Импрессионист это кто: Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности.

Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г.

дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века.

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н.  э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н.  э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионизм | Belcanto.ru

Категории словаря

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression — впечатление) — художественное течение, возникшее в 70-х гг. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре. Выдающиеся живописцы-импрессионисты (К. Моне, К. Писарро, А. Сислей, Э. Дега, О. Ренуар и др.) обогатили технику изображения живой природы во всей её чувственной прелести. Сущность их искусства — в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов. Музыкальный импрессионизм возник в конце 80 — начале 90-х гг. Своё классическое выражение он нашёл в творчестве К. Дебюсси.

Применение термина «импрессионизм» к музыке во многом условно: музыкальный импрессионизм не вполне аналогичен одноимённому течению в живописи. Главное в музыке композиторов-импрессионистов — передача настроений, приобретающих значение символов, фиксация едва уловимых психологических состояний, вызванных созерцанием внешнего мира. Это сближает музыкальный импрессионизм с искусством поэтов-символистов, для которого характерен культ «невыразимого». Термин «импрессионизм», применявшийся музыкальными критиками конца 19 в. в осуждающем или ироническом смысле, позднее стал общепринятым определением, охватывающим широкий круг музыкальных явлений рубежа 19-20 вв. как во Франции, так и в др. странах Европы.

Импрессионистские черты музыки К. Дебюсси, М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмита, Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов проявляются в тяготении к поэтически одухотворённому пейзажу («Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море» Дебюсси, «Игра воды», «Отражения», «Дафнис и Хлоя» Равеля и др.). Близость к природе, тонкие ощущения, возникающие при восприятии красоты моря, неба, леса, способны, по мысли Дебюсси, возбудить фантазию композитора, вызвать к жизни новые звуковые приёмы, свободные от академических условностей. Другая сфера музыкального импрессионизма — рафинированная фантастика, порождённая античной мифологией или средне-вековыми легендами, мир экзотики народов Востока. Новизна художественных средств нередко сочеталась у композиторов-импрессионистов с претворением изысканных образов старинного искусства (живописи стиля рококо, музыки французских клавесинистов).

Музыкальный импрессионизм унаследовал некоторые черты, присущие позднему романтизму и национальным школам 19 века: интерес к поэтизации старины и далёких стран к тембровой и гармонической красочности, воскрешению архаических ладовых систем. Поэтический миниатюризм Ф. Шопена и Р. Шумана, звукопись позднего Ф. Листа, колористические находки Э. Грига, Н. А. Римского-Корсакова, свобода голосоведения и стихийная импровизационность М. П. Мусоргского нашли оригинальное продолжение в творчестве Дебюсси и Равеля. Талантливо обобщив достижения предшественников, эти французские мастера в то же время резко восстали против академизации романтических традиций; патетическим преувеличениям и звуковой перенасыщенности музыкальных драм Р. Вагнера они противопоставляли искусство сдержанных эмоций и прозрачной скупой фактуры. В этом сказалось и стремление воскресить специфически французскую традицию ясности, экономии выразительных средств, противопоставив их тяжеловесности и глубокомысленности немецкого романтизма.

Во многих образцах музыкального импрессионизма проступает восторженно-гедонистическое отношение к жизни, что роднит их с живописью импрессионистов. Искусство для них — сфера наслаждения, любования красотой колорита, сверканием светлых безмятежных тонов. При этом избегаются острые конфликты, глубокие социальные противоречия.

В отличие от чёткого рельефа и сугубо материальной палитры Вагнера и его последователей, музыка импрессионистов часто характеризуется тонкостью, нежностью, беглой переменчивостью звуковых образов. «Слушая импрессионистов-композиторов, вы по преимуществу вращаетесь в кругу туманных переливчатых звучаний, нежных и хрупких до того, что вот-вот музыка вдруг дематериализуется… лишь в душе вашей надолго оставив отзвуки и отблески упоительных бесплотных видений» (В. Г. Каратыгин).

Эстетика импрессионизма воздействовала на все основные жанры музыки: вместо развитых многочастных симфоний стали культивироваться симфонические эскизы-зарисовки, сочетающие акварельную мягкость звукописи с символистской загадочностью настроений; в фортепианной музыке — столь же сжатые программные миниатюры, основанные на особой технике звукового «резонирования» и картинной пейзажности; на смену романтической песне пришла вокальная миниатюра с преобладанием сдержанной речитации, сочетающейся с красочной изобразительностью инструментального фона. В оперном театре импрессионизм привёл к созданию музыкальных драм полулегендарного содержания, отмеченных чарующей деликатностью звуковой атмосферы, скупостью и естественностью вокальной декламации. При некотором углублении психологической выразительности в них сказалась статика драматургии («Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси).

Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило палитру музыкально-выразительных средств. Это относится прежде всего к сфере гармонии с её техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам 20 в. (хотя и заметно ослабили чёткость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордовых комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтерированные и квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закруглённые построения, но короткие выразит. фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза.

В начале 20 в. музыкальный импрессионизм распространился за пределами Франции, обретая у различных народов специфические национальные черты. В Испании М. де Фалья, в Италии О. Респиги, молодой А. Казелла и Дж. Ф. Малипьеро оригинально развивали творческие идеи французских композиторов-импрессионистов. Своеобразен английский музыкальный импрессионизм с его «северной» пейзажностью (Ф. Дилиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В Польше музыкальный импрессионизм представлял К. Шимановский (до 1920) с его ультрарафинированными образами античности и Др. Востока. Влияние французского импрессионизма испытали в начале 20 в. и некоторые русские композиторы (Н. Н. Черепнин, В. И. Ребиков, С. Н. Василенко в ранние годы его творчества). У А. Н. Скрябина самостоятельно сформировавшиеся черты импрессионизма сочетались с пламенной экстатичностью и бурными волевыми порывами. Слияние традиций музыки Н. А. Римского-Корсакова с самобытно претворёнными воздействиями французского импрессионизма заметны в ранних партитурах И. Ф. Стравинского («Жар-птица», «Петрушка», опера «Соловей»). Вместе с тем Стравинский и С. С. Прокофьев наряду с Б. Бартоком оказались зачинателями нового, «антиимпрессионистского» направления в европейской музыке кануна 1-й мировой войны.

И. В. Нестьев

---

Французский музыкальный импрессионизм

Творчество двух крупнейших французских композиторов Дебюсси и Равеля — самое значительное явление во французской музыке на рубеже XIX и XX столетий, яркая вспышка глубоко человечного и поэтичного искусства в один из самых сложных и противоречивых периодов в развитии французской культуры.

Художественная жизнь Франции последней четверти XIX столетия отличалась поразительной пестротой и контрастами. С одной стороны, появление гениальной «Кармен» — вершины реализма во французской опере, целого ряда глубоких по замыслу, художественно значительных симфонических и камерных произведений Франка, Сен-Санса, Форе и Дебюсси; с другой — утвердившееся господство в музыкальной жизни столицы Франции таких учреждений, как Парижская консерватория, Академия изящных искусств с их культом омертвелых «академических» традиций.

Не менее разительный контраст представляет собой распространение в самых широких слоях французского общества таких демократических форм музыкальной жизни, как массовые певческие общества, социально-острая по своему духу деятельность парижских шансонье, и наряду с этим — возникновение крайне субъективного направления во французском искусстве — символизма, которое отвечало преимущественно интересам эстетствующей верхушки буржуазного общества с их лозунгом «искусство для избранных».

В такой сложной обстановке родилось одно из самых интересных, ярких направлений во французском искусстве второй половины XIX века — импрессионизм, возникший сначала в живописи, затем в поэзии и музыке.

В изобразительном искусстве это новое направление объединило художников весьма своеобразного и индивидуального таланта — Э. Мане, К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега, К. Писсарро и других. Относить безоговорочно всех перечисленных художников к импрессионизму было бы неверно, ибо у каждого из них была своя излюбленная сюжетная сфера, самобытная манера письма. Но объединяла их на первых порах ненависть к официальному «академическому» искусству, чуждому жизни современной Франции, лишенному настоящей человечности и непосредственного восприятия окружающего.

«Академисты» отличались исключительным пристрастием к эстетическим нормам античного искусства, к мифологическим и библейским сюжетам, а импрессионистам в значительно большей мере оказались близки тематика и образная сфера творчества таких художников предшествующей эпохи, как Камиль Коро и особенно Гюстав Курбе.

Основное, что наследовали импрессионисты у этих художников, заключалось в том, что они вышли из мастерских на открытый воздух и стали писать непосредственно с натуры. Это открыло им новые пути к постижению и отображению окружающего мира. К. Писсарро говорил: «Нельзя думать о том, чтобы написать действительно серьезную картину без натуры». Наиболее характерной чертой их творческого метода стала передача самых непосредственных впечатлений от того или иного явления. Это дало повод некоторым критикам либо причислять их к модному тогда натурализму с его поверхностным «фотографическим» восприятием мира, либо обвинять в том, что они подменяют отображение реальных явлений действительности своими сугубо субъективными ощущениями. Если упрек в субъективизме имел под собой почву в отношении ряда художников, то обвинение в натурализме было мало основательным, ибо у большинства из них (Моне, Ренуара, Дега, Ван-Гога) целый ряд картин хотя и кажутся моментальными зарисовками, как бы выхваченными «из жизни», на самом деле появились в результате долгих поисков и отбора характерного, типичного и глубокого обобщения жизненных наблюдений.

Большинство импрессионистов всегда подчеркивали значение выбора конкретной темы для своих картин. Самый старший из них, Эдуард Мане, говорил: «Цвет — это дело вкуса и чувствительности. Но нужно иметь, что сказать. А не то — до свидания!.. Нужно быть также взволнованным темой».

Основной темой их творчества стала Франция — ее природа, быт и люди: рыбацкие поселки и шумные парижские улицы, мост в Морэ и знаменитый собор в Руане, крестьяне и балерины, прачки и рыбаки.

Настоящим откровением в полотнах художников-импрессионистов явился пейзаж. Новаторские устремления их раскрылась здесь во всем своем разнообразия и богатстве оттенков и нюансов. На полотнах импрессионистов появились подлинные живые краски природы, ощущение прозрачности воздуха, тончайшая игра светотеней и т. д.

Новые сюжеты, постоянный огромный интерес к натуре потребовали от импрессионистов особого живописного языка, открытия стилевых закономерностей живописи, основанных на единстве формы и цвета. Им удалось установить, что цвет на картине может образовываться не обязательно путем смешивания красок ча палитре, а в результате рядом положенных «чистых» тонов, которые образуют более естественное оптическое смешение; что тени не только являются следствием малой освещенности предмета, но могут сами рождать новый цвет; что цвет, так же как и линия, может «слепить» предмет, придать ему четкую определенную форму и т. д.

Новизна тематики и особенно метода художников-импрессионистов вызвала резко отрицательное отношение со стороны официальных художественных кругов Парижа. Первую же выставку импрессионистов официальная пресса назвала «покушением на добрые художественные нравы», на уважение к мастерам классического французского искусства.

