Художнику нужно знать что: Что нужно знать, чтобы хорошо рисовать?

Успешные художники знают, что они должны быть организованными, чтобы продвигаться вперед.

Часто художники пытаются выйти из этого, говоря что-то вроде «Я художник, а не деловой человек» или «Я плохо разбираюсь в технологиях.Кори Хафф, создатель «Изобильного художника», говорит: «Это оправдание того, что вы слишком ленивы, чтобы научиться базовым навыкам, необходимым для ведения арт-бизнеса».

Организованность не только снижает стресс, связанный с художественной карьерой, но и помогает вам показать себя профессионально.

Знание того, где находятся ваши работы, кому вы продали каждое произведение, и как быстро получить любую важную информацию — жизненно важная часть достижения успеха в качестве художника.Практически невозможно сосредоточиться на создании текущей работы, если вы постоянно ищете информацию.

Очень часто художники случайно продают в Интернете произведение, которое также находится в галерее, только потому, что у них не было системы.

Вот почему в Artwork Archive мы создаем инструменты, необходимые художникам, чтобы избавить их от хаоса в своей художественной карьере. Инвентаризация, бизнес-отчеты, поставки и счета-фактуры, планирование, контакты, отслеживание и многое другое.

Все, что нужно знать любому художнику о том, как оценивать свои произведения искусства

Как любой художник может выставить цену на свои произведения для продажи

Цена на искусство отличается от создания искусства; это то, что вы делаете со своим искусством после того, как оно создано, когда оно готово покинуть вашу студию и быть продано вами лично или через галерею, на художественной ярмарке, в Интернете, в открытых студиях, через агента или представителя, где угодно. Создание искусства — это индивидуальный личный творческий процесс, опыт, который приходит изнутри; ценообразование на продажу искусства — это то, что происходит снаружи, в реальном мире, где вещи покупаются и продаются за деньги, и где рыночные силы в значительной степени диктуют, сколько эти вещи стоят.

Чем лучше вы понимаете, как работает рынок искусства и где ваше искусство вписывается в общую картину всего искусства всех художников, которые продаются во всех местах, где продаются произведения искусства, тем лучше вы подготовлены к тому, чтобы оценивать и продавать ваше искусство. Как и любой другой продукт, искусство оценивается в соответствии с определенными критериями — критериями искусства — и эти критерии больше связаны с тем, что происходит на рынке, чем с вами как художником. Они о том, как люди в мире искусства — такие люди, как дилеры, галереи, агенты, издатели, аукционные дома, оценщики, покупатели и коллекционеры — оценивают искусство в долларах.У вас есть представление о том, сколько стоит ваше искусство, у рынка есть представление о том, сколько стоит ваше искусство, и каким-то образом вам двоим нужно согласовать ценовую структуру, которая имеет смысл.

Давайте возьмем неискусственный пример того, как рыночные силы диктуют цены. Предположим, вы видите подержанную Toyota Corolla 2001 года выпуска с пробегом 180 000 миль, выставленную на продажу по цене 45 000 долларов. Владелец, вероятно, не собирается продавать эту машину. Чтобы продать подержанную Toyota Corolla с большим пробегом, вы должны установить цену в соответствии с определенными критериями, критериями подержанного автомобиля.Точно так же, чтобы продавать искусство, вы должны оценивать его в соответствии с критериями искусства. Изучение этих художественных критериев и понимание того, как они применимы к вам, имеют важное значение для успешной оценки вашего искусства.

Цены на искусство не на пустом месте. Когда вы оцениваете свое искусство, вы должны быть в состоянии показать, что ваши цены имеют смысл, что они справедливы и оправданы по отношению к определенным критериям искусства, таким как глубина вашего резюме, ваша предыдущая история продаж и особенности рынка, на котором Вы продаете.Люди, которые что-то знают об искусстве и которые заинтересованы в покупке, продаже или представлении ваших работ, так или иначе поймут, не обязательно спрашивая вас, стоит ли ваше искусство того, о чем вы просите. Чтобы продавать, вы должны продемонстрировать и убедить их, что ваши цены справедливы и разумны. Если вы не можете этого сделать, вам будет трудно продавать вообще какое-либо искусство.

Итак, с чего начать? Если у вас нет последовательной истории продаж своего искусства в определенном ценовом диапазоне или на определенном рынке, или ваши продажи нестабильны, или вы вносите изменения, или просто не знаете, сколько взимать по какой-либо причине , хороший первый шаг — использовать методы, аналогичные тем, которые используют агенты по недвижимости для определения стоимости домов.Цена продажи дома, который только что выходит на рынок, основывается на так называемых «сопоставимых» или «компромиссных» ценах, по которым продаются аналогичные дома в том же районе — критериях недвижимости.

Например, возьмем красивый большой особняк и снесем его в хорошей части Беверли-Хиллз. Это будет стоить, может быть, пять, может быть, десять, может быть, сорок миллионов долларов. А теперь давайте шлепнем его на равнину Северной Дакоты. Это будет стоить, может быть, 500000 долларов, может быть, 1000000 долларов или, может быть, немного больше… Макс. Тот же особняк; другое соседство; разные критерии; разные цены. Возьми?

Видите ли, вы не можете оценивать свое искусство в вакууме; вы должны учитывать его «соседство», его контекст, «художественные критерии», которые связывают его с остальным миром искусства. Вы обнаружите, что независимо от того, на каком рынке вы продаете, будь то местный, региональный, национальный или международный, по большей части, каждый вид искусства каждого типа художника имеет свою собственную структуру цен, включая вашу. Теперь вы можете подумать: «Но мое искусство уникально.Вы не можете так оценивать искусство ». Да, оно уникально, но то же самое и каждый дом в любом районе. Независимо от того, насколько уникально ваше искусство, оно также в некоторых отношениях похоже на искусство других художников — точно так же, как один дом похожи на другие (у них обоих определенное количество комнат, площадь в квадратных метрах и т. д.).

Вот несколько причин, по которым ваше искусство может быть похоже на другое — оно может быть схожим по размеру, форме, материалу, весу, предмету, цвету, времени, которое вам понадобится на его создание, когда оно было создано, как долго вы занимаетесь этим видом искусства, сколько вы сделали, какой это вид искусства (абстрактное, репрезентативное, концептуальное и т. д.), кто ваша аудитория и так далее. Ваша задача — изучить и узнать свой рынок, быть непредвзятым, найти это похожее искусство, найти художников, которые его создают, сосредоточиться на тех, у кого такой же опыт и квалификация, как у вас, и посмотреть, сколько они берут за свое искусство и Почему.

Для тех из вас, у кого мало или совсем нет опыта продаж, кто не продавал много произведений искусства, хорошей отправной точкой для вас является определение цены на свою работу, основанную на времени, рабочей силе и стоимости материалов. Платите себе разумную почасовую оплату, добавьте стоимость материалов и сделайте это своей запрашиваемой ценой.Например, если материалы стоят 50 долларов, у вас уходит 20 часов на изготовление искусства и вы платите себе 20 долларов в час за его изготовление, тогда вы оцениваете искусство в 450 долларов (20 долларов X 20 часов + 50 долларов стоимости материалов). Однако не забывайте о сравнениях. Если вы используете эту формулу, и ваше искусство оказывается дороже, чем то, что другие художники в вашем районе взимают за аналогичное искусство, вам, возможно, придется пересмотреть свои цены, возможно, платите себе немного меньше в час.

Итак, вкратце, вот основные основы ценообразования на искусство:

Шаг 1. Определите свой рынок.Где вы продаете свое искусство? Вы продаете на местном, региональном, национальном или международном уровне? Искусство, художники и цены на вашем рынке — это те, на которые вам следует обращать наибольшее внимание.

Шаг 2. Определите свой вид искусства. Какое искусство ты делаешь? Каковы его физические характеристики? Чем оно похоже на другое искусство? Как вы его классифицируете? Если вы рисуете рефераты, например, какие рефераты, как бы вы их описали? Это тот вид искусства, на котором обычно стоит сосредоточиться для сравнения.

Шаг 3. Определите, какие художники создают искусство, похожее на ваше, исследуя онлайн или посетив галереи, открытые студии или другие места и лично увидев их работы. Обратите особое внимание на тех художников, у которых также есть карьерные достижения и резюме, похожие на ваши, которые занимаются искусством примерно столько же, сколько и вы, выставляются примерно столько же, сколько у вас, продают столько же, сколько у вас есть, и так далее.

Шаг 4. Посмотрите, сколько эти похожие художники берут за свои работы.Их цены будут хорошей начальной оценкой цен, которые вы должны назначить за свое искусство.

В то же время, когда вы сосредотачиваетесь на искусстве, похожем на ваше, вы также хотите следить за тем, что происходит с другими художниками в вашем районе, даже если их искусство не так сильно похоже на ваше. Если вы уделяете слишком много внимания слишком узкой части мира искусства и слишком мало внимания остальному, или, что еще хуже, вы отбрасываете остальное как не имеющее отношения к делу, ваши цены могут иметь смысл для вас и нескольких людей вокруг вас, но не никому другому.Чем лучше вы понимаете общую картину того, что делают другие художники, сколько они берут за это, кто покупает, сколько и почему, тем лучше вы подготовлены к тому, чтобы оценить свое искусство, чтобы оно могло продаваться в широкий спектр обстоятельств.

Сравнение цен работает в подавляющем большинстве случаев, но вы можете получить еще более точные цены, чтобы действительно убедиться, что ваши цены имеют смысл, И, что более важно, вы можете оправдать их перед любым, кто спросит. Если вы думаете, что это все ерунда, я оцениваю искусство профессионально.Иногда мне приходится оправдывать или защищать свои оценки перед такими организациями, как IRS, страховые компании, судебные исполнители и юридическая система — а иногда эти оценки и оправдания подлежат наказанию в соответствии с законом. Я хочу сказать, что люди все время придают искусству долларовую ценность, что для этого существуют определенные правила, методы и техники. Я покажу вам некоторые из этих приемов, которые может использовать любой художник, чтобы оценить свое искусство. Итак, давайте узнаем цены. Следующие факторы не расположены в каком-либо определенном порядке и могут относиться к вам, а могут и не относиться к вам.Вы сами решаете, что работает лучше всего.

Для начала будьте объективны в своем искусстве и своем опыте. Чтобы ваши цены имели смысл, вы должны честно, честно и объективно оценить, насколько ваше искусство соотносится с другими произведениями искусства, которые есть на рынке. Чтобы проводить достоверные сравнения, вам нужно хорошее приблизительное представление о том, как качество вашего искусства и степень ваших достижений складываются по сравнению с другими художниками, особенно с теми, с кем вы будете сравнивать себя. Другими словами, не преувеличивайте свой рост.Например, если вы занимаетесь искусством три года, не сравнивайте себя с художниками, которые занимаются им уже двадцать. Быть таким честным не обязательно легко и не обязательно приятно, но это важно, если вы хотите добиться успеха как художник.

При ценообразовании основывайтесь на фактах, а не на чувствах. Не путайте свое личное мнение о своем искусстве, или о том, каким, по вашему мнению, должен быть мир искусства, или о том, как, по вашему мнению, он должен реагировать на ваше искусство, с тем, как обстоят дела на самом деле.Если вы обнаружите, что говорите что-то вроде «Люди не понимают мою работу», или «Люди меня не ценят», или «Я так же хорош, как Винсент Пикассо, даже если он знаменит, а я нет» или «Рано или позже я найду идеального дилера, коллекционера или кого угодно и буду жить долго и счастливо », — возможно, вы ошибаетесь в своих суждениях. Если вы не совсем уверены, где вы стоите, предложите нескольким людям взглянуть на ваше искусство и рассказать, что они думают — желательно профессионалов, которые кое-что знают об искусстве, — не ваших лучших друзей или самых больших поклонников, а тех, кто будь честным и прямым.Поощряйте их говорить правду, потому что это то, что вам нужно. И не защищайся; это вам поможет. Когда вы объективно относитесь к своему искусству, вы увеличиваете свои шансы на успех как художник.

Если это какое-то утешение, и я знаю, что вы хотите, чтобы ваше искусство продавалось за как можно больше денег, ваше искусство остается тем же искусством, оно все так же хорошо, вы все тот же художник, и вы все еще просто как хорошо, независимо от того, как вы его оцениваете. То, что вы оцениваете что-то в 20 000 долларов вместо 200, не делает его «лучше».Не используйте долларовую стоимость для подтверждения себя как художника; используйте их для продажи своего искусства. Ничто не стоит ничего, пока оно не будет продано, и кто-то не отдаст вам деньги и не заберет ваше искусство взамен.

