Барокко | на торгах аукционного дома
Барокко – целый культурный пласт со второй половины 16 века до первой половины 18 века. Стиль возник в Италии, распространился по Европе и Латинской Америке, а также в других регионах, колонизированных европейцами. Барокко контрастировало с эпохой Возрождения за счет выражения пессимистической, разочарованной, критической и сложной чувствительности. Это связано с тем, что развитие направления пришлось на тревожное время с психологической, культурной, социальной, политической и экономической точек зрения. Но что такое барокко? Как определяется стиль и что его характеризует?
Что такое барокко?
Эффектность, величие, драматизм – основа барокко. Купить на аукционе работы в этом стиле – значит, прикоснуться к эстетике преувеличенной эмоциональности того или иного сюжета. Стиль характеризуется напряженным движением и контрастными деталями, используемыми для создания эффекта драматизма, изобилия и величия.
Развитие барокко было тесно связано с католической церковью, которая поощряла изображение религиозных сцен. Сам термин впервые был использован в середине 18 века в контексте эпохи Просвещения. Первоначально значение «барокко» было взято из древнего португальского языка, так как «барокко» обозначало разновидность жемчуга неправильной формы. В переводе с итальянского «барокко» значит «причудливый».
В эпоху Просвещения иллюминаторы Дидро и Руссо использовали это слово для уничижительного описания искусства того периода, которое они считали странным и сбивающим с толку. Однако более поздняя историография подтвердила эстетическую ценность этого периода.
Характеристики барокко
Стиль можно охарактеризовать латинским выражением horror vacui, что в переводе значит «ужас пустоты». Искусство барокко во всех его проявлениях любит пестрые и витиеватые отделки, которыми оно намерено заполнить все пространство. Для стиля свойственны:
- Динамизм и напряжение. Чувство движения и динамизма – основа барокко.
Это искусство мятежно, оно не ищет покоя, а между формами, звуками, словами или понятиями возникает напряжение. - Изображение внутренних страстей и темпераментов. Барокко уходит от философских предписаний эпохи Возрождения, которые требовали меры и баланса. Скорее, он выбирает изображение страстей и внутренних темпераментов как для каждого персонажа, так и для всего произведения.
- Контрастный поиск. В различных художественных дисциплинах барокко подчеркивает приверженность контрасту, который в пластических искусствах выражается через светотень. Это касается не только живописи, но и архитектуры, скульптуры, музыки и даже литературы.
- Замена абсолютного на относительное. Абсолютное уступает место относительности в соответствии с эпохой, которой не хватало философской, теологической и культурной безопасности. Оно доминирует над порядком восприятия, следствия, поиска ощущений и противоречий над закрытыми принципами.
- Несколько центров. Искусство барокко отличалось тем, что отказалось от идеи работы с одним центральным объектом и обратилось к нескольким центрам. Этот принцип был виден во всех художественных дисциплинах, хотя и адаптирован к их возможностям.
- Эффект незавершенности и несвязности. Из-за наличия нескольких центров барокко способствовало эффекту разобщенности. При просмотре может возникнуть ощущение незавершенной работы, в отличие от картин эпохи Возрождения. Этот вкус к неполноте выражал озабоченность бесконечностью и трансцендентностью.
- Пессимизм и разочарование. В отличие от эпохи Возрождения, в барокко преобладает пессимистическое мышление в ответ на исторический кризис. Драматическое разочарование – один из признаков барокко. Продать на аукционе легкомысленную и оптимистичную картину в этом стиле практически невозможно – жанр окутан мрачностью, и даже в самых позитивных сюжетах есть какая-то глубинная горечь. Этому способствуют и оттенки, и расположение объектов, и темы работ. Особенно ярко это выражается в рамках поджанра ванитас – центром такой живописи обычно служили черепа, а доминирующей была тема скоротечности жизни.
Это искусство мятежно, оно не ищет покоя, а между формами, звуками, словами или понятиями возникает напряжение.
Искусство барокко отличалось тем, что отказалось от идеи работы с одним центральным объектом и обратилось к нескольким центрам. Этот принцип был виден во всех художественных дисциплинах, хотя и адаптирован к их возможностям.
Особенно ярко это выражается в рамках поджанра ванитас – центром такой живописи обычно служили черепа, а доминирующей была тема скоротечности жизни.Если рассматривать детальнее темы, то здесь мы увидим доминирование религиозных, мифологических, исторических сюжетов, которые подаются с большим драматизмом. Предпочтительнее были такие сцены как непорочное зачатие, евхаристия, житие святых и торжество католической церкви. В сюжетах также сквозили намеки на быстротечность времени и разочарование в людях, иногда изображалась суровая реальность повседневной жизни.
Художники и архитекторы отдавали предпочтение теплым цветам, контрастирующим с декоративными вставками золота. Они использовали три основных цвета в непосредственной близости друг от друга, что создавало ощущение очевидности и драматизма. Намерение состояло в том, чтобы дать зрителям что-то интересное, что могло бы удержать внимание, вызвать чувство трепета.
Поскольку художники и архитекторы обычно отдавали предпочтение религиозным или классическим сценам, многие из их работ имели четкую историю или послание.
Они противопоставили темный фон светлым персонажам, чтобы создать ощущение движения и заставить зрителя увидеть задуманную историю. Те же самые характеристики барокко были применены к музыкальным композициям того периода времени, которые всегда имели историю или сообщение для аудитории.
В странах, принявших искусство барокко, были стилистические вариации. Большинство художников и архитекторов Европы использовали этот стиль, но во многих произведениях искусства можно увидеть местное влияние. Например, голландские художники уделяли меньше внимания религиозным или историческим сценам, а больше светским предметам, таким как натюрморты и пейзажи.
