку своим талантам, ставит на школьной сцене спектакли, некоторые из которых привлекают внимание театральных критиков.

Покинув школу, Обри сначала поступает чертёжником в студию одного лондонского архитектора, а в возрасте семнадцати лет определяется на службу клерком в лондонское страховое общество «The Guardian Life and Fire Insurance». Однако службу и любительские спектакли приходится бросить: осенью юноша начал кашлять кровью (о своём туберкулёзе Бёрдслей знал с 7 лет — унаследовал болезнь от отца). Именно в это время из всех видов искусства Бёрдслей отдаёт предпочтение изобразительному. Несмотря на болезнь, некоторое время он посещает уроки в Вестминстерской художественной школе у профессора Ф. Брауна по совету Эдварда Бёрн-Джонса, который, кстати, познакомил его с Оскаром Уайльдом . Однако всего в искусстве он добился самостоятельно, и поэтому считается гениальным самоучкой.

Глубокое проникновение в традиции японского искусства позволило ему создать удивительный синтез Запада и Востока в собственных рисунках. В одном из писем он размышлял: «Как мало сейчас понимается важность линии! Именно это чувство линии выгодно отличало старых мастеров от современных. Похоже, нынешние художники стремятся достичь гармонии одного только цвета». Правда, плакаты самого Бёрдслея доказывают, что он был одарённым и оригинальным колористом, близким Боннару и Тулуз-Лотреку.

Читать дальше

Саломея

К рассказу Эдгара По «Чёрный кот»

На Бердслея Алджернон Суинберн написал это стихотворение (перевод И. А. Евсой):

Возвратись к нам — хотя бы во сне, —
Ты, которому равного нет,
Ты, кому безразличен вполне
Мир земных потрясений и бед.
Но любовь, что была внушена
Чудным даром, чей свет не потух, —
Ты расслышишь. И тронет она
Твой свободный и царственный дух.

Модерн | История искусства

Обри Бёрдслей.

В конце XIX века в разных концах Европы почти одновременно возникло желание освободиться от смешения стилей, которые почти в течение полувека царило в архитектуре и прикладном искусстве. В противовес этой эклектике (смешение стилей) были предприняты попытки создать новый самобытный стиль. Эти попытки наиболее успешны были в области архитектуры, внутренней отделки помещений, в прикладном искусстве, в оформлении книги и искусстве плаката, в меньшей мере — в живописи и скульптуре. Первые шаги в создании нового стиля были сделаны в Англии. В разных странах этот стиль назывался по-разному, в русском он назывался «модерн», что значит «современный»

Для стиля модерн характерно стремление к внешней декоративности. Как украшения использовались растительные мотивы, однако, очень преобразованные так, что трудно их узнать. Главная роль отводилась красивым плавным линиям, которые поодиночке и целыми пучками покрывали поверхности. Изогнутые стебли, извивающиеся водоросли, ирисы и всевозможные экзотические тропические цветы изображены словно бы увядающими. Иногда среди растительных мотивов помещены грациозные женские фигуры, крылатые феи и другие существа.

Стиль модерн в архитектуре стремился отвечать практическим потребностям, хотя нередко этому препятствовало нагромождение характерных для модерна украшений. Если, скажем, архитекторы классицизма, проектируя здание, думали прежде всего о внешнем облике здания и лишь затем приступали к распространению внутренних помещений, то в эпоху модерна действовали противоположным образом — здание словно складывали из помещений различной формы и различного назначения. Например, в театральных зданиях пространство над сценой должно быть самым высоким, за ним следует по высоте пространство зрительного зала, а затем уже — прочие помещения. Поэтому театральные здания выглядели, как семейство грибов, столпившихся вокруг главного гриба — сценической коробки. Это сходство еще более увеличивали крыши — выпуклые, мягких очертаний, с их извилистыми краями. В оформлении внутренних помещений царили вытянутые, изящные формы, плавные переходы.

В живописи признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчеркнутые контуры, четкие одноцветные поверхности. В живописи модерна эффект глубины имел второстепенное значение, все изображение выглядело плоским, а в иных случаях казалось украшенным аппликациями стенным ковром.

Мягкость и плавность форм модерна повлияли и на скульптуру. Однако, тут особых достижений не было. Зато гораздо более существенным было влияние принципов стиля модерн на графику. Это понятно: ведь и у графики, и у стиля модерн есть общее свойство — плавные линии. Особенно характерные образцы можно найти в оформлении книги и в плакате. Одним из интереснейших мастеров модерна был рано умерший англичанин Обри Бёрдслей (1872 — 1898)

Графика Обри Бёрдслея

Символизм

Разновидностью модерна является символизм. Художник изображает в своих произведениях два рода вещей: реально существующие и видимые глазом предметы, пейзажи, людей и т.п., а также всевозможные необычные, вымышленные существа, предметы. Эти вымышленные сюжеты художник черпает из литературных сказок, мифов, из истории, а больше всего — из собственной фантазии. Как раз в последние два десятилетия XIX века на рубеже веков такое искусство нашло особенно много сторонников. В этих произведениях много неопределенного, неуловимого, едва угадываемого, в них полно неясных намеков, иносказаний и символов — отсюда и название направления — символизм.

Одни символисты создавали печальные, тоскливые или поэтические картины, напоминающие сновидения, другие предпочитали писать мрачные и ужасающие сцены. Символисты обратились к теневым сторонам человеческой души; в их творчестве встречаются персонажи в странных позах, перекошенные маски, застывшие взоры черных глаз на смертельно бледных лицах, знаки роковых предчувствий, жуткие фантастические существа, скелеты, черепа и тому подобные мотивы. 

Очень интересным художником-символистом был француз Пьер Пюви де Шаванн.

Модернизм

Начало искусству «модернизм» положили еще постимпрессионисты. Это искусство не стремится к верной передаче природы, но ставит своей целью самовыражение художника, выражение его чувств и настроений. Современное искусство (искусство XXвека) состоит из ряда течений, которые отличаются по своим целям и выразительным средствам и оказываются нередко прямо противоположны друг другу. Искусству модернизма свойственно одновременное существование различных течений и объединение в группировки художников с общими программами. В то же время встречались художники, которые на протяжении своей жизни принадлежали группировкам или создавали произведения в духе различных течений.

Искусство модернизма отбросило старые привычные традиции и тем самым породило многие проблемы и вызвало горячие споры. У этих новых течений были и пламенные защитники, и ожесточенные противники.

Одно из главных стремлений художников модернизма сводится к подчеркнутому выражению своей индивидуальности.

Наибольшие изменения на протяжении Xx века пережила живопись.

Направления модернизма сменяются с необычайной быстротой.

Фовизм

Первым в нашем столетии течением модернистского искусства считают фовизм. Группа молодых художников во главе с Анри Матиссом стала употреблять чистые, звучные цвета, сильные и размашистые мазки. Это было так чуждо и непривычно для зрителей, что таких художников стали называть «фовистами» (от французского слова «хищник»). Фовисты не ставили перед собой цель точно изображать природу. Они хотели сделать видимыми для глаза такие вещи, которых на самом деле увидеть нельзя, например, те чувства и настроения, которые возникают у художника при созерцании природы. Главным средством выражения они изобрели цвет. Вождем группировки фовистов был

Анри Матисс.

Экспрессионизм

Экспрессионизмом называют искусство, которое ставит своей целью подчеркнутое выражение душевных состояний художника, его чувств и настроений. Хотя слово «экспрессион» французское и означает «выражение», впервые название этого течения было употреблено в Германии, где экспрессионизм получил наиболее чистое воплощение.

Немецкий экспрессионизм зародился в начале XX века, т.е. тогда, когда во Франции начинался фовизм. Но в отличие от фовистов немецкие экспрессионисты не стремились к красоте и на некоторых зрителей их творчество оказывало угнетающее впечатление. Экспрессионисты хотели поразить зрителя, пробудить его чувства, научить и направить его. Но в то же время их самих не удовлетворяли существующие в Германии порядки, поэтому у них было постоянное состояние удрученности, разочарования и досады, недовольство всем сущим, неспособности увидеть в мире ничего, кроме зла и уродства. Это, конечно, нашло отражение в их искусстве.

Для выражения своих чувств экспрессионисты использовали либо кричаще яркие краски, либо, наоборот, мрачные, грязноватые тона, резкие и упрощенные формы, сознательное их искажение.

После первой мировой войны художники критиковали в картинах ужасы войны, напуганных людей, раненых, калек, нищих.

Иногда, однако, складывалось впечатление, что экспрессионисты буквально ненавидят людей — такими уродливыми, опустившимися, даже ублюдочными, изображают они своих персонажей. 

Наиболее известны немецкие художники-экспрессионисты — Эрнст Людвиг Кирхнер (1880 — 1938), Эмиль Нольде (1867 — 1956), Отто Дикс (1891 — 1969).

С экспрессионизмом, как художественным течением, покончили пришедшие к власти в Германии в 1933 году нацисты.

Кубизм

В первом десятилетии XX века зародился кубизм — одно из самобытных течений модернизма. Создателями течения были испанец Пабло Пикассо (1881 — 1973) и француз Жорж Брак (1882 — 1963). 

Отчасти примером для них послужила привезенная тогда в Европу негритянская скульптура, важное значение имело также творчество постимпрессиониста Поля Сезанна, у которого они заимствовали идею упрощения предметов до геометрических форм — шара, куба, цилиндра, призмы. Поэтому их творчество в насмешку называли «искусством кубиков». Мир, который они создавали в своих картинах, был граненым и угловатым. 

Главным принципом Пикассо и Брака было то, что художник не должен следовать видимой реальности, но должен сам творить новую реальность, которая подчиняется законам красоты, а не жизни. Они как бы расчленяли реальные предметы и существа на части и затем укладывали эти части по-другому. Они пробовали изображать один и тот же предмет с разных сторон одновременно. Например, человек на портрете мог быть представлен сразу в анфас и в профиль.

Кубисты предпочитали бледные коричневые и серые тона, к которым добавлялись кое-где зеленоватые и тускло-голубые. 

Главным выразительным средством для кубистов были линии и плоскости — часто треугольные. Круг изображаемых предметов был весьма узок: портреты, здания, натюрморты. Если напрячь фантазию, то в изломах линий и пересекающихся плоскостей можно разглядеть столы, вазы, музыкальные инструменты, чаще всего — скрипки и гитары, а также другие предметы четкой геометрической формы.

В поисках новых изобразительных средств кубисты наклеивали на свои картины куски газет, обоев, тканей и т.п. Такие произведения получили название «коллаж», что по-французски означает «наклеивание».

Футуризм

В Италии у кубизма появилось родственное направление — «футуризм» (от итальянского «будущее»). Группа молодых художников, которым надоело бесконечное преклонение в их стране перед искусством прошлого, попытались создать новое, «искусство будущего», как они говорили. Они призывали отвергнуть достижения прошлого и возвеличивать технику и промышленный дух нового времени. Их восхищали железные дороги, опутывающие земной шар, океанские пароходы, удивительные «летательные аппараты», стальные мосты, огромные города, кишащие автомобилями. Однако во всем этом их привлекали илшь внешний облик. 

Футуристы хотели передать в своих произведениях примету нового времени — возросший темп жизни, — располагая на длинном холсте рядом друг с другом, наподобие киноленты, последовательные моменты движения. Футуристы также пытались «изобразить» на картине всевозможные звуки, уличные шумы: для этого они окружали источник звука ярко окрашенными дугами и кругами, которые должны были олицетворять колебания звуковых волн. 

Известными художниками-футуристами были Джакоммо Белла (1871-1958) и Джино Северини (1883-1966).

Футуризм был явлением кратковременным, он просуществовал лишь несколько лет, предшествовавших первой мировой войне.

Сюрреализм

Более долгая жизнь была суждена сюрреализму (от французского «сверхреальное», «сверхестественное»). Это течение неопределенное и оставляющее впечатление болезненного. Реальные существа и предметы выступают здесь в необычных сочетаниях, и поэтому возникают образы, напоминающие фантастические видения или сны. В сюрреализме нет никакого порядка и разумного смысла — все подчиняется случайности сновидения. Появление такого искусства в большой мере было связано с распространенной в начале XX века в медицине точкой зрения, согласно которой в человеческой душе, в подсознании гнездятся первобытные темные силы, которые стремятся подчинить себе сознание и поступки человека. Поэтому некоторые художники пробовали дать выход этим тайным силам, позволить им управлять рукой художника — так, чтобы произведение возникло как бы само собой, без контроля разума. Предшественницей сюрреализма была группировка «Дада» из Швейцарии. Художники, входившие в эту группировку, решительно отвергали старое классическое искусство и пытались сокрушить все, существовавшие до сих пор, законы живописи. Дадаисты, подобно кубистам, пользовались техникой коллажа, т.е. склеиванием разных материалов, и включали в картины случайные предметы.

С сюрреализмом был связан известный художник, который начал писать фантастические картины еще до появления дадаизма. Это живший во Франции, выходец из Беларуси Марк Шагал (1887 — 1985). 

Окончательно сюрреализм сложился к началу 1920-х годов. Многие художники продолжали сочинять дадаистские нелепицы, они выставляли всевозможные готовые предметы, склеивая свои произведения из самых неожиданных материалов, например, из тряпок, окурков и т.п.

Одним из самых известных сюрреалистов был каталонец Сальвадор Дали (1904 — 1989), а также другой выходец из Каталонии — Хоан Миро (р.в 1893 —           ).

Сюрреализм с его склонностью к абсурду был отражением некоторых сторон своей эпохи с ее противоречиями, кризисами, войнами.

Абстракционизм

Одним из самых сложных, самых спорных направлений в свременном искусстве был и остается до сих пор абстракционизм. У широких масс абстракционизм никогда не пользовался признанием. Абстрактная живопись не пытается передать существующее — людей, предметы, пейзажи, события,  хотя для ее создания используются привычные средства живописи: точки, линии, плоскости, цвет. Сочетаниям пятен, линий, цветов они пытаются придать особое значение, отвечающее настроениям и чувствам художника, передающее его отношение к миру. Абстракционисты использовали также одно явление, замеченное еще в эпоху Возрождения, — что по-разному проведенные линии и цветовые созвучия могут вызывать у зрителя определнные настроения. О таком воздействии говорит и то, что мы считаем одни цвета, например, теплыми, а другие — холодными, одни — радостными, другие — мрачными, одни — нежными, другие — грубыми и т.д.

Существует много разновидностей абстрактного искусства под разными названиями. Предшественниками абстракционизма были кубизм, футуризм и дадаизм. Все эти направления уходили от природы, но все же сохраняли с нею хоть слабую связь. А бстракционизм порвал связь с природой окончательно. К абстракционизму почти одновременно пришли художники в Мюнхене, Амстердаме и Москве, это произошло уже в 1910-х годах. Широкое распространение это направление получило в 1930-х годах в Париже, Нью-Йорке, куда эмигрировали, спасаясь от фашизма, многие европейские художники.

Отцом абстракционизма считают русского художника Василия Кандинского (1866-1944).  К некоторым ответвлениям абстракционизма относится творчество русского художника Казимира Малевича (1878-1935). К числу основателей абстракционизма принадлежит также голландец Пит Мондриан (1872-1944).

Абстрактное искусство всегда было непонятно большинству зрителей, поэтому ему на смену пришли направления, которые стремились к большей доступности.

Поп — арт

Одним из сравнительно новых направлений в современном искусстве является поп-арт. Он возник еще в 1950-х годах, но расцет его произошел лет на десять позднее. Возникло новое направление в Соединенных Штатах Америки. Художники стремились сделать искусство понятным широкому зрителю, сделать его популярным — отсюда сокращение «поп» в названии. Однако картины отпугивали публику и критиков своей пошлостью и безысходностью. Поп-художники часто используют фотоснимки, коллажи, готовые предметы, необычные материалы. Картины изображают консервные банкия, бутылки «Кока-колы», рекламные плакаты, увеличенные картинки и т.п.

«Классики» поп-арта — сплошь американцы, самые известные из них —  Роберт Раушенберг и Энди Уорхол (1930-1987).

Наивное искусство

В XX веке все большее внимание стало привлекать одно явление, которое раньше не считали искусством вообще. Это творчество художников-любителей, которое называют наивным или примитивным. Первый наивист, принятый всерьез, был француз Анри Руссо. Большая часть наивистов — это люди, живущие в захолустных городках, деревнях, лишенные возможности учиться живописи, но полные желания творить. Они просто сердечно изображают свои повседневные труды, народные праздники, семейные события, свой родной край, природу, зверей. Даже в технике беспомощных работ наивистов сохранена та свежесть, к которой стремится и высокое искусство.

Закономерности формирования стиля модерн в книжной и журнальной графике Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 74.01 /.09

Закономерности формирования стиля модерн в книжной и журнальной графике

М.М. Кондратьева

Московский государственный университет печати имени Ивана Федорова 127550, Москва, ул. Прянишникова, 2А e-mail: [email protected]

Рассматриваются закономерности формирования стиля модерн по схожему принципу в разных странах на примере книжной графики России и Англии. Приводится анализ работ ряда художников и изданий, посвященных искусству и освещению тенденций стиля модерн, схема, отражающая взаимовлияние между ними, а также иллюстративный ряд в подтверждение наличия этих связей.

Ключевые слова: Александр Бенуа, Англия, Вильям Моррис, графика, Елена Поленова, журнал, Иван Билибин, иллюстрация, искусство, история искусств, книга, модерн, ремесло, Обри Бердсли, Россия, стиль, Уолтер Крейн, Эдвард Берн-Джонс.

Вильям Моррис — Абрамцевский кружок

К концу XIX в. ускоряющийся темп промышленного развития и индустриализации производства приводит, с одной стороны, к тому, что искусство становится более массовым, доступным, но, с другой -теряет некую часть своей индивидуальности и души. Во многих странах возникает интерес к ручному труду, ремеслу, народному искусству, забытым техникам и приемам работы. Характерные примеры — многочисленные начинания Вильяма Морриса в Великобритании и Абрамцевский кружок в России.

267

Вильям Моррис имел довольно широкий круг интересов: политика, литература и художественная деятельность, он был дружен с прерафаэлитами, интересовался архитектурой, книгоизданием и декоративно-прикладным искусством, но главное — питал нежную привязанность к эстетике Средневековья. Он основывает предприятия по изготовлению мебели, бумажных и тканевых обоев, керамической плитки, витражей и ковровых изделий, украшений, изделий из стекла и даже собственную типографию «Келмскотт-Пресс». Во всех этих начинаниях он ратует за ручной труд и воспроизведение тех приемов и техник, которые использовались прежде в этих отраслях. В изданиях «Келмскотт-Пресс» Моррис стремится к тому, чтобы воспроизвести эстетику книг XV в., он создает 3 шрифта, основанных на средневековых образцах, в которых черпает вдохновение.

В России в 1875 г. возникает кружок, основанный промышленником и меценатом Саввой Морозовым в принадлежащем ему поместье Абрамцево. Он объединяет множество художников и ремесленников, ищущих вдохновение в образцах крестьянского творчества, которые старательно собирают и изучают. Возникают мастерские резьбы по дереву, керамические мастерские. В целом это проявление интереса к сохранившей свои традиции с древних времен эстетике русского народного творчества называют неорусским искусством.

Во многом деятельность этих двух объединений схожа — оба черпают вдохновение в исторических образцах творчества своих народов, стремясь там найти то, что они стремительно теряют во все убыстряющемся темпе современной жизни.

Вильям Моррис — Эдвард Берн-Джонс

Моррис и Берн-Джонс сотрудничали в «Келмскотт-Пресс» и были друзьями. Как правило, их сотрудничество выглядело следующим образом: Моррис отвечал за создание макета, шрифты, сам вырезал доски с орнаментами, колофон типографии и следил за композицией книги, а Берн-Джонс создавал иллюстрации.

Эдвард Берн-Джонс — Обри Бердсли

Одри Бердсли — талантливый молодой художник-самоучка -прожил всего 25 лет и за 6 лет творчества успел добиться значительного успеха. Он был знаком с Берн-Джонсом и во многом благодаря советам художника нашел свое призвание, занялся художественным творчеством. В своих ранних работах он во многом подражает Берн-Джонсу. Это довольно ясно видно в серии иллюстраций к «Смерти Артура» Томаса Мэлори.

Обри Бердсли — The Studio

Надо отметить, что широкую известность Обри Бердсли по-

268

лучил после похвальной статьи о нем в первом номере журнала «The Studio», посвященного обозрению мира искусства и последних тенденций в развитии стиля модерн.

«Мир искусства» — «The Hobby Horse», «The Studio«

С развитием стиля модерн во всех странах, которые он затронул, существовало одно или несколько изданий, обозревающих мир искусства и знакомивших читателей с новостями стиля. В Великобритании выходит одни из первых подобных журналов «The Hobby Horse» (1883) и «The Studio» (1893). В России аналогом этих журналов становится выпускаемый одноименным объединением художников журнал «Мир искусства», который выходит с 1898 г. Все эти издания служат сходным целям и оформлены в схожей стилистике.

Я бы хотела остановиться на творчестве двух выдающихся художников, причастных к деятельности журнала «Мир искусства», для дальнейших сравнений: Александра Бенуа и Ивана Билибина.