Следующее замечание я уже сделал, но, поскольку он очень важен, я собираюсь сделать это снова на этот раз под другим углом. Не думайте, что ваше искусство настолько уникально, что вы можете оценивать его независимо от того, что происходит с другими художниками или где-то еще в вашем арт-сообществе или в мире искусства в целом.Все искусство уникально. Каждый художник уникален. Однако уникальность не является и никогда не будет единственным критерием ценообразования искусства. Но ждать. Скажем, ради аргумента, что ваше искусство уникально и не похоже ни на один предмет, искусство или что-либо другое, когда-либо созданное каким-либо образом с незапамятных времен.

Теперь давайте быстро переключимся и рассмотрим это искусство с точки зрения опытных дилеров, кураторов, критиков или коллекционеров. Эти люди почти всегда сравнивают искусство от художника к художнику и от галереи к галерее, прежде чем решить, что покупать, продавать, собирать, писать, выставлять или представлять, независимо от того, на какое искусство они смотрят или насколько оно уникально.Они редко, если вообще когда-либо, оказываются перед только одним выбором. Можете ли вы представить себе любого знающего деятеля искусства, смотрящего на искусство художника и говорящего что-то вроде: «Я никогда не видел ничего подобного! Я должен иметь это. Меня не волнует, сколько это стоит. Мне все равно, кто вы. Я возьму это. Это невероятно ». Не произойдет. Даже если ваше искусство особенно уникально, люди, знающие искусство, найдут способ сравнить его, классифицировать и соотнести с другим искусством других художников, чтобы оценить его значимость, его долларовую стоимость и, в конечном итоге, его институциональную или рыночную жизнеспособность.Вы должны сделать то же самое.

После того, как вы закончите оценку и будете готовы установить цены для сравнения, основывайте свои цены на том, что продается, а не на том, что нет. Например, предположим, что вы сузили свой поиск до нескольких художников, чье искусство оценивается в диапазоне от 2000 до 20 000 долларов. Если единственное искусство, которое продается, находится в диапазоне от 2000 до 5000 долларов, а дорогие произведения не продаются, это говорит вам о том, что покупатели не хотят платить более дорогие цены — они слишком высоки.Таким образом, от 2000 до 5000 долларов вы, вероятно, захотите оценить большую часть своего искусства и забыть о том, чтобы поднимать цену намного выше.

Кстати, дорогие оригиналы иногда используются для продажи более дешевых или более доступных оригиналов или распечаток оригиналов. Некоторым галереям или художникам все равно, продают ли они свои самые дорогие работы, и, возможно, они даже не захотят этого делать; они совершенно счастливы продавать оригиналы или отпечатки по более низкой цене. Установление высоких цен на определенные оригиналы — это маркетинговый прием, призванный сделать более дешевые оригиналы и отпечатки более привлекательными для покупателей, почти как выгодные покупки.Этот эффект хвоста действительно работает, поэтому не следует автоматически предполагать, что самое дорогое искусство всегда продается, потому что во многих случаях это не так.

С оценкой диапазона продажных цен художника связан тот факт, что вы хотите оценивать свое искусство в соответствии с тем, за что ПРОДАЕТСЯ другое искусство, а не в соответствии с тем, за что оно ПРЕДЛАГАЕТСЯ. Другими словами, если его цена 8000 долларов, но он продается за 5000 долларов, цена будет ближе к 5000, чем к 8000 долларов. Иногда вы видите галереи, в которых розничная цена — это одно, но цена, по которой они готовы ее продать, существенно ниже.Это еще один метод, который создан для того, чтобы покупатели почувствовали, что они получают выгоду, и он может работать для галерей, но не обязательно для художников. Вы не хотите прославиться тем, что значительно снизили свои цены, потому что покупатели поймают вас, будут ждать вас и откажутся покупать, пока не наступит время распродажи. Договариваться о более низкой цене здесь и там в каждом конкретном случае — это нормально, но избегайте техник продаж, снижающих цены у дилеров. Такая репутация может поставить под угрозу целостность вашего искусства.

Теперь давайте посмотрим на сравнение покупок с точки зрения ПОКУПАТЕЛЯ. Искусство ничем не отличается от любого другого продукта или услуги тем, что многие люди, покупающие его, перед покупкой сравнивают цены. Приведу довольно распространенный пример. Предположим, кто-то откладывает 5000 долларов на покупку одного произведения искусства. Предположим, она идет в кучу галерей и видит кучу произведений искусства и находит три картины, которые ей одинаково нравятся, все примерно одинакового размера, одинаковой тематики и качества, все работы художников равной квалификации.Если одна из этих частей стоит 4000 долларов, одна — 4600 долларов, а одна — 5000 долларов, как вы думаете, какую из них она купит?

Мораль этой истории заключается в том, чтобы установить низкую цену на вашем рынке, особенно если вы менее устоялись, менее опытны или пытаетесь закрепиться в новой или более конкурентной сфере. Это увеличивает ваши шансы на продажи. Видите ли, когда кто-то покупает у вас произведение искусства, это на одно произведение меньше, чем они собираются покупать у других художников. Вы хотите увеличить количество вещей, которые люди покупают у вас.Вот как вы зарабатываете себе на жизнь как художник.

Независимо от того, как вы устанавливаете цены, вы должны быть конкурентоспособными. Каким бы неприятным и капиталистическим это ни звучало, вы соревнуетесь с другими художниками не в том смысле, что у вас есть отрисовка или лепка с художниками в коридоре, по городу или в Интернете, а с точки зрения делать все возможное, чтобы привлекать покупателей, продавать и зарабатывать деньги, необходимые для выживания как художника. Вот почему я постоянно стараюсь сравнивать.Люди, которые покупают искусство, делают это; ты тоже должен.

Устанавливая цены, всегда помните разницу между ценами в галереях и ценами художников, разницу между розничной и оптовой продажей. Продажа произведений искусства напрямую в Интернете или за пределами вашей студии — это оптовая торговля; продажа через галерею или дилера — это розница. Если вы не галерея или не представлены галереей, если у вас нет накладных расходов на галерею, если вы не предлагаете удобств в стиле галереи, не устанавливайте цены в розничной галерее.Когда галерея продает произведение искусства, художник обычно получает около половины продажной цены. Таким образом, если галерея продает искусство других художников, сопоставимое с вашим, за 2000 долларов, это означает, что художники получают около 1000 долларов, поэтому вам следует выставлять цену на свое искусство для продажи непосредственно у вас примерно в половину розничной продажи галереи — аналогично тому, что получает художник. — больше в пределах 1000 долларов США, чем 2000 долларов США.

Если у вас уже есть или вы собираетесь получить представительство в галерее, все это изменится, поскольку вам двоим придется решить, как переоценить свою работу для розничной торговли, будет ли вам разрешено продавать напрямую онлайн или из вашей студии. , каковы будут механизмы прямых продаж (если это разрешено) и т. д.Но пока, предполагая, что вы художник без представительства, сохранение оптовых цен увеличивает ваши шансы на продажу.

Кстати, иногда галерея выставляет более чем в два раза больше, чем получает художник. Как правило, это коммерческие галереи в местах с высокими накладными расходами. Вам решать, сколько вы позволите галерее принять, но чем менее вы опытны, тем серьезнее вы должны рассмотреть предложение любой галереи о демонстрации и продаже вашего искусства, даже если у них могут быть высокие наценки, при условии, что они согласны чтобы удовлетворить ваши запрашиваемые цены, при условии, что они имеют хорошую репутацию, при условии, что они не навязывают вам долгосрочные контракты.Видите ли, если галерея платит вам только 1000 долларов за ваше искусство, но они продают его за 4000 долларов, покупатели воспринимают ваше искусство как стоящее 4000 долларов, а не 1000 долларов, и это хорошо для вас в долгосрочной перспективе. В некотором смысле вы платите галерее за то, чтобы продвигать вас, чтобы повысить узнаваемость вашего имени и ценность вашего искусства в глазах публики, и галерея, которая делает это хорошо, заслуживает комиссионных, которые они взимают.

Предположим, вы подключились к более высокой галерее разметки. Необязательно вечно придерживаться однобокого раскола — я бы точно не стал.Если они продолжат продавать и вы двое хотите сохранить отношения, возможно, в какой-то момент вы сможете пересмотреть комиссию. Если вы не можете, возможно, вам придется уйти, но если вы решите уйти, убедитесь, что у вас есть другие варианты продаж, к которым можно прибегнуть. Не обрывайте их, если они являются вашим основным средством поддержки.

Итак, повторюсь, особенно когда вы только начинаете, не требуйте слишком многого. В общем, в любое время, когда кто-то предлагает продать ваше искусство дороже, чем оно когда-либо продавалось раньше, даже если они могут захотеть много взамен, при условии, что они имеют хорошую репутацию, при условии разумного контракта, подумайте об этом.Дополнительные деньги, которые они могут заработать в краткосрочной перспективе, будут ничем по сравнению с дополнительными деньгами, которые вы можете заработать в долгосрочной перспективе, если кто-то установит новые высокие продажные цены на ваше искусство. Эти новые высокие цены будут хороши на всю оставшуюся жизнь, а это надолго. Между прочим, мир искусства устроен так: чем больше вы становитесь и чем выше становятся ваши цены, тем больший контроль вы постепенно получаете над своей художественной судьбой. Ряд известных художников на самом деле диктуют свои заказы галереям, которые хотят их показать, а не наоборот.

Давайте поговорим о последовательности. Всегда соблюдайте свои цены. Художники иногда произвольно оценивают определенные произведения, основываясь больше на том, что они думают о них или насколько они привязаны, чем на том, что может диктовать рынок для этого искусства. Помните наш подержанный пример Toyota? Независимо от того, насколько этот автомобиль значит для продавца, каковы бы теплые его воспоминания, запрашиваемая цена в 45 000 долларов не соответствует тому, за что продают аналогичные подержанные автомобили Toyota.Личные чувства, привязанности или сентиментальная ценность нематериальны, не подлежат передаче и не могут быть измерены в денежном выражении. Автомобиль не стоит дороже, чем те, за которые продаются аналогичные автомобили, независимо от того, сколько это значит для продавца.

Вот как это относится к ст. Предположим, я консультируюсь с художником, и мы пересматриваем отпускные цены. Мы смотрим на серию картин, похожих по размеру, тематике и другим деталям. Все они оценены в диапазоне от 1000 до 2000 долларов, за исключением одной, которая стоит 10 000 долларов.Поэтому я спрашиваю: «Почему это так дорого?» Если я получаю ответ вроде «Это очень много значит для меня», или «Я действительно не хочу его продавать», или «Мне это очень нравится», это означает, что художник приравнивает стоимость в долларах к личным ощущениям, например, к тому, насколько эмоционально он привязан есть или через что он прошел, когда писал это. Хотя он имеет полное право относиться к этому серьезно, как и вы к некоторым произведениям вашего искусства, он не может основывать продажные цены на своих чувствах. Чувства не подлежат передаче и не могут быть переведены в доллары и центы.Вы можете продавать только искусство, но не чувства.

Ценообразование по вашему ощущению выглядит произвольным и непоследовательным для посторонних. Если они видят сочетание высоких и низких цен на похожие произведения искусства и не могут их понять, они редко спрашивают, почему. Они не спрашивают, потому что не знают, что сказать, не хотят вас оскорблять, не хотят ввязываться в неприятные разговоры и так далее. Даже если ваши цены имеют смысл на личном уровне, если они не имеют смысла для других, продажи пострадают.Людям нравятся простые и понятные структуры цен. Последовательность в ценах — краеугольный камень успешных продаж.

Хорошая новость в том, что решить эмоциональные ценовые проблемы легко. Все, что вам нужно делать с искусством, которое имеет для вас наибольшее значение, вещами, которые вы не продадите, пока кто-то не заплатит вам за это, — это хранить их в своей личной коллекции. Не показывайте это публично. Если вы действительно хотите его показать, поставьте на него NFS — не для продажи — или «Собрание художника». Не цените это.Однако знайте, что если вы все-таки покажете его, некоторые люди могут подойти к вам и сказать что-то вроде «О, это мой любимый. Он лучший. Он не продается? Я бы купил его». Купили бы они это или нет, вы вполне можете потерять продажи, заставив людей завидовать тому, чего у них нет.