Главное отличие живописи в стиле барокко от работ эпохи Возрождения
Одним из основных принципов искусства эпохи Возрождения была стабильность. Даже когда картины изображали динамичную сцену, большая часть ее была неподвижной. Художники использовали узнаваемые формы для структурирования своей работы, так как это помогает создать у зрителя ощущение стабильности.
Если вы когда-нибудь принимали решение купить картины и предметы искусства в стиле барокко, то наверняка обратили внимание на то, что художники барокко применяют другие методы. Они намеренно использовали наклонные линии, чтобы создать ощущение драмы и движения, часто помещая предметы в противоположные положения, чтобы усилить напряжение.
В искусстве эпохи Возрождения художник всегда создавал полный фон для своей картины, даже если он не был особенно подробным. Фон считался таким же важным, как и предмет, и добавлял идеи стабильности. Если объект был расположен на неподвижном фоне, зритель может сказать, что он неподвижен. В картинах в стиле барокко фон обычно просто затемнен. Было ли это потому, что художники считали его неважным или нет, это определенно подчеркивало то, что было предметом картины. Однако эти правила для картин в стиле барокко различаются, и в большинстве стран была собственная устоявшаяся версия стиля.
Развитие барокко
Как и любой другой художественный стиль или движение, барокко постепенно начало терять популярность.
Это случилось в 18 веке. Возможно, этому косвенно поспособствовала Мадам де Помпадур, фаворитка французского короля Людовика XV, возможно. Она отправила нескольких художников и скульпторов в Италию для изучения художественных стилей и моды, и мастера вернулись из поездки с любовью к классическим стилям и техникам.
В результате культурной диффузии барокко постепенно превратилось в рококо. За ними последовало неоклассическое движение, в котором гораздо больше внимания уделялось традиционным идеям и техникам. К 19 веку барокко считалось старомодным, и многие современники критиковали это направление искусства.
Самые известные художники барокко
Рубенс был одним из пионеров движения фламандского барокко, которое отличается особым использованием света и композиции. Рубенс учился в Италии, где на него повлияли как классические произведения, так и современные художники. За свою карьеру он сделал Антверпен одним из художественных центров Европы – мастеру приписывают создание более 1400 работ!
Ван Дейк стал ведущим придворным художником в Англии, и его стиль более века оказывал огромное влияние на английских художников.
Мастер путешествовал по Италии, где и перенял драматический и контрастный стиль барокко. Он писал в стиле фламандского барокко с более приглушенными цветовыми палитрами и светскими сюжетами. При этом он также рисовал религиозные и исторические сцены.
Рембрандт – один из самых известных художников голландского золотого века, который нарисовал множество библейских и мифологических сцен и использовал техники контраста и движения. Хотя не все историки искусства считают его художником эпохи барокко, он определенно использовал методологию барочной живописи.
Вермеер – один из величайших художников 17 века. Как и Рембрандта, Вермеера не всегда считают художником эпохи барокко, в основном из-за отсутствия идеализации в его работах. Одно из направлений его творчества, которое, безусловно, можно назвать барочным, – это использование дорогих пигментов в своих картинах. Он любил использовать лазурит, невероятно дорогой синий пигмент, и его можно было считать штрихом в стиле барокко к его светским картинам.
Караваджо владел мастерством изображения момента величайшей драмы, тонко использовал игру света и тени. В его работах часто встречаются сцены борьбы, пыток и смерти. Его влияние можно увидеть в работах Рубенса, Бернини, Рембрандта и других гениев.
Если вы хотите продать картины и предметы искусства в стиле барокко, «Аукционный дом № 1» станет вашим надежным партнером. В нашем штате опытные искусствоведы, которые оценят работу и помогут сформировать предложение для потенциальных клиентов.
Караваджо, Рембрандт, Веласкес и др: чем в свое время прославились великие художники барокко?
История живописи насчитывает множество столетий, а также стилей, форм и направлений. Однако самым известным и популярным из них было и остается барокко. Живописцы и творцы этой эпохи удивляли своими инновационными идеями, создавали новые направления и работали в интересных и уникальных стилях. Кто же они такие, лучшие представители этой эпохи в мире искусства, и что о них известно?
1.
Караваджо Микеланджело Меризи да Караваджо.Возможно, мы никогда полностью не узнаем тайну самых потрясающих картин эпохи барокко, но взгляд на историю Караваджо раскрывает некоторые из его тайн. Его жизнь была трагична до невозможности. Он рано осиротел, потеряв большую часть семьи в возрасте десяти лет в период чумной эпидемии. А после того, как он стал свидетелем жестокой казни молодой дворянки в 1599 году, он начал рисовать мстящих женщин, отрубающих мужчинам головы.
Микеланджело стал самым известным художником в Риме в 1600 году и породил стиль барокко, а также технику светотени. Но, когда он не писал, то окружал себя ворами, девицами лёгкого поведения, пьянками, гулянками и драками.
Совсем не обязательно быть специалистом по символам и кодам искусства эпохи Возрождения, чтобы заметить насилие в картинах Караваджо. Возможно, он является рекордсменом по количеству изображений с отрубленными головами, а его работы на религиозные темы вызвали гнев Католической Церкви, потому что он использовал путану в качестве модели для Девы Марии.
Караваджо знал, что он удивительный художник, и не стеснялся критиковать своих соперников. Его современник Джованни Бальоне говорил: «Иногда он плохо отзывался о художниках прошлого, а также о современных, какими бы выдающимися они ни были, потому что считал, что он один превзошёл всех других художников в своей профессии».
Около 1600 года в Риме католическая церковь была самым важным источником покровительства для таких художников, как Караваджо. Он без колебаний раздвигал границы искусства, даже если это оскорбляло чувства Церкви. Одним из самых противоречивых ходов художника было использование моделей из самых бедных слоев населения Рима, включая воров, бродяг и проституток.