Александр Бенуа — Обри Бердсли

В творчестве этих художников можно проследить много общих черт: оба активно работают пятном и линией, предпочитая эстетику черного и белого, обращаются к восточным и японским мотивам и принципам построения изображения, строят композицию отчасти на противопоставлении массивного залитого черным пятна и тонкой пластичной линии.

Вильям Моррис — Уолтер Крейн — Эдвард Берн-

Джонс

Уолтер Крейн — классик английской детской иллюстрации. Он также сотрудничал с Вильямом Моррисом в работе мануфактуры Merton Abbey над изготовлением тканевых обоев. Уолтер Крейн восхищался творчеством прерафаэлитов и Эдварда Берн-Джонса, в частности, был с ним знаком и относился к нему с большим почтением. Надо отметить, что в их творчестве тоже можно найти много созвучий.

Уолтер Крейн — Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца — была активной участницей Абрамцевского кружка. Она создавала замечательные предметы из керамики, мебель, была талантливым художником, а также рисовала детские иллюстрации. Она признавала, что одним из ее любимых иллюстраторов был Уолтер Крейн и отчасти вдохновлялась его творчеством, что можно ощутить, если сопоставить ряд их работ.

Елена Поленова — Иван Билибин

Иван Билибин не состоял непосредственно в Абрамцевском кружке, но по роду своей профессиональной деятельности разъезжал

269

по стране в поисках образцов старорусского народного искусства по заданию этнографического отдела музея Александра III. Билибин, автор замечательных иллюстраций к сказкам, признавал Елену Поленову одним из своих учителей и источников вдохновения. В самом деле, в их работах можно найти много общего, а главное — обращение к чарующему обаянию древней Руси, ее культуре и эстетике.

Стоит отметить, что Билибину также было близко творчество Уолтера Крейна, и, возможно, он в какой-то мере испытал на себе влияние его творчества.

Можно сказать, что искусство модерна во многом интернационально. Его общие черты легко угадываются в Париже и Брюсселе, Каталонии и Англии, Шотландии и России, Вене и Берлине. Художники всегда обменивались опытом и новыми переживаниями, идеями, достижениями. Но каждая страна, каждая нация вносила что-то свое, индивидуальное и личное, пережитое именно ею и корнями своими уходящее в историю, в прошлое этой нации. И это также объединяет модерн как единый стиль и направление художественной мысли рубежа XIX— XX вв.

Библиографический список

1. ЛеньоЖ.-М. Стиль модерн. — М. : Арт-родник, 2010.

Приложение

мебель и ткани работы мануфактуры Вильяма Морриса

270

moil enduring and Ь<мА«(п1 effect on hii een’ tttnp«ruiu, and wil I hive through them «ti iuc# eccrfing generations, C John Ruslcin tf* eritie of in Ы лы only given the keenest pleasure to thousand* of reader* by hit 1 ffc-lilte dnetimDiu. and the ingenuity MVdddiun of hn leulysii of wukjofirt, but he has let i Efood of daylight in> W the doudof shim «technical twiddle which wu once the whole lubituin of» ift’crttieiun«” and is (till its staple, ud that is much’ Bui it it fir mote that John Rujlnn the teacher of morals and politic* (] dotioi me this word in the nnmpapcc iena<),hai done serious and solid worlt towards that new-birthed Society, without which gee uinr art, thetrepression of irun’apTnJure inhia handle work, inuat inevillbly Cease altogether, end with itlhe hope* efthr happiness of mankind,

WILLIAM MORRIS,

Kclmstati Hwir,Himmcnouib.

Feb ijtb, i&ja,

Келмсккотский Чосер

Вильям Моррис, Эдвард Бёрн-Джонс

271

Вильям Моррис, Эдвард Бёрн-Джонс

272

Одри Бёрдсли

273

«The Hobby Horse»

«Мир искусства»

274

«The Studio»

«Мир искусства»

275

«The Studio»

«Мир искусства»

276

Александр Бенуа

заставки в журнале «Мир искусства»

Александр Бенуа

277

Иван Билибин Титульный лист к статье в журнале «Мир искусства»

Обри Бёрдсли

278

Уолтер Крейн

Вильям Моррис Эдвард Бёрн-Джонс

279

Уолтер Крейн

Иван Билибин

280

Уолтер Крейн

Елена Поленова

281

Иван Билибин

Елена Поленова

282

283

Английская книжная графика Модерна

Сотрудники центра по работе с книжными памятниками Ростовской области в рамках проекта «Выставка одной книги» представляют книгу русской искусствоведа Домогацкой В. Ю. Английская книжная графика Модерна.- Санкт-Петербург: Оркестр, 2002, которая будет интересна не только профессиональным художникам-иллюстраторам, но и всем интересующимся книжной графикой и искусством книги.
Модерн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. Стремление противопоставить этому стилю свое творчество объединило в антиэклектическое движение художественные течения и школы в различных странах. Это привело к тому, что в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы.

Родоначальником модерна считается Англия. Новый стиль начинает развиваться там под лозунгом возврата к органичности, простоте и функциональности средневековья, раннего Возрождения и народного зодчества. Художественное движение, связанное с деятельностью «прерафаэлитов», философией и эстетикой Джона Рёскина и практикой Уильяма Морриса, получает особенное распространение в прикладном искусстве и архитектуре. Моррис создавал предметы интерьера, вдохновлённые растительными орнаментами, а Артур Макмердо использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике. Его обложка для книги «Городские церкви Рена» (1883) считается первой реализацией стиля модерн в области графики.

В европейских странах создавались различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Период развития модерна имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х годов до 1914 года, начала Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.
Условно выделяют 3 этапа развития стиля:

• Первый (с 1890 по 1900 год) — выдвижение задач и решительное обновление художественно-образного языка архитектуры, разработка новых приемов пространственных композиций сооружения, усиление тенденций использования новых материалов (сталь, бетон и т.п.), ориентация на орнаментальность, поиск новых декоративных мотивов и т.п.
• Второй (приблизительно с 1900–1905 годы) — характеризуется постепенным отходом от декоративности, более последовательным освоением строительных материалов нового образца.
• Третий (продолжавшийся примерно до 1910-х годов) — отмечен стремлением к простоте, строгости, последовательному изучению строительной техники.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. В 1910-х гг. значение модерна стало угасать.

Монография Домогацкой В. Ю. посвящена одному из феноменов мирового искусства — английской книжной графике XIX-XX-го веков и в частности развитию английской книжной графики стиля модерн. В книге изучены наиболее известные работы английских мастеров эпохи модерна Дж. Остена, Чарльза Робинсона, О. Бердсли, Джона Д. Баттена, Кристофера Дина. Значительное место автор уделяет творчеству Э. Г. Крэга, У. Крейна, Т. Мориа, Джесси М. Кинга, Чарльза Робинсона. В конце книги предлагается прекрасная библиография об этих художниках на английском и русском языках.

Издание содержит 50 нумерованных иллюстраций, выполненных литографской печатью и вручную раскрашенных акварелью. Общий тираж книги 500 экз.
Можно с уверенностью сказать, что это настольная книга книжного иллюстратора-графика, а также дорогой подарок на долгую память.

Автор — Вероника Юрьевна Домогацкая родилась и выросла в Санкт-Петербурге. Закончила факультет теории и истории искусств СПбГАИЖСА (Академии художеств) им. Репина.

Модерн в графике реферат по архитектуре

МОСКОВСКИЙ АРХИТЕКТУРНЫЙ ИНСТИТУТ РЕФЕРАТ СТИЛЬ «МОДЕРН» В ЖУРНАЛЬНОЙ ГРАФИКЕ, АФИШЕ И ДЕКОРАТИВНОМ ИСКУССТВЕ РУБЕЖА СТОЛЕТИЙ МОСКВА, 2004 Модерн (фр. moderne — современный) — художественный стиль в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX вв. (другое название — Арт Нуво). Движение стиля Арт Нуво (Art Nouveau), которое возникло в конце 19 века и характеризуется орнаментальностью и волнистостью линий, заимствованием своих оригинальных узоров в природных формах флоры и фауны и трансформацией их то в изгиб цветка на ветру, то в танцевальное па (движение драпировок и складок юбок танцовщиц представляли почти идеальный сюжет для художников Арт Нуво, так как давали возможность показа огромного количества волнообразных линий). Арт Нуво как стиль и как движение искал единства выразительности во всех формах искусства и дизайна. Дизайн ткани и обоев приравнивался к дизайну лампы, книжного переплёта, ожерелья, здания или плаката. Целью декоративного движения Арт Нуво было облагородить и объединить в единый ансамбль все аспекты и предметы повседневной жизни. Это достигалось с помощью плоскостного, стилизованного оформления, где внимание притягивалось к поверхностному орнаменту, а не к чему-то иллюзорному, как в традиционной живописи. Часто одинаковое значение придавалось активному и пассивному пространству, то есть пространство, и формы между линиями были не менее важны, чем сами линии и очерченные ими формы. Основа стиля Арт Нуво заключена в качестве линии: линия является живой, развивающейся силой, оживляющей неживое и передающей энергию декорируемой поверхности. Графика явилась одной из основных и наиболее выразительных сфер применения Арт Нуво. В Англии в рамках стиля получила большое распространение книжная и журнальная графика. Обри Бердсли, как иллюстратор книг Оскара Уайльда и многих других произведений, от древнегреческой драмы до стихов Александра Попа, внес значительный вклад в развитие модерна. Обри Винсент БЕРДСЛИ (Beardsley Aubrey Vincent) (1872-1898) Бердсли более всего известен как иллюстратор книг Оскара Уайльда, но ему принадлежат и иллюстрации ко многим другим произведениям, от древнегреческой драмы до стихов Александра Попа. Литературные образы в его интерпретации выглядят очень субъективными, подчас болезненно- гротескными. Бердсли родился 24 августа 1872 в Брайтоне, он не получил серьезной профессиональной подготовки и осваивал азы художественного мастерства, копируя произведения старых мастеров. К 1895 его стиль уже можно считать сформировавшимся: для него характерна волнообразная твердая линия рисунка, разграничивающая пятна черного и белого цветов, полутона и фактура предметов передаются с помощью перекрестной штриховки и гравировки пунктиром. Этот манерно-изысканный стиль, идеально соответствовавший литературным пристрастиям Бердсли, сделал его ведущей фигурой искусства стиля модерн. Первый крупный заказ Бердсли — иллюстрации к изданию романа Смерть короля артура Томаса Мэлори (1892). Мировую известность художнику принесли эротические рисунки к Саломее Оскара Уайльда, созданные четыре года спустя. Для некоторых книг Бердсли помимо иллюстраций разрабатывал макет, титульный лист, форзацы и рисунок обложки. В числе изданий, Альфонса Мухи повлияло на тенденции развития символизма. Важную роль здесь сыграли созданные им с 1896 по 1902 год декоративные панно, почти обязательно включавшие романтические изображения грациозных девушек и женщин. Роковые женские фигуры, часто аллегорические, в фантастических костюмах, среди декоративных драпировок, с роскошными шапками прекрасных волос — характерный признак работ Альфонса Мухи. Одна за другой проходили его выставки, появлялись восторженные отзывы в печати. Художник становится владельцем новой большой мастерской, он принят в высшем свете — одним словом, к нему приходит заслуженная слава. Альфонс Муха создал стиль «art nouveau», который стал воплощением его эпохи, но одновременно он попал в порочный круг коммерческих заказов. Однако сегодня именно эти произведения, созданные им в «Парижский» период, считаются самым ценным его вкладом в сокровищницу мирового искусства. Кроме графических и живописных работ, рисунков, скульптур и ювелирных изделий Альфонс Муха создает архитектурные проекты. Одним из них является проект дизайна и декоративных украшений павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. В 1906 году Альфонс Муха уезжает в Америку, чтобы заработать деньги, необходимые для осуществления мечты всей его творческой жизни: создания картин во славу своей Родины и всего славянства. В этом же году он женится на своей ученице Марии Хитиловой, которую он страстно любил, и которая была моложе его на 22 года. В 1910 году он возвращается в Прагу, и все свои силы сосредотачивает на «Славянской эпопее». Этот монументальный цикл был передан им в дар чешскому народу и городу Праге, но не имел успеха у критики. После провозглашения в 1918 году Республики, Альфонсу Мухе было поручено изготовление первых чехословацких почтовых марок, денежных знаков и государственного герба. Альфонс Муха скончался 14 июля 1939 года — ровно через 4 месяца после оккупации Чехии и Моравии нацистскими войсками и за 10 дней до своего семидесяти девятилетия. Литература: Западноевропейское искусство второй половины 19 века. Сборник статей. М.: Искусство, 1975. Арт Нуво: Дух прекрасной эпохи Стерноу Сюзанна А. / Пер. с англ., Белфакс, 1997. Анри де Тулуз-Лотрек. Грутрой Г. / Пер. с англ., Белфакс, 1996. Альфонс Муха Рита Снайп, статья, www.mucha.nm.ru

Обри Бердслей (Beardsley). Графика стиля модерн.

Смерть Пьеро Английский художник Обри Бердслей Обри Винсент Бердслей, (Бердсли, Beardsley) (24.8.1872, Брайтон, — 16.3.1898, Ментона), – известный английский художник-график, иллюстратор, крупнейший мастер стиля модерн,  декоратор, музыкант, поэт, «гений миниатюры». Факты биографии Бердслея Отец Бердслея был из семьи лондонских ювелиров, а мать происходила из семьи респектабельных врачей. Отец художника, Винсент Пол Бёрдслей, болел туберкулёзом. Болезнь была наследственной, поэтому он не мог заниматься постоянной работой. Бердслей очень рано осознал исключительность своего положения. Когда ему было семь лет, он уже знал, что болезнь отца передалась и сыну. В XIX веке ещё не умели бороться с этим ужасным заболеванием, поэтому Бёрдслей с раннего детства слишком хорошо понимал, что может умереть непредсказуемо рано и быстро. Ощущение смерти, неотступно стоявшей за его спиной, заставляло жить так, словно каждый день мог стать последним. Обри Бердслей не получил систематического художественного образования, ограничившись тремя месяцами занятий в Вестминстерской художественной школе под руководством профессора Ф. Брауна в 1891. Изучал европейское искусство в музеях Англии и Франции, проявив особый интерес к наследию Мантеньи, Боттичелли, Дюрера. Кроме того, в его стиле угадывается знакомство с греческой вазописью, помпеянской живописью, китайским фарфором, японской гравюрой, средневековой миниатюрой, европейским искусством XVIII в., в частности, Ватто и Хогартом.   Особенности творчества Бердслея Большинство работ Бердслея были книжными иллюстрациями или рисунками.  В многочисленных иллюстрациях к журналам ( Жёлтая книга (The Yellow Book), 1894—95; Савой (The Savoy), 1896) и книгам («Саломея» О. Уайльда,1894) художник развивал декадентские и символистские тенденции искусства поздних прерафаэлитов, сочетая их с влияниями японской гравюры. Утончённое, причудливое, искусство Бердслея, с виртуозной игрой силуэтов и контурных линий, определило многие характерные черты графики стиля модерн. Творчество Бердслея было интеллектуального в своей основе, важнейшим источником творчества мастера была литература (он и сам был автором утонченной прозы и поэзии). Книги стали стержнем и смыслом его творческой жизни. Он вдохновлялся исключительно литературными персонажами, его огромное наследие — это, главным образом, иллюстрации, обложки, бордюры, заставки, концовки, вензельные ключи, экслибрисы.  Бердслей так же, как и прерафаэлиты, был увлечен искусством средневековой книги с ее целостным подходом к оформлению страницы, соотношению шрифтов, полосных иллюстраций, изображений на полях. Мастер умело сочетает декоративные рамки с заключенными в них сценами. Его работы — это работы действительно образованного человека. Фантастические реминисценции на классические темы поражают своей глубиной и остротой. Гротеск и парадокс — спутники графики Бердслея. Как художник, Бердслей  первоначально испытывалл влияние У. Морриса и Берн-Джонса. Важным стало изучение японских гравюр, с их гармонией линии и пятна. Глубокое проникновение в традиции японского искусства позволило ему создать удивительный синтез Запада и Востока в собственных рисунках. Мастерски виртуозная линия Бердслея, играющая с черными и белыми пятнами силуэтов, буквально в год-два сделала его всемирно известным художником. К 1895  стиль Бердслея  уже можно считать сформировавшимся; для него характерна волнообразная твердая линия рисунка, разграничивающая пятна черного и белого цветов; полутона и фактура предметов передаются с помощью перекрестной штриховки и гравировки пунктиром. Этот манерно-изысканный стиль, идеально соответствовавший литературным пристрастиям Бердслея, сделал его ведущей фигурой искусства стиля модерн. Влияние на искусство Открытие стиля Бердслея очень сильно повлияло на современное ему искусство в целом, из корешков и вензелей «выросли» множественные направления модерна и авангарда, образовались школы, не утихали и не утихают споры. Его творчество оказало огромное влияние на дальнейшее развитие европейского искусства вплоть до плаката, рекламы и модных журналов. Не остались равнодушными к нему и русские художники рубежа XIX—XX вв. Наиболее крупные из них — Константин Сомов и Лев Бакст. Именно Обри Бердслею отдают должное за появление таких удивительных произведений в области архитектуры, как поздние работы Федора Шехтеля и Антонио Гауди, именно Бердслей привлек интерес всего мира к графике стиля модерн.           A Book of Fifty Drawings,front cover A Child at its Mother’s Bed A Christmas Card Ноктюрн Шопена Atalanta in Calydon Ave Atque Vale Chopin’s Third Ballade, frontispiece Et in Arcagia Ego Lady Gold’s Escort Masked Woman with a White Mouse Max Alvary John Davidson’s Plays, frontispiece Katharina Klafsky Mrs Pinchwife Country Wife by Wycherley Perseus print Зикфрид The Artist’ Bookplate The Kiss of Judas Зеркало Любви Купающиеся Оползень The Slippers of Cinderella Колдун Виргилий Withered Spring             Образы Пьеро       Последние материалы в этом разделе: ↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Постеры и графика в стиле модерн — Art Nouveau posters and graphic arts

Плакаты и графика в стиле модерн процветали и стали важным средством развития стиля благодаря новым технологиям цветной литографии и цветной печати , которые позволили создать и распространить этот стиль среди широкой аудитории в Европе, США и других странах. . Искусство больше не ограничивалось художественными галереями, его можно было увидеть на стенах и в иллюстрированных журналах.

На плакатах и ​​иллюстрациях в стиле модерн почти всегда изображены женщины, олицетворяющие гламур, красоту и современность. Изображения мужчин встречаются крайне редко. Плакаты и иллюстрации очень стилизованы. приближаются к двум измерениям и часто наполнены цветами и другими растительными украшениями. Крупнейшие художники, создавшие работы в этой области, включали Обри Бердсли в Великобритании, Чеха Альфонса Муху и Эжена Грассе , Жюля Шере , Жоржа де Фера и художника Анри де Тулуз-Лотрека во Франции, Коломана Мозера в Вене и Уилла Х. Брэдли. В Соединенных Штатах.

Дизайнерам плакатов в стиле модерн, особенно в первые годы, приходилось работать с ранней технологией литографии , которая в ранних версиях ограничивала количество цветов, которые они могли использовать. На них также очень сильно повлияли японские гравюры, особенно Хиросигэ , с их плоскими плоскостями и двумя измерениями, которые в этот период были популяризированы в парижских экспозициях.

Британия

Первое появление искривления, извилистые формы , которые стали называть Art Nouveau традиционно приписывается Артур Хейгейт Макмердо (1851-1942) в 1883 г. Вскоре они были адаптированы прерафаэлитов художника Эдварда Бёрн-Джонса и Обри Бердслея в 1890 — е годы . Они последовали совету историка искусства и критика Джона Раскина , который призывал художников «идти на природу» за их вдохновением.

В Великобритании одним из первых ведущих художников-графиков в стиле модерн был Обри Бердсли (1872–1898). Он начал с гравированных книжных иллюстраций к «Смерти д’Артура» , затем с черно-белых иллюстраций к « Саломее » Оскара Уайльда (1893 г.), которые принесли ему известность. В том же году он начал гравировать иллюстрации и плакаты для художественного журнала The Studio , который помогал рекламировать европейских художников, таких как Фернанд Кнопф, в Великобритании. Изогнутые линии и замысловатые цветочные узоры привлекали не меньше внимания, чем текст.

Франция

Художник-дизайнер Жюль Шере (1835–1932) был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он помог превратить рекламный плакат в вид искусства. Сын в семье ремесленников, он учился у литографа, а также учился в Высшей национальной школе декоративного искусства . Найдя небольшую работу в Париже, он поехал в Лондон и какое-то время проектировал мебель, но затем вернулся в Париж и добился большого успеха в 1858 году, выпустив плакат Жака Оффенбаха « Орфей в подземном мире » . Он все еще боролся и вернулся в Лондон, чтобы разрабатывать брошюры. Его прорыв произошел в 1866 году, когда французский производитель парфюмерии и туалетных принадлежностей Юджин Риммель поручил ему сделать рекламные плакаты для своей продукции. Риммель профинансировал Шере открытие первого магазина цветной литографии в Париже. Он экспериментировал с различными техниками и материалами, сначала работая с двумя цветами, а затем в 1869 году, перейдя к трем цветам: черному, красному и комбинированному цвету. Он создал множество очень популярных плакатов, изображающих идеализированных современных женщин, в плакатах для косметики, а затем для театральных представлений и катков, в том числе знаменитый плакат для ледового катка Palais de Glace в Париже (1896 г.).