Непоследовательная низкая цена также может работать против вас. Например, предположим, что вы очень низко оцениваете какое-то искусство, потому что оно вам не нравится, это старые вещи, которые вы больше не делаете, вы устали смотреть на них, у вас закончилось место, это напоминает вам о кто-то, о ком вы не хотите напоминать, вы очищаете свое окружение, что угодно.Опытные покупатели, которые охотятся за произведениями искусства, любят, когда художники низко оценивают искусство, основываясь на чувствах или эмоциях, а не на качестве работы или других объективных рыночных факторах. Если вы планируете провести распродажу искусства, которое мне больше не нравится, сначала узнайте информированное мнение извне, чтобы убедиться, что вы не продаете себя слишком далеко.

Все художники должны понимать разницу между совершенно незнакомыми людьми и друзьями и семьей. То, за что вы продаете свое искусство друзьям или членам семьи, не обязательно соответствует тому, чего оно стоит на открытом рынке, и, как правило, не является хорошим способом оценить ваше искусство.Я не могу сказать вам, сколько раз я работаю с художником над ценами, они говорят что-то вроде: «Я продал три картины по 2000 долларов каждая и одну по 3500 долларов», и, честно говоря, я не вижу ценности. . Поэтому я спрашиваю: «Кому вы их продали?» И я получаю такие ответы, как «Мой лучший друг», «Мои мама и папа», «Дядя Майк» и так далее. Эти люди любят тебя; они хотят видеть вас преуспевающим художником и сделают все, чтобы помочь вам в достижении этой цели, включая оплату всего, что вы просите за свое искусство (при условии, что они могут себе это позволить).Это не холодный, жестокий безличный мир искусства. Позвольте им любить вас, позвольте им помочь вам, позвольте им быть щедрыми, но ни в коем случае не используйте цены, которые они платят, как индикаторы того, сколько ваше искусство стоит на открытом рынке, и игнорируйте все методы, описанные выше.

То, за что ваше искусство может быть продано на благотворительном аукционе по сбору средств или на благотворительном аукционе, не обязательно имеет какое-либо отношение к стоимости вашего искусства на открытом рынке. Часто люди, которые покупают или выставляют на торги произведения искусства на благотворительных мероприятиях и благотворительных мероприятиях, больше заботятся о поддержке участвующих организаций, чем о том, что они получают в обмен на свои пожертвования.Другими словами, участники торгов или покупатели могут платить за искусство завышенную цену не потому, что это реальная ценность искусства, а потому, что они знают, что их деньги пойдут на благое дело. Искусство для них вторично по сравнению с тем вкладом, который они вносят. Если произведение вашего искусства продается на благотворительном аукционе значительно дороже, чем в вашей студии, это не обязательно хороший повод для повышения всех ваших цен (подробнее о том, когда поднять отпускные цены, читайте ниже).

* Некоторые люди, которым действительно нравится ваше искусство, не могут себе позволить многого.Однако они могут быть одними из ваших самых больших поклонников, поэтому дайте им возможность что-нибудь купить — небольшую картину, гравюру, рисунок, что угодно. Есть доступные варианты. Ваше искусство — это ваш рекламный щит, ваша визитная карточка. Чем больше произведений искусства вы продаете, тем большему количеству людей вы продаете, тем большему количеству мест вы его показываете, тем больше людей видят его (как в Интернете, так и на физических носителях), чем чаще вы получаете свое имя, тем лучше вас знают, тем больше вы создаете больше доброй воли, и, в конце концов, все хорошее возвращается к вам, большая часть в виде увеличения продаж.

* Если вы участвуете в групповой выставке, отправляйте произведения искусства в том же ценовом диапазоне, что и остальные произведения искусства на выставке. Вы не хотите входить в самую дорогую вещь; Вы же не хотите, чтобы первое впечатление людей о вашем творчестве было шоком от наклеек. Вы хотите, чтобы ваше искусство выделялось искусством, а не деньгами. Если вы не уверены в ценовом диапазоне шоу или в каком ценовом диапазоне обычно лучше всего продается, спросите организаторов, прежде чем отправлять.

* Тем из вас, у кого есть веб-сайты, не показывайте произведения искусства, которые уже проданы, вместе с произведениями искусства, которые все еще продаются.Отображение проданных произведений искусства вместе с выставленными на продажу произведениями искусства не способствует увеличению продаж. Некоторые художники думают, что если посетители увидят, сколько продается, они захотят присоединиться к толпе и тоже получить один, пока не стало слишком поздно, пока они все не ушли. Но бывает с точностью до наоборот. Люди видят смесь проданных и выставленных на продажу произведений искусства и думают: «Все самое лучшее ушло; ничего не осталось, кроме костей. Я не хочу грязных пятнадцатых». Люди не хотят видеть то, что они упустили, чего они не могут иметь. Они хотят видеть экраны компьютеров, заполненные свежими студийными произведениями искусства, где они получают право первенства, а все остальные могут бороться за крохи.Лучшая процедура — либо удалить искусство со своего сайта, когда оно продается, и заменить его новым, либо переместить его в категорию или галерею под названием «Прошлые работы» или «Выбрать прошлые работы». Таким образом посетители смогут увидеть, что вы продаете, но не будут путать это с произведением искусства, которое вы продаете.

* Если вас спросят, будьте готовы рассказать о том, что вы продали, сколько вы продали, кто покупает, где они покупают или за сколько вы продали это. Предоставление информации о вашей истории продаж служит подтверждением запрашиваемых вами цен и помогает людям лучше относиться к вашим произведениям искусства.Вы также можете поместить эту информацию в свой раздел «Прошлые работы» или «Избранные прошлые работы», показывая в основном свои самые продаваемые работы, например, те, которые находятся в крупных частных, корпоративных или институциональных коллекциях, те, которые выиграли награды или выставлялись, и те, которые были написаны, проиллюстрированы на веб-сайтах или в публикациях и т. д. Эти достижения также могут быть в вашем резюме, но объединение их с изображениями в галерее «Прошлые работы» также является отличным способом донести мысль; это можно было почти назвать визуальным резюме.Выставляйте напоказ свои прошлые продажи; не игнорируйте их.

Независимо от того, где вы продаете свое искусство, убедитесь, что на него установлена ​​цена, и люди могут видеть цены. ВСЕГДА предоставляйте информацию о ценах на ваше искусство для всеобщего обозрения. Не заставляйте их спрашивать. Не заставляйте их писать по электронной почте. Не заставляйте их звонить. Не ценить свое искусство и не заставлять людей спрашивать — это игра. Вот как он разыгрывается … «Вы скажите мне, какой из них вам больше всего нравится. Затем я пытаюсь понять, насколько он вам нравится и насколько сильно вы этого хотите.Затем я смотрю на вашу обувь, или на ваш адрес электронной почты, или на ваш онлайн-профиль, или на ваш код города, и пытаюсь выяснить, сколько вы можете себе позволить. Затем я оцениваю его настолько высоко, насколько я думаю, что смогу ». Вот почему многие люди не решаются спрашивать цены. Или они беспокоятся о таких вещах, как давление на покупку, обнаружение того, что искусство стоит дороже, чем они могут себе позволить, будучи включать в списки адресов электронной почты, продавать или распространять их электронные письма и т. д. Необходимость спрашивать цены отталкивает многих людей: они чувствуют себя намного комфортнее, связываясь с вами, когда они знают, сколько вы взимаете.

Установление цены на искусство также защищает вас от непредвиденных вопросов, особенно если вам неудобно говорить о деньгах. Предположим, например, что кто-то спрашивает цену, а вы не знаете, какую именно ставить, и начинаете возиться. «О … этот», — скажете вы. «Тебе нравится этот? Хммм. Дай-ка посмотреть, я не думал о том, чтобы продать его раньше … Мне он очень нравится; он один из моих любимых. Я думал, тебе понравится этот». И вы продолжаете и продолжаете, будучи неспособным, неподготовленным или нерешительным ответить, когда спрашивающий устремляется к двери.Позвольте людям сначала увидеть ваши цены, подумать над ними и решить, могут ли они позволить себе вашу картину за 500 долларов или скульптуру за 1000 долларов. Это значительно упрощает принятие решения о покупке. Если это удастся, они свяжутся с вами и начнут беседу.

Допустим, вы какое-то время продаете искусство и думаете о повышении цен. Тебе следует? Хорошие времена для повышения цен — это когда ваше искусство продается регулярно, вы продаете стабильно от шести месяцев до года, желательно дольше, у вас есть выставка, на которой продается как минимум половина вашего искусства, или вы продаете как минимум половина вашего искусства в течение нескольких месяцев или около того после того, как вы его создадите.Если продажи хорошие, спрос высок и ваше искусство движется таким образом, поднимите цены на 10-25%, ближе к 10%, если вы постоянно хорошо продаете, ближе к 25%, если вы достигли какой-то важной вехи в карьере, такой как получение значимая музейная выставка или получение престижной награды.

Уметь обосновать любое повышение цен фактами. Не повышайте цены произвольно, исходя из того, что вы чувствуете, от того, что делает другой артист, или потому, что вы думаете, что ваши цены были такими же достаточно долго. Всегда есть веская причина.И будьте осторожны, чтобы не оттолкнуть вашу базу коллекционеров, слишком дорого обходя пост; всегда помните тех преданных поклонников, которые дольше всех покупали ваше искусство и поддерживали вас. Никогда не продавайте их со своего рынка.

ОК. Были сделаны. У вас есть цена на ваше искусство, и вы готовы продавать. Но можете ли вы ответить на большой вопрос: «Почему этот стоит 2000 долларов?» Когда кто-то спрашивает вас о цене, делайте именно то, что делают галереи. Покажите, что вы регулярно продаете сопоставимые произведения искусства за суммы, сопоставимые с тем, что вы взимаете за искусство, о котором они спрашивают.Расскажите о продажах, которые вы совершили через дилеров, галереи, онлайн или прямо из вашей студии. Чем больше подобных продаж вы можете обсудить, тем больше у вас шансов убедить спрашивающего, что 2000 долларов — это справедливая цена, которую нужно заплатить за искусство, и что он окупает свои деньги.

Людям нужны доказательства; они хотят быть уверены в том, что тратят столько денег, сколько собираются потратить. Они хотят понять, что получают в обмен на свои деньги, и чувствуют, что в какой-то мере контролируют ситуацию.Это особенно актуально для скупых покупателей, которые не очень хорошо разбираются в своей работе или которые не купили много произведений искусства и только начинают заниматься этим. Так что подкрепите свои цены фактами. Людей волнует, как они тратят свои деньги — они хотят чувствовать, что тратят их с умом. Покажите им, что они поступают правильно, что ваше искусство стоит того, за что вы его продаете, что его покупают другие люди и что это нормально для них тоже.

Все еще не знаете, как оценить свое искусство? Художники постоянно нанимают меня для консультаций по ценам (обычно это стоит всего 75 долларов).Я не только устанавливаю цену на ваше искусство, но также говорю вам, как объяснить ваши цены потенциальным покупателям на языке, который они могут понять и оценить. Люди, которые понимают ваши цены и видят ценность ваших работ, покупают больше произведений искусства, чем те, кто этого не делает. Это так просто. Хотите записаться на прием? Позвоните мне по телефону 415.931.7875 или по электронной почте [email protected].

Как сделать карьеру в искусстве

Agora Gallery Advice предоставит вам советы по искусству, практическую поддержку и вдохновение, необходимое для того, чтобы жить как художник и успешно продавать свое искусство.

Если вы давно мечтали построить карьеру художника, пришло время воплотить эту мечту в реальность. Так много художников работают не покладая рук, чтобы продолжить создание своего искусства, но им трудно привлечь внимание, которое необходимо их работе, чтобы вывести ее на новый уровень.

С появлением Интернет-технологий и социальных сетей, коммуникации и сети стремительно выросли в глобальном масштабе, и никогда не было так просто продвигать свою работу, получить доступ к прекрасным возможностям для художников, например, участвовать в художественных конкурсах и начинать переводить все ваш упорный труд в продажах.

Мы создали этот раздел экспертных советов специально для вас, как для признанного, так и для начинающего художника, чтобы дать вам разумный совет, практическую поддержку и вдохновение, необходимое для воплощения вашего видения в жизнь.

Развивайте свое искусство: становитесь художником, которым вы должны были быть

Жизнь художника включает в себя гораздо больше, чем просто создание своего искусства, используя любой способ художественного выражения, который вам нравится.

