Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»
Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.
Bсе ли картины вставляют в рамы?
Цитата из книги
«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.
Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира.
Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.
Он разрушил эти стены!
Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.
Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»
Комментарий
Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель.
Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.
Почему все плоское?
Цитата из книги
«Не все предметы искусства выглядят объемными.
Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.
В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.
Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским.
Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.
Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.
В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.
Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.
<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?
Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».
Комментарий
Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов.
Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.
Почему в искусстве так много голых людей?
Цитата из книги
«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.
Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.
Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.
В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!
Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.
В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».
Комментарий
Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно.
Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании.
С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.
Нужно ли знать сюжет картин?
Цитата из книги
«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.
Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.
Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.
<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.
Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.
За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.
Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!
Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».
Комментарий
В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины.
Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.
Кто все эти люди?
Цитата из книги
«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?
В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.
<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей.
В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.
И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!
<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.
По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».
Комментарий
Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины.
А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.
Зачем на картинах фрукты?
Цитата из книги
«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?
В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.
Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.
Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…
Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!
Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах.
Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.
<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!
Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.
<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.
Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.
Комментарий
Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает.
В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.
Почему художники так любят пейзажи?
Цитата из книги
«Веками люди изображали поля, города и горы.
Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.
Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.
Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.
<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.
На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.
Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.
Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».
Комментарий
Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти.
Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.
Как понимать абстрактное искусство?
Цитата из книги
«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.
Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.
<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.
Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».
Комментарий
Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.
Почему искусство так дорого стоит?
Цитата из книги
«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.
Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.
Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.
Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.
Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?
Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.
Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.
За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».
Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».
Комментарий
Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.
Как отличить хорошее искусство от плохого?
Цитата из книги
«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.
В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.
Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.
Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.
Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».
Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.
Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?
Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации.
Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.
Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».
Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.
Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.
Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».
Комментарий
Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.
Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти.
Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.
Издательство
«Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской
10 известных украинских художников и их картины
Украинская земля дала миру не только колоритный фольклор и национальные костюмы. Знаменитые украинские художники и дизайнеры принесли славу своей родине в Нью-Йорке и Париже. Известные полотна деятелей искусств Украины входят в ТОП-20 наиболее продаваемых творений. Сложно определить, за сколько уйдет с аукциона тот или иной шедевр. Но самобытные работы гениальных украинцев сразу заметны на фоне других холстов в самых престижных картинных галереях мира.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
ЗАКАЗАТЬ СВОЮ КАРТИНКУ
Тарас Шевченко
Имя Тараса Григорьевича Шевченко известно всем любителям украинской литературы.
Он не только поэт-классик и основоположник литературной формы украинского языка, он еще и основоположник украинского барокко в живописи. Самая известная картина – «Катерина».
Современные украинские художники считают бывшего крепостного апологетом национальной живописи, хотя часть его работ была написана в Петербурге, Оренбурге и Казахстане, как эта «Аскольдова могила».
Об авторстве некоторых его картин спорят искусствоведы, настолько они разнообразны. Не чужда ему была и обнаженная натура, как эта «Одалиска», написанная со спящей натурщицы, уставшей развлекать публику восточными танцами.
Когда-то его картины считались иллюстрациям к собственным литературным произведениям. Потом их признали шедеврами, наряду с другим полотнами известных украинских художников. Теперь они тиражируются в виде схем для вышивки и раскраски по номерам, как эта «Цыганка-ворожея».
Иван Марчук
Неужели автор этих шедевров тоже украинец? Такой вопрос нередко задают искусствоведы и критики, впервые увидевшие работы Ивана Марчука.
Однако знатоки безошибочно узнают его творения среди картин других великих украинских художников. Его «Ева» завораживает действительно чем-то первозданным.
По версии британского издания The Daily Telegraph, в 2007 году Марчук вошел в перечень 100 гениев современности. На Западе хорошо знают его «Цветные прелюдии», «Новые экспрессии», «Белую планету» и «Взгляд в бесконечность».