В 1601 году Микеланджело потерял заказ на создание образа Девы Марии для церкви Санта-Мария-делла-Скала в Риме из-за того, что использовал известную путану в качестве модели для изображения Богоматери.
Его смелые и откровенные религиозные картины были весьма желательны, но также и значительно отличались от прежних стилей изображения святых. Он наслаждался жестокостью мученичества, рисуя несколько различных сцен, связанных с распятием. Некоторым не нравилось то, как художник изображал святых в естественном и человеческом свете. Другие считали его работы нечестивыми и вульгарными.
А когда в 1606 году Караваджо убил человека, он был вынужден бежать из Рима. Папа Римский наложил на его голову смертный приговор, и Караваджо умер четыре года спустя, так и не получив папского помилования.
Святая Екатерина Александрийская.2. Рембрандт
Рембрандт Харменс ван Рейн.Рембрандт был величайшим голландским художником своего времени и одной из самых важных фигур в европейском искусстве.
Многочисленные автопортреты, которые он писал на протяжении всей своей жизни, являются своего рода некой визуальной автобиографией.
Он родился 15 июля 1606 года в Лейдене, в семье владельца мельницы. В 1621 году он начал обучение у местного художника, а в 1624-1625 годах находился в Амстердаме, учась у Питера Ластмана, который побывал в Италии и теперь познакомил молодого художника с международными тенденциями.
Ночной дозор.На протяжении всей своей жизни он искал себя, каждый раз пробуя новые техники и стили. Его карьера то стремительно шла в гору, то катилась в тартарары, оставляя после себе череду проблем и неурядиц, в том числе и банкротство с конфискацией имущества. Но несмотря на чёрную полосу в жизни, он продолжал получать заказы.
Рембрандт интересовался рисованием и офортом, а также живописью, и его гравюры были всемирно известны ещё при его жизни.
Синдики.
На протяжении всей своей карьеры он привлекал учеников, которые также служили ему помощниками. Их работы иногда было весьма трудно отличить от работ самого Рембрандта, так как все они досконально подражали ему.
3. Бернини
Джованни Лоренцо Бернини.Бернини доминировал в римском художественном мире XVII века, процветая под покровительством своих кардиналов и пап, а также бросая вызов современным художественным традициям. Его скульптурные и архитектурные проекты раскрывают новаторскую интерпретацию сюжетов, использование форм и сочетание средств массовой информации. Прокладывая путь будущим художникам, он сыграл важную роль в создании драматического и красноречивого словаря стиля барокко.
Экстаз Святой ТерезыОдин из его шедевров «Экстаз Святой Терезы» (выполненный из разноцветного мрамора) представляет собой мистическую фигуру, физически потрясённую чудесным видением.
При папе Урбане VIII Бернини получил первое из нескольких поручений для Собора Святого Петра — огромный мраморный, бронзовый и позолоченный baldacchino, стоявший над папским алтарём. Вскоре после этого он приступил к созданию памятника Урбану VIII, работы, которая определила иконографию будущих папских погребальных памятников.
В более поздних работах собора Петра, помещённых в апсиду, чтобы окружить древний Трон, который, как полагают, принадлежал святому Петру, естественный свет усиливается рассеянными золотыми лучами, создавая Божественную обстановку, и священное произведение сразу же захватывает внимание зрителя.
Последней работой Бернини для церкви Святого Петра, начатой при папе Александре VII, был проект гигантской площади, ведущей к церкви. Сам он сравнивал овальное пространство, очерченное двумя отдельно стоящими колоннадами, с матерью-церковью, протягивающей руки, чтобы обнять верующих.
Он также продемонстрировал свои способности архитектора в церкви Сант-Андреа-Аль-Квиринале, а инженерные навыки помогли ему при создании фонтанов.
Фонтан Треви.4. Веласкес
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес.Творчество Веласкеса широко рассматривается как наиболее совершенное изображение испанского барокко. Там, где акцент смещается с ренессансных черт яркого света и математической перспективы, барокко отдаёт предпочтение сущности человечества, показывая вещи так, как их следует видеть.
Этот эффект часто применялся Веласкесом. Фрейлины.Его раннее обучение в качестве ученика Пачеко дало ему основу в итальянском реализме, который стал главной чертой его искусства. По мере того как его художественный стиль становился всё более самостоятельным, он всё больше склонялся к натуралистическому взгляду на вещи, например, в «Богоявлении» он воссоздаёт эту знаменитую сцену с членами своей собственной семьи в противовес традиционной Марии и Иисусу. Это служит универсализации сцены, делая её актуальной для каждой семьи.
Во время путешествий Веласкеса по Италии он находился под сильным влиянием великих мастеров Венеции, и это стало особенно заметно в его использовании цвета. Знаменитые «Фрейлины» и «Сдача Бреды» являются хорошими примерами этого. Последняя картина попала в тронный зал короля Филиппа IV, где праздновались его военные победы.
Картина настолько трогательна, что Веласкес сосредоточился на человеческом чувстве, а не на кровопролитии и агрессии войны. Лицо испанского командира Спинолы наполняется состраданием, когда голландский Форт наконец сдаётся после четырёхмесячной осады.
Он включил себя во многие свои картины, особенно более поздние. Это подчёркивает неразрывную связь художника с его творчеством, а также намекает на то, что Веласкес видел себя довольно возвышенной фигурой, а не скромным художником.
Он работал при королевском дворе, создавая портреты короля и его семьи, а его выбор рисовать придворных шутов и карликов способствовал дальнейшему изучению человеческой формы. «Карлик, сидящий на полу» — хороший пример того, как Веласкес доказал, что каждый достоин быть нарисованным.
Слева: карлик Франциско Лезано. \ Справа: Карлик, сидящий на полу.5. Рубенс
Питер Пауль Рубенс.Рубенс родился в немецком городе Зиген, в Вестфалии.