В обстановке непрекращающейся борьбы между традиционными и новыми направлениями в живописи и поэзии складывался музыкальный импрессионизм. Он возник также как прямая оппозиция по отношению к устаревшим, но цепко удерживающимся «академическим» традициям в музыкальном искусстве Франции конца прошлого столетия. Первым и наиболее выдающимся представителем этого направления был Клод Дебюсси. Композитором, во многом продолжившим творческие устремления Дебюсси, но в то же время нашедшим свой оригинальный самобытный путь развития, стал Морис Равель. Их первые творческие опыты встретили такое же недоброжелательное отношение со стороны руководства официальных учреждений — Парижской консерватории, Академии изящных искусств, как и картины художников-импрессионистов. Им пришлось пробивать себе дорогу в искусстве в одиночестве, ибо у них почти не было единомышленников и соратников. Весь жизненый и творческий путь Дебюсси и Равеля — путь мучительных поисков и счастливых находок новых тем и сюжетов, смелых экспериментов в области музыкальных жанров и средств музыкального языка.

При общности истоков их творчества, художественного окружения оба художника глубоко индивидуальны по своему творческому облику. Это проявилось и в выборе каждым из них определенных тем и сюжетов, и в их отношении к национальному фольклору, и в характере эволюции творческого пути каждого, и во многих важных особенностях стиля.

Музыкальный импрессионизм (как и живописный) вырос на почве национальных традиций французского искусства. Это проявилось у Дебюсси и Равеля в прочных, хотя и не всегда внешне заметных связях с народным французским искусством (где наиболее живым примером для них могло быть глубоко национальное по своей природе творчество Визе), в тесном общении с современной им литературой и живописью (что было всегда типично для французской музыки различных исторических периодов), в исключительной роли в их творчестве программной инструментальной музыки, в особом интересе к античной культуре. Но самыми близкими и непосредственно подготовившими музыкальный импрессионизм явлениями все же остаются современная французская поэзия (где в это время выдвинулась близкая по духу импрессионистам фигура поэта Поля Верлена) и, особенно, живописный импрессионизм. Если влияние поэзии (в основном символистской) обнаруживается преимущественно в ранних произведениях Дебюсси и Равеля, то влияние живописного импрессионизма на творчество Дебюсси (и в меньшей степени на Равеля) оказалось шире и плодотворнее.

В творчестве художников и композиторов — импрессионистов обнаруживается родственная тематика: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж.

Есть общие черты и в художественном методе живописного и музыкального импрессионизма — стремление к передаче первого непосредственного впечатления от явления. Отсюда тяготение импрессионистов не к монументальным, а к миниатюрным формам (в живописи — не к фреске или крупной композиции, а к портрету, этюду; в музыке — не к симфонии, оратории, а к романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре со свободно-импровизационной манерой изложения) (Это более характерно для Дебюсси, чем для Равеля. У Равеля в зрелом творчестве проявляется особый интерес к крупным инструментальным формам — сонате, концерту, а также к опере и балету.).

Больше всего живописный импрессионизм повлиял на музыку в области средств выразительности. Так же как и в живописи, поиски Дебюсси и Равеля были направлены на расширение круга выразительных средств, необходимых для воплощения новых образов, и в первую очередь на максимальное обогащение красочно-колористической стороны музыки. Эти поиски коснулись лада и гармонии, мелодии и метроритма, фактуры и инструментовки. Значение мелодии как основного выразительного элемента музыки ослабляется; в то же время необычайно возрастает роль ладогармонического языка и оркестрового стиля, в силу своих возможностей более склонных к передаче картинно-образного и колористического начал.

Новые выразительные средства у композиторов-импрессионистов, при всем своеобразии и специфике, имеют некоторые аналогии с живописным языком художников-импрессионистов. Частое обращение Дебюсси и Равеля к старинным народным ладам (пентатонике, дорийскому, фригийскому, миксолидийскому и другим), а также целотонному звукоряду в сочетании с натуральными мажором и минором аналогично огромному обогащению цветовой палитры у художников-импрессионистов; длительное «балансирование» между двумя отдаленными тональностями без явного предпочтения одной из них несколько напоминает тонкую игру светотеней на полотне; сопоставление нескольких тонических трезвучий или их обращений в отдаленных тональностях производит впечатление, аналогичное мелким мазкам «чистых» красок, расположенных рядом на холсте и образующих неожиданно новое цветовое сочетание и т. д.

На творчестве Дебюсси и Равеля (как и художников-импрессионистов) сказалась и определенная ограниченность импрессионистской эстетики. Она нашла выражение в сужении круга тем, художественно-образной сферы их творчества (особенно в сравнении с их великим предшественником Берлиозом, музыкой эпохи французской революции), в равнодушии к героико-исторической и социальной теме. Наоборот, явное предпочтение отдается музыкальному пейзажу, жанровой сценке, характерному портрету, реже мифу или сказке. Но в то же время Дебюсси и особенно Равель в ряде крупных сочинений преодолевают ограниченность импрессионистской эстетики и создают такие психологически углубленные сочинения, как Второй фортепианный концерт и «Гробница Куперена» (Равель), грандиозные по масштабам симфонического развития «Вальс» и «Болеро» (Равель), яркие колоритные картины народной жизни, как «Иберия» и «Празднества» (Дебюсси), «Испанская рапсодия» (Равель).

В отличие от многочисленных направлений модернистского искусства, распустившихся пышным цветом в начале XX века (экспрессионизм, конструктивизм, урбанизм и другие), творчество двух французских художников отличает полное отсутствие болезненной утонченности, смакования ужасного и уродливого, подмены эмоционального восприятия окружающего «конструированием» музыки. Искусство Дебюсси и Равеля, как и полотна художников-импрессионистов, воспевает мир естественных человеческих переживаний, иногда глубоко драматических, но чаще передает радостное ощущение жизни. Оно по-настоящему оптимистично.

Большинство их произведении как бы заново открывает перед слушателями прекрасный поэтичный мир природы, нарисованный тонкими, чарующими и пленительными красками богатой и оригинальной звуковой палитры.

Историческое значение наследия Дебюсси и Равеля метко и точно определил Ромен Роллан, сказав: «Я всегда смотрел на Равеля, как на величайшего художника французской музыки, вместе с Рамо и Дебюсси — одного из самых великих музыкантов всех времен».

Б. Ионин

---

Художественное течение конца 19 — начала 20 вв., в основе которого стремление передать мимолётные впечатления, субъективные ощущения и настроения художника. Первоначально возникло во французской живописи, затем распространилось на другие искусства и страны. В хореографии стремление к фиксации мгновения, свойственное импрессионизму, опиралось на импровизационность и противостояло созданию завершённой художественной формы. В балетном театре, основанном на сложной технике танца и развитых танцевальных формах, последовательный импрессионизм означал бы его самоликвидацию, и потому он не получил значительного распространения. Импрессионизм проявился главным образом в т. н. свободном танце. А. Дункан отстаивала идею «раскрепощения тела» и интуитивного истолкования музыки, без какаих-либо. танцевальных норм. Импрессионизм в танце получил распространение также в Германии. М. М. Фокин пытался сблизить импрессионизм с балетной сценой. Воссоздавая в спектаклях сцены из различных эпох («Павильон Армиды», «Шопениана», оба — 1907; «Египетские ночи», 1908, и др.), Фокин прибегал к стилизации. Позднее в его работах всё более размывалась структура танца. Завершённые формы (pas de deux, adagio, вариация и др.) отвергались и даже пародировались (напр., в балете «Синяя борода»). Вместе с тем черты импрессионизма в творчестве Фокина — лишь одна из его граней.

В дальнейшем на смену большому спектаклю всё чаще приходит миниатюра. Однако в погоне за верностью передачи мгновенного впечатления происходило измельчание тематики, пренебрежение сценарной драматургией. Импрессионизм быстро исчерпал свои возможности.

Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Эпоха Импрессионизма. Тема: Творчество | by Eggheado | Eggheado: Art

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Впечатление. Восход солнца, Клод Моне, 1872

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер и указывал на соответствующее отношение к художникам, писавшим в этой манере.

Специфика философии импрессионизмаЖенщины в саду, Клод Моне, 1866

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они — главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах.

Голубые танцовщицы, Эдгар Дега, 1897

Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Бал в Мулен де ла Галетт, Ренуар, 1876В кабачке папаши Латюиля, Эдуард Мане, 1879

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда.

Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой — Оранжевый
• Красный — Зелёный
• Жёлтый — Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного.

Лягушатник, Огюст Ренуар

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним», а «внешним» светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

Стога сена, Моне

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Источник: Wikipedia

Eggheado — это сообщество людей, расширяющий свой кругозор ежедневно.

Присоединяйтесь к Eggheado и получайте познавательную статью к завтраку.

Импрессионизм — что это?

Почему это называется импрессионизмом?

Дело в том, что художники-импрессионисты пытались нарисовать не отражение реальной жизни, а «впечатление» от того, как выглядели для них человек, свет, атмосфера, объект или пейзаж.И поэтому их называли импрессионистами! Они пытались запечатлеть движение и жизнь увиденного и показать это нам, как если бы это происходило у нас на глазах.

Кто были импрессионисты?

Некоторые из главных художников-импрессионистов: Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Огюст Ренуар, Мэри Кассат и Эдгар Дега.

Как рисовали?

Джон Сингер Сарджент
Клод Моне Картина у края дерева ? 1885
Тейт

До импрессионизма пейзажи в искусстве часто были воображаемыми, совершенными пейзажами, написанными в мастерской.Импрессионисты все изменили. Рисовали на улице.

Находясь снаружи, они смотрели, как свет и цвет меняют сцены. Они часто рисовали густо и использовали быстрые (и довольно грязные) мазки кистью. На большинстве картин до импрессионизма вообще не видно мазков.

Камиль Писсарро
Мясник свинины 1883 г.
Тейт
Камиль Писсарро
Маленькая деревенская горничная 1882 г.
Тейт

Камиль Писсарро дал этот совет о том, как рисовать импрессионистский пейзаж:

Работайте одновременно над небом, водой, ветками, землей, сохраняя все на равной основе…Не бойтесь красить … Раскрашивайте обильно и без колебаний, так как лучше не потерять первое впечатление.

Клод Моне
Тополя на Epte 1891 г.
Тейт

Были ли женщины-импрессионистки?

Берта Моризо
Девушка на диване c.1885 г.
Тейт

Берта Моризо стала успешной художницей, но семья не поощряла ее к профессиональному рисованию.

Американская художница Мэри Кассат присоединилась к импрессионистам на некоторых из их более поздних выставок в Париже. Она была полна решимости стать успешным художником. В Соединенных Штатах ей не разрешили рисовать с живых моделей, потому что она была женщиной.

Был ли импрессионизм только во Франции?

Филип Уилсон Стэр
Girls Running, Walberswick Pier 1888–94
Тейт

Художники из других частей света также были вдохновлены этой идеей запечатлеть сцены повседневной жизни.Это картина британского художника Филипа Уилсона Стира.

