Импрессионист кто это: «Импрессионизм» — происхождение и значение слова — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

История

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века.

Истоки

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в.в. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.

В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.

Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а так же — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Эволюция

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Влияние на живопись и искусство

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г.; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком…

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модерна. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты двумя его приятелями, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

История

Истоки

Эволюция

Влияние на живопись и искусство

Музыкальный импрессионизм

См. также детальную статью Импрессионизм (музыка)

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

Передвижники и импрессионисты [20]. В поисках гармонии. Искусствоведческие работы разных лет

Передвижники и импрессионисты [20]

Предмет этой статьи – прошлое, рассмотренное в его отношении к будущему. Такой аспект не избавляет от необходимости встать на точку зрения прошлого. Нужно перенестись в ту кажущуюся теперь такой далекой ситуацию искусства, когда оно не задавалось мудреными и запутанными задачами позднейшего времени и, казалось, их даже еще не предчувствовало; когда оно было проще духом и, вероятно, богаче душой; чтило природу «как она есть» и полагало ее своим вечным, неисчерпаемым источником; когда и помину не было об экспрессивных преображениях, кубистских разложениях, о создании картины как самоценного предмета, независимого от явлений природы, и так далее. Помину не было – а между тем все это уже стояло у порога, за ближайшим перевалом, и, значит, исподволь готовилось уже в искусстве 1870-1880-х годов.

Считается, что истоки нынешнего искусства восходят к постимпрессионистическим течениям рубежа столетий, но нельзя забывать, что все постимпрессионисты, сколь они ни были разными, начинали с импрессионизма. Импрессионизм был стартовой площадкой и для Сезанна, и для Гогена, и для Ван Гога. А у нас подобную же роль играла передвижническая концепция. Врубель считал себя «чистяковцем» и был немало обязан Васнецову и Ге; Серов учился у Репина, Нестеров – у Перова.

Таким образом, речь пойдет об «истоках истоков».

Искусство французских импрессионистов и русских передвижников по отдельности у нас изучено достаточно, но вот сопоставление их встречается не часто, а может быть, оно способно пролить какой-то новый свет на уже известное. Сопоставление оправдано явным параллелизмом этих течений.

Начать с того, что в их истории есть определенная синхронность. Они почти одновременно зарождались, кривая их развития одновременно достигла высшей точки и пошла на спад.

Сопоставим некоторые факты и даты. В 1871 году открылась первая выставка Товарищества передвижников. В 1874 году – первая выставка импрессионистов. Как те, так и другие, прежде чем создать самостоятельные выставочные объединения, прошли фазу интенсивного роста и постепенной консолидации в 1860-х годах. Импрессионисты тогда выставлялись, а чаще отвергались в официальном Салоне; в 1863 году их картины появились в Салоне отверженных. Предыстория передвижников была связана отчасти с академическими выставками, но главным образом – со Свободной артелью художников, образовавшейся, как и Салон отверженных, тоже в 1863 году. К первой самостоятельной выставке и французские, и русские «отверженные» пришли с уже сложившимся творческим кредо, продемонстрировали уже существующее новое направление, которое и там и тут сразу нажило себе врагов. Правда, была и разница.

Активно против передвижников были настроены только представители академического лагеря, в общем же Первая передвижная была встречена, скорее, сочувственно, чего нельзя сказать о первой выставке импрессионистов – ее сенсация была скандального свойства. Зато количество зрителей, критиков и вообще людей, так или иначе интересовавшихся живописью, было во Франции и в России несравнимо: в России выставки посещались немногими, во Франции они были в центре всеобщего внимания.

Далее, в 1870-х и затем в 1880-х годах происходило энергичное расширение сферы влияния импрессионистов во Франции и передвижников в России: они притягивали к себе все живое и талантливое в отечественном искусстве. Где-то в середине 1880-х годов появились первые симптомы их кризиса, а в 1890-х годах он уже явственно обозначился. В обоих случаях внутренний кризис этих течений совпал с ростом их внешней популярности, их омассовления и началом официального признания. Французские Салоны запестрели цветными рефлексами, световыми эффектами, светлыми красками. Русская Академия вполне примирилась с передвижниками, и ее выставки теперь мало чем отличались от передвижных. Тем временем наиболее сильные и самостоятельные из новой генерации художников искали уже иных путей.

То, что приходило на смену импрессионистам и передвижникам – постимпрессионизм во Франции, «Мир искусства» и другие течения в России, – было внутри себя довольно разнородно. Союзы возникали непрочные (исключение составляло дружное ядро «Мира искусства», но группировавшиеся вокруг него крупнейшие русские художники имели не так уж много общего с этим ядром и друг с другом). В общем, импрессионисты во Франции и передвижники в России представляли собой последние действительно сплоченные творческие коллективы.

Конечно, все это пока лишь внешние совпадения, которые сами по себе могут и ничего не значить. Важнее совпадения внутренние.

У импрессионистов и передвижников был общий враг, общий объект преодоления и, следовательно, общий импульс новаторства: академизм, неоакадемизм с их далекостью от современной жизни, с их условной предуказанной красотой, омертвевшими традициями, окостеневшей техникой и отсутствием подлинного национального характера.

Академическая система повсюду являла собой нечто однотипное. Все европейские академические школы восходили к общему источнику – Болонской академии XVII века и, через призму ее, к Высокому Возрождению и поздней Античности. Все отправляли своих питомцев на поклонение итальянским руинам, как правоверных мусульман в Мекку. Все канонизировали «божественного Рафаэля», официально восхищались «божественным Гвидо», все культивировали классический рисунок как всеобщую основу основ, цвет понимали как «иллюминирование» рисунка, высшим жанром почитали мифологизированный «исторический жанр».

К середине XIX века строгость академических правил и вкусов была повсеместно поколеблена, но тоже в однотипном направлении. Академические школы отчасти впитали и ассимилировали идеи романтизма, отчасти приспособились к заурядным вкусам буржуазной публики, которой больше всего нравились пикантная занимательность или сентиментальность сюжетов плюс тщательная иллюзорная «выделка». На выставках французского Салона в середине века преобладала «приятная» неоакадемическая живопись – симбиоз энгровской академической школы с вульгаризованными романтическими и облегченными жанровыми мотивами. Это была та господствующая художественная атмосфера, в активном неприятии которой сформировались Курбе, Милле, барбизонцы, Коро, Э. Мане, а вслед за ними – будущие импрессионисты.

Я напоминаю об этих общеизвестных вещах, чтобы подчеркнуть, что более или менее аналогичную картину являло в ту пору и русское официальное искусство. В более кустарном и менее культурном виде в России существовала и своя академическо-салонная живопись. Блистательно-желчный памфлет «Расшаркивающееся искусство», опубликованный в 1863 году журналом «Искра», дает о ней выразительное представление: «Ни в городе Богдан, ни в селе Селифан». Тут и пресловутые академические программы вроде «Римлянки, кормящей грудью престарелого отца», тут и сентиментальные жанры, заставляющие, как пишет автор памфлета, «чему-нибудь сочувствовать и проливать драгоценные, но в то же время гроша медного не стоящие слезы», тут и «картинки с игривым и несколько скоромным содержанием», например «Утро в деревне»: «За утренним чаем сидит помещик со своей женой и плутовски подмигивает стоящей в углу горничной, которая ему на это грозит пальчиком».

Подобный ассортимент академических выставок так же отталкивал будущих передвижников, как будущих импрессионистов отталкивали «Римляне эпохи упадка» Кутюра и «Венера» Кабанеля, бывшая в том же 1863 году гвоздем парижского Салона.

Те, кто положил начало Товариществу передвижных выставок, сами прошли академическую выучку у Бруни, Шамшина, Скотти, Мокрицко-го – и она вызвала у них решительное внутреннее сопротивление. Академическую выучку в Школе изящных искусств, в мастерских Кутюра, Жерома, Глейра прошли и те, кто основал содружество независимых во Франции. Известен рассказ Клода Моне о том, как Глейр выговаривал ему за слишком близкое следование характеру модели, рекомендуя «когда что-нибудь делаешь, всегда думать об Античности». Моне, тогда двадцатилетний юноша, отозвав в сторону своих товарищей по мастерской, Сислея, Базиля и Ренуара, сказал им: «Бежим отсюда. Это место вредно для здоровья: здесь недостает искренности». «Мы ушли после двух недель подобных уроков»1.

Известен и рассказ Крамского о годах ученичества в Академии у Бруни, где он встретил «одни голые и сухие замечания: что вот это длинно или коротко, а вот это надо постараться посмотреть на антиках, Германике, Лаокооне». И тут дело тоже кончилось коллективным бегством – правда, не через две недели, а через шесть лет. Русские проявили больше способности к долготерпению. Но легко представить, как сходно было самочувствие молодого Крамского и молодого Моне: эти юноши, почти ровесники, встреться они тогда, прекрасно поняли бы друг друга. Их равно отталкивало отсутствие искренности. Удручали непрерывные отсылки к Античности, равнение на каноны, отталкивал сам технический, технологический, заформализованный подход к делу искусства, неподвижные понятия о «высоком и прекрасном», противополагаемом «низкому и низменному», то есть живому.

И во Франции, и в России реалистическое искусство с самого начала имело своих литературных приверженцев и пропагандистов – писателей и критиков. Их сочувствие новому направлению и защита его в прессе имели важное значение. Именно литераторы находили общие формулы для выражения его задач. Эти формулы у французов и русских подчас разительно совпадают. Если не знать самих картин и основываться на теоретических постулатах, выдвигаемых критиками, можно подумать, что речь идет о каких-то весьма сходных явлениях.

«Будем немножко сами собой, даже если мы выглядим некрасивыми. Не будем ни писать, ни рисовать ничего, кроме того, что существует, или хотя бы кроме того, что мы сами видим, что знаем, что сами пережили»2.

«Дай бог поскорее отделаться от этих заученных форм, забыть их. Этому пособить может одна действительность, одна правда с натуры, одно искусство, воспроизводящее с самого малолетства своего не “Харонов” и не “олимпийские игры”, а сцены из действительной жизни…»3 Первая из этих сентенций принадлежит французу Денуайе, вторая – русскому Стасову.

Дюранти еще в 1850-х годах возмущался засильем в живописи «образов Античности, образов Средневековья, образов шестнадцатого, семнадцатого и восемнадцатого столетий, в то время как девятнадцатый век запрещен абсолютно»4. Сетования на Юпитеров, Антиноев, Меркуриев, Юнон, Венер, Аскольдов и так далее настойчиво повторялись в эти же годы и в русской прогрессивной прессе.

Характеризуя «натуралистическую школу», как она сложилась в 1860-х годах, Кастаньяри писал: «Натуралистическая школа утверждает, что искусство есть выражение жизни во всех ее проявлениях, на всех ее стадиях <…>. Снова поставив художника в центре современной жизни, заставив его мыслить, она определила подлинную полезность, а следовательно, и моральность искусства». В другой статье: «Она (натуралистическая школа. – Н.Д..) – порождение современного рационализма. Она – порождение нашей философии, которая вернула человека в общество, откуда его изъяли психологи, и сделала социальную жизнь общества главным объектом наших исследований. <…> Натурализм, принимающий все реальности видимого мира и в то же время все пути познания этих реальностей, – есть… противоположность всякой школе. Он далек от того, чтобы устанавливать границы, он уничтожает все преграды. Он не насилует темперамент художника, он дает ему свободу»5.

Характеризуя передвижническое направление, А.В. Прахов писал: «Сказать на своем специальном языке художественных форм правду, даже голую правду – вот что должно быть отмечено как решительное, как главнейшее желание всех наличных русских художественных сил <…>. Желание правды во что бы то ни стало есть в то же время залог естественного роста и развития природных художественных сил, есть стремление освободить этот естественный рост от всяких внешних давлений отжившего, насильно навязанного предания и искусителя мамона – есть искреннейшая и истиннейшая жажда свободы. Этот важный акт внутреннего освобождения вполне закончился в русском искусстве последнего десятилетия <…>. Закончился в такой степени бесповоротно, что масса художественных сил… обращается по преимуществу к тем родам живописи, где ошибки и ложь менее возможны, – к воочию знакомой, осязаемой современности»6.

Как видим, все это звучит сходно, и таких близких высказываний можно было бы привести много. Из них, во всяком случае, следует, что правда, реальность, современность, свобода художника были программными, лозунговыми понятиями равно и во Франции, и в России.

Могут возразить, что приведенные сентенции французских литераторов, их рассуждения о «новом направлении», «натуралистической школе» относятся не к импрессионизму, а к предшествовавшему ему по времени французскому критическому реализму, который обычно связывают с именами Курбе, Домье, Милле. Главное – с Курбе.

Но, во-первых, критики, вставшие на сторону Курбе, – Дюранти, Кастаньяри, Астрюк и другие – были вместе с тем сторонниками и друзьями импрессионизма. Во-вторых, и это главное, между реализмом Курбе и «натуралистической школой» будущих импрессионистов не пролегало резкого рубежа и противопоставлять их друг другу как нечто принципиально разное – по меньшей мере натяжка. Тут была органическая и дружественная преемственность старшего и младшего поколений реалистов.

И Домье, и Милле, и Курбе очень высоко ценились импрессионистами (см., например, отзыв о них Писсарро). Но путь двух первых был несколько обособленным. Домье при жизни был известен лишь как мастер журнальных карикатур, сатирик-график, а это была особая, специфическая ветвь французского искусства, у которой были и свои продолжатели, например Форен. Живописные же произведения Домье были впервые выставлены за год до его смерти, в 1878 году (когда концепция импрессионизма уже всецело определилась), а широкую известность получили только в 1900 году на Всемирной выставке. Милле, живописец крестьян, любимый художник Ван Гога, вел уединенную жизнь в деревне, избегая контактов с какими-либо художественными объединениями, и, по его собственным словам, никогда не стремился «встать под чьи-то знамена». Он решительно возражал, когда критика сближала его с Курбе и когда она приписывала ему обличительные или даже революционные намерения, и, видимо, с этим нельзя не считаться.

Остается Гюстав Курбе. В нем привычно воплощается для нас представление о французском реализме середины века, тем более что сам Курбе и ввел в обиход понятие реализма, постоянно декларируя его в применении к своему творчеству. Но если нельзя не считаться с суждениями художника о самом себе, то не следует и слепо принимать их на веру. Бесспорно, Курбе был очень крупным живописцем, но точно ли он был так социально направлен и всеобъемлющ, как заявлял? Многое в декларациях Курбе было ему подсказано Прудоном. Изрядно самовлюбленный и достаточно простодушный, «наивный гигант» Курбе, воспламенившись мыслями своего друга-философа, искренно ввел их в свою личную «программу»: «Передавать нравы, идеи, облик моей эпохи согласно моей оценке». Уверенный сам, что он это делает, он внушал такую уверенность и другим. «Облик и нравы» он в какой-то мере передавал, живописуя своих земляков в Орнане; что же касается «идей эпохи» – пожалуй, он был для этого слишком стихийным и недостаточно интеллектуальным живописцем. Он написал «Похороны в Орнане» – большой групповой портрет, достойный, быть может, Караваджо или Хальса, однако не являющийся откровением «идей эпохи». Написал «Каменотесов» – предмет был выбран «программно», но, вероятно, даже рядовой русский передвижник нашел бы для него более острую социально-философскую концепцию. И едва ли какому-нибудь передвижнику пришло бы в голову написать столь эгоцентрическую, странную и громоздкую композицию, как та, которую Курбе торжественно назвал «Реальная аллегория, определяющая семилетний период моей художественной жизни». Короче говоря, практика Курбе недостаточна, чтобы оценивать ее как полное воплощение французского демократического реализма или как его вершину. Курбе был лишь в числе его застрельщиков. Он действительно восстал против академических и романтических «идеальностей», писал только современность, писал самобытно, с огромным живописным темпераментом. Все это и привлекло к нему художников молодого поколения – будущих импрессионистов, которые и впоследствии никогда не отмежевывались от Курбе, а всегда признавали его одним из своих ближайших учителей наряду с Коро, Ионкин-дом, Буденом и, наконец, Эдуардом Мане. Вслед за Курбе они считали себя реалистами. И действительно ими были.

Импрессионисты со временем творчески отдалились от Курбе, но не потому, что их не устраивал его реализм или его социальный темперамент, – их не устраивала прежде всего чернота живописи Курбе. Проблема светлой тональности была для них принципиальным вопросом реализма: они стояли на том, что в природе нет битюмных теней, глухого тона, черного цвета. А природа была их кумиром.

В конкретно-историческом значении термина реализм как течение XIX века предполагал стремление к близости и верности природе, натуре. Это было его conditio sine qua non. Импрессионисты стремились к этому, может быть, сильнее, чем кто-либо до них. День за днем, год за годом они жили захватывающей, изнурительной и сладостной погоней за ускользающими тайнами «натуры». Золя в романе «Творчество», был ли прототипом его героя Мане или Сезанн (оба отнюдь не похожи по складу личности на Клода Лантье), представил художника-реалиста, «слишком реалиста», одержимого этой погоней, переходящей уже в манию, подошедшего к предельной черте в своем фатально недостижимом стремлении похитить огонь жизни, воплотить на полотне «живое».

Импрессионисты в своей позднейшей эволюции, как известно, отступили перед чертой. Но пристрастие к современному, сегодняшнему они до конца сохранили. Практика импрессионистов полностью совпадала с убеждением Милле: «Наиболее прекрасно то, что взято из самой обыденной жизни, то, что изображает обычные происшествия, чувства и поступки каждого дня»7 – и Курбе: «Я считаю художников определенного века решительно некомпетентными воспроизводить события предшествующего или будущего времени, иначе говоря, писать прошедшее или будущее»8.

Импрессионисты, при своей безраздельной преданности настоящему, были к тому же и последовательно демократичны. Даже аристократ Дега, любивший на словах полемически отстаивать элитарность искусства, на деле как никто чувствовал и передавал поэзию будничного Парижа, его труды и дни; прачки и балерины у него, в сущности, родные сестры. Ренуар с его любовью к веселому, чувственному, чуть-чуть даже балаганному «празднику жизни» был поистине сыном французского народа. Пейзажисты Моне и Сислей всем красотам предпочитали деревенские улицы, скромные пригороды. Нечего и говорить о Писсарро. «Известно, – пишет Вентури, – что импрессионизм по-своему способствовал признанию человеческого достоинства обездоленных классов, выбирая простые мотивы, предпочитая розам и дворцам капусту и хижины, подчеркивая свою неприязнь ко всякой элегантности и социальной утонченности. Но никто не пошел по этому пути так далеко, как Писсарро, и поэтому критики, начиная с 1870 года и даже после смерти Писсарро, обвиняли его в том, что он вульгарный и прозаичный живописец»9.

Что «признанию человеческого достоинства обездоленных классов» способствовали в России передвижники – это, кажется, доказательств не требует.

Словом, можно не сомневаться, что черты стадиальной близости между русским передвижничеством и французским импрессионизмом существовали. Они были вызваны к жизни единой логикой истории, исторического художественного процесса. Оба течения написали на своем знамени: реализм, современность, демократизм, раскрепощение творчества от канонов. И оба эту программу осуществили.

Наконец, и пленэр не являлся исключительной прерогативой импрессионизма. Его по-своему «открыл» духовный отец русских передвижников – Александр Иванов. Сами передвижники, правда, с пленэрной живописи не начинали, но к ней двигались по мере своего художественного возмужания. Нельзя отрицать пленэризма в полотнах 1880-х годов Репина, Сурикова, Поленова, не говоря уже о Левитане, Серове, Коровине.

Теперь встает самый существенный вопрос: почему же (и в чем) импрессионисты и передвижники были между собой решительно несходны и даже в чем-то антагонистичны?

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Импрессионизм — Вики

ИГНАТ ЛОХ

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme ← impression «впечатление») — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определённом наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений. Из родственных течений декаданса ближе всего к импрессионизму находится символизм. Многие художники, начиная работать в стиле символизма (и во вполне академической манере письма), затем переходили на стилистическую платформу импрессионизма.^[1]

Термин «импрессионизм» возник с лёгкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка впечатленцев» (L’Exposition des impressionnistes), взяв за основу название картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant). Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер, указывая на соответствующее отношение к художникам, писавшим в новой «небрежной» манере.

Импрессионизм в живописи

Истоки

В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытом воспользовались испанцы. Наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.

В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов. Тональные опыты в творчестве многих художников с разных сторон подготавливали появление импрессионизма.

На Эдуарда Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета.

Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы. Во время франко-прусской войны (1870—1871) Клод Моне, Сислей и Писсарро отправились в Лондон, чтобы там иметь возможность изучить великих пейзажистов — Констебла, Бонингтона и Тёрнера. Что же касается последнего, то уже в его поздних работах заметно, как постепенно исчезает связь с реальным изображением мира и уход в индивидуальную передачу впечатлений.

Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели, написанные в Северной Африке в 1832 году или в Этрета в 1835 году, и особенно картина «Море в Дьепе» (1835) позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов.

История

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. В 1863 году Эдуард Мане выставляет в «Салоне отверженных» картину «Завтрак на траве» и активно выступает на встречах поэтов и художников в кафе Гербуа, которое посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства.

В 1864 году Эжен Буден приглашает Моне в Онфлёр, где он прожил всю осень, наблюдая, как его учитель пишет этюды пастелью и акварелью, а его друг Йонкинд накладывает краску на свои работы вибрирующими мазками. Именно здесь они научили его работать на пленэре и писать светлыми тонами.

В 1871 году во время Франко-прусской войны, Моне и Писсарро уезжают в Лондон, где они знакомятся с творчеством предшественника импрессионизма Уильяма Тёрнера.

К середине 1880-х годов импрессионизм, постепенно перестаёт существовать как единое направление, и распадается, дав заметный толчок эволюции искусства. К началу XX века набрали силу тенденции отказа от реализма, и новое поколение художников отвернулось от импрессионизма.

Возникновение названия

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Название «импрессионизм» — достаточно бессодержательное, в отличие от названия «Барбизонская школа», где хотя бы есть указание на географическое расположение художественной группы. Ещё меньше ясности с некоторыми художниками, которые формально не входили в круг первых импрессионистов, хотя их технические приёмы и средства полностью «импрессионистические», — Уистлер, Эдуард Мане, Эжен Буден и т. д. К тому же технические средства импрессионистов были известны задолго до XIX века и их (частично, ограниченно) использовали ещё Тициан и Веласкес, не порывая с господствующими идеями своей эпохи.

Была ещё одна статья (автор Эмиль Кардон) и ещё одно название — «Выставка мятежников», абсолютно неодобрительное и осуждающее. Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к художникам (импрессионистам), которое господствовало годами. Импрессионистов сразу обвинили в аморальности, мятежных настроениях, несостоятельности быть добропорядочными. В настоящий момент это вызывает удивление, потому что непонятно, что аморального в пейзажах Камиля Писсарро, Альфреда Сислея, бытовых сценах Эдгара Дега, натюрмортах Моне и Ренуара.

Прошли десятилетия. И новое поколение художников придёт к настоящему развалу форм и обнищанию содержания. Тогда и критика, и публика, увидела в осуждённых импрессионистах — реалистов, а немного позже и классиков французского искусства.

Специфика философии импрессионизма

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм, будучи искусством в известной степени манерным и маньеристским, сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса (Возрождение), импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное видение взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Картины импрессионистов не несут социальной критики, не затрагивают социальные проблемы, такие как голод, болезни, смерть, представляя лишь позитивные стороны жизни. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Импрессионизм и общество

Импрессионизму присущ демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они — главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определённого места при определённом освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда. Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные, и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом для отказа от чёрного.

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним», а «внешним» светом, отражающимся от поверхности^[3].

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Хронология по художникам

Импрессионисты

Выставки

Первая выставка (15 апреля — 15 мая 1874)

Адрес: бульвар Капуцинок, 35 (ателье фотографа Надара).Участники: Аструк, Аттендю, Белиар, Бракемон, Брандон, Буден, Бюро, Гийомен, Дебра, Дега, Кальс, Колен, Ла Туш, Левер, Лепик, Лепин, Мейер, де Молен, Моне, Моризо, Мюло-Дюриваж, Джузеппе Де Ниттис, А. Оттен, Л. Оттен, Писсарро, Ренуар, Робер, Руар, Сезанн, Сислей.

Вторая выставка (апрель 1876)

Адрес: ул. Лепелетье, 11 (Галерея Дюран-Рюэля).Участники: Базиль (посмертно, художник погиб в 1870), Белиар, Бюро, Дебютен, Дега, Кайботт, Кальс, Левер, Легро, Лепик, Милле, Моне, Моризо, Л. Оттен, Писсарро, Ренуар, Руар, Сислей, Тилло, Франсуа

Третья выставка (апрель 1877)

Адрес: ул. Лепелетье, 6.Участники: Гийомен, Дега, Кайботт, Кальс, Кордей, Левер, Лями, Моне, Моризо, Альфонс Моро, Пьетт, Писсарро, Ренуар, Руар, Сезанн, Сислей, Тилло, Франсуа.

Четвёртая выставка (10 апреля — 11 мая 1879)

Адрес: авеню Опера, 28.Участники: Бракемон, госпожа Бракемон, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кайботт, Кальс, Кассат, Лебур, Моне, Пьетт, Писсарро, Руар, Сомм, Тилло, Форен.

Пятая выставка (1 апреля — 30 апреля 1880)

Адрес: ул. Пирамид, 10.Участники: Бракемон, госпожа Бракемон, Видаль, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кайботт, Кассат, Лебур, Левер, Моризо, Писсарро, Рафаэлли, Руар, Тилло, Форен.

Шестая выставка (2 апреля — 1 мая 1881)

Адрес: бульвар Капуцинок, 35 (ателье фотографа Надара).Участники: Видаль, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кассат, Моризо, Писсарро, Рафаэлли, Руар, Тилло, Форен.

Седьмая выставка (март 1882)

Адрес: Фобург-Сент-Оноре, 251 (У Дюран-Рюэля).Участники: Виньон, Гийомен, Гоген, Кайботт, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуар, Сислей.

Восьмая выставка (15 мая — 15 июня 1886)

Адрес: ул. Лаффитт, 1.Участники: госпожа Бракмон, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Дзандоменеги, Кэссет, Моризо, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Редон, Руар, Сёра, Синьяк, Тилло, Форен, Шуффенекер.

Импрессионизм в литературе

В литературе импрессионизм не сложился как отдельное направление, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме.

Прежде всего характеризуется выражением частного впечатления автора, отказом от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения, что должно было повлечь за собой отсутствие сюжета, истории и заменой мысли восприятием, а рассудок — инстинктом. Основные черты импрессионистского стиля сформулировали братья Гонкур в своём произведении «Дневник», где знаменитая фраза «Видеть, чувствовать, выражать — в этом все искусство» стала центральным положением для многих писателей.

В натурализме главным принципом была правдивость, верность натуре, но она подвержена впечатлению, а потому облик реальности зависит от каждой отдельной личности и её темперамента. Наиболее полно это выражено в романах Эмиля Золя, его развернутых описаниях запахов, звуков и зрительных восприятий.

Символизм, наоборот, требовал отказа от материального мира и возвращения к идеальному, однако переход возможен только через мимолётные впечатления, раскрывая в видимых вещах тайную сущность. Яркий пример поэтического импрессионизма — сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский.

Также эти настроения коснулись драматургии (импрессионистская драма), в пьесы вторгается пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний, цельная композиция распадается на ряд сцен, наполненных лиризмом, а в диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Драма становится одноактной, рассчитанной на интимные театры. Эти признаки нашли своё полное отражение в творчестве Артура Шницлера.

Импрессионизм в музыке

Музыкальный импрессионизм являлся одним из течений музыкального модернизма. Характеризуется передачей мимолётных впечатлений, настроений, тонких психологических нюансов.

Основоположником импрессионизма в музыке является французский композитор Эрик Сати, опубликовавший в 1886 году «Три мелодии», а в 1887 — «Три сарабанды», несущие в себе все главные черты нового стиля. Смелые открытия Эрика Сати пятью и десятью годами позднее были подхвачены и развиты другими музыкантами, ярчайшими представителями импрессионизма, Клодом Дебюсси и Морисом Равелем.

См. также

Примечания

↑ Андреев Л.Г. «Импрессионизм». — М.: Наука, 1980 г. 213 с. — стр. 59-60
↑ Морис Серрюлль и Арлетт Серюлль. Энциклопедия импрессионизма, Москва «Республика», 2005
↑ Б. Р. Виппер, «Введение в историческое изучение искусства», «Издательство В. Шевчук», 2008

Литература

Л.Г. Андреев Импрессионизм. — Москва: МГУ, 1980.
Жан-Поль Креспель. Повседневная жизнь импрессионистов 1863—1883. — Москва: «Молодая гвардия», 1999.
Морис Серюлль и Арлетт Серюлль. Энциклопедия импрессионизма. — Москва: «Республика», 2005.
Н. В. Бродская. Импрессионизм. — СПб.: Аврора, 2002. — 254 с., 269 ил., 7 авт. листов текста)
Синельникова Н. А. Импрессионизм. Очарованное мгновение. — М.: ОЛМА Медиа Групп, 2014. — 143 с. (Сокровища человечества). — ISBN 978-5-373-05915-2

Ссылки

Wikiorg.ru

Что такое импрессионизм

Содержание статьи:

Импрессионизм – что это такое простыми словами

Импрессионизмом называют одно из наиболее весомых направлений искусства, которое зародилось во Франции. Деятели импрессионизма намеревались придумать собственные приемы, целью которых являлось запечатление динамики бытия. Большее распространение импрессионизм обрел в изобразительном искусстве, хотя его можно встретить и в литературе, и в музыкальных композициях. Данное направление опирается на чувственную составляющую окружающего мира: его динамику, изменения и смысловую составляющую.