Его отец, Ян Рубенс, адвокат и олдермен Антверпена, бежал из Испанских Нидерландов (современная Бельгия) в 1568 году вместе со своей женой Марией Пипелинкс и четырьмя детьми, чтобы избежать религиозных преследований за свои кальвинистские убеждения.
После смерти Яна в 1587 году семья вернулась в Антверпен, где юный Питер Пауль, воспитанный в римско-католической вере своей матери, получил классическое образование. Его художественное образование началось в 1591 году с ученичества у Тобиаса Верхехта, родственника и пейзажиста со скромным талантом. Год спустя он перешёл в мастерскую Адама Ван Норта, где оставался в течение четырёх лет, пока не стал учеником ведущего художника Антверпена Отто ван Вина, декана Гильдии художников Святого Луки.
Деревенский праздник.Большинство юношеских работ Рубенса исчезли или остались неопознанными. В 1598 году Рубенс был принят в гильдию художников в Антверпене. Вероятно, он продолжал работать в мастерской Ван Вина, прежде чем в мае 1600 года отправиться в Италию.
В Венеции он впитал в себя яркость и драматическую выразительность ренессансных шедевров Тициана, Тинторетто и Веронезе. Нанятый Винченцо I Гонзагой, герцогом Мантуанским, Рубенс отправился в Мантую, где его главной обязанностью было делать копии картин эпохи Возрождения, главным образом портретов придворных красавиц.
В октябре того же года Пауль сопровождал герцога во Флоренцию, чтобы присутствовать на свадьбе сестры Гонзаги Марии де Медичи с королём Франции Генрихом IV, сцену, которую Рубенс должен был воссоздать четверть века спустя для королевы. К концу первого года он уже путешествовал по всей Италии с этюдником в руках. Сделанные им копии картин эпохи Возрождения дают богатый обзор достижений итальянского искусства XVI века.
В августе 1601 года Рубенс прибыл в Рим. Там новый стиль барокко, провозглашённый Аннибале Карраччи и Караваджо, Микеланджело и Рафаэлем был быстро усвоен Рубенсом. Его первая крупная римская работа была связана с тремя большими картинами для часовни-склепа Святой Елены в базилике Санта-Кроче.
Рубенс жаловался, что он самый занятой и измученный человек в мире, но продолжал принимать важные церковные поручения. Его «Поклонение волхвов» для аббатства Святого Михаила было увенчано тремя монументальными скульптурами его собственного дизайна.
Ко всему прочему, художник не пренебрегал частными покровителями и заказами. Он мастерски изобразил своего врача и друга Людовика Нонниуса, свою будущую невестку Сюзанну Фурмент и своих сыновей Альберта и Николая. Его пейзаж с Филимоном и Бавкидой раскрывает в поэтическом ключе его героический и катастрофический взгляд на природу. А инфанта Изабелла заказала у Рубенса обширный цикл гобеленов «Триумф Евхаристии», представляющий собой беспрецедентное проявление барочного иллюзионизма.
Триумф Евхаристии.Что уж говорить, а искусство на протяжении веков было, есть и будет бесценным.
И совсем неудивительно, что в мире полным-полно желающих, готовых заполучить в свою коллекцию ту или иную картину (чаще всего незаконным путём). Кто-то идёт на преступление ради денег, а кто-то попросту пытается потешить своё самолюбие и совершая дерзкие кражи, уносит картины из-под носа охраны, не оставляя при этом никаких следов.
8 Художники эпохи Возрождения и Барокко
Микеланджело, Леонардо, Тициан, Караваджо, список можно продолжить… Им посвящены музеи. Фильмы и документальные фильмы изображают их. Историки искусства всю жизнь отслеживают свои шаги и художественные коды. Они увековечены на страницах многочисленных книг. Их таланты заслуженно отмечены, но, к сожалению, многие художники слишком долго остаются позади. Проблема репрезентации постоянно возникает в истории искусства. Сюда входят многие художницы эпохи Возрождения и барокко. В связи с этим Artsper выделил карьеры и таланты 8 женщин-художников эпохи Возрождения и барокко!
1.
Катарина или Катерина ван Хемессен (1528-1565) Катерина ван Хемессен, Автопортрет , 1548 © Kunstmuseum Baselдочери художников. Так обстоит дело с Катариной ван Хемессен, ключевой художницей 16-го века. Ее отец, Ян Сандерс ван Хемсессен, был выдающимся художником в Антверпене. Ван Хемессен, известный своим маньеристским стилем, сосредоточился в основном на религиозных сюжетах. Хотя изначально именно отец вдохновил ее художественное любопытство, Катерину ван Хемессен интересовали и другие живописные темы. Умение передавать тонкие качества окружающих создало идеальную основу для того, чтобы ван Хемессен стал художником-портретистом.
Ее таланты получили признание среди высших слоев общества. На самом деле она даже попалась на глаза Марии Австрийской, которая предложила ван Хемессену переехать из Нидерландов к ее королевскому двору в Испанию. После смерти Марии Австрийской ван Хемессен получил пожизненный дар. В своем автопортрете ван Хемессен торжественно сидит в скромной одежде на мрачном фоне.
Считается, что ван Хемессен — первый художник любого пола, нарисовавший автопортрет за мольбертом. Помимо этого замечательного подвига, она хотела, чтобы ее запомнили не только как женщину, страстно любившую и увлеченную искусством, но и как настоящего работающего художника. Это видно из надписи на картине: «Я, Катерина ван Хемессен, нарисовала себя / 1548 / Здесь в возрасте 20 лет».