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
ЗАКАЗАТЬ СВОЮ КАРТИНКУ
Катерина Примаченко
Простая крестьянка, родившаяся и жившая в отдаленном селе под Киевом, дала миру новый жанр. Типичный представитель «наивного искусства» поражает воображение простотой и самобытностью полотен.
В ее жизни было звания, награды и государственные премии. В советскую эпоху иностранцы хотели хотя бы издали взглянуть на удивительные работы ее школы-студии, когда выставки украинских художников были закрытыми. Так выглядит «Атомная война» и «Угроза войны».
Скульптурные фигурки были такие же простые и замысловатые, как рисунки сельской девочки с полиомиелитом, прошедшей путь до звания народного художника УССР. Кстати, ее муж и сын тоже были признанными деятелями искусств. Вроде бы ничего особенного, но ни ребенок, ни взрослый человек не додумался бы вот так изобразить животных.
Евгения Гапчинская
Изначально в ней видели только иллюстратора детской литературы. Со временем Евгения Гапчинская стала признанным мастером, наряду с известными художниками Украины. Ее работы узнаваемы, в них столько оптимизма и детской наивности! Они как бы напоминают, что где-то в глубине души все люди остаются детьми.
«Галереи счастья» Гапчинской есть в крупнейших городах страны. Другие копировали ее работы, но никто не может мыслить в неподражаемой манере украинской художницы.
Сюжеты, пронизанные душевным теплом и каким-то наивным светом, продаются за тысячи долларов. Самые известные – «Арбузик», «Ты и я», «Влюбленная ботаничка» и «Да здравствует жизнь!»
Катерина Белокур
Список знаменитых художников Украины был бы неполным без имени Катерины Белокур, чье творчество поражает воображение людей разных поколений.
Она выросла в зажиточной семье, зарабатывавшей от сельского хозяйства, но прошла трудный путь к искусству. Сегодня ее знает весь мир, а за марку с «Цветами за плетнем» коллекционеры отдавали целое состояние.
Зарисовки, пейзажи, натюрморты и портреты кисти Белокур навеяны самобытной культурой своего народа. Она пробовала свои силы в «наивном искусстве», пока не нашла собственную манеру живописи. Больше всего она любила живые цветы. Подражание ее технике часто используют для объемных фотообоев и текстильного рисунка.
Михаил Андреенко-Нечитайло
Многие великие украинские художники, особенно после революции 1917 года, работали за рубежом. Поэтому творчество «Мишеля Андреенко» больше известно парижанам, чем нашим соотечественникам.
Живописец и декоратор трудился в Бухаресте и Праге, но больше всего любил Париж, в котором прожил 60 лет. Он подготовил сотни ярких декораций к спектаклям, операм и балетам.
Сценография была любимым увлечением и основным источником доходов эмигранта.
Искусствоведы считают его великим французским художником-модернистом с украинскими корнями.
Георгий Нарбут
Георгий Нарбут – «отец украинских денег». Ему при любой власти давали возможность продуктивно работать в любом жанре. Никто другой не мог так искусно выполнять мелкие завитки для изготовления банкнот, марок, гербов, азбуки, иллюстраций к переизданию старинных фолиантов, как это делал известный украинский художник родом с Черниговщины.
Сам художник больше всего любил готовить обложки к различным изданиям. С наибольшим увлечением он работал над иллюстрациями к «Энеиде» И. Котляревского, которую читал с упоением (тогда выпускалась без хрестоматийных сокращений). В то время он увлекался лубочными картинками с изображением военных сцен, часть из которых «перешло» в серьезные издания.
Михаил Бойчук
Яркий представитель монументальной живописи родился в Западной Украине, закончил Мюнхенскую и Краковскую Академии искусств, породив новое направление с названием «бойчукизм».
У него было немало учеников и последователей, но наибольший интерес вызывает его творческий «почерк», основанный на национальных традициях. Таким он изобразил библейского пророка Илью, которого, согласно книгам Ветхого Завета, в пустынном месте кормили вороны.
