Художники модерн в живописи: Art Nouveau Movement — History, Paintings, Artists

Ахмерова Э.Р. Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Page 1 of 2

Э.Р. Ахмерова (МГУ имени М.В. Ломоносова, ГТГ)
Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Стиль модерн на рубеже XIX-XX веков охватил всю Европу. В рамках этого стиля искусство в каждой стране имело свои особенности, и портрет обрёл местные, национальные черты, однако основополагающие принципы формообразования и иконографические мотивы модерна остались общими для всех стран¹. Д.В. Сарабьянов утверждает: «Наиболее последовательно иконография, присущая стилю модерн, выявилась в живописи и графике… именно применительно к живописи и графике мы можем совершенно законно, без натяжек говорить об определённых общностях сюжетов и мотивов»².  Под иконографией в данном случае мы понимаем некий условный набор образов, сюжетов, мотивов и художественных приёмов, свойственный искусству модерна.
Задача — рассмотреть и проследить, как иконография модерна проникает в портрет и влияет на него, а также определить особенности национального варианта портрета в стиле модерн, сравнивая, насколько это возможно, картины русских и зарубежных мастеров. Ранее разными исследователями предпринимались попытки сопоставления отдельных произведений, а актуальность данной работы — в стремлении обобщить все эти наблюдения и поставить русскую портретную живопись в единый контекст с европейской.
На стиль модерн в Европе и в России влияет академическое и салонное искусство. В поисках «большого» стиля мастера модерна стремились создавать подлинно монументальные парадные портреты. Тема парадного портрета является общей для стран, охваченных стилем модерн. Среди отечественных художников наибольший вклад в разработку парадного портрета внёс В.А. Серов. Его портрет княгини З.Н. Юсуповой мы попробуем сравнить с портретом Миссис Лайонел Филлипс итальянского художника Джованни Болдини, который был одним из самых востребованных портретистов своего времени. В своей живописи, в целом салонной, он использовал элементы модерна. Сопоставляя эти произведения мы наблюдаем ряд схожих черт, например, в построении композиции с размещением сидящей на диване фигуры в центре холста, с интересом к прямым вертикальным и волнообразным горизонтальным линиям, которые одновременно и членят и собирают в целое композицию. И у Серова, и у Болдини сказывается интерес стиля модерн к волнистой линии, к тонкому сложносочинённому колориту, к свободному, выразительному мазку, к декоративизму как принципу организации холста и к декоративной выразительности каждой детали изображения. Тем не менее, портрет Миссис Лайонел Филлипс — это образ светской дамы, богатой и роскошной, но не более. За этой показной пышностью мы не видим личности, характера. Портрет княгини З.Н. Юсуповой оказывается гораздо более сложным и глубоким. Серов всматривается в личность изображаемого им человека. Как подметил В.А. Леняшин, В.А. Серов хранит в искусстве портрета рубежа веков классическую верность лицу³. В этом лице, чрезвычайно индивидуальном, мы видим и доброту, и душевную мягкость, и открытость, и чувство собственного достоинства. Вместе с тем, перед нами не только, красивая женщина, но и аристократка из высшего общества, и модница, и гостеприимная хозяйка прекрасного дома. Эта многоаспектность образа и его глубина — черты русского национального искусства, и они поднимают портретную живопись (вообще, и в лице Серова в частности) на большую высоту.
Гораздо ярче отражают стилистику модерна не парадные портреты, а портреты представителей интеллектуальной и творческой элиты своего времени. И в Европе, и в России появляется новый тип человека: интеллектуального, делового и успешного, идущего в ногу со временем и интересующегося современной культурой. Именно такими предстают на портретах Серова и Болдини такие характерные личности конца века как В.О. Гиршман и Р. де Монтескью. Владимир Осипович Гиршман был русским купцом и меценатом, собирателем живописи и антиквариата, благотворителем Московского художественного театра. Граф Робер де Монтескью — французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств. В портретном искусстве стиль модерн ищет нестандартных решений, и на этих портретах каждая фигура показана в необычном динамичном повороте, с прямой спиной и гордо поднятой головой. Мужчины выглядят уверенными в себе, просвещенными, успешными и склонными к щегольству. В портрете Гиршмана у Серова это не очень очевидно, а вот в облике де Монтескью это свойство личности наглядно продемонстрировано: Болдини пишет блестящие, уложенные волнами волосы, лихо закрученные усы, модный костюм и белоснежные перчатки.
Эпоха конца XIX – начала XX века заново открывает и активно реализует в искусстве образ женщины-соблазнительницы, или женщины-вамп. На рубеже веков в Европе поднимаются и обсуждаются вопросы предоставления женщинам равноправия в общественной, трудовой и семейной жизни, в том числе права женщины на образование, на участие в выборах, право на труд и т.п. Женщины начинают чувствовать себя свободнее, увереннее, и это, конечно, отражается в искусстве. Пожалуй, ярче всего образ роковой женщины в портретной живописи стиля модерн воплотился в творчестве Густава Климта⁴ (Серена Ледерер и Роза фон Росторн-Фридман). Первое, что сразу привлекает внимание в его портретах — это глаза, изображению глаз художник придает особое значение. Во взглядах его дам заключена и энергия человека современной эпохи, и магнетическое обаяние, свойственное только женщинам. Дамы эпохи модерн смело и прямо взирают на зрителя с портретов В.А. Серова и Д. Болдини. Обе женщины облачёны в чёрные платья и находятся в сумрачном интерьере, отчего их лица и особенно эффектные тёмные глаза с пронзительным взглядом «в упор» сразу привлекают внимание. Сознавая силу своей женской привлекательности, героини новой эпохи держатся очень уверенно. Запечатлённые Л.С. Бакстом в «Ужине» и Анри де Тулуз-Лотреком в рекламном плакате кафе «Divan Japonais», они проводят время в ночных кафе и ресторанах, развлекаются и чувствуют себя там абсолютно в своей стихии.
Прямую аналогию в живописи стиля модерн в России и в Европе дают нам два парных портрета — «Автопортрет с сестрой» кисти В.Э. Борисова-Мусатова и портрет Марты и Мориса Дени (который также имеет названия «Автопортрет с женой» и «Десерт в саду») кисти Мориса Дени. По мнению Д.В. Сарабьянова, «они близки не только по задаче и времени происхождения, но и по одинаковым принципам построения парного портрета на основе внутренней близости персонажей»⁵. В этих портретах мы отметим тенденцию изображать человека в естественной природной среде, определённую жанровую трактовку портрета, высветленный колорит в холодных тонах, а также дистанцированность от зрителя изображённых персонажей, что особенно заметно у В. Э. Борисова-Мусатова.
В портретном искусстве модерн стремится перенести человека из реального мира в мир фантастический, мир мечты. Для воплощения такой задачи художник может, во-первых, трансформировать саму фигуру изображенного человека, во-вторых, трансформировать пространство, в котором находится модель, и, в-третьих, он может трансформировать и то, и другое одновременно.
Для передачи в живописи эффекта «воздушной лёгкости» тела человека Головин и Климт изображают своих героинь⁶ в пышных, многослойных платьях из матовой, струящейся ткани. Светло-розовое платье Сони Книпс подчёркивает только её осиную талию, а ноги, бёдра, плечи, грудь будто растворяются в обилии драпировок. Еще успешнее с «нейтрализацией» форм тела справляется Головин в «Портрете М.В. Воейковой». Он использует не масляную краску, как Климт, а пастель, что позволяет ему растушевать контуры, благодаря чему фигура модели превращается в парящее белое облако.
Приём «искажения» пространства и свободное обращение с перспективой в портрете мы наблюдаем в работе А. Я. Головина «Портрет М.А. Кузмина» и у Анри де Тулуз-Лотрека в «Портрете Анри Самари». При построении пространства в этих портретах художники используют точку зрения «сверху» и высокую линию горизонта. Доски, выстилающие пол, на портрете М.А. Кузмина уходят рядами диагонально влево, устремляя взгляд зрителя к фигуре и лицу, фокусируя на них внимание. В портрете Анри Самари пространство трудно идентифицировать: мы видим и дощатый пол, и ковёр на нём, и изображение деревьев, веток, цветов. Это пространство не имеет определённой глубины, оно трактовано как несколько разнофактурных и разнонаправленных плоскостей. Известно, что портрет М.А. Кузмина был написан в мастерской художника⁷, а Анри Самари, брат знаменитой актрисы Жанны Самари, который тоже стал актёром, запечатлён, скорее всего, на сцене на фоне декораций, но фантазия художников превращает эти обычные помещения в ирреальные пространства, где голубая стена начинает походить на небеса, а деревья растут прямо из дощатого пола.
Деформацию объемной формы и пространства можно отметить в портретах крупнейших мастеров  стиля модерн, например у М.А. Врубеля и Г. Климта. У Врубеля в «Портрете Н.И. Забелы-Врубель в кресле на фоне обоев» и у Климта в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I» мы наблюдаем характерный для модерна приём сочетания фигуры с орнаментальным фоном. Оба портрета выдержаны в тёплой золотистой гамме и представляют дам сидящими в креслах. Их фигуры смещены вправо от центральной оси, и весь фон покрыт орнаментом. Орнамент модерна очень разнообразен. У Густава Климта мы видим: горох, полоски, волны, спирали, завитки, квадраты, расположенные в шахматном порядке, орнаменты с цветочными мотивами, а также экзотические орнаменты — египетские глаза в треугольниках-пирамидках. Поток орнамента уплощает фигуру, растворяет объём. Даже причёска модели, трактованная плоскостно, превращается в орнаментальный мотив. У М.А. Врубеля этого не происходит: чувствуются формы тела модели и мягкие локоны причёски. Пространство интерьера в работе Густава Климта совершенно упраздняется. Из помещения, наполненного предметами, оно превращается в абстрактный фон для фигуры, которая сразу притягивает к себе взгляд зрителя. Фигура Адели Блох-Бауэр кажется проявляющейся из фантастического, ирреального пространства. У М.А. Врубеля ощущение интерьера тоже упраздняется,  правда орнамент не придумывается специально, а вводится в изображение как бы исподволь, в виде цветочного принта на обоях. Фигура Н.И. Забелы-Врубель получает неестественный S-образный изгиб, но всё же сохраняет объёмность. Удивительно сходными в этих портретах оказываются жесты. Кисть левой руки у Н.И. Забелы-Врубель и кисть правой руки у Адели Блох-Бауэр согнуты под прямым углом. Этот характерный «излом» формы, особенно в контрасте с расслабленной правой рукой модели, сообщает образам напряжённость и словно бы маньеристическую грацию, свойственную людям эпохи Серебряного века.
В творчестве русских художников рубежа XIX-XX вв. находится немало параллелей творчеству Густава Климта⁸. Например, приём сочетания фигуры и орнаментального фона мы встречаем у А. И. Савинова в работе «Арфистка. Портрет Т.С. Барцевой» и в «Портрете Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта. Фигура женщины на этих парадных портретах изображена в центре. Орнаментальный фон состоит из плоскостей с разным орнаментом, будто это несколько отрезов разноцветных тканей, сшитых вместе.
Сочетание профильного изображения лица с орнаментальным фоном становится визитной карточкой стиля Альфонса Муха («Лавр» и «Плющ»), но и в русской живописи можно встретить такой приём, например у И.С. Горюшкина-Сорокопудова в работе «Листопад. Портрет В.В. Иссинской».
Мотив танца и тема танца очень востребованы в искусстве модерна. Через танец художники выражают динамику, характер, порыв души. В стихии танца раскрывается скрытая сущность человека. Танцовщики и танцовщицы были любимыми моделями как русских, так и европейских художников. Это и Анна Павлова, и Тамара Карсавина, и Ида Рубинштейн, и, конечно, Лои Фуллер со своим знаменитым «серпантинным танцем». В этом же ряду стоят темпераментная Каролина Отеро с холста М. А. Врубеля, французская певица и танцовщица испанского происхождения, звезда и символ «la Belle Époque», и испанская танцовщица Анита де ла Фери с портрета работы Джованни Болдини.
Стиль модерн придавал большое значение символике цвета в живописи. Выбор цвета платья модели в портретном искусстве модерна нельзя считать случайностью. Для эпохи, которая мыслила символами, это невозможно. И М.А. Врубель, и В.Э. Борисов-Мусатов тщательно продумывали, во что будут одеты их модели и часто сами создавали для них эскизы туалетов. Густав Климт, крупнейший представитель европейского модерна, характеристику пространства, фигуры и выбор цвета и дизайна одежд модели возвёл в художественный принцип. Через всё искусство модерна в Европе и России проходит образ женщины в белом платье. Белый цвет всегда ассоциировался с молодостью, нравственной чистотой, непорочностью, возвышенными стремлениями. В ряду европейских дам в белом совершенно органично выглядит Н.Ю. Станюкович, запечатлённая В.Э. Борисовым-Мусатовым. Дама в чёрном становится своеобразным лейтмотивом модерна. В облегающее блестящее чёрное платье одета климтовская Роза фон Росторн-Фридман, в чёрном платье-амазонке предстаёт перед нами грациозная О.М. Нестерова и величественная М.Н. Ермолова. Излюбленная гамма модерна — голубой, фиолетовый, лиловый  — также проникает в портретное искусство. Эта гамма помогает художнику передать то самое потустороннее, мистическое, фантастическое, что ищет модерн в каждом предмете, явлении, природе и человеке. Лиловый цвет выбирает Климт для портрета Марии Хеннеберг и Муха для портрета своей сестры. Похожи на видения и фантастические миражи дамы в лиловом с холстов Врубеля и Борисова-Мусатова.
Подведем некоторые итоги. В произведениях М.А. Врубеля, А.Я. Головина, В.А. Серова, В.Э. Борисова-Мусатова и других русских художников эпохи модерн имеется ряд аналогий с европейской живописью. Это интерес к символике цвета, монументальным формам, а также целый ряд конкретных художественных приёмов, например, сочетание фигуры и орнамента, приём «искажения» пространства или фигуры модели и др. При сопоставлении с произведениями европейской живописи лучшими качествами русского портретного искусства остаются вдумчивый психологизм, особое внимание к «личному» и второстепенное значение «доличного», романтическая мечтательность и поэтизация образа.

Стиль, вдохновленный природой — PBWM.RU

В разных странах этот стиль именуется по-разному: ар-нуво (Art Nouveau) во Франции, югендштиль (Jugendstil) в Германии, Modern style в Великобритании, Modernismo в Испании. Как следует из всех этих названий, акцент сделан на новизне и современности. Новым и современным этот стиль стал по отношению к предшествовавшему периоду историзма, несколько десятилетий обращавшегося к стилям прошлого и породившего неоготику, неоренессанс, неорококо и т.д. Мастера модерна исходили из того, что ретроспективный подход себя исчерпал и необходимо отказаться от подражания прошлому.

Есть и региональные синонимы модерна иного происхождения. Так, в Италии модерн называют «либерти» – по названию одной из фирм, выпускавших предметы в этом стиле. Во Франции модерн также именуют «стилем Гимар» – по имени мастера, оформлявшего входы парижского метро (один из них копирует вход на станцию «Киевская» в Москве). В Австрии модерн называют «стилем Сецессиона» в честь художественного объединения, транслировавшего новые идеи в искусстве.

Источником вдохновения для художников модерна прежде всего стала природа. Они полагали, что нужно учиться у растений естественному рисунку, линии. Поэтому флоральные мотивы будут ключевыми в искусстве модерна.

Мы их встретим и в декоре архитектуры, и в стекле Эмиля Галле, и в скандинавском фарфоре, и в рисунках тканей, и т.д. Именно модерн существенно расширяет изобразительный лексикон. Ранее мы могли увидеть благородные цветы – розы, лилии, имеющие глубокую символику. Затем, начиная с периода сентиментализма, в моду вошли полевые цветы, ассоциировавшиеся с естественностью, безыскусственностью и простотой. И наконец, модерн заинтересовался всевозможными травами и сорняками. Чертополох и репейник будут постоянно появляться на предметах сервировки из разных материалов и даже на фасадах зданий, будь то Москва, Барселона или Париж.

Истоки модерна

Линеарное начало в модерне доминирует. Вспомните, например, знаменитые афиши и рекламные плакаты Альфонса Мухи, где изображены девушки с развевающимися волосами. Этот же мотив очень часто встречается в архитектуре. Другой пример – графика Обри Бердслея, в которой причудливое переплетение линий завораживает зрителя. Интерес к жизни линии, воплощенный в природных мотивах и мотиве развевающихся волос, пробудило восточное искусство, причем как дальне-, так и ближневосточное. Осмысление роли линии в японской гравюре и арабской каллиграфии позволило создать объекты, не похожие ни на что в европейской традиции.

Что же касается женских образов, то в искусстве модерна очень часто возникает образ роковой женщины, например Саломеи или Юдифи. Женщина вообще ассоциируется теперь не столько с материнством, сколько с желанием, страстью. Во многом искусство модерна опиралось на традицию романтиков. Они были первыми, кто сказал: «Не только античность» – и обратился к средневековому искусству, национальному художественному наследию европейских стран.

К романтизму восходит также идея стихии страсти, захватывающей человека. Из романтизма же пришла концепция двоемирия: параллельно с привычным нам видимым миром существует иной, населенный духами и демонами. Обратим внимание, что, как и ­романтизм, модерн интересуется не только классической мифологией, но и скандинавской, славянской и др. Особенно модерн любит существ, сочетающих две природы – человеческую и животную. Всевозможные фавны, нимфы, русалки, черти появляются в интерьерах и на фасадах, от дома Морозова в Гороховце до Царевны-лебедь Михаила Врубеля.

Стоит прояснить, что в XIX веке произошло разделение процессов в разных видах искусства. В архитектуре и декоративно-прикладном искусстве в XIX столетии сменяют друг друга ампир, затем историзм с его многообразием неостилей. А в живописи, графике и литературе мы наблюдаем череду романтизма и реализма. Затем возникают импрессионизм и постимпрессионизм, не имеющие стопроцентных аналогов в других видах искусства. И к концу столетия модерн в архитектуре и декоративных искусствах совпадает с символизмом в живописи и литературе.

По сути это одно явление, но получившее разные названия применительно к разным видам искусства. Мы не можем сказать «архитектура символизма», некорректно прозвучит и «поэзия модерна». Разница в терминах указывает на то, что к общим идеям архитекторы, художники и поэты пришли разными путями. Так, для архитекторов и мастеров декоративных искусств было принципиально уйти от копирования и стилизации под готику или рококо. Для поэтов и художников было важно обращение к незримому миру чувств через символ, перенос в другое измерение. И для всех стало значимо задействовать ассоциативное мышление зрителя и его чувственное восприятие. В связи с этим вспомним довольно курьезный эпизод: в одном из самых известных московских памятников модерна – особняке Рябушинского – некоторое время жил Максим Горький. И писателю было так неуютно в окружении всякой чертовщины, что однажды он не выдержал и запустил пепельницей в камин.

Симбиоз науки и искусства

Чтобы добиться такого целостного впечатления, необходим синтез искусств (Gesamtkunstwerk). Эту мысль сформулировали романтики, но реализована она была уже в искусстве модерна. Если раньше можно было переоформить тот или иной интерьер, перестроить часть дворцового комплекса, не нарушая ансамбль, то в модерне это становится невозможным, так как все связано со всем.

Колонны – это не просто колонны, а гигантские растения: сама архитектура задает такие изгибы линий, которым вторят рисунок лестничных маршей, мебель, светильники. Попадая в интерьеры модерна, знаменитые дома Гауди или особняки Нанси, мы оказываемся в каком-то сказочном мире, где за витражным стеклом притаилась летучая мышь или сирена, а на волнообразной полке буфета пританцовывает переливающаяся удивительными глазурями ваза, из которой выбирается черт. Такое синтетическое видение связано с изменением иерархии видов искусств. В модерне декоративные искусства играют очень важную роль. К тому же меняется понимание возможностей тех или иных материалов.

Например, в модерне активно используется керамика для оформления фасадов. Одной из самых ярких иллюстраций является Майоликхаус в Вене, построенный и оформленный архитектором Отто Вагнером. Дом получил название по керамической плитке с цветочным рисунком, покрывающей фасад здания.

Другой известный памятник – московская гостиница «Метрополь» с огромным керамическим панно «Принцесса Грёза» по оригиналу Врубеля. Сюжетной основой послужила стихотворная драма Эдмона Ростана, французского поэта-неоромантика. Провансальский трубадур, очарованный рассказами о ливийской принцессе, красавице Мелисинде, отправляется в путь, мечтая о встрече с возлюбленной. Во время путешествия юноша заболевает, но ему является образ принцессы, что помогает добраться до цели. Однако, встретившись с любимой, он умирает. Врубель создал живописное панно, а в керамику оно было переведено на заводе Саввы Мамонтова. Сам Врубель много занимался керамикой, исследуя разные фактуры, возможности глазурей.

Эксперименты с материалами в целом свойственны модерну. Так, в стеклоделии в период модерна произошла настоящая революция, и связана она с именами Эмиля Галле и Луиса Комфорта Тиффани. Произведения обоих мастеров были оценены на всемирных выставках.

Эмиль Галле, уроженец Нанси, – одна из ключевых фигур ар-нуво. Он, ученый-ботаник, унаследовал фирму отца, занимавшегося керамикой и стеклом. И Эмиль Галле пришел к мысли о соединении науки и искусства. Он первым стал использовать травление стекла, что позволило добиваться невероятных эффектов. Причем стекло Галле многослойное, и каждый слой получает свой вариант разработки. Нередко в декор (хотя в модерне сложно разделить форму и украшение предметов) вплетаются цитаты из любимых поэтов-символистов. Сферой его исследовательских интересов были орхидеи, поэтому этот мотив очень часто появляется в стекле Галле.

Американец Тиффани получил образование в Европе. Ему также посчастливилось стать наследником ювелирной фирмы отца. Тиффани привлекали эффекты мерцающих переливов, возникавшие в античном стекле и связанные с процессами старения этого материала. Тиффани изобрел радужное стекло. Как правило, его предметы имеют формы растений. А затем появилось и ­«лава-стекло», имитирующее вулканические породы. Чрезвычайно востребованными оказались светильники витражного стекла, выполненные фирмой Тиффани. В несколько упрощенном варианте их повторяют до сих пор производители разных стран.

Искусство модерна удивительно разнообразно, и региональные различия поражают. Помимо мышления символами и грез о других мирах вариации модерна объединяют интонация декаданса и меланхолическая картина мира, что, возможно, было одним из предчувствий Первой мировой войны.

---

Ксения Апель, историк искусства, исследователь, преподаватель

10 современных художников, которых вы должны знать

Японская художница Яёи Кусама

Сегодня Artsper представляет 10 самых важных современных художников мира. От рекордов продаж и выставок в самых известных художественных галереях и музеях мира до похвал от искусствоведов и коллекционеров — вот художники, которые оставили свой след в мире современного искусства.

1. Такаши Мураками Такаши Мураками

Ключевая фигура на международной арт-сцене, японский художник Такаси Мураками представлен галереей Perrotin. Он известен созданием потрясающе красочного цветочного искусства, вдохновленного яркой японской сценой манги. Его часто считают преемником Энди Уорхола, он связан с движением японского нео-поп-арта. Однако его работы остаются в высшей степени индивидуализированными, и он отказывается ограничиваться одним художественным стилем.

6 1028

2. Jenny Saville

Jenny Saville

Британская художница Дженни Сэвилл недавно стала самой дорогой художницей в мире после того, как ее картина под названием Propelled была продана на аукционе Sotheby’s за 12,4 миллиона долларов. Ее визуальная обработка тел, обнаженных и сладострастных, демонстрирует ее впечатляющее техническое мастерство, а ее обращение с формой сравнимо со скульпторами.

3. Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Сад , 2015

Самый дорогой в мире живущий художник, британский художник Дэвид Хокни, стал вездесущей фигурой в современном искусстве. После недавних выставок в Тейт Модерн в Лондоне, Центре Помпиду в Париже и МЕТ в Нью-Йорке небесные пейзажи художника будут представлены на долгожданных торгах Christie’s.

4. Яёи Кусама

Художница Яёи Кусама перед одной из своих работ

Известная японская художница не нуждается в представлении. Яёи Кусама покорила арт-рынок своими фирменными точками. Ее искусство тем более увлекательно, что оно является продуктом редкого психического состояния, которое художница пережила с детства, когда она испытывает галлюцинации. Для Кусамы искусство — это форма важного катарсиса.

5. Джефф Кунс

Слева: Джефф Кунс, 9 лет0018 Букет тюльпанов , 1995-2004 / Справа: Джефф Кунс, Ballon Dog Blue , 1994-2000

Джефф Кунс, король PR, одна из самых противоречивых фигур в мире искусства. Известный своими гигантскими произведениями искусства, американский художник и бывший трейдер с Уолл-Стрит является одним из самых дорогих художников в мире. Его творческий подход вызвал множество критических замечаний: многие из них были связаны с тем фактом, что Кунс не создает произведения искусства сам, а над ними работает студия. Многим этого достаточно, чтобы отмахнуться от его заслуг как художника.

6. Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй, Forever Bicycles , 2011

Художник Ай Вэйвэй, ключевая фигура независимой китайской художественной сцены, является прекрасным примером того, каким должен быть социально активный художник. Участвуя в борьбе за права человека, открыто выступая против китайского правительства, Ай Вэйвэй добивается своей увлеченной работой широкой аудитории. Журнал Art Review оценил его как одного из самых влиятельных современных художников.

6 15688

7. Сесили Браун

Сесили Браун, Без названия (Кровь гуще грязи) , 2012

Британскую художницу Сесили Браун, которую часто сравнивают с Виллемом де Кунингом или Фрэнсисом Бэконом, колеблется между абстрактным и фигуративным искусством. Ее искусство эротично, жестоко, иногда тревожно, а ее чувственные силуэты привлекают много внимания. Нет сомнений, что Сесили Браун становится ведущей фигурой современного искусства.

8. Ансельм Кифер

Ансельм Кифер, Валгалла , 2016

Немецкий художник Ансельм Кифер, представленный Таддеусом Ропаком, является опорой рынка современного искусства. Стиль художника, характеризующийся толстыми мазками и темными тонами на больших полотнах, открыто обращается к нацистскому прошлому Германии и исследует темы памяти, наследия и сложного прошлого.

9. Кара Уокер

Кара Уокер, Всемирная выставка , 1997

Афроамериканская художница Кара Уокер поднимает темы расизма, проблемных стереотипов и рабства. Ее фирменные преувеличенно вырезанные силуэты обращаются к истории американского рабства. Силуэты становятся жестокими и темными свидетелями тех времен и передают сильное послание. Техника вырезания художника эффективно используется для иллюстрации идеи отрицания Другого.

10. Жан-Мишель Отониэль

Инсталляция Жана-Мишеля Отониэля 2015 года в Боске Театра на воде, Версаль

Французский скульптор Жан-Мишель Отониэль известен многим как «виртуоз стекла». Его красочные воздушные инсталляции выставлены повсюду, от королевских садов в Версале до станции метро Palais Royal в Париже. Подвешенные в воздухе мастерские творения Отониэля радуют глаз любого зрителя.

В поисках следующего поколения культовых современных художников…

Этот список далеко не полный, и выбрать всего десять артистов из такой яркой современной сцены — непростая задача. Почему бы не сделать свой собственный ум? Откройте для себя тысячи новых и известных современных художников на Artsper!

17 современных художников переосмысливают натюрморт

7 августа 2020 г. 17:41

Вещи, которыми мы владеем — одежда, которую мы носим, ​​предметы на наших столах, мебель в наших домах — рассказывают истории о том, кто мы, что мы ценим, и откуда мы родом. Художники, создающие натюрморты, создают наводящие на размышления миры, помещая в свои композиции подсказки о своей жизни и часто выдуманных, отсутствующих персонажах.

17 современных художников исследуют материальный мир с помощью абстрактной живописи, перформанса, ремесел и цифровых медиа. Снимая предметы, начиная от бутербродов из винного погреба и заканчивая монографиями художников, они документируют, каково это — жить, потреблять и просто заниматься искусством сегодня.

Живет и работает в Лос-Анджелесе.

Хилари Песис, В гостях у Мишель , 2020. Предоставлено художником.

Реклама

Яркие натюрморты Хилари Песис наполнены историческими отсылками к искусству и самим искусством. Монографии Элис Нил, Генри Тейлора, Джорджии О’Кифф, Евы Хессе, Фрэнсиса Бэкона, Керри Джеймса Маршалла, Хильмы аф Клинт и Лари Питтман выстраиваются на столах и книжных полках ее композиций, указывая на собственных муз художницы. В ее интерьерах часто используются полотна в салонном стиле, как фигуративные, так и абстрактные. В Camellias (2018) Pecis даже воспроизводит плакат для выставки Джоан Митчелл, который висит за гигантским букетом цветов, подпираемым книгами по искусству. Якобы холст Эрнста Людвига Кирхнера висит за другой цветочной группой в Камелии и Леопард (2019).

Натюрморт дает Pecis возможность ссылаться на художников, живых и мертвых, которые работают (или работали) в самых разных режимах. «Я считаю, что в параметрах натюрморта много свободы», — сказала она. «Это место для начала, но есть бесконечные возможности». Она цитирует «цвет и применение» фовистского движения и исполнителей калифорнийского фанка как главные источники вдохновения. В ноябре этого года она представит свои натюрморты и пейзажи на персональной выставке в галерее «Шпоры» в Пекине.

Живет и работает в Афинах, Джорджия

Холли Кулис, Small Cup and Steam , 2019. Предоставлено художником и галереей Клауса фон Нихтссагенда.

Реклама

Для Холли Кулис привлекательность натюрмортов заключается в самой неподвижности. «В других жанрах (даже в абстракции) есть пауза в движении», — сказала она. «Натюрморт был неподвижен до того, как его написали, и после. Пока кто-то или что-то не придет, чтобы переставить или нарушить его». Такие композиции кажутся ей «интимными и личными». Глядя на натюрморты Кулиса, зритель созерцает личные вещи невидимого персонажа. Однотонные лимоны, вазы, сигареты, ножи и кошки танцуют на полотнах Кулиса, весело натыкаясь друг на друга. Художник много раз обрисовывает ее формы в различных смелых оттенках, придавая им сияющую, вибрационную ауру. Поп-арт, кубизм и абстракция формируют плоский цвет, геометрию, «вне перспективы» и игривость в картинах Кулиса.

Кулис сказала, что прямо сейчас в своей студии она думает о том, как сместить линии на своих картинах и «найти способ заставить их двигаться больше». Она также экспериментирует с тем, чтобы сделать свои картины более абстрактными, приближая их к самому краю того, что она называет «натюрмортом».

Живет и работает в Балтиморе

Николь Драйер, Моя кладовая , 2018. Предоставлено художником.

Николь Дайер обновляет великую традицию поп-арта включать в свое искусство изображения фирменных продуктов питания, а-ля Энди Уорхол и, совсем недавно, Кэтрин Бернхардт. Она создала напольные скульптуры из коробок с газировкой марки La Croix и Vintage, а также мультимедийную картину с упаковкой Quaker Oats в центре. Искусственные карамельные сердечки, имбирные жевательные конфеты и петли Froot Loops украшают границы ее текстурированных работ. Дайера интересует, как продукты могут «вызывать у зрителя интенсивную эмоциональную реакцию», такую ​​как ностальгия, надежда или приверженность. Потребительство является серьезной проблемой для художницы — в ее работах рассматривается, как сельтерские бренды приобретают культовых поклонников и как «яркая матовая упаковка может сделать нездоровую пищу более здоровой».

В то время как поп-арт, по-видимому, оказывает на нее непосредственное влияние, Дайер также вдохновляется гораздо более старой эстетической традицией — голландскими натюрмортами с изображением еды. «Мне нравятся композиции, детали и драматическое освещение», — сказала она. «Меня интересует эффект подобных композиций, но составленных из современных продуктов и более ярких цветов».

Живет и работает в Окленде

Анна Вальдес, инсталляция в Hashimoto Contemporary. Фото Шона Робертса. Предоставлено художником.

Анна Вальдес рисует и раскрашивает столы и полы, заставленные книгами по искусству (с участием Дэвида Хокни, Жоржа Брака и Филипа Перлштейна), растениями, коровьими черепами (отсылка к Джорджии О’Кифф), раковинами и декоративными вазами, напоминающими керамику. традиции со всего мира. «Мои предметы могут выглядеть как компиляции обычных мирских объектов, но вместе они рассказывают мою конкретную историю исследования живописи через художественное происхождение, символику и композицию», — сказал Вальдес. Таким образом, ее натюрморты становятся перекошенными автопортретами.

Вальдес отметила свой интерес к голландской традиции живописи 17 века, когда художники рисовали символы смерти, чтобы напомнить зрителям об их собственной смертности. «Включая растения, раковины, кости и камни, а также картины, эскизы, керамические предметы и ткани, я имею в виду мир природы, время и современную жизнь», — сказал Вальдес. В начале ноября в Денверской галерее Дэвида Б. Смита будут представлены новые масштабные натюрморты художницы, основанные на инсталляциях, которые она создала в своей студии.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Алек Иган, Пакет с фруктами на пуфике , 2020 г. Предоставлено художником и Анат Эбги.

Алек Иган, Ванная , 2020. Предоставлено художником и Анат Эбги.

Роскошные интерьеры Алека Игана украшены обоями с цветочным принтом и тканями, которые наводят на мысль об одержимости какого-то отсутствующего домовладельца использованием природы в рукотворных проектах. Цветы распускаются на подушках, коврах, покрывалах и стульях, напоминая этому зрителю сцену из классической детской книги 9.0018 Где дикие твари , в котором спальня Макс медленно превращается в неукротимый лес. Игану нравится, как его натюрморты могут вызывать в воображении повествования, а также идеи о том, кем могут быть таинственные невидимые обитатели. Своими главными эстетическими интересами он назвал «рассказывание историй, построение выставки, продолжительность и серийность».

«Я строю воображаемый дом с помощью каждой из своих выставок, — объяснил Иган. В 2017 году на своей первой выставке в Анат Эбги он начал серию картин, изображающих разные перспективы одной огромной обители — на данный момент он создал гостиную, две ванные комнаты, четыре спальни, прихожую, столовую и библиотеку. . Вплоть до 5 сентября текущая выставка Игана «Август» в пространстве Анат Эбги в Лос-Анджелесе демонстрирует самые последние дополнения к дому художника. «Следующая выставка, скорее всего, будет посвящена кухне, — сказал Иган.

Живет и работает в Саут-Хедли, штат Массачусетс

Никки Малуф

Нерабочее время , 2019

ГАЛЕРЕЯ NINO MIER

900 02 Живые и мертвые животные заполняют полотна Никки Малуф — рыба, устрицы и омары на тарелках на клетчатой ​​скатерти, птице в клетке или кошке, смотрящей в окно. Какими бы яркими ни были работы, они также вызывают чувство замкнутости и беспокойства. Например, в Cry When You Need To (2018) клетка для птиц выложена Страница New York Times , заголовок которой объявляет эмоциональное название работы.

Художника вдохновляют «пышные текстуры», «гипердраматические аранжировки» и «символизм» голландской традиции vanitas. Ее особенно привлекают моменты на полотнах 17-го века, где становится ясно, что «художники погрузились в фантазию, чтобы создать драму, которую они искали». По ее словам, чем ближе она смотрит на эти картины, тем больше они начинают «походить на сцены для опер или пьес о повседневных делах».

Малуф надеется «усилить и расширить» эти идеи в своих работах, создавая психологическую интригу, сопоставляя повседневные предметы и домашних существ. Рисуя полностью из своего воображения, она любит находить возможности для «хаоса и предчувствия», чтобы проникнуть в ее композиции. Предстоящая выставка Малуфа в галерее Nino Mier в Лос-Анджелесе в ноябре этого года наполнена работами, посвященными приготовлению пищи.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Педро Педро, Стол в студии с лосьоном и денатуратом , 2020. Предоставлено художником.

Любопытная, сюрреалистическая физика пронизывает натюрморты Педро Педро. Носки, банановая кожура, туфли и шляпа висят, как часы Дали. Подушки стульев и столы, которые их держат, наклонены так вертикально, что удивительно, как все эти предметы не соскользнули. Соответственно, Педро сказал, что его привлекает форма натюрморта из-за ее «банальности и загадочности» — в его картинах повседневность становится глубоко, убедительно странной.

Педро сказал, что его вдохновляют цвет и яркость натюрмортов колумбийского художника Фернандо Ботеро, а также «движение и детали» в работах итальянской художницы эпохи барокко Джованны Гарцони. Хотя он также оглядывается на композиции импрессионистов и постимпрессионистов, художник добавил, что он не пытается «нарушать или чтить» какие-либо конкретные традиции — ему просто нравится «пробовать» элементы из других картин. В данный момент он работает над композицией из помидоров на лозе, которая отсылает к рекламе продуктового магазина, которую он недавно получил по почте.

Живет и работает в Нью-Йорке.

Lucia Hierro, Sufrir o Sofreír , 2019. Предоставлено художником .

Название серии цифровых печатных натюрмортов «Bodegón» Люсии Йерро (с 2015 г. по настоящее время) относится как к испанскому термину «натюрморт», так и к небольшим нью-йоркским магазинчикам на углу, которые чаще называют «винными погребами». Основные продукты Bodega — бутерброд с яйцом и сыром в рулоне из фольги с шестиугольной печатью; бутылка Фанты; ярко-желтая упаковка кофе Café Bustelo — заполните работы Йерро наряду с такими предметами, как кофейная кружка Йельского университета, картина Джорджио Моранди и кепка New York Yankees. В целом, объекты вызывают в воображении городскую жизнь, пересекающую экономические и культурные границы.

Работы также переосмысливают наследие голландских художников-натюрмортов. Легко, думает Йерро, упрекать художников XVII века за то, что они изображают предметы, добытые в результате завоеваний, например, оливки со всего Средиземноморья или китайский фарфор. Однако в эстетическом мире Йерро эти объекты и их политика становятся гораздо более сложными. «Я, доминиканско-американский потребитель, вовлекаю себя в то, как история все еще разворачивается сегодня», — сказал Йерро. Затем художница планирует курировать выставку в Gold/Scopophilia* (галерея художницы Дженнифер Вроблевски в Монклере, штат Нью-Джерси) и организовать персональную выставку в Музее современного искусства Олдрича в Коннектикуте в июне следующего года.

Живет и работает в Нью-Йорке

Джин Шин, Floating MAiZE , 2020 г. Фото Эндрю Мура. Предоставлено Брукфилд Плейс.

Жан Шин считает, что натюрморты дают зрителю возможность оценить красоту повседневных предметов. Форма, по ее словам, представляет собой «сохраненную и увековеченную» реальность, которая изображает «системы, культуру и историю художника». Шин, которая часто известна своими монументальными инсталляциями, установила десятки спортивных трофеев на длинном белом постаменте; построенные сооружения, полностью состоящие из выброшенных лотерейных билетов; и сделал уличную скульптуру из сломанных зонтов.

«Я заинтересован в привлечении участников и сообществ к процессу сбора большого количества повседневных предметов и мусора», — сказал Шин. «Я трансформирую эти материалы, чтобы вести диалог с более крупными социальными проблемами и в соответствии с контекстом сайта». Недавно она завершила масштабную инсталляцию Floating MAiZE (2020) для атриума Зимнего сада на Брукфилд-плейс в Нью-Йорке. Работа переделывает более 7000 зеленых бутылок Mountain Dew в скульптуру, напоминающую искусственное кукурузное поле. Шин сказала, что хочет связать «вредные последствия выращивания кукурузы в промышленных масштабах с нездоровым потреблением кукурузного сиропа с высоким содержанием фруктозы в обработанных пищевых продуктах и ​​напитках» и побудить зрителей задуматься о том, как взаимосвязаны производство продуктов питания, питание и загрязнение окружающей среды.

Живет и работает в Нью-Йорке

Дэниел Гордон

Натюрморт без названия 000

Дэниел Гордон

Желтые нарциссы , 2020

Джеймс Fuentes

Для создания своих натюрмортов Дэниел Гордон берет фотографии повседневных предметов из Интернета — фрукты, вазы, цветы, кувшины — затем собирает их в своей студии и фотографирует окончательные композиции. Полученные кадры получаются яркими и сложными: Глядя на двухмерные картинки, зритель должен различать реальное и цифровое пространство. Деформированные яблоки могут быть синими или фиолетовыми, в то время как лук выглядит одновременно плоским и похожим на коллажированные трехмерные объекты.

Коварное ощущение нереальности и искажения создает интригу во всей серии Гордона. «Моя работа связана с жанрами натюрморта, портрета и пейзажа», — сказал художник. «Мне нравится работать в жанре, поэтому я надеюсь, что смогу добавить к традиции и поиграть с некоторыми из устоявшихся условностей». Во время карантина Гордон создавал натюрморты меньшего размера, в состав которых входили настоящие предметы домашнего обихода. Он называет их «Ночными картинками», так как мог работать над ними только по вечерам.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Арден Сурдам, Autopoiesis I , 2020. Предоставлено художником и галереей Кендры Джейн Патрик.

Arden Surdam

Колбасные изделия , 2019

ABXY

Фотографии Ардена Сурдама полны ужасов. На них изображены звенья колбасы, тянущиеся по гигантскому пластиковому брезенту, окровавленные животные и испачканные простыни. Неудивительно, что она цитирует Фрэнсиса Бэкона, мастера гротеска, оказавшего на нее большое влияние. В последнее время она думает о диптихах и триптихах художника, особенно о Исследование человеческого тела (1983). По ее словам, он похож на «скользкую человеческую курицу». Работы Бэкона на нескольких холстах, которые одновременно предполагают и избегают повествовательного, линейного прочтения, сами по себе были основаны на фотографиях Эдварда Мейбриджа, который, как известно, запечатлел движения животных в серийных кадрах.

Недавно Сурдам играл с похожими последовательностями натюрмортов, предлагая зрителям посмотреть на четыре изображения с разной перспективой на одни и те же несколько объектов (например, фотографию, стеклянную поверхность и блестящий лист кремового цвета), чтобы экстраполировать большую сцену и повествование. Сурдам сейчас анонсирует свою первую монографию, Перенасыщение и будет работать над готовящейся книгой Файдона Кухонная студия: Кулинарные творения художников .

Живет и работает в Нью-Йорке

Стефани Х. Ши, Stone Dumpling House , 2018 г. Фото Роберта Бредвада. Предоставлено художником.

Стефани Х. Ши делает керамические изделия, напоминающие продукты, которые можно найти в продуктовых магазинах Восточной Азии, например, соевый соус Kikkoman, рис Sriracha и рис Botan Calrose. «Моя работа посвящена разделяемой ностальгии», — сказал Ши. «Мне нравится создавать виньетки, которые достаточно двусмысленны, чтобы говорить с большой частью азиатско-американской диаспоры, и в то же время достаточно конкретны, чтобы говорить о разных воспоминаниях».

Трехмерные объекты Ши возбуждают желание зрителей, предлагая им представить, как они касаются работ и чувствуют их вес. Скульптурный аспект привлекает аудиторию Ши в ее выставочные пространства «как физически, так и психологически». Начиная с 17 августа, в смотровом салоне Perrotin будет представлена ​​часть новейшей серии Shih, которая в общей сложности включает 30 керамических бутылок соевого соуса со всей азиатско-американской диаспоры.

Живет и работает в Чикаго

Guanyu Xu, Rooms of Convergence , 2018. Предоставлено художником и галереей Yancey Richardson.

В серии «Временно подвергнутый цензуре дом» Гуаньюй Сюй (2018–19) художник ремонтировал дом своего детства, пока его родители были на работе. Сюй, выросший замкнутым подростком-геем, размещал фотографии себя и других геев вокруг открытых шкафов, окон от пола до потолка, спальни своих родителей, семейной столовой и других мест, которые когда-то служили для подавления его сексуальности. . Затем он сфотографировал эти комнаты, задокументировав и сохранив свои подрывные действия, чтобы они могли сохранить свою силу еще долго после того, как художнику снова пришлось убрать свои картины (его родители до сих пор не знают, что он гей).

До пандемии Сюй делал подобные фотоинтервенции в домах иммигрантов. Теперь, не выходя из дома, он создает компьютерные изображения на основе городов, которые он посетил, фотографий, которые он сделал, и новостей, которые он прочитал во время изоляции. В сентябре этого года он планирует выставить свою работу в Шанхае в качестве победителя премии Photofairs Shanghai Exposure Award.

Сюй рассматривает свои отпечатки как «символические» объекты, которые «формулируют память, желание, идентичность и идеологию». Он ставит под сомнение «саму статическую форму фотографии», представляя фотографии фотографий «в контексте». Его работы также документируют его собственное исполнение. По его словам, мигание его затвора «олицетворяет краткий момент свободы, который у меня мог быть».

Живет и работает в Рио-де-Жанейро

Мария Непомучено, фрагмент Xamã I , 2017. © Мария Непомучено. Фото Джейсона Уича. Предоставлено Sikkema Jenkins & Co., Нью-Йорк.

Мария Непомучено, 3 mulheres , 2017. © Мария Непомучено. Фото Педро Агилсона. Предоставлено Sikkema Jenkins & Co., Нью-Йорк.

Вязаные скульптурные картины Марии Непомучено на первый взгляд напоминают цветочные натюрморты. Однако при ближайшем рассмотрении обнаруживается органическая природа ее форм, предполагающая, что органы, артерии и другие внутренние органы тела обращены наружу в великолепные красочные ансамбли. «Несмотря на то, что у меня есть работы, в которых природа является важным ориентиром, я не считаю их натюрмортами», — сказал Непомучено. «Они больше говорят о внутренней живой вселенной».

В настоящее время Непомучено работает над инсталляцией для фестиваля Ichihara Art Mix Festival 2021 в Японии, для которого она будет сотрудничать с детьми из общины Маре в Рио-де-Жанейро. Она также создаст инсталляцию для конкретного места в библиотеке Portico в Манчестере и запустит носимый арт-проект с лондонской галереей Elisabetta Cipriani.

Все ее работы — пригодные для носки или нет — выражают искреннее чувство и любовь к ремеслу. Непомучено сказала, что хочет «порвать с циничным искусством», заставляя зрителей «испытывать удовольствие и любовь» инклюзивным и жизненно важным способом.

Живет и работает в Нью-Йорке

Тишан Хсу, Слизь , 1987. Предоставлено художником.

Художественное произведение Тишаня Хсу показывает, как люди и технологии становятся неразрывно переплетенными. Его напольные скульптуры вызывают в воображении машины и биотехнологии, которые можно разместить в фантастических футуристических комнатах. По мере того, как айфоны все больше становятся продолжением нас самих, медицинские технологии переосмысливают то, как могут функционировать наши тела, а интернет-компании сводят людей к данным, работа Хсу подразумевает, что человеческие тела могут в какой-то момент стать объектами, достойными натюрморта. «Традиционная композиция натюрморта была захвачена натюрмортом технологических объектов», — сказал Сюй, приводя в пример мониторы, экраны и портативные устройства. Его не привлекает форма натюрморта как таковая. Вместо этого его привлекает «трансформация» вещей, которые мы ценим и запечатлеваем в современном искусстве.

Сюй объяснил, как, начиная с эпохи Возрождения, западные художники ставили человечество в центр мира, а впоследствии и в центр искусства. «Это восприятие изобразительного предмета эволюционировало, чтобы включить ландшафт и предметы интерьера», — сказал Сюй. Его вдохновляет способность искусства выявлять такие изменения общественной ценности. Своими работами он надеется показать, как взаимодействие людей с объектами меняется с помощью технологий.

Наслаждаясь «спокойствием и сосредоточенностью» карантина и одновременно «усваивая стрессовый натиск ежедневных новостей» в Интернете, Хсу недавно начал новую серию рисунков карандашом на бумаге. С этими новыми работами он исследует интернет-изображения, полученные из данных и нашего «экстрактивного использования технологий».

Живет и работает в Лондоне

Исаак Жюльен, Серия исследований натюрмортов, № 5 , 2008 г. © Исаак Жюльен, предоставлено художником и Metro Pictures

идея memento mori — картин, тесно связанных с работами vanitas, которые включают символы или напоминания о смерти и смертности. В серии натюрмортов 2008 года Жюльен сфотографировал знаменитую резиденцию покойного Дерека Джармана на проспекте Коттедж и окружающие его сады в английском графстве Кент.

Жюльен включил эти работы в «Жестокую красоту», выставку, которую он курировал в 2008 году в галереях Serpentine, чтобы отпраздновать работу Джармана через 14 лет после смерти прославленного режиссера. Жюльен помог собрать средства для сохранения Prospect Cottage как культурного объекта и снял фильм Derek (2008), в котором рассказывается жизнь Джармана с помощью архивных кадров и более поздних снимков дома и сада. При этом Жюльен помог сохранить наследие Джармена, документируя и уважая то, что Джарман построил, приобрел и вырастил за свою короткую жизнь.

Жюльен описал свой последний фильм « Уроки часа » (2019) как «серию натюрмортов». Чтобы создать многоканальную работу, Жюльен снял кадры в старом доме Фредерика Дугласа в Вашингтоне, округ Колумбия, запечатлев имущество знаменитого аболициониста, чтобы рассказать большую историю о свободе и продолжающейся борьбе за расовую справедливость. По словам Жюльена, документируя многовековые артефакты, он пытается создать новый вид «эстетического активизма», который оживляет таких выдающихся исторических личностей, как Дуглас, и «порождает новые ответы на современные вызовы».

Живет и работает в Тель-Авиве. 02

Завод Гильбоа , 2020

ФЛАТЛАНДИЯ

Гай Янаи считает, что люди «простое и первобытное влечение» к предметам, которые их окружают. Когда мы рисуем их, сказал он, «они становятся средством отображения нашей внутренней жизни». В домашних сценах Янаи представлены веточки растений в квадратных горшках, окна, которые отражают другие дома или смотрят на холмистый ландшафт, а внутренние стены окрашены в ярко-розовые и голубые тона. Зрители всегда могут разглядеть основные сетки Янаи, которые связывают его практику как с традиционными мозаичными работами, так и с пикселизированными экранами.

Янай кажется всеядным, когда говорит о своих влияниях, цитируя музыканта Джона Зорна; телевизионные шоу; этрусское, римское и древнегреческое искусство; Сай Твомбли, Поль Сезанн, Анри Матисс, Филип Гастон, Виллем де Кунинг и другие. Как современные, так и древние художники, по словам Янаи, разделяли увлечение превращением предметов вокруг себя в «сосуды для самых глубоких эмоций».