Ему удалось запечатлеть волшебство и волнение дня на берегу моря. Посмотрите на солнечный свет, сверкающий в море!

В Соединенных Штатах были также художники-импрессионисты. Чайльд Хассам создавал живые картины городской жизни в Нью-Йорке, а Теодор Робинсон был наиболее известен своими сценами повседневной жизни в сельской местности.

10 лучших картин импрессионистов | ImpressionistArts

Моне, самый известный сегодня импрессионист, наиболее известен своими водяными лилиями.

Всего в серии более 250 картин, написанных за последние 30 лет жизни Моне.

Живерни

Моне переехал в Живерни, небольшой городок под Парижем, в 1883 году (год смерти Мане). Для начала он арендовал большой фермерский дом и купил его примерно десять лет спустя, когда популярность и цена его работ росли.

Интересный факт …

Моне потребовалось некоторое время, чтобы расположить к себе подозрительных местных жителей. Некоторые из них заставляли его ходить по их полям, в то время как другие даже разбирали стога сена и угрожали срубить тополя, когда Моне пытался их раскрасить.

Но это не помешало Моне превратить Живерни в свой личный Эдем. Он купил поле под домом в начале 1890-х годов и решил превратить его в водный сад. Позже он нанял садовника, который постоянно ухаживал за бассейнами и лилиями.

Живерни был местом, где Моне продолжал писать с поразительной усердием до самой своей смерти. Он встал рано, плотно позавтракал и пошел на работу. Обед подавали в 11.30, чтобы Моне не пропустил полуденный солнечный свет.Чай выпили в саду, и Моне рано лег спать, чтобы он мог повторить процесс!

Кувшинки

В течение тридцати лет с середины 1890-х годов Моне писал преимущественно кувшинки. Это была его самая полная серия картин (он также написал множество версий стога сена, тополей, Руанского собора и здания парламента).

Работы впечатляют на многих уровнях. Еще никто так умело не использовал цвет, свет и отражение.

Затем есть огромный выбор картин: картины с прудом, японский мост, который Моне установил в 1906 году, и очень крупные планы горстки лилий.Некоторые из полотен огромны, особенно те, которые сейчас находятся в Musee de l’Orangerie в Париже.

И, наконец, индустрия Моне: он писал практически каждый день, часто с дюжиной полотен одновременно.

Интересный факт …

Моне продолжал рисовать кувшинки, несмотря на то, что его зрение было ослаблено примерно с 1908 года из-за катаракты (в конце концов, он согласился удалить их хирургическим путем). В годы катаракты Моне употреблял гораздо больше красного и оранжевого.

Моне был самым долгоживущим из импрессионистов: он пережил Мане более чем на четыре десятилетия, а Ренуара — на семь лет. Он рисовал кувшинки до своей смерти в декабре 1926 года.

Где я могу их увидеть лично?

разновидностей водяных лилий можно увидеть по всему миру. Версии хранятся в Национальной галерее Лондона и в музее Д’Орсе в Париже. То же самое и с Метрополитен-музеем в Нью-Йорке, Национальной галереей Вашингтона и Национальной галереей западного искусства Токио.Парижский Musee de l’Orangerie был специально построен в соответствии со строгими требованиями Моне для хранения 12 огромных кувшинок, завещанных им по наследству.

Обзор движения импрессионизма | TheArtStory

Резюме импрессионизма

Импрессионизм, пожалуй, самое важное направление во всей современной живописи. В какой-то момент 1860-х годов группа молодых художников решила очень просто нарисовать то, что они видели, думали и чувствовали. Они не интересовались историей, мифологией или жизнями великих людей и не стремились к совершенству во внешнем виде.Вместо этого, как следует из их названия, импрессионисты пытались запечатлеть на холсте «впечатление» о том, как пейзаж, вещь или человек представлялись им в определенный момент времени. Это часто означало использование гораздо более легкой и свободной манеры письма, чем у художников до этого момента, и рисование на открытом воздухе, на пленэре. Импрессионисты также отвергли официальные выставки и конкурсы живописи, учрежденные французским правительством, вместо этого организовав свои собственные групповые выставки, к которым публика изначально была очень враждебна.Все эти шаги предсказывали появление современного искусства и всей связанной с ним философии авангарда.

Ключевые идеи и достижения

• Импрессионисты использовали более свободную манеру письма и более светлые цвета, чем предыдущие художники. Они отказались от традиционной трехмерной перспективы и отказались от четкости формы, которая раньше служила для различения более важных элементов изображения от меньших. По этой причине многие критики обвиняли картины импрессионистов в их незавершенности и, казалось бы, любительском качестве.
• Воспользовавшись идеями Гюстава Курбе, импрессионисты стремились создать художников настоящего : они стремились расширить возможные сюжеты для картин. Уходя от изображения идеализированных форм и совершенной симметрии, они сосредоточились на мире, каким они его видели, который был несовершенным во множестве способов.
• Научная мысль в эпоху импрессионизма начинала осознавать, что то, что воспринимает глаз, и то, что понимает мозг, — это две разные вещи.Импрессионисты стремились запечатлеть первое — оптические эффекты света — чтобы передать на своих полотнах мимолетную природу настоящего момента, включая такие элементы окружения, как изменения погоды. Их искусство не обязательно полагалось на реалистичные изображения.
• Импрессионизм отражает результаты масштабной реконструкции Парижа середины 19, ^-х, -го века, проводившейся под руководством архитектора Жоржа-Эжена Османа, которая включала недавно построенные железнодорожные вокзалы города; широкие, обсаженные деревьями бульвары, которые заменили прежде узкие многолюдные улицы; и большие, роскошные многоквартирные дома.Работы, посвященные сценам общественного досуга, особенно сценам из кафе и кабаре, часто передают новое ощущение отчуждения, которое испытывали жители первого современного мегаполиса.

Обзор импрессионизма

Эдуард Мане сказал: «Вы вряд ли поверите, как сложно поместить фигуру в одиночку на холст и сконцентрировать весь интерес на этой единственной и универсальной фигуре, при этом сохраняя ее живой и реальной. » Здесь он намекает на новаторское мышление, которое вошло в новый способ представления мира импрессионизмом.

Импрессионизм | Безграничная история искусства

Импрессионизм

Импрессионизм — это движение XIX века, известное своими картинами, целью которых было изображать быстротечность света и запечатлевать сцены современной жизни и природного мира в их постоянно меняющихся условиях.

Цели обучения

Определите характеристики импрессионизма

Основные выводы

Ключевые моменты

• Термин «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне « Impression, soleil levant » («Впечатление, восход солнца»).
• Работы импрессионистов обычно изображают общие визуальные эффекты, а не детали, и используют короткие, «рваные» мазки смешанного и несмешанного цвета для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.
• Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов»), чтобы выставлять свои работы независимо друг от друга. критический ответ.
• Импрессионисты выставлялись вместе восемь раз в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получили небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенную степень общественного признания и поддержки.
• Импрессионисты обычно рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе или на на пленэре .

Ключевые термины

• En Plein air : En plein air — французское выражение, означающее «на открытом воздухе», и в частности используется для описания процесса рисования на открытом воздухе, который также называется peinture sur le motif («рисование на земле». «) На французском.
• Перспектива : С итальянской перспективы («вид, взгляд»). Дальний вид или перспектива, особенно если смотреть через проем, проспект или проход.
• flâneur : человек, наблюдающий за обществом, обычно в городских условиях; «наблюдатель за людьми».

Импрессионизм — это художественное направление XIX века, созданное группой парижских художников, включая Берту Моризо, Клода Моне, Августа Ренуара, Эдгара Дега, Камилла Писсарро и Альфреда Сислея, а также американской художницы Мэри Кассат.Эти художники создавали свои картины с помощью свободно окрашенных цветов, которые преобладали над линиями и контурами. Обычно они рисовали сцены из современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе. Импрессионисты обнаружили, что могут запечатлеть мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, нарисовав на пленэре . Однако многие картины и гравюры импрессионистов, особенно созданные Моризо и Кассат, находятся в домашних интерьерах. Обычно они изображали общие визуальные эффекты, а не детали, и использовали короткие, «рваные» мазки кисти смешанного и несмешанного цвета для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.

Лондон, здание парламента. Солнце, сияющее сквозь туман, Клод Моне, 1904 : Моне считается наиболее последовательным и плодовитым практиком импрессионистской философии, выражающей свое восприятие перед природой.

Радикалы в свое время, ранние импрессионисты нарушили правила академической живописи. Во Франции XIX века Академия изящных искусств («Академия изящных искусств») доминировала во французском искусстве. Академия была хранительницей традиционных французских стандартов живописи по содержанию и стилю.Ценились исторические предметы, религиозные темы и портреты (пейзаж и натюрморт — нет), и Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые выглядели реалистично при внимательном рассмотрении. Цвет был мрачным и консервативным, следы мазков были подавлены, скрывая личность художника, его эмоции и методы работы.

Художники-импрессионисты не могли позволить себе ждать, пока Франция примет их работы, поэтому они организовали свою собственную выставку — помимо ежегодного салона, организованного Академией.Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов») для независимой выставки своих работ. Всего в своей первой выставке, состоявшейся в апреле 1874 года в мастерской французского фотографа и карикатуриста Надара, участвовало 30 художников.

Критический отклик был неоднозначным. Критик и юморист Луи Лерой написал резкую рецензию в газете Le Charivari, в которой, играя словами с названием «Впечатление Клода Моне», soleil levant («Впечатление, восход»), он дал художникам имя, под которым они стали известны .Термин «импрессионисты» быстро завоевал признание публики. Это было воспринято и самими художниками, несмотря на то, что они были разношерстной по стилю и темпераменту группой, объединенной прежде всего их духом независимости и бунтарства. В период с 1874 по 1886 год они выставлялись вместе восемь раз. Отдельные художники получали небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенную степень общественного признания и поддержки. Их дилер, Поль Дюран-Рюэль, сыграл в этом важную роль, так как он держал их работы на виду у публики и устраивал для них шоу в Лондоне и Нью-Йорке.

Les régates à Moseley Альфреда Сислея, холст, масло, 1874 г. : Сислей посвятил себя рисованию пейзажа на пленэре , и его работы известны тем, что улавливают временные эффекты солнечного света.

Импрессионисты запечатлели обычные предметы, занятые повседневной деятельностью как в сельской, так и в городской среде. Художники-импрессионисты ослабили границу между объектом и фоном, так что эффект от картины импрессионистов часто напоминает моментальный снимок, часть большей реальности, захваченную как бы случайно.

Развитие импрессионизма можно рассматривать отчасти как реакцию художников на вызов, брошенный фотографией, которая, казалось, обесценила мастерство художника в воспроизведении реальности. Несмотря на это, фотография на самом деле вдохновила художников на поиск других средств художественного выражения, и вместо того, чтобы соревноваться с фотографией в подражании реальности, импрессионисты стремились выразить свое восприятие природы и современной городской жизни.