К сожалению, много его работ было уничтожено, семья расстреляна большевиками в 1937 году, а ученики репрессированы. Такой была горькая участь украинской интеллигенции, не желавшей покоряться новой власти, поскольку она работала «не в том направлении».
Его обвиняли в том, что в тематике изображений «много религии». Но известным украинским художникам часто приходилось работать с фресками в храмах и семинариях. Это давало дополнительные заработки, возможность обновления подходов в творческом поиске, находя новое русло. Это его версия «Тайной вечери».
Виктор Сидоренко
Работы Виктора Сидоренко слишком оригинальные, их невозможно спутать с картинами других авторов. Они могут быть написаны только красным цветом на белом фоне, но эти холсты безошибочно узнают на любой международной выставке.
Среди знаменитых украинских художников мало таких, которые уехали работать за рубеж, а потом охотно возвращались на Родину с персональными вставками, громким именем и новыми идеями.
Гениальность прославленного украинца признана во всем мире, под залог его картин дают большие кредиты для инвестиций. В Лондонской галерее Saatchi открылась очередная персональная экспозиция с полотнами Виктора Сидоренко. Что в них такого? Сложно сказать, пусть рассуждают над этим искусствоведы. Вот, например, одна из серии его работ, «Левитация».
Александр Богомазов
Сама фамилия известного украинского художника Александра Богомазова говорит о творческой генетике. «Богомазами» когда-то называли иконописцев и мастеров росписи стен в православных храмах. В каком поколении это началось, никто не знает, но очевиден его талант и тяга к искусству, которую заметили еще в детстве. Он практиковал в разной манере, а таким видел «Городской пейзаж» знаменитый кубо-футурист.
Его справедливо называют «украинским Пикассо», но творчество во многом утрачено и забыто. Но даже то, что дожило до наших дней, дает преставление о том, как владел палитрой гениальный «потомок богомазов».
Кто-то восхищается живописью в манере авангардистов, футуристов или абстракционистов, большинство этого не понимает. Однако на творческих поисках смелых экспериментаторов в дальнейшем строилось искусство ХХ века.
Много разных взглядов на абстрактное искусство художников прошлого и настоящего
Когда абстрактное искусство появилось в начале 20-го века, оно произвело революцию в мире искусства. Многие ведущие художники того времени выбрали этот стиль как бунтарский отход от фигуративного искусства. Они использовали визуальный язык формы, формы, цвета и линии для создания композиций с небольшим количеством отсылок к миру природы или без них. Отвергая ограничения реализма, художники-абстракционисты стремились исследовать миры своего воображения, свободу выражения и следовать своему желанию раскрыть спонтанность через выбранную ими среду.
На протяжении многих лет многие художники, теоретики, историки и критики выражали самые разные взгляды на абстрактное искусство.
В этой статье вы найдете работы нескольких членов Manhattan Arts International, которые используют элементы абстрактного искусства. Вы найдете их разнообразные заявления и ссылки на их страницы, чтобы вы могли увидеть больше их работ.
Обратите внимание, что с момента публикации этой статьи в марте 2019 года мы добавили больше художников-абстракционистов в нашу онлайн-галерею.
Можно сказать, что почти все искусство — это абстрактное искусство, если учесть, что абстракция — это процесс черпания вдохновения из формы, цвета и текстуры объектов. Ведь художники «абстрагировались» от окружающего мира с доисторических времен. Художники, искусствоведы и историки на протяжении десятилетий участвовали во многих дискуссиях, спорах и противоречивых мнениях об абстрактном искусстве. Вот несколько…
«Абстрактного искусства не существует.
Всегда нужно с чего-то начинать. После этого вы можете удалить все следы реальности». ~ Пабло Пикассо «То, что происходит в абстрактном искусстве, — это провозглашение эстетических принципов… Именно в наше время мы осознали чисто эстетические соображения. Искусство никогда не может быть подражанием».