2. Софонисба Ангвиссола (1532-1625)
Софонисба Ангвиссола, Selt-Portrait , 1554 © Художественно-исторический музей При анализе канона истории искусства Софонисба Ангвиссола является одной из немногих женщин-художников эпохи Возрождения, добившихся международного признания. Родившись в аристократической семье на севере Италии, Ангвиссола была вундеркиндом итальянского Возрождения. Благодаря богатству и связям своей семьи Ангвиссола смогла войти в число самых просвещенных культурных и художественных умов Европы того времени. Из-за этого ее талант привлек внимание многих мастеров того периода; таких как Микеланджело, Ван Дейк и Вазари.
Ей даже была предоставлена возможность стать учеником художника, что в то время было редкостью для женщины. Ангвиссолу сделали фрейлиной при дворе Филиппа II, короля Испании. За годы своего пребывания при дворе она использовала свои художественные способности, рисуя высшие слои испанского общества, включая королевскую семью и самого короля.
3. Лавиния Фонтана (1552-1614)
Лавиния Фонтана, Одевание Минервы , 1613 © Galleria Borghese Родившаяся в Болонье, Италия, Лавиния Фонтана глубоко укоренилась в стиле маньеризма в живописи. Историки искусства приписывают ей первую профессиональную художницу в истории искусства. Помимо этого невероятного достижения, также считается, что Фонтана была первой художницей, нарисовавшей обнаженных женщин. Она была первой художницей, которая использовала живые модели для вдохновения. Помимо интереса к женской форме, Фонтана уделяла большое внимание мифологическим и религиозным сценам. В конце концов она была введена в Академию Сан-Лука в Риме Папой Климентом VIII.
Благодаря этому историческому достижению ей и ее семье выпала честь переехать в Рим. Фонтана получила ряд наград за свою блестящую карьеру, что повлияло на ход истории искусства.
4. Артемизия Джентилески (1593–1654)
Артемизия Джентилески, Юдифь, убивающая Олоферна , 1612–1613 © Museo Capodimonte узнаваемый и знаменитый художницы этого периода. Следуя по стопам своего отца, Орацио Джентилески, Джентилески была очарована стилем и мастерством Караваджо. Джентилески известна своими яркими и жестокими сценами. Во время обучения в Риме учитель рисования Джентилески подверг ее сексуальному насилию, что, в свою очередь, вызвало ярость художника при воспроизведении многих ее картин. Джентилески пришлось пережить не только травму, полученную в результате сексуального насилия, но и постоянный позор публичного суда. Она использовала свои холсты как сосуд, чтобы избавиться от своих травм, боли и страданий. Джентилески сосредоточился в первую очередь на женщинах в аллегорических образах, часто изображая сильных женщин посреди их личных страданий.
Карьера Джентилески насчитывает более четырех десятилетий, и ее таланты не остались незамеченными. Среди ее покровителей были члены дома Медичи и король Англии Карл I. Хотя ее таланты были признаны в свое время, столетия спустя историки искусства спорили о том, кто же является истинным художником, стоящим за ее работами. Те, кто сомневался, утверждали, что картины Джентилески были слишком жестокими, чтобы быть написанными «тонкой» рукой художницы. Многие считали, что ее отец был истинным вдохновителем ее работ. К счастью, с тех пор эта теория была дискредитирована. Мир продолжает проливать свет на замечательную работу Джентилески.
5. Джованна Гарцони (1600-1670)
Джованна Гарцони, Натюрморт с чашей цитронов , 1640 © Музей Дж. Пола Гетти Джованна Гарцони, известная своими изящными акварельными рисунками, заинтересовалась множеством сюжетов. имеет значение. В частности, растения, овощи, животные и портреты. Помимо этого, она посвятила много работ религиозной, аллегорической и мифологической тематике.
Некоторые подробности ее жизни остаются неясными, если не неизвестными. Однако искусствоведы могут подтвердить, что Гарцони рисовал и путешествовал по всей современной Италии, включая Венецию, Неаполь, Рим, Турин и Флоренцию. Она даже выехала за пределы Италии, найдя дорогу в Париж, что в то время требовало долгого путешествия.
6. Джудит Лейстер (1609-1660)
Джудит Лейстер, Автопортрет , 1633 © Национальная художественная галерея Выдающейся художницей Золотого века Голландии была Джудит Лейстер. На самом деле, она была одной из первых женщин-художников, получивших допуск в Харлемскую гильдию Святого Луки. Помимо впечатляющего школьного образования, Лейстер была одарена способностью создавать множество стилей живописи. Однако на протяжении веков, как и в случае со многими другими художницами, работы Лейстер неправильно атрибуции. Многие искусствоведы считали, что Франс Хальс или ее муж, художник Ян Миенсе Моленар, приложил руку к ее картинам. Благодаря обнаружению монограммы, ее художественной подписи, многие из ее работ с тех пор были правильно переатрибутированы.
Пожалуй, самая известная ее работа — « Автопортрет ». Картина излучает уверенность в своих способностях и растущую популярность среди голландского академического живописного сообщества того времени. Она изображает себя сидящей у холста в прекрасной одежде. Она представляет себя в процессе рисования скрипача, но в этот момент она отводит взгляд от картины, чтобы взаимодействовать со зрителем. Ее автопортрет и по сей день остается одной из самых знаменитых картин голландского Золотого века.
7. Мэри Бил (1633–1699)
Мэри Бил, Король Карл II , 1675 © Национальная портретная галерея Мэри Бил известна миру истории искусств как одна из первых профессиональных художниц в Англии. Благодаря своим работам и потоку продаж Бил смогла поддержать свою семью, полагаясь исключительно на свои работы и уроки искусства как на постоянную профессию. Она была известна своими портретами. Ее талант получил признание среди знати английского общества, привлекая многих покровителей из двора короля Карла II.