Сцены из буржуазной беззаботной жизни, а также из мира развлечений, таких как кафе, танцевальные залы и театры, были среди их любимых сюжетов.В своих жанровых сценах современной жизни эти художники пытались уловить момент в своей динамичной жизни, выявляя определенные атмосферные условия, такие как мерцание света на воде, движущиеся облака или огни города, падающие на танцующие пары. Их техника пыталась запечатлеть то, что они видели.

Понтуаз Камиля Писсарро, холст, масло, 1867 : Камиль Писсарро (1830–1903) был стилистическим предшественником импрессионизма, известным своими пейзажами и отражением повседневной реальности деревенской жизни.

Мане

Эдуард Мане, французский художник, сыграл ключевую роль в переходе от реализма к импрессионизму.

Цели обучения

Выразите, почему Эдуард Мане считается ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму

Основные выводы

Ключевые моменты

• Его ранние шедевры, «Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe), и «Олимпия», вызвали большие споры и послужили объединением для молодых художников, которые хотели создать импрессионизм.Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими генезис современного искусства.
• Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов.
• Работы Мане рассматривались как вызов произведениям эпохи Возрождения, которые вдохновляли его картины. Работы Мане считаются «ранними современными» отчасти из-за черных очертаний фигур, которые привлекают внимание к поверхности картинной плоскости и материальному качеству краски.

Ключевые термины

• сопоставление : Дополнительный акцент на сравнении, когда контрастирующие объекты расположены близко друг к другу.
• Импрессионизм : художественное движение XIX века, зародившееся группой парижских художников. Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто с акцентом на эффекты течения времени), обычный, обычный предмет, включение движения как объекта важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Эдуард Мане (1832–1883) был французским художником. Один из первых художников XIX века, который подошел к модерну и постмодернистской жизни, он был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму. Его ранние шедевры The Luncheon on the Grass ( Le déjeuner sur l’herbe ) и Olympia вызвали споры и сплотили молодых художников, которые хотели создать импрессионизм. Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими генезис современного искусства.

Мане открыл студию в 1856 году. Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов. Приняв современный стиль реализма, инициированный Гюставом Курбе, он написал «Любитель абсента» (1858–1859) и другие современные предметы, такие как нищие, певцы, цыгане, люди в кафе и корриды. Музыка в Тюильри — ранний образец живописного стиля Мане. Вдохновленный Хальсом и Веласкесом, он является предвестником его пожизненного интереса к теме досуга.

Музыка в Тюильри , 1862 : Одно из самых ранних произведений Мане, демонстрирующее его интерес к свободным мазкам кустов и неторопливой общественной деятельности парижан 19 века.

Парижский Салон отклонил «Обед на траве» для выставки в 1863 году. Позже в том же году Мане выставил его в Салоне отказов (Салон отвергнутых). Сопоставление в картине полностью одетых мужчин и обнаженной женщины было спорным, как и его сокращенная, похожая на эскиз обработка, нововведение, которое отличало Мане от Курбе.В то же время композиция раскрывает этюды Мане старых мастеров эпохи Возрождения. Одна работа, которую ученые называют важным прецедентом для Le déjeuner sur l’herbe , — это работа Джорджоне The Tempest .

Обед на траве (Le déjeuner sur l’herbe) Эдуарда Мане, 1863 : Картина изображает сопоставление обнаженной женщины и полураздетой купальщицы на пикнике с двумя полностью одетыми мужчинами в сельской местности. параметр. Отвергнутый жюри Салона 1863 года, Мане воспользовался возможностью выставить эту и две другие картины в Салоне отказов 1863 года, где картина вызвала общественную известность и споры.

Как и в картине «Обед на траве », Мане снова перефразировал уважаемую работу художника эпохи Возрождения в своей картине «Олимпия » (1863 г.), обнаженной в позе, основанной на картине Тициана «Венера Урбино ». (1538). Мане создал Olympia в ответ на вызов выставить в Салоне картину обнаженной натуры. Его впоследствии откровенное изображение самоуверенной проститутки было принято Парижским салоном в 1865 году, где это вызвало скандал.

Олимпия Эдуарда Мане, 1863 : Картина Мане «Олимпия » была противоречивой картиной в то время из-за конфронтационного взгляда изображенной женщины, а также из-за того, что многочисленные детали на картине указывают на то, что она проститутка.

Картина вызвала споры отчасти потому, что обнаженная носит небольшие предметы одежды, такие как орхидея в волосах, браслет, лента на шее и шлепанцы, все из которых подчеркивали ее наготу, сексуальность и комфортный образ жизни куртизанки. .Орхидея, взъерошенные волосы, черная кошка и букет цветов были признанными символами сексуальности в то время. Современное тело Венеры тонкое, что противоречит общепринятым стандартам, и отсутствие физического идеализма раздражало зрителей. Тело Олимпии и ее взгляд откровенно конфронтационны. Она вызывающе смотрит, как ее слуга предлагает цветы от одного из ее женихов. Хотя ее рука лежит на ноге, скрывая лобок, упоминание традиционной женской добродетели является ироничным: женская скромность, как известно, отсутствует в этой работе.Как и в случае с «Обед на траве» , картина подняла вопрос проституции в современной Франции и роли женщин в обществе.

Примерно нарисованный стиль и фотографическое освещение в этих двух противоречивых произведениях современники считали современными: в частности, как вызов произведениям эпохи Возрождения, которые Мане скопировал или использовал в качестве исходного материала. Его работы считаются «ранними современными» отчасти из-за черных очертаний фигур, которые привлекают внимание к поверхности картинной плоскости и качеству материала краски.

Живопись импрессионистов

Живопись импрессионистов отошла от традиций Академии, отдавая предпочтение повседневным предметам, преувеличенным цветам, нанесению толстой краски и стремлению запечатлеть движение жизни, а не постановочные сцены.

Цели обучения

Опишите характеристики живописи импрессионистов

Основные выводы

Ключевые моменты

• В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве, ценив исторические предметы, религиозные темы и портреты, а не пейзажи или натюрморты.
• В начале 1860-х годов Моне, Ренуар, Сислей и Базиль познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что разделяют интерес к живописи пейзажей и современной жизни, а не историческим или мифологическим сценам
• Картины импрессионистов можно охарактеризовать тем, что в них используются короткие толстые мазки краски, которые быстро отражают суть предмета, а не детали.
• Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких красочных пленок (глазурей), которыми ранее художники осторожно манипулировали для создания эффектов.
• Тематически работы импрессионистов сфокусированы на захвате движения жизни или быстрых моментов, запечатленных как будто на снимке.

Ключевые термины

• Académie des Beaux-Arts : Академия была создана в 1816 году в результате слияния Академии живописи и скульптуры (Академия живописи и скульптуры, основанная в 1648 году) и Académie de musique (Музыкальная академия, основанная в 1669 году). ) и Академии архитектуры (Академия архитектуры, основанная в 1671 году).

В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве. Академия была хранительницей традиционных французских стандартов живописи по содержанию и стилю. Ценились исторические сюжеты, религиозные темы и портреты; пейзажа и натюрморта не было. Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые при внимательном рассмотрении выглядели реалистично. Картины в этом стиле были составлены из точных мазков, тщательно смешанных, чтобы скрыть руку художника в работе.Цвет был сдержанным и часто смягчался путем нанесения золотистого лака.

В начале 1860-х годов четыре молодых художника — Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль — познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что разделяют интерес к живописи пейзажей и современной жизни, а не историческим или мифологическим сценам. Следуя практике, которая становилась все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе или на пленэре , но не для того, чтобы делать эскизы, которые можно было бы превратить в тщательно законченные работы. студии, как обычно.Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они начали развивать более легкую и яркую манеру живописи, которая еще больше расширила реализм Гюстава Курбе и Барбизона. Школа.

Impression, soleil levant (Impression, Sunrise) Клода Моне, 1872 г. : Эта картина стала источником названия движения, насмешливо данного критиком, но поддержанного художниками и публикой.

Техника

Картины импрессионистов можно охарактеризовать тем, что в них используются короткие толстые мазки краски, которые быстро отражают суть предмета, а не детали. Цвета часто применяются бок о бок с минимальным смешиванием. В этом методе используется принцип одновременного контраста, чтобы цвет казался зрителю более ярким. Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких красочных пленок (глазурей), которыми ранее художники осторожно манипулировали для создания эффектов.Кроме того, окрашиваемая поверхность обычно непрозрачна и подчеркивается игра естественного света.

Тематически импрессионисты сосредоточились на запечатлении движений жизни или быстрых моментов, запечатленных, как если бы они были сняты. Изображение света и его изменяющиеся качества имели первостепенное значение. Обычный сюжет и необычные углы обзора также были важными элементами работ импрессионистов.

Стог сена, (закат) Клода Моне, 1890–1891 : Стог сена Моне иллюстрирует типичные черты работ импрессионистов с его короткими, быстрыми линиями, в которых используются многие непрозрачные цвета рядом, чтобы предложить игру света на закате.

Скульптура импрессионистов

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена.

Цели обучения

Отличить современный классицизм во французской скульптуре от классицизма более ранней классической скульптуры

Основные выводы

Ключевые моменты

• Как правило, художники-модернисты были озабочены представлением современных проблем, а не грандиозными историческими и аллегорическими темами, которые ранее предпочитались в искусстве.Роден моделировал сложные, бурные, глубоко забитые поверхности в глину, и многие из его самых известных скульптур противоречили преобладающей традиции скульптуры фигур, в которой работы были декоративными, шаблонными или высокотематическими. Спонтанность, очевидная в его работах, связывает его с импрессионистами, хотя он никогда не отождествлял себя с ними.
• Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.
• Именно свобода и креативность, с которыми Роден использовал эти методы, наряду с его более открытым отношением к телесной позе, чувственным предметам и нереалистичной поверхности, ознаменовали переделку традиционных скульптурных техник 19-го века в прототип для современная скульптура.
• Хотя его работы выходили за многие стилистические границы, и он не считал себя импрессионистом, Дега, тем не менее, считается одним из основателей импрессионизма.
• Скульптура Маленькая танцовщица четырнадцати лет Эдгара Дега ок. 1881 год был показан на выставке импрессионистов 1881 года и вызвал много споров из-за отхода от исторического прецедента, ключевого мотива импрессионистов.

Ключевые термины

• Огюст Роден : Огюст Роден был французским скульптором. Хотя Родена обычно считают родоначальником современной скульптуры, он не собирался восставать против прошлого.Он получил традиционное образование, подходил к своей работе как ремесленник и желал академического признания, хотя его так и не приняли в ведущую художественную школу Парижа.

Французская скульптура

Современный классицизм во многом контрастирует с классической скульптурой 19 века, для которой характерны приверженность натурализму, мелодраматичность, сентиментальность или своего рода величественная грандиозность. На смену веку было принято несколько различных направлений в классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции все еще оставалось фундаментальным.Современный классицизм проявил меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмичности объемов и пространств, а также контрастным качествам поверхности (открытая, закрытая, плоская, ломаная и т. Д.), В то время как меньше внимания уделялось повествованию и убедительным деталям анатомии или костюма. Больше внимания уделялось психологическому воздействию, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних мировых стилей.