~ Ганс Хофманн
«Абстракция — это не стиль. Я просто хочу, чтобы поверхность работала. Это просто использование пространства и формы: это амбивалентность форм и пространства. ~ Джоан Митчелл
«Мы все голодны и жаждем конкретных образов. Абстрактное искусство было бы хорошо для одного: восстановить его точную девственность для фигуративного искусства».
~ Сальвадор Дали
«Подобно тому, как чистое абстрактное искусство не догматично, оно не декоративно».
~ Пит Мондриан
«Объективная живопись не является хорошей живописью, если она не хороша в абстрактном смысле. Холм или дерево не могут стать хорошей картиной только потому, что это холм или дерево.
Это линии и цвета, соединенные вместе, чтобы они могли что-то сказать». ~ Джорджия О’Киф «Чем меньше не на что смотреть, тем важнее внимательно и внимательно на это смотреть. Это очень важно для абстрактного искусства. Небольшие различия решают все».
~ Кирк Варнедо, Картины из ничего: абстрактное искусство со времен Поллока
«Я не абстракционист. Меня не интересуют отношения цвета, формы или чего-то еще. Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций: трагедия, экстаз, обреченность и так далее». ~ Марк Ротко
«Я не абстракционист; Я оставляю это другим. Для меня абстракционизм закончился «Черным квадратом» Казимира Малевича. Продолжать его бессмысленно». ~ Йонас Мекас
«Все знают, что абстрактное искусство может быть искусством, и большинство людей знают, что оно может им не нравиться, даже если они понимают, что у него есть другая цель». ~ Рой Лихтенштейн
Василий Кандинский, Эскиз I к картине с белой каймой, холст, масло, 39-3/8″ x 30-11/16″.
Коллекция Филлипса (c) 2014 Василий Кандинский/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/ADAGP, Париж.«Сама по себе форма, пусть даже совершенно абстрактная… имеет свой внутренний звук». ~ Василий Кандинский
Размышляя о покупке абстрактного произведения искусства, откройтесь своему внутреннему миру воображения и неограниченным возможностям опыта. Вместо того, чтобы сосредотачиваться на формальных элементах произведения искусства перед вами, позвольте себе поддаться ощущениям, которые они вызывают в вас. Какие чувства вызывает у вас искусство?
Вы можете думать об абстрактном искусстве, как это делал Василий Кандинский, своего рода музыкальной композиции, в которой художник использует линию, цвет, объем, композицию, баланс, ритм и субъективные аспекты, такие как чувства и идеи, которые он имеет и хочет передать тебе. Кандинский подбадривал нас: «Сама форма, даже если она совершенно абстрактна… имеет свое внутреннее звучание».
Художник, создающий абстрактное искусство, часто может погружаться в мир трансцендентных, созерцательных, дальновидных и вневременных тем.
И они берут нас с собой в свое путешествие, приглашая открыть для себя наши собственные интерпретации.
Линда С. Уотсон, «Глядя вверх», спиртовые чернила на бумаге, 5″ x 7″. Посетите ее страницу
Отбросив все правила
«Рисование абстрактного искусства дает мне свободу отбросить все правила. Абстракция позволяет мне использовать свои чувства, интуицию и изобретательность и работать более спонтанно. Мне нравится творческий процесс, в котором нет ничего «неправильного», а удовольствие приходит от игры с материалами, цветами и формами».
Переехав на Гавайи, Ватсон нашла вдохновение в природных ресурсах. Вулканы и морские формы включены в ее абстракции. Подводное плавание предоставило изображения. Она объясняет: «Я открыла для себя безмолвный и волшебный мир, где яркие рыбки порхали, как бабочки. Морские растения и кораллы томно колыхались, а солнечные лучи создавали в воде сверкающие узоры. Я хотел запечатлеть это в своем творчестве».
Нэнси Рейнер, «Серебряная гора», панель из акрила и серебряной фольги, 36″ x 48″.