Чтобы добиться успеха,

• Вам нужно развивать ежедневную преданность поиску вдохновения
• Вам нужно стремление к развитию и воспитанию вашего творческого духа, несмотря на постоянное притяжение мирских требований и обязанностей
• Вам нужно четкое понимание того, как сбалансировать свою жизнь, чтобы выделить это самое важное время для творчества.

Чтобы быть работающим художником, необходимо посвятить часть своей жизни выявлению и развитию собственного уникального художественного голоса. Это может включать в себя что угодно, от создания специального рабочего пространства в вашем доме до поиска тех материалов, которые лучше всего помогут вам воплотить в жизнь ваше собственное уникальное видение.

Поднимите ваш арт-маркетинг на новый уровень.

. Динамичный и эффективный маркетинг — один из наиболее важных аспектов продвижения вашего искусства, привлечения нужного внимания и, в конечном итоге, увеличения продаж.Хотя желательно заниматься представлением в галерее, есть очень много вещей, которые вы можете сделать сами, чтобы помочь создать свой бренд как художника и получить известность, необходимую для обеспечения признания в мире искусства.

Навигация по логистике современного мира искусства

Для многих художников проблема заключается не в создании самого искусства, а в простой логистике, которая часто используется в повседневных делах. будучи художником.В этой сфере необходимо развить множество навыков, чтобы упаковать и представить свою работу в лучшем свете и привлечь покупателей.

Как и в любом другом бизнесе, выявление следующей прекрасной возможности — один из лучших способов привести вас к успеху. В мире искусства это область, которая постоянно развивается по мере того, как новые конкурсы художников, выставки и источники финансирования становятся доступными для начинающих и уже состоявшихся художников.

От художника к художнику: советы от тех, кто путешествовал до вас.

Ничто так не помогает начинающему художнику, как наставничество и наставничество, которые можно получить от успешного художника, которому уже пришлось пробиваться своим путем. мир искусства. Есть так много разных способов укрепить свою репутацию в мире искусства и привлечь к своему искусству внимание, необходимое для продвижения вперед в творческой карьере.

Слушание личных историй художников, которые работали до вас, не только вдохновит, но и может вызвать некоторые творческие идеи о том, как мыслить нестандартно и внедрять новые способы продвижения своего бренда, создавать сети в мире искусства. , и развивайте фанатскую базу, необходимую вам, чтобы вывести свое искусство на новый уровень.

Если вы любите творить и хотите поделиться своим видением с миром, никогда не поздно начать свою карьеру художника. Мы в Agora Gallery увлечены открытием новых талантов и верим, что у каждого художника есть немного гения, которым можно поделиться с миром. Мы готовы поддержать вас в этом начинании и с нетерпением ждем, когда вы начнете свой путь к успеху.

Хотите улучшить свою карьеру и укрепить присутствие в Нью-Йорке? Отправьте нам свое портфолио и получите возможность представить свои работы широкому кругу национальных и международных коллекционеров и покупателей произведений искусства.Посетите нашу страницу о представительстве галереи и продвижении художника для получения дополнительной информации.

Этот пост также доступен на: Испанский

Технический художник Описание работы, заработная плата, навыки и программное обеспечение

Должностная инструкция технического художника

Технические художники — это гибридные творческие и технические операторы, которые поддерживают связь между художниками и командами программистов. Им требуются как визуальные навыки, так и знания программирования, чтобы понимать дисциплины и решать проблемы между отделами.

Хороший технический художник сохранит художественное видение нетронутым, работая в рамках программных систем, используемых при производстве видеоигр. Они работают в тесном сотрудничестве с игровым дизайнером, ведущим художником и ведущим программистом, консультируя по техническим ресурсам, исследуя новые методы, поддерживая инструменты и конвейеры, и подготавливая цифровые файлы готовых иллюстраций для эффективной работы без визуальной деградации.

Роль и обязанности

Роль технического художника состоит в том, чтобы преодолеть разрыв между творческими, программистскими и инженерными командами при разработке игр.Они должны обладать одинаковым объемом знаний по обеим дисциплинам, чтобы удовлетворить все потребности. Из-за этого они, как правило, универсалы с опытом работы в художественной и программной сферах.

Инновации в играх проходят тонкую грань между творческим совершенством и техническим совершенством, делая роль технического художника ключом к успеху игры.

В обязанности Технического художника могут входить:

• Связь между руководителями групп разработчиков и разработчиков
• Исследование и разработка технических средств для проекта
• Настройка рабочих процессов художественного производства
• Поддержка художников и инженеров в разработке 3D-графики
• Помощь в оценке активов и проверке
• Решение сложных технических вопросов при разработке
• Принятие решения о том, какое программное обеспечение и инструменты необходимы для производства игр
• Разработка и поддержка ресурсов и конвейеров вместе с программистами
• Перенос готового арта на игровой движок
• Обеспечение полного визуального разрешения финальных работ
• Работа в рамках игрового движка, контроль размеров файлов, количества полигонов и скорости загрузки
• Обеспечение соблюдения стандартов, изложенных руководителями отделов
• Разработка инструментов и программного обеспечения для нужд игры
• Подготовка и проектирование систем персонажей, таких как скелеты, ткани, излучатели эффектов и столкновения тряпичной куклы
• Оптимизация окружающей среды и установление физических барьеров
• Написание специального программного обеспечения для нужд игры, которое будет работать со стандартными отраслевыми языками сценариев
• Исследование и контроль за внедрением методов рендеринга
• Разработка производительности частоты кадров и памяти
• Устранение ошибок материала и проблем коллизий
• Мониторинг работоспособности игры
• Ведение технической документации

Используемое программное обеспечение и другие инструменты

Технические художники должны понимать основы CGI, моделирования, анимации, программного обеспечения для создания специальных эффектов, а также хорошо разбираться в таких платформах, как C ++ и Javascript, чтобы иметь возможность интегрировать ресурсы в игру с высочайшим качеством.

Техническим художникам может потребоваться использовать некоторые или несколько следующих программ:

• Гудини
• C, C ++, Java
• Python
• Lua
• MaxScript
• Perl
• Майя
• 3D Студия Макс
• Adobe After Effects, Photoshop
• Substance Painter
• Unreal Engine

Требуемые навыки

Технические художники должны быть экспертами как в творческой, так и в технической областях, двух областях, которые обычно расходятся.Чтобы быть одинаково талантливыми в обеих областях, требуется особое мышление.

Работодатели могут искать в Техническом художнике следующие навыки:

• Внимание к деталям
• Отличные коммуникативные навыки
• Карьерное обучение в VFX
• Сильное портфолио или демонстрационный ролик
• Глубокое понимание конвейеров рисования и анимации
• Знакомство с игровыми системами и процессом разработки игр
• Навыки написания сценариев
• Способность определять лучшие инструменты и программное обеспечение для максимальной доставки игр
• Опыт рендеринга и пост-эффектов
• Понимание оснастки и анимации
• Опыт физического моделирования
• Опыт разработки шейдеров
• Высокий уровень художественного мастерства — пропорции, цвет, композиция
• Творческий склад ума и способность преодолевать технические проблемы
• Опыт создания цифрового художественного контента — высокополигональное и низкополигональное моделирование, распаковка, запекание, текстурирование, искусство уровней и т. Д.
• Отличные навыки межличностного общения в преодолении различий между творческими и техническими командами
• Знание языков программирования высокого класса

Средняя заработная плата

Роль технического художника — это должность среднего уровня.Путь к этой роли обычно заключается в том, чтобы начать как художник текстур, художник шейдинга / освещения, риггер персонажей, аниматор или художник персонажей. Приобретение сильного интереса и опыта в кодировании и / или программировании.

Средняя заработная плата технического художника составляет от 45 000 до 106 000 долларов США в зависимости от размера и местоположения студии. * Источник: Payscale

Как быть художником

Проведите 47 дней в мире искусства с Seen.

Джерри Зальц, арт-критик Нью-Йорк , в роли Сальвадора Дали, по фотографии Филиппа Халсмана. Фото: фото Марвина Ореллана. Фотоиллюстрация Джо Дэрроу.

Искусство для всех. Это не для всех. Я знаю это интуитивно, как потенциальный артист, который выгорел. Я писал об этом в прошлом году, и с тех пор меня беспокоят — каждую лекцию, которую я читаю, каждую галерею, в которую я заглядываю, кто-то спрашивает у меня совета.На самом деле они спрашивают: «Как я могу быть художником?»

Когда в прошлом месяце Бэнкси натянул раму, чтобы разрезать картину, как раз тогда, когда она была продана с аукциона, я почти слышал шепот: «Это искусство?» Этой осенью крупнейшим музейным событием Нью-Йорка станет ретроспектива Энди Уорхола, представленная Уитни, — образцового самодельного художника, который создал все, что угодно, искусство и сам себя. Сегодня мы все дети Энди, особенно в эпоху Instagram, который научил всех мыслить визуально и смотреть на нашу обычную жизнь как на корм для эстетических результатов.

Как перейти от этого к созданию настоящего искусства, великого искусства? Нет особого пути; у каждого свой путь. Тем не менее, с годами я обнаружил, что даю одни и те же советы. Большинство из них были просто почерпнуты, глядя на искусство, а затем еще раз. Другие люди, слушающие артистов, рассказывают о своей работе и своих трудностях. (Все нарциссы.) Я даже украл пару у своей жены.

Есть 33 правила — и они действительно все, что вам нужно знать, чтобы зарабатывать себе на жизнь в искусстве.Или 34, если считать «Всегда будь милым, щедрым, открытым с другими и береги свои зубы». И № 35: «Подделывайте это, пока не сделаете это».

Пять уроков, прежде чем вы начнете.

Энди Уорхол, на основе Автопортрет (1986). Фото-иллюстрация: Джон Риттер для журнала New York Magazine. Источник фото: Марвин Орельяна.

Понятно. Занятия искусством могут быть унизительными, пугающими, заставлять вас чувствовать себя грязными, незащищенными, как будто вы впервые разделились перед кем-то другим. Вы часто рассказываете о себе то, что другим может показаться ужасным, странным, скучным или глупым. Люди могут подумать, что вы ненормальный или взломщик. Отлично. Когда я работаю, меня тошнит от мыслей типа Ничего из этого не годится. Это не имеет никакого смысла. Но искусство не должно иметь смысла. Это даже не обязательно должно быть хорошо. Так что не беспокойтесь о том, чтобы быть умным и перестать быть «хорошим».

Луиза Буржуа в 1975 году. Фото: Марк Сеттедукати, © The Easton Foundation / VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Аминь, Луиза. Не поддавайтесь обузданию чужих определений навыков или красоты и не попадайтесь в рамки того, что считается высоким или низким. Не оставайтесь на своей полосе.Рисунок внутри линий — младенцам; складывать вещи и быть правыми — это для бухгалтеров. Мастерство и ловкость зависят от того, что вы с ними делаете. Но также помните, что то, что это ваша история, не означает, что вы имеете право на аудиторию. Вы должны это заработать. Не пытайтесь сделать это с большим отдельным проектом. Делайте детские шаги. И радуйся маленьким шажкам.

Фото: Зохар Лазар / Джейсон М.Келли

Все мы начинаем как подражатели, люди, которые подделывают чужие работы. Отлично! Сделай это. Однако, когда вы это сделаете, сосредоточьтесь, начните чувствовать возможность сделать все это своими собственными — даже когда идеи, инструменты и ходы исходят от других художников. Каждый раз, когда вы что-то делаете, представляйте себя входящим на гигантский стадион, наполненный идеями, путями, способами, средствами и материалами. И возможности. Сделайте это своими. Теперь это твой дом.

Речь идет о делах и опыте.

Никто не спрашивает, что имеет в виду Моцарт. Или индийская рага, или небольшой трогательный танец Фреда Астера и Джинджер Роджерс под «Щеку к щеке» в Top Hat. Забудьте о том, чтобы делать вещи понятными. Я не знаю, что имеет в виду Абба, но мне это нравится. Воображение — ваше кредо; сентиментальность и отсутствие чувства врага. Все искусство происходит от любви — любви к чему-то.

Даже в психиатрической больнице Яёи Кусама плодовит.Фото: Джереми Саттон-Хибберт / Getty Images

Сестра Корита Кент сказала: «Единственное правило — это работа. Если вы будете работать, это к чему-то приведет. Люди, которые постоянно делают всю работу, в конечном итоге зацепляются за что-то ».