Современная скульптура, как и все современное искусство, «возникла как часть попытки западного общества примириться с городским, индустриальным и светским обществом, возникшим в 19 веке.«Как правило, художники-модернисты были озабочены представлением современных проблем, а не грандиозными историческими и аллегорическими темами, которые ранее предпочитались в искусстве.

Влияние Родена

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена. Роден, которого часто считают скульптурным импрессионистом, не собирался восставать против художественных традиций, однако он использовал новые способы создания своей скульптуры, которые бросали вызов классическим категориям и техникам.В частности, Родин моделировал сложные, турбулентные, глубоко забитые поверхности в глине. Хотя он никогда не идентифицировал себя как импрессионист, энергичное моделирование жестов, которое он использовал в своих работах, часто сравнивают с быстрыми жестами, направленными на то, чтобы запечатлеть мимолетный момент, что было типично для импрессионистов. Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с глубоким реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.

Роден был натуралистом, менее озабоченным монументальным выражением, чем характером и эмоциями. Исходя из многовековых традиций, он отвернулся от идеализма греков и декоративной красоты движений барокко и необарокко. Его скульптура подчеркивала индивидуальность и конкретность плоти, передавая эмоции через детализированные, текстурированные поверхности и взаимодействие света и тени. Родин в большей степени, чем его современники, считал, что характер человека определяется его физическими особенностями.Талант Родена к моделированию поверхностей позволил ему позволить каждой части тела говорить от имени целого. Страсть мужчины в The Kiss , например, выражается сцеплением его пальцев ног с камнем, жесткостью его спины и различением рук. Роден считал страдания и конфликты отличительными чертами современного искусства. Он утверждает, что «на самом деле нет ничего более трогательного, чем обезумевший зверь, умирающий от невыполненного желания и тщетно просящий благодати, чтобы подавить его страсть».

Мыслитель Огюста Родена : Эксперименты Родена с формой, видимой в Мыслителе, положили начало современной абстрактной скульптуре.

Главным нововведением Родена было использование таких многоступенчатых процессов скульптуры XIX века и их зависимости от гипсового литья. Поскольку глина быстро портится, если ее не поддерживать во влажном состоянии или обжигать терракоту, скульпторы использовали гипсовые слепки как средство закрепления композиции, которую они могли бы сделать из летучего материала, которым является глина. Это было обычным делом среди современников Родена: скульпторы выставляли гипсовые слепки в надежде, что им будут заказаны работы из более прочного материала.Роден, однако, делал несколько штукатурок и рассматривал их как сырье для скульптуры, объединяя их части и фигуры в новые композиции и новые имена. По мере того, как практика Родена развивалась в 1890-е годы, он становился все более и более радикальным в своем стремлении к фрагментации, сочетанию фигур в разных масштабах и созданию новых композиций на основе его более ранних работ.

Ходячий человек

Ярким примером его радикальных практик является The Walking Man (1899–1900).Он состоит из двух скульптур 1870-х годов, которые Роден нашел в своей мастерской — сломанного и поврежденного торса, который был заброшен, и нижних конечностей статуэтки его 1878 Св. Иоанна Крестителя, проповедующего , который он повторял. — лепка в уменьшенном масштабе. Не придавая особого значения соединению верха и низа, туловища и ног, Роден создал произведение, которое многие скульпторы того времени и впоследствии сочли одним из его самых сильных и необычных произведений.И это несмотря на то, что объект передает два разных стиля, демонстрирует два разных отношения к отделке и не пытается скрыть произвольное слияние этих двух компонентов. Именно свобода и креативность, с которыми Роден использовал эти методы — наряду с его активацией поверхностей скульптур через следы собственного прикосновения — ознаменовали переделку Роденом традиционных скульптурных техник 19-го века в прототип современной скульптуры.

The Walking Man : Walking Man состоит из двух фрагментов скульптуры, которые Роден объединил в единую работу, не скрывая слияния этих разрозненных форм.

Эдгар Дега

Эдгар Дега был французским художником, известным своими картинами, скульптурами, гравюрами и рисунками. Его особенно отождествляют с предметом танца; более половины его работ изображают танцоров. Он считается одним из основоположников импрессионизма, хотя он отверг этот термин, предпочитая называться реалистом.

При жизни общественное мнение о творчестве Дега варьировалось от восхищения до презрения. Как многообещающий художник традиционного стиля, Дега имел ряд картин, принятых в Салоне между 1865 и 1870 годами.Однако вскоре он объединил усилия с импрессионистами и отверг жесткие правила, суждения и элитарность Салона — точно так же, как Салон и широкая публика первоначально отвергли экспериментализм импрессионистов.

Работа

Дега вызывала споры, но в целом вызывала восхищение своим мастерством. Его картина La Petite Danseuse de Quatorze Ans , или Маленькая танцовщица четырнадцати лет , которую он выставил на шестой выставке импрессионистов в 1881 году, была, вероятно, его самой противоречивой работой; одни критики осуждали то, что они считали «ужасным уродством», в то время как другие видели в этом «цветение».«Скульптура имеет две трети натурального размера и изначально была вылеплена из воска, что было необычным выбором для того времени. На ней настоящий корсаж, балетная пачка, балетные тапочки и парик из натуральных волос. Все, кроме ленты для волос и пачки, покрыты воском. 28 бронзовых повторов, которые сегодня появляются в музеях и галереях по всему миру, были отлиты после смерти Дега. Пачки, которые носят бронзовые украшения, варьируются от музея к музею.

Маленькая танцовщица четырнадцати лет Эдгара Дега, ок.1881 : скандальная скульптура, которую Дега показал на выставке импрессионистов 1881 года, известна своим экспериментализмом и порывает с традициями.

Признанный выдающимся художником своей жизни, Дега сейчас считается одним из основателей импрессионизма. Хотя его работы пересекали многие стилистические границы, его участие в других крупных фигурах импрессионизма и их выставках, его динамичные картины и зарисовки повседневной жизни и деятельности, а также его смелые эксперименты с цветом окончательно связали его с импрессионистским движением как одним из его направлений. величайшие художники.

Импрессионизм | Музыка 101

Первое постромантическое движение, которое мы изучим, — импрессионизм. Как вы увидите из связанной статьи, импрессионизм был движением в изобразительном искусстве, а именно в живописи, с центром в Париже в конце 19 века. Позднее этот термин был применен, не всегда по душе композиторов, к музыке французских композиторов начала 20 века, которые отвернулись от грандиозности оркестровой музыки позднего романтизма.

Введение

Импрессионизм — это художественное движение XIX века, которое возникло у группы парижских художников, чьи независимые выставки принесли им известность в 1870-х и 1880-х годах.Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто подчеркивающих эффекты течения времени), обычный предмет, включение механизма в качестве важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Импрессионисты столкнулись с резким противодействием со стороны традиционного художественного сообщества Франции. Название стиля происходит от названия работы Клода Моне, Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), которое спровоцировало критика Луи Леруа ввести этот термин в сатирическую рецензию, опубликованную в парижской газете Le. Чаривари .

За развитием импрессионизма в изобразительном искусстве вскоре последовали аналогичные стили в других средствах массовой информации, которые стали известны как импрессионистская музыка и импрессионистская литература.

Музыка и литература

Музыкальный импрессионизм — это направление в европейской классической музыке, возникшее в конце 19 века и продолжавшееся до середины 20 века. Возникший во Франции музыкальный импрессионизм отличается внушением и атмосферой и избегает эмоциональных излишеств эпохи романтизма.Композиторы-импрессионисты предпочитали короткие формы, такие как ноктюрн, арабески и прелюдия, и часто исследовали необычные гаммы, такие как целая шкала тонов. Возможно, наиболее заметными нововведениями композиторов-импрессионистов были введение мажорных 7-х аккордов и расширение структуры аккордов в 3-х до пяти- и шестичастных гармоний.

Влияние визуального импрессионизма на его музыкальный аналог спорно. Клод Дебюсси и Морис Равелар обычно считались величайшими композиторами-импрессионистами, но Дебюсси отверг этот термин, назвав его изобретением критиков.Эрик Сати также рассматривался в этой категории, хотя его подход был расценен как менее серьезный, более музыкальный по своей природе. Поль Дюка — еще один французский композитор, которого иногда считают импрессионистом, но его стиль, возможно, более близок к поздним романтикам. Музыкальный импрессионизм за пределами Франции включает в себя работы таких композиторов, как Отторино Респиги (Италия), Ральф Воган Уильямс, Сирил Скотт и Джон Айрленд (Англия), а также Мануэль де Фалья и Исаак Альбенис (Испания).

▷ 50 картин импрессионистов 🧐

Г.Фернандес — theartwolf.com
Ни один художественный период не был так прокомментирован или обсужден, как Импрессионизм . Но поскольку изображение стоит тысячи слов, theartwolf.com решил продемонстрировать 50 картин, чтобы возобновить самое лучшее из этого захватывающего движения искусства

.

Говоря об импрессионизме , мы часто совершаем ошибку, включив в это движение некоторых художников, не имевших ничего или почти ничего общего с ним — Руссо, Редона- или других, которые, несмотря на раннее влечение к новому движению, Вскоре его отвергли — Поль Гоген, Поль Сезанн — или даже другие, которых, хотя их обычно считают представителями этого движения, нельзя назвать «чистыми импрессионистами».

Arte impresionista visto a través de 50 obras maestras impresionistas

В этой последней группе мы должны различать тех, кто разработал свой стиль до прихода импрессионизма — Эдуарда Мане — и тех, чьи интересы заставили их искать далеко за пределами импрессионизма — Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар-. Если мы хотим найти «чистых» художников-импрессионистов, тех, кто развил свой импрессионистский стиль без вмешательства какого-либо другого стиля, список — с риском использования опасно упрощенного пуризма — будет сокращен до очень небольшого числа имен: Клод Моне — настоящий Микеланджело эпохи импрессионизма — Камиль Писсарро — великий летописец сельской жизни — Берта Моризо и Альфред Сислей. Тем не менее, в этот список мы включим не только «чистых» художников-импрессионистов, но и тех, кто относится к так называемому постимпрессионизму . Мы все согласны с тем, что Сезанн, Ван Гог, Гоген… не настоящие художники-импрессионисты, но их связь с этим движением более чем очевидна.

Картины перечислены в алфавитном порядке имен их авторов.

ФРЕДЕРИК БАЗИЛЬ: «Мастерская художника — Мастерская Базиля; 9 rue de la Condamine » — 1870 — холст, масло, 98 х 128.5 см. — Париж, Музей Орсе,

ФРЕДЕРИК БАЗИЛЬ: «Мастерская художника — Студия Базиля; 9 rue de la Condamine » — 1870

Базиль, друг Моне, Сислея и Мане, выросший в богатой семье, трагическая фигура импрессионизма, скончался во время франко-прусской войны, когда ему было всего 28 лет. «Мастерская художника» широко считается его шедевром, в котором мы можем узнать некоторые важные имена в движении импрессионистов: таких художников, как Моне, Ренуар и Мане; и друзья вроде Эмиля Золя или Эдмона Мэтра.