Посетите ее страницу. Слияние абстракции с природой
Нэнси Рейнер создает неземные картины исключительной глубины и красоты. «Природа — мой руководящий принцип для изображения светящихся понятий воздуха, воды, земли и света. Создавая воображаемые новые миры, сливая буквальное и метафорическое, мои картины колеблются где-то между чистой абстракцией и реалистичным пейзажем».
Рейнер много писал о творческом процессе и методах и является автором нескольких книг. Она утверждает: «Способность мечтать и создавать новые миры, беря плоскую поверхность и трансформируя ее, — это дар, который художники могут принести миру. С этой концепцией манипулирования размерами художник может указать на то, что уже существует, но так искусно, что зритель увидит это совершенно по-новому». Она добавляет: «Таким образом, живопись может изменить восприятие зрителя, запустив его в исследование собственных мыслей и убеждений».
Майкл Амроуз, Abstract 6.1 Untitled #70, цифровая фотография, 25″ x 25″.
Посетите его страницу. Преодолевая пределы мысли
«Абстрактное искусство имеет силу, потому что оно проникает во внутреннюю психику зрителя, сводя к минимуму сознательные отвлекающие факторы и пробуждая бессознательные чувства. В результате абстрактная фотография предоставляет мне неограниченные возможности для исследования и передачи многих измерений человеческих эмоций и, в свою очередь, вызывает эмоциональные реакции у зрителя. Следовательно, я могу выразить себя с помощью уникального визуального языка, словарный запас которого имеет глубокие культурные и эмоциональные связи».
Цель Майкла ясна. Он заявляет: «Я стремлюсь расширить границы фотографической среды за пределы традиционных подходов и способности среды воспроизводить реальность. Процесс играет неотъемлемую часть в фотоискусстве. Моя тема создана с учетом символического психологического и культурного воздействия на зрителя определенных цветов, форм и форм».
Кари Бинерт, «С самого начала», холст, масло, 70,8″ x 17,3″.
Посетите ее страницу.Кари — художник цветового поля, вдохновленный оп-артом, элементами лирической абстракции и геометрической абстракцией. Она заявляет: «Рисование — это время моей мечты и моей страсти уже более 20 лет. Цвета объединяются, чтобы сформировать язык и форму в результате моего интенсивного взаимодействия с бессознательным миром. Я очарован бесконечными вращающимися ритмами, узорами и нотами, встречающимися в природе и технике. В первую очередь меня привлекают отношения и взаимосвязь, которую мы все разделяем».
Она продолжает: «Цвета и формы универсальны и образуют своего рода невысказанный язык, который можно интерпретировать на энергетическом уровне. Именно здесь я нахожу эволюцию, рост и движение вперед, сдвиг, который напрямую влияет на гобелен отношений вокруг меня».
Вы также можете прочитатьПройдите этот тест ~ Удивительные факты об известных художниках
Посетите международную художественную онлайн-галерею Manhattan Arts, чтобы просмотреть работы всех участников.
Между медиумами: художники-абстракционисты ХХ века
В дополнение к известным художникам, таким как Виллем де Кунинг и Хелен Франкенталер, распродажа Christie’s «От послевоенного до настоящего времени» проливает свет на малоизвестных художников-абстракционистов 20-го века.
В своем эссе «Модернистское искусство » 1961 года критик Клемент Гринберг утверждает, что живопись должна быть «чистой» деятельностью, что ее смысл должен исходить из границ холста, отвергая эмоциональное выражение, иллюзионизм и «любое пространство, в котором могут обитать узнаваемые объекты.» Модернистская, или абстрактная, живопись 20-го века должна была, по его словам, отделиться от других сред и методов, обнажая себя до самой сути: краски на холсте, материальности и текстуры.
29 сентября на аукционе Christie’s «После войны до настоящего времени» будут представлены символические художники-абстракционисты 20-го века — от таких художников, как Виллем де Кунинг и Хелен Франкенталер, которые, будучи частью плодотворного поколения, создавшего мир в рамках холста , широко выставлялись по всему миру для таких художников, как Стэнли Уитни, Фрэнк Боулинг и Линда Бенглис, чей ключевой вклад в развитие жанра недавно снова оказался в центре внимания и теперь получает более широкое признание.