Я всеми способами пытался избавиться от блокирования работы или страха перед работой или неудачей. Есть только один метод, который работает: работать. И продолжай работать.

Все известные мне художники и писатели утверждают, что работают во сне. Я делаю все время. Джаспер Джонс сказал: «Однажды ночью мне приснилось, что я нарисовал большой американский флаг, а на следующее утро я встал, пошел и купил материалы, чтобы начать это». Сколько раз вам в мечтах давали целую карьеру, но вы не прислушивались к ней? Неважно, насколько вы напуганы; все напуганы. Работа. Работа — единственное, что снимает проклятие страха.

Инструкция для студии.

Фрида Кало, на основе автопортрета , посвященного докторуEloesser (1940). Фото: Марвин Орельяна. Фото-иллюстрация: Джо Дэрроу для журнала New York Magazine.

Не беспокойтесь о рисовании. Просто делайте отметки. Скажите себе, что вы просто рисуете диаграммы, играете, экспериментируете, видите, что на что похоже. Если вы умеете писать, вы уже умеете рисовать ; у вас уже есть собственная форма, стиль создания букв и цифр и специальные каракули. Это тоже формы рисования. Когда вы делаете отметки и рисуете, обращайте внимание на все физические отклики, которые вы получаете от руки, запястья, руки, ушей, обоняния и осязания.Сколько времени может пройти ваша отметка, прежде чем вам понадобится поднять карандаш и сделать другую отметку? Сделайте эти отметки короче или длиннее. Измените способ их изготовления, оберните пальцы тканью, чтобы изменить прикосновение, попробуйте другую руку, чтобы увидеть, что она делает. Все это вам что-то говорит. Успокойтесь внутри себя и обращайте внимание на все, что вы переживаете. Не считайте хорошим, или плохим. Думаю, полезно, приятно, странно. Скрывайте секреты в своей работе.Танцуйте с этими переживаниями, сотрудничайте с ними. Они лидеры; Вы выполните. Скоро вы тоже будете придумывать шаги, делать визуальные калипсы самостоятельно — неуклюже, неловко или нет. Какая разница? Вы будете танцевать под музыку искусства.

Всегда носите с собой альбом для рисования. Накройте лист бумаги размером один на один фут отметками. Но не просто заполняйте всю страницу от границы до границы, от края до края. (Слишком просто.) Подумайте, какие формы, формы, структуры, конфигурации, детали, развертки, наращивания, рассредоточения и композиции вам нравятся.

Теперь проделайте это на другой поверхности, любой поверхности, чтобы узнать, какой материал вам нравится. Рисуйте на камнях, металле, поролоне, кофейных чашках, этикетках, тротуаре, стенах, растениях, ткани, дереве и т. Д. Просто делайте отметки; украсить эти поверхности. Не беспокойтесь о том, чтобы делать больше. Все искусство является формой украшения . Теперь спросите кого-нибудь, какие идеи приходят в голову, когда они смотрят на то, что вы сделали. Они только что рассказали вам больше о том, что вы уже сделали. Если другой человек видит это в вашей работе, значит, он есть.

Затем нарисуйте квадратный фут перед собой. Это может быть плотно, свободно, абстрактно, реалистично. Это способ увидеть, как вы видите объекты, текстуры, поверхности, формы, свет, тьму, атмосферу и узоры. Он говорит вам, что вы упустили из виду. Это будет ваш первый шедевр . Теперь нарисуйте такой же квадратный фут с другой стороны. Вы уже становитесь намного лучше воспринимающей машиной и даже не подозреваете об этом.

Например, в метро, ​​ожидая или сидя без дела, потренируйтесь рисовать своими руками.Много рук на одной странице, руки над другими руками. Руки других людей, если хотите. Вы можете нарисовать и другие части тела, которые видите. Но вы должны посмотреть, а затем описать карандашом или ручкой то, что вы видите. Не придумывай! Зеркала подойдут, даже если вы хотите рисовать только там, где щека переходит в рот. Играйте с разными масштабами, делайте вещи больше, меньше, изгибы.

Упражнение: забудьте быть гением и развить некоторые навыки
Я думаю, что всем художникам следует:
• Построить глиняный горшок.
• Сшейте кусочки ткани вместе.
• Обрезать дерево.
• Изготовить деревянную чашу на токарном станке по резьбе.
• Сделайте литографию, гравюру или ксилографию.
• Сделайте одну хоккейную картину Дали или небольшую световую инсталляцию Кусама, чтобы убрать это из вашей системы.

Теперь вы обладаете древними тайными знаниями.

Художественное мастерство не имеет ничего общего с техническим мастерством, миметической точностью или так называемым хорошим рисунком. У каждого великого художника есть свое определение мастерства. Если хотите, займитесь рисованием; научитесь рисовать «как мастера». Все равно придется делать это оригинально. Поллок не умел рисовать реалистично, но на какое-то время он делал удары краской по холсту сверху, что было самым ценным навыком в мире искусства. Вы можете сделать то же самое — ваше умение будет тем, что вы делаете по-другому.

Производный ранний рисунок Пита Мондриана.

И его совершенно неквалифицированная, но безумно умелая зрелая работа. Фото: ФОТО 12 / UIG через Getty Images

Что это значит? Объект должен выражать идеи ; искусство должно содержать эмоции. И эти идеи и чувства должны быть легкими для понимания — сложными или нет.

В наши дни художник может выставить полностью коричневую картину с длинным текстом на стене, информирующим нас о том, что художник взял холст в Косово, недалеко от места сербской резни 1990-х годов, и в течение двух часов втирал грязь на холст, с завязанными глазами, в память о убийство.Недавно, когда я рассматривал скучные черно-белые фотографии облаков в небе, ко мне боком подошел галерист и серьезно высказался: «Это фотографии облаков над Фергюсоном, штат Миссури, в знак протеста против насилия со стороны полиции». Я начал кричать: «Нет! Это просто тупые картинки с облаками, не имеющие ничего общего ни с чем ».

Фонтан Дюшана — произведение искусства или идея? Оба!

Есть другой способ.Зимой 1917 года 29-летний Марсель Дюшан купил писсуар на заводе J.L. Mott Iron Works на Пятой авеню, перевернул его на бок и подписал «R. Mutt 1917 », назвал его« Фонтан »и представил на выставку Общества независимых художников без членов жюри.

Фонтан — эстетический эквивалент Слова, ставшего плотью, объект, который также является идеей — что все может быть произведением искусства. Сегодня его называют самым влиятельным произведением искусства 20 века.

Этот проект встраивания мысли в материал, чтобы изменить наше представление о мире, — не только новое явление.Когда мы видим наскальные рисунки, мы видим одну из самых продвинутых и сложных визуальных операционных систем, когда-либо созданных нашим видом. Создатели произведения хотели изобразить в реальном мире то, что было у них в голове, и сделать эту информацию доступной для чтения другим. Это длилось десятки тысяч лет. Имея это в виду…

Упражнение: построение тотема жизни
Используя любой материал на любой поверхности, сделайте или нарисуйте или визуализируйте четырехфутовый тотемный столб своей жизни.С помощью этого тотема мы сможем узнать о вас кое-что, кроме того, как вы выглядите или сколько у вас братьев и сестер. Включите все, что хотите: слова, буквы, карты, фотографии, предметы, знаки. Это займет не больше недели. Через неделю все будет готово. Период. А теперь покажите это тому, кто вас плохо знает. Скажите им только: «Это тотемный столб моей жизни до сих пор». Это все. Неважно, нравится ли это им. Попросите их рассказать вам, что это значит для вашей жизни. Никаких подсказок. Слушайте, что вам говорят.

Тогда преувеличивайте.

Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth. Фотография Женевьев Хэнсон.

Филип Гастон был обычным парнем из AbEx.Затем он стал Филипом Густоном. Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth. Фотография Женевьев Хэнсон.

Если кто-то говорит, что ваша работа похожа на чужую и вам следует прекратить ее делать, я говорю, что не прекращайте ее делать . Сделай это снова. Сделайте это 100 или 1000 раз. Затем спросите друга-художника, которому вы доверяете, не слишком ли похожи ваши работы на работы другого человека. Если он все еще слишком похож на чужой, попробуйте другой путь.

Представьте себе ужас, который, должно быть, испытал Филип Гастон, когда он последовал своему собственному голосу и превратился из первоклассного абстрактного экспрессиониста в 1950-х годах в рисование неуклюжих мультяшных фигурок, курящих сигары, разъезжающих на кабриолете и носящих капюшоны KKK! За это его почти избегали. Он все равно следил за своим голосом. Эта работа сейчас является одной из самых почитаемых за весь период. Во время простоя…

Упражнение: археология
Составьте указатель, генеалогическое древо, диаграмму или диаграмму, которая вам интересна.Все, все: визуальное, физическое, духовное, сексуальное. Свободное время, хобби, еда, здания, аэропорты, все. Каждая книга, фильм, веб-сайт и т. Д. Все это саморазоблачение может быть пугающим, пугающим. Но твой голос здесь. Это станет ресурсом и записью, к которым можно будет вернуться и добавить на всю оставшуюся жизнь.

У меня в голове какая-то Афинская школа . Команда соперников, друзей, известных людей влияет живыми и мертвыми. Они все смотрят мне через плечо, пока я работаю; ни один из них не подлый.Все делают наблюдения, рекомендации и т. Д. Я много пользуюсь музыкой. Думаю, Ладно, давайте начнем с настоящего момента! Как Бетховен. Или Барбара Крюгер в моей голове говорит: Сделайте это предложение коротким, резким, декларативным, агрессивным. Led Zeppelin перекликается с Попробуйте здесь волосатый эксперимент; пусть все это покажет. Все сиенские картины, которые я когда-либо видел, умоляют меня, Сделайте это красивым. Д. Х. Лоуренс стучит по столу, Александр Поуп заставляет меня взять себя в руки, Уоллес Стивенс слушает мой язык и рекомендует слова, Уитмен подталкивает меня, мой внутренний Мелвилл становится грандиозным, а Пруст побуждает меня делать больше и более длинные предложения, пока они почти не рвутся, и мой редактор разрезает их на восьмые или сокращает их до одной.(Писателям нужны редакторы. Без исключений.) Эти голоса всегда будут рядом, когда станет трудно.

Это наверное ты.

Упражнение: составьте список произведений искусства
Составьте список из трех художников, чьи работы вы презираете. Составьте список из пяти вещей о каждом артисте, которые вам не нравятся; быть как можно более конкретным. Часто в том, что делают эти артисты, есть что-то, чем вы делитесь. Действительно подумайте об этом.

Клас Ольденбург со своим напольным конусом в 1963 году.Фото: любезно предоставлено Oldenburg van Bruggen Studio, © 1962 Claes Oldenburg

Жизнь — это ваша программа: собирайте отовсюду.

Энди Уорхол сказал: «Мне всегда нравится работать над… вещами, от которых отказались, и все знали, что они бесполезны». Он также понимал, что «универмаги станут музеями», а это означает, что оптическая информация может поступать отовсюду, даже из пакета Celestial Seasonings.

Оригинальность не умерла как раз вовремя, чтобы вы и ваше поколение настаивали на том, что ее больше не существует. Тебе просто нужно его найти. Вы можете сделать это, ища пропущенные периоды истории искусства, нелюбимые и дискредитированные стили, а также забытые идеи, образы и объекты. Затем проработайте их в своем собственном искусстве 100 или 1000 раз.

Это самая интересная часть.

Ладно, это звучит нелепо, но позовите свою собаку, и она подойдет прямо к вам, кладет голову вам на колени, слюнявит, виляет хвостом: чудесное прямое общение с другим видом .А теперь позови свою кошку. Он может взглянуть вверх, немного подергиваться, возможно, подойти к дивану, потереться о него, сделать один круг и снова лечь. Что я говорю?

Наблюдая за реакцией кота, вы видите нечто очень похожее на то, как общаются художники.

Кот не заинтересован в прямом общении. Кошка ставит между вами и собой третью вещь и связывается с вами через эту третью вещь. Кошки общаются абстрактно, косвенно. Как говорит Кэрол Боув: «Нельзя просто подойти к красавице и поцеловать ее в губы!» Художники — кошки.(И их нельзя пасти.)

Искусство что-то делает.

Картины из песка навахо также являются просьбой к богам. Фото: Джеффри Клементс / Corbis / VCG через Getty Images

За последние 100 лет искусство превратилось в то, что мы смотрим в чистых, белых, хорошо освещенных художественных галереях и музеях.Таким образом, искусство было ограничено, сделалось пассивным: еще одна достопримечательность, которую нужно увидеть, сфотографировать перед ней и оттуда уйти.

Но почти на протяжении всей своей истории искусство было глаголом, чем-то, что делает что-то для вас или для вас, что заставляет вещи происходить. Считается, что святые мощи в церквях по всему миру исцеляют. Искусство ушло на войну; сделано, чтобы защитить нас, проклясть соседа, убить кого-нибудь; помогли забеременеть или предотвратить беременность. Есть огромные, красивые, разноцветные, замысловато структурированные рисунки на песке навахо, используемые на церемониях, чтобы просить богов о помощи.Мы не видим глаз, нарисованных на египетских саркофагах; они там, чтобы преданный мог наблюдать. Картины внутри гробниц должны были быть увидены только существами загробной жизни.

Вы когда-нибудь плакали перед произведением искусства? Запишите шесть вещей, которые заставили вас плакать. Прикрепите список к стене студии. Для вас это волшебные абракадабры.

Один из самых важных уроков!

Это картина о папе или безумии? Фото: © Поместье Фрэнсиса Бэкона.Все права защищены, DACS / ARTIMAGE 2018

Сюжет Фрэнсиса Бэкона 1953 г. Этюд по портрету Папы Иннокентия Веласкеса X — это папа, сидящий мужчина в прозрачной коробке. Вот и все. Контент может быть протестом или обвинением в религии. Это может быть клаустрофобия, истерия или безумие религии или цивилизации.

Сюжет картины « Давид » Микеланджело — стоящий мужчина с перевязью. Содержание могло быть изяществом, красотой — ему было всего 17, если вы понимаете, что я имею в виду — задумчивость, физическое осознание, вневременность, вечные вещи, форма совершенства, уязвимость.Это содержание Высокого Возрождения. Картина Бернини « Давид», , созданная 120 лет спустя, — это барокко — все действие и драма.

Когда вы смотрите на искусство, делает предмет первым, что вы видите, — а затем перестаньте его видеть.

В « Давид » Микеланджело содержится красота. Фото: CM Dixon / Print Collector / Getty Images

Попробуйте найти содержание на картине Роберта Раймана, который делал почти полностью белые работы с 1950-х годов.Спросите, какие идеи у Раймана (или любого художника) и каково его отношение к рисованию, поверхности, внутреннему масштабу (то есть мазки кисти какого размера были использованы в работе), к цвету. Что для Раймана белое? Отметьте дату: 1960 год. Зачем тогда он написал эту картину? Было бы это похоже на другое искусство в то время? Как бы все было иначе? Спросите себя, что еще производилось тогда. Как работа висит на стене? Это в рамке? Носилки или поверхность толстая, тонкая, близко к стене? Чем это похоже или непохоже на другие почти монохромные работы Эллсуорта Келли, Барнетта Ньюмана, Агнес Мартин или Эда Рейнхардта? Поверхность чувственная или интеллектуальная? Художник хочет, чтобы вы видели работу сразу или по частям? Некоторые части важнее других? Считается ли, что каждая часть поверхности одинаково важна? Что думает художник о ремесле и мастерстве? Как вы думаете, этот художник любит рисовать или пытается писать против него? Это антиискусство? Как Райман относится к материалам, инструментам и маркировке? Как вы думаете, как он работал? Насколько он может быть оригинальным или новаторским? Почему это должно быть в музее? Почему бы ему не быть в музее? Хотели бы вы с этим жить? Почему или почему нет? Почему вы думаете, что картина такого размера? А теперь попробуйте Фриду Кало.

Упражнение: сравните эти восемь обнаженных красок
Забудьте о предмете — что на самом деле каждая из этих картин говорит о ?

Рокби-Венера , Диего Веласкес, 1647 год. Фото: Art Media / Print Collector / Getty Images

Обнаженная Майя , Франсиско Гойя, 1797–1800.Фото: Buyenlarge / Getty Images

Олимпия , Эдуард Мане, 1863 г.

Дух мертвых хранит часы , Поля Гогена, 1892.

Голубая обнаженная , Анри Матисс, 1907 год.

Модель (обнаженный автопортрет) , Флорин Штеттхаймер, 1915.

Imperial Nude: Пол Розано , Сильвия Сани, 1977. Фото: © Поместье Сильвии С. Алловей

Beachbody , Джоан Семмель, 1985.Фото: предоставлено Alexander Gray Associates, Нью-Йорк © 2018 Joan Semmel / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Критики видят, отступая, приближаясь, делая шаг вперед и назад; смотреть на все шоу, сравнивать одну работу с другой; рассмотрение прошлых работ художника, оценка развития, повторов, регрессов, неудач, отсутствия оригинальности; пр.

Художники видят совсем по-другому: они очень близко подходят к работе; осматривают каждую деталь, ее текстуры, материалы, макияж; они касаются его, смотрят на края и вокруг задней части объекта.

Чем занимаются художники? Они скажут: «Посмотрите, как это делается». Я бы сказал, «Воровство».

Украсть можно что угодно. Вам следует! Ты лучше! Плохое искусство учит вас так же, как хорошее искусство. Может быть, больше! Великое искусство часто бывает врагом хорошего; это не оставляет вам достаточно места для воровства.

Это потому, что он сделан кем-то .

И не беспокойтесь о том, чтобы быть достаточно «политическим»: Казимир Малевич рисовал квадраты во время Первой мировой войны; Марк Ротко делал нечеткие квадраты во время Второй мировой войны; Агнес Мартин рисовала сетки на холсте во время войны во Вьетнаме.Всякое искусство — это исповедь, более или менее косвенная.

Художники, утверждающие, что искусство должно быть полезным для нас, должны также видеть, что существует столько же способов, как искусство быть «полезным для нас», сколько существует произведений искусства.

Никогда не забывайте, что все искусство создавалось художниками для своего времени и в ответ на него. Это сделает вас менее циничным и замкнутым, а также более понимающим и открытым для всего, что вы когда-либо видели. Пожалуйста, сделайте это! Это относится ко всем нам.

Путеводитель по змеиной яме.

Алиса Нил в своей неотапливаемой домашней студии, 1979 год. Фото: Фред В. Макдарра / Getty Images

Несмотря на то, что все, что мы видим в мире искусства в наши дни, — это астрономические цены, блеск, гламур и поведение наркомана, помните, что только один процент из одного процента всех художников становятся богатыми благодаря своим работам. Вы можете чувствовать, что вас не замечают, недооценивают и вам недоплачивают.Очень жаль. Перестаньте жалеть себя; ты делаешь это не поэтому.

Но будьте осторожны. Типичные ответы — деньги, счастье, свобода, «делаю то, что хочу», наличие сообщества художников, возможность видеть, что я делаю.

Но… если вы выйдете замуж за богатого человека и у вас будет много денег, удовлетворились бы вы только деньгами? Кроме того, в Subway продается много бутербродов, но это не делает их хорошими.

Как насчет того, чтобы быть «счастливым»? Не глупи! Многие успешные люди несчастны.И многие счастливые люди не добиваются успеха. Я «успешен», и я все время сбит с толку, напуган, неуверен в себе и постоянно нарушаю правила. Успех и счастье живут по разные стороны дорожек.

Вы хотите истинное определение успеха? Лучшее определение успеха — это время — время заниматься своей работой.

Как вы будете находить время, если у вас нет денег? Вы будете работать полный рабочий день долгое время. Вы будете долгое время из-за этого впадать в депрессию — обиду, разочарование, зависть.Извините, это так.

Но ты хитрый, находчивый художник! Вскоре вы поймете, как работать только четыре дня в неделю; вы начинаете немного меньше впадать в депрессию. Но затем, в воскресенье вечером, вы снова впадаете в депрессию, возвращаясь к работе, которую вы ведете в никуда, которая все еще отнимает у вас слишком много времени.

Но вы действительно хитрые и находчивые; для вас это вопрос жизни и смерти. В конце концов — а это касается почти 80 процентов художников, которых я когда-либо знал — вы обманываете способ работать только три дня в неделю. Вы можете работать в галерее; для художника или музея; учителем, искусствоведом, арт-куратором, бухгалтером, корректором, кем угодно.

Теперь вы больше не в депрессии: У вас есть время заняться своей работой и больше проводить время; вы теперь первая мера успеха. А теперь приступай к работе. Или перестань быть художником.

Сколько именно? Давайте посчитаем.

Дилеры? Вам нужен только один дилер — тот, кто верит в вас, поддерживает вас эмоционально, быстро платит, не играет в слишком много интеллектуальных игр; кто будет честен с вами в отношении вашего дерьмового или великого искусства, кто сделает все возможное, чтобы распространить вашу работу и попытаться заработать на этом деньги.Этот дилер не обязательно должен быть в Нью-Йорке.

Коллекторы? Вам нужно всего пять или шесть коллекционеров, которые будут покупать ваши работы время от времени и на протяжении многих лет, которые действительно понимают то, что вы делаете, которые готовы пройти через взлеты и падения, которые не говорят: « Сделайте их такими, как . «Каждый из этих шести коллекционеров может поговорить с шестью другими коллекционерами о вашей работе. Даже если у вас всего шесть коллекционеров, этого достаточно, чтобы заработать достаточно денег, чтобы иметь достаточно времени для работы.

Критиков? Было бы неплохо иметь двух или целых трех критиков, которые, кажется, понимают то, что вы делаете. Было бы лучше, если бы эти критики были из вашего поколения, а не придурки вроде меня.

Кураторы? Было бы неплохо иметь одного-двух кураторов вашего поколения или чуть старше, которые время от времени приглашали бы вас на выставки.

Вот и все! Двенадцать человек. Конечно же, твое дерьмовое искусство может обмануть 12 глупых людей! Я видел, как это делалось только с тремя или четырьмя сторонниками.Я видел, как это делалось с одним!

В 1957 году галерист Лео Кастелли обнаружил Джаспера Джонса во время посещения мастерской Роберта Раушенберга. Кастелли сразу же предложил Джонсу свою первую персональную выставку. Именно там Альфред Барр, директор-основатель нью-йоркского музея современного искусства, купил три работы. Дополнительные работы были куплены Филипом Джонсоном и Бертоном и Эмили Холл Тремейн. Еще до того, как шоу началось, исполнительный редактор Томас Хесс поместил Джонса на обложку ARTnews.

В 1993 году прорыв Элизабет Пейтон в Нью-Йорке был организован дилером Гэвином Брауном в номере 828 отеля Chelsea. Посетители просили ключ от номера на стойке регистрации. Они поднялись наверх, отперли дверь и вошли в небольшую однокомнатную квартиру, выходящую на 23-ю улицу. Там они увидели 21 черно-белый рисунок, выполненный углем и тушью, от малого до среднего, с изображением модников, Наполеона, королевы Елизаветы II, Людвига II и других. Любая работа могла быть украдена; никого не было. С тех пор у Пейтона были музейные выставки по всему миру; ее работы продаются почти за миллион долларов.Согласно бухгалтерской книге отеля, после открытия шоу посмотрели всего 38 человек. Это не займет много времени.

Я не могу приукрашивать следующую часть: одни люди связаны лучше, чем другие. Они добираются до 12 быстрее. В мире искусства полно таких привилегированных людей. Вы можете их ненавидеть. Я делаю. Это несправедливо и несправедливо, и все еще действует в отношении женщин и художников цвета, особенно, не говоря уже о художниках старше 40 лет. Это нужно изменить и изменить. Всем нами.

Когда дело доходит до высказываний артистов, будь простым и глупым.

Не используйте художественный жаргон; пиши своим голосом, пиши, как говоришь. Не пытайтесь писать умно. Сделайте свое заявление прямым, ясным и по существу. Не возражайте против таких больших понятий, как «природа» и «культура». Не используйте такие слова, как : опрашивать, реконцептуализировать, деконструировать, символизировать, трансцендентальный, мистический, товарная культура, пороговое пространство, или тактильно. Не цитируйте Фуко, Делёза, Деррида. Эти ребята молодцы. Но не цитируйте их. Придумайте свою собственную теорию.Люди, которые заявляют, что ненавидят или не имеют теории: это ваша теория, идиоты!

О важном сложно писать. Так оно и есть. Смирись с этим. И если говорить претенциозно, не говори этого.

Упражнение: Заявление художника
Напишите простое описание своей работы, состоящее из 100–150 слов; отдай его тому, кто не знает твоего дела. Попросите их рассказать вам, как, по их мнению, выглядит ваша работа. Обратите внимание на различия.

Два совета:
( A ) Не делайте написания большого дела.Просто напиши, большой ребенок! Вы уже умеете писать.

( B ) Никогда не говорите просто: «Скажи мне, что это». Это напыщенная чушь. Когда дело доходит до вашей работы, вы лучший авторитет.

Психические стратегии борьбы с уродством (внутри и снаружи).

Жан-Мишель Баския и Франческо Клементе, 1986 год.Фото: Патрик Макмаллан / Getty Images

Не ложитесь спать допоздна каждую ночь с другими артистами вашего возраста. Приходи. Ходите на открытия, мероприятия, вечеринки, где бы вас ни было больше двух.

Художники должны постоянно общаться с себе подобными. Из этого правила нет исключений, даже если вы живете «в лесу». Желательно общаться лично, но онлайн более чем нормально. Неважно, где вы живете: большой город, маленький город, маленький городок.Вы будете вместе бороться и любить; вы вместе разовьете новые языки и дадите друг другу утешение, общение и силы, чтобы продолжить. Так вы измените мир — и свое искусство.

Чтобы обезопасить себя, создают небольшие банды. Защищайте друг друга несмотря ни на что; Эта банда позволит всем вам выйти в разные части мира и захватить их. Спорите, спите, любите, ненавидьте, надоедайте своим товарищам по банде. Что бы ни случилось, вы нужны друг другу — пока.Защитите самого слабого артиста в своей банде, потому что в банде есть люди, которые думают, что вы слабый.

Мане: Непостижимо вульгарно?

В 1956 году «после тщательного рассмотрения» Музей современного искусства отклонил рисунок обуви Уорхола, который он подарил музею. Моне на долгие годы отказался от выставок в Парижском салоне. Произведение Мане и Курбе было отвергнуто как скандальное, сенсационное, уродливое. Говорят, что картин Мане демонстрируют «немыслимую пошлость». Мане не хотел показываться вместе с Сезанном, потому что считал и вульгарным.

Самая известная и первая книга Стивена Кинга , Carrie, отклонялась 30 раз. Кинг выбросил первые страницы книги. Его жена перерыла мусор, спасла их и убедила его продолжать писать.

The Beatles были отклонены Decca Records, которая считала, что «гитарные группы уходят» и «у Beatles нет будущего в шоу-бизнесе.”

Но не игнорируйте критику. Вместо этого сохраните письма с отказом; приклеить их к стене. Они побуждают доказывать неправоту. Вы можете быть Ахавом в отношении этих плохих отзывов, но не позволяйте им пренебрегать ими; они не определяют вас.

Гораздо сложнее: признать, что в любой критике может быть доля правды, что вы сделали то, что позволило этому человеку сказать то, что было сказано. Вы могли опередить свое время, но человек этого не заметил. Или, может быть, вы делаете что-то незаметное, что позволило им не ценить вашу работу, или вы не нашли способ заставить свою работу говорить с людьми, с которыми вы хотите, чтобы она говорила.Это все на тебе.

В общем, вы должны быть открыты для критики, но при этом развивать шкуру слона. И помните, что ничто, что вам говорят о вашей работе, не может быть хуже того, что вы уже думали и говорили себе 100 раз.

Я всегда говорю всем, кто меня критикует: «Возможно, ты прав». У него приятная двойная грань, которую человек часто никогда не чувствует и которая доставляет удовольствие.

Сегодня!

Зависть смотрит на других, но ослепляет вас.

Съест заживо как художника; вы живете на службе у него, всегда на грани фанка, размышляя о прошлых пренебрежениях, наблюдая за всем, всегда видя то, что есть у других людей, ища других артистов, упомянутых вместо вас. Зависть разъедает ваш внутренний разум, оставляет меньше возможностей для развития и, самое главное, для честной самокритики. Ваше воображение занято тем, что есть у других, а не тем, что вам нужно делать в своей работе, чтобы получить то, что вы хотите. В этой крепости все, что с вами не происходит, обвиняют кого-то или кого-то еще.Вы воображаете себя современным Ван Гогом, забытым гением, к которому мир не готов. Вы отказываетесь от свободы воли и ответственности. Чувство недостатка определяет вас, делает вас кислым, горьким, нелюбящим и злым.

Бедный ты. Жаль, что у всех этих «плохих артистов» есть концерты, а у вас нет. Жаль, что они получают статьи, деньги и любовь! Жаль, что у них есть трастовый фонд, они ходили в лучшие школы, вышли замуж за кого-то богатого, они лучше выглядят, имеют тонкие лодыжки, более общительны, имеют лучшие связи или используют свои связи, сетевые навыки и образование. Жаль, что ты стесняешься.

Секрет: почти все в мире искусства почти одинаково застенчивы и пугливы в отношении себя. Я не могу присутствовать на обедах с сидячими местами. Мы все делаем все, что в наших силах. Но «бедный я» — это не способ улучшить вашу работу, и вы выбываете из игры, если не появляетесь. Так что вырастите себе пару чего угодно и приступайте к работе!

Пикассо: семьянин.Фото: © Эдвард Куинн / © Эдвард Куинн

Существует неписаное правило, особенно для женщин в мире искусства, что иметь детей «плохо для карьеры». Это идиотизм.

Пожалуй, 90 процентов всех художников имели детей. Эти артисты в основном были мужчинами, и это неплохо сказалось на их карьере. Конечно, на протяжении веков женщинам было поручено почти исключительно домашнее хозяйство и воспитание детей, что не разрешалось в школах и академиях, им даже не разрешалось рисовать обнаженную натуру, не говоря уже о том, чтобы учиться у художников.Все кончено.

Наличие детей не «плохо» для вашей карьеры. Рождение детей означает меньше времени, денег или места. И что? Большинство детей, выросших в мире искусства, живут удивительной жизнью.

Как заметила художница Лорел Накадате, быть родителем уже очень похоже на то, чтобы быть художником. Это означает всегда таскать вещи, жить в хаосе, делать загадочные, невозможные или пугающие вещи. Как и в искусстве, дети могут сводить с ума весь день, заставлять желать, чтобы все это исчезло.Затем в любую секунду, в любой момент, вы искуплены моментом интенсивной преобразующей любви.

Космические эпиграммы Джерри.

Не говорите: «Я ненавижу фигуративную живопись». Никогда не знаешь, когда увидишь так называемую фигуративную картину, которая привлечет твое внимание. Так что не будьте гробовщиком из мира искусства, объявляющим медиумов мертвыми! «Живопись мертва», «Роман мертв», «Автор мертв», «Фотография мертва», «История мертва». Ничего не умерло!

Искусство не по желанию, а не декоративное озеленение перед замком цивилизации.Это не более или менее важно, чем философия, религия, экономика или психология.

Помните: кто угодно может использовать ваше искусство — любое искусство — любым способом, который ему подходит. Вы можете сказать, что ваша работа посвящена диаспоре, но другие могут увидеть в ней изменение климата или исследование природы. Cool.

Что это значит? Мы согласны с тем, что некоторые художники хороши, но вы можете посмотреть на Рембрандта и поймать себя на мысли… Это довольно коричневый цвет. Ничего страшного! Это не значит, что ты тупой.

Это действительно означает, что, хотя для Гамлета существует один текст, каждый, кто видит пьесу, видит другой Гамлет. Более того, каждый раз вы видите Гамлет, он другой. Так обстоит дело почти со всем хорошим искусством. Он всегда меняется, и каждый раз, когда вы видите его заново, вы думаете, Как я мог пропустить это раньше? Теперь я наконец-то вижу! До следующего раза, когда он перестроит ваше мышление.

Это переносит вас в одну из метафизических квазарных камер искусства: искусство — статичная, неизменная вещь, которая никогда не бывает прежней.

Радикальная уязвимость.

Вся карьера Джеффа Кунса превратилась в эпическое унижение: он изображал себя и свою жену-порнозвезду с поличным. Фото: Майкл Нэгл / The New York Times / Redux

Что это? Он следит за вашей работой до ее самых темных уголков и самых странных проявлений, раскрывая в себе то, что вы не хотите раскрывать, пока ваша работа не требует этого, и никогда не терпит неудач только посредственными или общими способами.Все мы противоречим себе. У нас есть множество. Вы должны быть готовы к ярким неудачам, делать вещи, которые кажутся глупыми, и за которые вас могут посчитать плохим человеком.

А ты можешь?

В три часа ночи демоны говорят со всеми нами. Я стар, и они все еще разговаривают со мной каждую ночь. И каждый день.

Они говорят вам, что вы недостаточно хороши, не ходили в правильную школу, глупы, не умеете рисовать, у вас мало денег, не оригинальны; что то, что вы делаете, не имеет значения, и кого это волнует, а вы даже не знаете историю искусств, не умеете болтать, и у вас болит шея.Они говорят вам, что вы притворяетесь, что другие люди видят вас насквозь, что вы ленивы, что вы не знаете, что делаете, и что вы делаете это только для того, чтобы привлечь внимание или деньги.

У меня есть одно решение, чтобы отвернуться от этих демонов: избив себя в течение получаса или около того, остановитесь и скажите вслух: «Да, но я гребаный гений».

Теперь ты. Искусство для всех, но не для всех. Эти правила — ваши инструменты. Теперь используйте их, чтобы изменить мир. Приступайте к работе!

Как стать художником Джерри Зальца будет опубликовано 17 марта 2020 г.

* Эта статья опубликована в журнале New York Magazine от 26 ноября 2018 г. Подпишитесь сейчас!

Права художников 101 — Общество прав художников

Браммер против Violent Hues Prods., LLC, 922 F.3d 255 (4 ^th Cir.2019)
Рассел Браммер, коммерческий фотограф, подал в суд на Violent Hues Productions, LLC.кинокомпании за размещение его фотографии на своем веб-сайте в целях рекламы Международного кинофестиваля Северной Вирджинии и других туристических достопримечательностей. Отменив предыдущее решение окружного суда, Апелляционный суд взвесил факторы добросовестного использования и вынес решение в пользу Браммера. Суд постановил, что «Что Violent Hues сделал, так это опубликовал туристический путеводитель для коммерческого мероприятия и включил фотографию, чтобы сделать конечный продукт более визуально интересным. Такое использование не будет считаться добросовестным использованием в печатном виде и не является добросовестным использованием в Интернете.”

Паб «Четыре поместья». Бен. Corp. против Wall-Street.com, LLC, 139 S. CT. 881 (2019)
Новостная организация Fourth Estate подает в суд на другого издателя, The Wall Street Journal, за то, что он не удалил статьи со своего веб-сайта после расторжения лицензионного соглашения. Компания Fourth Estate подала заявки на регистрацию в Бюро регистрации авторских прав, но до возбуждения дела по ним не было принято никаких мер. В этом деле был устранен разрыв между схемами по вопросу о том, удовлетворяются ли требования к регистрации в соответствии с разделом 411 Закона об авторском праве «Подход к применению» или «Подход с использованием сертификата законодательства».”Верховный суд отклонил подход к применению и постановил, что авторское право должно быть зарегистрировано Бюро регистрации авторских прав, а не просто заявлено.

Голдман против Breitbart News Network, LLC, 302 F. Supp 3d 585 (S.D.N.Y., 2018)
Истец Джастин Голдман сфотографировал Тома Брэди и других. Он загрузил фотографию в свой Snapchat Story. Фотография стала вирусной в социальных сетях. Ответчиками были новостные агентства в Интернете и блоги, в которых публиковались статьи с изображением фотографии.Фотография не хранилась на серверах Ответчика, а была показана в статьях путем встраивания. Ответчики утверждали, что «Тест сервера» должен применяться для защиты их от ответственности, поскольку Фотография не была размещена на их серверах. Суд не согласился и поддержал истца, сославшись на American Broadcasting Cos., Inc. против Aero, Inc. в отношении утверждения «ответственность не должна зависеть от невидимых технических процессов, незаметных для зрителя».

H&M Hennes & Mauritz L.P. v Jaso Williams a / k / a / Revok 1: 18-cv-01490 (EDNY, март 2018 г.)
В 2018 г. швейцарский гигант H&M запустил кампанию для своей линии спортивной одежды New Routine; Фотографии и сопутствующий рекламный видеоролик размещены на фоне Бруклина, на стене которого нарисовал граффити художник Джейсон «Ревок» Уильямс. У Ревока никогда не спрашивали разрешения, и его адвокат отправил продавцу письмо о прекращении торговли. H&M принимает ответные меры, подав иск против Revok, утверждая, что продукт «незаконного действия», т. Е.граффити, не могут быть защищены авторским правом. Кроме того, H&M попросила суд постановить, что любые несанкционированные или незаконные произведения искусства, такие как уличное искусство и граффити, не должны подпадать под защиту авторских прав. Члены и сторонники сообщества стрит-арта призвали свои социальные сети бойкотировать H&M, ссылаясь на посягательство на права художников. В ответ на негативную реакцию розничный торговец отозвал иск и принес официальные извинения.

Голан против Холдера (Cir. Ct of Appeals Colorado, июнь 2010 г.)Верховный суд выдает сертификат. — февраль 2011 г.)
Голан — музыкальный дирижер. Он и его коллеги-истцы использовали отрывки из зарубежных музыкальных композиций, которые, по их утверждению, находились в общественном достоянии. Окружной суд постановил иное, подтвердив, что статья 514 Закона США об авторском праве восстановила признание авторских прав на иностранные произведения, заявив, что Конгресс находится в рамках своих полномочий. полномочия по принятию S.514. Голан мог бы стать надежной стороной, если бы он запросил и получил разрешение правообладателей на использование произведений.

Шепард Фейри против Ассошиэйтед Пресс № 09-1123 (S.D.N.Y. 2010)
Художник Шепард Фейри подал в суд на Ассошиэйтед Пресс за нарушение авторских прав после того, как Фейри использовала фотографию президента Барака Обамы, сделанную AP, в качестве основы для своего плаката. Фейри утверждал, что он не присвоил какие-либо материалы, защищенные авторским правом, и что использование фотографии является добросовестным использованием в соответствии с законом. Дело было урегулировано после того, как Фейри признал, что он использовал фотографию AP полностью , что он удалил информацию об управлении авторскими правами , что он не указал ее источник или кредит, и, наконец, что он использовал ее для очистки в коммерческих целях , тем самым нарушая несколько положений добросовестного использования.

Фонд Массачусетского музея современного искусства против Бухеля, № 08-21-99 (1-й округ, 27 января 2010 г.)
MASS MoCA подает в суд на швейцарского художника Кристофа Бухеля за право показать публике его незаконченные работы. Встречный иск Бучел основан на Законе о правах художников-художников (VARA), который обеспечивает защиту неимущественных прав. Помимо прочего, Бучел обвиняет в том, что работа была показана публике без его согласия. Хотя окружной суд постановил, что MASS MoCA может показать незавершенную инстилляцию общественности, Первый округ постановил, что помимо обоснованного иска VARA, MASS MoCA нарушил исключительное право Buchel на публичную демонстрацию своей работы, мотивируя это тем, что VARA применяется с равной Принуждение к незаконченным работам художников, он не мог согласиться с тем, что районный суд полагался на незавершенное состояние проекта, чтобы минимизировать права его создателя.

Muench Photography против Houghton Mifflin Harcourt (4 мая 2010 г.) S.D.N.Y.
Фотографы Марк и Дэвид Мюнч передают авторские права на коллекцию неопубликованных фотографий своему агенту Корбису для целей регистрации. Корбис регистрирует фотографии на свое имя, но обещает в письменной форме передать фотографам их титул и интерес к работам. Corbis лицензирует 180 произведений Houghton Mifflin, издателю учебников. Мюнх утверждает, что Хоутон участвовал в несанкционированном и недопустимом использовании произведений.Суд выносит упрощенное решение по делу Houghton, постановляя, что регистрация коллективного произведения не распространяется на индивидуальное произведение в нем. Аналогичные выводы были представлены в делах Bean v. Houghton Mifflin (9 августа 2010 г., Аризона) и Alaska Stock v. Houghton Mifflin (21 сентября 2010 г., Аляска) .

Мартин против Уолта Диснея и др. al. (30 июня 2010 г.) Южный округ Калифорнии
Обнаружив несанкционированное использование ее фотографии на многочисленных веб-сайтах, в том числе на сайте The Walt Disney Company, профессиональный фотограф-фрилансер Шерри Мартин регистрирует свои авторские права и подает в суд на Disney за нарушение авторских прав, нарушение VARA, неосновательное обогащение и нарушение закона Лэнхэма.Возник вопрос: может ли художник предъявить иск о возмещении установленного законом ущерба, если работа не была зарегистрирована до того, как имело место нарушение? Суд вынес отрицательный ответ, и исковые требования Мартина были отклонены.

Rogers v. Koons, 960 F .2d 301 (2d Cir. 1992)
Арт Роджерс подает в суд на Джеффа Кунса на основании нарушения авторских прав. Роджерс, профессиональный фотограф, сфотографировал мужчину и женщину с руками, полными щенков. Кунс, всемирно известный художник, нашел изображение на открытке и, сняв с открытки этикетку с авторским правом, передал его своим помощникам с инструкциями о том, как моделировать скульптуры на основе фотографии, попросив скопировать как можно больше деталей.Суд установил «существенное сходство» между фотографией Роджерса и скульптурой Кунса, сославшись на то, что обычный человек узнает копию. По вопросу о добросовестном использовании суд отклонил аргумент Кунса о пародии, поскольку Кунс не комментировал конкретно работу Роджера, поэтому его копирование этой работы не подпадает под исключения из положений о добросовестном использовании.

Все, что нужно знать художнику

Не знаете, как оценить свои произведения?

Возможность узнать, сколько стоит наши произведения искусства, всегда была одним из самых сложных аспектов, которые приходилось определять художникам.Эти дебаты продолжаются годами, так что не удалось прийти к единому мнению о том, какой метод или стратегия лучше всего использовать, чтобы максимизировать наш доход и, в то же время, не отпугнуть клиентов.

Есть должен быть баланс, потому что…

Если мы установим слишком низкую цену, мы можем потерять много денег в долгосрочной перспективе, и, с другой стороны, если мы установим слишком высокую цену, продажа нашего произведения искусства может занять много времени (если оно будет продаваться). вообще!).

Итак, как нам найти эту среднюю «золотую середину», чтобы найти этот баланс?

С чего начать?

Во-первых, давайте коснемся некоторых важных концепций, которые вы должны всегда помнить, когда собираетесь решать, сколько стоит ваше произведение.

Эти концепции помогут вам, поскольку уберет всю «субъективность» из любого анализа ценообразования и поможет вам достичь того баланса, о котором мы говорили в начале.

Первый шаг — определить, кого мы будем продавать. Это может показаться довольно очевидным, но это то, в чем многие артисты терпят неудачу.

Это несложный процесс. Фактически, все, что вам нужно, — это ответить на следующие вопросы.

Собираетесь ли вы продавать свои работы на месте? Регионально? На национальном уровне? Или на международном уровне? Вы ориентируетесь на молодое поколение? Или уйти на пенсию коллекционерам произведений искусства? Вы ориентируетесь на оптовые или розничные продажи?

Ответы на все эти вопросы сыграют важную роль в выборе наилучшего диапазона цен для вашего искусства.

Возможно, провести аналогию с реальным государством поможет понять эту мысль. Предположим на мгновение, что мы хотим установить цену на дом, который мы хотели бы продать.

Считаете ли вы, что дом будет иметь такую ​​же рыночную стоимость, если мы продадим его в Беверли-Хиллз, по сравнению с Северной Дакотой?

Конечно, нет, даже если это точно такой же дом. Что ж, тот же принцип применим и к вашему художественному бизнесу. Фактически, это практически применимо к любому бизнесу.

Более того, зная, кто ваша целевая аудитория, вы получите преимущество над конкурентами. Потому что у вас будет гораздо больше возможностей продолжать создавать произведения искусства, которые лучше соответствуют их интересам, ожиданиям и предпочтениям.

Со временем вы узнаете,

гораздо лучше адаптировать свои работы к потребностям и желаниям аудитории и рынка, чем пытаться протолкнуть им свое искусство.

Проведение углубленного исследования и анализа вашего рынка с акцентом на такие факторы, как диапазон цен, которые другие художники в вашей нише продают свои работы.

Особенно обращайте пристальное внимание на тех художников, у которых есть такое же резюме, как и у вас, а также награды, похвалы, достижения и опыт.Вы можете провести это исследование, просто зайдя в Интернет, посетив художественную галерею или даже посетив открытые студии.

Задавайте вопросы, соберите как можно больше информации, так как это поможет вам не устанавливать слишком высокую или слишком низкую цену.

Это мне грустно говорить, что это широко распространенная практика, особенно среди новых художники.

Я не могу начать подчеркивать все негативные последствия заниженной цены на ваши работы, особенно в долгосрочной перспективе.

И это не что-то эксклюзивное для арт-бизнеса. Это применимо ко всем компаниям в равной степени, независимо от вашей отрасли или ниши. Некоторые из худших последствий заниженной цены на ваши работы — это…

• Вы негативно воспринимаете свой бренд.
• Привлечь ценных клиентов будет сложно.
• Это показатель того, что ваш товар некачественный.

Но… Почему это?

Трудно указать причину, объясняющую это, но, возможно, следующая инфографика может направить вас на правильный путь.

Многим из вас это может показаться очевидным, и если это так, я рад, что вы достигли такого уровня. Но вы будете удивлены, сколько молодых художников, которых я встретил, не знают, как построить бюджет.

Я имею в виду, я не говорю, что вам нужно научиться быть бухгалтером, чтобы делать это. Я в основном утверждаю, что вам нужно знать, сколько вам нужно инвестировать для ведения своего арт-бизнеса.

Что угодно от стоимости материалов, связанных с вашей арт-студией (или где бы вы ни работали) расходы, такие как электричество и, самое главное, сколько часов вы проводите производство вашего искусства.

Все из этого будет добавлено к вашим базовым затратам, и оттуда вы добавите свою прибыль прибыль.

Обычная а просто?

Потому что почасовая работа снижает эффективность.

Также, с точки зрения покупателя, если у вас есть в продаже два произведения искусства с такое же измерение, но произведение №1 заняло у вас 10 часов, а произведение №2 заняло вам 20. Вам будет очень сложно оправдать разницу в ценах и даже Продам произведение искусства №2.

В определенных ситуациях вы можете использовать почасовые модели ценообразования в свою пользу.

Но это не очень распространено.

Кроме того, поскольку вы должны сообщить потенциальным клиентам приблизительную стоимость вашего произведения искусства, даже опытному художнику будет сложно оценить, сколько времени потребуется, чтобы закончить его.

Вот почему я предпочитаю модель ценообразования на основе размера. Это значительно упрощает оценку ваших работ.

Все, что вам нужно сделать, это определить, сколько вы будете брать, скажем, за квадратный дюйм.И используйте это как свой «множитель» для получения цены на искусство.

Например, предположим, что вы устанавливаете множитель на уровне 10 долларов за квадратный дюйм, и у вас есть клиент, который хотел бы приобрести искусство на холсте 4 x 4 (16 квадратных дюймов).

Итак, выполнив небольшую математику, мы получим 10 x 16 = 160

Вы Теперь знаете, что за работу нужно брать 160 долларов.

Очень часто возникает эмоциональная связь со многими предметами, которые мы создаем.В конце концов, когда мы посвящаем так много часов произведению, принимая во внимание все творческие усилия и эмоции, которые мы вложили в него, вполне естественно, что будет создана некоторая сентиментальная ценность.

Вот почему лучше просто оставить в личном пространстве. Но вам нужно эмоционально отстраниться от своих работ, потому что эмоциональное вовлечение часто приводит к завышению цен.

И этот процесс (ценообразование) должен включать только субъективный анализ физических характеристик работы, а не ее ценность для вас на личном уровне.

Более того, когда вы строите эмоциональную привязанность, она создает субъективную реальность, которую часто очень трудно объяснить клиентам.

Как Можете ли вы назначить цену за эмоции? И, что еще хуже, как это объяснить? клиент?

Ценообразование на ваши произведения искусства не является точной наукой, но это не значит, что мы не можем взять на себя большую часть всех предположений и упростить жизнь как вам, так и вашим клиентам.

Люди часто позволяют проблемной ситуации захлестнуть их и даже усложнить их решение.

Все, что нужно, — это немного совета (именно поэтому вы читаете эту статью), соберитесь и действуйте!

Мост Иногда все, что для этого требуется, — это изменение отношения, быть более уверенным.