EUGNE BOUDIN: «Док в Довиле» — 1869 — холст, масло, 23 x 32 см. — Париж, Музей Орсе,

. ЕВГОН БУДЕН: «Док в Довиле» –1869

.

Буден был одним из первых французских пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе, и широко известен как один из самых влиятельных художников-импрессионистов. После того, как он переехал в Сен-Симеон в 1862 году, некоторые молодые художники начали подражать его живому мазку, положив начало «школе Сен-Симеон», которая сегодня считается одним из истоков импрессионизма.

GUSTAVE CAILLEBOTTE: «Les raboteurs (Скребки для пола)» , 1876 г. — холст, масло, 102 x 146,5 см. — Париж, Музей Орсе,

GUSTAVE CAILLEBOTTE: «Les raboteurs (Скребки для пола)» , 1876

.

Головокружительная перспектива и почти фотографическая техника характерны для первых работ Кайботта. Эта работа, как никакая другая, является примером того оцепенения, которое Кайботт вызвал бы на первых выставках импрессионистов.Золя, который действительно ценил Кайботта, охарактеризовал его как «антихудожественную, чистую картину, холодную и буржуазную по силе точности».

GUSTAVE CAILLEBOTTE: «Парижская улица, дождливый день» 1877 — холст, масло, 212,2 x 276,2 см. — Чикагский институт искусств

ГУСТАВ КЕЙЛБОТТ: «Парижская улица, дождливый день» 1877

Это самая известная и амбициозная картина Кайботта, выставленная на Третьей выставке импрессионистов на улице Rue Le Peletier , где критика не одобрила ее. L’Evenement написал об этой картине: «Рисунок хорошего качества, но Кайботт забыл включить дождь» . В любом случае, это одно из лучших изображений Парижа XIX века из когда-либо созданных.

МЭРИ КАССАТТ: «Лето» , 1894 г. — холст, масло, 100,7 x 81,3 см. — Terra Foundation for American Art, Chicago

MARY CASSATT: «Summertime» , 1894

Мэри Кассат родилась в Пенсильвании, но большую часть своей взрослой жизни прожила во Франции, куда Эдгар Дега пригласил ее выставить свои работы с импрессионистами.Работы, созданные в 1890-х годах, являются, безусловно, самыми интересными в ее карьере, и, хотя группа импрессионистов вскоре была распущена, Кассат все еще поддерживала контакт с некоторыми из участников, обогащая ее талант до такой степени, что она стала образцом для подражания для молодых американских художников. .

PAUL CÉZANNE : «Дом повешенного в Овер-сюр-Уаз» — 1873 — Холст, масло, 55 x 66 см — Париж, Musée d’Orsay

PAUL CÉZANNE : «Дом повешенного в Овер-сюр-Уаз » — 1873

Этот странный пейзаж, возможно, является первым шедевром Сезанна, и он был одной из трех работ, выставленных художником на выставке импрессионистов в Париже в 1874 году, где он был приобретен графом Арманом Дориа.Хотя «Дом повешенного» все еще можно считать картиной импрессионистов, работа выполнена в раннем и очень индивидуальном стиле Сезанна, обработав поверхность холста мастихином.

PAUL CÉZANNE : «Натюрморт с корзиной фруктов (кухонный стол)» , 1880-1890 — Париж, Музей Орсе

PAUL CÉZANNE : «Натюрморт с корзиной фруктов (кухонный стол)» , 1880-1890

Сезанн, возможно, величайший мастер натюрморта любой эпохи, и эта блестящая картина составляет одну из его самых амбициозных композиций.Где эта корзина? Расположен в очень неустойчивом положении в правом верхнем углу стола или — из-за сложной перспективы — лежит на земле вместе с деревянным элементом, частично показанным справа от картины? Здесь Сезанн использовал двойную перспективу, чтобы нарисовать сенсационную работу, в которой начинает проявляться кубизм.

ПОЛЬ СИЗАНН : «Игроки в карты» , 1893-96 гг. — холст, масло, 47x 56 см. — Париж, Музей Орсе,

Поль Сезанн : «Игроки в карты» , 1893-96

Это наименьшая из трех версий этого сюжета, написанных Полем Сезанном, но вполне вероятно, что она также была последней из них и наиболее проработанной.Хотя композиция действительно проста (два игрока смотрят друг на друга, черная бутылка безмолвно разделяет композицию на две части), невероятная психологическая напряженность на лицах игроков делает эту картину шедевром постимпрессионистского искусства.

PAUL CÉZANNE : «Вид на гору Сент-Виктуар из Лов» , 1904-06 — холст, масло, 60 x 72 см. — Базель, Художественный музей

PAUL CÉZANNE : «Вид на гору Сент-Виктуар из Лов» , 1904-06

Поль Сезанн нарисовал множество видов на гору Сент-Виктуар на окраине Экс-ан-Прованса, и это прекрасное произведение является одним из самых ярких примеров.Об этой работе можно сказать, что она «кубизм перед кубизмом»: гора треугольной формы и элементы прерии — географические или назидательные — приобретают объем за счет наложения множества хроматических плоскостей.

ПОЛЬ СИЗАНН : «Большие купальщицы» , 1906 г. — холст, масло, 208 x 251 см. — Художественный музей Филадельфии

PAUL CÉZANNE : «Большие купальщицы» , 1906

Это самое большое полотно, когда-либо написанное Сезанном, и великолепное завершение серии «Купальщицы».Картина напоминает некоторые лучшие картины Тициана, такие как «Вакханалия Андриана» , а почти скульптурное изображение человеческого тела связывает это полотно с некоторыми фресками Микеланджело в Ватикане. Существуют две другие «законченные» картины «Купальщицы»: одна в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а другая в Национальной галерее в Лондоне.

ЧАРЛЬЗ КОНДЕР : «Праздник в Ментоне» , c.1888 — холст, масло, 46.2 х 60,8 см. — Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида

ЧАРЛЬЗ КОНДЕР : «Праздник в Ментоне» , c.1888

Художник английского происхождения Кондер (1868–1909) эмигрировал в Австралию, когда ему было 20 лет, и теперь считается ключевой фигурой в австралийской живописи. Хотя его искусство не было хорошо принято в Австралии того времени, его хвалили такие художники, как Писсарро или Дега, а Тулуз-Лотрект даже написал портрет Кондера в 1892 году.

ЭДГАР ДЕГАС : «Танцевальный класс» , c.1874 г. — холст, масло, 83,2 x 76,8 см — Musée d’Orsay, Paris

EDGAR DEGAS : «Танцевальный класс» , c.1874

картин Дега с изображением юных танцоров или балерин являются одними из его величайших и, конечно, самых известных достижений. Дега изобразил этих молодых девушек настоящими профессионалами, практикующими целый день под строгим руководством своего учителя. На этом полотне мастер танцев появляется в центре и справа от композиции, наблюдая за сценой как авторитет на пике своих возможностей.

ЭДГАР ДЕГАС : «L’absinthe (любители абсента)» , 1876 г. — холст, масло, 92 x 68 см. — Musée d’Orsay, Paris

EDGAR DEGAS : «L’absinthe (любители абсента)» , 1876

«Какая шлюха!» , Джордж Мур прокомментировал женщину на этой картине, добавив, что «сказка не из приятных, но это урок» , добавив, что «никто не сказал так много в таком маленьком пространстве, и никто выразился таким простым способом (…) благодаря науке рисования, невидимого, но вездесущего, почти безличного ».Печальные и меланхоличные «любители абсента», похоже, повлияли на работы более поздних художников, такие как интерьеры Пикассо из Голубого периода или городские сцены Эдварда Хоппера.

PAUL GAUGUIN — «Жёлтый Христос» , 1889 — холст, масло, 91,1 x 73,4 см. — Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало

PAUL GAUGUIN — «Желтый Христос (Желтый Христос)» , 1889

Это произведение считается одним из истоков символической живописи, наряду с «Зеленый Христос» , и его можно рассматривать как прецедент религиозных картин, созданных Гогеном в Полинезии («Иа Орана Мария», «Материнство» »), Но с изображением бретонских женщин вместо полинезийских девушек.Желтый Христос также появляется на автопортрете художника, который сейчас находится в Музее Орсе в Париже.

ПОЛЬ ГАГУИН — «Мата Муа (в старину)» , 1892 г. — холст, масло, 91 x 69 см. — Мадрид, Музей Тиссена

PAUL GAUGUIN — «Mata Mua (в старину)» , 1892

Гоген путешествовал по тропикам в поисках художественного искупления, возвращения к «примитивному» и «экзотическому», что могло бы помочь ему найти способ «очистить» его Искусство. «Мата Муа (в старину)» — мощная и завораживающая композиция, разделенная на две части гигантским деревом, величественно возвышающимся над красно-пурпурной рекой. Две женщины справа олицетворяют настоящее Таити, а группа женщин перед большой статуей идола олицетворяет прошлое, «примитивный» таитянский образ жизни.

PAUL GAUGUIN — «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» , 1897 — холст, масло, 139 х 375 см.- Бостон, Музей изящных искусств

ПОЛ ГАГИН — «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» , 1897

Эта работа — не только самое колоссальное полотно, когда-либо написанное Полем Гогеном, но и работа, которая объясняет все философские и живописные доктрины художника. Структурируя холст в перевернутом хронологическом порядке, Гоген, кажется, указывает на примитивное, невинное, как на единственный путь для художника.

ARMAND GUILLAUMIN : «Soleil couchant à Ivry (закат в Иври)» , 1873 г. — холст, масло, 81 x 65 см.- Musée d’Orsay, Paris

ARMAND GUILLAUMIN : «Soleil couchant à Ivry (закат в Иври)» , 1873

Хотя он и не был так известен, как Моне, Ренуар и другие первоклассные художники-импрессионисты, Арман Гиллоймин (1841-1927) был важной фигурой в импрессионистском движении. Друг Ренуара, Сезанна и Ван Гога, Гийомен, пожалуй, самый колорист из всей группы импрессионистов, что легко увидеть в его пейзажах Парижа, Прованса и побережья Средиземного моря.

CHILDE HASSAM : «Аллея под дождем» — 1917. Холст, масло — Белый дом, музей

CHILDE HASSAM : «Аллея под дождем» — 1917

Чайльд Гассам (1859-1935) был ключевой фигурой в американском импрессионизме, хотя его единственный контакт с французским художником-импрессионистом был, когда он занял бывшую студию Пьера Огюста Ренуара и обнаружил, что некоторые из набросков художника маслом остались. Его самые известные работы — это картины «Флаг», выполненные во время Первой мировой войны, и потрясающая «Авеню под дождем» — его самая «импрессионистическая» картина во всей серии.

КОНСТАНТИН КОРОВИН : «Весна» — 1917 — холст, масло, — Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

КОНСТАНТИН КОРОВИН : «Весна» — 1917

«Париж был для меня шоком… Импрессионисты… в них я нашел все, за что меня ругали дома, в Москве» . Коровин (1861-1939) был вместе со своим другом Валентином Серовым главной фигурой среди всех русских художников-импрессионистов. Под сильным влиянием французских импрессионистов он разработал очень личный стиль, в котором смешались типичные элементы французского импрессионизма с богатыми красками русского искусства его эпохи.