Сам термин был предложен популярным критиком Луи Леруа. С самого начала данный термин звучал с толикой насмешки, поскольку так именовали художников, писавших расслабленно и даже “небрежно”.

Живопись и импрессионизм

Происхождение

Эпоха Возрождения была наполнена мастерами венецианской школы, которые желали продемонстрировать подлинное бытие с помощью насыщенных оттенков. Опыт этих учеников стал полезным для испанских художников, таких как Гойя и Эль Греко, которые в дальнейшем стали “маяками” для Ренуара и Мане.

Вместе с этим Рубенс использует разноцветные тени, разбавляя их промежуточными цветами. Свет представлял собой тонкие оттенки, а тени окрашивались в теплые, яркие цвета. Таким образом, формировалась светотень без участия черного цвета. Японская живопись также оказала влияние на импрессионизм с помощью схематических изображений.

История возникновения

Начало импрессионизма пришлось на 1860 годы, где академизм начал понемногу тратить значимость. В 1863 году Мане презентовал собственную картину “Завтрак на траве”. В этом же году Эжен Буден вдохновился деятельностью своего учителя и углубился в жанр. К 1880 году импрессионизм уже сформировался как самостоятельное направление искусства, однако к началу двадцатого века импрессионизм еще сильнее отдалился от реализма, что оттолкнуло новых мастеров от данного направления.

Происхождение термина

15 мая 1874 года прошла первая важнейшая выставка импрессионистов, где было представлено тридцать полотен. Луи Леруа назвал “небрежных” художников “импрессионистами”, желая выразить собственное пренебрежение к новым мастерам. Однако художники решили смело принять это слово, которое закрепилось к данному направлению и утратило первоначальный, пренебрежительный смысл.

Эмиль Кардон в свое время написал статью по поводу выставки работ импрессионистов, которую наименовал “Выставкой мятежников”. Эта статья наполнена критикой к новому жанру изобразительного искусства и в полной мере выражает отношение буржуазии к таким художникам.

Импрессионистов воспринимали, как людей аморальных и мятежных, неспособных к добропорядочности. Сейчас это отношение кажется абсурдным, ведь ни один пейзаж, выполненный в “смелой” манере, не несет в себе никакого иного смысла, кроме восторга от красоты и динамичности жизни.

Особенности философии

Мастера из Франции не желали проникать в сложные конструкции смысла под яркой поверхностью пейзажей, они желали передать лишь красоту момента. Направление базируется на специфике перспективы; художник опирается не на то, что написано на полотне, а на то, как оно написано. Полотна не направлены на затрагивание “болезней” социума, войны, неравноправие и так далее.

Импрессионизм и социум

Данное направление в 19 веке принадлежало чаще аристократам, которые являлись заказчиками разнообразных скульптур и картин. Картины, в которых были описаны тяжелые будни обычных крестьян, не пользовались спросом. Полотна с подобной смысловой нагрузкой были написаны Теодором Жерико и Франсуа Милле.

Художники любили изображать человека в момент движения, отдыха или игры, запечатленным под особенным освещением. Любимыми сюжетами были флирт, танцы, отдых в кафе или театре, парке. Художники часто рисовали свои полотна на открытом воздухе, без доработок в мастерской.

Особенности техники

Художники решили заменить контур изображения на мазки. Луч света состоял из синего, фиолетового, желтого, зеленого, оранжевого и красного цветов, причем соседние оттенки выделяют друг друга, однако их смешивание может привести к потере яркого окраса. При этом оттенки делятся на основные, первоначальные, сдвоенные и производные. Этот способ позволил избежать длительного смешивания цветов в палитре, вместо чего цвета просто накладывались сразу на холст.

Художники решили отдать предпочтение рисованию на природе, где проще передать все ощущения от пейзажа на холсте. Такие особенности техники позволили сделать картины столь необычными и прекрасными.

Литература и импрессионизм

В литературе это направление не заняло отдельную нишу, а отразилось в натурализме и символизме. В таком жанре импрессионизм выражается методом передачи каждого пережитого мгновения, отказом от объективизма, преобладанием инстинктов над разумом и отсутствием очевидного смысла. Самым популярным литературным произведением жанра является “Дневник” братьев Гонкур.

Натурализм подразумевает сосредоточенность на натуре, выражающуюся в описании дополнений общей картины. Символизм, в свою очередь, нуждается в отказе от материальных благ и возвращении к миру духовности, что передается мимолетными чувствами и мыслями, выстраивающих единую картину.

Отражение в музыке

В музыкальных композициях импрессионизм коснулся модернизма, наполненного тонким психологизмом и передачей мимолетной радости. Основоположником этого движения в музыке считается Эрик Сати, опубликовавший “Три мелодии” в 1886 году.

что мы унаследовали от первопроходцев модернизма — Моноклер

Рубрики : Арт, Культура, Последние статьи

Carpe diem, невидимое движение жизни, мимолетное впечатление: разбираемся, как формировалось одно из первых направлений модернизма — импрессионизм, какое воплощение он нашел в живописи, музыке и кино и что общего у картин импрессионистов и наших фотографий в соцсетях.

Импрессионизм, как и другие направления модернизма, вызывает интерес аудитории и по сей день. Даже любитель знает балерин Эдгара Дега, а шутка про художников Моне и Мане уже неактуальна. Чем простой сюжет и непривычный угол обзора так привлек зрителя? Давайте разбираться.

Для начала обратимся к теории. Слово «импрессионизм» образовано от французского impressio — «впечатление». Художники рубежа 19-20 веков уходили от академизма и искали новые формы изображения реальности, способы запечатлеть момент, поймать его в движении. Никакого сюжета и продуманной постановки кадра, только желание передать настроение, свое впечатление от увиденного. Ничем не напоминает заполонившие социальные сети фотографии? Никакой драмы, негатива и социального подтекста; на первый план выходит атмосфера, момент ускользающей жизни, и он, безусловно, прекрасен.

Вы замечали, что на большинстве фотографий в Инстаграме нет историй? Просто лучи солнца или красивый пейзаж, или чашка кофе. Все это отголоски импрессионизма. Зародившись среди художников, это направление перетекло и в другие виды искусства, переосмыслив старые и показав другие, новые формы отражения реальности. Для того чтобы понять, что дал импрессионизм миру, начнем с его истоков.

Возникновение импрессионизма

Революционный настрой новой волны художников выступал против идей классической школы, где был важен сюжет, прорисовка всех деталей и реалистичность изображения. Академизм надоел своими канонами и высоким стилем. Сравните картины Вильяма Бугро «Купальщица» (1864 г.) с «Купальщицей на камне» (1880 г.) Огюста Ренуара – техника разительно отличается.

Слева «Купальщица» Вильяма Бугро (1864 г.), справа «Купальщица на камне» (1880 г.) Огюста Ренуара

Импрессионисты считали, что писать нужно, полагаясь на чувства, а не на правила. Стоит отметить, что они прекрасно знали методы традиционной живописи, что прослеживается в их ранних работах. Но переосмысление действительности привело их к поиску новой техники, желанию выйти в город, обратиться к другим персонажам и жанрам, что в итоге породило новое течение в мировом художественном искусстве. Известное многим выражение «я художник, я так вижу» отлично вписывается в концепцию импрессионизма, где каждая картина становилась воплощением индивидуальности ее автора.

«Правила» художников-импрессионистов

Главные художественные принципы импрессионизма нащупал и разработал в своем творчестве Камиль Писсарро. Во-первых, как было написано выше — обращение к чувствам: изображать нужно только то, на что есть внутренний отклик. Поэтому импрессионисты писали свои картины не «мозгами», а скорее «эмоциями». Из этого вытекает второе правило — искать и находить характер. Например, в картинах Дега вы увидите особые качества человека — интересные черты, жесты, мимику, которые художник замечал в буднях парижской жизни и передавал это в легких сюжетах: эпизод скачек, балета, похода в ресторан. Посмотрите на героев его картины «Абсент» (1876 г.). Художник не просто потрясающе передал настроение жизни богемного кафе, но поместил в центр героев, употребляющих галлюциногенный напиток, чьи пустые и несчастные выражения лиц сразу же бросаются в глаза.

Фрагмент картины «Абсент» Эдгара Дега (1876 г.)

Третий момент — у импрессионистов не столько отсутствовал сюжет, сколько он был прост и как бы вырван из потока жизни. Никаких сражений, жертв, религиозных мотивов, которые были свойственны академизму. Только современная городская жизнь с ее пейзажами, героями самых разных мастей и сценами из жизни. Например, у Ренуара есть целая серия картин, где центральной темой является просто завтрак: «Завершение завтрака» (1879 г.), «Завтрак гребцов» (1880-1881 г.), «Завтрак в ресторане Фурнез» (1875 г.).

Еще один принцип подхода импрессионистов заключался в умении передавать целостность картины. Художники видели сразу весь «кадр» и не не уделяли большого внимания прорисовыванию деталей. Отсюда вытекает пятый принцип — сосредоточение на цвете и форме, без детализации последней, что было обусловлено необходимостью уловить мгновение и быстро его изобразить. Художники-импрессионисты создавали лишь ощущение, а не определенный объект реальности. Если можно в двух штрихах изобразить стол, зачем прорисовывать каждую ножку и пытаться создать фактуру? Импрессионисты считали, что таким образом исчезает воздушность. Не нужно беспокоиться о технике — главное передать вечатление.

Как фотография повлияла на импрессионистов и наоборот

Пользователи современных социальных сетей отражают в своих фотозаметках заложенные Камилем Писсаро правила и принципы, сами того не сознавая. «Завтраки» Ренуара можно найти в ленте у друга, а фотографии букетов цветов (см. «Розы в вазе» 1872 г. Огюста Ренуара) уже набили оскомину. Кроме выбора тем, мы могли бы многое почерпнуть у импрессионистов — например, строить композицию, замечать главное, изображать характер, учиться «чистоте» стиля ⓘВ разработанной «Фотогении» Луи Деллюка есть много интересных заметок о студийном и натуральном свете, фотогеничности кадра и актеров. — Прим. автора.. Но интересно то, что в свое время некоторые импрессионисты, тот же Дега, многое переняли у фотографов.

«Завтрак гребцов», Огюст Ренуар (1879 г.)

Дега не боялся использовать «фотографический аппарат» для изучения пластики движения, чтобы потом максимально точно передать арабеск балерины (картина «Завершающий арабеск» 1877 года, скульптура «Арабеск на правой ноге, левая рука вытянута вперед» 1898 года). Неслучайно именно Дега называют «импрессионистом жеста». Для него была важна кинетическая точность в искусстве, поэтому вслед за зарисовками в театре пришел Kodak. Посмотрите на его картины «Репетиция» (1877 г.) и «Балетная школа» (1879 г.) – в них интересно композиционное расположение: в глаза бросается лестница, которая, в свою очередь, «режет» фигуры балерин на куски. Тем самым художник достигает эффекта сиюминутного движения, будто через мгновение по этой лестнице спустится балерина, чтобы продолжить репетицию.

Если мы посмотрим на картину Моне «Бульвар Капуцинок», увидим многое от фотографии — от «смазанного» изображения движений до размытого фона в дальней части изображенного бульвара и эффекта «стоп-кадра», пытающегося схватить один момент из жизни.

Не все художники-импрессионисты видели что-то полезное для себя в фотографии. Напротив, большинство из них считали, что задача их полотен передать образ, а не четкое изображение человеческой фигуры. Кроме того, они считали, что фотография не способна передавать тонкие движения души. Посмотрите на картину «Дама с зонтиком» 1875 г. Клода Моне. Разве отсутствие солнца привычной для нас формы так уж критично? Художник показал лишь блики, и для зрителя этого достаточно, чтобы поймать настроение всей картины.

И если в прошлом художники часто участвовали в дебатах, обсуждая роль и влияние фотографии на живопись, то сегодня мы видим, что оба вида искусства живы и существуют независимо друг от друга.

Импрессионизм в музыке и кино

Импрессионизм как направление в искусстве открыли художники, но это не значит, что импрессионизм ограничился живописью. Если и определять общие черты импрессионизма как направления в целом, то это скорее уход от академического исполнения. Лучше всего это удалось музыкантам. Оно и понятно — передать чувства через ноты несложно. Клод Дебюсси, Эрик Сати уходили от строгих форм, показывая лишь «Лунный свет» или «Весну». Музыкальному импрессионизму было чуждо изображать героику. Музыканты, как и художники, находились в постоянном поиске новых форм, экспериментировали, дабы найти свой оригинальный стиль. Но эта жажда нового отражалась и в литературе, и в скульптуре, и в кинематографе. Последний пункт – отдельная история, так как именно киноимпрессионизм оказался не самым удачным примером этого направления.

Возникновение киноимпрессионизма

Если другие представители импрессионизма, несмотря на использование принципов направления, долго отрекались от этого определения, то историки кино громко прозвали новое течение «киноимпрессионизмом», или «первым авангардом». Оно зарождалось по тому же сценарию, что и импрессионизм в живописи: во Франции, с революционным настроем. Кино во время первой мировой войны было очень популярно: Чарли Чаплин, вестерны, мелодрамы — кино успешно справлялось с задачей ухода от непривлекательной реальности в мир грез. Но были и противники пустого, коммерческого кино, американского преимущественно. Молодые парижане — писатели, критики — хотели видеть в кино искусство. Одним из ярких представителей авангарда был Луи Деллюк. Он считал, что кино должно двигаться в сторону мысли героя, а не демонстрировать фактичность его действий. Минимум событий — максимум настроения. Его фильм «Молчание» 1920 года — яркое тому подтверждение: только пара сцен показывает действия героя, практически весь фильм — это его воспоминания, и больше ничего не происходит. Подобным образом работала и первая французская женщина-режиссер – Жермена Дюлак. В экранизации пьесы «Улыбающаяся мадам Бёде» (1923 г.) она также заострила внимание на изображении мысли героини, опустив событийную ленту. Для киноимпрессионистов кино было способом убежать в сказку, в сны. Они не высказывали своей авторской оценки, а были лишь наблюдателями, которые просто передавали атмосферу.

Режиссеры играли с формой, искали различные способы показать внутренний мир человека. В итоге излишний психологизм привел к уходу от действительности и полной потери связи с реальностью. Фильм Жана Эпштейна «Верное сердце» (1923 г.) изобилует разностью планов, двойной экспозицией, рапидом и другими техническими новшествами, но аудитория нового киноязыка не понимала. Фильмы авангардистов были сложны для публики, характеры героев слабыми, конфликта словно не было вообще. Режиссеры слишком заигрались с эстетикой и формой, забыв о содержании и, самое главное, — о своем зрителе.

Также одной из проблем киноимпрессионистов критики выделяют игнорирование монтажа, но, как известно, именно благодаря склейке кадров история приходит в движение (кстати, советская киношкола пошла другим путем и такие режиссеры, как Михаил Ромм и Сергей Эйзенштейн, стали первыми, кто обратился к теории монтажа, тем самым сделав шаг вперед в развитии киноискусства). Некоторые режиссеры и вовсе призывали порвать с литературой и театром, доказывая, что кино должно существовать без слов.

Течение «первого авангарда» плавно перешло во «второй авангард» (1924 — 1930 годы), который в поисках «чистого киноискусства» пошел дальше — никакого сценария, а, значит, и сюжета; можно обойтись и без актеров; а что, если просто не изображать реальный мир? Привет, сюрреализм! Кстати, музыкальное сопровождение к некоторым фильмам режиссеров «второго авангарда» (Рене Клер, Луис Бюнюель, Жан Вино) писал Эрик Сати — музыкант-импрессионист. Но это уже другая история.

Что взяли кинематографисты от художников-импрессионистов?

Режиссеры научились строить кадр — выработали основные принципы композиции, изучили световые эффекты, научились «ловить момент». До киноимпрессионистов никто в мире так скрупулёзно не работал над сценой. Взгляд живописца — вот что переняли кинематографисты. Луи Деллюк, Жан Эпштейн и другие разрабатывали способы идеального изображения объекта на экране. Они первые, кто стал работать с ритмом, крупностью плана, чистотой стиля. В доктрине импрессионистов говорится об изображении современного мира, тех событий, которые происходят здесь и сейчас — киноимпрессионисты послушно выполняли это требование.

Вместо заключения

Опыт художников-импрессионистов показал нам, как картина без точных форм и содержания может воздействовать на зрителя, а эксперименты киноимпрессионистов наглядно продемонстрировали, что кино не может существовать без героя, конфликта и сюжета. Исключением, пожалуй, являются работы некоторых режиссеров Японии и Южной Кореи, где в изображение вплетается восточная философия. Например, фильм «Токийская история» (1953 г). Ясудзиро Одзу стал культовым, несмотря на минимализм, скупой сюжет и практически статичную камеру. А фильм Ким Ки Дука «Весна, лето, осень, зима …. и снова весна» 2003 г. зритель радушно принял и полюбил: и немые сцены, и длинные планы, демонстрирующие движение природы.

Помимо нечетких контуров и эффекта «первого впечатления», импрессионисты познакомили нас с другими способами восприятия реальности. Их методы, разработанные в противовес академизму, как нельзя лучше вписываются в концепцию современности: поймать момент. И эта концепция не только прочно осела в других областях искусства, но и неуловимо вписывается в нашу повседневную жизнь.

Обложка:фрагмент картины Эдгара Дега «Танцовщицы у станка» (1900 — 1905 гг.)

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Импрессионизм

Импрессионизм возник на рубеже 19-го и 20-го веков. Первая картина художника экспрессиониста Клода Моне называлась «Впечатление. Восход солнца» Слово «впечатление» звучит на французском как «impression». Так и появилось название течения в живописи – импрессионизм.

Живописцы импрессионисты черпали свое вдохновение именно во впечатлениях. Их интересовала природа, духовный мир человека, отдельно выхваченные события, как бы случайно подсмотренные сцены. Основа импрессионизма – движение и живой фон. Воздух и свет – именно этим деталям художники уделяли внимание в первую очередь. Образы на картинах как будто окутаны струящимся светом или сияют в сверкающих лучах.Именно у импрессионистов появилась традиция писать не в помещении, а на открытом пространстве. Работа на лоне природы помогала передать впечатление от увиденного наиболее достоверно.

Задачей импрессионистов было увидеть и отобразить природу в красках, которые ускользают от взгляда обычного обывателя. Например, Клод Моне изображая туман над Лондоном, придал ему красноватый оттенок. Изначально это казалось неестественным, но при более внимательном изучении, жители Лондона понимали, что их не обманывают. Туман действительно приобретал красноватый оттенок, отражаясь от стен кирпичных домов.

В течении историки выделяют неоимпрессионизм и постимпрессионизм.

Неоимпрессионизм – это отход от смешанных тонов и возращение к чистому цвету. Вблизи такие картины казались нагромождением мазков, но такая техника создавала незабываемое впечатление, это было отражение мимолетного взгляда. Живописцы играли с тенью. На их картинах тени не были черными. Они отливали изумрудом, синевой, лиловым – точно так, как и на самом деле можно было наблюдать в природе.

Постимпрессионизм – это многоплановое течение, к которому относились отдельные художники и целые группы. Живописцы этого направления стремились углубить импрессионизм, сделать впечатление более долгим, зафиксировать не только первое впечатление, но и суть образа.

Яркие имена в импрессионизме – Эдгар де Га, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Эдуард и Клод Мане, Огюст Ренуар и другие.

Импрессионизм не был признанными и почитаемым искусством в свое время, скорее художников воспринимали, как чудаков – новаторов. Однако сегодня картины художников импрессионистов украшают лучшие музеи мирового искусства.

50 картин импрессионистов — импрессионизм через 50 работ

Г. Фернандеса — theartwolf.com
Ни один художественный период не комментировался и не обсуждался так, как Импрессионизм . Но поскольку изображение стоит тысячи слов, theartwolf.com решил продемонстрировать 50 картин, чтобы возобновить самое лучшее из этого увлекательного художественного движения

Говоря о импрессионизме , часто совершается ошибка при присвоении этому движению ряд художников, которые ничего или почти ничего не имели с ним общего — Руссо, Редон- или других, которые, несмотря на то, что рано почувствовали влечение к новому движению, вскоре отделились от него — Поль Гоген, Поль Сезанн — или даже другие, которые хотя обычно рассматриваются как представители этого движения, не могут быть названы «чистыми импрессионистами»

		FRÉDERIC BAZILLE: «Мастерская художника — Bazille’s Studio; 9 rue de la Condamine» — 1870 — холст, масло, 98 — 128.5 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Друг Моне, Сислея и Мане, родившийся в богатой семье, Базиль — трагическая фигура импрессионизма, погибший во время франко-прусской войны, когда ему было всего 28 лет. «Мастерская художника» широко считается его шедевром, в котором мы можем найти некоторые важные имена в движении импрессионистов: такие художники, как Моне, Ренуар и Мане; и друзья вроде Эмиля Золя или Эдмона Мэтра.
		EUGÈNE BOUDIN: «Док в Довиле» — 1869 — холст, масло, 23 — 32 см.- Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Буден был одним из первых французских пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе, и широко известен как один из самых влиятельных художников-импрессионистов. Когда он переехал в Сен-Симеон в 1862 году, некоторые молодые художники начали подражать его живому мазку, положив начало «школе Сен-Симеон», которая сегодня считается одним из истоков импрессионизма.
		GUSTAVE CAILLEBOTTE: «Les raboteurs (Скребки для пола)» , 1876 г. — холст, масло, 102 — 146.5 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Головокружительная перспектива и почти фотографическая фокусировка характерны для первых работ Кайботта. Эта работа, как никакая другая, является примером того оцепенения, которое Кайботт мог вызвать между помощниками на первых выставках импрессионистов. Золя, который действительно ценил Кайботта, описал его как «антихудожественную, чистую картину, морозную и буржуазную, в силу точности».
		GUSTAVE CAILLEBOTTE: «Парижская улица, дождливый день» 1877 — холст, масло, 212.2 — 276,2 см. — Институт искусств Чикаго — просмотреть изображение с высоким разрешением Это самая известная и амбициозная картина Кайботта, выставленная на Третьей выставке импрессионистов на Rue Le Peletier , где она не была хорошо принята критиками. L’Evenement написал об этой картине: «Рисунок хорошего качества, но Кайботт забыл включить дождь» . В любом случае, это одно из лучших изображений Парижа XIX века из когда-либо созданных.
		МЭРИ КАССАТТ: «Лето» , 1894 г. — холст, масло, 100,7-81,3 см. — Terra Foundation for American Art, Чикаго — просмотреть изображение с высоким разрешением Мэри Кассат родилась в Пенсильвании, но большую часть своей взрослой жизни прожила во Франции, куда Эдгар Дега пригласил ее для показа своих работ с импрессионистами. Работы, созданные в 1890-х годах, являются, безусловно, самыми интересными в ее карьере, и, хотя группа импрессионистов вскоре была распущена, Кассат все еще поддерживала контакт с некоторыми из участников, обогащая ее талант до такой степени, что она стала образцом для подражания для молодых американских художников. .
		PAUL CÉZANNE : «Дом повешенного в Овер-сюр-Уаз» — 1873 — Холст, масло, 55 x 66 см — Париж, Musée d’Orsay — просмотреть изображение с высоким разрешением Этот странный пейзаж, возможно, является первым шедевром Сезанна, и он был одной из трех работ, представленных художником на выставке импрессионистов в Париже в 1874 году, где он был приобретен графом Арманом Дориа.Хотя «Дом повешенного» все еще можно считать картиной импрессионистов, работа выполнена в раннем и очень индивидуальном стиле Сезанна, обработав поверхность холста мастихином.
		PAUL CÉZANNE : «Натюрморт с корзиной фруктов (кухонный стол)» , 1880-1890 — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Сезанн, возможно, величайший мастер натюрморта любой эпохи, и эта блестящая картина составляет одну из его самых амбициозных композиций.Где эта корзина? В очень неустойчивом положении в правом верхнем углу стола или — благодаря сложной перспективе — на земле вместе с деревянным элементом, частично изображенным справа от картины? Здесь Сезанн создал двойную перспективу, чтобы нарисовать сенсационную работу, в которой начинает проявляться кубизм.
		Это наименьшая из трех версий этого сюжета, написанных Полем Сезанном, но вполне вероятно, что она также была последней из них и наиболее проработанной.Хотя композиция действительно проста (два игрока смотрят друг на друга, черная бутылка безмолвно разделяет композицию на две части), невероятная психологическая напряженность на лицах игроков делает эту картину шедевром постимпрессионистского искусства.
		PAUL CÉZANNE : «Вид на гору Сент-Виктуар из Лов» , 1904-06 — холст, масло, 60-72 см. — Базель, Художественный музей — просмотреть изображение с высоким разрешением Поль Сезанн нарисовал множество видов на гору Сент-Виктуар на окраине Экс-ан-Прованса, и это прекрасное произведение является одной из наиболее разработанных версий всех их.Об этой работе можно сказать, что она «кубизм перед кубизмом»: треугольная гора и элементы прерии — географические или назидательные — приобретают объем за счет наложения множества хроматических плоскостей.
		Это самое большое полотно, когда-либо написанное Сезанном, и кульминация серии «Купальщицы». Картина напоминает некоторые лучшие картины Тициана, такие как «Вакханалия Андриана» , в то время как почти скульптурное изображение человеческого тела связывает это полотно с некоторыми фресками Микеланджело в Ватикане.Существуют две другие «законченные» картины «Купальщицы»: одна в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а другая в Национальной галерее в Лондоне.
		ЧАРЛЬЗ КОНДЕР : «Праздник в Ментоне» , c.1888 — холст, масло, 46,2-60,8 см. — Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида — просмотреть изображение с высоким разрешением Художник английского происхождения Кондер (1868–1909) эмигрировал в Австралию, когда ему было 20 лет, и теперь считается ключевой фигурой в австралийской живописи.Хотя его искусство не было хорошо принято в Австралии того времени, его хвалили такие художники, как Писсарро или Дега, а Тулуз-Лотрект даже написал портрет Кондера в 1892 году.
		ЭДГАР ДЕГАС : «Танцевальный класс» , ок. 1874 — холст, масло, 83,2 x 76,8 см — Музей Орсе, Париж — просмотреть изображение с высоким разрешением картин Дега с изображением молодых танцоров или балерин — одно из его величайших и, конечно, самых известных достижений.Дега изобразил этих молодых девушек настоящими профессионалами, практикующими целый день под строгим руководством мастера. На этом полотне мастер танцев появляется в центре и справа от композиции, наблюдая за сценой как авторитет на пике своих возможностей.
		ЭДГАР ДЕГАС : «L’absinthe (любители абсента)» , 1876 г. — холст, масло, 92-68 см.- Музей Орсе, Париж — просмотреть изображение с высоким разрешением «Какая шлюха!» , Джордж Мур прокомментировал женщину на этой картине, добавив, что «сказка не из приятных, но это урок» , а также что «никто не сказал так много в таком маленьком пространстве, и нет так просто выразился (…) благодаря науке рисования, невидимого, но вездесущего, почти безличного ». Печальные и меланхоличные «любители абсента», кажется, повлияли на работы более поздних художников, такие как интерьеры Пикассо из Голубого периода или городские сцены Эдварда Хоппера.
		PAUL GAUGUIN — «Le Christ jaune (Желтый Христос) » , 1889 г. — холст, масло, 91,1-73,4 см. — Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало — просмотреть изображение с высоким разрешением Это произведение считается одним из истоков символистской живописи, наряду с «Зеленый Христос» , и может рассматриваться как прецедент религиозных картин, созданных Гогеном в Полинезии («Иа Орана Мария», «Материнство» ), но с изображением бретонских женщин вместо полинезийских девушек.Желтый Христос также появляется на автопортрете художника, который сейчас находится в Музее Орсе в Париже.
		ПОЛ ГАГИН — «Мата Муа (в старину)» , 1892 г. — холст, масло, 91-69 см. — Мадрид, Музей Тиссена — просмотреть изображение с высоким разрешением Гоген путешествовал по тропикам в поисках художественного искупления, возвращения к «примитивному» и «экзотическому», что могло бы помочь ему найти способ «очистить» его Искусство. «Мата Муа (в старину)» — мощная и завораживающая композиция, разделенная на две части гигантским деревом, величественно возвышающимся над красно-пурпурной рекой. Две женщины справа олицетворяют настоящее Таити, а группа женщин перед большой статуей идола олицетворяет прошлое, «примитивный» таитянский образ жизни.
		PAUL GAUGUIN — «Откуда мы пришли? Что мы? Куда мы идем?» , 1897 г. — холст, масло, 139-375 см.- Бостон, Музей изящных искусств — посмотрите изображение с высоким разрешением Это произведение — не только самое колоссальное полотно, которое написал Гоген за всю свою жизнь, но и произведение, излагающее все философское и живописное учение художника. Структурируя холст в перевернутом хронологическом порядке, Гоген, кажется, указывает на примитивное, невинное, как на единственный путь к художнику.
		ARMAND GUILLAUMIN : «Soleil couchant à Ivry (закат в Иври)» , 1873 г. — холст, масло, 81-65 см.- Музей Орсе, Париж — просмотреть изображение с высоким разрешением Хотя он и не так известен, как Моне, Ренуар и другие первоклассные художники-импрессионисты, Арман Гиллоймин (1841-1927) был важной фигурой в импрессионистском движении. Друг Ренуара, Сезанна и Ван Гога, Гийомен, пожалуй, самый колорист из всей группы импрессионистов, что легко увидеть в его пейзажах Парижа, Прованса и побережья Средиземного моря.
		Чайлд Хассам : «Аллея под дождем» — 1917.Холст, масло — Белый дом, музей — просмотреть с высоким разрешением Чайльд Гассам (1859-1935) был ключевой фигурой в американском импрессионизме, хотя его единственный контакт с французским художником-импрессионистом был, когда он занял бывшую студию Пьера Огюста Ренуара и обнаружил, что некоторые из набросков художника, оставленных маслом, остались. Его самые известные работы — это картины «Флаг», написанные во время Первой мировой войны, и потрясающая «Авеню под дождем» — его самая «импрессионистическая» картина в этой серии.
		КОНСТАНТИН КОРОВИН : «Весна» — 1917 — холст, масло, — Русский музей, Санкт-Петербург, Россия — посмотреть изображение с высоким разрешением «Париж был для меня шоком… Импрессионисты… в них я нашел все, за что меня ругали дома, в Москве» . Коровин (1861-1939) был вместе со своим другом Валентином Серовым главной фигурой русских художников-импрессионистов.Однако под сильным влиянием французских импрессионистов он разработал очень личный стиль, в котором типичные элементы французского импрессионизма сочетаются с богатыми красками русского искусства его эпохи.
		WINSLOW HOMER : «Летняя ночь» — 1890 — холст, масло, 76,7- 102 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Когда говорят об импрессионизме, часто допускают ошибку, считая его исключительно французским движением, когда несколько североамериканских художников заслуживают того, чтобы появиться недалеко от Моне, Дега, Писарро … Среди всех них самым важным, без сомнения, является, Уинслоу Гомер, а «Летняя ночь» — один из его бесспорных шедевров.Непосредственность, с которой художник передает очарование и волшебство летней ночи, делает эту картину одним из шедевров американской живописи.
		ЭДУАР МАНЕ: «Le Déjeuner sur l’Herbe (Обед на траве)» , 1862/63 — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Некоторые специалисты назвали эту работу «Происхождение импрессионизма» .Мане шокировал мир искусства, когда он выставил картину в Salon des Refusés в 1863 году. Эмиль Золя написал об этом монументальном полотне: «Короче говоря, это огромный ансамбль, полный атмосферы, этот уголок природы, изображенный с простота столь же справедливая, вся эта восхитительная страница, на которой художник поместил все частные и редкие элементы, которые есть в нем ».
		ЭДУАР МАНЕ: «Олимпия» , 1863 — холст, масло, 130.5 — 190 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Можно сказать, что это одна из самых противоречивых картин всех времен, и она не была хорошо встречена критиками, когда впервые была выставлена в 1865 году. «Кто эта желтая одалиска?» , спросил Жюль Кларети из L’Artiste , в то время как Антонин Пруст заявил, что : «Если полотно Олимпии не было уничтожено, то только из-за мер предосторожности, которые были приняты администрацией» .Однако картиной восхищался Эмиль Золя.
		ЭДУАР МАНЕ: «Бар в Фоли-Бержер» , 1882 — Лондон, галереи института Кортальда — просмотреть изображение с высоким разрешением Картины Мане со сценами в кафе — это прямые наблюдения за общественной жизнью Парижа девятнадцатого века, и это потрясающее и сложное полотно является одним из его самых известных шедевров.Обратите внимание, что женщина в отражении должна появиться прямо за изображением женщины, которая смотрит на нас. Это ужасная ошибка Мане, или художник в этом знаменитом произведении выражает некую «двойную реальность»?
		CLAUDE MONET — «Терраса в Сент-Адрессе» (1867) — Нью-Йорк, Метрополитен — просмотреть изображение с высоким разрешением «Терраса в Сент-Адрессе» — это, возможно, первый шедевр Моне и до сих пор одна из самых известных картин раннего импрессионизма.Буржуазная сцена развивается под сильным светом «пленэра». Четкие границы между сушей, морем и небом разделяют и иерархизируют композицию, вертикально организованную двумя флагами, развеваемыми океанским бризом.
		CLAUDE MONET — «Впечатление, восход солнца» (1873) — Париж, Музей Мармоттан — просмотреть изображение с высоким разрешением «Обои в зачаточном состоянии более закончены, чем этот морской пейзаж» , — сказал об этом холсте Луи Лерой, искусствовед, когда картина была выставлена на первой выставке импрессионистов в 1877 году.И это всего лишь пример того, как большинство критиков того времени отреагировало на эту картину и, в более широком смысле, на все импрессионистское движение (движение, которое на самом деле обязано своим названием этой картине). что никто не предложил 1000 франков — запрашиваемую цену за эту картину.
		CLAUDE MONET — «Le gare Saint Lazare (вокзал Сен-Лазар)» , 1877 г. — холст, масло, 75-100 см.- Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением «Это живописная симфония» , — писал журнал L’homme libre , когда эта картина выставлялась на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году, и это была одна из немногих положительных критиков живописи на этой выставке. «Моне нравится эта станция, и он уже изобразил ее с меньшим успехом. На этот раз она действительно прекрасна. Он нарисовал не только движение, цвет и активность, но и шум.Это незабываемо ».
		CLAUDE MONET — «Meules (Стога сена, белый иней)» — 1889 — холст, масло — Hill-Stead Museum, Farmington — просмотреть изображение с высоким разрешением Между 1889 и 1891 годами Моне создал серию из 15 полотен, изображающих группу стогов сена на окраине Живерни. Василий Кандинский имел возможность увидеть один из этих стога сена на выставке в Москве в 1895 году, и он был впечатлен до такой степени, что предложил его как первую абстрактную картину в истории искусства: « И вдруг, впервые раз, я увидел картинку.Каталог сообщил мне, что это был стог сена [или, скорее, стог зерна], но я не мог его распознать (.) Я понял, что там пропущен объект изображения (.) То, что я прекрасно представил, было неожиданным — а до этого скрытая мощность палитры «.
		CLAUDE MONET — «Тополя au bord de l’Epte, вид с болот» — 1891 — холст, масло, 88-93 см.- США, частная коллекция — посмотреть фото с высоким разрешением Клод Моне — художник-импрессионист по преимуществу . Его величайшее лирическое достижение заключено в этой странно неотразимой картине. Композиция так красиво напоминает красоту японского хайку, асимметрична и трогательна, в то время как листья тополей поют красным, пурпурным и, наконец, синим, что Ива Кляйн зеленеет от зависти. Это Моне в его полном расцвете, художник, который однажды сказал своей семье, что он хочет, чтобы «рисовал, как поет птица» .
		CLAUDE MONET — «Портал Руанского собора (солей), гармония в синем и золотом» — холст, масло, 101 — 65 см. — 1893. Париж, музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением «Апогей импрессионизма» . Так лучше всего можно описать серию видов Руанского собора, написанных Моне между 1892 и 1894 годами.Эта серия, состоящая из 31 полотна, показывающая фасад готического собора Руана в различных условиях освещения и погоды, вызвала немедленное восхищение критиков его времени и получила высокую оценку многих более поздних мастеров, от Василия Кандинского до Роя Лихтенштейна. Выбор палитры отражает различные оттенки, в которые дневной свет окрашивал фасад: от гладкого синего утра до ярких охристых и золотистых оттенков на фотографиях plein soleil , как на этой
		CLAUDE MONET — «Нимфеи (водяные лилии)» — холст, масло, 219-602 см.- 1920-1926 — Париж, Musée de l’Orangerie- просмотреть изображение с высоким разрешением Серия «Нимфеи» Моне была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма» .
		BERTHE MORISOT — «Летний день» , 1879 — Лондон, Национальная галерея — холст, масло, 45-75 см. — посмотреть изображение с высоким разрешением Внучка Фрагонара, известного французского художника 18 века, выросшая в богатой семье, Моризо была активным членом импрессионистского движения, и даже Мане восхищался ее художественным стилем.В его последних произведениях заметно влияние Ренуара.
		КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Пейзаж в Понтуазе» , 1874 г. — холст, масло, 61-81 см. — Винтертур, Коллекция Оскара Рейнхарта — просмотреть изображение с высоким разрешением Известный как «Отец импрессионизма», Писсарро, наряду с Моне и Сислей, является самым «чистым» из всех художников-импрессионистов, участвующих во всех восьми выставках импрессионистов.Он особенно известен своими изображениями сельской жизни Северной Франции, особенно города Понтуаз, в которых очевидно влияние натурализма Жана-Батиста Коро и Гюстава Курбе.
		КАМИЛЬ ПИССАРРО: «Бульвар Монмартр, effet de nuit (Бульвар Монмартр в ночное время)» , 1897 — Холст, масло, 53.3 х 64,8 см — Лондон, Национальная галерея — посмотрите изображение с высоким разрешением Хотя Писсарро больше известен своими изображениями сельской жизни, он также создал множество сказочных городских сцен Парижа XIX века. В 1897 году он снял комнату на бульваре Монмартр и изобразил ее в разное время дня, так как это полотно стало единственной ночной сценой в сериале. «Бульвар Монмартр ночью» — сенсационная картина импрессионистов, хотя Писсарро никогда не выставлял ее при жизни.
		PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Moulin de la Galette» , 1876 г. — холст, масло, 131-175 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Этот шедевр был назван «самой красивой картиной XIX века». На картине изображен один из многочисленных танцев, которые происходили в Мулен-де-ла-Галетт, одном из самых посещаемых клубов Монмартра 19 века, рая для богемы и художников, таких как Тулуз-Лотрек, Ван Гог или сам Ренуар.Один из величайших шедевров раннего импрессионизма.
		PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Le déjeuner des canotiers (Обед на лодке)» , 1880-81 — холст, масло, 129,5 × 172,7 см — Вашингтон, Коллекция Филлипса — просмотреть изображение с высоким разрешением Свет — главный герой этой знаменитой картины, в которой Ренуар изобразил группу своих друзей, отдыхающих на балконе вдоль реки Сены (среди них еще один известный художник-импрессионист, Гюстав Кайботт, которого можно увидеть в правом нижнем углу). холста).
		PIERRE-AUGUSTE RENOIR: «Зонтики» , 1881-86 — холст, масло, 180 — 114 см. — Лондон, Национальная галерея — просмотреть изображение с высоким разрешением «Примерно в 1883 году в моей работе произошел разрыв. Я подошел к концу импрессионизма и пришел к выводу, что я не умею ни рисовать, ни рисовать. Одним словом, я был в тупике» .«Зонтики» — сложное произведение, в котором мы можем увидеть Ренуара в двух разных периодах его карьеры. Хотя точный рисунок девушки слева можно легко отнести к его «импрессионистскому» периоду, некоторые фигуры справа следует отождествить с его «сухим» или «энгровским» периодом, начавшимся в 1883 году.
		ТЕОДОР РОБИНСОН: «La débâcle» , 1892 г. — холст, масло — Колледж Скриппса, Клермонт, Калифорния — просмотреть изображение с высоким разрешением Теодор Робинсон (1852-1896), без сомнения, одна из ключевых фигур американского импрессионизма.Близкий друг Клода Моне, он создал некоторые из своих лучших работ, живя в Живерни, всего за несколько месяцев до возвращения в Америку. «Дебакль» — типичная работа Робинсона, выполненная на пленэре и изображающая молодую женщину на досуге
		GEORGES SEURAT : «Une baignade à Asnières (Купальщицы в Аньере)» , 1883/84 — холст, масло, 201-300 см.- Лондон, Национальная галерея — просмотреть изображение с высоким разрешением Жорж Сёра — один из самых выдающихся художников-постимпрессионистов, которого часто считают создателем «пуантилизма», стиля живописи, в котором небольшие отдельные точки основных цветов создают впечатление широкого выбора второстепенных и промежуточных цветов. «Купальщицы в Аньере» — первое масштабное полотно Сёра.
		ДЖОРДЖ СЕУРА : «Воскресный полдень на острове Ла Гранд-Жат» , 1884-86 — холст, масло, 207.6 — 308 см. — Чикаго, Институт искусств — просмотреть изображение с высоким разрешением «Воскресный день на острове Ла Гранд Жат» — важнейший шедевр Сёра (он потратил более двух лет на роспись этого огромного холста, создав более 50 предварительных набросков и рисунков), лучший образец живописи «пуантилизм» и веха искусства конца 19 века.
		PAUL SIGNAC : «Папский дворец, Авиньон (Папский дворец, Авиньон)» , c.1900 г. — холст, масло, 73,5-92,5 см. — Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Наряду со своим наставником Жоржем Сёра Поль Синьяк (1863-1925) является ключевой фигурой пуантилизма. Синьяк любил парусный спорт, и он побывал почти на всем французском побережье, особенно на побережье Средиземного моря, где он создал некоторые из своих самых ярких и красочных композиций, таких как пример, показанный здесь. Синьяк также оказал большое влияние на более поздних художников, таких как Анри Матисс.
		АЛЬФРЕД СИСЛИ : «Chemin de la Machine, Louveciennes» , 1873 — Париж, музей Орсе — холст, масло — просмотреть изображение с высоким разрешением Если мы хотим найти «чистых» художников-импрессионистов, то этот список можно было бы сократить до трех имен: Клод Моне — настоящий Микеланджело эпохи импрессионизма — Камиль Писсарро — великий летописец сельской жизни — и Альфред Сислей.Картины Сислея с изображением маленького городка Лувесьен, возможно, являются его величайшими достижениями, и это простое, но мощное полотно, возможно, лучшее из всех.
		АЛЬФРЕД СИСЛИ : «L’inondation à Port-Marly» , 1876 — Париж, музей Орсе — холст, масло — просмотреть изображение с высоким разрешением Сислей написал несколько полотен, изображающих эти наводнения в Порт-Марли, но два более выдающихся примера — это те, на которых изображены воды реки вокруг винного магазина на Rue Paris.Мы можем предположить связь между этими картинами и бурной биографией их создателя: возможно, что Сислей видел наводнения в тихом городке Порт-Марли как отражение своей собственной жизни: беспокойной и переполненной после нескольких событий непредсказуемой и неизбежной. как разливы реки Сены.
		JOAQUÍN SOROLLA : «La hora del baño (Час купания)» , 1904 — холст, масло, 84-119 см.- Частная коллекция — просмотреть изображение с высоким разрешением Импрессионизм почти не присутствовал в испанской живописи. Фактически, человек, которого часто считают лучшим художником-импрессионистом в Испании — Хоакин Соролья — не был «чистым» художником-импрессионистом, хотя в его зрелых работах его стиль явно находился под влиянием этого направления искусства. Эта картина была продана в 2003 году за 6,2 миллиона долларов, что стало рекордом аукциона для работы Сорольи.
		АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК : «В Мулен Руж» , 1890 г. — холст, масло, 115–150 см.- Париж, Музей Орсе — просмотреть изображение с высоким разрешением Тулуз-Лотрек, родившийся в аристократической семье и физически неспособный из-за генетического заболевания, сделавшего его ноги чрезвычайно короткими, известен как великий хронист ночной жизни Парижа XIX века. Эта картина, изображающая ночь в одном из самых известных кабаре Парижа — Мулен Руж — считается одним из его шедевров и, наряду с картиной Ренуара «Мулен де ла Галетт» (см. Выше), незабываемой. изображение ночной жизни Парижа XIX века.
		HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC : «Dans le lit (В постели)» , 1893 — холст, масло, 54-70,5 см. — Париж, Musée d’Orsay — просмотреть изображение с высоким разрешением Это одна (и, возможно, лучшая) из нескольких сцен, изображающих супружескую пару в постели, написанных Тулуз-Лотреком, которые часто описывались как «бесстрастные», несмотря на интимность объекта.Хотя композиция выглядит очень простой, художник использовал очень интересную перспективу, отмеченную яркими цветами.
		ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Подсолнухи (ваза с пятнадцатью подсолнухами)» , 1888 — холст, масло — Лондон, Национальная галерея искусств — просмотреть изображение с высоким разрешением «Подсолнухи» Ван Гога — не только один из любимых сюжетов художника (семь полотен с вазами с подсолнухами, плюс три более ранние работы, изображающие только подсолнухи), но они также входят в число самых известных картин, когда-либо созданных. «Подсолнечник в некотором роде мой» , — сказал Ван Гог своему брату Тео. Проиллюстрированная здесь работа — одна из самых ярких из всех серий с потрясающим спектром желтых пигментов. Один из этих «подсолнухов» побил аукционный рекорд картины, когда она была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов в марте 1987 года. Недавние слухи предполагают, что работа могла быть не подлинным Ван Гогом, а копией Эмиля Шуффенекера. .
		ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Комната Ван Гога в Арле (Комната Ван Гога в Арле)» , 1889 — холст, масло, 73-92 см.- Чикаго, Институт искусств — просмотреть изображение с высоким разрешением Ван Гог впервые нарисовал свою комнату в Арле в октябре 1888 года (Амстердам, Рейксмузеум Ван Гога), а год спустя он написал еще две версии, живя в Сен-Реми, и это работа, проиллюстрированная здесь, является наиболее проработанной из трех. «На этот раз просто моя спальня» , — прокомментировал Ван Гог в письме — : «Только здесь цвет должен делать все, а своим упрощением придавать вещам более величественный стиль» .
		ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Звездная ночь» , 1889 г. — холст, масло, 73,7 — 92,1 см. — Нью-Йорк, Музей современного искусства (MOMA) — просмотреть изображение с высоким разрешением Одна из самых ярких и известных работ художника, обычно связанная с его растущим безумием, и это на самом деле было результатом интереса Ван Гога к астрономическим исследованиям. На самом деле в этой картине мы можем наблюдать либо реальные, либо фантастические элементы.Во-первых, исследование, проведенное обсерваторией Гриффит-Парк, показало, что Винсент представлял Луну, Венеру и несколько звезд в точном положении, которое они занимали в ту ясную ночь. С другой стороны, эффектная спираль, занимающая большую часть работы, явно фантастический элемент.
		ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Ирисы» , 1889 г. — холст, масло, 73,5 — 92 см.- Музей Жана Поля Гетти, Малибу — просмотреть изображение с высоким разрешением Ван Гох написал этот знаменитый холст, когда жил в психиатрической больнице Сен-Реми, где ему иногда разрешали писать «au plein air» . Все полотно наполнено великолепием и очарованием природы. Любопытно, что красные цветы в верхней части картины выглядят как эхо красного пола, в то время как белый цветок слева «отражается» в бледно-голубом справа. Эта картина была продана на аукционе Сотбис в Нью-Йорке за 53 доллара.9 миллионов — это самая высокая цена, когда-либо уплачиваемая за произведение искусства.
		ВИНСЕНТ ВАН ГОГ : «Автопортрет с перевязанным ухом» , 1889 г. — холст, масло, 60-49 см., Лондон, галереи Courtald Institute — просмотреть изображение с высоким разрешением Это один из двух автопортретов, которые Ван Гог написал после отрезания уха (другой, ранее находившийся в коллекции Ли Б.Блок в Чикаго, позже купленный семьей Ниархос). Выражение лица художника парадоксальным образом спокойнее, чем на многих других автопортретах художника; что можно интерпретировать как попытку художника найти в картине свое особое спасение. Также примечательно наличие японского штампа на автопортрете. В письме своему брату Тео Винсент подтвердил, что он завидовал японским художникам за «его стиль, такой же простой, как дыхание».

Обзор движения постимпрессионизма | TheArtStory

Краткое изложение постимпрессионизма

Постимпрессионизм включает в себя широкий спектр различных художественных стилей, которые разделяют общую мотивацию реагирования на оптическую силу импрессионистского движения.Стилистические вариации, собранные под общим знаменем постимпрессионизма, варьируются от научно ориентированного неоимпрессионизма Жоржа Сёра до пышного символизма Поля Гогена, но все они сосредоточены на субъективном видении художника. Это движение открыло эпоху, когда живопись вышла за рамки своей традиционной роли окна в мир и вместо этого стала окном в разум и душу художника. Далеко идущее эстетическое влияние постимпрессионистов повлияло на группы, возникшие на рубеже 20–^– годов, такие как экспрессионисты, а также на более современные движения, такие как феминистское искусство, связанное с идентичностью.

Ключевые идеи и достижения

Символические и сугубо личные значения были особенно важны для постимпрессионистов, таких как Поль Гоген и Винсент Ван Гог. Отвергая интерес к изображению наблюдаемого мира, они вместо этого обращались к своим воспоминаниям и эмоциям, чтобы установить связь со зрителем на более глубоком уровне.
Структура, порядок и оптические эффекты цвета доминировали в эстетическом видении постимпрессионистов, таких как Поль Сезанн, Жорж Сёра и Поль Синьяк.Вместо того, чтобы просто представлять свое окружение, они полагались на взаимосвязь цвета и формы для описания окружающего мира.
Несмотря на различные индивидуализированные стили, большинство постимпрессионистов при нанесении краски на поверхность холста сосредоточили свое внимание на абстрактной форме и узоре. Их ранняя склонность к абстракции проложила путь радикальному модернистскому исследованию абстракции, которое имело место в начале 20-х, ^{-х годов,} веках.
Критики сгруппировали различные стили постимпрессионизма в две общие противоположные стилистические тенденции: с одной стороны, это структурированный или геометрический стиль, который был предшественником кубизма, а с другой стороны, выразительное или не геометрическое искусство. это привело к абстрактному экспрессионизму.

Обзор постимпрессионизма

Хотя Поль Сезанн сказал знаменитую фразу: «Я удивлю Париж яблоком», он отвернулся от Парижа (но не от фруктов) ради тихой жизни в Провансе, где он рисовал, как он сказал , «природа посредством цилиндра, сферы и конуса». Его художественный подход положил начало одной из четырех основных тенденций движения, которые теперь называются постимпрессионизмом. А его переезд в деревню стал образцом для других лидеров постимпрессионистов, включая Синьяка, Гогена и Ван Гога, которые также работали и жили на юге Франции.

Импрессионизм | Музыка 101

Первое постромантическое движение, которое мы изучим, — импрессионизм. Как вы увидите из связанной статьи, импрессионизм был движением в изобразительном искусстве, а именно в живописи, с центром в Париже в конце 19 века. Позднее этот термин был применен, не всегда по душе композиторов, к музыке французских композиторов начала 20-го века, которые отвернулись от грандиозности оркестровой музыки позднего романтизма.

Введение

Импрессионизм — это художественное движение XIX века, которое возникло у группы парижских художников, чьи независимые выставки принесли им известность в 1870-х и 1880-х годах.Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто с акцентом на эффекты течения времени), обычный предмет, включение механизма в качестве важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Импрессионисты столкнулись с резкой оппозицией со стороны традиционного художественного сообщества Франции. Название стиля происходит от названия работы Клода Моне, Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), которое спровоцировало критика Луи Леруа ввести этот термин в сатирическую рецензию, опубликованную в парижской газете Le. Charivari .

За развитием импрессионизма в изобразительном искусстве вскоре последовали аналогичные стили в других средствах массовой информации, которые стали известны как импрессионистская музыка и импрессионистская литература.

Музыка и литература

Музыкальный импрессионизм — это направление в европейской классической музыке, возникшее в конце 19 века и продолжавшееся до середины 20 века. Возникший во Франции музыкальный импрессионизм отличается внушением и атмосферой и избегает эмоциональных излишеств эпохи романтизма.Композиторы-импрессионисты предпочитали короткие формы, такие как ноктюрн, арабески и прелюдия, и часто исследовали необычные гаммы, такие как целая шкала тонов. Возможно, наиболее заметными нововведениями композиторов-импрессионистов были введение мажорных 7-х аккордов и расширение структуры аккордов в 3-х до пяти- и шестичастных гармоний.

Влияние визуального импрессионизма на его музыкального аналога является дискуссионным. Клод Дебюсси и Морис Равелар обычно считались величайшими композиторами-импрессионистами, но Дебюсси отверг этот термин, назвав его изобретением критиков.Эрик Сати также рассматривался в этой категории, хотя его подход был расценен как менее серьезный, более музыкальный по своей природе. Поль Дюка — еще один французский композитор, которого иногда считают импрессионистом, но его стиль, возможно, более близок к поздним романтикам. Музыкальный импрессионизм за пределами Франции включает в себя творчество таких композиторов, как Отторино Респиги (Италия), Ральф Воган Уильямс, Сирил Скотт и Джон Айрленд (Англия), а также Мануэль де Фалья и Исаак Альбенис (Испания).

Определение постимпрессионизма и характеристики постимпрессионизма

Известные своими разнообразными, но самобытными стилями и субъективным восприятием окружающего мира, постимпрессионисты на рубеже веков впервые применили новый подход к живописи.В отличие от предшествовавших им импрессионистов и последовавших за ними фовистов, художников-постимпрессионистов не объединял единый эстетический подход. Скорее, их объединяла общая заинтересованность в открытом исследовании ума художника.

Учитывая разнообразие стилей, техник и даже сюжетов, очевидных в картинах постимпрессионистов, определение движения может быть трудным. Однако, проследив его историю, определив его художников и определив его отличительные характеристики, можно начать понимать историческое и символическое значение движения.

Что такое постимпрессионизм?

Постимпрессионизм — это художественное направление, возникшее в 1890-х годах. Для него характерен субъективный подход к живописи, поскольку художники предпочитают вызывать эмоции, а не реализм в своих работах. Таким образом, хотя их стили сильно различаются, картины, выполненные в стиле постимпрессионизма, обладают некоторыми схожими качествами. К ним относятся символические мотивы, неестественный цвет и живописные мазки.

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь» (1889)

История

В 1870–1880-х годах импрессионизм доминировал в авангардном искусстве Франции.Однако многие подающие надежды художники нашли недостаток в том, что импрессионисты уделяют внимание стилю, а не предмету. Стремясь встряхнуть мир современного искусства, эта группа стилистически непохожих художников, включая Поля Сезанна, Поля Гогена, Винсента Ван Гога, Жоржа Сёра, Анри Тулуз-Лотрека и Анри Руссо, сформировала постимпрессионистов.

Подобно импрессионистам, постимпрессионисты делились своими работами с публикой на независимых выставках по всему Парижу. В 1910 году известный искусствовед, историк и куратор Роджер Фрай ввел термин «постимпрессионизм» в своей выставке Manet and the Post-Impressionists .Как и сами постимпрессионисты, Фрай считал, что красота искусства коренится в восприятии. «Искусство — это выражение и стимул для воображаемой жизни, а не копия реальной жизни», — объясняет Фрай в «Эссе в эстетике ». «Искусство ценит эмоции само по себе. Художник наиболее постоянно наблюдает за своим окружением и меньше всего страдает от их внутренней эстетической ценности. Когда он созерцает определенное поле зрения, эстетически хаотичное и случайное соединение форм и цветов начинает кристаллизоваться в гармонию.«Сегодня эти идеи помогают нам понять, что объединяет этих художников.

Определяющие характеристики

Эмоциональный символизм

Как объяснил Фрай, постимпрессионисты считали, что произведение искусства не должно вращаться вокруг стиля, процесса или эстетического подхода. Вместо этого он должен делать акцент на символизме, передавая сообщения из собственного подсознания художника. Вместо того, чтобы использовать предмет в качестве визуального инструмента или средства для достижения цели, постимпрессионисты восприняли его как способ передачи чувств.По словам Поля Сезанна, «произведение искусства, начавшееся не с эмоций, не является произведением искусства».

Поль Сезанн, «Пирамида черепов» (1901)

Анри Руссо, «Мечта», 1910 г.

Яркий цвет

«Цвет! Какой глубокий и загадочный язык, язык снов ». -Пол Гоген

В отличие от импрессионистов, которые стремились запечатлеть влияние естественного света на тональность, постимпрессионисты намеренно использовали искусственную цветовую палитру как способ изобразить свое эмоциональное восприятие окружающего мира.Насыщенные оттенки, разноцветные тени и богатая цветовая гамма очевидны в большинстве постимпрессионистских картин, доказывая новаторский и творческий подход художников к изображению.

Поль Гоген, «Желтый Христос» (1889)

Анри де Тулуз-Лотрек, «В Мулен Руж» (1892–1895)

Отличительные мазки

Подобно произведениям, выполненным в стиле импрессионизма, большинство произведений постимпрессионизма отличается заметными широкими мазками.Помимо добавления текстуры и ощущения глубины произведению искусства, эти отметки также указывают на живописные качества произведения, давая понять, что оно не предназначено для реалистичного представления его предмета.

Поль Сезанн, «Купальщицы» (1898–1905)

Винсент Ван Гог, «Подлесок с двумя фигурами» (1890)

Винсент Ван Гог, деталь «Подлесок с двумя фигурами» (1890)

Клод Моне — отец импрессионизма

«С каждым днем открываю для себя все больше и больше прекрасного.
Этого достаточно, чтобы свести с ума. У меня такое желание
все делать, голова ломается от этого ».
~ Клод Моне

Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Но в 1845 году его семья переехала в Нормандию.

Клод рано проявил большой художественный талант, рисуя карикатуры на своих учителей и одноклассников в школе, а не заканчивая уроки. Фактически, он прославился в своем родном городе своими карикатурными рисунками, которые продавал местным жителям.

Хотя его мать поддерживала его творческие начинания, отец — нет. Он хотел, чтобы Клод присоединился к нему в семейном продуктовом бизнесе. Когда ему было 17 лет, мать Клода умерла, и он переехал жить к своей тете. А после непродолжительной службы в армии его тетя посоветовала ему поступить в художественную школу в Париже, на что он согласился.

Во время учебы в Париже Клод встретил других начинающих художников, Пьера-Огюста Ренуара, Фредерика Базиля и Альфреда Сислея.Но, будучи недовольными традиционными методами, которым их обучали, все они бросили свои творческие пути и выбрали новые подходы.

Они хотели творить по-новому, рисуя на открытом воздухе тонкими, быстрыми мазками, и были больше озабочены уловить момент или то, как свет воздействует на объект, чем традиционные художественные техники.

Их работы, а также работы других художников, Эдуарда Мане, Эдгара Дега, Пола Сезанна и многих других, подверглись критике и не были приняты на Салоне, ежегодной художественной выставке в Париже.Таким образом, вместе они сформировали свою собственную художественную группу, которую назвали «Общество художников, скульпторов и граверов», и провели собственную художественную выставку в 1874 году. Эта группа художников позже будет известна как «импрессионисты».

В 1870 году Моне женился на своей первой жене Камилле, от которой у него родился сын.

Однако в 1878 году, вскоре после рождения второго сына, Камилла умерла.

В 1883 году Моне поселился в доме в Живерни с Алисой Хошеде, которая заботилась о его детях, а также о своих шестерых детях.

К 1890 году Моне стал настолько успешным художником, что смог купить дом и землю вокруг него.

Он построил оранжерею, мастерскую и сад с водяными лилиями.

В 1892 году, после смерти ее мужа, Моне женился на Алисе и провел оставшиеся годы, расписывая свои сады в Живерни, пытаясь запечатлеть их в разном свете, в разное время дня и в разное время года.

Клод Моне продолжал рисовать до своей смерти 5 декабря 1926 года в возрасте 86 лет. Сегодня он считается одним, если не самым важным художником импрессионистского движения. Он оставил более 2500 картин, рисунков и пастелей, созданных им при жизни.

Хотите поэкспериментировать с Impression ism ? В моем уроке Mixing with the Masters, Volume One о Моне мы узнаем о нем еще больше и создаем три пьесы, вдохновленные некоторыми из его шедевров.

Купите весь курс (включая шесть мастеров-художников) за 87 долларов
или только урок Моне за 15 долларов:

Книга Рекомендации для дальнейшего изучения:

Моне или Триумф импрессионизма Моне: его жизнь и творчество в 500 изображениях Волшебный сад Клода Моне Клод Моне (Знакомство с величайшими художниками мира) Линнея в саду Моне

Получите мастеров-художников в формате PDF учебных пособий и других материалов БЕСПЛАТНО при подписке на Masterpiece Society !

* Присоединяюсь к моим друзьям в сети iHomeschool на ноябрьские уроки дня рождения .

Моне и Дебюсси Титаны импрессионизма

Примечание редактора: вместе с Клод Моне: Истина природы Общественное радио Колорадо запустило новую серию блогов, посвященных Моне и музыке.

Если Клод Моне — титан импрессионистского искусства, то его аналог в музыке — Клод Дебюсси. Только не называйте Дебюсси импрессионистом.

Я пытаюсь «что-то другое», реальности в некотором смысле, то, что имбецилы называют импрессионизмом, наименее подходящий термин из возможных
— Дебюсси писал своему издателю в 1908 году

Что имели в виду «имбецилы», когда называли его музыку импрессионистской? И почему Дебюсси обиделся этим термином?

Картины

Моне характеризуются четкими тонкими мазками, мягкими краями и изменяющимся светом.Точно так же музыка Дебюсси размывает границы и создает новые гармонии, которые придают его музыке мечтательный характер.

Дирижер Дэвид Робертсон, создавший серию мультимедийных концертов импрессионистов, так описывает импрессионизм:

У музыки часто бывает довольно резкая грань. Вы можете постучать по нему ногой. Вы можете довольно легко спеть мелодию. Он разбит на легко узнаваемые куски. И в тот момент, когда приходит импрессионизм, внезапно многие из этих ясностей начинают размываться, и появляется другой вид ясности.Такая ясность, которую вы использовали бы, чтобы описать лунный свет на воде.

Слушайте полное интервью с Дэвидом Робертсоном на cpr.org.

Слушайте Monet Monday на CPR Classical, чтобы открыть для себя увлекательную связь между Моне и музыкой его времени.

Они все знали друг друга

Моне был источником импрессионизма в искусстве, но вскоре идеалы импрессионизма перекинулись на музыку и литературу. Это не удивительно. Все они знали друг друга.

Во второй половине XIX века художественный центр Парижа располагался по адресу 89 rue de Rome. Почти каждый вторник вечером поэт Стефан Малларме приглашал к себе домой интеллектуалов, чтобы обсудить искусство, музыку, литературу и философию. Такие писатели, как Оскар Уайльд, Поль Верлен и У. Йейтс вместе с такими художниками, как Эдуард Мане, Пьер-Огюст Ренуар, Эдгар Дега, а иногда и Клод Моне, входили в эту художественную элиту. Композитор Клод Дебюсси также присоединился к группе, которую Малларме назвал «Les Mardistes» ( mardi, по-французски — вторник).

Именно в этих знаменитых вечерних салонах вторника Дебюсси обнаружил стихотворение Малларме « Прелюдия к полудню фавна». Поэма описывает чувственный сон фавна, мифологического получеловека-полукозла, олицетворяющего плодородие. Смысл стихотворения неясен. Снится фавн или нимфы в его сне реальны?

Дебюсси положил начало импрессионизму в музыке с его музыкальной интерпретации Прелюдия к «Послеполуденному отдыху фавна » в 1894 году.Он олицетворяет неоднозначность стихотворения. Музыка мечтательная и чувственная. Нет острых краев. Кажется, что он не укоренен во времени. Неудивительно, что дирижер Пьер Булез подумал, что это произведение положило начало современной музыке, когда сказал:

Флейта фавна привнесла новое дыхание в музыкальное искусство.

« Prelude » Дебюсси на премьере имела огромный успех. Так почему же Дебюсси негодовал, когда его называли композитором-импрессионистом? К 1894 году это слово стало уничижительным.Впервые он был использован, когда критики оскорбляли картину Клода Моне « Впечатление, Восход солнца » в 1874 году. Критики назвали картину «незавершенной» и сравнили ее с обоями. Моне и его друзьям было все равно, и они использовали это слово для обозначения своего нового стиля живописи. Но для Дебюсси, который пытался наладить свою карьеру, это был негативный багаж.

Честно говоря, такие композиторы, как Дебюсси, были больше связаны с поэтами и писателями, на которых повлияла революция Моне.

Дебюсси восхищался творчеством своего друга, поэта Поля Верлена. Поэма Верлена «Clair de Lune» («Лунный свет») послужила источником вдохновения для одноименного фортепианного шедевра Дебюсси (1890). Верлен использует прилагательные «грустный и красивый», чтобы описать лунный свет в своем стихотворении. Сообщается, что Дебюсси сказал: «Музыка — это промежуток между нотами», и вы слышите это чувство в открытости между первыми нотами пьесы. Это идеальное музыкальное сочетание печали и красоты, которое можно найти в произведениях Верлена.

Насколько нам известно, Дебюсси никогда не писал музыки, связанной с картинами Моне. Но у нас есть Моне, которого нужно благодарить за Ноктюрнов Дебюсси (1899) . Моне познакомил Дебюсси с американским художником Джеймсом Эбботом Макнилом Уистлером, чья серая, туманная серия ночных сцен под названием Nocturnes вдохновила Дебюсси на создание собственной серии музыкальных впечатлений. Сирены изображает море ночью.

Sirènes изображает море и его бесчисленные ритмы, и теперь среди волн, посеребренных лунным светом, слышна таинственная песня сирен, когда они смеются и уходят.
— Дебюсси

Импрессионизм в искусстве распространился по всему миру. Импрессионизм в музыке распространился на юг в Испанию с такими композиторами, как Исаак Альбенис и Мануэль де Фалья, на север в Англию с такими композиторами, как Фредерик Делиус, и даже в Америку с Чарльзом Томлисоном Гриффсом. И сегодня произведения импрессионистов, такие как Clair de lune Дебюсси, 3 Gymnopedie s Сати и Pavane for a Dead Princess Равеля, являются одними из самых любимых в классической музыке.

Изображения в заголовке: Клод Моне в своей мастерской, 1920. Частная коллекция / Роджер-Виолле, Париж / Bridgeman Images. Фото Дебюсси любезно предоставлено CPR через Wikimedia Commons.

Цели, величайшие импрессионисты, влияние на западное искусство

Импрессионист Круг: некоторые личные данные

Мане и Дега — Социальная и финансовая безопасность

Эдуард Мане был художником, которого считали других художников-импрессионистов как их лидера, со странным единодушием что нам сегодня кажется необычным.Мы знаем только его работу, а знания личности художника были переданы только из отчетов современники. Эдуард Мане родился в Париже в 1832 году и вместе с Писсарро был самым старшим в группе. Его мать была родственницей императора, и Мане никогда не терял связи с руководящими кругами. Из-за его социальный статус и его большой талант его бы наверняка признали в Ecole des Beaux Arts , но вместо этого он решил посетить студия Thomas Couture.Кутюр был отличным учителем, и потому его репутации его ученики смогли выставить картины в Салоне довольно рано в своей карьере. Первое представление Мане было высоко оценено, и к двадцати девяти годам он уже был принят как ведущая фигура нового реализма. Образ бедного художника конечно к нему не относится. Эдгар Дега, который был на два года младше чем Мане, происходил из той же социальной среды. Внимание Мане было обращается к нему, когда он копирует картины в Лувре.Два художника стали друзей и часто посещал одни и те же круги в парижском обществе. Мане уже имели контакты с другими непредубежденными художниками, из которых позже группа Импрессионисты должны были обрести форму. Он ввел Дега в этот круг.

Сезанн — Бесхитростный провинциальный

Еще один художник из богатой В семье был Поль Сезанн, сын банкира из Экс-ан-Прованса. По общему признанию у него много лет были серьезные финансовые проблемы, потому что он боялся признаться в любви к искусству и незаконным условиям жизни его довольно тиранический отец.Из-за этого он только пришел ценить состояние своего отца во второй половине жизни, в время, когда он был уже настолько известен как художник, что, вероятно, смог бы жить за счет доходов от своих картин, если бы было необходимо. Из-за своего южного, почти деревенского образа жизни он проблемы в лучших парижских кругах. Кроме того, его скромный и трудные для понимания картины не вызывали симпатии к его творчеству.Это было причиной того, что он оставался неизвестным дольше, чем другие импрессионисты. Сезанн все больше и больше уходил из круга друзей. С 1885 г. он жил отдельно от своей жены и детей в Эксе в добровольном одиночестве, сначала на усадьбе, которую он унаследовал вместе, позже, когда имение было продано в небольшом домике на окраине города. Когда у него были проблемы с подъемом по лестнице в свою студию-лофт, у него был простой, но большая студия построена.Его растущая слава вряд ли была признана Сам художник, по сути, отверг это. Когда Сезанну дали большой выставка в Париже в 1895 году, картины в городе не выставлялись. почти двадцать лет. Молодой арт-дилер Амбруаз Воллар (1867-1938) рискнул провести выставку Сезанна в своей галерее. До тех пор Сезанна уважали его друзья-художники и в узком кругу людей, которые интересовались его работой в лучшем случае как посредственный талант.Но его выставка открыла людям глаза: здесь величие о артистической личности можно было догадаться. Воллар представил работы от мастера современного искусства. Не только его друзья поняли это, но и публика теперь признала бессмертие Сезанна. Нет другого художник из группы оставил такие глубокие впечатления для следующего поколения художников. В своей жизни он стоял один, только поддержанный в его художественном желания нескольких друзей, таких как Ренуар и Писсарро.

Писсарро — Обездоленный и обнищавший

Камиль Писсарро, старейший из импрессионистов, родился в Вест-Индии. Чтобы он мог получить хорошее образование юную Камиллу отправили во французский интернат. Когда его образование в школе закончилась, вернулся домой с непоколебимым желанием стать Исполнитель. В 1855 году ему разрешили учиться на художника. После безуспешных попыток в разных студиях он наконец остановился на Чарльзе. Свисс, который ограничил свою бесплатную школу живописи предоставлением места и модели и никаких исправлений не вносил.После этого Писсарро остался освободился от академических принуждений и обратился к пейзажной живописи. Сначала он был очарован Ричардом Паркс Бонингтон (1802-28) и Джон Констебль (1776-1837), но затем ориентировался на Шарля-Франсуа. Добиньи (1817-1878), Камиль Коро (1796-1875), Гюстав Курбе (1819-77) и Жан-Франсуа Милле (1814–1875 гг.), Которые сами изо всех сил пытались быть принятыми. В 1859 г. он уже смог выставить картину в Салоне.В том же году его родители также переехали в Париж. Это улучшило его жилищные условия для время. Однако, когда он выбрал в жены слугу своих родителей, его отец, рассерженный на брак, не соответствующий социальному классу его сына, бросил молодая пара вышла из дома и отказалась от финансовой поддержки в будущем. Писсарро был среди друзей тем, кто практически никогда не уходил от финансовых забот на всю жизнь. Ему нужно было кормить семью и был единственным из импрессионистов, не нашедшим богатого покровителя и сторонник.Хотя он рисовал невероятно быстро, у него всегда был низкий цены и его стиль работы означали, что у него всегда было много незавершенных картины. Свет всегда был для него важнейшим художественным элементом. Но из-за этого он очень зависел от ландшафта и вынужден был Учитывайте время суток и заканчивайте работу, как только загорелся свет исчезать. Он также зависел от погоды. Он приобрел привычку работа над несколькими полотнами одновременно, часто один и тот же мотив в разных время суток, например, одно в утреннем тумане и другое изображение под ярким солнцем середины лета.Правда, пришлось отказаться от нескольких мотивов. когда он не смог выполнить их за один рабочий период, когда после длительный период непогоды, сезон сменился.

Sisley — Получено вознаграждение из семейного бизнеса

Еще один молодой художник из зажиточного Хаус и, следовательно, смог продолжить карьеру художника без каких-либо Переживал за свое финансовое положение Альфред Сислей. Его мать была музыкально настроен и когда сын проявил сильную склонность к рисованию, его отец лишь без энтузиазма попытался убедить его начать деловая карьера.Он согласился, чтобы его сын начал художественное обучение и его состояние часто позволяло молодому художнику помогать более бедным друзьям-художникам в критических ситуациях. Сислей годами писал, не создавая себя в любом случае финансово зависит от его работы. Он женился, имел детей и вел образ жизни среднего класса. За это время Ренуар создал свой знаменитый портрет семьи Сислей в дорогой одежде, подходящей их социальный класс. На самом деле единственная импрессионистская черта в этой картине это лечение светом.В конце 1860-х годов отец Сислея стал тяжело заболел, семейный бизнес оказался в затруднительном положении, и его пришлось закрыть. Сислей внезапно столкнулся с необходимостью содержать себя и его семье от продажи его картин. Он переехал к Моне и позже к соседнему Les Sablons , в пейзаже, в котором он особенно умел хорошо работать.

Моне — лидер и мастер ландшафта

Личность Клода Моне имела особую место в развитии импрессионизма.В художественной сфере он стал центр внимания в движении. Именно он представил очень продвинутые идеи по пейзажной живописи вошли в круг молодых художников. Клод Моне родился в Париже, но его юность прошла в Гавре, где его отец, который был торговцем, поставлял корабли. Портовая жизнь и широкие пляжи произвели на мальчика сильнейшее впечатление. В искусство он вошел рисованием — особенно мультфильмы. В те годы процветающая пресса была очень зависимой. на иллюстрации всех типов.Даже люди, чьи способности к чтению были не очень хорошо понимал карикатуры и иллюстративные зарисовки и поэтому редакция постаралась представить как можно больше картинок. Моне учился на журналах, подобных этим, и благодаря его большой талант быстро нашел свой стиль. Когда возможность выставления в столярном окне возникла, юноша смог продать свои рисунки туристам. Однако гораздо важнее было то, что Эжен Буден (1824-98), блестящий живописец прибрежных сцен, заметил молодого Моне и признал талант молодого человека.Он долгое время работал в Париже. времени и смог способствовать развитию молодого живописца в мегаполисе. Моне отправился в Париж на выручку от продажи своих мультфильмов и немного денег от отца и начал работать в Academie Suisse . Вскоре он познакомился с другими молодыми художниками, которые однажды называют импрессионистов. Моне был членом группы с наибольшим успехом. знание пленэрной живописи.В Гавре он провел исчерпывающий учебы и преподавал Буден. Поэтому он мог поделиться его практические знания с другими. В начале 1861 года Моне пришлось пойти на военную службу и расстаться с друзьями. Он вызвался в Африку, где он вскоре заболел и был вынужден вернуться домой. В конце концов его семья выкупила его из армии, и государство предложило такую возможность. состоятельным гражданам. В 1862 году Моне снова вместе рисовали в Гавре. с Буденом и голландцем Йоханом-Бартольдом Йонгкинд (1819-91).Йонгкинд был очень опытным художником-пейзажистом. и способности двух художников старшего возраста проявились в их умных ученик в кружок молодых импрессионистов в Париже, которому Моне вернулся в начале 1863 года. Моне больше не посещал Академию . Suisse . Как и большинство его друзей, он переехал в Чарльз Глейр, чтобы продолжить там учится. Вскоре Studio Gleyre должна была стать ядром Французский импрессионизм.

Моризо — Женский Художник из богатой городской среды

Берта Моризо была единственной женщиной, принадлежавшей к раннему ядру импрессионистов. художники.Ее путь к искусству соответствовал общепринятым взглядам, которые были открыты для дочери из хорошего дома. Ее отец был префектом отдел Шер, она родилась в Бурже в 1841 году. в Лиможе вместе со старшими сестрами. Когда ее отца вызвали в самый высокий офис в Париже, семья переехала в элегантный дом в Пасси, а девочки пошли в эксклюзивную частную школу, где музыка и искусство были частью учебной программы.Когда Берта и ее сестра показали талант, для матери было естественным продвигать этот талант. Хотя художники, которые их учили, предупредили родителей, что если они станут хорошими художников, это очень негативно повлияло бы на социальное продвижение родителей не оставят равнодушными. У девочек было просторная студия, построенная в саду и поощряемая в учебе известных художников, таких как Коро, Анри Фантен-Латур (1836-1904) и Пюви де Шаванн (1824-98), которые часто бывали в доме.Берта, который вскоре выделился как тот, кто работал более интенсивно, получил много стимулов и очень ранний доступ в Салон.

Базиль — Художник, Опора и сборщик

Один из художников, сильно продвигавших в союзе импрессионистов был очень талантливый Фредерик Базиль (1841-70), человек особенно радушный, открытый и услужливый. Его ранняя смерть была причиной того, что его работы появились только в раннем возрасте. фаза импрессионизма.Базиль приехал из Монпелье, где его родители принадлежал к ведущему социальному классу. Его родители любили искусства и поэтому не имел абсолютно ничего против того, чтобы их сын обучал стать художником, тем более что он уже показал определенную сумму таланта. Однако его отец настоял на том, чтобы он изучал медицину и принимал уроки искусства как второй предмет. Базиль вошел в студию Чарльза Глейра и он все больше отставал в изучении медицины.Но он всегда сохранил хорошие отношения с родителями. Его богатый отец поддерживал в меру своих способностей, и довольно часто Базиль был добрым самарянином в кругу друзей, чье материальное положение было не так стабильно. Он дал им денег на еду и позволил им пользоваться своим прекрасным студия. Поскольку у него был отзывчивый и отзывчивый характер, всегда опосредованно и умиротворенный в тяжелых конфликтах между друзьями, он стал хорошим дух среди художников народных.

Он стал особенно хорошим другом Огюст Ренуар, который был одним из тех художников, которые происходили из более бедной семьи. и буквально должен был умереть с голоду, чтобы идти своим путем к искусству.

Ренуар — Солнце Художник

Огюст Ренуар родился в Лиможе в 1841 году. сын торговца. Он пришел к искусству окольными путями. Сначала он был работал художником по фарфору, затем прошел различные стадии работал коммерческим художником, прежде чем он наконец смог посетить Студия Gleyre, где к нему присоединились Клод Моне и Фредерик Базиль. до конца года.Глейр каждый год весной закрывал свою студию на несколько недель отпуска, и за это время друзья отправились в Фонтенбло. рисовать в лесу, разнообразие которого сохранялось несколько лет. Они предпочитали Шайи или Марлотту, так как Барбизон был для них слишком занят. В Марлотте, поселении из нескольких фермерских домов, они жили в Оберже. de la Mere Anthony, где Сислея больше всего привлекали дочь Нана, которая появляется в качестве модели на многих картинах Ренуара.

Для дальнейшего творческого развития Ренуара встреча с одним из успешных художников Барбизонской школы был опыт с такими далеко идущими последствиями, что, когда он старше, он все же рассказал историю этой встречи своему сыну. Несколько хулиганы из Парижа оскорбляли его, когда он рисовал на поляне в лесу. Ренуар вступил в борьбу и внезапно получил помощь от высокий хромающий мужчина, который использовал свою деревянную ногу и костыль в качестве оружия и так далее. вытащил Ренуара из ситуации.Этим нуждающимся помощником была Нарцисс Диас. (1807-76), один из основателей барбизонской школы. Он смотрел на Ренуара и проявил активный интерес в последующие дни. В на короткое время он заставил молодого коллегу отказаться от своей тяжелой темной живописи и показал ему, как много мерцающего света бывает в темных затененных области.

После 1868 г. друзья не ездили в Фонтенбло регулярно. Для Ренуара прежде всего сумерки под деревьями было уже недостаточно, он хотел солнечного света во всей его яркости.Банки набережной Сены стал местом, выбранным молодыми художниками для следующих годы. Только Моне какое-то время оставался в Шайи.

Импрессионист Распорядок дня и путешествия

Постоянное изменение от пребывания в страны и месяцы, проведенные в Париже, оставались основной рутиной Импрессионисты много лет. Природа преподнесла им огромное потрясение, но им был нужен город, чтобы продвигать свою карьеру.Только Мане и Дега были чистокровные горожане и очень редко бывали в сельской местности. Как это было после Фонтенбло, , береговая линия Нормандии, стал излюбленным местом отдыха. Несомненно, именно Моне обратил на это внимание своих друзей. Моне Сам провел лето в основном в Le Havre или Sainte-Adresse , небольшой приморский курорт, где у тети было поместье, где семья регулярно остался на каникулах.В 1864 году Моне пригласил своего коллегу-живописца Жорж Базиль. Они плыли по Сене и сначала пошли в Онфлер . который находится напротив Гавра. Онфлер с его старыми переулками и прохладный атлантический бриз, должно быть, сильно повлиял на Базиля, пришедшего из юг Франции. Город уже открыли для себя многие художники: Здесь писали Боннингтон, Коро и Курбе, а также Йонгкинд и конечно Буден (который там жил) — обычно останавливались по адресу La Ferme Saint-Simean , гостиница, расположенная на холме, откуда они могли насладиться захватывающим Посмотреть.

Год спустя Ренуар и Сислей повторили поездку Моне и Базиля в Ле. Гавр, их пункт назначения — знаменитая парусная регата в Гавре. Для Ренуара путешествие было роскошью; хотя он был вне дома много, он в основном гулял по окрестностям. Пятьдесят франков стоимость поездки была для него огромной инвестицией. Это было только с 1876 г. его финансовое положение постепенно изменилось. Он пришел из скромное происхождение и, естественно, среди его друзей с ранних лет, которые все принадлежали к рабочему классу, почти не было клиентов для картины.Двое из немногих клиентов, которые что-то значили лично для него были Шарль Деудон, а с 1876 года мадам Шарпантье, жена одного самых важных издателей того времени. Она предложила ему доступ высшим слоям общества. Он познакомился с банкиром Полем Берардом через ее. Создан заказ на портрет старшей дочери Берар общение с семьей, на которую сразу произвел впечатление молодой художник. талант и его суровое обаяние.Их богатый образ жизни в таунхаусе в Париже и, прежде всего, в их обширном загородном имении недалеко от Дьеппа в Нормандия, их дружелюбие и непринужденное гостеприимство возродились Ренуар. В 38 лет он впервые в жизни смог насладиться его жизнь, и сосредоточиться на его картинах без его обычных финансовых тревог.

Еще одно место в Нормандии, привлекшее внимание импрессионистов. был Этрета , который фигурирует во многих картинах Моне.Эдгар Дега тоже провел там некоторое время, так как многие из оставшихся там его особенно интересовали. Однако его работа ограничилась повторением эскизов в пейзаже, ему нужно было замкнутое пространство мастерской, чтобы покрасить. Его искусство представляло собой явный симбиоз воображения и концепции в что то, что он видел, вошло в его работу только после того, как тщательно фильтруется. Дега ненавидел художников, которые работали в пейзаже и часто пренебрежительно отзывались о людях, которые предпочитали выполнять самый интимный акт рисования под открытым небом.По его мнению, картина по памяти освободил художника от произвола природы. Это отношение ему было легко поддерживать, поскольку он совершенно не интересовался светом и воздух — важнейшие мимолетные элементы живописи импрессионистов.

Война 1870 года заставила Моне и Писсарро отправляйтесь в , Англия, , чтобы избежать призыва на военную службу. Их Пребывание там было исключительно важным для обоих художников. Среди прочего они сделали точное исследование работы Тернера.Лондон также открыл несколько дверей относительно контакта с арт-дилерами. В 1871 году Моне вернулся в Гавр. Здесь он нарисовал восход солнца над морем в 1873 году под названием « Впечатление»: Восход », позже названный группой художников. силуэты кораблей в гавани Гавра, едва узнаваемые в тумане — дерзость на современный вкус, хотя тема был написан почти пятьдесят лет назад Уильямом Тернером.Эта картина в Лондоне очень восхищались Моне и Писсарро.

Первые коллекторы

Во время франко-прусской войны молодые Поль Дюран-Рюэль (1831-1922) переехал в Лондон, где познакомился Моне и Писсарро и купили у них свои первые картины. После войны, когда он обосновался в Париже, он поддерживал связь и стал одним из первых коллекционеров произведений искусства импрессионистов и часто выступал в роли друга и покровителя.

Сена была излюбленным местом Художники-импрессионисты и разнообразный пейзаж вокруг реки служили как мотив большого количества картин. Ла Гренуйер был популярное место из-за пейзажа, но и из-за девушек и лодочники, которые туда ходили. В соседнем ресторане Fournaise , Ренуар нарисовал свой Завтрак гребцов , в котором мы находим Алин, который позже стал его женой, играл с маленькой собачкой и … спортивная рубашка — молодой инженер и художник Gustave Caillebotte (1848-94).Кайботт многому научился у Моне (двое из них рисовали вместе несколько раз во время длительных экскурсий, а есть несколько картин которые имеют поразительное сходство), но он получил большую известность как финансовый безопасный коллектор. Кайботта спасли Моне и Ренуара от худшего. помощь, когда они были в серьезном финансовом затруднении. Он был на всю жизнь друг Ренуара и назначил его исполнителем его состояния, когда он умер. Ренуар, который сам был смертельно болен, остался с уникальной коллекцией. шедевров импрессионистов с условием, что он должен убедить Лувр принимает коллекцию.Это было только с бесконечными усилиями что Ренуару удалось убедить музей забрать наследство.

Виктор Шоке был еще одним выдающиеся личности импрессионизма. Он не художник, а таможенник офицер. Однако он обожал живопись импрессионистов и тратил все деньги. которые он мог сэкономить из своей небольшой зарплаты, чтобы купить картины своего импрессиониста друзья. В 1875 году импрессионисты организовали свой первый аукцион картины в Hotel Drouot .Однако это не увенчалось успехом. Покупки были крайне скромными, и некоторые люди были недовольны картины выставлены на продажу. Дело дошло до драки, и полиции пришлось вмешиваться, чтобы позволить аукциону состояться и предотвратить оскорбительное поведение. Из всех представленных художников только Берта Моризо могла быть более или менее доволен, а Ренуар, особенно зависимый от продаж, продавал только несколько картин и по мизерным ценам. Виктор Шоке купил свой первый картина из кружка импрессионистов выставлена на аукцион и заказана Ренуар написать портрет своей жены.В результате Шоке стал один из самых верных друзей Ренуара, Писсарро и Сезанна. Его финансовые средства были ограничены, но он собирал картины страстно и исключительно из-за его любви к искусству, не задумываясь о финансовых спекуляциях.

alexxlab Автор записи

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

История

Истоки

Эволюция

Влияние на живопись и искусство

Музыкальный импрессионизм

Ссылки

Импрессионист — это… Что такое Импрессионист?

История

Истоки

Эволюция

Влияние на живопись и искусство

Музыкальный импрессионизм

Ссылки

Передвижники и импрессионисты [20]. В поисках гармонии. Искусствоведческие работы разных лет

Импрессионизм — Вики

Импрессионизм в живописи

Истоки

История

Возникновение названия

Специфика философии импрессионизма

Импрессионизм и общество

Техника

Хронология по художникам

Выставки

Импрессионизм в литературе

Импрессионизм в музыке

См. также

Примечания

Литература

Ссылки

Что такое импрессионизм

Импрессионизм – что это такое простыми словами

Живопись и импрессионизм

Происхождение

История возникновения

Происхождение термина

Особенности философии

Импрессионизм и социум

Особенности техники

Литература и импрессионизм

Отражение в музыке

что мы унаследовали от первопроходцев модернизма — Моноклер

Возникновение импрессионизма

«Правила» художников-импрессионистов

Фрагмент картины «Абсент» Эдгара Дега (1876 г.)

Как фотография повлияла на импрессионистов и наоборот

«Завтрак гребцов», Огюст Ренуар (1879 г.)

Импрессионизм в музыке и кино

Возникновение киноимпрессионизма

Что взяли кинематографисты от художников-импрессионистов?

Вместо заключения

Обложка:фрагмент картины Эдгара Дега «Танцовщицы у станка» (1900 — 1905 гг.)

Похожие статьи

Импрессионизм

50 картин импрессионистов — импрессионизм через 50 работ

Обзор движения постимпрессионизма | TheArtStory

Краткое изложение постимпрессионизма

Ключевые идеи и достижения

Обзор постимпрессионизма

Импрессионизм | Музыка 101

Введение

Музыка и литература

Определение постимпрессионизма и характеристики постимпрессионизма

Что такое постимпрессионизм?

История

Определяющие характеристики

Клод Моне — отец импрессионизма

Моне и Дебюсси Титаны импрессионизма

Цели, величайшие импрессионисты, влияние на западное искусство

Добавить комментарий Отменить ответ