Бизнес Бил как художника укрепился благодаря поддержке мужа. На самом деле Чарльз, ее муж, был ее деловым партнером и отвечал за бухгалтерию. Он записал ее повседневную деятельность, что дало искусствоведам особое представление об их деловой практике и мире Бил как женщины-художницы в то время.
8. Элизабетта Сирани (1638-1665)
Элизабетта Сирани, Порция Ранила Бедро , 1664 © Miles and Marilyn Ross Miles Foundation Хотя она дожила до 27 лет, Элизабетта Сирани добилась больших успехов во время своей короткой, но плодотворная карьера. Как и другие художницы того времени, Сирани родилась в артистической семье. Ее отец сам был художником, но к тому времени, когда Сирани была еще подростком, она уже превзошла его в плане художественных способностей. Начиная с 19 лет, Сирани решила финансово поддержать свою семью через заказы на произведения искусства. Ее известность начала расти по всей Болонье, привлекая внимание великого герцога Козимо III Медичи, покровителя искусств.
Ее картины можно охарактеризовать как яркие. Сирани нравилось рисовать аллегорические или библейские сцены, в большинстве из которых фигурируют женские персонажи. С точки зрения стиля, ее работы отражают период барокко, подчеркивая интенсивный контраст светлого и темного, известный как светотень. В конце концов Сирани создала собственную школу, стремясь обучать и развивать других художниц по всей Болонье. Вскоре после этого она загадочно умерла в возрасте 27 лет. Причина смерти Сирани до сих пор остается загадкой и источником исторических споров. Хотя ее жизнь была короткой, ее влияние было огромным.
Устойчивое влияние женщин-художников…
Отсутствие женщин-художников на протяжении всей истории искусства остается распространенной проблемой и по сей день. Хотя это только 8 влиятельных художниц, есть еще много других, которые можно открыть и оценить. Чтобы узнать больше о художниках, меняющих мир, ознакомьтесь с подборкой художников-женщин от Artsper.
6 3382
Европейские мастера и их шедевры
Содержание
Toggle Когда мы думаем о таких известных произведениях искусства, как «Экстаз святой Терезы Бернини», «Похищение сабинянок» Николя Пуссена или «Призвание святого Матфея Караваджо» , мы немедленно катапультируемся в театральные сцены, способные передавать мощные религиозные и политические идеи.
Эти знаменитые картины в стиле барокко — лишь несколько примеров шедевров, появившихся в этот период. В этой статье мы углубимся в жизнь и творчество некоторых из величайших художников эпохи барокко.
Но перед этим нам нужно понять, что такое Барокко.
Термином барокко мы обозначаем доминирующий стиль в искусстве и архитектуре семнадцатого века, примерно между 1580-ми годами и первыми годами восемнадцатого века. Стиль барокко развился из маньеризма, начиная с католической контрреформации, начатой папой Павлом III, чтобы ограничить распространение протестантизма и укрепить господство католической церкви. В этом контексте изобразительное искусство стало мощным инструментом, используемым католической церковью в качестве средства пропаганды. Искусство должно было следовать священным писаниям, чтобы избежать каких-либо ошибок, а епископы должны были следить за тем, чтобы определенное содержание было исключено из религиозного искусства. Таким образом, барокко по сравнению с маньеризмом было менее двусмысленным и более благоприятным для церкви.
Стиль барокко зародился в Риме и быстро распространился по Европе.
Термин барокко происходит от португальского слова barroco, которое используется для описания жемчуга неправильной формы. К 18 веку этот термин стал обозначать эксцентричное и причудливое и использовался для описания этого искусства в уничижительном смысле. До конца 19 века искусство барокко фактически воспринималось как декадентское, главным образом из-за его характеристик, таких как сильные контрасты светлого и темного, смелый реализм, искаженные позы, акцент на орнаменте и в целом его театральность.
Искусство барокко является не только искусством Контрреформации, но и содержит в себе очень разнообразные и порой противоречивые тенденции; поэтому вы заметите, что искусство, созданное одними художниками, может сильно отличаться от других и может быть представлено в различных формах, таких как мифические и исторические сюжеты, портреты, пейзажи и библейские сцены.
Эта статья посвящена избранным художникам, представляющим целый ряд различных стилей, национальностей и сред, и показывает, что искусство барокко нельзя описать как однозначный художественный подход, но как набор художественных движений в Европе.
Давайте погрузимся в мир искусства барокко, начав с некоторых художников, работавших в Италии, особенно в Риме — родине искусства барокко.
Джан Лоренцо Бернини (1598 – 1680): выдающийся скульптор эпохи барокко
Искусство барокко не ограничивается живописью, но также включает в себя скульптуру и архитектуру, и одним из самых талантливых художников-универсалов того периода, безусловно, является Джан Лоренцо Бернини.
Бернини родился в Неаполе 7 декабря 159 г.8, флорентийскому скульптору Пьетро Бернини и неаполитанке Анжелике Галанте. Он научился искусству скульптуры у своего отца, который переехал в Рим около 1605 года. Некоторые из самых ранних работ Бернини были созданы в сотрудничестве с его отцом.
Автопортрет Джанлоренцо Бернини (1623 г.), Wikimedia Commons Искусство барокко не ограничивается картинами, но также охватывает скульптуру и архитектуру, и одним из самых талантливых художников-универсалов того периода, безусловно, является Джан Лоренцо Бернини.
Бернини родился в Неаполе 7 декабря 1598 года в семье флорентийского скульптора Пьетро Бернини и неаполитанки Анжелики Галанте. Он научился искусству скульптуры у своего отца, который переехал в Рим около 1605 года. Некоторые из самых ранних работ Бернини были созданы в сотрудничестве с его отцом.
Кардинал Шипионе Боргезе, племянник Папы Павла V, поддерживал Бернини в начале его карьеры и стал его первым покровителем, заказав такие работы, как Давид (1623–1624) и Аполлон и Дафна (1622–24). На протяжении всей своей карьеры Бернини был тесно связан с заказами папства. Он работал на папу Урбана VIII и его преемников, которые наняли его не только для украшения города, его церквей и дворцов, но и для их строительства. После смерти Урбана VIII и избрания Иннокентия X семья Барберини потеряла популярность, и на короткое время Бернини тоже. Этот период свободы от папских поручений привел Бернини к созданию своего шедевра зрелости «Экстаз святой Терезы» (1645–1652).
После примирения с папством архитектурная деятельность Бернини участилась.
С этого времени искусство Бернини доминировало в Риме, и художники находились под его сильным влиянием. Его слава вскоре распространилась по Европе, привлекая заказы от важных и могущественных покровителей, таких как король Англии Карл I, кардинал Ришелье и премьер-министр Франции Людовик XIII, Людовик XIV.
Бернини умер в 1680 году, незадолго до своего 82-летия.
Некоторые из его самых известных работ включают следующее:
- Аполлон и Дафна
- Экстаз Святой Терезы
- Фонтан Четырех Рек
«Экстаз святой Терезы» Бернини олицетворяет идеалы искусства барокко с его акцентом на эмоции, драматизм и театральность.
Бернини оказал глубокое влияние на художников своего времени и не только, таких как французский скульптор Жан-Батист Пигаль и итальянец Антонио Канова, которые использовали подход Бернини к искусству, используя движение и динамические композиции в своих скульптурах.
Караваджо (1571-1610): итальянский художник-революционер
Микеланджело Меризи да Караваджо, более известный как просто Караваджо, был художником, прожившим бурную и короткую жизнь. Он получил образование художника в Милане у Симоне Петерцано и большую часть своей творческой жизни провел в Риме. Последние годы своей жизни он провел в изгнании из Рима, между Неаполем, Мальтой и Сицилией, и умер в возрасте 38 лет. Несмотря на свою короткую жизнь, Караваджо был одним из самых революционных художников Европы.
Его картины в основном представляли религиозные сюжеты, но с новаторским подходом, часто изображая модели, приходящие с улиц, что часто вызывало споры, особенно с Церковью.
Некоторые из наиболее известных работ Караваджо включают: 0118 Призвание Святой Матфей, Микеланджело Меризи да Караваджо (159 г.9-1600), Wikimedia Commons
«Призвание святого Матфея» — прекрасный пример стиля Караваджо и использования им светотени, одной из характерных черт художника. Картина была закончена в 1600 году для капеллы Контарелли в Риме и изображает момент, когда Иисус призывает Матфея, сборщика налогов, стать одним из его учеников. Это произведение также является хорошим примером того, как Караваджо рисовал фигуры как обычных людей без идеализации.
Несмотря на противоречивую жизнь, художественное наследие Караваджо неоспоримо: он оказал глубокое влияние на других художников своего времени, таких как Бартоломео Манфреди, Орацио Джентилески и Артемизия Джентилески. Многие были стилистами-последователями Караваджо, которых называли «караваджистами» или «караваджами».
Влияние Караваджо распространилось за пределы Рима и повлияло на художников из других стран, таких как голландец Геррит ван Хонтхорст, испанец Хусепе де Рибера и Сурбаран.
Артемизия Джентилески (1593–1653): выдающаяся художница
Артемизия Джентилески — одна из выдающихся художниц 17 века, работавшая в основном в Италии, но также и в Лондоне, где она работала на различных покровителей, включая Филиппа IV Испания.
Артемизия родилась в Риме и была дочерью Пруденции ди Монтоне и тосканского художника Орацио Джентилески (1563-1639).). Когда Артемизии было всего 12 лет, ее мать скончалась, оставив ее заботиться о трех младших братьях и сестрах, а также начала свое художественное обучение в студии отца.
Автопортрет в образе святой Екатерины Александрийской, Артемизия Джентилески (1616 г.), Wikimedia Commons В 1611 году юная Артемизия была изнасилована художником Агостино Тасси, который затем был изгнан из Рима после суда. После этого травматического опыта Артемизия вышла замуж за флорентийского художника Пьерантонио ди Винченцо Стиаттези и вскоре переехала с ним во Флоренцию, где стала матерью пятерых детей, а также известной независимой художницей.
В 1620 году Артемизия вернулась в Рим и прожила там следующие 10 лет, прежде чем переехать в Неаполь, где открыла собственную студию.
Артемизия Джентилески известна своими драматическими и сильными картинами, на которых женщины часто изображались как героини или жертвы. Вот три из ее самых важных картин:
- Юдифь, убивающая Олоферна
- Мадонна с младенцем
- Сусанна и старцы
Картина Артемизии Джентилески «Юдифь, убивающая Олоферна». — картина маслом на холсте, созданная в 1612-1613 годах и считающаяся одним из шедевров Артемизии. Сцена представляет момент, когда Юдифь обезглавливает ассирийского полководца Олоферна, и показывает расширение прав и возможностей женщин. Есть две версии картины: одна в Национальном музее Каподимонте, а другая в галерее Уффици во Флоренции.
Питер Пауль Рубенс (1577–1640): фламандский художник и дипломат
Питер Пауль Рубенс родился в Зигене, Германия, но переехал в Антверпен в возрасте 10 лет.
графиня. Несмотря на эту престижную работу, он начал учиться на художника. Когда его обучение закончилось, он отправился в Италию и Испанию. Он жил и работал там до 1608 года, когда услышал, что его мать умирает, и решил вернуться в Антверпен. Год спустя он стал придворным художником эрцгерцога Альберта и его жены Изабеллы, которые управляли Южными Нидерландами из Брюсселя от имени Испании. Он начал работать на них, но решил не покидать Антверпен. В конце 1620-х годов Рубенс был не только художником, но и дипломатом, сыграв решающую роль в мирных переговорах между Англией и Испанией.