Уитни родился в Филадельфии в 1946 году, переехал в Нью-Йорк в 1968 году и начал оттачивать свой абстрактный визуальный язык. Его склонность к истинной абстракции и его ранние эксперименты с блокировкой цвета отличали его работы от других более политических и теоретических художников в городе, которые больше интересовались темами расовой и культурной идентичности.
Стиль, который он использует в «Полуночный час» , обязан этому восприятию художников цветового поля и минимализма, но по-настоящему он был разработан в 1990-х годах после того, как он провел время в Италии и Египте. Как он сказал в интервью Грегуару Любино в 2018 году: «Когда я поехал в Египет, я понял, что могу собрать все цвета вместе и не потерять воздух: я понял, что пространство заключено в цвете.
Эта плотность не просто заполняла пространство. Речь шла о том, чтобы оценить вес, воздушность цвета как такового и увидеть, как это изменило поток воздуха по всему произведению. «Как можно создать пространство в цвете на сетке?» — спросила Уитни, когда ее спросили о происхождении этого стиля. «Как я мог расположить два цвета так близко друг к другу и не заманить их в ловушку, а позволить холсту дышать?» 60 ⅛ x 60 ⅛ дюйма (152,7 x 152,7 см). Эстимейт: 400 000–600 000 долларов. Предложено в послевоенное время представить 29Сентябрь на Christie’s в Нью-Йорке
Государства использовали геометрические, сетчатые композиции по-другому. Вместо того, чтобы изучать их массу, он исследовал, как они напрямую взаимодействуют на холсте.Студент, а затем преподаватель Баухауза, Альберс был вынужден покинуть Германию после того, как давление со стороны нацистской партии потребовало закрытия школы в 1933 году. Он нашел должность преподавателя в Соединенных Штатах, в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. , что дало ему свободу продолжать свою работу и донести свою художественную философию до новой группы студентов.
Когда он начал преподавать в Йельском университете в 1950 году, он начал работать над серией картин, которые поглотят следующие 26 лет его жизни: Посвящение площади . На протяжении сотен итераций, в которых художник вкладывал три или четыре квадрата, он исследовал цвет и его возможности для передачи субъективного опыта в рамках жестких геометрических ограничений. Три работы, представленные на этой распродаже — 
Он сказал о серии в 1965 году: «Все они разной палитры, а значит, так сказать, разного климата. Выбор используемых цветов, а также их порядок направлены на взаимодействие — влияние и изменение друг друга вперед и назад».
В своей геометрической абстракции Альберс нашел свободу исследовать эмоциональную жизнь цветов через ряд ограничений. Разделив свой холст на ряд квадратов, он мог лучше всего понять и раскрыть их отношения друг к другу. Более поздние художники подходили к этому по-другому, рассматривая форму и текстуру как необходимый путь исследования в тандеме с цветом.
Работая в основном в скульптуре, Линда Бенглис использовала пчелиный воск, прежде чем перейти к латексу, полиуретану, сусальному золоту и алюминию в 1970-е годы. Ее драматический выход на сцену Нью-Йорка был отмечен физической природой ее среды и тем, как она использовала ее, чтобы противостоять идеям репрезентации в мире искусства.
Линда Бенглис (р. 1941), Без названия , 1969-70.
Ее работы с использованием фосфоресцентного пигмента, мелкоячеистой сетки и эффектов краски в стиле Поллока были очень многообещающими и открытыми, что резко контрастировало с минимализмом той эпохи, в котором доминировали мужчины. Например, Untitled 1970 года, многоцветная пенополиуретановая заливка, одновременно карамельная и экскрементальная. Его композиция напрямую отражает творческий процесс Бенглис: используя бумажные ведра, наполненные полиуретановой пеной, она пожертвовала чувством контроля, позволив среде действовать по собственной воле, а не пытаясь приручить ее.
Работой Бенглиса долгое время пренебрегали, многие считали ее слишком заряженной или отвергали из-за ее чувственного подтекста. Однако с 2009 года началось возрождение ее творчества: музеи по всему миру — совсем недавно Центр скульптуры Нашера в Далласе, штат Техас, в 2022 году — искали ее работы для ретроспективных выставок.
Работая непосредственно с границами самого холста, американский художник Сэм Гиллиам начал работать над серией «драп» в 1970-х годах. Эти раскрашенные полотна без подрамников были подвешены к стенам или потолкам галерей, придавая более тактильное присутствие обычно двумерной среде.
Сделанные афроамериканским художником, работавшим в столице страны в разгар движения за гражданские права, эксперименты Гиллиама были больше, чем эстетическим предложением или критикой: его «драпировки» были способом переопределить роль искусства в обществе. претерпевает кардинальные изменения.
Гиллиам был вдохновлен джазовыми музыкантами, такими как Джон Колтрейн.
Он сказал The Art Newspaper в 2018 году, «композиция присутствует всегда, но нужно отпустить ситуацию, быть открытым для импровизации, спонтанности, того, что происходит в пространстве, пока ты работаешь». проявляет интерес к художникам цветового поля, а также к лирической абстракции конца 1960-х.
В то время как Гиллиам продолжал развивать свою практику, гайано-британский художник Фрэнк Боулинг завоевывает признание в Нью-Йорке. Он приехал в город в конце 60-х после завершения обучения в Королевском колледже искусств в Лондоне, где по окончании получил серебряную медаль — золото досталось его однокурснику Дэвиду Хокни.
На его персональной выставке в Уитни в 1971 году, а также на его выступлении на биеннале Уитни в 1972 году критики отметили различия между ним и другими британскими художниками в Штатах, которые преимущественно занимались поп-артом. Напротив, Боулинг использовал двойной подход к фигуративной живописи в стиле Бэкона, которой он глубоко восхищался, и к абстракции, акцентированной личными эмоциями.
В Нью-Йорке он познакомился с Клементом Гринбергом, который стал близким другом и вдохновил его на дальнейшее изучение абстрактного искусства.
Barnica Flats VII , названный в честь прибрежного города Гайаны, где он родился, является одной из более поздних картин Боулинга. В отличие от некоторых заливных картин, которые он начал рисовать примерно в 1973 году, эта не была сделана путем заливки слоев предварительно смешанной контрастной краски. Вместо этого он больше работает с поверхностью, используя краски схожих оттенков и нанося их с помощью различных техник, таких как заливка, капание и разбрызгивание. В соответствии с теорией абстракции Гринберга, Боулинг делает акцент на визуальных аспектах произведения искусства, а не на его повествовательном содержании, но он также демонстрирует абсолютный контроль над кажущейся случайностью, которой поддается его процесс — процесс, который он изучал на протяжении 19 века.
70-е годы. Эта картина показывает его утонченный процесс через способность уравновешивать преднамеренные композиционные подходы со случайными жестами, вызванными движением краски.
Боулинг был непосредственно вдохновлен Гринбергом, но историческое развитие абстракции в 20-м веке лишь иногда соответствовало этой теории искусства. Чаще всего художники, искренне стремящиеся узнать о своем собственном процессе, шли дальше, чем просто изучение внутренней и внешней части холста. Самые радикальные подходы исходили от художников, которые стирали или даже растворяли границы между медиумами, таких как Линда Бенглис и Сэм Гиллиам.
Зарегистрируйтесь сегодня
Онлайн-журнал Christie’s еженедельно доставляет вам наши лучшие материалы, видео и новости аукционов по электронной почте
Подписаться
Когда мы думаем об абстракции, часто наше внимание приводит нас к устоявшимся названиям жанра.
