Импрессионизм в живописи и его крупнейшие мастера: 13 художников импрессионизма, которые нельзя пропустить

12. Тематика и особенности творчества основных представителей французского импрессионизма. Живописная система импрессионизма. К.Моне как наиболее типичный мастер импрессионизма.

Импрессионизм – направление в живописи, зародившиеся во Франции в 1860х годах и во много определившее развитие искусства 19 века. Мастера фиксировали свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Писарро, Ренуар, и Силей, и вклад каждого из них в его развитии уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить «впечатление» от того, что глаз видит в конкретный момент. Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своем творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин, прачек, а Ренуар – очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приемах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Моне Клод Оскар Один из основоположников импрессионизма, в своих картинах художник Моне со второй половины 1860-х годов стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы. От наименования пейзажа Моне “Впечатление. Восходящее солнце” произошло название импрессионизма.

В своих пейзажных композициях Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890-е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия полотен “Руанские соборы”, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва, и другие собрания). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.

Дега Эдгар Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов (“Семейство Беллелли”, около 1858), Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений (“Площадь Согласия”, около 1875; “Абсент”, 1876).

Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту (“Гладильщицы”, 1884). В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра (“Звезда”, пастель, 1878). Художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд (“Экзамен танца”, пастель, 1880). Произведения Дега с их строго выверенной и одновременно динамичной, часто асимметричной композицией, точным гибким рисунком, неожиданными ракурсами, активным взаимодействием фигуры и пространства сочетают кажущиеся непредвзятость и случайность мотива и архитектоники картины с тщательной продуманностью и расчетом. Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стесненностью пространства, придающей им напряженно-драматический характер (“Голубые танцовщицы”, пастель). С конца 1880-х годов Дега много занимался скульптурой, добиваясь выразительности в передаче мгновенного движения (“Танцовщица”, бронза).

Ренуар Пьер Oгюст В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Гюстава Курбе и произведений молодого Эдуара Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866,). На рубеже 1860-1870-х годов Ренуар переходит к живописи на пленэре, органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”, 1869).

Палитра Ренуара светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни — балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876). Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, “Зонтики”, 1876; портрет актрисы Жанны Самари, 1878). В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций, построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883). С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.

Мане Эдуар Значительное влияние на становление Мане как художника оказало творчество Джорджоне, Тициана, Хальса, Веласкеса, Гойи, Делакруа. В работах конца 1850-х — начала 1860-х годов, составивших галерею остро переданных человеческих типов и характеров, Мане сочетал жизненную достоверность образа с романтизацией внешнего облика модели (“Лола из Валенсии”, 1862). Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их актуальным содержанием, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение современного человека (“Завтрак на траве”, “Олимпия” — оба 1863). В 1860-е годы Эдуар Мане обращался к темам современной истории (“Казнь императора Максимилиана”, 1867), но проникновенное внимание Мане к современности проявлялось прежде всего в сценах, словно бы выхваченных из будничного течения жизни, полных лирической одухотворенности и внутренней значимости (“Завтрак в мастерской”, “Балкон” — оба 1868), а также в близких к ним по художественной установке портретах (портрет Эмиля Золя, 1868, портрет Берты Моризо, 1872).

Своим творчеством Эдуар Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма. В конце 1860-х годов Мане сблизился с Эдгаром Дега, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи (“В лодке”, 1874, Метрополитен-музей; “В кабачке папаши Латюиль”, 1879). Многим произведениям Мане свойственны импрессионистические живописная свобода и фрагментарность композиции, светонасыщенная красочная вибрирующая гамма (“Аржантёй”). В то же время Мане сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире — в одной из последних картин Мане “Бар в Фоли-Бержер”, 1881-1882). В 1870-1880-е годы Мане много работал в области портрета, расширяя возможности этого жанра и превращая его в своего рода исследование внутреннего мира современника (портрет С. Малларме, 1876), писал пейзажи и натюрморты (“Букет сирени”, 1883), выступал как рисовальщик, мастер офорта и литографии.