WINSLOW HOMER : «Летняя ночь» — 1890 — холст, масло, 76,7 x 102 см. — Париж, Музей Орсе

WINSLOW HOMER : «Летняя ночь» –1890

Когда мы говорим об импрессионизме, мы часто делаем ошибку, считая его исключительно французским движением, когда несколько североамериканских художников заслуживают того, чтобы появиться недалеко от Моне, Дега, Писарро … Среди всех них самым важным, без сомнения, является Уинслоу. Гомера, а «Летняя ночь» — один из его бесспорных шедевров.Непосредственность, с которой художник передает очарование и волшебство летней ночи, делает это полотно одним из шедевров американской живописи.

ЭДУАР МАНЕ: «Le Déjeuner sur l’Herbe» (Обед на траве) , 1862/63 — Париж, Музей Орсе

ЭДУАР МАНЕ: «Le Déjeuner sur l’Herbe (Обед на трава) », 1862/63

Некоторые специалисты назвали эту работу «происхождением импрессионизма» . Мане шокировал мир искусства, когда он выставил картину в Salon des Refusés в 1863 году.Эмиль Золя писал об этом монументальном полотне: «Короче говоря, это обширный ансамбль, полный атмосферы, этот уголок природы, переданный с такой простотой, вся эта замечательная страница, на которой художник поместил все особенное и редкие элементы, которые есть в нем ».

ЭДУАР МАНЕ: «Олимпия» , 1863 г. — холст, масло, 130,5 x 190 см. — Париж, Музей Орсе

ЭДУАР МАНЕ: «Олимпия» , 1863

.

Можно сказать, что это одна из самых противоречивых картин всех времен, и она не была хорошо воспринята критиками, когда впервые была выставлена ​​в 1865 году. «Кто эта желтая одалиска?» , спросил Жюль Кларети из L’Artiste , в то время как Антонин Пруст заявил, что «Если полотно Олимпии не было уничтожено, то только из-за мер предосторожности, принятых администрацией» . Однако картиной восхищался Эмиль Золя.

ЭДУАР МАНЕ: «Бар в Фоли-Бержер» , 1882

Картины Мане, изображающие сцены в кафе, являются прямым наблюдением за общественной жизнью Парижа XIX века, и это потрясающее и сложное полотно является одним из его самых известных шедевров.Обратите внимание, что женщина в отражении должна появиться прямо за изображением женщины, которая смотрит на нас. Это ужасная ошибка Мане, или художник в этом знаменитом произведении выражает некую «двойную реальность»?

КЛОД МОНЕ — «Терраса в Сент-Адрессе» (1867) — Нью-Йорк, Метрополитен

КЛОД МОНЕ — «Терраса в Сент-Адрессе» (1867)

«Терраса в Сент-Адрессе» — возможно, первый шедевр Моне, но до сих пор одна из самых известных картин раннего импрессионизма.Буржуазная сцена создается под сильным светом «пленэра». Четкие границы между землей, морем и небом делят композицию на три слоя, вертикально организованных двумя флагами, развеваемыми океанским бризом.

CLAUDE MONET — «Впечатление, восход солнца» (1873) — Париж, Musée Marmottan

CLAUDE MONET — «Впечатление, восход солнца» (1873)

«Обои в зачаточном состоянии более закончены, чем этот морской пейзаж» , — сказал Луи Лерой, искусствовед, об этом полотне, когда картина была выставлена ​​на первой выставке импрессионистов в 1877 году.И это всего лишь пример того, как большинство критиков того времени отреагировало на эту картину, и, в более широком смысле, на все импрессионистское движение (движение, которое фактически обязано своим названием этой картине). Поэтому неудивительно, что никто не предложил 1000 франков — запрашиваемую цену за эту картину.

CLAUDE MONET — «Le gare Saint Lazare (вокзал Сен-Лазар)» , 1877 г. — холст, масло, 75 x 100 см. — Париж, Музей Орсе

CLAUDE MONET — «Гар Сен-Лазар (вокзал Сен-Лазар)» , 1877

«Это живописная симфония» , журнал L’homme libre описал эту картину после того, как она была выставлена ​​на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году, одной из немногих положительных критиков картины на этой выставке. «Моне нравится эта станция, и он уже изобразил ее с меньшим успехом. На этот раз это действительно замечательно. Он нарисовал не только движение, цвет и активность, но и шум. Это незабываемо ».

CLAUDE MONET — «Meules (Стога сена, белый иней)» — 1889 — холст, масло — Hill-Stead Museum, Фармингтон

CLAUDE MONET — «Meules (Стога сена, белый иней)» — 1889

Между 1889 и 1891 годами Моне создал серию из 15 полотен, изображающих группу стогов сена на окраине Живерни.Василий Кандинский имел возможность полюбоваться одним из этих стогов сена на выставке в Москве в 1895 году, и он был впечатлен до такой степени, что предложил его как первую абстрактную картину в истории искусства: « И вдруг, впервые раз, я увидел картинку. Каталог сообщил мне, что это был стог сена [или, скорее, стог зерна], но я не мог его распознать (.) Я понял, что там пропущен объект изображения (.) То, что я прекрасно представил, было неожиданным — а до этого скрытая мощь палитры ».

CLAUDE MONET — «Тополя в борд де л’Эпт, вид с болот» — 1891 — холст, масло, 88 x 93 см. — США, частное собрание

CLAUDE MONET — «Тополя в борд-де-л’Эпте, вид с болот» — 1891

Клод Моне — художник-импрессионист по преимуществу . Его величайшее лирическое достижение, возможно, достигнуто в этой странно неотразимой картине. Композиция так красиво напоминает красоту японского хайку, асимметричная и трогательная, в то время как листья тополей поют красным, пурпурным и, наконец, синим, что Ива Кляйн зеленеет от зависти.Это Моне в его полном расцвете, художник, который однажды сказал своей семье, что он хочет, чтобы «рисовал, как поет птица» .

CLAUDE MONET — «Портал Руанского собора (солей), гармония синего и золотого» — холст, масло, 101 x 65 см. — 1893. Париж, Музей Орсе

CLAUDE MONET — «Портал Руанского собора (солей), гармония синего и золота» — 1893.

«Апогей импрессионизма» . Так лучше всего можно описать серию видов Руанского собора, написанных Моне между 1892 и 1894 годами.Серия, состоящая из 31 полотна, показывающая фасад собора в различных условиях освещения и погоды, вызвала немедленное восхищение критиков того времени и получила высокую оценку многих более поздних мастеров, от Василия Кандинского до Роя Лихтенштейна. Выбор палитры отражает различные оттенки, в которые дневной свет окрашивал фасад: от гладких синих оттенков утра до ярких охристо-золотистых оттенков на фотографиях plein soleil , подобных этой.

CLAUDE MONET — «Нимфеи (водяные лилии)» — холст, масло, 219 x 602 см. — 1920-1926 — Париж, Musée de l’Orangerie

CLAUDE MONET — «Нимфеи (водяные лилии)» — 1920-1926

Серия «Нимфеи» Моне была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма» .

BERTHE MORISOT — «Летний день» , 1879 — Лондон, Национальная галерея — холст, масло, 45 x 75 см.

BERTHE MORISOT — «Летний день» , 1879

Внучка Фрагонара, известного французского художника 18 века, выросшая в богатой семье, Моризо была активным членом импрессионистского движения, и даже Мане восхищался ее художественным стилем.В ее последних работах заметно влияние Ренуара.

КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Пейзаж в Понтуазе» , 1874 г. — холст, масло, 61 x 81 см. — Винтертур, Коллекция Оскара Рейнхарта

КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Пейзаж в Понтуазе» , 1874

Известный как «Отец импрессионизма», Писсарро, наряду с Моне и Сислей, является самым «чистым» из всех художников-импрессионистов, участвующих во всех восьми выставках импрессионистов. Он особенно известен своими изображениями сельской жизни Северной Франции, особенно города Понтуаз, в которых очевидно влияние натурализма Жана-Батиста Коро и Гюстава Курбе.

КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Бульвар Монмартр, effet de nuit (Бульвар Монмартр ночью)» , 1897 — Холст, масло, 53,3 x 64,8 см — Лондон, Национальная галерея

КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Бульвар Монмартр» , effet de nuit (Ночной бульвар Монмартр) », 1897

Хотя Писсарро больше известен своими изображениями сельской жизни, он также создал множество сказочных городских сцен Парижа XIX века. В 1897 году он снял комнату на бульваре Монмартр и изобразил величественный проспект в разное время дня, сделав это полотно единственной ночной сценой сериала. «Бульвар Монмартр ночью» — сенсационная картина импрессионистов, хотя Писсарро никогда не выставлял ее при жизни.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Moulin de la Galette» , 1876 г. — холст, масло, 131 x 175 см. — Париж, Музей Орсе

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Moulin de la Galette» , 1876

.

Этот шедевр был назван «самой красивой картиной XIX века». На картине изображен один из многочисленных танцев, которые происходили в Мулен-де-ла-Галетт, одном из самых посещаемых клубов Монмартра 19 века, рая для богемы и художников, таких как Тулуз-Лотрек, Ван Гог или сам Ренуар.Один из величайших шедевров раннего импрессионизма.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Le déjeuner des canotiers (Обед на лодке)» , 1880–1881 гг. — холст, масло, 129,5 × 172,7 см — Вашингтон, коллекция Филлипса

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: « Le déjeuner des canotiers (Обед гребцов) », 1880-81

Свет — главный герой этой знаменитой картины, в которой Ренуар изобразил группу своих друзей, отдыхающих на балконе вдоль реки Сены (среди них еще один известный художник-импрессионист, Гюстав Кайботт, которого можно увидеть в правом нижнем углу). холста).

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Зонтики» , 1881-86 — холст, масло, 180 x 114 см. — Лондон, Национальная галерея

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Зонтики» , 1881-86

«Примерно в 1883 году в моей работе произошел разрыв. Я подошел к концу импрессионизма и пришел к выводу, что я не умею ни рисовать, ни рисовать. Одним словом, я зашел в тупик ». «Зонтики» — сложное произведение, в котором мы можем увидеть Ренуара в двух разных периодах его карьеры.

ТЕОДОР РОБИНСОН: «Дебакль» , 1892 — холст, масло — Колледж Скриппса, Клермонт, Калифорния

ТЕОДОР РОБИНСОН: «Дебакль» , 1892

Теодор Робинсон (1852-1896), без сомнения, одна из ключевых фигур американского импрессионизма. Близкий друг Клода Моне, он создал некоторые из своих лучших работ, живя в Живерни, всего за несколько месяцев до возвращения в Америку. «Дебакль» — типичная работа Робинсона, выполненная на пленэре и изображающая молодую женщину на досуге

GEORGES SEURAT : «Une baignade à Asnières (Купальщицы в Аньере)» , 1883/84 — холст, масло, 201 x 300 см.- Лондон, Национальная галерея

GEORGES SEURAT : «Une baignade à Asnières (Купальщицы в Аньер)» , 1883/84

Жорж Сёра — один из самых выдающихся художников-постимпрессионистов, которого часто считают создателем «пуантилизма», стиля живописи, в котором небольшие отдельные точки основных цветов создают впечатление широкого диапазона вторичных и промежуточных цветов. «Купальщицы в Аньере» — первое масштабное полотно Сёра.

GEORGES SEURAT : «Воскресный полдень на острове Ла Гранд-Жат» , 1884-86 — холст, масло, 207.6 х 308 см. — Чикаго, Институт искусств

ДЖОРДЖС СЕУРА : «Воскресный день на острове Ла Гранд-Жат» , 1884-86

«Воскресный день на острове Ла Гранд Жат» — самый важный шедевр Сёра (он потратил более двух лет на роспись этого огромного холста, создав в процессе более 50 предварительных набросков и рисунков), лучший пример «пуантилизма». »Живопись и веха искусства конца 19 века.

PAUL SIGNAC : «Папский дворец, Авиньон (Папский дворец, Авиньон)» , c.1900 г. — холст, масло, 73,5-92,5 см. — Париж, Музей Орсе

PAUL SIGNAC : «Папский дворец, Авиньон (Папский дворец, Авиньон)» , c.1900

Наряду со своим наставником Жоржем Сёра Поль Синьяк (1863-1925) является ключевой фигурой пуантилизма. Синьяк любил парусный спорт, и он путешествовал почти по всему французскому побережью, особенно по Средиземному морю, где он создал некоторые из своих самых ярких и красочных композиций, таких как пример, показанный здесь.Синьяк также оказал большое влияние на более поздних художников, таких как Анри Матисс.

АЛЬФРЕД СИСЛИ : «Chemin de la Machine, Louveciennes» , 1873 — Париж, музей Орсе — холст, масло

АЛЬФРЕД СИСЛИ : «Chemin de la Machine, Louveciennes» , 1873

Если мы хотим найти «чистых» художников-импрессионистов, этот список можно было бы сократить до четырех имен: Клод Моне — настоящий Микеланджело эпохи импрессионизма -, Камиль Писсарро — великий летописец сельской жизни -, Берта Моризо и Альфред Сислей.Картины Сислея с изображением маленького городка Лувесьен, возможно, являются его величайшими достижениями, а это простое, но мощное полотно, пожалуй, лучшее из всех.

ALFRED SISLEY : «L’inondation à Port-Marly» , 1876 — Париж, музей Орсе — холст, масло

ALFRED SISLEY : «L’inondation à Port-Marly» , 1876

Сислей написал несколько полотен, изображающих эти наводнения в Порт-Марли, но два самых выдающихся примера — это те, на которых изображены воды реки вокруг винного магазина на улице Париж.Мы можем предположить связь между этими картинами и бурной биографией их создателя: возможно, что Сислей видел наводнения в тихом городке Порт-Марли как отражение своей собственной жизни: беспокойной и переполненной после нескольких событий непредсказуемой и неизбежной. как разливы реки Сены.

JOAQUÍN SOROLLA : «La hora del baño (Час купания)» , 1904 — холст, масло, 84-119 см. — Частная коллекция

JOAQUÍN SOROLLA : «La hora del baño (Час купания)» , 1904

Импрессионизм почти не присутствовал в испанской живописи.Фактически, человек, которого часто считают лучшим художником-импрессионистом в Испании — Хоакин Соролья — не был «чистым» художником-импрессионистом, хотя в его зрелых работах его стиль явно находился под влиянием этого направления искусства. Эта картина была продана в 2003 году за 6,2 миллиона долларов, что стало рекордом аукциона для работы Сорольи.

АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК : «В Мулен Руж» , 1890

Тулуз-Лотрек родился в аристократической семье и был инвалидом из-за генетического заболевания, сделавшего его ноги чрезвычайно короткими. Он известен как великий хронист ночной жизни Парижа XIX века.Эта картина, изображающая ночь в одном из самых известных кабаре Парижа — Мулен Руж — считается одним из его шедевров и, наряду с картиной Ренуара «Мулен де ла Галетт» (см. Выше), является незабываемым изображением. ночной жизни Парижа 19 века.

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC : «Dans le lit (В постели)», 1893 — холст, масло, 54-70,5 см. — Париж, Музей Орсе

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC : «Dans le lit (В постели)» , 1893

Это одна (и, возможно, лучшая) из нескольких сцен, изображающих супружескую пару в постели, написанных Тулуз-Лотреком, которые часто описывались как «бесстрастные», несмотря на интимность объекта.Хотя композиция выглядит очень простой, художник использовал очень интересную перспективу, отмеченную яркими цветами.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Подсолнухи (ваза с пятнадцатью подсолнухами)» , 1888 — холст, масло — Лондон, Национальная галерея искусств

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Подсолнухи (ваза с пятнадцатью подсолнухами)» , 1888

«Подсолнухи» Ван Гога — не только один из любимых сюжетов художника (он написал семь полотен с вазами с подсолнухами, плюс три более ранние работы, изображающие только подсолнухи), но они также входят в число самых известных картин, когда-либо созданных. «Подсолнечник в некотором роде мой» , — писал Ван Гог своему брату Тео. Проиллюстрированная здесь работа — одна из самых ярких из всех серий с невероятным спектром желтых пигментов. Один из этих «подсолнухов» побил рекорд аукциона за картину, когда она была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов в марте 1987 года. Недавние слухи предполагают, что работа могла быть не подлинным Ван Гогом, а копией Эмиля Шуффенекера. .

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Комната Ван Гога в Арле (Комната Ван Гога в Арле)» , 1889 г. — холст, масло, 73 x 92 см.- Чикаго, Институт искусств,

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Комната Ван Гога в Арле (комната Ван Гога в Арле)» , 1889

Ван Гог впервые нарисовал свою комнату в Арле в октябре 1888 года (Амстердам, Рейксмузеум Ван Гога), а год спустя он написал еще две версии, живя в Сен-Реми, и это работа, проиллюстрированная здесь, является наиболее проработанной из трех. «На этот раз просто моя спальня». , — прокомментировал Ван Гог в письме — : «Только здесь все решает цвет и придает своим упрощением более величественный стиль вещам» .

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Звездная ночь» , 1889 г. — холст, масло, 73,7 x 92,1 см. — Нью-Йорк, Музей современного искусства (MOMA)

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Звездная ночь» , 1889

Одна из самых ярких и известных работ художника, обычно связанная с его растущим безумием, и на самом деле это было результатом интереса Ван Гога к астрономическим исследованиям. На самом деле в этой картине мы можем наблюдать как реальные, так и фантастические элементы.Во-первых, исследование, проведенное обсерваторией Гриффит-Парк, доказало, что Винсент представлял Луну, Венеру и несколько звезд в точном положении, которое они занимали в ту ясную ночь. С другой стороны, эффектная спираль, занимающая большую часть работы, явно фантастический элемент.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Ирисы» , 1889 — холст, масло, 73,5 x 92 см. — Музей Жана Поля Гетти, Малибу

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Ирисы» , 1889

Ван Гох написал этот знаменитый холст, когда жил в психиатрической больнице Сен-Реми, где ему иногда разрешали писать «на пленэре» .Все полотно наполнено великолепием и очарованием природы. Любопытно, что красные цветы в верхней части картины выглядят как эхо красного пола, в то время как белый цветок слева «отражается» в бледно-голубом справа. Эта картина была продана на аукционе Сотбис в Нью-Йорке за 53,9 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, когда-либо уплаченной за произведение искусства.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Автопортрет с перевязанным ухом» , 1889

Это один из двух автопортретов, написанных Ван Гогом после отрезания уха (другой, ранее находившийся в коллекции Ли Б.Блок в Чикаго, позже был куплен семьей Ниархос). Выражение лица художника парадоксальным образом спокойнее, чем на многих других автопортретах художника; что можно интерпретировать как попытку художника найти в картине свое особое спасение. Также примечательно наличие японского штампа на автопортрете. В письме своему брату Тео Винсент подтвердил, что завидовал японским художникам за «его стиль, такой же простой, как дыхание».

Импрессионизм

[nggallery id = 1]

Французское художественное движение XIX века, которое ознаменовало важный отход от традиций европейской живописи.Импрессионисты включили новые научные исследования в физику цвета, чтобы добиться более точного представления цвета и тона.

Внезапное изменение внешнего вида этих картин было вызвано изменением методологии: нанесение краски небольшими штрихами чистого цвета, а не более широкими мазками, и рисование на открытом воздухе, чтобы уловить определенное мимолетное впечатление цвета и света. В результате подчеркивалось восприятие художником предмета в такой же степени, как и сам предмет.

Искусство импрессионизма — это стиль, в котором художник запечатлевает изображение объекта так, как если бы кто-то увидел его, увидев его мельком. Они раскрашивают картины много цветов, и большинство их картин — это сцены на открытом воздухе. Их снимки получаются очень яркими и яркими. Художники любят снимать изображения без деталей, но с яркими цветами. Среди величайших художников-импрессионистов были Эдуард Мане, Камиль Писсаро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Клод Моне, Берта Моризо и Пьер Огюст Ренуар.

Мане оказал влияние на развитие импрессионизма. Он рисовал предметы быта. Писсаро и Сислей рисовали французскую сельскую местность и речные сцены. Дега любил рисовать артистов балета и скачки. Моризо рисовал женщин, занимающихся повседневными делами. Ренуар любил показывать влияние солнечных лучей на цветы и фигуры. Моне интересовали тонкие изменения в атмосфере.

Хотя термин «импрессионист» охватывает большую часть искусства того времени, в нем были и более мелкие направления, такие как пуантилизм, модерн и фовизм.

Пуантилизм был разработан на основе импрессионизма и предполагал использование множества маленьких цветных точек, чтобы придать картине большую яркость, если смотреть на нее издалека. Точки одинакового размера никогда полностью не сливаются в восприятии зрителя, что приводит к эффекту мерцания, как в жаркий солнечный день. Одним из ведущих художников был Сёра, к которому этот термин впервые был применен в отношении его картины «Великий ветер» (1886).

Сёра был частью движения неоимпрессионистов, в которое входили Камиль Писсарро, Поль Гоген, Анри Матисс, Анри де Тулуз-Лотрек и Поль Синьяк.Слово дивизионизм описывает теорию, которой они следовали, в то время как реальный процесс был известен как пуантилизм. Эффект от этой техники при правильном использовании часто был гораздо более поразительным, чем при традиционном подходе смешивания цветов вместе.

Движение неоимпрессионистов было кратковременным, но влиятельным. Термин «дивизионизм» также был названием итальянской версии неоимпрессионизма 1890-х и начала 1900-х годов, и можно проследить линию футуризма, который был основан в 1909 году.

Типичные художники:
Эдуард Мане
Эжен Буден
Фредерик Базиль
Альфред Сислей
Эдгар Дега
Пьер-Огюст Ренуар
Мэри Кассат
Камиль Писсарро
Клод Моне
Уолтер Рихард Бертхе
.