Швейцарско-французский художник Эжен Грассе (1845–1917) был еще одним создателем французских плакатов в стиле модерн. Он переехал в Париж в 1871 году и начал проектировать керамику, украшения, мебель и гобелены. Постепенно он перешел к графике и выполнил серию исключительных книжных иллюстраций и рекламных плакатов. Он участвовал в оформлении знаменитого кабаре Le Chat noir в 1885 году и создал свои первые плакаты для Парижского праздника . Он сделал знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году и множество книжных иллюстраций.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) также был важной фигурой в раннем стиле. Он начал работать вместе с двумя художниками Les Nabis , Пьером Боннаром и Эдуардом Вюйяром , которые обратили его к иллюстрации. Его карьера в стиле модерн была недолгой. он умер в возрасте 36 лет в 1901 году.

Альфонс Муха (1860–1939), родился в Моравии на территории современной Чешской Республики , два года учился на художника в Мюнхене, а затем в 1887 году переехал в Париж, где изо всех сил пытался выжить. Его момент наступил в декабре 1894 года, когда его в очень сжатые сроки попросили создать плакат для новой пьесы « Жисмонда» с Сарой Бернар в главной роли . Его плакат, портрет Бернарда в костюме в полный рост на фоне византийской мозаики и извилистых букв, стал непосредственной классикой модерна. Бернхард подписал с ним пятилетний контракт, и с каждой последующей пьесой и постером его слава росла. Сама Бернардт откладывала несколько плакатов на каждый новый плакат, чтобы продать их коллекционерам. Муху попросили изготовить плакаты для самых разных клиентов, от туристических курортов до виноделов. Женская фигура всегда была очень стилизована и украшена цветочным орнаментом и изгибающимися линиями хлыста . Фон был двумерным, наполненным орнаментом, но без глубины. Сам Муха отказался от термина « модерн» для своих работ, заявив, что «искусство не может быть новым». Он переехал в Прагу в 1910 году, чтобы заняться более серьезной исторической живописью — циклом крупномасштабных работ под названием « Славянский эпос» .

• Примеры работ Альфонса Мухи

• Печенье Lefèvre-Utile (1896)

• Зодиакальный календарь (1896 г.)

• Плакат об идеальных велосипедах (1902 г.)

Теофиль-Александр Стейнлен (1859–1923) был еще одной важной фигурой в стиле раннего модерна, чьи работы были сосредоточены больше на простых людях и жизни на Монмартре, а также на политических проблемах; Помимо плакатов для кабаре, он иллюстрировал социалистические и анархистские публикации. Он сделал знаменитый плакат для кабаре под названием Le Chat Noir в 1896 году с типичными изогнутыми линиями в стиле модерн и асимметричным принтом. Керлинг кошачьих хвостов фигурирует в нескольких его работах.

Основываясь на успехе своих театральных плакатов, Муха создавал плакаты для самых разных товаров, от сигарет и мыла до пивного печенья, и все они изображали идеализированную женскую фигуру с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от украшений до коробок для печенья, в своем неповторимом стиле.

Поль Бертон (1872–1909) был заметной фигурой позднего французского модерна. Ученик Эжена Грассе , он помог разработать хромолитографию , более совершенную версию литографии, которая давала более точные цвета, а также возможность выделения одних цветов над другими. Он специализировался на портретах женщин, изображая их как идеализированные фигуры, взятые из стиля прерафаэлитов , как на иллюстрации к обложке L’Hermitage , или как соблазнительницы, как на его плакате для Folies Bergere , изображая танцовщица и куртизанка Лиана де Пуги заманивает мужчин в паутину.

Мануэль Орази (1860–1934) родился в Риме, но в 1892 году приехал работать в Париж в качестве иллюстратора романов и журналов. В 1895 году он сделал серию символических иллюстраций, названных «Волшебный календарь» . Его самая известная работа в стиле ар-нуво — это плакат для La Maison Moderne , магазина дизайна интерьеров в стиле ар-нуво, который конкурировал с плакатом Самуэля Бинга , который объединил дюжину аспектов ар-нуво в единую иллюстрацию. Орази также сделал иллюстрации Сары Бернардт. плакат Сары Бернар в образе византийской императрицы Феодоры в окружении мозаичных узоров.

Бельгия

Первая архитектура в стиле модерн появилась в Бельгии в 1893 году, и бельгийские художники-графики быстро применили этот стиль. Самым известным был Анри Прива-Ливемонт , член движения символистов , заслуживший репутацию члена Кружка художников Схарбека , группы художников в этом районе Брюсселя . Он стал очень успешным благодаря сдержанно эротичным женщинам на своих рекламных плакатах, наполненных извилистыми линиями, которые были визитной карточкой стиля модерн.

Анри Менье (1873–1922) был еще одним очень успешным бельгийским графическим дизайнером и художником (1873–1922). Вьющиеся линии в стиле модерн появлялись на каждом плакате, в костюмах или в поднимающемся пара от чашки кофе. Его плакаты были настолько популярны, что он продавал их коллекционерам по подписке, и вскоре эту практику последовали и другие известные дизайнеры плакатов в стиле модерн, включая Альфонса Муху .

Мюнхенский сецессион и модерн

Мюнхенский Сецессион был художественным движением , которое откололось от более консервативного создания изобразительного искусства в Мюнхене в создании 1892 Its вдохновил лучше известный Венский Сецессион несколько лет спустя. А

Jugendstil , или «Молодой Стиль», был сосредоточен в Мюнхене, и был немецкий вариант стиля модерн. Самым выдающимся художником-графиком был Отто Экманн , выполнивший многочисленные иллюстрации для журнала движения Jugend в извилистом цветочном стиле, похожем на французский стиль. Он также создал шрифт, основанный на японской каллиграфии. Джозеф Саттлер был еще одним художником-графиком, который внес свой вклад в этот стиль через другой художественный журнал под названием Pan . Саттлер изобрел шрифт, который часто использовался в югендстиле.

Другим важным немецким художником-графиком был Йозеф Рудольф Витцель (1867–1925), который создал множество ранних обложек для « Югенд» с изогнутыми цветочными формами. что помогло сформировать стиль.

• Обложка номера 40 Jugend Йозефа Рудольфа Витцеля (1896 г.)

• Обложка журнала Jugend (1896 г.)

• Плакат ресторана Йозефа Рудольфа Витцеля (1896 г.)

Венский Сецессион

Венский Сецессион был движением с совершенно иной эстетикой и стилем от бельгийского и французского модерна. Извилистые линии и цветочные узоры раннего стиля в значительной степени были заменены геометрическими узорами и симметрией. Художник Густав Климт занялся графикой, создав плакат для Сецессионской выставки 1898 года. Среди крупных художников-графиков Сецессиона был Йозеф Мария Ольбрих , который разработал плакаты для выставок Сецессиона, а также спроектировал позолоченный купол для Галерея Сецессиона в центре Вены.

Журнал Secession Ver Sacrum представлял графику Коломана Мозера и других венских дизайнеров.

Соединенные Штаты

Рекламный плакат с цветной литографией был представлен в США в 1893 году журналом Harper’s Magazine , который опубликовал серию очень популярных плакатов. Конкурентом Scriber’s была компания Chapbook , которая в 1894 году наняла Уилла Х. Брэдли для создания плаката в честь Дня Благодарения . Этот плакат под названием «Близнецы» с его двухмерным форматом, похожим на японские гравюры, и смелыми извилистыми линиями, считается первым американским плакатом в стиле модерн.

Плакаты в стиле модерн в США, как и в Европе, изображали почти исключительно женщин. Цветовая гамма была приглушена, отчасти из-за ограничений ранней цветной литографии , а отчасти из-за выбора художника. Популярной темой той эпохи был рисунок павлина : павлин был раннехристианским символом бессмертия; его использовал Джеймс Макнил Уистлер для украшения комнаты в Лондоне, Луи Комфорт Тиффани для знаменитого витража и Брэдли для «Современного плаката» . реклама книги с таким названием от издателей Скрибнера.

Стиль модерн был особенно популярен для рекламы велосипедов, которые только-только становились обычным явлением. Эти плакаты также были адресованы в первую очередь женщинам и демонстрировали свободу, которую может дать велосипед.

Луи Джон Рэд (1887–1926) был еще одним важным художником в стиле модерн. Родился в Англии, учился в Париже, а в 1883 году переехал в Соединенные Штаты и стал художественным руководителем издательства Д. Эпплтона. Его плакаты демонстрируют влияние из движения прерафаэлитов в Англии, он выиграл золотую медаль на первой международной выставке плаката, состоявшейся в Бостоне в 1895 году. Он также иллюстрировал детские книги.

Эдвард Пенфилд (1866–1923) был иллюстратором, а затем художественным редактором журнала Harper’s Magazine . Его работы были наиболее известны своей простотой линий, без лишнего орнамента, поэтому плакаты можно было легко рассмотреть на расстоянии.

Примечания и цитаты

Список используемой литературы

• Лахор, Жан (2007) [1901]. L’Art nouveau (на французском). Baseline Co. Ltd. ISBN   978-1-85995-667-0 . CS1 maint: ref = harv ( ссылка )
• Ормистон, Розалинда; Робинсон, Майкл (2013). Модерн — Плакаты, иллюстрация и изобразительное искусство . Издательство Flame Tree. ISBN   978-1-84786-280-8 .
• Сато, Тамако (2015). Альфонс Муха — Художник как провидец . Кельн: Taschen. ISBN   978-3-8365-5009-3 . CS1 maint: ref = harv ( ссылка )
• Сембах, Клаус-Юрген (2013). L’Art Nouveau- L’Utopie de la Réconciliation (на французском языке). Taschen. ISBN   978-3-8228-3005-5 .
• Тьебо, Филипп (2018). Mucha et l’Art Nouveau (на французском языке). Париж: Éditions du Chêne. ISBN   978-2-81231-806-1 . CS1 maint: ref = harv ( ссылка )
• Тиршан, Элен (2009). Сара Бернар — Мадам Кванд мэм (на французском языке). Париж: SW Télémaque. ISBN   978-2-7533-0092-7 . CS1 maint: ref = harv ( ссылка )
• Тьебо, Филипп (2018). Mucha et l’Art Nouveau (на французском языке). Париж: Éditions du Chêne. ISBN   978-2-81231-806-1 . CS1 maint: ref = harv ( ссылка )

10 главных тенденций графического дизайна на 2019 год

Дизайн помогает нам понять наш мир, а тенденции помещают нас во времени. Общая тенденция дизайна на 2019 год? Как и в любой другой сфере жизни, мы, кажется, находимся в противоречии с самими собой: весь этот год — это противоречия. Тенденции дизайна из противоречивых эпох и противоположных концов визуального спектра соперничают за внимание.

>> Ознакомьтесь с нашими тенденциями в графическом дизайне 2020 года здесь

Независимо от того, являетесь ли вы дизайнером или работаете с ним, вам необходимо быть в курсе последних тенденций графического дизайна.Независимо от среды, понимание того, как меняются и развиваются стили, сохраняет вашу работу свежей и находит отклик у клиентов. Взгляните на наши лучшие подборки на этот год и начните представлять, как эти тенденции могут помочь вам сформировать ваш стиль.

10 тенденций графического дизайна, которые будут огромными в 2019 году

—

1. 3D-дизайн и типографика
2. Асимметричные схемы
3. Ар-деко
4. Модерн середины века
5. Эволюция дуотонов и градиентов
6. Теплые и мрачные цветовые палитры для фото
7. Легкие и изящные нестандартные иллюстрации
8. Пышные засечки
9. Открытые композиции
10. Изометрический дизайн

1.3D дизайн и типографика

Трехмерные работы, кажется, сейчас повсюду: целые композиции, которые имеют такую ​​глубину, что вы не можете не протянуть руку и прикоснуться к ним. 3D-типографика особенно чувствует себя почти готовой к успеху. Самое приятное в этом то, что нет конкретного шрифта, который лучше всего подходит для этой тенденции: полужирный, тонкий, без засечек, шрифт, любой шрифт можно отобразить в 3D.

Великолепный образец 3D-шрифта вдохнул новую жизнь в цветочный тренд. Via Diêgo Soou. Эти сложные дизайны Кхатта Пхатта предлагают что-то новое для вашего глаза каждый раз, когда вы их рассматриваете.Эта композиция показывает, как 3D-дизайн может улучшить дизайн логотипа. Через Khatt Phatt.

Помимо типографики, мы видим множество великолепно оформленных трехмерных композиций, создающих впечатление натюрмортов с далеких планет. Некоторые дизайны, такие как яркий поп-арт Pinch Studio или союз текстиля и еды Иссея Мияке, объединяют эти две дизайнерские тенденции в футуристические пейзажи цвета, шрифта и формы. Другие, такие как потрясающие иллюстрации Эйко Охала из бумаги, кажутся созданными из элементов непосредственно из мира природы.В обоих направлениях эффект ошеломляющий — эти композиции буквально прыгают со страницы, не позволяя отвести взгляд.

Фантастическая композиция в стиле поп-арт. Автор: Pinch Studio. Вырезанные из бумаги иллюстрации Эйко Ойалы позволяют одновременно ощущать футуристичность и ретро. Веселый, красочный трехмерный пейзаж от EFL.

2. Асимметричные схемы

Мы начинаем видеть начало отхода от жестких схем на основе сетки, которые были стандартом в течение последних нескольких лет. Доминирование Squarespace, Canva и других сайтов с шаблонным дизайном предоставило новичкам красивые веб-сайты и графические продукты, даже если они понятия не имели, что такое сетка.Теперь дизайнеры стремятся создавать продукты, которые кажутся более индивидуальными и живыми.

Войдите в тренд асимметричного дизайна.

Поскольку эти схемы выходят за рамки жесткой и предсказуемой сетки, они обеспечивают больше кинетической энергии и движения. Асимметричный макет, будь то дизайнерская композиция, приложение или сайт, требует внимания. Пользователь испытывает врожденное любопытство к тому, где дальше могут быть размещены информация и графика, создавая чувство удивления и интереса, когда он прокручивает или просматривает дизайн.

Деконструированный и нетрадиционный веб-дизайн. Виа Мила Джонс Канн. Еще одна асимметричная компоновка бросает вызов представлениям о том, как должны быть представлены продукты. Через Артема Оберланда. Поля в этом дизайне взаимодействуют не так, как мы ожидаем от стандартной сетки. Через Джесси Шоуолтер. В этом дизайне не используется обычная сетка для иллюстраций. Автор AbdooElhamdaoui.

3. Ар-деко

Эпоха «современного» дизайна получила свое название от художественного движения модернизма, начавшегося после Первой мировой войны и продолжавшегося почти полвека.Два основных стиля этого периода в настоящее время переживают полный ренессанс: очень декоративный и гламурный дизайн в стиле ар-деко 1920-х годов и обтекаемые органические формы периода модерна середины века 1950-х и 60-х годов.

Отнесите это к приближающемуся столетию бурных двадцатых, но дизайны в стиле ар-деко взорвутся в 2019 году. Мы видим, что эта тенденция проявляется, особенно в работе с логотипами. Дизайнеры используют сложную линейную симметрию лучших работ той эпохи, комбинируя ее с острыми металлическими элементами, благодаря которым Джей Гэтсби чувствует себя как дома.Мы также замечаем это влияние в типографике, поскольку шрифты без засечек становятся все уже и длиннее, как будто они были взяты из классического A.M. Кассандра дизайн плаката. Эти дизайны кажутся роскошными и роскошными — и резко контрастируют с деревенскими работами в деревенском стиле, которые доминировали в последние несколько лет.

Великолепный и замысловатый дизайн с металлическим логотипом. By Skilline, еще один красивый металлический логотип от Arthean. Этот современный логотип льва вызывает гламур и пышность периода ар-деко. Автор Arthean.В дизайне упаковки используются шрифты и мотивы, заимствованные непосредственно из движения ар-деко. Автор: svart ink.

4. Модерн середины века

После периода ар-деко — и в прямом ответе на него — дизайнеры решили, что функция должна диктовать форму, отказавшись от ярких дизайнов и выбрав лаконичные и органично чистые линии. Хотя в последние несколько лет влияние середины века заметно в таких областях, как дизайн интерьера и мода, в графической работе это неуклонно растущая тенденция.

Это особенно заметно в стилях иллюстраций, которые восходят к знаковым рекламным иллюстрациям послевоенной эпохи. И, как в ту эпоху, небольшие компании и стартапы осознают силу работы с индивидуальными иллюстрациями. Мы видим, как многие бренды запускают великолепные веб-сайты, полные этих иллюстраций под влиянием середины века, часто оформленных в явно современном стиле, но сохраняющих мечтательные винтажные цветовые палитры. Мы ожидаем, что в 2019 году они продолжат доминировать в Интернете и в печати.

Очень современный веб-слайдер с явно ретро-атмосферой. Виа Паарт Десаи. Дизайн плакатов и рекламы определили период Mid-Mod. Via ANAMOLLY. Этот стиль иллюстраций во многом опирается на эстетику середины века и будет повсюду в наступающем году. Автор Spoon Lancer. Дизайн спичечного коробка основан на классическом стиле «Атомик», популярном в период холодной войны. Виа Никола Бродерик. Другой дизайн, вдохновленный космической гонкой. Автор Arthean. Узоры, напоминающие мастеров современного графического дизайна середины века.Через Эндрю Литтманн.

5. Продолжающаяся эволюция дуотонов и градиентов

Градиенты — «переходы цветов», как их теперь иногда называют, — хорошо известная тенденция последних нескольких лет. В последнее время они определенно стали более активно возвращаться в дизайн логотипов. Простых одноцветных логотипов недостаточно; появляется все больше и больше с каким-то градиентом. Некоторые из них являются ожидаемыми комбинациями (синий / фиолетовый, красный / оранжевый), но другие используют более короткие двухцветные переходы.

В последние год или два было много шума по поводу «возвращения дуотона».Теперь, когда эти две параллельные тенденции часто полностью вносятся в Spotify и их культовые обложки плейлистов, объединились, сделав 2019 год годом двухцветного градиента.

Дизайн плаката с помощью nevergohungryartsigma предлагает два красивых градиентных логотипа в классическом «размытом» дуплексе. Это показывает, как яркие (но дополняющие) градиенты можно использовать во всем веб-дизайне. Автор mikebarnes. Эта великолепная комбинация ярких градиентов — определение тренда. Via Bruno Pego.

6. Но также устойчивый рост для теплых и мрачных цветовых палитр для фотографий

Но, конечно, на каждое действие есть равная реакция: преобладание насыщенных и смелых дуотонов привело к росту угрюмых, винтажных тонов.В то время как несколько лет назад дизайнерам было сказано избегать приглушенных цветов, чтобы использовать смелые и неоновые оттенки (вдохновленные такими шоу, как Stranger Things ), цвета фотографий 2019 года больше похожи на те дни, когда камеры и экраны не могли захватывать глубоко насыщенные цвета. .

Они кажутся прямым возвратом к мягкой фотографии с низким качеством изображения семидесятых годов и даже к приглушенным материалам видеокамеры 1980-х годов. Эти фотографии с добавлением некоторого количества черного в каждый цвет создают теплую и задумчивую атмосферу, с которой неоновые цвета никогда не будут соперничать.

Модный разворот, который отказывается от обычных ярких цветов в пользу приглушенных тонов. Via lasho. Современные портреты, которые кажутся взятыми из фотоальбома 1970-х годов. Виа Фернандо Мачадо. Потрясающая обложка книги и микстейпа в стиле коллажей от nevergohungry

7. Пользовательские иллюстрации становятся светлее

После многих лет использования жирных, толстых линий в иллюстрациях в последнее время наблюдается рост более тонких и элегантных иллюстраций. Эта тенденция, на которую сильно влияют ботанические и природные элементы, является более женственной и привлекает более невинную и детскую часть нас всех.Мы видим, что это занимает ведущее место, особенно в дизайне упаковки, где замысловатый дизайн красиво отображается на текстурированном бумажном фоне. Благодаря добавлению высококачественных материалов, таких как фольга и тиснение, эти дизайны обеспечивают баланс между максимализмом и простотой.

Упаковка этих шоколадных плиток кажется дорогой и естественной. Мила Катагарова. Более легкий и органичный дизайн упаковки для компании по производству натуральных дезодорантов. By Wooden Horse. Мягкая иллюстрация, вдохновленная старинными ботаническими рисунками.By Yokaona — очаровательный олень, созданный для бренда детских аксессуаров. Автор Mad Pepper.

8. Пестрые засечки

В то время как иллюстрации становятся светлее, шрифты увеличиваются, особенно когда речь идет о засечках. Хотя шрифты без засечек никуда не денутся, особенно в цифровом формате, 2019 год станет годом шрифтов с засечками. Прошлый год подарил нам несколько великолепных пухлых шрифтов с засечками, которые кажутся взятыми из времен литого металлического шрифта. Хотя шрифты без засечек и рисованные шрифты будут по-прежнему широко использоваться, это год, когда диапазон и разнообразие шрифтов с засечками резко возрастет.

Пользовательский шрифт становится все более и более необходимым для брендов, которые действительно хотят выделиться, и все чаще дизайнеры обращаются к фирменному шрифту с засечками или логотипу. Почему? Потому что после многих лет доминирования чистый без засечек теперь рассматривается как «бездушный» и «лишенный характера», а засечки — это очки в роговой оправе типа шрифта, которые кажутся причудливыми, симпатичными, умными и полными индивидуальности.

Потрясающий и захватывающий веб-дизайн шрифтов с засечками. Via Nathan Riley. Красивый и классический шрифт с засечками кажется сделанным на заказ и вырезанным вручную в этом логотипе для элитной строительной компании.Автор: Дэйв Роуч. Легкая иллюстрация и модные засечки сочетаются в этом логотипе ресторана. Via tulimilka, шаблон веб-сайта в ультра-минималистском / скандинавском стиле. Автор Алекс Капеллан.

9. Открытые композиции

Помните старую пословицу о том, чтобы оставить что-то на волю воображения? После многих лет использования коробок и рамок, в которых элементы были заключены в строгом порядке, каждая деталь видна и учтена, дизайнеры начинают использовать более открытые композиции. Это проекты, в которых вам кажется, что вы видите только часть всей картины, а за пределами страницы есть целый мир.

Эти композиции включают пустое пространство и избегают четкой иерархии. Элементы в этих композициях кажутся слабо связанными друг с другом, как будто они могут уплыть. Часто открытые, кажущиеся хаотичными, разорванными и разорванными, эти композиции требуют очень сильного внимания дизайнеров, поскольку расположение каждого элемента не является случайным.

Весь этот веб-сайт представляет собой меню, и не все формы букв отображаются на экране сразу. Виа Лионель Дуримель, Этот дизайн поражает воображение 2019 года своими дуотонами, градиентами и открытым стилем композиции.Via Bruno Pego. Смелый и открытый дизайн заставляет задуматься, держите ли вы его правой стороной вверх. Via Vasjen Katro. Легкие, современные иллюстрации, которые кажутся продолжающимися за кадром. Via Lionel Durimel, открытая композиция, использованная для веб-сайта моделирования. Via Kieran.

10. Изометрический дизайн

В то время как открытые композиции не учитывают некоторые детали, изометрические конструкции создают целые вселенные в крошечных маленьких пространствах. Изометрический дизайн звучит очень технически, но это просто метод рисования трехмерного объекта в двух измерениях.Рисунок простой и чистый, но имеет глубину, с которой не может соперничать плоский дизайн. Арена, где этот тренд набирает обороты, — это иконы. Изометрические иконки обладают гораздо большей тактильностью и теплотой, чем плоский дизайн, привлекают пользователей. Кроме того, они сохраняются в файл меньшего размера, чем 3D, так что вы получите весь эффект без задержек!

Изометрическая иллюстрация города. Автор LittleFox. Очень модная изометрическая гора. Автор KisaDesign. Этот дизайн показывает перемещение данных более ярким и живым, чем плоский дизайн.Виа Дмитрия Харченко. Изометрический дизайн также можно использовать для создания персонажей. Автор: Дарья В.

Готовы ли вы к дизайну в 2019 году?

–

Мы вступаем в очень интересный год для графического дизайна. Между дальновидными, технически сознательными дизайнерами, исследующими новые области, такие как 3D и AR, и традиционалистами, которые все еще работают пером с бумагой, происходят споры. Мы также видим это в одновременном объятии ярких дуотонов, сосуществующих с приглушенными винтажными палитрами.То же самое касается причудливой иллюстрации и функциональности середины века.

Лучшая часть? Когда дизайнеры принимают конфликты, происходят захватывающие вещи, позволяя вдохновению ударить сразу со всех сторон. Мы празднуем и с нетерпением ждем возможности увидеть, какие невероятные работы они создают. Сделайте 2019 год годом создания ваших лучших работ!

Хотите глубже взглянуть на лучшие тенденции графического дизайна 2019 года?

Вам нужен великолепный графический дизайн?

Позвольте нашему блестящему сообществу дизайнеров создать для вас что-то уникальное.

Искусство современной графики

В апреле 2012 года Элейн Люстиг Коэн была награждена медалью AIGA 2011 — самой выдающейся наградой, присуждаемой AIGA, американской профессиональной организацией в области дизайна. Праздничное мероприятие и церемония, которые прошли в Нью-Йорке, подчеркнули ее образцовую дизайнерскую работу и карьеру, назвав ее «новаторским графическим дизайнером, художником и архивариусом». Во всех этих ролях Элейн внесла значительный вклад в визуальный профиль дизайна, искусства и образования.Постоянный интерес на протяжении всех аспектов ее карьеры — европейский и русский модернизм начала 20-го века — как художник, практикующий живопись и коллаж, и как торговец раритетными книгами, продающими важные вещицы авангарда. Но ее работа в качестве графического дизайнера в 1950-х и 60-х годах заложила основу. Ее более 150 дизайнов для обложек книг и музейных каталогов, многие из которых публикуются здесь впервые, часто упускаются из виду в каноне графического дизайна. Однако они играют значительную роль в эволюции американского модернизма, уникального сочетания экспериментов и идей авангарда.Сегодня, в возрасте 85 лет, Элейн продолжает оставаться влиятельной фигурой в мире дизайна и важной связью с модернистской линией.

Картины Элейн Люстиг Коэн, 1967, 1982 и 2007 годы.

Элейн Фирстенберг, родившаяся в 1927 году, планировала стать учителем рисования. Она изучала искусство в Ньюкомб-колледже Тулейнского университета (Новый Орлеан, Луизиана) и художественное образование в Университете Южной Калифорнии (Лос-Анджелес, Калифорния), где получила степень бакалавра изящных искусств.Именно опыт общения с ее первым мужем, выдающимся дизайнером и модернистом Элвином Лустигом (1915–1955), за которого она вышла замуж в 1948 году, положил начало ее карьере графического дизайнера. Она говорит: «Все мое обучение в колледже, а затем и с Элвином было посвящено авангарду 20-го века. Даже то, что я видел подростком в Нью-Йорке — Музей современного искусства [MoMA] и музей Пегги Гуггенхайм [Музей Соломона Р. Гуггенхайма], взволновало меня в то время и заложило во мне модернистское зерно, которое потребовались годы, чтобы впитать и создать мой собственный».Элейн особенно вдохновляют абстрактные художники и дизайнеры Курт Швиттерс, Софи Таубер Арп и Соня Делоне, особенно близкие к Тауберу Арпу и Делоне, называя их «моими особенными женщинами», художниками, работающими в той же сфере, что и их мужья (Жан Арп и Робер Делоне, соответственно), но работы которых признаются реже.

Брак Элейн был недолгим, поскольку Люстиг в 1955 году в возрасте 40 лет заболел диабетом. Он оставил после себя множество плодотворных работ во всех областях дизайна, включая знаменитые дизайны обложек книг для серии New Classics, New Directions Books.Дизайн обложки книги Люстига для этой серии представлял собой абстрактные изображения, в основном в двух цветах, основанные на интерпретациях книги. Они добились большого успеха и увеличили продажи книг, что очень порадовало Джеймса Лафлина, издателя New Directions: «Его прекрасный дизайн помогает привлечь внимание широкой аудитории к качественному чтению» (Джеймс Лафлин: Bookjackets от Элвина Люстига для New Directions Книги , Gotham Book Mart Press, 1947).

При Люстиге Элейн была помощницей, «офисной рабыней», как она вспоминает, строго выполняя его концепции и замыслы, особенно среди его слабого зрения.Одним из последних клиентов Лустига были книги Meridian Books, издаваемые The Noonday Press. Молодой издатель Артур Коэн обратился к Люстигам за советом при составлении своего небольшого, но творческого списка книг в мягкой обложке в литературной и социальной критике, предназначенных для рынка колледжей. С 1951 по 1955 год Люстиг разработал для издателя около 26 обложек книг. «Когда Элвин проектировал первые меридианы, было мало качественных книг в мягкой обложке. Он видел это как серию, которую можно было увидеть вместе. Фактически, мы ходили по книжным магазинам и выстраивали их в очередь.В то время он интересовался шрифтом 19 века », — говорит Элейн. Дизайн обложек книг Люстига был чисто типографским — драматическое сопоставление новых и старых лиц, составленных в рациональных, современных макетах на цветном фоне: «Я думаю, с его слабым зрением решения были чем-то, что он чувствовал себя комфортно, плюс он давно интересовался шрифтом. . » Обложки Meridian были тихим отходом от новаторских дизайнов книжных обложек Люстига, но в то же время продолжением их. Эти современные обложки также сильно отличались от других книжных обложек в области мягкой обложки, в которой в основном использовались графические иллюстрации.

На момент смерти в 1955 году Люстиг выполнял незавершенные заказы. Один, в частности, был для архитектора Филипа Джонсона, который нанял его для разработки системы вывесок для знаменитого здания Seagram Building в Нью-Йорке, спроектированной Мис ван дер Роэ в сотрудничестве с Джонсоном. Несмотря на то, что Лустиг не начал никаких работ, Элейн успешно выполнила вывески, а также другие задания, такие как реклама и каталоги для здания.

Элвин и Элейн Ластиг, Лос-Анджелес, 1949 год.

Начиная с 1956 года, Элейн теперь работает в собственной студии и была нанята Meridian для создания дополнительных обложек. К этому времени конкуренция вошла в область мягкой обложки. Книжные магазины больше не отображали названия меридианов вместе, что снизило мощность и согласованность всей серии в целом. Обложка каждой книги должна была стоять отдельно и эффективно общаться. «Я знал, что когда я начал разрабатывать меридианы, было доступно больше качественных книг в мягкой обложке, и изображение каждого названия должно было быть более выразительным.Большая часть списка была посвящена истории, философии, религии и переизданиям известных вышедших из печати изданий, недоступных на рынке колледжей по разумным ценам. Меридиан также заказал оригинальные названия экзистенциализма и Сартра. Это не были романы для полного чтения. Так что я обычно пыталась придумать ощущение предмета », — вспоминает Элейн. Ее книга охватывает диапазон от фотографических до абстрактных, типографских и различных их комбинаций. Знания, которые она переняла от Люстиг, и идеи, которые она унаследовала от авангардных художественных движений, включая конструктивизм, дадаизм, футуризм, сюрреализм и Баухаус, позволили ей свободно экспериментировать.

Обложки фотокниг Элейн искусно символичны, в них используются изображения, напоминающие содержание книги, почти со всеми оригинальными фотографиями, сделанными ею. Составленная черно-белая фотография камней различных размеров, форм и оттенков представляет собой книгу Фрица Стерна «Разновидности истории» (1957). Для Witchcraft (1958) Чарльза Уильямса она взяла дрова из своего камина, сформировала их в форме буквы «W», подожгла и сфотографировала. Наряду с ярко-оранжевым названием обложка книги оставляет у читателя сильное впечатление об этой мифологической практике.

В других фотографических проектах Элейн объединила изображение с цветом и типографикой, чтобы создать концепцию обложки книги. Благородный дикарь (1959) был литературным периодическим изданием современных рассказов, стихов и эссе под редакцией писателей Сола Беллоу и Кита Ботсфорда. Для выпуска 4 она использовала свое собственное черно-белое изображение изношенной статуи и игриво украсила его именами редакторов в форме усов, как дань влиянию ее дадаизма. Ее выбор пурпурного (благородного цвета), анимированных звездообразований и дерева делают эту обложку остроумной, привлекательной и забавной.В книге « Новая архитектура Европы » (1960) Элейн собрала более современный швейцарский дизайн, функциональную интерпретацию послевоенной архитектуры, представленную в книге. Объективная фотография здания на заднем плане, блок прозрачных ярких цветов и строчная буква Akzidenz-Grotesk образуют асимметричный сетчатый план.

В отличие от обложек для книг Meridian Лустига, типографский дизайн Элейн был более органичным, менее строгим, но все же современным.Она наслоила буквы и слова и использовала различные гарнитуры, чтобы придать обложкам книги их собственные эклектичные личности. В The Book of Jazz (1958) многочисленные буквы «J» были нарезаны, перевернуты и расположены так, чтобы сформировать яркую импровизированную композицию, отражающую музыкальный стиль. У Элейн было несколько ограничений, когда дело доходило до экспериментов с буквами, словами и их значением. В книге Гарольда Лассуэлла «Политика : Кто что получает, когда, как » (1958) восклицательные и вопросительные знаки превращаются в формы, которые доминируют на обложке книги, игривое исполнение и визуальный каламбур, чтобы еще больше передать название книги.

Книжные рубашки для книг «Меридиан», 1956–60.

Сюжеты книг о Меридианах часто являются загадочными теориями. Швейцарскому психологу К.Г. Ответ Юнга на задание (1959), озаглавленный «Проблема зла: его психологическое и религиозное происхождение», Элейн разработала чисто типографскую композицию. В этом функциональном дизайне используется скудный набор стилей, достаточно свободного пространства, прописные буквы без засечек и холодный синий фон. Противоположный черный (автор) и белый узорчатый текст (название) и вертикально расположенные выходные данные издателя образуют визуально сбалансированное и эффектное решение для книги с такой неясной темой.« О любви» «» (1957) испанского философа Хосе Ортега-и-Гассет — еще одна меридианная книга с абстрактной тематикой. Беззаботный дизайн Элейн сочетает в себе обрезанные, повернутые, раскрашенные статуи, напоминающие купидонов, с нарисованным от руки шрифтом, причудливое и очаровательное решение.

Для обложек абстрактных книг она использовала преимущественно форму, форму и цвет. Эмоционально насыщенный цвет неправильных форм, энергичный синий фон и широкие, преувеличенные засечки в книге Марио Праз «Романтическая агония » (1956) образуют образную, выразительную обложку.Другие абстрактные узоры намеренно геометрически в их плоском цвете и прямых линиях. Логика естественных и гуманитарных наук (1959) можно почти интерпретировать как информационную диаграмму, отображающую обложку книги от центра вверх к названию и вниз к имени автора, приглашая читателя принять участие.

Книжные рубашки для книг «Меридиан», 1956–59.

В 1960 году Артур Коэн, который стал вторым мужем Элейн, продал Meridian, чтобы посвятить все свое время писательской деятельности и стипендии.Работая в Meridian до 1962 года, Элейн разработала более 100 обложек книг, в том числе еще 50 (до 1969 года) для таких издателей, как Doubleday, George Braziller, Holt Rinehart & Winston, Jewish Museum и New Directions. Обложки ее книг не являются массовыми и не слишком концептуальными — они процветают где-то посередине. Тем не менее, ее проекты являются кульминацией книгоиздания 1950-х и 60-х годов, уникального стиля американского модернизма, отличающегося изобретательностью, игривостью и ясностью.

«Великая книжная обложка никогда не продавала ужасную книгу.”

Возможно, именно сотрудничество с книгами Meridian способствовало успеху ее проектов. Большинство издателей в то время позволяли своим продавцам вносить большой вклад в создание обложек книг: «Мне повезло, что у нас не было большого торгового персонала. На самом деле был всего один мужчина, и моя работа ему понравилась », — говорит она.

У Элейн были и другие успешные отношения с клиентами. Помимо обложек книг, создания фирменного стиля и рекламных вывесок, она также преуспела в дизайне музейных каталогов.С 1963 по 68 год Элейн разработала около 20 каталогов для новаторской художественной программы Еврейского музея в Нью-Йорке. Начиная с начала 1960-х годов под руководством Алана Соломона музей организовывал революционные современные выставки с акцентом на молодых художников Нью-Йорка. Она вспоминает: «С Соломоном было потрясающе работать, и жаль, что никто не говорит об инновационной программе Еврейского музея в 60-х годах. Другие музеи никогда не показывали Джаспера Джонса, Кеннета Ноланда, Фрэнка Стеллу, концептуальную скульптуру и т. Д.”

Способность Элейн мыслить концептуально и экспериментировать с шрифтом и формой сделала ее подходящим выбором для создания каталогов, дополняющих приверженность Еврейского музея современному искусству. Ее проекты столь же минималистичны и абстрактны, как и работы, которые они представляют. Вместо того, чтобы указывать только имя художника или выставки, она использовала обложки каталога как мини-холсты, чтобы отразить дух выставки или отдать дань уважения стилю художника. Сознательно или нет, но Элейн создала для музея уникальную яркую графическую личность.

Каталоги Еврейского музея, 1965–66.

Одной из техник, которые она продолжала использовать, был подход к абстрактному представлению, применявшийся в дизайне обложек книг. Первичные конструкции была знаковой, несколько противоречивой выставкой 1966 года Еврейского музея, которая определяла художников-минималистов, работающих в современной скульптуре, особенно Дональда Джадда, Роберта Смитсона, Сола Левитта, Дэна Флавина и Эллсуорта Келли. Урезанная белая буква «P» и интегрированная красная буква «S» на обложке каталога на ярко-желтом фоне представляют собой интерпретацию инсталляций флуоресцентного света и блестящих гладких скульптурных форм, представленных на выставке.Для 2 Kinetic Sculptors (1966) Элейн использовала фотостат, чтобы многократно фотографировать набранные слова для передачи движения, характеристики, тесно связанной с кинетическим искусством. Ее выбор теплого красного, нейтрального шрифта для имен художников, Николаса Шеффера и Жана Тингели, резко контрастирует с размытым «движущимся» изображением.

В других случаях Элейн создавала геометрические цветные формы, созданные из шрифта, что видно в Ben Benn: Painter (1965) и VI Bienal Do Museu De Arte Moderna Sao Paulo (1961).Как дань уважения американскому художнику-абстракционисту Kenneth Noland (1965), она разместила его фамилию симметричным V-образным узором в двух цветах. Это минималистичная, «мини» картина, мало чем отличающаяся от картин Ноланда с бриллиантами и шевронами, где края холста так же структурно важны, как и центр. Обложка каталога — превосходный образец дизайна, интерпретирующего искусство.

«Создание каталогов для Еврейского музея было захватывающим. У меня было не только все современное искусство, отражающее дух обложки, но и директор музея, который хотел представить каталоги, которые установили новую программу в музее.”

Вспоминая разницу между работой в музее и книжным издателем, она утверждает: «Работа на одного человека, директора, не может сравниться с работой в издательстве, когда каждый имеет свое мнение о том, что продается».

Элейн занималась графическим дизайном до 1969 года, когда она решила сосредоточиться на искусстве. В 1972 году она и Артур Коэн, которые оба разделяли увлечение авангардным искусством и дизайном, стали торговцами раритетами и произведениями искусства в своем бизнесе Ex Libris.Они управляли этим специализированным книжным магазином и галереей в своем таунхаусе в Нью-Йорке до конца 1990-х годов. Ex Libris был известен своей коллекцией книг, журналов, плакатов и однодневок, в которых были представлены как известные, так и менее известные работы выдающихся деятелей модернизма, таких как Соня Делоне, Марсель Дюшан, Ладислав Сутнар, Ян Чихольд и Пит Цварт и многие другие. По сей день каталоги Ex Libris пользуются большим спросом у коллекционеров и исследователей за их содержание, что делает Элейн бесценным связующим звеном с историей современного искусства и дизайна.

Элейн получила множество наград, начиная с 1950-х годов. Помимо медали AIGA 2011 года, среди многих других наград была ретроспектива ее графического дизайна 1995 года, проведенная в Национальном музее дизайна Купер-Хьюитт, Нью-Йорк. Сегодня ее интерес к этой сфере не уменьшился. Заядлый читатель, Элейн с энтузиазмом относится к книгам и их дизайну: «Несмотря на то, что у меня есть Kindle, я все еще смотрю на книги, и эта область по-прежнему неровная. Конечно, есть еще много интересных курток, и публикации будут продолжаться », — надеется она.

Мои герои: Портреты авангарда: Лисицкий, 2008; Попова, 2008; Деперо, 2009.

Из своих домов в Нью-Йорке и Майорке, Испания, где проходило интервью для этой статьи, Элейн до сих пор производит коллажи, цифровые отпечатки, фотографии и другие произведения искусства. Совсем недавно, в 2009 году, у нее была персональная выставка в Adler & Conkright Fine Art Gallery, Нью-Йорк. На выставке под названием «Мои герои: портреты авангарда» были представлены ее коллажи художников, оказавших на нее глубокое влияние, таких как Эль Лисицкий, Ф.Т. Маринетти, Казимир Малевич и Александр Родченко. Позже в этом году дизайн обложки и обложки книги Элвина Лустига и Элейн будет выставлен в Колледже визуальных искусств, Сент-Пол, Миннесота. Таким образом, ее творческий путь продолжается: «Что хорошего в работе художника — художника, дизайнера, скульптора, фотографа или в других визуальных средствах — это то, что на протяжении всей жизни вы можете продолжать открывать двери, о существовании которых вы даже не подозревали».

Эта статья изначально была опубликована в The Shelf Journal, выпуск 2, 2012 г.

История современного графического процессора, часть 5

В нашем последнем выпуске истории современных графических процессоров мы достигли точки, когда рынок состоял всего из трех конкурентов: AMD, Intel и Nvidia. К 2013 году все они следовали одинаковому пути в проектировании своей архитектуры, и все ориентировались на ПК и рабочие станции. Это было продиктовано направлением рендеринга, требованиями, предъявляемыми графическими API-интерфейсами, и более широким применением графических процессоров в вычислениях и искусственном интеллекте.

Однако в последующие годы графические процессоры станут одними из самых крупных, сложных и дорогих компонентов, которые можно найти практически в любом вычислительном устройстве.

… в последующие годы графические процессоры станут одним из самых крупных, сложных и дорогих компонентов, которые можно найти практически в любом вычислительном устройстве.

Что-то старое, что-то новое, плюс хороший судебный процесс в придачу

В 2014 году мы увидели новые архитектуры, выпущенные большинством основных поставщиков, а также множество продуктов, использующих старые технологии.В случае AMD их линейка почти полностью состояла из предыдущих систем. На рынке настольных ПК нам предлагали модели с использованием Graphics Core Next (GCN) 1.0 и даже более старой архитектуры TeraScale 2. Хорошим примером первого была выпущенная в марте Radeon R9 280.

Это была переименованная Radeon HD 7950, выпущенная двумя годами ранее, но, по крайней мере, у AMD хватило ума запустить ее по более низкой цене по сравнению с ее первой версией. Вскоре после этого продукта появилась Radeon R9 295X с питанием от GCN 2.0, полная противоположность 280.

Старая техника, увеличенная вдвое, дала удивительные результаты

Sport с двумя графическими процессорами, специальной системой водяного охлаждения и ценой в 1499 долларов, он сразу занял верхнюю строчку в таблице производительности, и мы были приятно удивлены тем, насколько он хорош (несмотря на его ошеломляющую стоимость).

В сентябре 2014 года AMD выпустила Radeon R9 285 — эта карта оснащена новым чипом с обновленной архитектурой GCN, которая внесла незначительные улучшения в системы кэширования и тесселяции.При цене 250 долларов он был предназначен для замены старого R9 280 и всегда имел более высокие тактовые частоты. Однако он был лишь ненамного быстрее из-за уменьшения пропускной способности памяти на 25%.

Компоновка первого графического процессора AMD GCN 3.0 — в R9 285 было отключено четыре контроллера памяти. Изображение: PC Watch

Может показаться странным, что AMD так мало продвинулась с GCN 3.0, но в то время они боролись с большими долгами и низким уровнем операционной прибыли; чтобы бороться с этим, они сосредоточились на более прибыльных рынках, таких как системы с низким энергопотреблением и полу-нестандартные конструкции.

В отличие от этого, состояние Nvidia в тот год было в значительной степени оживленным. Они стабильно росли как в выручке, так и в чистой прибыли, несмотря на некоторые странные решения по поводу продуктов. Как и AMD, они использовали старые системы, обновленные и новую архитектуру (Maxwell) — в случае последней она не использовалась в топовой модели с ореолом, а вместо этого была обнаружена в середине за 150 долларов. предложение.

Не самый вдохновляющий выбор, чтобы выделить новую архитектуру графического процессора

GeForce GTX 750 Ti была разработана, чтобы конкурировать с подобными AMD Radeon R7 265.Несмотря на новую технологию, он обычно не был таким быстрым, как Radeon. Если бы это было все, что Nvidia предлагала в феврале 2014 года, можно было бы подумать, что они теряют импульс.

Это было усугублено тем, что Nvidia без всякой помпы обновила свою лучшую из лучших линейку — GeForce GTX Titan — простым добавлением слова «Black» и немного более высокими тактовыми частотами. При цене 999 долларов он был не дороже своего предка, но вряд ли попал в заголовки новостей.

Чтобы противостоять выпуску AMD Radeon R9 295X2 в апреле, Nvidia выпустила Titan Z в следующем месяце.Как проявление чистого высокомерия, он привлек огромное внимание по совершенно неправильным причинам.

Размер Кинг-Конга, цена Годзиллы, производительность мистера Магу

Вряд ли какие-либо образцы были предоставлены обозревателям для анализа, и ни один из них не был готов лично выложить запрашиваемую цену в 2999 долларов. Для тех немногих, кому удалось его протестировать, общая производительность была далеко не идеальной для такого дорогого продукта — обычно хуже, чем у R9 295X2 и двух старых видеокарт Nvidia GeForce GTX 780 Ti в SLI.

Ситуация значительно улучшилась в сентябре, когда в магазины поступила серия GeForce GTX 900, хотя были доступны только две модели.

GeForce GTX 980 и 970 были оснащены чипами на базе Maxwell, хотя и с небольшими изменениями, и получили множество заголовков. Первый из них касался цен: 529 и 329 долларов соответственно, новые модели на момент запуска были дешевле, чем GTX 780 и 770. Производительность была хорошей, она была конкурентоспособной по сравнению с предложениями AMD и собственным каталогом Nvidia.

В целом, это должно было стать успешным завершением года для Nvidia, но GTX 970 скрывал «особенность», которая быстро свела на нет все положительные отзывы, накопленные запуском новой серии.

В спецификации модели указано, что она имеет 4 ГБ памяти GDDR5 7 Гбит / с на 256-битной шине — во всех смыслах и целях, как и на GTX 980. Детали связаны с утверждением, что графический процессор поддерживает 64 ROP (единицы вывода рендеринга) и 2 МБ кеш-памяти L2.

Однако Nvidia умолчала о том, что это не совсем так — у нее было всего 56 ROP и 1,75 МБ кеш-памяти L2, что означало, что шина памяти должна быть только 224-битной и, следовательно, только 3,5 ГБ БАРАН. Так где же остальные 0,5 ГБ?

Это действительно было, так что это было «4 ГБ на 256-битной шине», но не так, как в GTX 980. Из-за конфигурации портов кроссбара и контроллеров памяти, система могла читать / писать в параллельно через 224-битное соединение с 3.5 ГБ или используют одну 32-битную шину для оставшихся 0,5 ГБ.

При отключенном блоке кэша L2 в GTX 970 доступ к последним 0,5 ГБ был сильно ограничен

Когда стало известно об этом явном обмане, Nvidia попыталась объяснить ситуацию, обвиняя ее в ошибках в публикации своих документов для прессы.

Они предоставили объяснение настройки (как подробно показано на изображении выше) и извинились за ошибку, указав, что конфигурация памяти ROP + на самом деле не была проблемой и была полностью преднамеренной.Но ущерб был нанесен, и два года спустя они были вынуждены предложить компенсацию по многочисленным коллективным искам и публично предложили 30 долларов всем покупателям GTX 970.

В течение 2014 года Intel также выпустила новую архитектуру под кодовым названием Gen8 в качестве основной части своих процессоров Broadwell. Интегрированные графические процессоры почти никогда не вызывают интереса, несмотря на то, что они составляют такую ​​значительную часть кристалла ЦП, но в дизайне отмечены некоторые заметные улучшения по сравнению с предшественником.

Core i5 был больше GPU, чем CPU, в 2014 году

Обе пары процессоров SIMD ( одна инструкция, несколько данных ) в EU ( Execution Units ) теперь могут обрабатывать целочисленные операции и операции с плавающей запятой, тогда как раньше это была только одна.Эффективное удвоение целочисленной пропускной способности было обеспечено поддержкой форматов данных FP16 — опять же, с удвоенной скоростью.

Эти изменения привели к тому, что крошечные графические процессоры соприкоснулись с архитектурными возможностями чипов AMD и Nvidia, однако нехватка EU, текстурных блоков и ROP по-прежнему делала их непригодными для игр.

Не то, чтобы маленькие графические процессоры не могли запускать прилично выглядящие игры …

В мире смартфонов Apple выпустила iPhone 6 в сентябре на базе процессора A8 SoC собственной разработки (система на кристалле , ).В этом процессоре использовались лицензионные структуры ЦП и ГП от Arm и PowerVR, но последний также содержал некоторые пользовательские блоки, сделанные самой Apple.

Apple представила свой новый Metal API. Этот набор библиотек включал графику и вычислительные шейдеры, все они были в значительной степени оптимизированы для графических процессоров в iPhone и iPad. По мере того как разработчики со временем все больше знакомились с программным обеспечением, это дало продуктам Apple явное преимущество в производительности по сравнению с конкурентами.

Потребность в улучшении управления программированием и библиотеках с низкой задержкой не ограничивалась только смартфонами.За кулисами Khronos Group (консорциум отраслевых организаций) начала работу над созданием преемника OpenGL, цель которого заключалась в предоставлении кроссплатформенного графического и вычислительного API на основе работы AMD с их программным обеспечением Mantle.

И программное обеспечение должно было стать важной особенностью следующего года.

Что-то старое, что-то новое … подожди, это снова?

Во многих отношениях 2015 год был просто повторением предыдущего года. AMD выпустила около 30 различных видеокарт, большая часть из которых использует старую GCN 1.0 или 2.0.

Однако ветеран кремниевых чипов применил дробный подход к планированию выпуска продуктов. В июне всего одна неделя отделила появление Radeon R9 390X с питанием от GCN 2.0 (по сути, одного графического процессора R9 295X2 с увеличенной тактовой частотой) и совершенно новой Radeon R9 Fury X.

Хотя разница между ними составляла 200 долларов, более дорогая Fury могла оправдать такую ​​цену. 596-миллиметровый графический процессор ² под кодовым названием Fiji упакован в 4096 шейдерных блоков — на 45% больше, чем у 390X.Это также была первая видеокарта потребительского уровня, в которой использовался HBM ( High Bandwidth Memory ).

Крошечная видеокарта с массивным графическим процессором — это должна быть Radeon R9 Fury X

Эта технология предполагает наложение чипов DRAM друг на друга и пропускание межсоединений через них. Конечным результатом является гораздо более компактная система, которая обеспечивает большую пропускную способность памяти, хотя и не более 4 ГБ в общей сложности для первой итерации.

Но все эти шейдеры и новая модная оперативная память дорого обходились — как в прямом, так и в переносном смысле.Пиковое энергопотребление было высоким (хотя и не более высоким, чем у R9 390X), и в конструкции AMD были проблемы с температурой. Таким образом, Fury X продавался со встроенной системой водяного охлаждения, которая оказалась очень эффективной.

Версия, отличная от X, работала достаточно круто, чтобы не требовать ее из-за того, что у нее были более низкие тактовые частоты и отключены 8 вычислительных блоков, а во всех сторонних вариантах модели использовались традиционные комбинации радиатора и вентилятора. Как и Radeon R9 Nano, младшая версия Fury X от AMD, которая появилась на рынке месяцем позже.

R9 Nano — меньше тепла, меньше размер, та же цена, что и Fury X

Видеокарты линейки Fiji были лучшими по производительности AMD с большим отрывом и, несмотря на цену, высокую температуру и сравнительно небольшой объем памяти, продавались очень хорошо. Компания столкнется с жесткой конкуренцией со стороны Nvidia, даже несмотря на то, что первая половина года у них была относительно скромной в отношении интересных новых продуктов.

Еще кое-что, что AMD представила в начале 2015 года, была FreeSync — бесплатная альтернатива проприетарной G-Sync от Nvidia (читайте наш дубль 2021 года).Обе были системами с переменной частотой обновления, которые позволяли мониторам оставаться синхронизированными с обновлениями кадров, уменьшая проблему разрывов экрана, не фиксируя частоту изменений на месте.

Графические процессоры Radeon

какое-то время обладали такой возможностью, тогда как чипы GeForce в то время требовали, чтобы в монитор было встроено внешнее устройство.

Для Nvidia большинство выпусков были бюджетными и средними моделями, наиболее заметной из которых стала GeForce GTX 960, которая должна появиться в начале года.Всего за 199 долларов и потребляя 120 Вт, это была лучшая демонстрация прогресса, достигнутого Nvidia в архитектуре Maxwell.

Графический процессор GM204 был практически таким же, как и в GeForce GTX 980, но разделен на две части

По производительности он был на уровне Radeon R9 280 и 280X, но был немного дешевле. Это было полностью связано с различием между чипами, используемыми в конкурирующих продуктах — GTX 960 размещала 228-миллиметровый графический процессор ² , состоящий из двух.94 миллиарда транзисторов, тогда как в более старых моделях AMD использовались 432-миллиметровые чипы ² с 4,31 миллиарда транзисторов.

Несмотря на то, что оба они производятся на 28-нм техпроцессе TSMC, новая архитектура подчеркнула, какой прогресс был достигнут с момента появления GCN 1.0.

На другом конце шкалы графических процессоров Nvidia предложила только две новые модели, и обе использовали один и тот же чип GM200. GeForce GTX Titan X была выпущена в марте, а GeForce GTX 980 Ti — в июне. При цене в 999 долларов первый был нацелен на очень нишевый рынок, но 980 Ti был запущен по цене 649 долларов — все еще очень дорого, но гораздо более приемлемо для более широкой аудитории.

Radeon R9 Fury X еще не появилась, и лучшие видеокарты Nvidia были сопоставлены с подобными R9 295X2 и 290X. В зависимости от игры они предлагали лучшую производительность, хотя модели AMD были гораздо более экономичными.

2015 также ознаменовался выпусками программного обеспечения и объявлениями, которые будут определять направление, в котором графические процессоры и их поставщики будут следовать в своих будущих архитектурах. В марте на ежегодной конференции разработчиков игр Khronos Group публично назвала проект, над которым они работали: «Вулкан» стал горячей темой.

Этот новый графический API предлагал значительные преимущества по сравнению с OpenGL и Direct3D, в основном в форме передачи значительной части управления памятью, потоками и самим графическим процессором разработчикам, а не драйверам графического процессора. Это помогло бы значительно снизить нагрузку на ЦП, с которой боролись системы в то время.

Четыре месяца спустя Microsoft выпустила Windows 10 и вместе с ней DirectX 12.

Графическая часть этого API, называемая Direct3D, предлагала те же функции, что и Vulkan, хотя она была ограничена только новой операционной системой — пользователи со старыми версиями Windows были вынуждены оставаться с DirectX 11.

Однако не то чтобы у него был лучший рекламный старт. Первой игрой только с DirectX 12, естественно, была игра от Microsoft — Gears of War: Ultimate Edition. Название было катастрофическим, с множеством ошибок и ужасной производительностью. Другие игры, использующие новый API, должны были появиться в следующем году, но потребуется больше времени, чтобы программное обеспечение полностью раскрыло свой потенциал.

Одна из его функций, асинхронные вычисления, вызвала особый интерес у разработчиков. Вычислительные шейдеры некоторое время были частью DirectX, впервые появившись в DX11 в 2008 году (и через расширения в OpenGL и программном обеспечении Nvidia CUDA).Эти шейдеры, специально обрабатываемые API DirectCompute, работали в отдельном конвейере с графическим (например, вершинные, геометрические, пиксельные шейдеры) и использовали более широкие вычислительные возможности общего назначения для графического процессора.

Переключение между конвейерами обычно приводило к снижению производительности, поэтому возможность одновременного выполнения обоих конвейеров с помощью асинхронных вычислений была потенциально мощной. Однако, несмотря на то, что и AMD, и Nvidia заявляли, что их последние архитектуры совместимы с DirectX 12, только графический процессор AMD наилучшим образом использовал эту функцию — чипы Nvidia Maxwell не были предназначены для такой работы.

Перед закрытием года Google перевела свое программное обеспечение TensorFlow на открытый исходный код, предоставив общественности полный доступ к библиотеке средств искусственного интеллекта и машинного обучения. Хотя это не было первым в своем роде, усилия Google в том году совпали с Intel (с DAAL), Microsoft (CNTK) и Apache (MXNet).

Видеокарты уже использовались для таких ролей (AI, ML), но растущий спрос на возможности массовых параллельных вычислений станет доминирующим фактором при разработке графических процессоров.

В то время как программное обеспечение Intel предназначалось в первую очередь для процессоров, Google и Apache были открыты для использования на всех типах оборудования, и AMD и Nvidia быстро интегрировали их поддержку с помощью своих собственных наборов инструментов и драйверов. Сами Google продолжит разработку своего собственного «графического процессора», называемого блоком тензорной обработки, для ускорения определенных нейронных сетей.

Nvidia DRIVE PX2 появится в начале 2016 года

Видеокарты уже использовались для таких ролей, но растущий спрос на возможности массовых параллельных вычислений станет доминирующим при разработке графических процессоров.Первым серьезным набегом Nvidia на мир машинного обучения стала разработка Jetson TX1 и Nvidia DRIVE.

Обе системы использовали SoC Tegra X1. Небольшой чип содержал ядра CPU и GPU с использованием архитектуры Arm Cortex-A57 для первого и собственного дизайна Nvidia Maxell для последнего. Несмотря на то, что это не было мощным двигателем, это был момент в истории Nvidia, который показал, что они были сосредоточены не только на играх.

Золотой год для графических процессоров

У каждого энтузиаста ПК будет любимое оборудование, будь то по сентиментальным или финансовым причинам, и многие из них появятся в 2016 году.

AMD по-прежнему была сосредоточена на решении проблемы своего банковского баланса, и большая часть их бюджета на исследования и разработки была направлена ​​на процессоры. Таким образом, графическое подразделение, Radeon Technologies Group, сконцентрировало усилия на повышении рентабельности за счет повышения производительности и лишь относительно небольших архитектурных улучшений.

AMD Radeon RX 480: простой, дешевый и очень популярный

GCN 4.0 появилась вместе с выпуском видеокарт серии Radeon RX 400 в июне — в средних и бюджетных моделях по-прежнему размещался GCN 1.0 / 2.0, но топовая RX 480 отличалась новым дизайном. Этот графический процессор был значительно уменьшен по сравнению с такими, как Фиджи, всего с 36 вычислительными блоками (CU).

У каждого энтузиаста ПК будет любимое оборудование, будь то по сентиментальным или финансовым причинам, и многие из них появятся в 2016 году.

Под кодовым названием Polaris 10 (или Ellesmere ) графическая структура осталась неизменной по сравнению с GCN 3.0, но имела значительно улучшенные механизмы отображения и видео.Но ключевой особенностью Polaris был его размер: всего 232 мм2, он был на 60% меньше, чем Фиджи. Частично причина этого заключалась в использовании меньшего количества единиц измерения.

Основной причиной был переход от использования TSMC к GlobalFoundries для производственных функций GPU. GloFo, как его часто называют, образовалась в 2009 году, когда AMD продала свое производственное подразделение, а для производства Polaris они лицензировали технологический узел Samsung 14LPP.

В этой системе использовались полевые транзисторы FinFET вместо планарных транзисторов, которые использовались TSMC в узле 28HP, который был предшественником Polaris.Обновление позволило достичь более высоких тактовых частот при одновременном снижении энергопотребления и предложить гораздо более высокую плотность компонентов.

Radeon RX 480 не создавалась как самая производительная карта на рынке, она просто была самой рентабельной, и при цене 240 долларов она, казалось, соответствовала этим критериям на бумаге. На самом деле, он был не лучше, чем старые Radeon R9 390 и GeForce GTX 970, и, несмотря на то, что обе эти модели были выпущены почти на 100 долларов дороже, к этому времени их можно было купить по той же цене.

Для AMD, однако, крошечный размер означал, что урожайность будет намного выше, чем у Фиджи — лучшая урожайность означает лучшую маржу прибыли.

Архитектура Nvidia Pascal была чрезвычайно успешной

Nvidia осталась в TSMC, используя свой новый узел FinFET 16FF для производства своей новой архитектуры Pascal. Впервые она появилась на рынке в мае 2016 года в виде GeForce GTX 1080.

Дизайн

Nvidia также использует преимущества новой транзисторной технологии, и хотя он не такой маленький, как Polaris 10, чип GP104, на котором работает 1080, был на 21% меньше, чем графический процессор в GTX 980.

, упакованный внутри GTX 1080, содержал на 38% больше транзисторов (всего 7,2 миллиарда), работал на 42% выше, потребляя при этом всего на 10% больше энергии, чем его предшественник. Он также имел более быструю версию RAM, GDDR5X, что дало ей более чем на 40% пропускную способность памяти, чем у 980 GDDR5.

Рекомендуемая производителем розничная цена для так называемой модели «Founders Edition» составляла 699 ​​долларов, хотя сторонние варианты начинались на 100 долларов дешевле. Но, будучи в среднем примерно на 60% быстрее, чем GTX 980, и примерно на 30% быстрее, чем лучший AMD (Radeon R9 Fury X), улучшение производительности обеспечило его очень хорошие продажи.

GeForce GTX 1050 — компактный и экономичный

В течение следующих шести месяцев Nvidia выпустит три новых графических процессора, использующих архитектуру Pascal: GP102, 104 и 106. Последние два будут работать на таких же, как GTX 1070, 1060 и 1050, — все они хорошо приняты. и популярные покупки. Первый будет использоваться в самой дорогой настольной видеокарте Nvidia с одним графическим процессором того времени.

Titan X был запущен по цене 1199 долларов, что на 70% дороже, чем GTX 1080.Этой огромной цифре соответствовали спецификации графического процессора: 3584 шейдерных блока, обеспечивающих до 11 терафлопс пропускной способности FP32, 12 ГБ ОЗУ GDDR5X и 384 ГБ / с пропускной способности памяти.

Но при всей этой мощности он не на 70% быстрее GTX 1080; многие тесты показали, что в среднем он примерно на 25% лучше. Не то чтобы это имело значение, поскольку Titan X продавался так же хорошо, как и его младшие братья и сестры.

Рынок видеокарт 2016 года предлагал что-то практически на любой бюджет, от 100 до 1000 долларов.Производительность и стабильность графического процессора были заметно лучше, чем когда-либо прежде, и разработчики игр начали в полной мере использовать их возможности.

Nvidia приносила стабильный доход, и хотя ее доля на рынке уменьшилась из-за популярности линейки продуктов AMD RX 400, общие поставки дискретных видеокарт неуклонно сокращались из-за длительного спада глобальных продаж настольных ПК.

Больше ядер, больше тепла … и больше долларов

К настоящему времени производители графических процессоров придерживаются вполне предсказуемой модели: новая архитектура будет выпускаться каждые два года или около того, с промежуточным обновлением линейки, а иногда и тем и другим одновременно.

Для AMD в 2017 году было последнее. Radeon RX 480 получила небольшой скачок тактовой частоты и была переименована в RX 580 — по цене ниже GeForce GTX 1060 на 70 долларов, в целом она работала немного быстрее, хотя и с более высоким энергопотреблением.

GeForce GTX 1060 (слева) и Radeon RX 580 (справа)

Radeon RX 560 среднего уровня была заметным улучшением по сравнению с RX 460, на котором она была основана: два дополнительных вычислительных блока, больше оперативной памяти и более высокие тактовые частоты за ничтожные 99 долларов.GeForce GTX 1050 от Nvidia, которой исполнился год, была немного более энергоэффективной и более производительной, хотя ее цена была немного выше.

Стоит отметить, что GP107, питающий 1050, был изготовлен Samsung с использованием их 14-нм узла — того же, что использовался GloFo для создания графического процессора Polaris 21 в RX 560. Оба имели рейтинг TDP (расчетная тепловая мощность), равный 75 Вт, несмотря на то, что процессор Nvidia имеет больше транзисторов и более высокие тактовые частоты.

Относительно слабый контроль AMD над энергопотреблением снова был подчеркнут видеокартами Radeon RX Vega, выпущенными в середине августа.Архитектура Graphics Core Next была обновлена ​​еще раз до версии 5.0, а графические процессоры по сути были возрождены на Фиджи. В топовой RX Vega 64 было 12,5 миллиардов транзисторных чипов, что на 40% больше, чем у Fiji, но из-за лучшего технологического узла он достиг 495 мм ² против 596 мм ² последнего.

Два чипа HBM2 по 4 ГБ расположены рядом с графическим процессором Vega

Меньший чип также поддерживает больший объем оперативной памяти благодаря использованию новой технологии HBM2, а общая производительность была примерно такой же, как у GeForce GTX 1080.Несмотря на высокие требования к мощности (около 300 Вт для некоторых моделей), стандартная версия стоила 499 долларов — на 100 долларов меньше, чем 1080.

Не то чтобы Nvidia особо заморочилась. Их линейка видеокарт Pascal хорошо продавалась, и в марте они укрепили свои позиции в секторе энтузиастов, выпустив GeForce GTX 1080 Ti. В этой новой видеокарте использовался тот же чип, что и в Titan X, но с меньшим количеством задействованных шейдерных блоков.

Но с более высокими тактовыми частотами он работал практически так же, как модель halo, но продавался на 500 долларов меньше, что казалось дорогой сделкой по сравнению с этим.С запуском MSRP GTX 1080 упала на 100 долларов, а продажи обеих моделей установили новые рекорды для фирмы Santa Clara.

Графический процессор Nvidia GP102 в GeForce GTX 1080 Ti

Nvidia представила новую архитектуру в 2017 году, но не для широкого потребителя. Volta была нацелена на рынок профессиональных вычислений, но ее дизайн и набор функций сильно повлияли на направление будущих продуктов GeForce.

Это был первый чип Nvidia с эксклюзивной архитектурой для определенного рынка.Все предыдущие продукты, ориентированные на вычисления, такие как Tesla K80, были созданы на основе структур, используемых в потребительских настольных ПК и мобильных чипах. Volta не совсем отличался от Pascal, но при размере 815 мм ² , с 21,1 миллиардами транзисторов и 5120 шейдерными модулями, это был самый большой процессор, который они когда-либо производили.

С другой стороны, графические процессоры, интегрированные в процессоры или системы на кристалле (SoC), также добились значительного прогресса. Хотя Intel не нарушала новые технологические границы с процессорами Coffee Lake, их графическая архитектура достигла 9-го поколения.5 и, в зависимости от модели ЦП, до 48 EU — каждый теперь шириной 7 потоков, с одновременным выполнением до 4 инструкций за такт.

Естественно, производительность в играх по-прежнему снижалась из-за общего размера графического процессора, и она довольно плохо уступала новым процессорам AMD на базе Zen со встроенными графическими процессорами Vega. Но это показало, что Intel по-прежнему полна решимости улучшить архитектуру.

Это стало особенно ясно, когда они объявили, что глава AMD Radeon Group Раджа Кодури присоединился к Intel с конкретной целью разработки новых продуктов с дискретной графикой.

Последний раз Intel предлагала дискретную графику для рынка настольных ПК почти два десятилетия назад, и хотя интегрированные графические процессоры — это одно дело, совсем другое дело — масштабировать такие конструкции в конкурентоспособные продукты, чтобы противостоять предложениям AMD и Nvidia.

В мире смартфонов неуклонно развивались графические процессоры. Apple успешно использовала свой собственный дизайн, и хотя в элементах системы использовалась лицензионная технология PowerVR, они объявили, что их пути разойдутся — шаг, который нанес непоправимый ущерб компании, лишенной своих возможностей.

Для поклонников Android компания Arm предложила Mali-T860, а Qualcomm имеет вполне респектабельный графический процессор в серии мобильных SoC Snapdragon 600. Даже двухлетний чип Nvidia Tegra X1 нашел популярное место в Nintendo Switch.

Это должен был стать еще один «золотой год» для графических процессоров. Существовало множество моделей для каждого бюджета и сектора, и AMD и Nvidia казались достаточно хорошо подобранными, за исключением самых верхних ступеней лестницы графической производительности.

Однако то, что на протяжении нескольких лет росло на заднем плане, внезапно взорвалось, и компьютерные геймеры и энтузиасты испытали на себе основную тяжесть афтершока.Использование графических процессоров для майнинга криптовалюты резко возросло из-за стремительного роста цен на биткойны.

Предложение новых графических процессоров иссякло, а цены на подержанные карты заметно выросли. Майнинг на графических процессорах стал обычным явлением, потому что было обнаружено, что графические процессоры чрезвычайно хороши для выполнения множества простых математических задач в массовом порядке . Графические процессоры AMD были особенно хороши в вычислениях, хотя Nvidia были более энергоэффективными.

Независимо от разницы, цены на модели среднего и высшего класса постоянно росли (а также продолжалась нехватка товаров), что продолжалось и в следующем году.И если потребители надеялись, что продукты 2018 года вернут их кошелькам разум, они были немного шокированы.

Новые технологии, новые маркетинговые названия, новые цены

AMD успешно запустила полностью переработанную архитектуру ЦП Zen, после чего потребовала осторожного подхода, потратив ограниченные ресурсы (как финансовые, так и физические) на разработку своих графических процессоров. Вместо того, чтобы обновлять внутренние функции чипа или вводить обновление для Vega, они придерживались знакомого принципа: повторной маркировки.

Таким образом, серия Radeon RX 500 осталась такой же, как и в прошлом году, хотя и с добавлением буквы «X» к названию модели — например, RX 580 стал RX 580X и так далее. Некоторым моделям среднего и бюджетного класса удалось увеличить объем оперативной памяти, но другие изменения были незначительными.

Единственным новым продуктом, который AMD представила на рынке, была Radeon RX 590. В ней использовался тот же чип GCN 4.0 Polaris, что и в RX 580, да и спецификации были почти такими же.Однако этот чип был произведен GlobalFoundries и Samsung с использованием усовершенствованных технологических узлов (GloFo — 12LP, Samsung — 11 LPP).

Конечным результатом было снижение TDP на 5%, увеличение базовой тактовой частоты на 17% и увеличение тактовой частоты в ускоренном режиме на 15%, а также дополнительные 50 долларов на рекомендованную производителем розничную цену (для хорошей меры). Такие незначительные изменения ничем не выделяли RX 590, а 580 (теперь в форме 580X) продавались в магазинах намного лучше.

Nvidia начала 2018 год аналогичным образом, выпуская на рынок исправленные версии своей серии GTX 10, такие как жалкая GeForce GT 1030 с DDR4.Ни один из них не принес ничего нового, но в первые несколько месяцев года это не имело большого значения, так как цены на GPU были такими высокими.

К лету положение улучшилось, и энтузиасты ПК с нетерпением ждали новой архитектуры Nvidia. Разрыв между новыми разработками GeForce на протяжении десятилетия неуклонно увеличивался — 15 месяцев отделяли Максвелла от Кеплера, а между Паскалем и Максвеллом было 28 месяцев.

Первые графические процессоры Turing появились на прилавках в августе и сентябре.Самой первой была модель Quadro для рынка профессиональных рабочих станций. Линия GeForce включает в себя не только новые графические процессоры и карты для покупки, но и новые технологии и маркетинговые условия.

Nvidia использовала метку «GTX» в качестве префикса или суффикса с 2005 года, но теперь ее заменили на RTX , при этом часть RT фактически заменяла трассировкой лучей . Когда-то прерогатива киноиндустрии, возможность более точно моделировать освещение в реальном времени стала доступной для стандартной настольной видеокарты.

Ранее Microsoft анонсировала новый API под названием DirectX Raytracing (DXR) на мероприятии GDC в том году. Они подробно рассказали, как работает система, и продемонстрировали ряд видеороликов от EA, Epic и Futuremark. Хотя Nvidia и прозвище RTX также были задействованы, это было через графические процессоры Volta, а не Turing.

Мы увидели, как эта новая архитектура обрабатывает трассировку лучей с GeForce RTX 2080 и 2080 Ti, которые используют один и тот же чип TU102. С 18.6 миллиардов транзисторов и размер 754 мм ² , по сравнению с этим GP102 на базе Паскаля выглядел крошечным. Несмотря на то, что у него чуть более 4600 шейдерных ядер, у него было всего на 20% больше, чем у его предшественника, так почему же он был намного больше?

Неповторимый процессор TU102 — на 60% больше, чем GP102

Множество изменений под капотом привело к увеличению. Кеши L1 и L2 увеличились вдвое, внутренняя полоса пропускания значительно улучшилась, а добавление ядер тензорной и трассировки лучей к каждому SM (потоковому мультипроцессору) в графическом процессоре сыграло свою роль.

Тензорные ядра — по сути, набор ALU FP16, поэтому они также обрабатывают код шейдера FP16 — появились в Volta, но были немного обновлены для Turing; Ядра RT были совершенно новыми, каждое из которых содержало два специализированных модуля: один для обработки алгоритмов обхода BVH, а другой для тестирования пересечений примитивов лучей.

Помимо техно-лепета, такая схема не является абсолютно необходимой, поскольку трассировка лучей может (и была) выполняться на процессорах. Но для того, чтобы делать это в реальном времени, в повседневных играх, которые мог купить любой, тогда такое оборудование было категорически необходимо.

Однако, поскольку для тестирования нет игр, предлагающих поддержку DXR или его эквивалента через расширения OpenGL / Vulkan, когда появились новые чипы Turing, обозреватели обратились к его сырой производительности в «обычных» играх. Результаты, по крайней мере, для версии Ti, были достаточно впечатляющими и еще больше укрепили позицию Nvidia над топовой короной.

Что было гораздо менее впечатляющим, так это MSRP для запуска — для GeForce RTX 2080 Ti Nvidia установила метку на уровне 999 долларов, а для 2080 — 699 долларов (и дополнительно 100 долларов для Founders Editions).

В первом случае это было на 300 долларов больше, чем у GTX 1080 Ti, хотя RTX 2080 был более приемлемым приростом на 100 долларов по сравнению с 1080. Но с учетом того, что значения графического процессора только вернулись к норме после фиаско с крипто-майнингом, Повышение цены на Ti на 43% многие сочли неоправданным.

Поскольку линия Тьюринга все еще производится TSMC, хотя и на модифицированной версии своего технологического узла 16FF (обозначенной 12FFN), огромные микросхемы никогда не будут генерировать такой же уровень выхода, который могли бы достичь кристаллы Pascal GP102 меньшего размера на 38%.AMD столкнулась с аналогичной проблемой с такими компаниями, как Fiji и Vega, хотя они более охотно покрывали более высокие производственные затраты.

Еще один элемент новых карт GeForce RTX, который широко рекламировался Nvidia: DLSS или Deep Learning Super Sampling . Общая идея DLSS состоит в том, чтобы отрендерить все с более низким разрешением, а затем использовать алгоритм, определенный машинным обучением, для масштабирования окончательного кадра до разрешения монитора.

Тензорные ядра рекламировались как ключевой элемент этой функции, но первая версия DLSS не использовала их в видеокартах потребителей.Вместо этого все это делалось с помощью собственных компьютерных сеток Nvidia, которые использовались для анализа каждой игры, кадр за кадром, чтобы определить, какой будет процедура масштабирования.

Первые впечатления были положительными, так как рендеринг с более низким разрешением улучшил производительность, а масштабирование было достаточно хорошим, чтобы сохранить достойное качество изображения. Но, как и в случае с трассировкой лучей, не было полноценных игр, использующих эту технологию для запуска Тьюринга.

Лебединая песня, новый старт и изменение сердца

Для обозревателей оборудования конец 2018 и первые месяцы 2019 предоставили им лучшую возможность изучить набор функций RTX от Nvidia.К тому времени было доступно несколько названий, поддерживающих DXR и DLSS.

Такие системы, как Battlefield V, Shadow of the Tomb Raider и Metro Exodus, в разной степени использовали эти системы, но две вещи быстро стали очевидными: использование трассировки лучей могло значительно улучшить реализм глобального освещения и теней. , и размышления. Во-вторых, стоимость производительности была исключительно высокой, и только использование DLSS помогло сохранить хоть какое-то подобие играбельности. И это было в 1080p — разрешение выше этого просто не вариант.

Хотя частота кадров 30 кадров в секунду или ниже часто была нормой для консолей, при запуске игр с экстремальной графикой это была полная противоположность тому, что энтузиасты ПК ожидали, выкладывая 1000 долларов за видеокарту.

Примерно в это же время и AMD, и Nvidia выпустили новые видеокарты — первая дала нам Radeon VII, а вторая предложила GeForce RTX 2060 и возвращение названия GTX с 1660 Ti.

Прощаемся с GCN с чипом Vega 20

Radeon VII станет лебединой песней GCN: последней версией этой давно работающей архитектуры, по крайней мере, так может показаться, до того, как AMD перешла на что-то новое.Чипом, питающим карту, была Vega 20, версия той, что есть в Radeon Vega 64, хотя и с некоторыми изменениями, и произведенная на новом узле TSMC 7N.

На бумаге у модели было все необходимое: 16 ГБ HBM2, пропускная способность 1024 ГБ / с, а также 60 вычислительных блоков, работающих на частоте до 1800 МГц.

При запрашиваемой цене в 700 долларов AMD сравнивала ее с GeForce RTX 2080 от Nvidia, и в среднем она была лишь на несколько процентов медленнее при тестировании. Но продукт никогда не предназначался для геймеров, так как это был просто переименованный Radeon Instinct, вычислительная модель на уровне рабочей станции.

GeForce GTX 1660 Ti на базе TU116, с другой стороны, была абсолютно нацелена на игры — особенно для тех, у кого есть четкое представление о бюджете. За 279 долларов вы могли попрощаться с ядрами Tensor и RT и поприветствовать продукт, который был на уровне более дорогого Pascal GTX 1070 на 100 долларов.

Нет трассировки лучей или тензорных ядер для этого графического процессора Turing

GeForce RTX 2060, выпущенная в начале 2019 года, сохранив все функции RTX, была почти на 30% дороже, чем GTX 1660 Ti, но в среднем всего на 12% быстрее, поэтому не предлагала такое же соотношение цены и качества.

Обе основные модели предложили некоторое облегчение по сравнению с ценами Nvidia на их модели RTX для энтузиастов — в случае 2080 Ti она выросла более чем на 300 долларов. Позже к ним присоединятся подобные GTX 1650, выпущенные по цене 149 долларов.

AMD скрывала свою новую архитектуру до лета, когда они выпустили серию Radeon RX 5000 на базе чипов Navi 10. Архитектура GCN была полностью переработана, преобразована в RDNA и устранена многие ограничения, от которых страдала старая конструкция.

Прощай, GCN и привет старту новой архитектуры

В то время как Nvidia стремилась угодить всем рынкам с помощью Тьюринга, как казуальных игр, так и профессионалов, RNDA была посвящена играм. Основные характеристики указывали на то, что она хуже, чем Radeon Vega 64, со значительно меньшим количеством вычислительных блоков. Но AMD переработала архитектуру, чтобы улучшить выдачу инструкций и внутренний поток данных, и конечным результатом стала видеокарта, которая не так уж сильно отставала от Radeon VII и GeForce RTX 2070.При стартовой цене 399 долларов он уступил обеим моделям, а с учетом того, что размер чипа был тонким 251 мм, ² (из-за узла TSMC 7N), он также дал AMD хорошую доходность.

В то время как некоторые люди были разочарованы тем, что новый графический процессор не является топовой моделью, а критика по поводу стабильности и драйверов в конечном итоге станет достойной освещения в печати, Navi доказала, что можно иметь приличную игровую производительность без необходимости в огромных чипах и ценниках. .

Nvidia подготовила ответ на семейство Radeon RX 5000 в виде «супер» моделей — в течение 2019 года RTX 2080, 2070, 2060, GTX 1660 и 1650 будут обновлены графическими процессорами с большим количеством шейдеров. ядра и более высокие тактовые частоты.Дополнительная производительность приветствовалась, как и тот факт, что рекомендованная производителем розничная цена не изменилась, за исключением 2060-х годов.

Проект дискретных графических процессоров Intel начал обретать форму. К настоящему времени у него было четкое название X ^e , и некоторые подробности о потенциальных моделях были обнаружены. Однако его первым выходом будет рынок интегрированной графики.

Конец десятилетия — новые микросхемы, новые угрозы, более серьезные проблемы

2020 год окажется годом несопоставимых состояний. На фоне глобальной пандемии AMD, Intel и Nvidia выпустили новые видеокарты с новой архитектурой и дизайном продуктов.

Microsoft и Sony также выпустили на рынок свежие консоли с множеством новых технологий и функций, причем первая из них объединила несколько лет обновлений API с выпуском DirectX Ultimate.

Скрытый теплоотводом, самый большой графический процессор Nvidia: GA100

Профессиональному миру вычислений и искусственного интеллекта были предоставлены подобные AMD Radeon Instinct MI100 и Nvidia A100, оба с гигантскими графическими процессорами (750 и 856 мм ² соответственно) с огромной мощностью (120 CU дают 23 FP32 TFLOP или 432 тензорных ядра. произведено 312 терафлопов BF16).

Первый представил новую архитектуру CDNA AMD, GCN переродился в рынок только для вычислений, тогда как Nvidia использовала новый дизайн Ampere. Он продавался как прямая замена Volta, предлагая значительное увеличение производительности для рабочих нагрузок AI.

Говоря об искусственном интеллекте, в марте Nvidia представила улучшенную версию DLSS, в которой использовался совсем другой процесс по сравнению с первой итерацией. Теперь тензорные ядра в видеокартах пользователей будут обрабатывать алгоритм вывода для повышения качества изображения, и в целом новая система была хорошо принята.

Энтузиастам настольных ПК

придется подождать до конца года с новой партией графических процессоров, но их терпение было вознаграждено сериями видеокарт GeForce RTX 3000 и Radeon RX 6000. Модели Nvidia принесли Ampere в массы, хотя были значительные различия между чипом GA100 в A100 и GA102, из которого состоялась линейка RTX. Последний был, по сути, обновлением Turing с улучшениями ядер CUDA, Tensor и RT.

Необычный дизайн Nvidia системы охлаждения в GeForce RTX 3080

В случае с общими шейдерными модулями целочисленные ALU теперь могли обрабатывать те же процедуры FP32, что и FP, и Nvidia использовала это для продвижения серии 3000 с удвоенным количеством ядер по сравнению с их предшественниками.Хотя это не совсем так, это означало, что GA102 может предложить значительную пропускную способность с плавающей запятой.

Но поскольку игры не полностью ограничены шейдерами FP32, общая производительность RTX 3090, 3080 и 3070 была меньше, чем указано в бумажных спецификациях, но все же значительно улучшилась по сравнению с Turing. Более того, стартовые цены в целом были ниже, чем у линейки RTX 2000.

AMD взяла RDNA и скорректировала ее критически важные аспекты, такие как энергопотребление, рабочие частоты и пропускная способность, чтобы смягчить факторы, которые в конечном итоге ограничили возможности карт RX 5000.RDNA 2 показала, что постоянный прогресс, достигнутый с архитектурой Zen, идет к цели всей компании.

В народе известный как «Big Navi», графический процессор Navi 21 содержит вдвое больше вычислительных блоков, чем его предшественник, значительный 128 МБ кеш-памяти третьего уровня и адаптированные текстурные процессоры, которые будут обрабатывать проверки пересечения лучей и треугольников при трассировке лучей.

Серия Radeon RX 6000 поставила AMD на равные с Nvidia в большинстве игр, хотя карты были заметно хуже, когда использовалась трассировка лучей, и не предлагали ничего подобного DLSS для повышения производительности.

Та же самая архитектура RDNA 2, хотя и с гораздо меньшим количеством CU и без дополнительного кэша, будет работать на новых консолях Xbox и PlayStation. В сочетании с процессорами Zen 2 на одном кристалле обновленные системы оставили геймеров слюной от возможностей, которые могли предложить устройства.

Даже Intel наконец-то выпустила новый дискретный графический процессор, но только для OEM-производителей и сборщиков систем. Карта Iris Xe для настольных ПК, ранее известная как DG1, не вызывала особого восторга, но она подчеркивала, что Intel серьезно настроена конкурировать на рынке графических решений.

Весь восторг и энтузиазм по поводу новых релизов в конечном итоге превратился в разочарование и гнев, поскольку обычные проблемы с поставками и завышенными ценами выросли до фарсовых размеров. Что касается настольных компьютеров Ampere, Nvidia решила использовать Samsung для производственных задач, и, хотя это никогда не было подтверждено напрямую, общее впечатление, которое испытывали многие представители отрасли, заключалось в том, что их производительность просто не так хороша, как у TSMC.

Не то чтобы это в конечном итоге имело значение. К концу 2020 года и серьезному началу нового десятилетия спрос на электронику и вычислительные устройства резко вырос из-за того, что миллионы людей во всем мире были вынуждены работать из дома.По мере того, как влияние Covid становилось все более серьезным, производство основных компонентов, таких как регуляторы напряжения и микроконтроллеры, становилось все более ограниченным.

Поставки видеокарт GeForce и Radeon стали исключительно редкими, чему не способствовал очередной всплеск майнинга криптовалют и повсеместное использование ботов для массовой покупки карт и консолей с веб-сайтов. Почти каждая доступная модель графического процессора значительно выросла в цене, а подержанные цены совпали или превысили первоначальные значения.

И там, где обычный потребитель боролся с нехваткой опций, AMD и Nvidia продемонстрировали значительный рост выручки, причем последняя продемонстрировала почти 30% -ный рост в своем игровом секторе. Такие цифры вряд ли успокоили бы энтузиастов компьютерных игр, многие из которых не могли или не желали платить грабительские цены, которых требовали видеокарты.

Что нас ждет в будущем?

Итак, когда мы завершаем пятую часть нашей истории современных графических процессоров, было бы упущением не заглянуть в будущее и не посмотреть, возможно ли определить, что нас ждет в следующем десятилетии.Нынешняя ситуация с поставками и ценами не будет длиться вечно, но в ближайшем будущем она не показывает никаких признаков улучшения.

Что мы действительно знаем, так это то, что AMD ранее нацелилась на 2022 год как год для выпуска обновлений для игровых и вычислительных архитектур: RNDA 3 и CDNA 2. Верно ли это, учитывая другие обстоятельства, трудно предсказать, но маловероятно. это займет гораздо больше времени.

По сути, RDNA 2 представляет собой усовершенствованную версию своего предшественника, в которой прирост производительности достигается за счет сочетания конструктивных изменений, направленных на повышение тактовой частоты, эффективность конвейера и сокращение перемещения данных.Единственное новшество — это ускорители лучей, встроенные в текстурные процессоры.

Мы определенно не увидим новую основную версию DirectX в 2022 году, поэтому RDNA 3, вероятно, будет содержать больше тех же оптимизаций и настроек. На изображении выше указано, что он также будет производиться на «усовершенствованном узле», но это говорит нам очень мало. Будут ли они использовать узел N7 + на базе EUV от TSMC или другой, например, N6 или N5?

Графический процессор Navi 21, используемый в серии Radeon RX 6800, является одним из крупнейших чипов AMD, когда-либо разработанных для рынка настольных ПК, с площадью 520 мм2 (больше только Fiji).Но поскольку он все еще на 30% меньше, чем TU102 от Nvidia, можно предположить, что на полках магазинов появится еще более крупный процессор.

Будет ли следующее десятилетие графических процессоров просто обновленными версиями RDNA 2 и Ampere, или появится что-то совершенно новое?

Nvidia значительно более сдержанна в отношении публичной публикации дорожных карт, и мало что известно о том, что их ждет дальше, кроме слухов о том, что она будет называться Hopper (названная в честь Грейс Хоппер, пионера в области компьютерных наук).Как и RDNA 2, Ampere был оптимизацией Тьюринга, и, остановившись на структуре графического процессора, которая относительно мало изменилась за год, есть большая вероятность, что она будет более той же.

И, как и в случае с дизайном AMD Navi, есть возможности для следующего раунда графических процессоров Nvidia, которые будут иметь еще больше шейдерных блоков, кеша и т. Д. — даже если они сохранят Samsung для производственных обязанностей и даже не изменят узел, и тому подобное. GA102 может быть увеличен на 20%, прежде чем он достигнет того же размера, что и самый большой процессор Тьюринга.

Если игнорировать такие графические процессоры, как Volta, которые не были предназначены для потребительского рынка, то TU102 был самым крупным графическим процессором, который производился и продавался для настольных ПК. При 754 мм2 он сильно ограничивал количество штампов, которые можно было извлечь из одной 300-миллиметровой пластины — в лучшем случае около 80 или около того. Так сможем ли мы снова увидеть чипы такого размера?

Выборка крупнейших графических процессоров AMD и Nvidia за последние годы показывает неопределенно линейную тенденцию роста размеров кристаллов, но также подчеркивает, как изменение узла процесса может иметь огромное значение (например, сравните размеры Vega 10 и 20). .Однако в данных слишком много различий, чтобы их можно было использовать для надежной оценки того, какой размер процессора можно увидеть в ближайшие десять лет.

Возможно, лучшим подходом было бы посмотреть на вычислительную мощность, предлагаемую вышеупомянутыми графическими процессорами, для данной плотности единиц (то есть миллионов транзисторов на квадратный миллиметр). Хотя пиковая пропускная способность FP32, измеряемая в миллиардах операций с плавающей запятой в секунду, не единственный показатель, который следует использовать для оценки возможностей графического процессора, это сопоставимый показатель.Это связано с тем, что общие шейдерные операции составляют основную часть нагрузки обработки и будут продолжать делать это в течение некоторого времени.

Когда мы смотрим на график этих цифр (ниже), он рисует совсем иную картину. Есть выбросы, которые в некоторой степени влияют на тенденции, но даже после их удаления общая картина в целом остается той же.

Это показывает нам, что Nvidia последовательно фокусировалась на увеличении исходной вычислительной мощности с каждым новым дизайном — что имеет смысл, учитывая, как одни и те же чипы используются в общих и профессиональных моделях.То же самое было и с AMD, пока они не выпустили RDNA, в которой продукт предназначен исключительно для игр.

GCN существует в форме CDNA, а также во встроенных графических процессорах в APU Ryzen, и хотя есть только один графический процессор, использующий эту архитектуру, он фактически находится ниже, чем Navi 21 на диаграмме. Это связано с тем, что эта конструкция предназначена для рабочих нагрузок AI, где стандартная обработка FP32 менее важна, чем целочисленные и тензорные рабочие нагрузки.

Благодаря тому, что и Nvidia, и AMD предлагают ускорение трассировки лучей, а также поддержку форматов данных и математических операций, необходимых для машинного обучения в их последних графических процессорах, ПК и консольные игры этого десятилетия все чаще будут их использовать.Так же, как сглаживание и тесселяция когда-то были слишком требовательными и их можно было использовать только с осторожностью, то же самое будет верно и в отношении сегодняшних проблем с производительностью.

В 2077 году в играх не потребуется регулярно использовать психоуровни глобального освещения с трассировкой лучей

Означает ли это, что графические процессоры 2030 года будут регулярно достигать размера 800 мм2 и производить более 1 TFLOP на единицу плотности? Будут ли они отдавать предпочтение трассировке лучей и машинному обучению по сравнению с традиционными аспектами, такими как шейдеры общего назначения или обработка текстур? Возможно, но во всем этом есть важный аспект, который может ограничить такие модели роста или изменения в фундаментальной конструкции графического процессора, и все это вращается вокруг перемещения данных.

Наличие тысяч шейдерных модулей, тензорных ядер или ядер трассировки лучей — это хорошо и хорошо, но они останутся высыхать, если не смогут получать или записывать данные достаточно быстро. Вот почему размер кеша и внутренняя пропускная способность так сильно выросли с момента появления индустрии GPGPU.

SM G80 — это пара розово-зеленых блоков сверху и снизу. Между ними лежат текстурные блоки и кеш. Изображение: Fritzchens Fritz

Nvidia G80, первый чип компании, использующий унифицированные шейдеры, имел всего 16 кбайт общей памяти для каждого SM (потокового мультипроцессора), 16 кбайт кэша текстур для пары SM и в общей сложности 96 кбайт уровня 2.Сравните это с GA102, где каждый SM получает 128 КБ кэша L1, а весь графический процессор содержит 6144 КБ L2.

По мере развития технологических узлов и уменьшения размеров компонентов может показаться, что можно упаковать еще больше. Однако SRAM (основной строительный блок кеша) масштабируется намного хуже, чем это делают логические системы, и с таким большим количеством современных Графический процессор является кеш-памятью, размеры чипа могут увеличиваться в размерах без увеличения количества шейдеров или возможности трассировки лучей в том же масштабе.

А может быть и наоборот. Nvidia (и другие) провели значительные исследования по масштабированию производительности графического процессора с помощью модульной конструкции, то есть наличия нескольких меньших матриц в одном корпусе, во многом так же, как AMD делает с чиплетами на процессорах на базе Zen.

Графические процессоры

в настольных ПК 2030 года не будут иметь таких !

Хотя такое исследование проводилось преимущественно для профессионального рынка, стоит помнить, что многие функции Volta нашли свое отражение в Тьюринге, поэтому вполне возможно, что в конце этого десятилетия у геймеров появятся ПК с многочисленными процессорами и графическими процессорами. в относительно компактные пакеты.

Но независимо от того, какой формат они выберут, завтрашние графические процессоры будут продолжать расширять границы проектирования микросхем СБИС и производства микропроцессоров. Необработанные возможности будущих графических процессоров с точки зрения пропускной способности FP32 и внутренней полосы пропускания достигнут уровней, о которых можно было только мечтать всего 10 лет назад.

И поскольку Intel и другие полны решимости пробиться на рынок, чтобы извлечь выгоду из роста GPGPU в ИИ, мы можем быть уверены в одном: AMD, Nvidia, и др. все еще далеки от пределы того, что они могут достичь с помощью своих графических процессоров.

Кредит на шапку: Syafiq Adnan

Будущее, настоящее и история графического дизайна

Мы живем в мире, который процветает благодаря визуальным эффектам.

С тех пор, как компании обнаружили, что они могут отличаться друг от друга с помощью профессиональной фотографии брендов, запоминающихся логотипов и выдающегося дизайна визуальной идентичности, потребность в красивом и эффективном графическом дизайне сохраняла спрос на талантливых профессионалов.

Вначале дизайнеры были художниками, которые рисовали формы и концепции на основе современных тенденций, таких как модернистское движение графического дизайна.По мере того как отрасль стала более тесно связана с технологиями и начали развиваться инновационные инструменты, область графического дизайна начала развиваться.

Проще говоря, графический дизайн — это искусство объединения идей, изображений и текста во что-то, что привлекает и информирует аудиторию. Речь идет об общении через визуальные эффекты. Это может означать использование уникальной психологии форм логотипа для привлечения определенной аудитории. Или это может включать в себя тщательный выбор цветов для веб-сайта, чтобы повысить шансы организации на конверсию.

Как способ общения с помощью изображений имеет смысл, что история графического дизайна будет развиваться так же, как человеческое общение продолжает меняться и развиваться с течением времени. Чем больше компании, занимающиеся графическим дизайном, узнают о человеческой психологии, поведении клиентов и экологических тенденциях, тем больше меняется искусство дизайна.

Здесь мы собираемся взглянуть на природу графического дизайна сегодня, откуда возникла дисциплина и как отрасль продолжает развиваться. Хватай свой DeLorean, мы отправляемся в путешествие во времени.

История графического дизайна: Творчество творчества

По своей сути графический дизайн — это форма искусства, и людей всегда привлекало самовыражение через искусство. Фактически, некоторые люди утверждают, что историю графического дизайна можно проследить вплоть до наскальных рисунков, таких как предметы, созданные в Шове в 30 000 году до нашей эры. В 1436 году концепция графического дизайна совершила огромный скачок вперед, когда была изобретена «пресса Гутенберга», которая впервые в истории позволила массово производить контент.

Есть множество примеров важных достижений графического дизайна в истории. Например:

• В 1796 году Алоис Сенефельдер разработал концепцию «литографии» — первого метода печати с использованием плоской поверхности.
• В 1880 году появление полутонового экрана позволило печатать фотографии в различных оттенках.
• В 1932 году появился шрифт «Times New Roman», разработанный Стэнли Моррисоном и названный «Times of London».

Большая часть развития графического дизайна, каким мы его знаем сегодня, началась в начале двадцатого века, когда появились сотни шрифтов, созданных графическими дизайнерами по всему миру.В то же время реклама и средства массовой информации начали развиваться, а профессиональные дизайнеры нашли больше рабочих мест, заполняя страницы газет, журналов и т. Д. В 1919 году в Германии открылась первая школа графического дизайна, Баухаус.

Чтобы помочь вам лучше понять современный графический дизайн и то, как он развивался на протяжении многих лет, давайте рассмотрим некоторые из наиболее значительных изменений стиля на протяжении всей истории:

1. Модерн

Графический дизайн в ответ на промышленную революцию, ар-нуво стал мостом между современным графическим дизайном и историческим академическим искусством.Большая часть движения «Новое искусство» включала органические линии, похожие на виноградную лозу, элегантные изгибы и декоративную типографику. В мире, где цифровые дисплеи требуют, чтобы дизайн был гораздо менее сложным, дизайн в стиле модерн для большинства стал устаревшим элементом графического дизайна. Тем не менее, мягкие цвета и завитки могут способствовать винтажным стратегиям графического дизайна. Например, логотип General Electric выполнен в стиле модерн:

.

2. Модернизм

Модернизм стал частью истории графического дизайна в 1950-х годах.Для этого стиля характерно сознательное решение отказаться от художественных стилей прошлого, вместо этого делая упор на экспериментирование с новыми материалами и техниками. Целью модернистского графического дизайна было создание произведений искусства, отражающих природу современного общества. Смелые цвета, простые формы и современные шрифты — все это общие элементы модернистского графического дизайна. Airbnb предлагает отличный пример модернистского логотипа.

3. Ар-деко

Движение графического дизайна в стиле ар-деко стало популярным во время Первой мировой войны.Для многих это был побочный продукт модернизма и способ графических дизайнеров показать роскошь и красоту простых форм и типографики. Этот вид искусства роскошный и аутентичный, с множеством геометрических форм, контрастных цветов и симметричных узоров. Идея заключалась в том, чтобы создать ощущение элегантности, символизирующей богатство и изысканность.

4. Швейцарский стиль

Часто называемый «международным типографским стилем», швейцарский стиль, что неудивительно, зародился в Швейцарии в 1950-х годах, и он стал основой для многих событий в истории графического дизайна на протяжении 20-го века.Швейцарский дизайн продолжает оказывать влияние на сферу сегодня, поскольку в нем делается упор на удобочитаемость и простоту. Графические дизайнеры, использующие швейцарский стиль, делают акцент на типографике и шрифтах без засечек, а не на эскизах. Например, логотип Microsoft может быть хорошим примером швейцарского дизайна.

5. Цифровая эра

Сегодня современный графический дизайн далеко ушел от традиционных рисованных глифов и изображений прошлых десятилетий. С момента запуска компьютера Mac больше людей, чем когда-либо прежде, получили доступ к сотням инструментов и решений, которые одновременно делают графический дизайн более эффективным и сложным.В современном мире нет единого стиля, о котором можно было бы говорить. Вместо этого графический дизайн сегодня ориентирован на тенденции и ожидания отрасли.

Чтобы создать долговечный логотип или создать уникальный имидж для своего бренда, современные компании ищут способ привлечь свою целевую аудиторию, анализируя текущие тенденции. Например, логотип Apple превратился из чего-то очень модернистского в нечто простое, прямолинейное и инновационное — как и сам бренд.

Графический дизайн сегодня: как изменился мир

Мало что так сильно повлияло на историю графического дизайна, как развитие технологий и цифровая трансформация.

Несколько десятилетий назад никто и представить себе не мог, куда нас заведут компьютеры и Интернет. Теперь мы можем только с трепетом оглядываться на то влияние, которое цифровая революция оказала на то, как мы работаем, общаемся и общаемся. Современный графический дизайн стал более интуитивным и захватывающим, чем когда-либо, поскольку художники больше не догадываются о том, что ищут их рынки. Вдохновение и руководство повсюду, превращая графических дизайнеров в мастеров манипулирования потребителями.

Вот лишь некоторые из изменений, которые мы заметили в графическом дизайне сегодня.

1. Компании вкладывают больше средств в графический дизайн

Число людей, инвестирующих в компании, занимающиеся графическим дизайном, выросло астрономически. Благодаря технологиям у брендов появляется больше возможностей для рекламы в Интернете. Тем, кто хочет взаимодействовать со своими клиентами запоминающимся образом, необходимо изображение, и именно здесь на помощь приходит графический дизайн.

Более того, онлайн-мир означает, что компании могут анализировать данные в реальном времени и выяснять, какие графические элементы лучше всего влияют на их бизнес.Это означает, что бренды не только вкладывают больше средств в дизайнеров, но и получают более высокую рентабельность инвестиций! Графический дизайн стал глобальным диалогом между брендами, их клиентами и людьми, способными преодолеть разрыв.

2. Умный контент-маркетинг и графический дизайн

Раньше, когда графический дизайн впервые стал фундаментальной частью маркетинга, художники в основном занимались разработкой логотипов и рекламных носителей для своих клиентов в виде листовок и баннеров.Графический дизайн покупался время от времени, но сегодня он является неотъемлемой частью надежной стратегии брендинга. Фактически, некоторые из лучших компаний в мире используют графический дизайн каждый день в своих маркетинговых кампаниях в социальных сетях и контент-маркетинге.

В мире, где клиенты хотят наладить более прочные и уникальные связи с компаниями, стоковая фотография и десятки изображений не годятся. Графические дизайнеры теперь имеют возможность выделить организации в цифровом ландшафте с помощью визуальных эффектов и фотографий брендов, которые могут привлечь внимание всей аудитории.

3. Новые каналы для изучения

Говоря о контент-маркетинге и социальных сетях, графические дизайнеры теперь осваивают ряд новых навыков, чтобы укрепить свое мастерство. В прошлом создание медиа для компании сводилось к тому, чтобы максимально эффективно объяснить, чем занимается ее бизнес. Хотя сегодня это все еще распространенный компонент графического дизайна, есть много новых концепций, о которых нужно подумать.

Например, психология и поведение покупателя теперь играют роль в графическом дизайне.Многие эксперты по брендингу смотрят на такие вещи, как психология цвета и влияние форм, чтобы убедиться, что они передают правильную индивидуальность каждого клиента. В то же время дизайнеры больше не создают изображения только для одной платформы. Логотипы, средства визуальной идентификации и элементы графического дизайна должны одинаково хорошо работать в приложениях, мобильных устройствах и на больших экранах. Это означает, что в мире дизайна появились новые дисциплины, такие как «адаптивный» дизайн.

Роль графического дизайнера изменилась

По сути, роль графического дизайнера изменилась, превратившись из разового подрядчика в важную часть любой бизнес-команды.Современные бренды полагаются на своих дизайнеров не только в создании логотипов и тактических элементов коммуникации, но и в обеспечении их присутствия в онлайн-мире и повышении узнаваемости своего бренда. Графический дизайн — это уже не просто произведение искусства, это процесс установления реальной связи между клиентами и компаниями с помощью слов, тона, изображений, дизайна и технологий.

Современный графический дизайн: тенденции, которые мы наблюдаем прямо сейчас

Природа человеческого общения и быстрые темпы развития цифрового мира означают, что часто бывает трудно уследить за постоянно меняющейся природой графического дизайна.В эпоху, когда технологии повсюду, делая творчество более доступным, тенденции в современном графическом дизайне могут исчезать так же быстро, как и возникать.

Что-то, что казалось передовым в 2017 году, может полностью устареть в 2018 году. Точно так же дизайн, который вдохновляет мир сегодня, может стать устаревшей новостью завтра. Например, некоторые из современных тенденций графического дизайна, которые мы наблюдаем сегодня, включают:

1. Упрощение

Сегодняшние клиенты более заняты и спешат, чем когда-либо прежде.У них нет времени иметь дело с компаниями, которые не могут передать свою личность и намерения с помощью простейшего графического изображения. В прошлом компании, которые хотели оказать большое влияние, делали большие, смелые и даже сложные дизайны своих логотипов и веб-сайтов. Сегодня простота — залог успеха.

Например, ребрендинг Moonpig включал полное избавление от изображения космической свиньи и демонстрацию их забавной индивидуальности с помощью небольшого количества простого текстового кернинга. Неуклюжие буквы в логотипе Moonpig больше демонстрируют характер компании, чем любой мультипликационный персонаж, и при этом делают бренд более профессиональным.

2. Смелые и смелые цвета

Если вы, как и мы, в последнее время отслеживаете тенденции в дизайне логотипов и брендинга, то вы заметили огромное количество цветов, появившихся в 2017 году. Графические дизайнеры начали делать более масштабные и смелые решения в сочетании с плоским дизайном. графика и простые формы.

Например, новый логотип Dropbox использует свежие и современные образы в сочетании с рядом смелых и ярких цветов на выбор, чтобы клиенты могли создать собственное впечатление о бренде.Это подчеркивает природу компании, которая заявляет, что предлагает хранилище, сделанное на заказ для любого бизнеса или отдельного человека.

3. Фирменная перегонка

В последнее время кажется, что современный графический дизайн движется по пути к более простым, но в то же время более захватывающим тенденциям. История графического дизайна дошла до того момента, когда эксперты осознали важность клиентского опыта и его значение для визуального контента.

Сегодня

Function заменила излишние детали дизайна, и бренды стремятся сократить свои основные активы, одновременно вкладывая больше смысла в каждый элемент.Например, YouTube почти полностью исключил это имя из своего портфолио брендов, сведя все к одному простому и эффективному изображению. Графический дизайн больше не должен быть сложным. Это просто должно что-то значить и оказывать влияние.

Взгляд в будущее: от модернистского графического дизайна к футуристическому

Чем больше мы исследуем историю графического дизайна, тем больше он демонстрирует себя как зеркало более широких изменений, которые мир пережил во всем мире.Когда миру была нужна красота, у нас был модерн, а теперь, когда клиенты ищут простоту, у нас есть совершенно новая версия современного графического дизайна.

Ключ к графическому дизайну сегодня — это помнить, что визуальные эффекты больше не только для того, чтобы сделать бренд привлекательным, но и для улучшения качества обслуживания клиентов. От дизайна логотипа до изображений, которые вы публикуете в каждом блоге, графический дизайн — ключ к запоминающейся визуальной идентичности.

По мере того, как мы движемся в будущее, есть вероятность, что графический дизайн продолжит меняться.Хотя невозможно предсказать все изменения, которые принесут годы вперед, вот лишь несколько прогнозов, которые следует учитывать:

1. Баланс между мечтами о будущем и воспоминаниями о прошлом

Одна из тенденций, которые мы недавно заметили в среде графического дизайна, заключается в том, что почти одинаково стремятся к дизайну, который раздвигает границы передовых изображений, и концепциям, которые возвращаются к винтажному стилю. В мире, который принадлежит множеству поколений потребителей, дизайнеры начинают более тщательно думать о том, хотят ли они обратиться к футуристическим поколениям завтрашнего дня или к пожилым клиентам, которые жаждут невинности и простоты своей юности.

Винтажный графический дизайн стал обычным компонентом многих элементов брендинга. Нарисованные от руки элементы, простые линии и уникальная типографика — все это может стать отличным способом ощутить ностальгию по определенному бренду или передать наследие новой компании.

2. Данные игры изменят

Как упоминалось выше, цифровая революция изменила подход графических дизайнеров к отрасли. Мы больше не делаем предположений о клиентах, а реагируем на конкретные потребности на основе понимания, полученного в ходе исследований, опросов и онлайн-показателей.Например, когда компании начали обнаруживать, что все больше людей просматривают веб-сайты со своих телефонов, они узнали, что графический дизайн их веб-сайтов должен быть более гибким и готовым к работе с любым устройством.

По мере того, как искусственный интеллект и машинное обучение входят в сферу дизайна, можно даже определить, как люди относятся к бренду, не спрашивая их. Такие вещи, как анализ настроений, могут привести к более интуитивным методам проектирования.

3. Индивидуальность станет более важной

Конечно, в то время как цифровой мир предлагает множество преимуществ современным дизайнерам, он также сопряжен со своими уникальными проблемами.Сегодняшние клиенты знают, что у экспертов по графике есть бесчисленные ресурсы, которые они могут использовать, чтобы понять свои потребности. Имея это в виду, они ожидают, что бренды будут создавать более персонализированный опыт во всем, что они делают — от дизайна логотипа до создания контента.

Независимо от того, инвестируют ли компании в маркетинг B2C или в свою маркетинговую стратегию B2B, им нужно будет использовать современный графический дизайн, чтобы показать своим клиентам, что они их понимают, если они хотят добиться лояльности.Ключом к превращению потенциальных клиентов в защитников бренда может стать что-то настолько простое, как использование нарисованных вручную изображений для вашей аудитории вместо стоковых фотографий или анимации вместо статичных изображений.

4. Адаптивный дизайн может стать более отзывчивым

Возможно, вы уже слышали о концепции, известной как «динамическая» реклама. Это когда реклама, которую компания делится с клиентом, естественным образом изменяется в соответствии с покупательским поведением этого потребителя. Это отличный пример того, как мы используем данные для персонализации пути к покупке.Современные художники по графическому дизайну уже создают уникальные изображения для различных сегментов электронной почты или баннерной рекламы. Однако завтра этот отзывчивый маркетинг может перейти на новый уровень.

По мере того, как мы узнаем больше о человеческом поведении, графические дизайнеры могут использовать разные цвета и изображения в зависимости от того, что им известно о потребностях клиента на определенном этапе цикла покупки. Например, если потенциальный клиент нервничает по поводу покупки в организации, графический дизайнер может создать инфографику в мягких синих тонах, чтобы успокоить его.

5. Креативная типографика по-прежнему будет соответствовать правилу

.

Наконец, теперь, когда программное обеспечение для набора текста стало дешевле и проще в использовании, чем когда-либо, количество новых шрифтов, выпускаемых каждый год, достигло астрономического уровня. Хотя мы можем не знать точных цифр, можно с уверенностью сказать, что становится все труднее создавать выделяющийся шрифт.

Через пару десятилетий графическим дизайнерам, стремящимся выделиться с помощью шрифтов, будет сложно выделиться из толпы.Однако, как мы убедились в последние годы, креативная типографика по-прежнему остается одним из лучших способов привлечь внимание аудитории. Дизайнеры, которые могут найти способ преодолеть распространенные шрифты и связаться с новыми клиентами от имени своих клиентов, обязательно будут лидерами.

Постоянная эволюция: понимание графического дизайна сегодня

Можно с уверенностью сказать, что история графического дизайна долгая и сложная. Графические дизайнеры прошли долгий путь с тех пор, как рисовали рисунки на стенах пещер.Сегодня мы отточили мастерство объединения изображения и текста во что-то, что может передать опыт и идеи широким категориям людей.

Графический дизайн — одна из важнейших форм коммуникации, в которую может инвестировать любой бизнес. Его можно применить к чему-то столь же простому, как приложение для смартфона, или к чему-то столь же сложному, как фирменный стиль в целом. Хотя природа графического дизайна могла измениться с годами, основная цель осталась прежней. Сегодня, как и всегда, графические дизайнеры предоставляют своим клиентам другой способ общения со своей аудиторией.

Поскольку технологии, к которым у нас есть доступ, продолжают развиваться, включая такие вещи, как виртуальная реальность, дополненная реальность и многое другое, нет никаких сомнений в том, что современный графический дизайн продолжит меняться. Однако в мире, который управляется пользовательским опытом, художники, которые знают, как использовать изображения и текст для передачи эмоций и установления связи со своей аудиторией, должны быть готовы к тому, что их методы будут проверены временем.

Что вы думаете об эволюции графического дизайна? Какой ваш любимый стиль и как вы думаете, куда мы движемся? Развитие мира дизайна может быть сложной задачей, но мы любим участвовать в этом путешествии в Fabrik.Мы хотели бы услышать ваши мысли…

Если вам понравилась эта статья, возможно, вам понравится и эта:

— Приведение в форму: использование формы в дизайне логотипа

— В поисках своего типа: Психология шрифтов в дизайне логотипов

— Истинные цвета: использование цвета в графическом дизайне

— Дизайн логотипа: важнейший элемент визуального брендинга

Gen 1 Design, наиболее усовершенствованные современной графикой

Многие покемоны увидели улучшенные модели персонажей теперь, когда игры перешли на современную графику, но какие из них принесли больше всего?

За прошедшие годы несколько покемонов получили некоторое свечение после перехода на 3D-модели персонажей.Из-за ограничений графики в более ранних версиях Pokémon Red и Blue некоторые Покемоны практически неузнаваемы от своих современных аналогов. Хотя большинство оригинальных спрайтов для игры великолепны, есть несколько, которые не выдерживают испытания временем.

Однако с тех пор, как серия перешла на современную графику, игроки осознали, что каждого покемона придется переосмысливать для нового трехмерного мира.Безусловно, ведутся споры о том, был ли улучшен дизайн всех покемонов за счет перехода на 3D-модели, и фанаты придерживаются обеих сторон. Некоторые из покемонов первого поколения извлекли больше пользы из перехода к современной графике, чем другие.

Продолжайте прокручивать, чтобы продолжить чтение Нажмите кнопку ниже, чтобы начать эту статью в режиме быстрого просмотра.

Связанные: Как Pokémon Diamond & Pearl Remakes могут быть в открытом мире

Оригинальные спрайты были разработаны, чтобы соответствовать 2D-графике игр.Для таких любимых фанатами покемонов, как Пикачу и Чаризард, дизайн был великолепен. Несмотря на то, что Pikachu немного похудел с первых дней первого поколения, его модель по-прежнему пользуется популярностью у фанатов. Однако для покемонов, представленных ниже, этот ход, кажется, исправляет некрасивую ситуацию Даклетта, способную лучше передать дизайн покемона и вдохнуть жизнь в любимых покемонов с современной графикой.

Покемон

Gen 1, улучшенный современной графикой: Blastoise

Оригинальная модель спрайта для Blastoise, хотя и не самая худшая в этом списке, не совсем удобна, куда бы ни смотрели игроки.У него есть крошечные плечевые пушки, которые не выходят из задней части корпуса, как показано на 3D-модели. Просто посмотрев шоу или даже взглянув на коробку оригинального покемона Pokémon Blue , игроки поняли, что что-то не так, когда дело дошло до игрового дизайна Бластойза, не говоря уже о гигантской оболочке Бластуаза, принимающей такую ​​большую часть формы спрайта. Это действительно поражает дерзкую улыбку Бластуаза, ту же улыбку, что и у игроков, когда они знают, что их друзья выбрали Red из-за Чаризарда, но у Бластуаза есть преимущество типа против него.

Покемон

Gen 1, улучшенный современной графикой: Gastly

У Гастли может быть один из худших оригинальных спрайтов из первой пары игр Pokémon .Похоже, кто-то ударил вампира по лицу поверх брызг краски из баллончика. С новыми 3D-моделями Ghastly он, по крайней мере, имеет определенную форму. Эта форма может быть просто светящимся черным шаром, но у него есть хоть какое-то тело. Гастли может быть газообразным покемоном, но ему нужно немного больше определения.

Покемон

Gen 1, улучшенный современной графикой: Geodude

Оригинальная модель спрайта для Geodude странно тревожит.Он слишком гладкий, совсем не похож на скалистые современные 3D-модели. Это похоже на то, как если бы кто-то отполировал Geodude, он стал очень похож на мяч. Кроме того, он одобряет версии спрайта Geodude Pokémon Red и Blue , что кажется слишком дружелюбным. 3D-версии Покемона больше сосредоточены на демонстрации своих скалистых мускулистых рук.

Покемон

Gen 1, улучшенный современной графикой: Golbat

Дизайн

Golbat’s Pokémon грубоват, обойти его невозможно.90% его тела — это рот, а остальное странное. Стоящий под неудобным углом, глаза Голбата даже не упираются в его голову как следует. У него действительно ужасная пара зубов, хотя это не компенсирует тупой вид языка, вырывающийся из его рта. К счастью, современные интерпретации Голбата в играх Pokémon смягчили ситуацию со ртом, но при этом сделали ее внушительной и устрашающей.

Есть много других покемонов, у которых был улучшен дизайн персонажей в различных играх, хотя они могут быть не такими интересными, как эти.Работа со спрайтами — удивительное искусство, но более ранние версии серии Pokémon явно не могли улавливать столько деталей, сколько современные игры.

Далее: Худший дизайн каждого поколения покемонов, рейтинг

Animal Crossing: пополнение запасов медведя и новый персонаж

Об авторе Райан Хэй (Опубликовано 17 статей)

Райан Хэй — писатель-фрилансер, увлеченный играми.Проработав на игровой сцене несколько лет, Райан хочет рассказывать интересные истории с уникальным взглядом на игровую индустрию.

Ещё от Ryan Hay

Графика для современного режима ожидания | Документы Microsoft

• 02.04.2021
• 5 минут на чтение

В этой статье

Обзор

Дискретные графические процессоры

представляют собой серьезную проблему для современных резервных систем, поскольку они создают нагрузку на платформу как с точки зрения энергопотребления, так и с точки зрения задержки выхода из спящего режима.Это фундаментальный компромисс между мощностью и производительностью — если dGPU сохраняет свою память во VRAM (либо оставаясь активным в D0, либо путем включения возможностей самообновления VRAM в D3), то он потребляет дополнительную мощность — проблема перед лицом предстоящего энергопотребления. нормативно-правовые акты. Однако, если dGPU переходит в состояние D3 и полностью выгружает свое содержимое для отключения питания VRAM, система может страдать от длительных задержек при выходе из спящего режима, поскольку восстановление содержимого VRAM из основной памяти может занять несколько секунд. Этот компромисс должен быть сбалансирован, чтобы упростить внедрение Modern Standby для систем с dGPU и обеспечить наилучшее взаимодействие с пользователем.Этот документ призван подробно объяснить проблему dGPU и изложить рекомендации по поддержке dGPU в современных резервных системах.

Текущая поддержка dGPU

Проблему поддержки dGPU можно рассматривать в рамках двух отдельных категорий: (1) дополнительные карты dGPU и (2) встроенные dGPU. Следующая диаграмма описывает ситуацию и рекомендации по этим сценариям. Остальные разделы расширяют информацию и требования, выделенные в этой таблице.

Поскольку экосистема работает над улучшением мощности и производительности dGPU: :

Plug-in dGPU : dGPU, которые вставляются в открытый слот PCIe либо в конфигурации доставки, либо добавляются независимо конечным пользователем.Это относится к любой системе с открытым слотом PCIe, способной поддерживать дополнительную карту dGPU.

Системы должны реализовать PCI ECN, чтобы позволить dGPU перейти в состояние D3cold dGPU должен быть способен вводить D3cold Поддержка самообновления в dGPU является необязательной — если она поддерживается, система обеспечивает лучший пользовательский опыт, предоставляя возможность «мгновенного включения», следует учитывать регулирование мощности. Пороговое значение для ОС, использующей возможность самообновления dGPU, составляет 300 МБ в VRAM Если dGPU не использует самообновление (отсутствует поддержка или функция, отключенная в графическом драйвере), структура Microsoft Directed PoFx (DFx) принудительно отключит dGPU с D0 после 2 минут простоя — VRAM будет выгружена. Системы с dGPU освобождаются от требования в тестировании HLK для задержки возобновления в 1 секунду из современного режима ожидания, так как разгрузка VRAM приводит к увеличению задержки.

Паяные конструкции : Это относится как к высокопроизводительным ноутбукам, так и к моноблокам, поставляемым с dGPU, и гибридным системам, в которых используется как встроенный, так и дискретный графический процессор.

dGPU должен быть способен вводить D3cold. Рекомендуется поддержка самообновления в dGPU — если она поддерживается, система обеспечивает более удобное взаимодействие с пользователем, предоставляя возможность «мгновенного включения», но система должна быть тщательно спроектирована с учетом требований по питанию. Пороговое значение для ОС, использующей возможность самообновления dGPU, составляет 300 МБ в VRAM Если dGPU не использует самообновление (отсутствует поддержка или функция, отключенная в графическом драйвере режима ядра), структура Microsoft Directed PoFx (DFx) принудительно отключит dGPU с D0 после 2 минут простоя — VRAM будет выгружена Системы с dGPU освобождаются от требования в тестировании HLK в отношении задержки возобновления в 1 секунду из современного режима ожидания, поскольку разгрузка VRAM вызывает снижение задержки.

По сути, есть несколько основных моментов, касающихся поддержки dGPU в моделях Modern Standby:

• Производители систем должны сначала убедиться, что их системы соответствуют требованиям по электропитанию, а затем оптимизировать их для обеспечения наилучшего взаимодействия с пользователем в отношении времени выхода из современного режима ожидания.
• Экосистема движется к самообновлению видеопамяти, что является требованием для поддержания высокого уровня взаимодействия с пользователем при более низком энергопотреблении dGPU.
  • В интересах экосистемы инвестировать в повышение энергопотребления GDDR.

Поведение самообновления видеопамяти dGPU

В этом разделе обсуждается текущая эвристика поведения самообновления dGPU — разработчики системы должны учитывать это при оценке поведения и производительности своей системы, поскольку они будут зависеть от сценария — в частности, от способности самообновления dGPU. и сколько контента в настоящее время хранится во VRAM.

Начиная с Windows 10, операционная система принимает решение о том, когда использовать самообновление, а когда не использовать. Если VRAM относительно пуста при переходе в спящий режим, она будет отключена без использования самообновления. В противном случае будет использоваться самообновление VRAM. Порог для этого поведения в настоящее время определен как 300 МБ содержимого в VRAM и может быть дополнительно оптимизирован в будущем. В следующей таблице описана текущая эвристика самообновления:

	Переход в современный режим ожидания с помощью & lt & equals; Используется 300 МБ видеопамяти	Переход в современный режим ожидания с использованием> 300 МБ видеопамяти
dGPU с поддержкой самообновления видеопамяти	VRAM исключено D3cold с выключенной видеопамятью	VRAM сохраняется D3cold с VRAM при самообновлении
dGPU без самообновления видеопамяти	VRAM исключено D3cold с отключенной видеопамятью	VRAM сохраняется dGPU остается в D0 Фреймворк Microsoft Directed PoFx (DFx) принудительно переведет dGPU в D3cold и вытеснит VRAM через 2 минуты.

Надстройка для карты dGPU

В этом разделе изложены требования поддержки дополнительной карты dGPU в архитектуре настольной системы Modern Standby на высоком уровне.Подробные сведения о реализации см. В руководстве поставщика оборудования.

При создании современной резервной настольной системы с поддержкой дополнительной карты dGPU существует несколько ключевых требований, которые должны быть включены для полного решения. Эти требования охватывают дизайн dGPU, драйверы dGPU, дизайн материнской платы и реализацию прошивки.

Требование	Описание	Ресурсы
BIOS реализует _DSM, указанный в прикрепленном PCI ECN	Эти функции позволяют драйверу устройства PCIe согласовывать с платформой вспомогательное питание, необходимое для карты dGPU для поддержки самообновления в D3cold.	_DSM Дополнения для управления питанием устройств во время работы
SoC может обеспечить до 1 А вспомогательного питания для слота PCIe	Это указано в ECN спецификации PCI. Энергопотребление dGPU зависит от карты, поэтому SoC должна обеспечивать необходимую мощность для поддержки самообновления на картах, которая варьируется до 1 А.	См. Руководство по внедрению от поставщика оборудования
Карта dGPU поддерживает самообновление видеопамяти и D3cold	Самообновляющаяся VRAM позволяет карте dGPU входить в D3Cold, сохраняя при этом содержимое своей памяти для кратковременной задержки возобновления.Это важно для обещания Modern Standby «мгновенного включения».	См. Руководство разработчика dGPU

Наклейки на стены, наклейки на стены, настенная графика. Съемный, на заказ, дизайнерский, для детей, дома, общежития колледжа, апартаменты, детские комнаты, детские комнаты, наклейки на стены с деревьями, наклейки на стены люстры, слова, надписи, дамасский узор.

Быстрый и легкий декор! Наши настенные наклейки: Полностью съемные! С возможностью перемещения! * Нет беспорядка! Недорого! Никаких художественных или технических навыков не требуется!	Просто очистите и приклейте! Создай свой путь! Более 300 стилей графических наклеек! Выберите свой размер и цвет! Похоже на краску! Использовать практически на всех внутренних поверхностях! Возможности безграничны!
Наши настенные наклейки можно использовать практически на любой внутренней поверхности! Наши настенные наклейки отлично подходят стен, стекла, полов, дверей, потолков, мебели и многого другого!	Быстро и просто! Сделайте косметический ремонт в доме за день! Для нанесения наклеек на стены не требуется никаких художественных или технических навыков. No related posts. alexxlab Автор записи Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт