«Художники модерна»
Модерн
Модерн (франц. moderne — новейший, современный) («ар нуво», «югендстиль»), стилевое направление в европейском и американском искусстве кон. 19 — нач. 20 вв. Представители «модерна» использовали новые технико-конструктивные средства, свободную планировку, своеобразный архитектурный декор для создания необычных, подчеркнуто индивидуализированных зданий, все элементы которых подчинялись единому орнаментальному ритму и образно-символическому замыслу
(де Велде в Бельгии, Ольбрих в Австрии, Гауди в Испании, Макинтош в Шотландии, Шехтель в России). Изобразительное и декоративное искусство «модерна» отличают поэтика символизма, декоративный ритм гибких текучих линий, стилизованный растительный узор.
Живопись стиля модерн
В стремлении преодолеть эклектизм художественной культуры 19 в. мастера модерна использовали новые технические и конструктивные средства, свободную планировку для создания необычных, подчеркнуто индивидуализированных по облику зданий, все элементы которых подчинялись единому образно-символическому замыслу; фасады построек модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих природные органические явления.
Символизм
Символизм (франц.
symbolisme, от греч. symbolon – знак, символ), направление в художественной культуре Европы и США конца 19 – начала 20 вв. В символизме, эстетические принципы которого восходили к идеям романтизма, к философии А. Шопегауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, к творчеству композитора Р. Вагнера, универсальным инструментом познания тайн бытия и сознания полагался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий эзотерический, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Не обладая собственной ярко выраженной стилистикой, символизм стал своего рода «идейным» движением, привлекавшим самых разных по манере мастеров. Воссоздание и толкование основных символических мотивов, таких как: «любовь», «смерть», «страдание», «ожидание» и т.п., с различных стилистических позиций воплощались в произведениях П. Пюви де Шаванна, Г. Моро, О. Редона во Франции, Ф. Ходлера и А. Бёклина в Швейцарии, Дж. Энсора и Ф. Ропса в Бельгии, Э. Мунка в Норвегии, М. Клингера и Ф. фон Штука в Германии; близко к символизму творчество П.
Модернистические течения
Значительное распространение в первое десятилетие 20 в. получил ряд направлений, связанных с отходом буржуазной культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности, которая все более вызывала у многих художников страх и ненависть. Многочисленные калейдоскопически сменявшиеся течения объединяются понятиями «модернизм», «модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов искусства. Однако в действительности в их лихорадочных исканиях чаще преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к всевластию субъективного, случайного или отвлечённо-рационалистического начала. По существу, деятельность этих художников представляла собой уход от основного реалистического и гуманистического пути развития мирового искусства.
Фовизм .
Первым художественным течением в 20 в., начавшим отход от принципов реализма, был фовизм (от французского слова «fauves», обозначающего зверей хищной породы. Это слово неточно было переведено термином «дикие», который привился в нашей литературе). Название «фовисты» дано художникам, выступившим в 1905 г.
Кубизм .
Следующим этапом в формировании формалистической живописи был кубизм, возникший почти одновременно с фовизмом. Он зародился 
Футуризм .
Формой, откровенно далекой от реализма, был также возникший в 1909 г. футуризм (от слова «футурум» — «будущее»), существовавший до 1930-х гг., эволюционируя частично к абстракционизму. В футуризме искажение и деформация образа реального мира носили характер субъективного произвола. Группировка художников — футуристов, выступивших в 1910 г., провозгласила своей целью разрушение старой культуры и воплощение в современном искусстве динамизма индустриальной эпохи и современных капиталистических больших городов. Футуристы фетишизировали машинную технику, противопоставляли машину человеку. Они стремились передать в живописи внутреннюю динамику предмета и перенасыщенность сознания современного человека множеством теснящих друг друга впечатлений. Главным фактором выражения современности они провозгласили время (четвертое измерение), ощущение которого пытались передать в картине с помощью раздробления и искажения зрительного образа реального мира в хаотической динамике ритмов, путем многократной фиксации повторных этапов движения тел в пространстве.
Футуристы предвещали крах современного искусства, видели новое не в социальном переустройстве жизни общества, а в торжестве современного техницизма, подавляющего человека. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве У. Боччони, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра — авторов беспокойно-хаотичных композиций.
Михаил Александрович Врубель
«Полет Фауста и Мефистофеля» 1902
«Шестикрылый серафим» (Азраил) 1904
«Царевна-лебедь» 1900
«Фантастический пейзаж» 1894
«Тени лагун» 1905
«Жемчужина» 1904
Густав Климт
«Маковое поле» 1906 Национальная галерея, Вена
«Даная» 1907-1908 Частная коллекция, Грац
« Pallas Athene « 1898 Музей истории искусств, Вена
«Замок Каммер на озере Аттерзее « 1912
«Поцелуй» 1907-1908
«Австрийский деревенский дом» 1912, Музей истории искусств
Анри Матисса
Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник.
Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции . В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры.
В «Заметках живописца» он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Сиена).
«Окно» 1916 Институт искусства, Детройт
«Площадь в Сен-Тропе « 1904 Музей искусств, Копенгаген
«Красные рыбки» 1911, Музей им.А.С.Пушкина
«Танец» 1909
«Голубая обнаженная» 1907
«Радость жизни» 1905-1906
Амедео Модильяни
Амедео Модильяни (Amedeo Modigliani) — итальянский живописец, скульптор, график; принадлежал к «Парижской школе». Родился в Ливорно 12 июля 1884 года. Начал учиться живописи в 1898 году в мастерской скульптора Габриэле Микели. С 1902 года занимался в «Свободной школе рисования с обнаженной натуры» при Флорентийской Академии Художеств, главным образом, у Фаттори, с именем которого в итальянской живописи связывается течение «macchiaiol», родственное французскому «ташизму».
В 1903 году, переехав в Венецию, Модильяни учился в «Свободной школе обнаженной натуры» Венецианского Института изящных искусств. С 1906 года обосновался в Париже, где брал уроки в Академии живописи Коларосси. В 1907 году впервые показал свои работы в «Осеннем салоне», с 1908 года выставлялся в «Салоне независимых». В кафе «Ротонда» на бульваре Монпарнас, где собирались писатели и художники, Модильяни был в кругу друзей, живших, как и он, проблемами искусства. В эти годы художник обостренно ищет свою «линию души», как назвал творческие поиски Модильяни его друг, поэт Жан Кокто. Если первые произведения парижского периода исполнены в манере, близкой графике Тулуз-Лотрека, то уже в 1907 художник открыл для себя живопись Сезанна, познакомился с творчеством Пабло Пикассо.
«Обнаженная на подушке» 1917, частная коллекция, Милан
«Девочка в голубом» 1918, частное собрание, Париж
«Кипарисы и дома» частное собрание, 1918
«Обнаженная с запрокинутыми руками» 1917
«Супруги» 1917
«Средиземноморский пейзаж» 1918, частное собрание, Париж
Альфонс Муха
Альфонс Муха (Alphonse Maria Mucha) (1860–1939), чешский живописец, декоратор, основатель и мастер театральной и рекламной афиши в стиле модерн, в частности стиля Арт Нуво (Art Nouveau).
Родился в Иванчице 24 июля 1860. Получил художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене театральным художником-декоратором. Продолжил обучение в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р.Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог. Широкую известность приобрел после создания афиш для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра Сары Бернар («Жисмонда», 1894; «Дама с камелиями» Александра Дюма-сына, 1896; «Лорензаччо» Альфреда де Мюссе, 1896; «Медея» Еврипида, 1898). Муха выступал и как дизайнер этих постановок; по его эскизам создавались платья и сценические ювелирные украшения. В эти же годы Муха становится одним из ведущих художников французской рекламы, его композиции печатались в журналах в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в пестрый мир роскоши и неги. В том же стиле Art Nouveau создавались и красочные графические серии («Времена года», 1896; «Цветы», 1897; «Месяцы», 1899; «Звезды», 1900;), которые и до нашего времени широко тиражируются в виде арт-постеров.
Именно плакаты, созданием которых Альфонс Муха занимался в 1895-1905 гг., выдвинули чешского художника в число лидеров мирового модерна — стиля, возникшего под влиянием индустриального прогресса и эстетики символизма. Альфонс Муха стал очень знаменит еще при жизни, в конце XIX в. его работы экспонировались во всех основных столицах Европы и в США. После окончания первой мировой войны Муха вернулся на родину. С середины 20-х годов 20-го века он резко меняет направление своего творчества. Создает большой цикл картин «Славянская Эпопея», посвященный истории славянства…
« Апафеоз истории славянства» 1917-1918
«Славяне на исконной Родине» 1912
«После Грюнвальдской битвы» 1924
«Праздник Свентовита « 1912
«После битвы на Виткове « 1925
«Введение славянской литургии» 1912
Декоративное панно из серии «Звезды» 1900
«Лунное сиияние «
« Утрення звезда»
«Вечерняя звезда»
«Северная звезда»
«Фрукты» 1897
«Цветы» 1897
« Соламбо « 1904
Пьер Пюви де Шаванн
«Пастушья песня» , 1891 Музей Метрополитен, Нью-Йорк
«Надежда» 1872, Галерея Уолтер, Балтимор
«Надежда» 1872, Музей д’Орсэ, Париж
«Сновидение» , 1883 Художественная галерея Уолтер, Балтимор, США
«Белая скала» , 1869-1872 Собрание сэра Альфреда, Блессингтон, Ирландия
«Кающаяся Магдалина» , 1897 Музей изящных искусств, Будапешт
Анри Руссо
Руссо (Rousseau) Анри Жюльен Феликс (5.
1844, Лаваль (Майен) — 04.09.1910), французский живописец. Руссо был художником-дилетантом. Он привлек к себе внимание парижского авангарда. когда впервые выставил картины в Салоне Независимых в 1885 году. Его творчество вызывало восхищение Пабло Пикассо и его окружения, где ценили необычное, непринужденное восприятие мира Руссо, абсолютно свободное от догм академического общения. Интенсивный цвет, твердо очерченные формы и тщательно исполненные детали характеризуют наивный стиль Руссо. Его фантастические, наивные и непосредственные пейзажи (“Прогулка в лесу”, около 1886, Кунстхауз, Цюрих), виды Парижа и его пригородов, жанровые сцены, портреты (“Автопортрет с палитрой”, 1889-1890, Национальная галерея, Прага; “Артиллеристы”, 1895, Музей С.Гугенхейма, Нью-Йорк) отличаются условностью общего решения и буквальной точностью деталей, плоскостностью форм, ярким и пестрым колоритом. Создавая воображаемые джунгли, Руссо черпал вдохновение во время многочисленных посещений ботанического сада в Париже.
Прозвище Руссо — Таможенник — обязано своим происхождением его основной профессии. Творчество Руссо послужило импульсом к признанию эстетической ценности примитивизма , к использованию его выразительных средств многими профессиональными художниками ХХ века.
«Заклинательница змей» 1907, Музей Орсэ, Париж
Сновидение» 1910, Нью-Йорк Музей современного искусства
«Мост в Севре» 1908 Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Памятник Шопену» 1909 Эрмитаж, Санкт-Петербург
Анри де Тулуз-Лотрека
Тулуз-Лотрек (Toulouse-Lautrec; собственно Тулуз-Лотрек-Монфа, Toulouse-Lautrec-Monfa) Анри Раймон Мари де (1864-1901) , потомок древнего аристократического рода, французский живописец и график. Учился (у Л.Бонна в 1882 и Ф.Кормона с 1883) и работал в Париже; испытал влияние Э.Дега и японской гравюры. Основная тема творчества Тулуз-Лотрека — развлечения и быт парижских богемы и “дна”, которые он воссоздает без морализирования, но с присущей ему болезненной остротой наблюдения, часто с едкой иронией, искусно передавая гротескную динамику как бы случайно выхваченных из потока жизни мизансцен, характерность поз и жестов (“Цирк Фернандо.
Наездница”, 1888, Художественный институт Чикаго; “Танец в Мулен Руж”, 1890, частное собрание, Филадельфия; “Певица Ивет Гильбер”, 1894, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Сугубо индивидуальной манере Анри де Тулуз-Лотрека свойственны обобщенный, гибкий и ломкий рисунок, длинные вибрирующие мазки, холодная гамма, оттененная крупными, яркими красочными пятнами. Великолепное мастерство рисовальщика особенно ярко проявилось в литографированных театральных афишах Тулуз-Лотрека с их графически-острым лаконизмом, декоративной броскостью цвета, причудливо-гибким рисунком (“Аристид Брюан в своем кабаре”; “Жанна Авриль”, 1893).
«Портрет Онорины Плетцер « 1891, Музей д’Орсе, Париж
«Туалет» 1889, Музей д’Орсе, Париж
«Чтение газеты в саду» 1890, Музей Тулуз-Лотрека, Альби
«Обучение танцу в Мулен Руж « 1889-1890
Фердинанд Ходлер
Ходлер, Годлер (Hodler) Фердинанд (1853–1918), швейцарский живописец и график.
Фердинанд Макс Ходлер родился в Берне. Это был действительно большой мастер, живописец и график, чье творчество в основном лежало в русле такого влиятельного в конце XIX века течения как модерн (Jugendstil, Secessia). В 70-е годы Ходлер учился живописи в Женеве у Бернарда Менна, затем путешествовал по Европе: побывал в Италии, в Испании, целый год работал в Париже. Вернувшись на родину, он поселился в Женеве, где и прошла вся его жизнь. С 1892 регулярно выставлял свои работы в парижском салоне символистов “Роза и крест”. Один из крупнейших мастеров европейского модерна, Ходлер тяготел к национально-романтическим идеям, к философски наполненному символизму . Его аллегорическим композициям (“Ночь”, 1890, “День”, 1900, — обе в Художественном музее, Берн), произведениям на темы истории Швейцарии и Германии (“Вильгельм Телль”, коллекция Кетман, Золотурн; фреска “Выступление йенских студентов в 1813”, университет в Йене, 1908), пейзажам (“Женевское озеро”, Базель), портретам (автопортрет, 1900, галерея, Штутгарт, портрет выздоравливающей, 1879, Фонд Оскара Рейнхарта, Винтерфур) присущи монументальность и суровый лаконизм образного строя, напряженность динамичной композиции, острота четких линейных ритмов.
Умер Ходлер в Женеве, в мае 1918 года.
«Волнение» 1901-1902 Частная коллекция, Швейцария
«Золотой луг» Собрание Оскара Рейнхарта
«Женевское озеро» 1905 Художественный музей, Базель
«Избранная» 1893-1994 Художественный музей, Берн
Франц фон Штук
Штук (Franz von Stuck) Франц фон (1863-1928), немецкий живописец и скульптор, один из лидеров символизма в изобразительном искусстве. Родился в Теттенвейсе (Бавария) 23 февраля 1863 в крестьянской семье. Приехав в Мюнхен, занимался в здешней художественно-ремесленной школе и Политехникуме (1881-1884). В 1885 посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина. В молодости много работал как художник прессы (для журналов «Югенд», «Пан» и других изданий). Один из основателей (1892) и президент Мюнхенского сецессиона», рисовал афиши для его выставок; композиция с Афиной-Палладой (1889) стала популярным символом этого объединения.
Завоевал известность своими аллегорико-мифологическими картинами, где характерные для символизма темы «рокового» эротического влечения и разгула иррациональных, «демонических» стихий получили особенно броское, нередко брутальное выражение («Борющиеся фавны», 1889, Новая пинакотека, Мюнхен; «Люцифер», 1890, Национальная галерея, София; «Поцелуй сфинкса», 1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Вакханалия», 1905, Кунстхалле, Бремен). Архетипическими стали созданные им образы женщин-вамп («Грех», 1893, Новая пинакотека; «Саломея», 1906, Дом-музей Ф.фон Ленбаха) и военного насилия («Война», 1889, Новая пинакотека). Франц фон Штук воспринял многие черты переходной художественной эпохи, какой в историческом плане был модерн. Сознательно оказавшись в стороне от проблем, увлекавших таких известных представителей искусства конца XIX — начала XX века, как Врубель, Гоген, Мунк, — поисков смысла жизни, разгадки будущего человечества, обнажение одиночества личности на фоне мирового универса, он пытался вдуматься в пересечение духовного и телесного, красоты и зримой реальности человеческого облика.
Не все убедительно сопрягалось в творческих исканиях Штука. В них можно найти примеры сосуществования чуждых друг другу эстетических установок и стилистических…
Автопортрет с женой в ателье» 1902, Частное собрание, Мюнхен
« Саломея « 1906, Дом-музей Ленбаха, Мюнхен
«Юный Бахус» 1901, Частная коллекция
«Хоровод роз» 1910, Частная коллекция
«Раненая амазонка» 1904, Музей ван Гога, Амстердам
«Мэри в красной шляпке» 1902, Частное собрание, Мюнхен
Новые весенние выставки: главные лица русского модерна и безмятежные гетеры
Читайте также Что смотреть в апреле: 6 новых сериалов Театральные премьеры апреля: «Укрощение строптивой» Кончаловского и Дон Кихот на футбольном матче Экотропы в Москве: где можно погулять с пользой для здоровьяСергей Киселев / Агентство «Москва»
«АРТ МОСКВА».
Ярмарка классического и современного искусстваГостиный Двор
13-17 апреля 2022
Сергей Киселев / Агентство «Москва»
Спустя девять лет ярмарка «АРТ МОСКВА» возвращается в обновленном формате гармоничного соединения старого и современного искусства, столь популярном у международных ярмарок.
Едва отойдя от коронавирусных ограничений, устроители столкнулись с проблемами не менее глобальными: некоторые экспоненты не смогли принять участие из-за заблокированных средств владельцев в иностранных банках, у других просто не получилось вывезти произведения искусства из-за границы. Тем не менее «АРТ МОСКВА», в отличие от книжной выставки Non Fiction, отмененной в апреле, выстояла и сумела собрать более 100 участников.
Пространство Гостиного Двора будет разделено на три части: за разделом классического — антикварного — искусства последует раздел искусства современного, не менее насыщенной станет «ювелирная улица», на которой отечественные ювелиры покажут как необычные дизайнерские произведения, так и камни удивительной редкости и чистоты.
Два выставочных проекта будут посвящены русскому портрету XVIII–начала XX вв. («Антикварная торговля» А. Лелянова и «Антикварный» на Кутузовском, 24), а галерея «Люмьер» выставит лучшие работы классика советской фотографии Наума Грановского, снимавшего Москву в середине XX в. Из современных экспозиций стоит выделить работы художников Олега Хвостова и Аси Феоктистовой на стенде подмосковной галереи «Гридчинхолл» и проект «Красный апрель» (галерея «Ковчег»), поставивший себе цель «реабилитировать» красный цвет и вернуть ему первоначальное значение без политических связей, очистить до простого оптического явления.
«Лики модерна»
Инженерный корпус Третьяковской галереи
15 апреля — 14 августа 2022
П. И. Ассатуров. Афиша «Бал-маскарад-монстр 24 января 1901 года в залах Благородного Собрания» / Третьяковская галерея
Третьяковская галерея продолжает исследовать русский модерн, расцвет которого пришелся на период между 1896 и 1914 гг.
В это время художники с увлечением создают новый мир вымысла и грез, объединяют реальность с фантазиями, а все знаковые идеи предыдущих эпох смешиваются, пересматриваются, наполняются новым, современным содержанием с элементами национального фольклора.
Логичный вопрос, что же нового могут рассказать кураторы о достаточно изученном стиле? На этот раз к живописным и скульптурным произведениям добавятся редко показываемые плакаты и афиши — новинки художественной жизни рубежа веков. По этим афишам легко составить представление о динамичной атмосфере столицы той эпохи — выставки сменяются поэтическими и музыкальными вечерами, постановки кабаре привлекают внимание не меньше, чем традиционные театральные спектакли.
Встречаются и такие интересные экземпляры афиш, как «Бал-маскарад-монстр» (1900-1901), созданная не слишком известным Павлом Ассатуровым. Новым видом искусства в России не пренебрегали заниматься и художники первой величины. Благодаря усилиям Бакста, Билибина, Лансере, Сомова язык плаката обогатился приемами живописи и графики, книжной иллюстрации и театрально-декорационного искусства.
Интересно, что чрезвычайно востребованный московский архитектор Лев Кекушев также интересовался плакатной графикой и в 1897 г. даже нарисовал «Афишу выставки Строгановского училища», о которой знают в основном специалисты.
«По примеру богов. Генрих Семирадский»
Государственная Третьяковская галерея на Крымском валу
28 апреля — 3 июля 2022
Г. И. Семирадский. Опасный урок / Третьяковская галерея
Выставка работ Генриха Семирадского станет, вероятно, самой позитивной экспозицией 2022 г. На его чувственных полотнах (созданных в стиле европейского неоклассицизма) всегда солнечно и тепло, безмятежные граждане Римской империи ведут расслабленное существование, танцуют прекрасные обнаженные гетеры.
До сих пор ведутся споры, к какой национальной школе отнести художника. Семирадский — поляк по происхождению, родился в селе Печенеги под Харьковом, в семье польского дворянина, генерала царской армии Ипполита Семирадского.
Стезю художника он выбрал не сразу — в Харьковском университете он обучался на физико-математическом факультете и даже написал диссертацию об инстинктах насекомых. Но интерес молодого человека сместился от точных наук к рисунку, и вот уже Семирадский студент Императорской Академии художеств, позже — ее академик.
Не порывая связей с Польшей и Россией, художник предпочитал жить и творить в солнечной Италии. Реализм, с его вниманием к простым людям и их бедам, его совершенно не интересовал, за что художника регулярно порицали. Огромная картина Семирадского «Фрина на празднике Посейдона», которую приобрел император Александр III, фактически послужила основанием для появления Русского музея в Санкт-Петербурге. Царь щедро оплачивал заказы художнику, дружил с ним, чем вызывал патриотический гнев у русских живописцев. Передвижники и вовсе называли Семирадского «чертополохом, от которого нужно избавиться». Павел Третьяков в результате личного конфликта не только не купил ни одной картины художника, но и запретил совету галереи это делать.
Тем не менее художник благополучно продолжал жить в своем богатом доме в Риме, который внесли в путеводители XIX в. как достопримечательность, собирать предметы старины и писать любимую античность. При этом Семирадский был достаточно мрачным и депрессивным человеком, серьезно увлекавшимся оккультизмом.
На выставке представят около сотни работ Генриха Семирадского, а также ряд произведений мастеров его круга из российских и зарубежных частных собраний. Графику, живопись и скульптуру второй половины XIX в. дополнят работы современных художников, — проект группы AES+F «Пир Трималхиона», серия фотографий Тимофея Парщикова с говорящим названием Times New Roman.
«Индия! New Art»
Государственная Третьяковская галерея на Крымском Валу
27 мая — 18 сентября 2022
Предоставлено организаторами выставки
В Москву прибудут работы самых значимых и авторитетных современных авторов: Мриналини Мукерджи, Субодхы Гупты, Амара Канвара, Шилпы Гупты, Аниты Дюбе и Аниша Капура.
Заявлено более 80 работ мастеров из зарубежных собраний, в том числе из крупнейшей в мире коллекции современного индийского искусства — частного Музея Киран Надар (Нью-Дели). Характерная особенность индийского искусства: художники мыслят глобально и широко, поэтому арт-объект или видеоинсталляция — все очень больших размеров. Посетителям выставки предстоит узнать, как живет загадочная древняя страна, насколько она верна традиции или, наоборот, открыта художественным экспериментам.
женщин в стиле модерн | Europeana
Роли и статус женщин в обществе значительно изменились в конце 19 века (как мы исследовали на нашей выставке 2016 года Faces of Europe ). Женщины стали более независимыми, и все большее число столичных женщин из среднего класса получали располагаемый доход. В тот же период (преимущественно мужчины) художники и дизайнеры в стиле модерн изображали женщин в крайне идеализированных, женственных и соблазнительных формах. Стройные, привлекательные — и часто обнаженные — женщины с распущенными волосами широко представлены в украшениях, картинах и печатных работах в стиле модерн.
Реклама сыграла важную роль в определении того, как публика воспринимала женщин, и, как и сегодня, они использовали женское тело, чтобы продавать потребителям образ жизни и товары.
Многие художники модерна использовали эротику в своих работах, особенно с пользой для себя, чем чешский живописец и художник-декоратор Альфонс Муха (1860-1939). Работа Мухи как разностороннего дизайнера обоев, текстиля, столового серебра и ювелирных изделий мгновенно узнаваема и получила широкое распространение после того, как в 1919 году были опубликованы два тома его графических рисунков.02.
Реклама Мухи для сигаретной компании Job, показанная слева, иллюстрирует идею о том, что «секс продается»: сладострастная женщина держит зажженную сигарету, а ее закрытые глаза и приоткрытые губы предполагают экстаз. Сам факт того, что эта женщина курит, можно было рассматривать как возмутительный, так как немногие респектабельные женщины того времени курили на публике.
Личная жизнь французской актрисы театра и кино Сары Бернар (1844-1923) была столь же драматичной, как и ее актерская карьера.
Она была иконой стиля ар-нуво, чей образ поддерживал множество продуктов, включая косметику, одежду и продукты питания, такие как печенье Lefèvre-Utile.
Бернхардт вдохновила и заказала несколько работ Альфонса Мухи, таких как Gismonda , а также заказала ювелирные изделия, фарфор и другие изделия таким художникам, как Рене-Жюль Лалик.
Женщины-знаменитости, такие как Бернхардт, были важными музами для многих художников, и был большой интерес к таким артистам, как артистка ночного клуба Джейн Аврил и танцовщица Лои Фуллер.
Часто считающаяся олицетворением модерна, Фуллер дебютировала на парижской сцене в 1892 на сцене Фоли-Бержер. Ранняя практика произвольного танца, она разработала серию номеров, в которых кружилась по сцене под музыку Дебюсси, Шопена и Шуберта, освещенная яркими световыми эффектами.
Вот короткометражный фильм Фуллера о знаменитом Danse Serpentine , 1891, снятом братьями Люмьер в 1896 году. Считается, что танцовщицей в фильме является Кэролайн Хиппл Холпин, известная как Папинта «Танцовщица пламени», а не Лои.
Сама Фуллер.
В этот период женская мода изменилась по мере того, как движение за реформу одежды набирало обороты. Модельеры в стиле модерн разработали женскую одежду с менее ограничивающим, более легким и удобным для ношения дизайном. Носили мягкие прозрачные ткани и извилистые линии современных оттенков, а после 1900 года новый стиль корсета создал S-образный силуэт.
На рынке появилась спортивная, пляжная и велоодежда для женщин. Обувь украшена мотивами в стиле модерн со стилистическими деталями на каблуках. Последние новинки моды, представленные в модных журналах, газетах и универмагах, быстро распространяются по Европе.
Изучите нашу специально созданную доску Pinterest о моде в стиле модерн (c.1890-c.1910), показанную ниже.
В соответствии с современными художественными тенденциями многие художники, работавшие в стиле модерн, изображали женщин мистически и символически.
Увлечение европейской культуры психологией и символизмом в то время берет свое начало в декадентской поэзии и литературе, а также в трудах Зигмунда Фрейда. Теории Фрейда о бессознательном и толковании снов предложили визуальным художникам новые захватывающие темы для исследования. Многие художники отвергли ограничения реализма и вместо этого обратились к внутреннему миру.
Представление о Женщине как воплощении чистоты или ее противоположности было общей темой в искусстве и литературе периода fin de siecle . Женщин часто изображали бесплотными, соблазнительными и смертоносными существами, такими как Медуза и Саломея. На картине Франца фон Штука 1895 года Поцелуй Сфинкса (на фото выше) изображено существо женского пола, страстно целующееся с мужчиной и подавляющее его своими львиными когтями.
Австрийский художник и член Венского сецессиона Густав Климт (1862-1918) был одним из самых известных художников эпохи модерна. Работы Климта, такие как Danae 1907-08 годов, показанные ниже, часто изображали обнаженную женщину в очень декоративной и чувственной манере.
Климт сочетал обнаженные тела с драгоценными материалами, такими как золото и серебро, для создания блестящих мозаичных поверхностей.
Невоспетые художницы в стиле ар-нуво
Ар-нуво, движение, процветавшее между 1890 и 1910 годами, возникло на пике Прекрасной эпохи, периода, который поощрял современность и художественные прорывы больше, чем любой другой, как реакцию на строгий академизм. в искусстве начала 19век. Подобно движению «Искусства и ремесла», модерн стремился деконструировать традиционные представления об иерархии в искусстве и приравнять то, что считалось «изобразительным искусством» (живопись и скульптура), к «декоративному искусству» (изготовление мебели, ювелирные изделия, миниатюрная скульптура, гобелен, вышивка и др.). Движение также было вдохновлено свежестью и текучестью природы. Что мало известно о модерне, так это большой вклад женщин-художников в это движение.
Основными стилистическими характеристиками модерна являются замысловатые растительные узоры, свежие геометрические мотивы с кривыми, а не строгими линиями, и, конечно же, идеализированные женские фигуры.
Однако женщины, связанные с модерном, как и женщины, связанные с движением прерафаэлитов, служили не только музами, но и художниками.
Движение характеризуется энтузиазмом в отношении декоративно-прикладного искусства и графического дизайна. Это повысило уважение широкой публики к прикладному искусству, области, в которой традиционно преобладают женщины, и тем самым повысило женщин как художников. Поэтому важно узнать больше о женщинах-художницах, которые определили движение в стиле модерн, и прославить их.
Элис Рассел Гленни
Фотография Элис Рассел Гленни, Центр искусств Берчфилд Пенни, Нью-Йорк, США. Сайт арт-центра.Элис Рассел Гленни (1858–1924) — американская художница-график, наиболее известная своими плакатами в стиле ар-нуво. Она была выдающимся деятелем искусства в своем родном городе Буффало, штат Нью-Йорк.
Гленни активно отстаивала интересы американских женщин-художниц. Она разработала культовую обложку для журнала Buffalo Courier: Women’s Edition 9.
0004 . На ее работах изображена женщина с прической в японском стиле и суровым лицом, смотрящая в сторону от зрителя. Цветовая палитра женщины бледна и контрастирует с оливково-зеленым фоном. Это, наряду с тем, что ленты образуют форму колонны дорического ордера, создает ощущение классического возрождения. Черты ее лица женственны, как и прическа и одежда, но модель сохраняет свою твердую позицию в вопросе прав женщин.
Гленни сделал разные варианты этого плаката для разной аудитории. Эти разные версии еще раз доказывают намерение художника смешать высокое классическое искусство с современными устремлениями. Ссылка, которую Гленни делает на греческое искусство, более откровенна, а ее настойчивость в установлении прав для женщин-художников становится все более ясной.
Элис Рассел Гленни, Плакат для выставки Академии изящных искусств Буффало и Общества художников , 1897. Викисклад (общественное достояние).
Слава художника настигла город Буффало. Спустя почти 150 лет после ее рождения в томе «Американские женщины: Руководство Библиотеки Конгресса по изучению женской истории и культуры в Соединенных Штатах» Элис Рассел Гленни была названа новаторским художником-графиком.
Маргарет Макдональд
Джеймс Крейг Аннан, Фотография художницы Маргарет Макдональд , ок. 1895 г., Национальные музеи Шотландии, Эдинбург, Великобритания.Маргарет Макдональд (1864–1819 гг.)33) был шотландским художником, чьи работы определили «стиль Глазго» в конце 19 века. Кроме того, ее изображения эфирных фигур оказали значительное влияние на движение в стиле модерн.
После завершения учебы в Школе искусств Глазго вместе со своей сестрой Фрэнсис дуэт открыл в Глазго студию сестер Макдональд. Их творчество во многом было вдохновлено кельтскими образами и фольклором. Многие работы Маргарет включают в себя приглушенные тона, удлиненные обнаженные формы и взаимодействие геометрических и природных мотивов.
Именно эти уникальные характеристики отличали ее от других художников ее времени.
Ее самая известная работа, Королева мая , представляет собой огромное панно, на котором изображена центральная женская фигура, обрамленная двумя женщинами слева и двумя справа от нее. Стиль напоминает модерн, но имеет некоторые уникальные элементы, например, чрезвычайно вытянутые фигуры и отсутствие насыщенных цветов.
Маргарет Макдональд, Таинственный сад , 1911, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург, Великобритания. Ее работы, наряду с работами ее сестры-сотрудница, бросили вызов представлениям своих современников об искусстве. Таким образом, при жизни они достигли значительного успеха в европейских художественных кругах. Маргарет Макдональд даже выставлялась на Венском Сецессионе 1900 года, и влияние, которое она оказала на Густава Климта, очевидно.
Фрэнсис Макдональд
Фрэнсис Макдональд (1873–1921), менее известная из двух сестер Макдональд, была художественной последовательницей стиля Глазго и училась в Школе искусств Глазго.
Фрэнсис Макдональд, Выбор , 1909 год. Wikimedia Commons (общественное достояние).В середине 1890-х сестры покинули Школу, чтобы основать свою независимую студию. Они сотрудничали в области графики, текстиля и иллюстраций. Стили Маргарет и Фрэнсис могут быть похожи, но они все же различимы. Фрэнсис, кажется, использует гораздо более смелые цвета, чем ее сестра, и ее фигуры выглядят более человечными и менее статичными, чем у Маргарет. Ее полотна полны действия и эмоционального проявления. Каждая из них рассказывает отдельную, сложную историю. Во многом стиль Фрэнсис напоминает стиль Марка Шагала.
Фрэнсис Макдональд, A Paradox , 1905 год. Wikimedia Commons (общественное достояние). Ее работы Выбор и Парадокс являются образцом сложности историй, которые она решила рассказать.
Ничто не очевидно, и мы, зрители, должны попытаться расшифровать содержание и смысл ее произведений.
Несмотря на то, что они работали бок о бок (но также и индивидуально), Фрэнсис, к сожалению, гораздо менее известна, чем ее сестра. Это потому, что ее муж, Герберт Макнейр, уничтожил многие из ее работ после ее смерти. Однако оба художника изображали женщин таким образом, чтобы констатировать их собственную эмансипацию. Их женские образы всегда были главными героями их собственных историй, а не актерами второго плана.
Элизабет Сонрель
Элизабет Сонрель (1874–1953) была французской художницей и иллюстратором, на которую повлияла и находилась под влиянием эстетики ар-нуво. После учебы у своего отца-художника она официально обучалась в Школе изящных искусств в Париже.
Элизабет Сонрель, Портрет женщины эпохи Возрождения с розами , частная коллекция. Артнет. В начале своей творческой карьеры она создавала плакаты и иллюстрации в стиле модерн, но позже ее стиль превратился в прерафаэлитов после поездки в Италию, где она влюбилась в стиль Сандро Боттичелли.
Она изображала почти исключительно женские фигуры, а ее любимым сюжетом были романы о короле Артуре, библейские темы и мифологические сцены. Ее художественный стиль представляет собой заманчивое, уникальное сочетание стилей модерн и прерафаэлитов.
Элизабет Сонрель, Флора , 1899. Christie’s.Sonrel также участвовал во Всемирной выставке 1900 года, когда темой был модерн. Ее работа имела большой успех, получила награды и медали и была продана за 3000 франков. Художница оставалась очень плодовитой при жизни и продолжала работать примерно до 70 лет.0005
Клара Дрисколл
Клара Дрисколл в мастерской , 1901 год. Wikimedia Commons (общественное достояние). Клара Дрисколл (1861–1944) — американский дизайнер, возглавлявшая отдел женской резки стекла в Tiffany Studios в Нью-Йорке. Говорят, что она была одной из самых высокооплачиваемых женщин своего времени, зарабатывая около 10 000 долларов в год.
За 20 лет работы в компании она разработала более тридцати культовых светильников Tiffany. Вдохновленный частично модерном и частично движением искусств и ремесел, ее первым дизайном был «Нарцисс». На ее лампах Тиффани были замысловатые природные мотивы цветов и насекомых. Со временем они стали символами американской традиции декоративно-прикладного искусства.
Клара Дрисколл для Tiffany Studios, Лампа «Стрекоза» , ок. 1900-1920, Бруклинский музей, Нью-Йорк, США.Однако на протяжении большей части 20-го века коллеги Дрисколла-мужчины получали признание за разработку и создание этих ламп. В 2006 году ученые Мартин Эйдельберг, Нина Грей и Маргарет Хофер обнаружили, что на самом деле именно Дрисколл и ее коллеги, «Девочки Тиффани», разработали и воплотили в жизнь шедевры, известные как «Лампы Тиффани».
Автор New York Times отметил в своем обзоре выставки «Девочки Тиффани», организованной Нью-Йоркским историческим обществом:
(…) во время монтажа выставки некоторые из этих маленьких металлических силуэтов использовались для великолепный абажур из нарциссов все еще лежал в коробке на складском столе.