Писсарро Камиль испытал влияние Джона Констебла, Камиля Коро, Жана Франсуа Милле. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Писсарро в многочисленных сельских пейзажах раскрывал поэзию и очарование природы Франции, с помощью мягкой живописной гаммы, тонкой передачи состояния световоздушной среды придавал обаяние свежести самым непритязательным мотивам (“Вспаханная земля”, 1874; “Тачка”, 1879,). Впоследствии Писсарро часто обращался к городскому пейзажу (“Бульвар Монмартр”, 1897; “Оперный проезд в Париже”, 1898). Во второй половине 1880-х годов Писсарро использовал иногда живописную технику неоимпрессионизма. Писсарро играл одну из главных ролей в организации выставок импрессионистов. В своих работах Камилю Писсарро удалось избежать крайнего проявления пленэра, когда материальные предметы словно растворяются в мерцании световоздушного пространства (“Снег в Лувесьенне”; “Улица в Лувесьенне”, 1873). Многие его работы отличает интерес к характерной выразительности, даже портретности, присущей городскому пейзажу (“Вид на Руан”, 1898)

Сислей Альфред испытал влияние Камиля Коро. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Сислей писал непритязательные по мотивам пейзажи окрестностей Парижа, отмеченные тонким лиризмом и выдержанные в свежей и сдержанной световой гамме. Пейзажи Сислея, передающие подлинную атмосферу Иль-де-Франса, хранят в себе особую прозрачность и мягкость природных явлений всех времен года (“Маленькая площадь в Аржантёе”, 1872, “Наводнение в Марли”, 1876; “Мороз в Лувесьенне”, 1873, “Опушка леса в Фонтенбло”, 1885).

Чарующие изображения природы художника Альфреда Сислея с легким оттенком грусти завораживают удивительной передачей настроения в данный момент времени (“Берег Сены у Буживаля”, 1876). С середины 1880-х годов в творчестве Сислея нарастают черты красочного декоративизма.

Клод Оскар Моне родился в Париже 14 ноября 1840 года, но все его детские и отроческие впечатления связаны с Гавром, куда его семья переехала в 1845 году. Обстановка, в которой рос мальчик, не способствовала его занятиям живописью : отец Моне торгавал бакалейными товарами и не обращал внимани на желание сына стать художником. Гавр не мог похвастаться ценными музейными собраниями, выставками ил школами искусств.

Первые уроки одаренный мальчик получает после знакомства с пейзажистом Эженом Буденом, скитаясь с ним по побережью и постигая приемы работы на открытом воздухе. Попав в столицу, вопреки совету родителей поступать в изящную школу искусств, он с головой уходит в богемную жизнь и завязывает многочисленные знакомства в артистической среде.  Вместо посещения музеев Моне предочитает текущие выставки и встречи с современными художниками. Знакомство с картинами старых мастеров привлкало его гораздо меньше, чем окружающая жизнь и красота природы. По его словам, » Все, что нарисованно непсредственно с натуры, заключает в себе силу, энергию и непосредственность стиля, которые невозможно получить в мастерской».

Лишенный материальной поддержки родных, он вынужден идти в армию, но и после возвращения из Алжира, где он проходил военную службу, он не меняет образ жизни. Мое формируется как художник в обществе тких мастеров, как Буден, Йонкинд, Курбе, и, наблюдая за их работой, получает многие практические навыки. В 1862 году он начинает посещать мастерскую Шарля Глеера. Пребывание там позволяет приобрести художнику ценные профессиональные навыки.

Первой значительной работой, подводящей итоги творческих поисков этого периода, стал для Моне «Завтрак на траве» (1865-1866), написанный им вслед за одноименной программной работой Э.Мане. Сама работа до нас не дошла, но сохранилась ее уменьшенная копия. Сюжет картины прост: на опушке леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин.  Из его композиции фигур можно понять, что его привлекает не внутренний мир человека и сложность человеческих отношений. Он делает акцент на взаимосвязи между фигурой и окружающей природой, подчеркивая игру световых пятен на одежде а не на лице человека. Художник как бы осмысляет взаимоотношения между человеком и природой.

Он любил писать водные пейзажи, в особенности морской берег Гавра, Трувилля, Онфлера, а также виды Сены.

…Хотя марины  были характеы для творчества Моне, им было суждено сыграть важную роль в становлении его манеры, и именно они привели его к мысли о создании серии картин. А, кроме того, во время знаменитой выставки 1874 года на бульваре Капуцинок, картина Моне с видом порта во время восхода солнца ( Впечатление, Восход солнца) дала название группе художников и художественному направлению в живописи в целом.

В 1873 году Моне пишет «бульвар Капуцинок». В работе ощущается целостность восприятия художником происходящих вокруг сиюминутных событий. Глядя на картину, у зрителя создается впечатление личного присутствия на этом нескончаемом празднике жизни, наполненном солнцем, светом, гомоном нарядной толпы.

В 1877 году Моне создает серию картин (на них представлен вокзал Сен-Лазар), наметившую новый этап в его творчестве: отход от целостной концепции картины-этюда в сторону аналитического подхода к изображаемому .

Виды вокзала Сен-Лазар тразили новые изменения в характере живописи Моне, в его отношении к теме города и изменении его стиля в целом. Для создания новых картин художник выбирает улицы Монторжей и Сен-Дени, украшенные флагами в честь Всемирной выставки. Эти работы написаны сильными мазками, иногда фрагментирующими изображаемый объект. На холсте неистовствуют штрихи в виде запятых, энергичные мазки изобилируют на поверхности холста, а краски уверенно заявляют о себе, в особенности различные оттенки красного.

Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его личной жизни. Тяжело заболевает его жена Камилла. С рождением второго ребенка нищета, в которой живет семья Моне, усиливается.

После смерти жены заботу о детях взяла на себя Алиса Гошеде, с семейством которой К.Моне снимал дом в Ветее. Она-то и стала его второй женой. Вскоре материальное положение  Моне поправилось настолько, что он покупает собственный дом в Живерни, где и протекает поздний период его творчества. Теперь Моне привлекала выразительность четких линейных ритмов, и он стал передавать формы значительной степени в виде различных плоскостей.

Одной из главных проблем в творчестве Моне в конце 19 и начале 20 века стало написание серий картин. Принцип работы над сериями уже использовался художниками до Моне, особенно в области графики, когда несколько листов были посвящены одному событию, городу, герою…Однако до Моне ни один художник в европейском искусстве не создавал серии картин, посвященных одному мотиву, например стогам, тополям, фасаду собора . В сериях Моне главный объект остается неизменным, но освещение меняется. Таким образом именно свет становится главным «героем» каждого произведения, диктуя свои законы, по-разному окрашивая предметы и меняя контуры с помощью нечетких границ формы.

Идея создания серии Руанский собор пришла к Моне в 1892 году, когда он находился в Руане, и, живя напротив собора, художник был восхищен его красотой. Из окна своей комнаты он мог видеть не все здание, а лишь портал, и это определило композицию холстов. Крупным планом показан фрагмент собора, занимающий все пространство картины.

Возможно, наиболее значительной из всех последних серий Моне были Кувшинки, не говоря уже о том, что художник трудился над ними в течении нескольких десятилетий до самой смерти.

Благодаря своей долгой жизни, Моне стал современником всех художественных направлений конца 19 и начала 20 веков. Многие постимпрессионисты высоко ценили  творчество Моне, ощущая на себе его влияние. Про свое отношение к обучению живописи он говорил : » Техника меняется, но искусство отается тем же самым : это свободное и эмоциональное изображение природы». Импрессионизм как одно из наиболее ярких художественных направлений Реализма 19 века, несомненно, принадлежит к этой категории, и во всем направлении импрессионизма искусство Моне занимает центральное место.

Эдуард Мане, или Кого называли «предшественником импрессионизма»? | Культура

Всякого начинающего художника тогда можно было увидеть в Лувре. Копирование картин старых живописцев считалось обязательным для воспитания вкуса. Копировал их и Мане, и не только в Лувре. В 1856 году он посетил Голландию, Австрию, Италию. Его интересовали разные мастера прошлого, но особое внимание привлекли испанцы: Веласкес и Гойя.

Мане хотелось восстановить традиции, идущие от искусства XVI—XVII вв. еков, и использовать их для обновления современной живописи. Подобно мастерам прошлого, он искал приметы современности в лицах людей, их манере держаться. Своеобразным прощанием с романтизмом стала картина «Любитель абсента», созданная в конце 1850-х годов. В темном плаще, в надвинутой на глаза шляпе сидит мужчина, рядом с ним бокал, около ног бутылка. Его социальную принадлежность понять невозможно. Во всем чувствуется какая-то отрешенность, что и сумел гениально передать художник.

Серия картин Мане начала 1860-х годов связана с испанской темой: «Гитарреро», «Викторина Меран в костюме эспада» и «Лола из Валенсии». Картины отразили его интерес не только к живописи старых испанских мастеров, но и увлечение искусством танцоров и певцов Испании, гастролирующих в то время в Париже. Так в полотнах Мане счастливо встретилось старое и новое. Их соотношение всегда различно, но это долгое время определяло стиль его искусства.

В 1863 году Мане пишет картины «Завтрак на траве» и «Олимпия». Они сделали художника известным среди современников и создали славу у потомков. В «Завтраке на траве» он стремится «осовременить» темы старых картин: обнаженная натурщица сидит среди одетых в современные костюмы мужчин, еще одна женщина видна у берега.

Открытие Парижского Салона 1865 года ознаменовалась грандиозным скандалом. Толпы посетителей, бегло осмотрев залы, устремлялись к одной-единственной картине. Они хохотали, возмущались, размахивая тростями и зонтами. Картину едва не разорвали на части. К ней приставили военный караул, но и это не помогло. Тогда ее поместили в самый последний зал высоко над дверью. И все равно люди шли на выставку только с одной целью — увидеть ставшую уже знаменитой «Венеру с котом» Э. Мане, впоследствии названной «Олимпией».
«Непристойность!», «Цинизм!» — это было еще не самой грубой бранью в его адрес.

Мане был в ужасе. Он мечтал о славе, но не о скандальной известности. Парадоксальность этого человека в том, что его талант был выше его личности. Бунтарь и революционер в живописи, Мане был заурядным человеком — респектабельным, не чуждым тщеславия. Три года назад он нарвался на скандал в Салоне Отверженных, выставив свой «Завтрак на траве», и, надеясь взять реванш, опять натолкнулся на яростное неприятие своего искусства.

Он не понимал, чем не угодил публике. Его картины были связаны с искусством Старых мастеров. «Завтрак на траве» был парафразом «Сельского концерта» Джорджоне, а «Олимпия» — воспоминанием о «Венере Урбинской» Тициана, «Венерах» Джорджоне и Веласкеса. Мотив негритянки, стоящей рядом, использовал Рубенс в «Вирсавии», его любили в старых романтических жанрах, там часто присутствовали экзотические персонажи. Да и пресловутый кот еще более усиливал сходство с «Венерой Урбинской» — у ее ног была собачка.

Но публика возмущалась неспроста. В этом традиционном мотиве «ню» ощущалась острая нотка современности, которая создала новоявленной «Венере» совсем иной контекст. Перед зрителями предстало юное, но уже поблекшее существо с бесстрастным выражением лица и глазами, «которым не дано ни горечи, ни нежности». Бархотка на шее, розовый бант в рыжих волосах, сережки, браслет, домашние туфельки — эти едва уловимые детали создавали образ женщины, которая вряд ли могла ассоциироваться с богиней. А изогнувшийся черный кот (персонифицирующий эрос) намекал на то, что на полотне изображена женщина сомнительной репутации. Увы, этот скандал был далеко не последним в жизни Мане. Все 20 лет до самой смерти травля и насмешки не оставляли его. Мане упорно пытался пробиться в Салон, а жюри с той же последовательностью не принимало его работы. Так были отвергнуты «Флейтист», «Ласточки» «Бал-маскарад в опере».

Но его живопись любили молодые мастера: Дега, Базиль, Клод Моне, Писсаро. Его картинами восхищались Бодлер и Золя. Отвергнутый жюри Салона и официальной критикой, он нашел понимание и участие в кругу друзей-художников. Собираясь в кафе Гербуа на рюде-Батиньоль, они постепенно сплотились в своеобразную группу, получившую название «Батиньольская школа». Из «батиньольцев» вышли почти все будущие импрессионисты. И хотя Мане разделял их программу лишь отчасти, он всегда оставался признанным лидером и главой нового течения. В чем-то ученики были радикальнее своего учителя и пошли дальше его. Но искусство Мане было тем переломом, с которого началась совершенно новая эпоха — эпоха новейшей живописи.

В 1867 году Мане показывает свои произведения в отдельном павильоне. В предисловии к каталогу он пишет «я хочу быть самим собой и правдиво передавать свои впечатления». К этой выставке художник написал картину «Расстрел императора Максимилиана в Кверетаро», посвященную гибели французского претендента на мексиканский престол. Произведение доказывает, что Мане волновали многие политические события. Полиция запретила демонстрацию картины и выпуск ее литографии.

Искусство Мане не было чуждо политической злободневности. Недаром его имя значилось в официальных Бюллетенях Парижской коммуны, а сам художник был заочно выбран в состав Комитета федерации художников. В мае 1871 года Мане, вернувшись в Париж из Бордо, застал гибель Коммуны и написал несколько картин, посвященных этой теме.

В конце 1860-х годов Мане создает такие известные картины, как «Флейтист», «Балкон», «Завтрак в мастерской», «Портрет Золя» — дань признательности писателю, который страстно защищал искусство Мане. В 1874 году открылась первая выставка художников-импрессионистов. Она свидетельствовала о крупных переменах в искусстве Франции. Мане отказался участвовать в ней, но творчество ряда импрессионистов вызывало его симпатии.

Мане скончался в 1883 году. Была открыта большая выставка его произведений в Школе изящных искусств. Предисловие к каталогу написал Эмиль Золя. По инициативе художников была организована подписка для приобретение государством картины «Олимпия», которую хотели продать в Америку. Когда полотно было приобретено, его вывесили в зале рядом с произведениями Энгра. Так Лувр принял искусство Мане, которое ценилось теперь уже на уровне признанных мастеров.

О картинах Мане с уважением отзывались крупнейшие художники. В России интерес к его творчеству проявляли И. Репин и В. Серов, а во Франции творчеством Мане интересовались крупнейшие мастера ХХ века Матисс и Пикассо. Эдуард Мане остается примером преданного служения искусству. Его влюбленность в красоту окружающей действительности, в человека — главное свойство большого искусства, им разделенное и прочувствованное.

Теги: импрессионизм, новаторство, художники, Франция, живопись, развитие, Эдуард Мане, известные картины

6 мастеров-импрессионистов, которых вы знаете, и 3, которых вы не знаете

Если вы когда-либо посещали уроки рисования, вы, вероятно, хотя бы слышали слово «импрессионизм». Даже если вы не совсем понимаете, что это значит, вы точно видели работы импрессионистов в музеях по всему миру или в Интернете.

Вероятно, существует несколько импрессионистов, чьи имена и картины вы знаете, но это художественное движение 19-го века было гораздо более распространенным, чем вы думаете. Мы здесь, чтобы дать вам краткое представление о некоторых из самых известных художников-импрессионистов, а также о некоторых, о которых вы, возможно, никогда раньше не слышали.

Художники-импрессионисты: что значит быть импрессионистом

Прежде чем мы рассмотрим некоторые профили известных художников-импрессионистов, давайте быстро напомним, что такое импрессионизм.

Некоторые утверждают, что импрессионизм был одним из самых важных художественных движений в истории, и он, безусловно, был новаторским. В конце 1860-х годов небольшая группа французских художников решила отказаться от своих обычных студийных условий и взять свои инструменты на природу.

Оттуда они быстро обнаружили постоянно меняющееся изменение света и рисунка, вызванное солнечным светом. Поучительный опыт для многих, эти художники обратили свое внимание на использование цвета, тона и текстуры, чтобы отразить то, что они видели перед собой. Это было важной частью развития импрессионизма — вместо того, чтобы вернуться в студию, чтобы закончить свои картины, художники-импрессионисты работали от начала до конца в своей новой естественной обстановке.

Когда мы посмотрим на некоторые работы импрессионистов, вы заметите, что их стиль и техника во многом совпадают. Быстрая и прерывистая кисть обычно отражает изменяющийся естественный свет, а цвета обычно придерживаются нейтральной и землистой основы, чтобы точно изобразить пейзажи, которые художники видели на холсте.

Создайте свое собственное искусство импрессионистов

Импрессионизм — нарисуйте этой осенью картину маслом или акрилом

Запишитесь на курсы

6 художников-импрессионистов, которых вы знаете

Имена которых сразу отождествляются с именами и именами художников импрессионистское движение — и вы, вероятно, слышали о некоторых (если не обо всех) из них раньше.

1. Клод Моне

Источник: wikiart
«Японский пруд» Моне

Когда большинство людей думают о художниках-импрессионистах, Моне часто первое, что приходит на ум. Один из основателей импрессионистского движения, долгая карьера Моне была наполнена картинами с природными пейзажами, которые до сих пор нравятся любителям искусства.

Некоторые из его самых известных работ включают картины Руанского собора в Нормандии, Франция, и картины с водяными лилиями из его собственного имущества, на создание которых у него ушло более 20 лет. Он часто выставлялся по всей Франции вместе с такими друзьями-импрессионистами, как Ренуар, Мане, Сислей и Дега.

Источник: wikiart
Водяные лилии были частым украшением картин Моне.

Моне быстро завоевал репутацию выдающегося художника-пейзажиста и продолжал создавать сотни картин, пока его зрение не начало ухудшаться в старости.

2. Эдуард Мане

Источник: wikiart
«Олимпия» — одно из самых известных произведений Мане.

Мане, один из первых художников 19-го века, запечатлевший современную жизнь в своих картинах, сыграл решающую роль в мире искусства, перешедшего от реализма к импрессионизму. Его ранние работы 1860-х годов часто считаются рождением современного искусства, и карьера Мане оказала большое влияние на ряд известных импрессионистов, пришедших после него.

Родившийся в Париже в богатой семье, Мане не хотел получать художественное образование, пока дважды не провалил экзамен, чтобы присоединиться к французскому флоту. