Художественная культура барокко кратко: Художественная культура эпохи Барокко. «Стиль вечного праздника, жизненного спектакля»

В разных странах барокко в архитектуре проявлялось по-разному. Но характерные черты и признаки можно обнаружить повсеместно:

– сложные криволинейные планы;

– мощная пластика стен;

– создание синтеза искусств, объединенных общим замыслом и стилем;

– создание величественных архитектурных ансамблей в городах и дворцово-парковых – в загородных резиденциях;

– обилие золота, деревянной и каменной резьбы, пышных декоративных деталей и скульптур;

– богатая игра цвета и света.

Это стиль, основанный на применении классических ордерных форм, приведенных в состояние динамического напряжения, иногда доходящего до конвульсий.

Европейская культура XVII в.

В архитектуре прямые линии уступили место извилистым и ломаным. Большую роль приобрели изощренные украшения (лепнина, вазоны, скульптура). Пространство помещений иллюзорно расширялось благодаря беспокойной игре светотени. Широко применялись зеркала для создания иллюзии бесконечного пространства. Осуществлялись широкомасштабные проекты, например ансамбль площади собора Св. Петра в Риме, спроектированный Лоренцо Бернини.

Большое влияние на формирование барокко оказал итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1573-1610), смело использовавший световые контрасты и динамичные, нетрадиционные композиционные приёмы. Его образы настолько телесны, что вполне подтверждают знаменитые барочные принципы «природное через природу» и «над естеством наш разум торжествует, но с помощью того же естества». Наиболее известными работами Караваджо являются картина «Смерть Марии» и портрет «Юноша с лютней».

Золотой век испанской живописи, ознаменованный такими именами, как Диего Веласкес, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран, также прошёл под знаком барокко. Наиболее значительной фигурой является Веласкес (1599-1660). Будучи придворным художником Филиппа IV, Веласкес пишет множество портретов короля, членов его семьи и приближённых, а также сцены из придворной жизни, усложняя и бесконечно разнообразя художественные приёмы. Часто использует художник эффект зеркала, создавая композицию в композиции, сцену в сцене, расширяя пространство изображаемого («Менины», «Венера перед зеркалом»). Патриотические мотивы ощутимы в картине «Сдача Бреды», также крайне насыщенной и по смыслу, и с точки зрения композиции.

В творчестве X. Риберы (1591-1652) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. Он предпочитает темный фон, насыщенные густые тона, подчеркнутую материальность формы, контрасты света и тени, использует сложные ракурсы расположения фигур («Св. Себастьян»). Часто его персонажами являются простолюдины, но всегда полные достоинства, мужественные и гордые. Например, в известной картине «Хромоножка» жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой. В нем подчеркнуты веселость, лукавство, озорство и в то же время — гордый, сильный характер.

В скульптуре к барокко относят прежде всего итальянца Лоренцо Бернини (1598-1680), чья алтарная скульптурная группа Экстаз Св. Терезы (церковь Сайта-Мария делла Виттория, Рим) считается образцом воплощения особенностей этого стиля, эталоном барочной скульптуры. Живопись, скульптура, декор, архитектура создают здесь целостный драматический ансамбль. Диапазон дарований Бернини чрезвычайно велик — от архитектора, скульптора, живописца до театрального комедиографа и постановщика.

В музыке барокко характеризуется усилением драматического звучания, стремлением воплотить душевные переживания человека. Формируется новый музыкальный жанр — опера. Начало было положено «Камератой» — объединением поэтов и музыкантов, стремившихся возродить античную трагедию и воплотить ее черты в новом театрально-музыкальном жанре. Опера — вид театрального искусства, сочетающий инструментальную музыку, сольное и ансамблевое пение с элементами драматического действия и декорациями.

Популярными становятся и две формы инструментальной музыки концерт и соната. Оркестровое исполнение рассматривается как максимально выигрышная форма передачи типичных для барокко контрастных эмоциональных состояний. В концерте инструменты как бы соревнуются друге другом. «Большие концерты» — кончерти гросси писались для оркестра композитором Корелли. Позже Антонио Вивальди (1678-1741) создаёт концерт для солирующего инструмента (чаще всего скрипки) с оркестром. Получилось как бы соревнование солиста с оркестром, или личности с миром.

Первое публичное представление оперы состоялось в дни празднеств по случаю бракосочетания французского короля Генриха IV и Марии Медичи во Флоренции. Это была «Эвридика» Я. Пери и О. Ринуччини. Вскоре по типу «Эвридики» начинает создавать музыкальные драмы Клаудио Монтеверди. В Венеции открывается первый публичный оперный театр, куда может прийти каждый, просто купив билет. Оперы Монтеверди «Орфей», «Ариадна», «Коронация Поппеи» имели в Венеции большой успех. В середине столетия открывается придворная опера в Неаполе. В неаполитанской опере сюжет отступает на второй план. Главным становится бельканто («красивое пение»).

В то же время никого из всех называвшихся писателей, композиторов, живописцев, кроме, пожалуй, Лоренцо Бернини, мастера барокко «чистой воды», нельзя полностью и безоговорочно отнести только к этому стилю. В этом состоит еще одна особенность искусства XVII в. — великих мастеров много и каждый сам по себе целая эпоха и особый стиль.

Для теоретиков и мастеров другого великого стиля XVII в. — классицизма — язык барокко казался неправильным. С точки зрения хорошо сформулированных и взвешенных норм классики он отличался запутанностью и неясностью. Один из противников барокко с досадою воскликнул: «Будь проклято то великолепие, в котором нет ясности!»

Несколько слов о мироощущении этого периода. Наука XVII в. поставила вопрос о свойствах природы. Все, что не проходило проверки в экспериментально-опытном знании, отвергалось. Философ Рене Декарт не видит другой возможности упорядочения мира, кроме как все выверять «языком математики». В основе нового мировоззрения лежала философия рационализма — философского направления, провозгласившего разум основой познания и поведения людей, исходящего во всех своих утверждениях из идеи естественного порядка, связывающего весь мир. Искусство должно было подтверждать своими образами этот порядок. Человек, с точки зрения рационализма, являлся механизмом с «чистой доской» сознания, на которую общество должно было вписать идеалы как этические, так и эстетические.

Французский театр и драматургия исповедуют правило трёх единств — основополагающее требование эстетики классицизма, подразумевающее единство действия, времени и места: все совершающееся в пьесе должно было укладываться в одни сутки, происходить в одном и том же месте и не допускать каких-либо отклонений от основной линии сюжета. Чувства должны быть дисциплинированы разумом, разум выше эмоций, долг важнее личных чувств и т.д. Предъявлялись требования благородства замысла, назидательности сюжета.

Пьер Корнель написал одну из первых и самую популярную трагедию классицизма «Сид». Она имела огромный успех у зрителей, но была раскритикована Академией за несоблюдение единств. Тем не менее, Родриго, герой трагедии, до сих пор является образцом чести и долга. Именно образ Родриго был лучшей сценической работой знаменитого киноактёра Жерара Филиппа. Жан Расин, младший современник Корнеля, отошёл от общественной тематики, перевёл действие в сферу личных проблем героев. В трагедии «Федра», например, героиня мучается от любви к собственному пасынку и гибнет, не сумев совладать с чувствами, но высокий стиль и три единства строго соблюдались. Комедии Мольера «Тартюф», «Мещанин во дворянстве», «Плутни Скалена», «Скупой» будут вечно популярны, потому что врядли когда-либо исчезнут человеческие пороки, которые высмеиваются автором.

В живописи «исторический» жанр признавался наиболее значимым и высоким; все остальные — пейзаж, портрет, натюрморт — стояли в соответствии с иерархией жанров ниже, каждый на своей ступеньке. Самым «малым» был натюрморт.

Наиболее выдающимся живописцем французского классицизма 17 в. был Никола Пуссен. Он был приверженцем канонов классицизма, соблюдал все предписанные правила. Но творчество Пуссена имеет гораздо большую значимость. Он стремился решить важнейшую задачу гармонии в живописном произведении, уподобляя живописца композитору. Он считал, что музыка является органичным единением мелодии, гармонии, ритма, и поэтому живопись должна опираться на законы музыки. В своих произведениях Пуссен значителен не только как художник, созерцающий мир, но и как философ. Не выходя за привычные для классицизма мифологические и библейские сюжеты, он решает извечные проблемы бытия. Тема быстротечности жизни и неизбежности смерти развивается им в картинах «Аркадские пастухи» и «Царство Флоры». Автопортрет Пуссена на фоне пустых натянутых холстов — один из самых удивительных в истории искусства. Мастер повернулся к зрителю и напряженно, вдумчиво вглядывается в небо. Пуссен здесь больше напоминает ученого-аналитика, чем художника.

Младшим современником Пуссена был Клод Лоррен (1600-1682), художник, который работал только в жанре пейзажа. Такое разделение живописцев по специализациям характерно для классицизма. Каждый мастер, как правило, имел свое жанровое амплуа и не переходил его грани.

такими постройками, как восточный фасад Лувра и Версаль.

Культура XVIII в. воспримет и разовьёт каноны как барокко, так и классицизма, но преимущественно в сфере архитектуры. Основные же идеи, интересы и цели культуры последующего столетия будут в значительной мере противостоять тому, что составляло идейную сущность этих двух великих стилей.

Культура и искусство 17 века

Семнадцатый век имел особое значение для формирования национальных культур нового времени. В эту эпоху завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в каждой стране – Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Это позволяет рассматривать 17 век как новый этап в истории искусства. Национальное своеобразие не исключало, однако, общих черт. Развивая во многом традиции эпохи Возрождения, художники 17 века значительно расширили круг своих интересов и углубили познавательный диапазон искусства.

По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, э моциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками 17 века в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескио-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе это время расцвета трагедии, комедии (Шекспир, Лопе де Вега, Кальдерон, Корнель, Расин, Мольер).

Художественная культура 17 века отражает сложность эпохи, подготовившей победу капиталистического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. К началу 17 века утверждаются революционные завоевания в Голландии – первой капиталистической стране Европы. В Англии совершается буржуазная революция 1640–1660 годов общеевропейского масштаба. Во Франции складывается классический образец абсолютистского государства. Служа интересам феодального дворянства, французский абсолютизм протекционистской политикой обеспечил рост буржуазии. Однако феодализм был еще прочен. Испания, бывшая в 16 столетии сильнейшей державой мира, превратилась в одно из отсталых реакционных государств Европы. В Италии и Германии при сохранении феодальной раздробленности формируется мелкодержавный княжеский; деспотизм. Даже в Англии буржуазия делится властью с земельной аристократией.

В борьбе за прогрессивный путь развития европейских государств важную роль играли народные движения. Протест народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления составлял основное содержание общественной жизни 17 века. Развитие культуры в той или иной степени испытывало ее воздействие. Выступления передовых мыслителей против феодализма были связаны с критикой католической церкви, вновь усиливающей свое влияние и сковывающей общественную мысль.

В то же время общий подъем экономики в передовых странах Европы, расцвет мануфактуры, торговли создали почву для прогресса точных и естественных наук. Великие открытия Галилея, Кеплера, Ньютона, Лейбница, Декарта в математике, астрономии, физике, философии способствовали утверждению материалистических идей (Бэкон, Гоббс, Локк, Спиноза), расширению и углублению представлений о природе и вселенной. В то время как для ученых эпохи Возрождения установление закономерностей явлений основывалось на опытном наблюдении единичного, индивидуального, мыслители 17 века исходили в своих научных теориях из целостных систем и взглядов на мир. В творчестве художников также утверждается более целостное и глубокое восприятие действительности. Получает новое истолкование понятие синтеза искусств.

Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парка. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере. Стремление к широкому показу действительности привело в 17 столетии к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.

Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), 17 век характеризуют два больших стиля – барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.

В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям. Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия.

Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосредственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Реалистическое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров. 17 веку принадлежат величайшие мастера реализма – Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермеер Дельфтский. В 17 столетии на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах – Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.

История зарубежного искусства ►

45. Барокко и классицизм – два направления в художественной культуре Европы эпохи Просвещения.

Барокко (итал. Barocco — причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и изобразительном искусстве Европы и Латинской Америки конца 16 — середины 17 века. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости; его эстетика строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, как бы вливались в окружающее пространство; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов. В изобразительном искусстве барокко идеализация образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность – с фантазией, религиозная аффектация – с подчеркнутой чувственностью. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре — живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

На родине барокко, в Италии, наиболее яркое и законченное воплощение этот стиль нашел в полных религиозной и чувственной аффектации произведениях архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да Кортона; позднее он эволюционировал к фантастичности построек Гварини Гварино, бравурности живописи Сальваторе Роза и Алессандро Маньяско, головокружительной легкости росписей Джованни Батиста Тьеполо.

Во Фландрии в живописи таких художников, как Ян Сиберехтс, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Йорданс, Давид Тенирс, и в Голландии в полотнах Рембрандта ван Рейна, Герарда Терборха, Яна Вермеера, Геррита ван Хонтхорста, Хендрика Аверкампа, Франса Халса, Якоба Рейсдала, Питера де Хоох эмоциональность и экспрессия барокко слились с мощным жизнеутверждающим началом. В Испании в 17 столетии некоторые черты барокко проступали в аскетичной архитектуре Хуан Баутиста де Эрреры, в живописи Диего Веласкеса, Хусепе де Риберы и Франсиско Сурбарана, скульптуре Хуана Мартинеса Монтаньеса; необычайной сложности и декоративной изощренности они достигли в 18 веке в постройках Хосе Бенито Чурригера.

Своеобразное истолкование барокко получило в Австрии (архитекторы Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах и Иоганн Лукас фон Хильдебрандт, живописец Франц Антон Маульберч) и государствах Германии (архитекторы и скульпторы Бальтазар Нёйман, Андреас Шлютер, Маттеус Даниель Пёппельман, братья Азам, семья архитекторов Динценхоферов, работавших также в Чехии), а также в Польше, Словакии, Венгрии, Литве, России и других странах Европы. В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует к грациозной легкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х годов повсеместно вытесняется классицизмом.

Классицизм, художественный стиль в европейском искусстве 17 — начала 19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в полемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века. Лежащие в основе классицизма принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классического стиля на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни.

Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей — разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил; закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий – живописи и скульптуры (1648) и архитектуры (1671). В архитектуре классицизма, которую отличают логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер, тонко и сдержанно оттеняющий общую структуру сооружения; со второй половины 17 века, французский классицизм вбирает в себя пространственный размах архитектуры барокко.

В 17 — начале 18 веков классицизм сформировался в архитектуре Голландии, Англии, где он органично сочетался с палладианством Швеции. В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины; отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Пуссена Никола, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века; «идеальные пейзажи» (живописец Лоррен Клод).

Классицизм 18 — начала 19 веков (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади, поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к суровой простоте в творчестве Леду Клода Никола предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма – ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике, декоративных пейзажах. Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Жака Луи Давида.

В 19 столетии живопись классицизма, несмотря на деятельность отдельных крупных мастеров, таких, как Жан Огюст Доминик Энгр, вырождается в официально-апологетическое или претенциозно-эротическое салонное искусство. Интернациональным центром европейского классицизма 18 — начала 19 века стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец Антон Рафаэль Менгс, скульпторы: итальянец Канова Антониои датчанин Торвальдсен Бертель). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек Карла Фридриха Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики – портреты Августа и Вильгельма Тишбейнов, скульптура Иоганна Готтфрида Шадова.

В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Роберта Адама, палладианские по духу парковые усадьбы Уильяма Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США; выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760–1840-х годов. К конце первой трети 19 столетия ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца 19 — начала 20 веков.

Художественная культура Нового времени — Конспект лекции по культурологии

Два наиболее широких и влиятельных художественных течения рассматриваемой эпохи — барокко и классицизм — сложны и двойственны по своей природе. Стиль барокко получил преимущественное распространение в католических странах, затронутых процессами Контрреформации. Возникшая в Реформацию протестантская церковь была весьма нетребовательна к внешней зрелищной стороне культа. Зрелищность была превращена в главную приманку католицизма, ей приносилось в жертву само религиозное благочестие. Как нельзя лучше целям возврата паствы в лоно католической церкви отвечал стиль барокко с его грациозностью, порой утрированной экспрессивностью, патетикой, вниманием к чувственному, телесному началу, проступающим весьма отчетливо даже при изображении чудес, видений, религиозных экстазов.

Но сущность барокко шире вкусов католической церкви и феодальной аристократии, которая стремилась использовать эффекты грандиозного и ослепляющего, свойственные барокко, для восславления могущества, пышности и блеска государства и мест обитания лиц, приближенных к трону. Стиль барокко с особой остротой выражает кризис гуманизма, ощущение дисгармоничности жизни, бесцельных порывов к неведомому. По сути он открывает мир в состоянии становления, а становящимся миром был тогда мир буржуазии. И в этом открываемом для себя мире буржуа ищет стабильности и порядка. Синонимом устойчивости занимаемого места в мире выступают для него (в католическом варианте) роскошь, богатство. Получается, что стиль барокко соединяют в себе несоединимое: монументальность — с динамизмом, театральный блеск — с солидностью, мистику, фантастичность, иррациональность — с трезвостью и рассудочностью, истинно бюргерской деловитостью.

Центром развития искусства барокко на рубеже XVI-XVII вв. был Рим. Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет, а позже натюрморт и пейзаж, — становятся основными видами и жанрами искусства барокко. Чародеи римского барокко — зодчий Ф. Борромини (1599-1667 гг.) (римская церковь Сайт Иво, 1642-1660) и архитектор и скульптор Дж. Л. Бернини (1598-1680).Католическая столица обрела свой барочный вид во многом благодаря церквам, построенным по проектам последнего. Но главное создание Бернини — грандиозная колоннада собора Св. Петра и оформление гигантской площади у этого собора (1656-1667).

Во Фландрии (совр. Бельгия), оставшейся под владычеством Испании после нидерландской революции, основными жанрами искусства были сюжеты из Священного писания, мифологические сцены, парадные портреты, огромные натюрморты. Господствующий стиль — барокко, с чертами национальной специфики, его центральная фигура — Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Преобладание чувства над разумом, огромная жажда жизни, бурная динамика, восхищение физической силой, красотой тела характерны для самых драматических произведений Рубенса. Художник поэтизирует стихию чувств, благодаря чему образы классической древности, которые он очень любил, обретают земную достоверность, не теряя возвышенности. Алтарные образа для Антверпенского собора «Воздвижение креста» и «Снятие с креста», а также мифологический сюжет «Персей и Андромеда» и  др. представляют выдающийся вклад в мировую сокровищницу искусства.

Другой влиятельнейший стиль характеризуемой эпохи — классицизм (от латинского classicus — образцовый). Абсолютистским государствам не могла не импонировать идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Претендующее на «разумность» государство стремилось к тому, чтобы в нем видели уравновешивающее, объединяющее, героически возвышенное начало. В противовес барокко классицизм выражал стремление к разумному гармоничному строю жизни, а эти стремления были присущи не только монархам, но и народному сознанию, с его идеалами мира, покоя, сплочения страны. Помимо того, привлекательной стороной классицизма выступал его нравственный пафос, гражданская направленность. Эстетика классицизма ориентируется на подражание классическим образцам: определяющим для него является аристотелевский тезис о подражании искусства природе, она разделяет важный принцип античного театра о трех единствах — места, времени и действия, и др. Но фактически она базируется на рационалистической философии Р. Декарта (1596-1650) Классицизм получил широкое распространение в абсолютистской Франции, а также в ряде других стран (Италия, Германия, Англия). Он оставил такие вехи на пути художественного развития человечества, как трагедии  П. Корнеля (1606-1684), Ж. Расина (1639-1699), комедии Ж. Б. Мольера (1622-1673), поэзия Ж. Лафонтена (1621-1695), Н. Буало (1636-1711), музыка Ж. Б. Люлли (1632-1687), парковый и архитектурный ансамбль Версаля, картины Пуссена. В классицизме XVII в. самым правдивым было то, что идеал общественного устройства рисовался как мечта. Как мечту о «золотом веке» воспринимаем мы полотна Пуссена, пейзажи К. Лоррена (1600-1682), и пожалуй, наивными кажутся нам картины придворных художников-классицистов, аллегорически живописующих монархию и монархов как воплощение классических добродетелей.

В XVII в. складывается еще одно направление в искусстве — это реализм. В протестантской Голландии, не имевшей прочных связей с Италией и французских традиций классического искусства, складывается реалистическое искусство. Вершиной голландского реализма является творчество Рембрандта (1606-1669). Талант Рембрандта таков, что позволяет превратить любое полотно в философское обобщение, в героический образ эпохи и общества, в многогранную характеристику человеческой личности. Главными выразительными средствами выступают у художника свет и цвет. Их сложное взаимодействие создает определенную эмоциональную среду и психологическую характеристику образа. Картины Рембрандта, будь они написаны на библейские и мифологические сюжеты («Жертвоприношение Авраама», «Даная», «Святое семейство», «Блудный сын» и др. ), изображениями природы («Пейзаж с мельницей»), или портретами («Портрет старика в красном», «Автопортрет с Саскией на коленях» и др.), всегда передают не фантастическое, а вполне реальное, человеческое бытие.

В XVII в. оформляются национальные школы в искусстве. Кроме итальянской, фламандской, голландской и французской очень влиятельной художественной школой была испанская. Расцвет испанской культуры пришелся на время ослабления экономической и политической жизни страны. Он ознаменован творчеством Лопе де Вега (1562-1635), М. Сервантеса (1547-1616), автора бессмертного «Дон-Кихота» — этой подлинной энциклопедии народной жизни. XVII в. по праву называется золотым веком испанской живописи. Его начало ознаменовано творчеством великого Эль Греко (1541-1614), который у самого Тициана учился технике письма масляными красками. Этот век украшают имена Ф. Рибальта, X. Риберы и Ф. Сурбарана.

Самым выдающимся художником «золотого испанского века» был Д. Веласкес (1599-1660). Его творчество необычайно многожанрово. Это и батальный жанр («Сдача Бреды»), и парадный портрет (портреты Филиппа IV, графа Ольвареса, папы Иннокентия X), необычайной силы правдивости, и групповой портрет («Менины», «Пряхи»), граничащий с жанровой картиной, и мифологический жанр.

Внимание!

Если вам нужна помощь в написании работы, то рекомендуем обратиться к профессионалам. Более 70 000 авторов готовы помочь вам прямо сейчас. Бесплатные корректировки и доработки. Узнайте стоимость своей работы.

Таким образом, культура XVII в., представляющая начальный этап в культуре Нового времени, принесла с собой много новых своеобразных моментов. Эта культура представляла собой некий единый организм. Культура XVII в. создала необходимые предпосылки для культур последующих эпох.

XVII в. — начальная эпоха в становлении буржуазного общества, период усиленной выработки нового буржуазного мировоззрения, в качестве фундамента которого утвердилась ньютоновско-картезианская космология. Земля перестала быть центром Вселенной и превратилась в одну из планет, движущихся вокруг Солнца, которое, в свою очередь, превратилось лишь в одну из великого множества звезд. Вселенная обрела облик сложной системы, состоящей из материальных частиц и подчиненной механическим законам.

Роль Бога в этом мировоззрении пока все еще оставалась существенной: раз мир подобен гигантскому часовому механизму, он должен иметь своего Мастера. Создатель, сотворивший мир и затем устранившийся из него, предстал в образах Божественного Архитектора, Математика и Часовщика.

Лозунгом этого нового мира стал Разум, точно так же, как лозунгом старого мира был Бог. Рационализм превратился в доминанту культуры; наука — главное орудие Разума — обрела мировоззренческий статус, познание — социальную направленность. Значение этих перемен трудно было переоценить: ведь прежде, чем победить старый феодальный мир реально, его нужно было победить идейно.

Поможем написать любую работу на аналогичную тему

Получить выполненную работу или консультацию специалиста по вашему учебному проекту

Художественная культура Нового времени

Новое время

Эпоха Нового времени является значительным этапом в истории Европы, когда укрепляются национальные границы государств, происходят коренные экономические изменения, социальные конфликты, зарождается капиталистический строй, обретается самосознание наций.

В художественной культуре Нового времени так же наметились и осуществились значительные изменения.

Музыка периода $17$-го века встала на путь постепенного освобождения от культовых форм и светских элементов. Так начинают формироваться и развиваться совершенно новые музыкальные жанры:

• Опера
• Оратория
• Инструментальная музыка

Замечание 1

В процессе складывания национальных границ европейских государств изобразительное искусство подстроилось под эти изменения, в связи с чем стали зарождаться национальные художественные школы. Английское пуританское движение неблагоприятно выступало в пользу развития изобразительного искусства. В Германии после народных революций приходит застой этого вида искусства. В Италии, не смотря на ее раздробленность, была сильна традиция Возрождения, поэтому изобразительное искусство остаётся ведущим в области художественной культуры Европы.

Периодизация

Начало $17$-го века ознаменовано борьбой с маньеризмом, когда начинается формироваться прогрессивные тенденции реализма с его характерным изображением мира.

Середина $17$-го века является периодом наиболее успешным для достижения высот художественной культуры. Это было возможно благодаря творческой деятельности:

• Рубенса,
• Ван Дейка,
• Рибера,
• Сурбарана,
• Веласкеса,
• Вермеера,
• Пуссена,
• Бернини.

В отличие от эпохи Ренессанса, художники $17$-го века работали в период конфликта феодализма и капитализма, и действительность представала перед ними во всей своей красе и остроте, поэтому все искусство этой эпохи имеет сложные пути развития. Но не смотря на это основной тенденцией искусства остается человек в его реальном бытии.

Замечание 2

Ведущим жанром Нового времени становится тот, который отражает окружение человека, портретный жанр получает мощнейший импульс для своего развития. Художники дают отчётливую социальную окраску своих образов. Даже жанры: натюрморт, пейзаж, — несут в себе общественное мировоззрение творца.

С расширением художественных форм отражения реального мира возникает острый вопрос, касающийся стиля. Ключевым качеством стиля является синтез через единство образов всех видов пластических искусств, где ведущая роль отводиться архитектуре.

Стили художественной культуры Нового времени

Стиль является художественной системой, в которой заключается единство идейных и образных принципов и приемов художественного языка.

Таким образов, в эпоху Нового времени основными стилями становятся барокко и классицизм.

1. Барокко

   Изобразительное барокко понимается в совокупности с архитектурой. Барочные культовые постройки соединяют в себе синтез архитектуры, скульптуры, декоративного искусства и живописи.

   Барокко несет в себе большую эмоциональность, патетический характер образов, благодаря масштабам объектов и монументов, динамику форм, повышенную пластическую выразительность.

2. Классицизм

   Параллельно со стилем барокко возник классицизм, который был призван решать другие задачи с других позиций, при помощи своеобразных изобразительных средств. Задачей классицизма было прославить могущество абсолютизма.

   Классицизм нес в себе величественное торжество архитектурных образов при помощи разумной ясности. Монументальные комплексы отличались особой ясностью и логикой, простотой и сложностью. Мастера классицизма обращались к вдохновению у античности.

   В изобразительном искусстве классицизма ведущей темой была тема торжества общественного над индивидуальным, тема долга, уважения моральных принципов.

Русская культура XVIII веке

Особенности развития культуры

Развитие российской художественной культуры XVIII века происходило на основе сочетания национальных черт и влияния направлений, популярных в это время в Европе.

Главная черта данного исторического периода, повлиявшая на культуру – рост интереса к художественным произведениям, в том числе, со стороны новой группы населения – складывающейся интеллигенции. В повседневную жизнь вошло литературное чтение, спектакли, музыкальные вечера.

Периоды художественного творчества:

1. эпоха барокко – 1840-50-е гг.;
2. эпоха классицизма – вторая половина XVIII века.

Литература

Середина XVIII века – переломный момент в развитии литературы. В этот период окончательно складывается жанровая система – роман, трагедия, комедия, басня, ода, повесть и др.

Главные черты и достижения периода:

• новые формы стихосложения, приближенные к канонам современной поэзии – перевод романа П. Тальмана «Езда в остров любви» В.К. Тредиаковским стал первым полностью светским произведением;
• активное развитие жанров комедии и трагедии – А.П. Сумароков стал основоположником новой российской драматургии;
• критика крепостного права, отражение насущных социальных проблем – комедия Д.И. Фонвизина «Недоросль», ода «Фелица» Г.Р. Державина;
• складывание нового направления – сентиментализма: повесть Н.М. Карамзина «Бедная Лиза», книга «Путешествие из Петербурга в Москву» А.Н. Радищева.

Интерес к литературному творчеству становится массовым.

Театр

Театральные постановки иностранцев вытесняются первыми русскими театрами:

• создаются при учебных заведениях;
• учреждается первый профессиональный постоянно действующий театр под руководством Ф.Г. Волкова в Санкт-Петербурге;
• появляются крепостные театры – графов Шереметевых, князей Юсуповых (Популярные актрисы – П.И. Ковалева-Жемчугова, Т.В. Шлыкова-Гранатова).

Музыка

Была создана придворная опера – распространяется в небольших городах и крепостных театрах.

К концу XVIII века появляются первые русские композиторы: оперы Д.С. Бортнянского «Празднество сеньора», В.А. Пашкевича «Скупой», Е.И. Фомина «Ямщики на подставе».

Архитектура

Развивается в трех основных направлениях – барокко, рококо, классицизм.

• Главные черты барокко – пышность, совмещение реальности и иллюзий, контрастность: В. Растрелли – Зимний дворец, Смольный собор, Д. Трезини – Петропавловская крепость, Летний дворец Петра I, М. Земцов – Аничков дворец, Кунсткамера.

• Рококо сочетает традиции барокко и классицизма, его черты – утонченность, галантность: А. Ринальди – Китайский дворец в Ораниенбауме (пригород Санкт-Петербурга).

• Русский классицизм отличается простотой, строгостью, рациональностью: дом Пашкова, здание Сената в Кремле, Царицынский комплекс, созданные по проектам М. Казакова.

Живопись

Переживает расцвет. Художники работают в различных жанрах: натюрморт, монументально-декоративной живописи, а особенно популярны:

• портрет: А.П. Антропов – портреты императора Петра III, А.М. Измайловой; И.П. Аргунов – представителей семьи Шереметевых, архитектора Ветошкина; Ф.С. Рокотов – Екатерины II, Павла I; В.Л. Боровиковский – М.И. Лопухиной;

• пейзаж: С.Ф. Щедрин «Веранда, обвитая виноградом», «Старый Рим», Ф. Алексеев «Красная площадь в Москве», «Панорамный вид Царицыно»;

• историческая живопись: А.П. Лосенко «Владимир перед Рогнедой», Г.И. Угрюмов «Взятие Казани»;

• сцены из жизни народа: М. Шибанов «Крестьянский обед», «Свадебный сговор».

Скульптура

Подобно живописи, активно развивается и совершенствуется.

• Ф.И. Шубин: работы отличаются реалистичностью и психологизмом – скульптурные портреты А.М. Голицына, М.В. Ломоносова, статуя «Екатерина-законодательница»;
• Э.М. Фальконе: конная статуя Петра I – одно из первых монументов, созданных в память о выдающихся государственных деятелях.

Достижения периода

XVIII век – время расцвета русской национальной культуры. Она распространяется среди разных слоев населения. В этот период впервые в Российской Империи появляется культурный центр – Эрмитаж. Начинается формирование коллекции художественных ценностей, картин, книг. Появляются выдающиеся деятели искусства – писатели, художники, режиссеры, композиторы, скульпторы, актеры. Интересно, что искусство успешно уживалось с крепостным правом – об этом свидетельствует открытие крепостных театров.

Использованная литература:

1. История России. Конец XVI-XVIII век. 7 класс: учеб. для общеобразоват. учреждений / А.А. Данилов, Л.Г. Косулина. – 11-е изд. – М.: Просвещение, 2012. – 240 с.
2. История России XVIII–XIX веков / Л. В. Милов, Н. И. Цимбаев; под ред. Л. В. Милова. – М.: Эксмо, 2006. – 784 с.
3. Справочник школьника, 5-11 классы / Под. общ. ред. О.Л. Соболевой. – М.: АСТ-ПРЕСС, 2003. – 768 с.

Что такое искусство барокко и как его узнать?

Давайте сделаем шаг назад во времени, в период 1530 года, когда в воздухе витало религиозных противоречий. Сама ткань общества изменялась и переформировывалась религиозными лидерами протестантской и католической веры. Протестанты открыто бросили вызов католической церкви религиозными реформами, которые угрожали католической власти. По мере роста популярности протестантской религии католическая церковь хотела определить и восстановить свое господство, что привело к созданию контрреформы.

Часть этой контрреформы включала введение искусства, и отсюда родилось барокко. Искусство эпохи барокко было построено на стиле ренессанс и было прямым отходом от простых вкусов протестантов. Католическая церковь во многом вдохновила это новое направление в искусстве. Это началось в Риме и распространилось по Европе, как лесной пожар, причем церкви и религиозные лидеры были его основными покровителями. Искусство периода барокко было наполнено богатством, величием, яркостью, яркостью и экстравагантностью.

Искусство должно было следовать руководствам, которые изображали религиозные предметы и сцены из Библии . Но только сцены, которые были эксклюзивными для католической церкви, такие как непорочное зачатие, вознесение девственницы и т. Д. Хотя художники обладали некоторой творческой властью, они также должны были следовать строгому набору руководящих принципов, утвержденных советом по контрреформе. Эти руководящие принципы должны были соответствовать католическому видению этой творческой пропаганды.

Согласно Википедии, название «барокко» было навеяно португальским термином Barroco, который означает дефектную жемчужину .Однако некоторые ученые утверждают, что это, скорее, происходит от итальянского слова «барокко», означающего препятствие для логики. Где бы это ни происходило, в обоих случаях слово имело отрицательную коннотацию. Но со временем он потерял смысл и стал известен только как название художественного направления.

Популярное в период с конца 1500-х до начала 1700-х годов Искусство барокко можно охарактеризовать как прекрасное и несовершенное. Его можно увидеть в живописи барокко, архитектуре барокко, музыке барокко, опере барокко, литературе барокко, танцах барокко и скульптуре барокко.

10 характеристик и идей стиля барокко

1. Искусство барокко возвращает образы католического богослужения в общественную среду. Однако он также использовался для нерелигиозного искусства.
2. Это сделало искусство простым для понимания мирянином, чтобы вызвать трепет и уважение к католической церкви.
3. Архитектура в стиле барокко имела купола и открытых центральных пространства, из которых позволяли свету светить вниз и освещать пространство внизу.Поверхности были покрыты декоративным орнаментом, чтобы еще больше передать ощущение пребывания в пространстве, объединяющем небеса и землю. По этой причине его часто сохраняли для церквей и религиозных построек. Хотя замки и величественные дома королевской семьи и вождей также переняли этот стиль.
4. Стиль, который объединил все работы, — это подразумеваемое плавное движение. Идея бесконечного, соответствующая богу, и образ силы, который церковь хотела изобразить.
5. Свет и темнота также использовались в качестве ключевой техники в этом стиле для создания драматического образа, который был не из этого мира. Кьяроскуро — это использование сильных контрастов света и темноты для создания образа.
6. Quadro Riportato (потолочные картины в рамах) были разработаны для развития этого стиля. Часто окрашены в золото и выглядят так, как если бы они выставлялись на мольбертах. Написана на фреске (эталоне или панно) в иллюзорном стиле. Многие из них можно увидеть на потолках Ватикана.
7. Техника Trompe l’oeil (разновидность трехмерного реализма); термин, который означает «обманывает глаз», — это стиль живописи, придающий картинам почти фотографический реализм.Эта иллюзия также стирает границы между тем, что является просто изображением, и тем, что реально.
8. Барокко создало скульптуру нового стиля , которая сосредоточена на сильных эмоциях, движении и богатстве. Фигуры можно увидеть со всех сторон, поскольку они поднимаются из центра фигур и достигают пустого пространства. Дальнейшее стирание границ между искусством и реальностью.
9. Произведения в стиле барокко эмоциональны и драматичны, призваны поражать и удивлять зрителей. Его реализм в картинах создает впечатление наблюдения за происходящим.
10. Композиции созданы продуманно, чтобы дать максимальный драматический эффект и стремиться стереть границы между реальностью, искусством и духовностью.

Узнайте больше от репетитора по искусству на Superprof.

Самые известные художники эпохи барокко

Караваджо

Микеланджело Меризи родился в Караваджо, городке на севере Италии. Он переехал в Рим, чтобы следовать своей страсти к живописи. и после продажи своего искусства на улицах в течение нескольких лет.Его талант был наконец вознагражден, когда он приобрел первых покровителей. После этого он быстро приобрел известность и писал для уважаемых меценатов.

Хорошо известен тем, что использовал технику светотени (светотень), чтобы добавить драматизма своим изображениям. Творчество Караваджо было столь же драматичным, как и его жизненная история: это история славы, богатства, борьбы, тюрьмы, убийства, рыцарства и уклонения от закона. Он умер в возрасте 38 лет от лихорадки.

Лучшие работы: Вакх, Ужин в Эммаусе (Караваджо), Лондон, Зов святого Матфея, Медуза,

Место рождения: Милан, Италия

Линия жизни: 1571 — 1610

Стиль: Барокко

Формы искусства: Живопись

Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в Нидерландах и имел скромное начало, но с мудрым отцом, который отправил его в очень хорошую школу .Обретя страсть к искусству, Рембрандт бросил школу и стал учеником нескольких местных художников. После чего открыл собственную студию живописи и изучения итальянского искусства. Вскоре после этого он нашел свой стиль, сосредоточив внимание на свете и тьме в стиле Караваджо.

Рембрандт известен как мастер искусства , владеющий рисунком и печатью в равной мере.

Лучшие работы: Ночной дозор, еврейская невеста, возвращение блудного сына

Место рождения: Нидерланды

Линия жизни: 1606 — 1669

Стиль: барокко

Формы искусства: Живопись и эстамп

Vermeer

Йоханнес Вермеер был в основном самоучкой, и мало что известно о том, как он решил стать художником и живописцем или о своем пути к этому.Но мастера того периода вдохновили бы его работы. Выразительность Караваджо , интенсивность Рембрандта в стиле утрехтской школы — все это можно увидеть в крупномасштабных картинах Вермеера.

Вермеер хорошо известен своими работами, изображающими повседневную жизнь в Делфте, где он жил. Он также преуспел и определил светящиеся интерьеры. сцены с женщинами, сидящими у окна. Работы художника были полны красок, яркости и, как и многие картины в стиле барокко, кажется, будто вы вуайеристически наблюдаете за частной сценой.

Лучшие работы: Девушка с жемчужной серьгой, искусство росписи, доярка, Диана и ее нимфы

Место рождения: Нидерланды

Линия жизни: 1632 — 1675

Стиль: Барокко

Формы: Живопись

Известный образец искусства барокко

Ужин в Эммаусе

Ужин в Эммаусе был написан в 1601 году, это соответствует жизни картины , то есть фигуры в натуральную величину.Сразу же вас приглашают в образ с невероятно умной композицией. Место на краю стола — это место, где вы стоите, когда вас пригласили отобедать.

История гласит, что Христос был распят, и его ученики идут по дороге, к ним присоединяется еще один человек. Все они садятся есть, когда человек, который присоединился к ним, преломляет хлеб, и оказывается, что он воскресший Христос. Картина показывает этот момент неожиданности и драмы, вся картина привлекает вас руками Христа и ученика, протягивающимися к нам, ваза с фруктами висит на углу стола, врываясь в реальность.Кроме того, свет подчеркивает наше лицо и направляет нас туда, где нужно сфокусировать взгляд.

Художник: Караваджо

Дата написания: 1601

Размер: 55 x 77 дюймов

Материал: холст, масло

Другие известные произведения

1. Версальский дворец, Франция
2. Базилика Святого Петра, Ватикан
3. Фантастическая пещера с Одиссеем и Калипсо — Ян Брейгель старший
4. Сад любви Рубенс
5. Девушка у окна Рембрандта
6. Вакх Караваджо
7. Фонтан четырех рек, Италия
8. призвание святого Матфея Караваджо
9. Давид, победивший Голиафа Караваджо
10. Мария Магдалина с дымящимся пламенем. Жорж де Ла Тур

Искусство барокко не просто дарит нам произведения искусства; он также рассказывает историю эпохи, религиозного господства, культурных догм и религиозных противоречий.Любите вы искусство барокко или нет, трудно отрицать его красоту и искривленное совершенство. Хотя целью движения была католическая пропаганда , чтобы установить власть над протестантами.

Глядя на некоторые из описанных выше предметов, вы можете увидеть их способность рассказывать историю. Чтобы вызвать эмоции, передайте сообщение и заставьте вас по-другому взглянуть на вещи. Показным или красивым? Это в глазах смотрящего.

Знаете ли вы, что в импрессионизме есть легкие мазки, а в экспрессионизме тоже есть похожие мазки?

Почему мастер эпохи барокко Артемизия Джентилески рисовала жестоких, напористых женщин

Первая известная работа Артемизии Джентилески (которую некоторые ученые приписывают частично ее отцу) была написана в 1610 году, когда ей было 17 лет.Работа под названием « Сусанна и старейшины» изображает библейскую историю, в которой группа развратных старейшин смотрит на прекрасную набожную жену, когда она купается. Хотя в то время это не было редкостью для художников, Джентилески интерпретировал ее иначе, чем большинство других. В ее версии центральное место занимает агрессия женщины и ее реакция при обнаружении, что за ней наблюдают. «Сусанна Артемизии представляет нам редкий в искусстве образ трехмерной героической героини», — рассказывает биограф Джентилески Мэри Д.Гаррард объяснил. В отличие от других представлений, «выразительное ядро ​​картины Джентилески — это бедственное положение героини, а не ожидаемое удовольствие злодеев», — продолжил Гаррард.

Ранние работы, подобные этой, раскрывают мастерство Джентилески в обнаженной натуре и мимике, что положило начало ее репутации в Риме как художника-вундеркинда. (Некоторые ученые отметили, что Орацио применил проблемный подход к продвижению работ своей дочери, по сути экзотизируя ее, подчеркивая, что она была художницей женщины , а не просто художницей.)

Но интерес к Джентилески вскоре сместился с ее искусства на обсуждение ее тела и морали, после того как ее изнасиловал и лишил девственности ее учитель рисования Агостино Тасси, который также был деловым партнером ее отца. По словам Джентилески, Тасси схватил ее, когда она работала над холстом, и крикнул: «Не столько живопись, не столько живопись». Действия Тасси, казалось, были обусловлены смесью ревности, похоти и желания одолеть молодую женщину. «Это как если бы он был так взбешен ее работой, как и воспламенен плотской похотью: отстранение ее от работы было первым шагом в его попытке доминировать над ней», — предположил Кроппер в своем эссе.

Последовал очень публичный и неоднозначный процесс, в ходе которого Джентилески был вынужден подробно описать свое нападение. Во время испытания ее подвергли sibille, процессу, в ходе которого веревки привязывались к ее пальцам и постепенно затягивались. Практика была предназначена для того, чтобы угадать, говорит ли она правду. После семи месяцев в суде судья наконец вынес решение в пользу Джентилески. Тасси приговорили к пяти годам тюремного заключения, но так и не отбыли срок.

Решение помогло сохранить репутацию Джентилески как благородной женщины и обеспечить брак с флорентийцем по имени Пьерантонио Стиаттеси.Это было необходимо в Италии 17-го века (общество, управляемое католической церковью), чтобы обеспечить ее будущее как успешную художницу.

Определение барокко Мерриам-Вебстер

1 искусство : , относящегося к стилю художественного выражения, преобладающего, особенно в 17 веке, или имеющего характеристики стиля, который обычно отмечен использованием сложных форм, смелым орнаментом и сопоставлением контрастных элементов, часто передающих ощущение драмы, движение и напряжение барочный собор барокко музыка и литература период барокко

2 : характеризуется гротескностью, экстравагантностью, сложностью или яркостью. поистине барочный саботаж — Г.Н. Шустер

3 драгоценных камней : неправильной формы жемчужина барокко

Николь Бойд | Департамент истории искусства

Николь Бойд изучает раннюю современную визуальную культуру с упором на искусство и теорию Италии семнадцатого века. Впервые она заинтересовалась этой областью на первом курсе Уэслианского университета, когда прошла курс, посвященный искусству и культуре итальянского барокко; однако ее страсть к этому предмету закрепилась осенью на первом курсе, в течение которого она училась за границей в Болонье в итальянском отделении Консорциума восточных колледжей и получила возможность внимательно изучить многие из работ, которые ее увлекали. плоть. На этом этапе Николь дополнила свои наблюдения, прочитав «Жизни величайших художников, скульпторов и архитекторов» Джорджо Вазари (1568) и «Фелзина питтрис» Карло Чезаре Мальвазии.В этих текстах она отметила чувственную пристрастность, которая в значительной степени сформировала постмодернистское восприятие далекого исторического прошлого в искусстве. (Вазари, флорентинец, и Мальвазия, болонка, использовали жанр биографии, чтобы повысить репутацию художников из их родных городов, многие из которых сегодня повсеместны.) После этого у нее возникла мотивация исследовать фигуры, оставленные на обочине раннего модерна. , и особенно барокко, история искусства.

Эта цель, среди прочего, вынудила Николь написать дипломную работу о Гвидо Каньяччи, художнике семнадцатого века из провинций северной Италии, который только недавно был принят в мейнстримную науку и чья личная история до сих пор чрезмерно обобщена искусством. историки.Этот проект под названием Genio Bizzarro: Guido Cagnacci and the Refashioning of Painting Identity in Seicento Italy в конечном итоге получил высокие награды факультета истории искусств Уэслиана и вкратце утверждал, что Каньяччи провел большую часть своей карьеры, пытаясь заново изобрести свою художественную репутацию с помощью систематизированной множество приемов подписи и выбора композиции. Его основы были заложены летом перед старшим годом Николь, когда после получения стипендии Джона Т. Паолетти она поехала в регионы Эмилия-Романья и Ломбардия в Италии, чтобы увидеть на месте многие из пробных работ Каньяччи.Основываясь на учебе в бакалавриате, Николь надеется изучить следующие темы и методологии в своем будущем исследовании: концепция и историческое исследование «стиля», художественная практика и интенциональность, идентичность и самоназвание, язык художественного письма и историографии, а также темы подражания, оригинальности и изобретательности в ранней современной теории искусства. Она также надеется исследовать понятия театра, театральности и перформативности в визуальной репрезентации барокко.

Торжество барокко

Фонтан Четырех рек

Джан Лоренцо Бернини был одним из самых новаторских архитекторов и скульпторов барокко.Он родился в Неаполе в 1598 году. Его долгая и успешная артистическая карьера длилась с подросткового возраста до его смерти в 1680 году. После раннего успеха в Риме, где он работал на самые влиятельные семьи города и пап, его слава распространилась по всей Европе. . Среди его королевских покровителей были король Англии Карл I и король Франции Людовик XIV. Скульптор, архитектор, живописец, сценограф, поэт и драматург, Бернини создал динамичные памятники, которые объединили искусство живописи, скульптуры и архитектуры в единое целое.

Фонтан «Четыре реки» на площади Пьяцца Навона в Риме — одно из самых знаменитых произведений Бернини. Спроектированный и построенный между 1648 и 1651 годами для Папы Иннокентия X Памфили, фонтан напоминает о перенаправлении папой воды из Acqua Vergine (одного из основных источников водоснабжения Рима) на площадь перед его семейным дворцом, Палаццо Памфили. Фонтан Бернини оригинально включает в себя древний египетский обелиск, извлеченный из цирка Максенция в Риме, с высоким каменным основанием.На скалах установлены четыре большие фигуры, символизирующие четыре великие реки четырех частей света: Дунай в Европе, Нил в Африке, Ганг в Азии и Плата в Северной и Южной Америке.

Эта модель, около 1650 года, представляет собой раннюю проработку окончательного дизайна фонтана Четырех рек. Скульптурная скала основания фонтана представлена ​​деревом, а единственная сохранившаяся фигура, изображающая реку Плата, вылеплена из глины. Дизайн готового фонтана немного отличается от модели: круглая форма чаши стала овальной, а отверстия в скале — более неправильной формы.

Джованни Баттиста Пиранези , Veduta di Piazza Navona sopra le rovine del Circo Agonale, , вероятно, 1747/1748, офорт на бумажной бумаге, Национальная галерея искусства, Архитектурная коллекция Марка Дж. Милларда, приобретенная при содействии The Morris and Фонд Гвендолин Кафриц, 1985.61.16

Искусство барокко в Бразилии — HiSoUR — Hi So You Are

Барокко в Бразилии было доминирующим художественным стилем на протяжении большей части колониального периода, находя благоприятную почву для обильного цветения.Он появился в стране в начале семнадцатого века, введен католиками-миссионерами, особенно иезуитами, которые туда отправились катехизировать и культивировать туземцев и помогать португальцам в процессе колонизации. На протяжении всего колониального периода между церковью и государством существовала тесная связь, но, как и в колонии, не было суда, который служил бы покровителем, поскольку элиты не беспокоились о строительстве дворцов или спонсировании мирского искусства до конца периода. , и поскольку религия оказала огромное влияние на повседневную жизнь всех, из этого набора факторов вытекает, что подавляющее большинство наследия бразильского барокко находится в священном искусстве: скульптурах, живописи и резьбе для украшения церквей и монастырей или для частное поклонение.

Наиболее типичные черты барокко, обычно описываемые как динамичный стиль, повествовательный, орнаментальный, драматический, культивирующий контрасты и соблазнительную пластичность, передают программное содержание, выраженное с утонченностью риторики и большим прагматизмом. Искусство барокко было, по сути, функциональным искусством, которое очень хорошо служило целям, которым оно было положено служить: помимо своей чисто декоративной функции, оно способствовало усвоению католической доктрины и традиционных обычаев неофитами, являясь эффективным педагогическим и катехетическим инструментом.Вскоре самые умелые умиротворенные индейцы, а затем и черные, импортированные в качестве рабов, подверглись массовому воздействию португальской культуры, от простых зрителей их художественного самовыражения перешли к производящим агентам, которые несут ответственность за большую часть барокко, созданного в России, в основном чернокожих. страна. Они и народные ремесленники в обществе, находящемся в процессе интеграции и стабилизации, начали придавать европейскому барокко новые и оригинальные черты, и по этой причине считается, что эта акклиматизация является одним из первых свидетельств формирования подлинного Бразильская культура.

Изобразительное искусство
Производственная система
Социальное положение художников и обстоятельства их выступлений в колониальной Бразилии по-прежнему являются предметом споров. Точно неизвестно, оставалась ли его деятельность подчиненной статуту механических и ремесленных искусств или она уже считалась частью гуманитарных наук. Кажется, что корпоративная форма, подобная гильдии, преобладала до прихода Империи, организованная следующим образом: мастер находился на вершине иерархии, в конечном итоге отвечал за работы, а также за обучение и подготовку новых учеников; внизу был офицер, обученный, но неквалифицированный специалист по разводке крупных работ; Затем на базе были помощники, молодые подмастерья и рабы.Есть также веские основания полагать, что, несмотря на некоторый прогресс в социальном статусе художников ближе к концу барокко, такие рабочие, как они, где было много рабов, по-прежнему сталкивались с укоренившимся презрением со стороны элиты.

Тематические группы
Живопись и скульптура в стиле барокко развивались как coadjutoras искусства, чтобы получить полный живописный эффект сакральной архитектуры, церкви, где все специальности сопряжены с усилиями в поисках кинестетического воздействия.Поскольку искусство барокко по сути своей является повествовательной, стоит упомянуть основные тематические группы, культивируемые в Бразилии. Первый взят из Ветхого Завета, предлагая дидактические визуализации космогенеза, сотворения человека и основ веры, данных еврейскими патриархами. Вторая группа происходит из Нового Завета, сосредоточена на Иисусе Христе и его учении о спасении, тематически разработанная с помощью множества сцен, показывающих его чудеса, его притчи, его страсти и воскресение, элементы, которые объединяют и оправдывают христианство и отличают его от иудейской религии. Третья группа вращается вокруг портретов церковных чиновников, древних патриархов, мучеников, святых и святых, известных священнослужителей, и, наконец, идет тематическая группа культа Марии, изображающая мать Иисуса в его многочисленных призывах.

Живопись
Как и во всех искусствах, католическая церковь была самым большим покровителем колониальной живописи. Для церкви живопись выполняла основную функцию, помогая катехизации и подтверждая веру преданных. Необходимость быть понятными необразованным людям означала преобладание рисунка над цветом.Рисование в концептуализации того времени относилось к сфере разума и определяло передаваемую идею, а цвет давал необходимый эмоциональный акцент для максимальной функциональной эффективности рисования. Таким образом, вся живопись в стиле барокко носит образный, риторический и морализаторский характер. Каждая сцена содержала серию символических элементов, составляющих визуальный язык, которые использовались как слова при построении фразы. В то время значение таких элементов было общественным достоянием. Образы святых демонстрировали их типичные атрибуты, такие как орудия их мучений, или предметы, которые были связаны с их карьерой или иллюстрировали их достоинства.Например, Святой Франциск может казаться окруженным объектами, связанными с покаянием и скоротечностью жизни: черепом, песочными часами, четками, книгой, бичом и цилицей.

Большинство картин в стиле бразильского барокко было выполнено темперой или маслом на дереве или холсте и вставлено в резной декор. Некоторые редкие примеры техники росписи в монастыре Сан-Бенту в Рио и церкви Терсиос в Кашуэйра-ду-Парагуасу сохранились, но нет никаких записей о популяризации этой техники.С самого начала ex-votos были обычным явлением, а в восемнадцатом веке стали еще более распространенными. Как правило, это были деревенские накладные, заказываемые преданными народным мастерам или выполняемые самими людьми, оплаченные за некоторую полученную милость или в залог какого-то обещания. Бывшие голоса сыграли важную роль в первом развитии колониальной живописи, потому что они были частой практикой, что объясняется все еще дикими пейзажами, в которых были организованы поселения, где не было опасностей различных порядков, против которых призывы у небесных сил помощь и защита была постоянной.

С начального периода стоит упомянуть некоторых из самых ранних бразильских художников, которые кое-что знают: Бальтазар де Кампос, работавший в Мараньяне, создал полотна о жизни Христа для ризницы церкви Св. Франциска Ксавьера; Жоао Фелипе Беттендорф, также в Мараньяне, украсил церкви Гурупатуба и Инхауба, а Фрей Рикардо ду Пилар, работавший в Рио-де-Жанейро с техникой, близкой к фламандской школе, был автором прославленного Господа мучеников. Лоренсу Велозу, Домингуш Родригеш, Жако да Силва Бернардес и Антонио Гуальтер де Маседо работали в нескольких местах между Пернамбуку и Рио-де-Жанейро.Фрей Эусебио да Соледаде, который считается основателем баийской школы, возможно, учился у Франса Поста и Альберта Экхаута, придворных художников Пернамбуко Джона Мориса Нассау, во время голландского господства на северо-востоке.

В восемнадцатом веке цветочная живопись появилась почти во всех регионах страны, она стала зародышем региональных школ и сохранила все большее количество известных личностей. К настоящему времени в обращении хранилось огромное количество гравюр европейского происхождения, в которых воспроизводились работы знаменитых мастеров или предлагались другие иконографические модели.Эти гравюры были основным источником вдохновения для бразильских художников-колонистов, несколько исследований уже документально подтвердили массовое присвоение ими таких моделей, адаптируя их к потребностям и возможностям каждого места. Они даже служили им школой, поскольку не было официальных художественных академий и мало кто из художников был хорошо подготовлен. Из них почти только образованные миссионеры Европы, первые учителя живописи Бразилии. Однако, поскольку эта импортированная иконографическая коллекция имела очень разнородный профиль, состоящий из изображений разных периодов и стилей, живопись бразильского барокко имеет столь же динамичный и многогранный характер, и ее невозможно изучить через призму единства и формальной согласованности. .

Скульптура
В стиле барокко возникло огромное производство священных скульптур. Неотъемлемая часть религиозной практики, религиозная скульптура нашла место как в храме, так и в частном доме. Кабрал уже привез с собой статую Богоматери мореплавателей, и первые части, оставшиеся от страны, были португальского происхождения, они прибыли с миссионерами. В течение всего барокко продолжался ввоз произведений, и многие из тех, что до сих пор хранятся в церквях и музейных собраниях, имеют европейское происхождение.Но с 16 века начали формироваться местные школы скульптуры, в основном состоящие из францисканцев и бенедиктинцев, но с некоторыми светскими мастерами, которые работали в основном с глиной. Первые изображения обожженной глины, созданные в Бразилии, которые являются надежной новостью, созданы Жоау Гонсалу Фернандесом, датируемыми 1560-ми годами и, к счастью, сохранившимися в то время. Это была техника, в которой туземцы могли внести более активный вклад, обучая белым техникам керамической росписи и знаниям о природных пигментах, таких как табатинга и тауа, которые доминировали на протяжении тысячелетий.Индейцы также сотрудничали как santeiros, особенно в сокращении юга и некоторых северо-востока, и в этих случаях многие этнические индийские следы часто встречаются на лицах изображений, что можно увидеть на некоторых скульптурах Семь человек миссий. Иезуиты уже отдавали предпочтение дереву, которое с конца семнадцатого века также преобладало, что также определяло изменения в форме предметов. Техника того времени требовала, чтобы куски глины лепились компактно, с низким рельефом и без выступающих частей, которые легко могли сломаться во время приготовления.Дерево, с другой стороны, позволило скульптуре с открытыми, развевающимися и динамичными формами, гораздо более свободными в трехмерном пространстве. Большая часть скульптур в стиле бразильского барокко в конечном итоге была создана из полихромного дерева. Глина использовалась в основном вначале, хотя ее никогда не бросали, а камень был редким явлением, больше предназначенным для украшения фасадов и общественных памятников.

Созданный в Бразилии или импортированный, вряд ли найдется дом, в котором не было бы хотя бы какого-нибудь святого с резной преданностью: скульптуры стали товаром, почти вездесущим, гораздо более распространенным, чем живопись, с крупными образцами, естественного размера или даже больше, к миниатюрным деталям для практического использования в путешествиях.Сальвадор, в частности, стал центром экспорта скульптур в самые отдаленные точки страны, создав региональную школу такой силы, которая не знала решения проблемы преемственности до двадцатого века. Другой важной северо-восточной школой была школа Пернамбуку, с высококачественным производством, но еще малоизученной. Большинство сохранившихся работ остаются анонимными; обычно не подписывались, и анализа стиля часто бывает недостаточно, чтобы точно определить их происхождение, поскольку иконография следовала стандартным условностям, которые ценились повсюду, и обмен произведениями по всей стране был большим, но некоторые имена были сохранены устной традицией или расписками на оплата работ.Среди них мы можем упомянуть Августина Иисуса, работавшего в Рио и Сан-Паулу; Фрей Агостиньо да Пьедаде, Хосе Эдуардо Гарсиа, Франсиско дас Шагас, Кабра, Феликс Перейра Гимарайнш и Мануэль Инасио да Кошта, действующие в Сальвадоре; Вейга Валле в Пиренополисе; Франсиско Ксавье де Брито, выступающий между Рио и Минасом, Маноэль да Силва Аморим в Пернамбуку, Бернарду да Силва из школы Мараньян, Симау да Кунья и Местре Валентим в Рио-де-Жанейро. В школе Минас Франсиско Виейра Сервас, Хосе Коэльо Норонья, Фелипе Виейра, Валентим Корреа Паес, Бенту Сабино да Боа Морте и другие.

С осаждением национальной культуры примерно в середине восемнадцатого века и с умножением более способных мастеров растет изысканность форм и отделки изделий, появляются образы большой выразительности. Однако ввоз скульптур непосредственно из Португалии продолжался и даже рос по мере обогащения колонии, поскольку высшие классы предпочитали более прекрасные образцы и более эрудированных мастеров. В то же время росло количество региональных школ, с упором на школы Рио, Сан-Паулу, Мараньяна, Пара и Минаса, где участие чернокожих и мулатов было важным и где были развиты более типичные региональные особенности, которые могли включать элементы архаики или из нескольких школ в эклектическом синтезе.Как описывает Аилтон де Алькантара, «именно в этом контексте скромные, но умелые мужчины, опираясь на формальную перспективу, которую они усвоили во время беременности, руководствуясь только устной традицией и упражнением в повторении, будут идентифицированы в среде, в которой они жили как создатели святых и различных других объектов поклонения ». Алейжадиньо представляет собой венец и последнее великое проявление скульптуры в стиле бразильского барокко с плотной и мастерской работой, распространенной в регионе Ору-Прету, особенно в святилище Бом-Жезус-де-Матозиньюш, в Конгоньясе, где есть несколько больших скульптурных групп на станциях Via Crucis. из полихромного дерева и знаменитые Двенадцать пророков, сделанные из мыльного камня, на кладбище.

Золотая резьба и другие скульптурные формы
Золотая резьба, по сути декоративная форма скульптуры, должна рассматриваться отдельно ввиду ее большого богатства в Бразилии и ее исключительной важности на протяжении всего развития барокко, часто приобретающего монументальные пропорции и изменяющего восприятие внутренних архитектурных пространств. Поскольку структурные объемы церквей всегда оставались довольно простыми и статичными, что свидетельствует о долговечности и силе традиции архитектуры чан, именно в декоре интерьеров, в алтаре и алтаре, где преобладает резьба, преобладает резьба. Бразильское барокко могло выразить себя всей своей силой и быть более «типично барочным»: роскошным, экстравагантным, динамичным и драматичным.Первые важные плоды были получены на северо-востоке, сначала в Сальвадоре и Ресифи. Кафедральный собор Сальвадора и собор Сан-Луис-ду-Мараньян, оба произошли непосредственно от маньеризма, резьба в стиле барокко была сформирована путем обновления других архаизмов, таких как концентрические полные арки, расположенные в глубину, распространенные в порталах романских церквей, изобилующие по всей португальской территории, и витые колунеты, уже существующие в готический период. Пространства между этими структурными элементами алтарей, а также их поверхности были вырезаны обильным полихромным и позолоченным орнаментом в виде ветвей и гирлянд цветов, перемежающихся более богатыми образцами ангелов, гербов, знаков отличия, птиц. , Атланты и кариатиды с большой стилистической однородностью.

Эта рама, имевшая сценографический характер и эквивалентная по концепции и функциям аркам триумфа античности, образовывала нишу, заполненную пьедесталом для статуи святого. Основанием алтарей служил также украшенный ящик или стол, который можно было заменить опорными колоннами. Главные алтари в алтаре могли иметь большое величие. Это особое оформление было названо «португальским национальным стилем», который стал доминирующей моделью внутреннего убранства с середины семнадцатого века до начала восемнадцатого века.Естественно, было несколько интерпретаций модели, и различные религиозные ордена приняли свои собственные вариации, которые стали типичными; Иезуиты были более трезвыми, а францисканцы предпочитали роскошную роскошь. На протяжении всего национального стиля резьба, как правило, мало проецируется в пространство, точно следуя конформации архитектуры. Потолки в национальном стиле кристаллизовались в формуле «урны» или «своды» — резная работа с отливками многоугольных участков, которые были частью росписи.Иллюстрацией этой сцены являются Золотая часовня в Ресифи, одна из первых в этом стиле, и церковь Сан-Франциско Сальвадора, одна из самых богатых в Бразилии; его пышная позолоченная резьба полностью покрывает все внутренние поверхности с поразительным эффектом соединения.

Литература
Образовательный и лингвистический контекст
Из-за особенностей своего образования, как колония, в Бразилии литературная культура стоила развития. Португалия не предпринимала никаких усилий для просвещения колонизированных территорий — фактически, он различными способами старался не обучать их, поскольку большой интерес представляла эксплуатация их ресурсов, и существовали опасения, что образованная колония может восстать против центральной власти и стать независимый.Библиотек и государственных школ не существовало, и то, что изучалось — когда это было изучено — было элементарным обучением под опекой Церкви, особенно иезуитов, строго направленным на катехизацию, и образование на этом заканчивалось без перспектив углубления или развития. улучшения литературного вкуса, если ученики в конечном итоге не вступят в ряды Церкви, что тогда дало бы им лучшую подготовку. Более того, большая часть населения была неграмотной, а передача культуры почти полностью основывалась на устной речи, пресса была запрещена, рукописи были редки, потому что бумага была дорогой, лунные и альманахи, компендиумы латыни, логики и законодательства, так что кроме того, что читателей было мало, читать было почти нечего.Таким образом, скудная литература, созданная в эпоху барокко, родилась в основном среди священников, некоторые из них были высоко просвещенными, или среди какой-то знатной или богатой семьи, среди правительственных чиновников, которые могли позволить себе учиться в мегаполисе, и потреблялась в той же ограниченной круг. То, что смогло процветать в этом пауперистическом контексте, широко следовало за европейским литературным барокко, характеризующимся бурной риторикой, эмоциональной привлекательностью, многозначным дискурсом, асимметрией, вкусом к языковым фигурам и контрастам, а также интенсивным использованием понятий и образов, связанных друг с другом. искусства и различных телесных чувств, ищущих синестетический эффект.

Добавьте к этому тот факт, что до середины восемнадцатого века, когда маркиз Помбал провел серьезные реформы в образовании и стремился сделать национальную языковую панораму однородной, в Бразилии меньше всего говорили о португальском языке. В контексте завоеванной территории, коренные жители которой выражали себя на множестве других языков, первые европейские поселенцы должны были их знать, и в конечном итоге они использовали их в больших количествах в общественных местах и ​​даже в домашней среде, где индейцы-рабы всегда распространены и метисы, часто создавая гибридные линии, такие как общий язык Сан-Паулу, который преобладал на юге, и нхенгату, который долгое время был лингва-франка Амазонки.Это смешение также произошло в пастырской сфере, давая литературные плоды в виде оригинальных работ или переводов, сделанных миссионерами для работы с индейцами, включая проповеди, стихи и священные книги, а также технические работы, такие как катехизисы, словари и грамматики. См. Примечание: во время Иберийского союза и под влиянием соседних латиноамериканских колоний, из которых многие приехали в поисках лучших возможностей, испанский язык имел значительное распространение в южной части Бразилии и Сан-Паулу, но в отличие от языков коренных народов он не прижился, быстро гаснет.В некоторых местах на побережье на короткое время также были слышны голландский и французский языки. Речи африканских рабов, с другой стороны, должны быть записаны, подвергались жестким репрессиям, но они смогли выжить в небольшом масштабе тайным образом, использовались в одиночку, а также на африканских фестивалях и обрядах, практикуемых в белых кроссовках. . Наконец, следует сказать, что языком обучения в то время был латынь, официальный язык церкви, закона и науки, который монополизировал всю систему высшего образования.У португальского языка было мало места для более интенсивного культивирования, поскольку он был ограничен почти исключительно официальной сферой, и, помимо редких писателей-первопроходцев, о некоторых из которых вскоре будут упоминаться, только в середине восемнадцатого века бразильская литература в Португальский язык начнет приобретать более богатую и более явную родную черту, сопровождая рост прибрежных городов, появление первых литературных академий и появление золотого цикла в Минас-Жерайсе, но в то же время переход к аркадизму, направляя стиль к классические ценности экономии и простоты.

Поэзия
В области поэзии предшественник Бенту Тейшейра выделяется своей эпической «Просопопией», вдохновленной классической маньеристской традицией Камоэнса, за которой следует Мануэль Ботельо де Оливейра, автор Parnassos Music, первой печатной книги бразильского автора, сборник стихов на португальском и испанском языках в строгой культистской и концептуальной ориентации, в поэзии Гонгоры, а затем и монаха Мануэля де Санта-Мария, также принадлежащего к камонской школе. Но величайший поэт бразильского барокко — Григорий Матосский, обладавший большой сатирической жилкой, столь же проникнутый религией, философией и любовью, часто с явным эротическим зарядом.Он также использовал культурный язык, полный языковых фигур, демонстрируя при этом влияния классицизма и маньеризма. Его назвали «Уста ада» за резкую критику обычаев того времени. В его религиозной лирике важны проблемы греха и вины, равно как и конфликт страсти с духовным измерением любви.

Проза
В прозе великий представитель — отец Антониу Виейра, с его проповедями, из которых примечательна первая неделя Великого поста, где он защищал уроженцев рабства, сравнивая их с евреями, порабощенными в Египте.В том же тоне звучит проповедь 14 Розария, осуждающая рабство африканцев и сравнивающая его с Голгофой Христа. Другими важными частями его ораторского искусства являются Проповедь Святого Антония Рыб, Проповедь Мандата, но, пожалуй, самой знаменитой из них является Проповедь Шестидесятой 1655 года. В ней он защищает не только индейцев, но и прежде всего. , нападает на своих палачей, доминиканцев, с помощью хитроумной цепочки вызывающих воспоминания образов. Его творчество было вдохновлено желанием создать португальскую и католическую империю, управляемую гражданским рвением и справедливостью, но его голос был истолкован как угроза установленному порядку, что принесло ему политические проблемы и привлекло к нему подозрения в ереси.Он также является автором первого утопического повествования, написанного на португальском языке, «История будущего», в котором он стремился возродить миф о Пятой империи, христианской и португальской империи, господствовавшей в мире.

Исполнительское искусство

Музыка
Музыка — это искусство, чья траектория во времена барокко в Бразилии — наименее известная и наименее остающаяся реликвия — почти все было потеряно. Из отечественной музыкальной продукции сохранились лишь заметные произведения конца XVIII века, то есть, когда барокко уже уступало место неоклассической школе.Не то чтобы в предыдущие века в колонии не было музыкальной жизни; однако партитуры были потеряны, сохранив не более 2500 известных композиций, по оценке Режиса Дюпра, в основном датированных концом периода, но литературные свидетельства не оставляют сомнений в интенсивной музыкальной деятельности Бразилии с начала барокко. особенно на Северо-Востоке. В конце 18 века в колонии было больше активных музыкантов, чем в Португалии, что говорит об интенсивности практики, развитой в Бразилии.

Первые зарегистрированные музыкальные мероприятия в стране были связаны с катехизацией, рассчитанной на активное участие индейцев. В некоторых районах юга процветала богатая музыкальная жизнь, но в целом музыка, которую практиковали миссионеры среди туземцев, была довольно простой, с использованием в основном гомофонического пения, которое часто было частью дидактических театральных представлений. Вскоре был введен элементарный инструментал, состоящий в основном из флейт и струнных альтов.По мере роста колонии улучшение материальных условий обеспечивало всеобщее обогащение, появление хоров, оркестров и школ. Именно тогда черные и мулаты, которые стали доминировать над колониальными музыкантами, стали намного более важными в музыкальном плане. Есть несколько восхищенных сообщений о путешественниках в оркестрах чернокожих и мулатов, которые до совершенства играли европейские эрудированные пьесы. Многие из них, помимо исполнения, создавали, и среди них были некоторые из величайших композиторов того периода, хотя следы самобытной культуры их этнической принадлежности никоим образом не обнаруживаются в их произведениях, все они ориентированы на европейские образцы.

Поскольку Церковь оставалась великим покровителем искусств, это было естественным для распространения музыкальных братств, которые приобрели огромное значение в музыкальной жизни колонии. Некоторые из них стали очень богатыми, им удалось управлять полноценными оркестрами и собственными храмами, роскошно украшенными. Хотя братства спонтанно организовались сами по себе, музыкальная практика, которую они развивали, была порождена поручениями и всегда находилась под опекой Церкви, которая возлагала на каждого из них ответственность за музыкализацию определенных церемоний и праздников, нанимая главного хозяина для проведения церемонии. исполнение музыки в течение года.Эта форма найма называлась водонепроницаемой и составляла монополию. В конце 18 века были введены торги контрактами. Формы духовной музыки, культивируемые в Бразилии, были эквивалентны европейским: мессы, литании, мотеты, псалмы, респонсории, гимны и другие, и имели, как и другие искусства барокко, функциональную природу: они были направлены на стимулирование преданности верный. важный катализирующий и вызывающий воспоминания элемент в ритуализированном и зрелищном поклонении, происходящем в роскошной обстановке церквей или в красочных и оживленных гуляниях на открытом воздухе.

Однако светская музыка также пережила богатый и изысканный расцвет. Помимо присутствия во многих домашних ситуациях, на гражданских праздниках, на официальных церемониях, смешивании с популярной музыкой, отчеты также обвиняют постановку полных опер в Баии и Пернамбуку в конце семнадцатого века, а также в следующем веке в Рио (1767 г.). ) и Сан-Паулу (1770) с в основном итальянским репертуаром. Особняком стоит португальский Антониу Тейшейра, сыгравший сатиры на еврея Антониу Жозе да Силва, получившие большое распространение и успех, хотя и написанные в Португалии.Самой древней профанной вокальной партитурой, написанной в Бразилии на португальском языке, была Cantata Acadêmica Heroe, вопиющая, ученая, паломница, на самом деле всего лишь пара речитатив + ария анонимного композитора, который в 1759 году приветствовал элегантной и выразительной музыкой португальского сановника. Хосе Маскареньяс и сожалел о трудностях, которые он пережил на этой земле. Его авторство иногда приписывают Каэтано де Мело де Хесус, часовщику кафедрального собора Сальвадора.

Он должен включать ссылки на некоторые другие важные имена.В Сан-Луисе с 1629 года было отмечено присутствие Мануэля да Мотта Ботельо в качестве начальника часовни. Фрей Мауро дас Шагас работал немного раньше в Сальвадоре, а за ним последовали Хосе де Хесус Мария Сан Паио, Фрей Феликс, Мануэль де Хесус Мария, Эусебио де Матош и некоторые другие, особенно Жоао де Лима, первый музыкальный теоретик Северо-Востока полифонист, мульти-инструменталист и капеллан собора Сальвадора между 1680 и 1690 годами, а затем предположил, что это Олинда. Одной из главных фигур музыкальной вершины Сальвадора был о.Агостиньо де Санта-Моника, прославившийся еще при жизни, автор более 40 мессы, некоторые из которых выполнены в стиле поликорал, а также других композиций. Упомянутый ранее Каэтано де Мело де Хесус был еще одним великим деятелем в музыке столицы Баии, автором «Школы органной песни» («органное пение» понималось как полифоническое пение) в двух томах, которые, хотя и никогда не были опубликованы, являются сегодня считается одним из самых известных трактатов музыкальной теории, написанных на португальском языке своего времени, конкурируя с трактатами известных европейских музыковедов, выделяясь своим расширением, энциклопедическим пониманием и эрудицией »в различных областях знаний, которые, начиная с Педагогическая основа тривиума и квадривиума фактически включает в себя философские и гуманистические знания, доступные в то время опытному Мастеру Соборной Капеллы », — сказала исследователь Мариана де Фрейтас.

Другие главные центры того времени, Ресифи, Белен и Сан-Паулу, могли поддерживать постоянную активность только с восемнадцатого века. Несмотря на относительную задержку, качество его музыкальной жизни достигло уровня, который интересовал даже экспертов Metropolis. Некоторые из его игроков были названы в Словаре португальских музыкантов Джозефа Маццы, среди них Хосе Костинья, Луис де Хесус, Жозе да Круз, Маноэль да Кунья, Инасио Рибейру Нойя и Луис Альварес Пинту. Многие историки классифицируют произведение «Неправильная любовь», созданное в Ресифи в 1780 году Луисом Альваресом Пинто, как первую драму, публично поставленную в Бразилии местным автором; и хотя пьеса не предназначалась для исполнения (в песне фигурирует припев), по сюжету она похожа на лучшую серьезную оперу того времени.

Театр и празднества
Первые важные театральные проявления в Бразилии происходят в период перехода от маньеризма к барокко, появившемуся как инструмент в деле катехизации язычников. Таковы пьесы Хосе де Анчиеты, первого и величайшего драматурга шестнадцатого века в Бразилии. Его постановка является частью иезуитской концепции сценической катехизации, систематизированной отцом Франсиско Лангом в его Dissertatio de actione scenic. Чтобы сформулировать свои заповеди, Ланг опирался на итальянскую театральную традицию в древних записях средневековых мистерий и на требования Духовных упражнений св.Игнатия Лойолы, который предусмотрел «композицию места» для повышения эффективности духовной медитации. В случае с Anchieta еще одним важным ориентиром был театр Жиля Висенте.

Сюжеты обычно были взяты из Библии и католической агиографии, и рассказ о Страстях Христовых по Крестному пути был одним из самых важных. Произведения Anchieta уже демонстрируют одну из характеристик религиозного театра в стиле барокко, которая сохранится на протяжении следующих столетий, — синкретизм, с персонажами, ушедшими в отставку из нескольких исторических периодов и смешанными с легендарными фигурами.В Auto de São Lourenço, например, появляются римские императоры Десио и Валериано, ангелы, святые Себастьян и Лоренсу, старуха, индийские мальчики и демоны, и в этой смеси становится ясной, как указал Карнал, цель о «релятивизации времени и пространства в зависимости от божественной системы отсчета, которая вечна и абсолютна. сопутствующие и, несмотря на существование истории спасения, истинные ценности не являются историческими или линейными. В семнадцатом веке форма священного театра получила развитие, обогатила декорации и сценические аксессуары, и целевой аудиторией больше не были в первую очередь индейцы, а все население.

Вначале не было театральных домов, и место для таких представлений обычно было на открытом воздухе, на площадях перед церквями или во время процессий с помощью мобильных сценариев, установленных на поплавках, сопровождающих маршрут. В частности, шествия основывались на активном участии населения в едином движении между актерами и публикой. Часто использовались марионетки или священные изображения особого типа, каменные статуи, одетые как люди и артикулированные так, чтобы они могли адаптироваться к разворачивающемуся действию, где они играли основную вызывающую воспоминания роль.

В дополнение к священным представлениям, организованным церковью и братствами, театр присутствовал на официальной сцене в форме восхваления гражданских и военных властей и других церемониальных пьес, обычно с риторическими текстами, смешанными с классическими аллегориями и библейскими отсылками. Но светский театр также происходил как спонтанное развлечение, будь то в публичном месте или в частном порядке, где марионетки были частым использованием и импровизацией, практикой. Сальвадор был первой сценой этого популярного театра; вскоре другие центры также указали на его возникновение, поскольку часто используется португальский язык, смешанный с испанским и родным языком.Хотя этот народный театр ценился за спонтанность и носил в высшей степени фольклорный характер, в нем часто использовались готовые тексты из Лиссабона, поскольку пресса в Бразилии была запрещена. Эти тексты, переведенные и отредактированные непонятным и дилетантским способом в Метрополисе, обычно были плохо адаптированными к известным научным работам и продавались по низкой цене, подобно корделевской литературе, на хорошем рынке. Так же, как они уже были фальсифицированы и «популяризированы», они поддались многим другим адаптациям и импровизациям в зависимости от возможностей в каждом случае.

Мирский театр эрудитов начнёт процветать только после стабилизации и обогащения колонии, стандартизации языковых норм и продвижения колонизации во внутренние районы. На этом этапе, с середины XVIII века, начинается строительство нескольких зрелищных домов на побережье и в некоторых внутренних центрах, таких как Ору-Прето и Мариана. В основном они служили для представления музыкальных произведений, опер, мелодрам и комедий. В то же время появилось стремление к профессионализации бразильского театра, до того времени имевшего любительскую и популярную основу, в результате чего странствующие табладо уступили место фиксированной аудитории.Репертуар по-прежнему был в значительной степени импортирован из Европы, с произведениями Мольера, Гольдони, Корнеля, Вольтера, но появились некоторые национальные репертуары, и музыкальные сатиры еврея Антониу Хосе да Силвы приобрели огромную популярность. Несмотря на большую популярность театра в Бразилии в стиле барокко, актеры, среди которых было много мулатов, относились к низшим слоям общества.

Из всех театральных домов Бразилии в стиле барокко, самым старым из существующих до сих пор является Муниципальный театр Ору-Прету, построенный в 1770 году, который также является самым старым в Северной и Южной Америке до сих пор.Другой важный пример сохранился в Сабаре, втором по возрасту в Бразилии, все еще действующем. В Рио есть записи более старых театров, таких как Оперный театр Падре Бонавентуры, построенный, вероятно, в 1747 году, но не сохранившийся. Тем не менее, в рассказах описывается богатство их декораций и костюмов, использование марионеток и их сложное сценическое оборудование, необходимое оборудование для создания спецэффектов, столь высоко ценимых в постановках в стиле барокко. Сам отец Бонавентура правил спектаклями.Другой театр был построен в Рио около 1755 года, Театро де Маноэль Луис; в нем деятельность одного из первых профессиональных декораторов Бразилии, Франсиско Муцци, и репертуар с произведениями Мольера, Гольдони, Метастазио, Маффеи, Альваренги Пейшото и особенно произведениями еврея. Это работало до прибытия португальской королевской семьи в Бразилию.

Считается, что живописное наследие барокко до сих пор остается синкретическим народным выражением давних и богатых традиций, которые сохранились в различных частях страны, таких как литании, конга, костюмы королей и даже видимые в современном карнавале — вечеринка, связанная с религиозным календарем, и одно из современных популярных выражений, обновляющих пышную сценографию высоты театра и вечеринок в стиле барокко.

Источник из Википедии

19 лучших примеров архитектуры барокко в Европе

Барокко — это не только один из самых известных архитектурных стилей в мире, он также охватывает области музыки, живописи, скульптуры, моды и многого другого. Он хорошо известен своим богатством, но всегда отличался особой атмосферой в соответствии с местными традициями. Мы попросили коллег-путешественников рассказать об их любимых образцах архитектуры барокко в Европе.

Что такое архитектура барокко?

Архитектура барокко возникла в Риме в начале 17 века, сразу после эпохи Возрождения.Его популярность была напрямую связана с католической церковью, которая в то время снова набирала влияние. Экстравагантный стиль католического барокко разительно контрастировал со строгим и скромным стилем протестантских церквей. Он быстро распространился из центральной Италии во Францию, Пиренейский полуостров и Австрию.

Барокко отличается прежде всего своим богатством, будь то богатое украшение или щедрое использование золота. Другими часто используемыми элементами были витые колонны и принудительная перспектива.Хотя самые ранние образцы относятся к церковным, архитектура в стиле барокко вскоре захватила и гражданскую жизнь. Сегодня он признан одним из основных архитектурных стилей Европы.

Лучшие образцы архитектуры барокко в Европе

1. Вена, Австрия

С преимущественно католическим населением и имперским прошлым неудивительно, что Вена — один из лучших городов Европы с архитектурой барокко. В 17-18 веках империя Габсбургов была на пике своего политического развития и была одной из самых влиятельных стран во всей Европе.С властью пришло богатство, и за это время было построено несколько зданий в богато украшенном стиле барокко.

Одними из лучших примеров архитектуры барокко в Вене являются церковь Св. Карла, дворец Шенбрунн, дворец Бельведер, Старая Венская ратуша, Императорские конюшни и многие, многие другие. В особенности дворцы, построенные в то время, сегодня являются важными туристическими достопримечательностями Вены.

Однако наиболее интригующим примером, без сомнения, является церковь Св. Карла.Церковь, известная как Karlskirche на немецком языке, была построена в 1737 году. Ее спроектировал австрийский архитектор Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах.

Хотя церковь очень величественна со всех сторон, она наиболее известна своим эллипсоидным куполом и двумя вращающимися по бокам колоннами. На них изображены сцены из жизни Чарльза Борромео, которому посвящена церковь.

2. Копенгаген, Дания

Дания является преимущественно протестантской страной, поэтому архитектура барокко в целом недооценена.Этому способствует тот факт, что барокко также прибыло в Данию относительно поздно и находилось под сильным влиянием голландского барокко. В то время Копенгаген был относительно молодым городом и характеризовался городским развитием короля Кристиана IV. Фактически, многие известные здания в Копенгагене датируются этим периодом.

Некоторые из самых важных зданий в стиле барокко в Копенгагене — Круглая башня, дворец Шарлоттенборг и церковь Спасителя. Интересно, что все три здания служили совершенно разным целям.Из трех, Церковь Спасителя, вероятно, является лучшим образцом архитектуры барокко в Копенгагене, а также одним из самых узнаваемых зданий в целом.

Церковь известна своим знаменитым извилистым шпилем, который слегка покачивается на ветру. Его позолоченные края прекрасно представляют эпоху барокко, как и витой элемент. Интерьер церкви выполнен в лютеранском стиле барокко, с белыми стенами и лишь несколькими монументальными декоративными элементами.

Другие примечательные здания в стиле барокко в Копенгагене можно найти недалеко от городской черты, например, дворец Шарлоттенлунд или охотничий домик Эремитаж.

3. Ното, Италия

Рекомендовано Дэвидом из книги «Путешествие с малышом»

Южный сицилийский город Ното мог бы остаться навсегда неоткрытым, если бы не землетрясение 1693 года, опустошившее восточное побережье острова и город Реджо-ди-Калабрия.

Город Ното пострадал в наибольшей степени, и было решено как можно быстрее восстановить его на новом месте.Это случилось ближе к концу периода барокко, в результате чего был быстро построен целый новый город в подобном гармоничном стиле из теплого местного камня медового цвета.

Весь старый город Ното построен в стиле барокко и сосредоточен вокруг Дуомо или собора Сан-Николо. Весь город, а также другие города в регионе, включая Рагузу и Модику, внесены в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Дуомо Сан-Николо — самое впечатляющее здание в городе.Его красиво пропорциональный фасад возвышается на вершине большого лестничного пролета, ведущего вверх с главной улицы Корсо Витторио Эмануэле. Центральный купол обрушился в 1996 году, но с тех пор был восстановлен в своей былой славе.

На той же площади, что и Дуомо, есть еще несколько шедевров барокко — церковь Сан-Сальваторе, справа от Дуомо на этом снимке, и церковь Сан-Карло, с башни которой открывается лучший обзор в городе. Слева от кадра перед Палаццо Николаси ди Валладората есть несколько выдающихся фигур, поддерживающих балконы.

Ното очень необычен тем, что все построено в таком едином стиле — сравнения включают в себя грузинскую баню в Англии и ар-деко Napier в Новой Зеландии, который также был восстановлен после землетрясения.

4. Оломоуц, Чешская Республика

Рекомендовано Вероникой из Travel Geekery

Возможно, вы никогда не слышали об Оломоуце, но знайте: это настоящая жемчужина барокко. Следы барокко будут сопровождать вас, куда бы вы ни направились в Оломоуце, кроме окраин города.От колонны Святой Троицы, построенной в 18 веке после двухлетней эпидемии чумы, до различных церквей, а также шести фонтанов в стиле барокко, разбросанных по центру города Оломоуц.

Однако одним из лучших образцов барокко является церковь Посещения Девы Марии на Святом холме недалеко от Оломоуца. Уникальное здание было даже освящено Папой Римским и получило титул «Малая базилика». Он был построен в 17 веке на месте небольшой часовни, куда местные жители приходили помолиться и поблагодарить Деву Марию за прекращение Тридцатилетней войны.

Интерьер еще более захватывающий, чем то, что вы видите снаружи. Он украшен богато украшенными святыми, и на стене нет ни сантиметра, который нельзя было бы украсить. Если вы войдете, а кроме вас никого нет, вас охватит жуткое ощущение.

В зависимости от случая церковь может излучать совсем другую атмосферу, поэтому ее стоит посетить несколько раз. При посещении Оломоуца не стоит упускать из виду базилику. Тем более, что это всего в нескольких минутах езды на автобусе от города.

5. Сантьяго-де-Компостела, Испания

Рекомендовано Талеком из «Путешествий с Талеком»

Вы видите первые проблески большой площади издалека, когда идете по узкой улочке, ведущей к центру города. Внезапно улица превращается в внушительную, вымощенную булыжником площадь Praza do Obradoiro. Ничто не готовит вас к месту, где стоит массивная церковь на западной стороне площади, Кафедральный собор Сантьяго-де-Компостела. Архитектурный стиль здания представляет собой уникальное сочетание барокко, романского стиля и готики.

Легенда гласит, что святой Иаков, один из 12 апостолов, похоронен в подземных сводах Собора. Верна это или нет, но легенда побудила паломников путешествовать на тысячи миль в самые дальние уголки Западной Европы, чтобы молиться в этом соборе с 8-го века. На протяжении веков это паломничество превратилось в то, что сейчас называется Камино де Сантьяго. Паломники могут путешествовать по многим маршрутам, чтобы прибыть в собор и получить сертификат, подтверждающий их путешествие.

Собор на протяжении веков претерпевал несколько реконструкций и реставраций.Архитектурные стили изменились вместе с их создателями, поскольку художники умирали, а на их место приходили новые архитекторы. Самым заметным и заметным сооружением в стиле барокко в соборе является фасад, который стал символом города и поэтому отпечатан на обратной стороне нескольких монет испанского евро.

6. Лондон, Великобритания

Рекомендовано Джулианной из книги «Открытия»

Лондон — отличный город для знакомства с архитектурой в стиле барокко. Английские архитекторы начали перенимать стиль барокко в 17 веке, что стало известно как английское барокко.В то время как в начале XVII века было построено несколько зданий в стиле английского барокко, Великий лондонский пожар в 1666 году оставил Лондон как раковину и дал многим архитекторам, особенно сэру Кристоферу Рену, относительно свободу действий в использовании эстетики барокко при перепроектировании. город.

В результате вы можете найти здания в стиле английского барокко, разбросанные по всему Лондону, и особенно в лондонском Сити, но самым известным из них является собор Святого Павла Рена. Собор Святого Павла — одно из мест, которые обязательно нужно посетить в Лондоне, с совершенно потрясающим экстерьером, который меняет внешний вид в зависимости от позиции, с которой вы смотрите на него, и с еще более ярким интерьером.

Одним из элементов барочного дизайна Рена был огромный собор Святого Павла. Когда строительство было завершено, собор Святого Павла был самым высоким зданием в Лондоне — до 1960-х годов. Это по-прежнему вторая по величине церковь в Великобритании.

7. Мадрид, Испания

Рекомендовано Or from My Path In The World

Мадрид отличается множеством архитектурных стилей, но именно барокко выделяется среди некоторых главных достопримечательностей города.Вы не можете поехать в Мадрид и не посетить Королевский дворец, официальную резиденцию испанской королевской семьи и один из крупнейших дворцов Европы.

Построенный в 18 веке, он считается самым важным дворцом Испании в стиле барокко. Он имеет квадратную планировку с внутренним двором, а его внешние фасады украшены пилястрами и орнаментами, которые создают эффектный и царственный вид.

В самом дворце более 3400 комнат, украшенных картинами, скульптурами, фресками и другими декоративными элементами.Внутри дворца также широко используются мрамор, лепнина и красное дерево. Если все это не празднование в стиле барокко, я не знаю, что это такое.

Еще одна главная достопримечательность Мадрида в стиле барокко — это Пласа Майор, одна из самых известных площадей города. Благодаря большой квадратной планировке, красочным фасадам, украшенным красивыми картинами и орнаментами, и впечатляющим аркам, это место, которое обязательно нужно посетить в Мадриде любителям архитектуры. Другие места, где можно насладиться архитектурой барокко в Мадриде, — это Пласа-де-ла-Вилла (одна из старейших площадей города), Паласио-де-Санта-Крус и церкви Сан-Хосе, Сан-Антонио-де-Лос-Алеманес и Сан-Мигель.

8. Лечче, Италия

Рекомендовано Венди из The Nomadic Vegan

Лечче — красивый город в южном итальянском регионе Апулия, который называют «Флоренцией юга». Но, в то время как Флоренция славится своей архитектурой эпохи Возрождения, Лечче — это все в стиле барокко. У города есть свой особый подход к этому архитектурному стилю, который известен как baroccoleccese (барокко Лечче).

Хотя образцы этого стиля можно найти по всему городу, лучше всего начать с Пьяцца дель Дуомо (Соборная площадь).Здесь вы, конечно же, найдете Кафедральный собор и прилегающий к нему епископский дворец (Епископский дворец).

Самая необычная особенность Собора состоит в том, что у него два фасада — северный, обращенный к площади, и второй, обращенный на запад. Оба покрыты декоративными скульптурами. Особенно северный фасад считается шедевром искусства барокко.

Интерьер не менее богато оформлен и перекрыт деревянным кессонным потолком с четырьмя картинами Джузеппе да Бриндизи в рамах.Еще картины можно найти в 12 боковых часовнях, а главный алтарь сделан из мрамора и позолоченной бронзы. Даже склеп XII века под собором был реконструирован в стиле барокко.

Вы заметите, что собор и большинство других зданий в Лечче приобретают уникальный желтый оттенок. Это естественный цвет местного известняка, который иногда называют «камнем Лечче».

9. Прага, Чехия

Рекомендовано Хеленой из Masala Herb

Прага — город, полный красоты и элегантности.Эпоха барокко сделала столицу Чехии особенной. Одно из самых горячих мест в Праге — Староместская площадь. Некоторые фасады зданий, внешние стены Староместской площади выполнены в стиле барокко.

Стиль барокко в культовом здании можно обнаружить в Страговском монастыре, который находится недалеко от Пражского Града. Монастырь знаменит двумя библиотеками в стиле барокко, теологической и философской. К сожалению, сами библиотеки посетители не видят.

Их можно увидеть только с порога. Тем не менее, библиотеки считаются одними из самых красивых в мире. Это достаточная причина для того, чтобы посетить Страговский монастырь и открыть для себя библиотеки в стиле барокко во время вашего следующего визита в Прагу.

Посетители Праги могут также увидеть элементы барокко в других религиозных зданиях, таких как церковь Святого Николая и церковь Святого Иакова Великого. Обе церкви расположены в старом городе и не слишком далеко друг от друга.По пути между двумя церквями обратите внимание на Дворец Кински. Прекрасный музей Кински в розовом цвете был построен в стиле барокко с фасадом в стиле рококо, что свидетельствует о том, что здание было шедевром архитектуры позднего барокко.

10. Валенсия, Испания

Рекомендовано Терезой из зарубежья Броган

Посетители часто упускают из виду Валенсию в пользу более известных городов, таких как Мадрид и Барселона. Но Валенсии есть что предложить, и любому путешественнику определенно стоит остановиться.Это особенно актуально для любителей еды, истории и архитектуры.

Валенсия — настоящая сокровищница для любителей архитектуры. Здесь представлены все стили, от романского до барокко, от модернизма рубежа веков до футуризма. Но поговорим о барокко.

В 17 веке многие здания в Валенсии, в основном религиозные, были построены в стиле барокко. Существующие готические здания также были «обновлены» в то время в соответствии со стилем того времени. Сегодня большинство образцов в стиле барокко можно найти в Старом городе Валенсии, а это значит, что они находятся в нескольких минутах ходьбы друг от друга.

Лучшим образцом стиля барокко в городе является базилика Вирхен-де-лос-Десампарадос, которая находится на площади Пласа-де-ла-Вирхен в самом центре города. На той же площади вы также можете найти фонтан реки Турия, который символизирует восемь древних «асекиас» или ручьев, орошающих сельские районы, окружающие город. А прямо рядом с базиликой находится Кафедральный собор Валенсии, главный вход и внутреннее убранство которого являются прекрасным отражением движения в стиле барокко.

Но одним из лучших образцов архитектуры барокко в Валенсии является дворец Маркиза де Дос Агуас, в котором сейчас находится Национальный музей керамики и декоративного искусства Гонсалеса Марти. По общему признанию, он был «обновлен» до стиля рококо, что придает ему неповторимый вид, но вы все еще можете увидеть и оценить его черты барокко.

11. Лиссабон, Португалия

Рекомендовано Бруной из Maps ‘N Bags

Аппетитная еда, невероятная история, прекрасные пляжи и поразительная архитектура — в Лиссабоне есть все.По общему признанию, его церкви наполнены золотыми деталями из металла, найденного в Бразилии, но это также напоминание о том, что стиль барокко имел другую хронологию и даже влияние в Португалии, чем в остальной Европе.

В Лиссабоне, преимущественно католическом городе, есть церкви в стиле барокко, разбросанные по всему городу, такие как церкви Сан-Роке и Энкарнакао. Однако особого внимания заслуживает церковь Санта-Энграция, которая сегодня также известна как Национальный Пантеон.

Это замечательное здание — белая жемчужина, сияющая в Лиссабоне, недалеко от реки Тежу.Внушительный фасад украшен четырьмя высокими колоннами, приветствующими посетителей через портал с двумя ангелами, держащими герб Португалии. Интерьер украшен цветными плитами из полированного мрамора с геометрическими узорами на полу и стенах, а изогнутые трубы органа в стиле барокко направлены в небо, как если бы они восхваляли Господа.

Излишне говорить, что большой центральный неф вместе с внушительным куполом впечатляют. Национальный пантеон Лиссабона — здание, не похожее ни на какое другое в городе.

12. Киев, Украина

Рекомендовано Меган от Меган Старр

Один из лучших городов для архитектуры барокко — Киев, Украина. Хотя это не тот город, который приходит в голову, когда думаешь об этом архитектурном стиле, это было бы позором, потому что вы можете увидеть элементы барокко, смешанные с несколькими другими стилями, которые полностью контрастируют друг с другом.

Архитектура барокко в стране на самом деле известна как украинский стиль барокко, и его обычно можно увидеть в украинских православных монастырях, которыми изобилует город.Этот стиль возник во время казачества на Украине в 17-18 веках.

Украинское барокко редко получает заслуженное признание, потому что стиль архитектуры в Западной Европе имеет тенденцию быть более сложным и витиеватым, в то время как украинские стили обычно характеризуются простотой и конструктивистским чутьем. После того, как это появление украинского барокко пропитало город Киев, пришли следующие поколения и сделали церкви более сложными как внутри, так и снаружи, а также добавили больше куполов к церквям и монастырям.

Лучшее место, чтобы увидеть его во всей красе — Киево-Печерская Лавра, объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. В Киеве есть чем заняться, и посещение этого пещерного монастыря и когда-то эпицентра православной религии просто необходимо. Киево-Печерская Лавра — яркий пример монастыря, который был построен в упрощенной манере, а затем был украшен позже с большим количеством шика. Вы можете посетить его за небольшую плату и прогуляться по территории или заглянуть внутрь.

13. Версаль, Франция

Рекомендовано Элизой из мира в Париже

Версаль — один из лучших городов Франции, где можно увидеть архитектуру барокко! Версаль исторически известен как главная резиденция французской монархии со времен короля Людовика XIV (XVII век) до начала Французской революции в 1789 году при Людовике XVI.Король-Солнце и его преемники превратили охотничий домик Людовика XIII в великолепный дворец в стиле барокко, где располагалась их королевская власть, и, следовательно, Версаль при короле Людовике XIV стал «королевским городом».

Сегодня Версальский дворец — лучший образец архитектуры барокко во Франции. Он был спроектирован Луи Ле Вау, французским архитектором в стиле классического барокко, который работал на службе у короля при строительстве Версаля и других дворцов.

Однако Версальское поместье — это намного больше, чем Версальский дворец и сады.На площади более 800 гектаров он состоит из дворца, садов, парка, Трианона и нескольких городских зданий.

Город Версаль вырос во времена Древнего режима по приказу королей. Он распространился за пределы Дворца, сохранив строгую королевскую симметрию, поскольку возникли новые резиденции и частные особняки, в которых разместилось население, связанное с Двором.

Первыми двумя районами, которые будут построены в «новом городе» Версаля, были район Нотр-Дам и район Сен-Луи, предназначенные для размещения растущего числа людей, служащих двору и королю.В обоих районах посетители могут полюбоваться прекрасными современными зданиями в стиле барокко, такими как церковь Нотр-Дам, или некоторыми особенностями отелей.

14. Белград, Сербия

Рекомендовано Эллисон из Sofia Adventures

Балканы, вероятно, не первое место, о котором вы думаете об архитектуре барокко, но это игнорирование влияния Австро-Венгрии на Балканы. Большая часть того, что сейчас является Балканами, когда-то была частью Австро-Венгерской империи, включая части Сербии и Боснии и Герцеговины.

Фактически, Белград находился практически на границе того места, где закончилась Австро-Венгерская империя, а некоторые из пригородов современного Белграда, такие как Земун, на самом деле были частью Австро-Венгрии. В результате на Белград сильно повлияли его соседи, и результат виден в архитектуре вокруг Белграда, особенно в церквях.

Как правило, большинство церквей в стиле барокко являются католическими из-за его корней в итальянской архитектуре, поэтому довольно необычно видеть стиль барокко, используемый в восточных православных церквях, подобные которым вы найдете в Белграде.В этих церквях есть интересное сочетание архитектуры позднего барокко и традиционных православных архитектурных элементов, таких как иконостасы. Лучшим примером этого синтеза является Белградский православный собор (Saborna Crkva) в Старом городе Белграда.

Эта церковь была построена между 1837 и 1840 годами и посвящена Святому Архангелу Михаилу. Он имеет очень типичную колокольню в стиле барокко (довольно необычную для православных церквей, которые редко имеют колокольни) и богатый цветовой интерьер, в том числе множество красивых православных икон с золочением и бронзой.

Еще больше архитектуры барокко можно найти в пригороде Земуна, в том числе в церкви Святого Николая (Николаевской), расположенной недалеко от крепости Гардош, а также в монастыре Святого Архангела Гавриила. Если вы поклонник архитектуры, прогулка по Земуну — одно из обязательных дел в Белграде!

15. Голашовице, Чешская Республика

Рекомендовано Даниэлой из Ipanema Travels

У барокко много лиц, и одно из них можно найти в маленьких деревнях в Центральной Европе.Сельское барокко, народное барокко или богемское барокко — это стиль, который развился в 19 веке в сельских районах Богемии (нынешняя Чешская Республика).

В деревенском барокко используются элементы господствующей архитектуры барокко и сочетаются их с традиционными богемскими, создавая необычный архитектурный стиль, характеризующийся красочными элементами, волютами и стилизованными орнаментами.

Самым известным примером сельского барокко в Южной Чехии является Голашовице — крошечная деревня, состоящая всего из 23 домов с прекрасно сохранившимися и отреставрированными фасадами того периода.Уникальность этого архитектурного наследия была признана в 1998 году, когда Голашовице были внесены в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Несмотря на то, что эта деревушка внесена в список Всемирного наследия, она не является очередным музеем под открытым небом или туристической ловушкой. Прогуляйтесь и полюбуйтесь красочными фасадами и попробуйте угадать, какой профессией был их владелец, ведь в 9 из 10 случаев она будет изображена на фасаде. В местной туристической справочной в деревне есть прекрасная этнографическая выставка, а в одной из усадеб находится музей.

Голашовице — не единственное место, где можно найти эти архитектурные жемчужины. Собственно, весь регион Подклетов в Южной Чехии усеян деревнями в стиле барокко: Пластовице, Малые Храштяны, Водице, Заборжи, Бржехов и многие другие. Если вы едете на юг Праги, было бы неплохо остановиться хотя бы в двух-трех деревнях. Голашовице также являются идеальной однодневной поездкой из Ческе-Будеевице или Чески-Крумлова.

16. Краков, Польша

Рекомендовано Джонатаном из Journeymaxx

Второй город Польши и историческая культурная столица также представляет собой великолепную архитектурную выставку разных поколений.Краков — один из немногих польских городов, который избежал разрушений во время Второй мировой войны, поэтому большинство зданий в Кракове очень напоминают свои оригинальные постройки.

Краков, родной город Папы Иоанна Павла II, является домом для ряда величественных культовых сооружений. Многие из них, несомненно, имеют влияние готики и романского стиля, но также заметны экстерьеры и интерьер в стиле барокко.

Одним из самых ярких зданий, которые вы видите на выходе из железнодорожного вокзала в Старый город, является Театр Юлиуша Словацкого.Это блестящее возрожденное здание в стиле необарокко было построено Яном Завейским в 1893 году, восходит к первоначальному периоду барокко 17 века и вдохновлено знаменитыми оперными театрами, такими как Париж и Вена.

Величайшей жемчужиной в короне Кракова должен быть Вавельский замок и собор, стоящие на вершине Вавельского холма. Собор на месте бывшей коронации монархов Речи Посполитой напоминает интригующее место встречи множества различных архитектурных стилей, которые стали определять этот город.

Среди других великих церквей в стиле барокко, расположенных в разных точках петлевидного центра Кракова, можно назвать церкви Святой Анны (недалеко от главного Ягеллонского университета), церкви Святого Флориана (незадолго до главного железнодорожного вокзала) и церкви Святого Андрея у подножия Вавеля. Холм. Классические характеристики башен-близнецов, увенчанных голубыми куполами, демонстрируют их великолепие.

Безукоризненно расписанные потолки и богато украшенные украшения также встречаются внутри некоторых других культовых сооружений с более готическим или ренессансным экстерьером, таких как церковь Св.Базилика Марии, одно из определяющих зданий старого центра города.

17. Париж, Франция

Рекомендовано Синджаной из Backpack & Explore

Париж — город, который не может игнорировать ни один любитель архитектуры. Дворцы, музеи, церкви и даже административные здания Парижа — замечательные образцы архитектуры, представляющие художественный гений Парижа. Когда мы говорим о парижской архитектуре, первое, что приходит на ум, — это «готика», однако в городе есть и невероятные достопримечательности в стиле барокко.

Одними из лучших примеров архитектуры барокко в Париже являются Дом Инвалидов, Люксембургский дворец и, что удивительно, Лувр! Да, восточный фасад Лувра представляет собой классическое сочетание французского барокко и итальянского барокко.

Если у вас есть время для короткой однодневной поездки по вашему маршруту в Париж, вы можете посетить Версальский дворец. Великолепный дворец — великолепный образец французской архитектуры барокко.

Париж — земля революционных художников и архитекторов.Дворец Гарнье, более известный как Парижская опера, является одним из примеров революционной архитектуры. Гарнье разработал так называемую архитектуру необарокко в проекте своей мечты — Парижской опере. Интерьеры Парижской оперы — живое воплощение величия и роскоши.

18. Дрезден, Германия

Рекомендовано Harsh из Wanderers Hub

Дрезден, известный как Флоренция на Эльбе, — город искусства и музыки, расположенный на полпути между Прагой и Берлином.Этот немецкий город известен своей потрясающей архитектурой в стиле барокко и большим культурным наследием. Во время вашего визита в Дрезден вы можете обнаружить бесценные золотые сокровища, классические скульптуры, картины художников эпохи Возрождения, а также церемониальное оружие.

Лучший способ начать знакомство с Дрезденом — это посетить одну из самых красивых церквей Германии в стиле барокко — впечатляющую Фрауэнкирхе на Ноймаркте. Сегодня это лучшая достопримечательность Дрездена и настоящий символ истории города.

Оттуда отправляйтесь во дворец Цвингер — еще одно известное здание в стиле барокко в Германии. Построенный в 1709 году, дворец Цвингер ранее использовался для проведения турниров, вечеринок и других культурных мероприятий во время правления Августа.

Здесь вы можете получить представление о светской жизни Германии, поэтому не забудьте сделать множество снимков в живописных двориках и павильонах; особенно нельзя пропустить картину Нимфея, рядом с павильоном Rampart. Это самый красивый фонтан в стиле барокко во всей Германии.

Если вы хотите увидеть лучшую коллекцию картин периода барокко, обязательно загляните в галерею Земпера. Дрезден волшебный, и если вы хоть немного очарованы архитектурой в стиле барокко, то это немецкий город, который вам обязательно нужно посетить.

19. Санкт-Петербург, Россия

Рекомендовано Лизой из Tripsget

Один из лучших городов для знакомства с архитектурой барокко — Санкт-Петербург, Россия. В бывшей столице Российской империи находится множество лучших образцов архитектуры всех основных европейских стилей (кроме готики), но барокко, пожалуй, один из самых распространенных.