Ему нравилось работать в больших масштабах с помощью многих помощников, и его основным бизнесом были запрестольные образы, поставляемые в церкви Антверпена. Он создал огромное количество произведений искусства, в том числе пейзажи, портреты, мифологические и религиозные сцены.
Он скончался в 1640 году, оставив после себя пятерых детей и значительную коллекцию произведений искусства.
Вот некоторые из наиболее важных работ Питера Пауля Рубенса:
- Четыре континента
- Сад любви
- Три грации
Картина под названием «Четыре континента» — шедевр, отражающий исключительное мастерство Рубена. Он был создан в 1615 году и сегодня находится в Художественно-историческом музее в Вене. На картине изображены четыре женские фигуры, каждая из которых представляет один континент: Европу, Азию, Африку и Америку. Каждая фигура изображена с различными физическими чертами и одеждой, отражающей культурные особенности соответствующих континентов. Картина является отражением преобладающего мировоззрения того времени, когда европейцы считали себя центром мира. «Четыре континента» также демонстрируют художественные способности Рубенса.
Его искусство, характеризующееся динамичными композициями и яркими цветами, оказало влияние на таких художников, как Ватто, Буше, Фрагонар, Рейнольдс, Жерико и Делакруа.
Якоб Йорданс и Ван Дейк в Антверпене были одними из первых значительных художников, откликнувшихся на работы Рубенса.
Диего Веласкес (1599–1660): испанский художник-индивидуалист
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес родился в Севилье в 1599 году и считается одним из самых выдающихся художников Испании 17 века. Его карьера началась очень рано, когда он был учеником художника Франсиско Эрреры, а затем учился у Франсиско Пачеко, художника, известного своими маньеристскими картинами с религиозной иконографией, которые строго следовали предписаниям инквизиции.
Автопортрет, Диего Веласкес (1645 г.), Wikimedia Commons После заказа портрета короля Филиппа IV в 1623 г. Веласкес начал свою карьеру при дворе Мадрида, где он стал официальным художником короля, а затем служил для остальных своей жизни, поднимаясь по служебной лестнице придворной иерархии. В основном он писал портреты дворян и простолюдинов, а также религиозные и мифологические сцены, пейзажи и натюрморты.
В течение своей карьеры Веласкес работал почти исключительно на короля, поэтому его работы не были видны публике до войны Наполеона на полуострове (1808-1814 гг.), когда некоторые из его работ были распространены в Северной Европе, что привело к глубокому влиянию Веласкеса о художниках девятнадцатого века.
Некоторые из его наиболее известных работ:
- Менины
- Сдача Бреды
- Портрет Папы Иннокентия X
Диего Веласкес был очень влиятельным художником эпохи барокко, и его влияние ощущали многие художники в разные периоды.
Первый — Франсиско Гойя, чьи работы имеют сходство в предмете и натуралистическом подходе к живописи.
Николя Пуссен (1594–1665): основоположник французской классической традиции
Николя Пуссен считается одним из величайших представителей барочного классицизма. Он родился в Нормандии в 1594 году, учился у художника Квентина Варена, а затем в 1612 году переехал в Париж, где жил до 1623 года. Здесь он работал в мастерских художников Жоржа Лальмана и Фердинанда Элле.
Автопортрет, Николя Пуссен (1650 г.), Wikimedia Commons К 1624 г. он добрался до Рима, где провел большую часть своей жизни. После долгих экспериментов он начал укреплять свое положение в Риме, особенно после того, как в 1632 году его назначили членом Академии Сан-Лука. Фактически, через короткое время он получил заказ от французского кардинала Ришелье на серию вакханок. В то же время Пуссен получал заказы от Франческо Барберини. Примерно в то же время Пуссен был вынужден вернуться во Францию и стал первым художником короля Людовика XIII, отвечая за украшение всех королевских резиденций, особенно Большой галереи Лувра.
Пуссен хотел вернуться в Рим, и когда Людовик XIII умер в 1643 году, он смог там остаться.
Во второй половине своей карьеры он работал в основном на французских покровителей. В последние годы своей творческой жизни он сосредоточился на пейзажах — жанре, уже исследованном художником в течение его карьеры. В основном он рисовал мифологические сюжеты в теплых и светлых тонах.
Некоторые из его самых известных работ включают:
- Смерть Германика
- Похищение сабинянок
- Триумф Пана
Триумф Пана — одна из многих мифологических сцен, изображенных Пуссеном в течение его творческой карьеры. Эта картина, в частности, была написана в 1636 году, и сегодня ее можно увидеть в Национальной галерее в Лондоне. На нем изображена сцена из греческой мифологии: греческий бог Пан, известный своей связью с природой, музыкой и плодородием, изображен вместе с группой других мифологических персонажей.
Эта картина является одной из самых известных работ Пуссена благодаря сбалансированной композиции и ярким цветам, создающим ощущение движения. На протяжении многих лет ученые по-разному интерпретировали эту картину; одни видят в нем торжество природы, другие видят в нем торжество жизни над смертью.
Влияние Пуссена на других художников было значительным, особенно с точки зрения гармоничной и сбалансированной композиции. Жак-Луи Давид и Жан-Огюст-Доминик Энгр — два примера более поздних художников, вдохновленных акцентом Пуссена на важности композиции и изображении классических тем.
Заключение
Пуссен, Караваджо, Артемизия Джентилески, Бернини, Веласкес, Рубенс считаются «барочными» художниками, но, как оказалось, этот термин не однозначен. У каждого художника был уникальный стиль и подход к искусству, которые повлияли на других художников, дав жизнь нескольким художественным направлениям в барокко. Караваджо и Бернини были известны своим драматическим и реалистичным стилем, учитывая массовое использование светотени.
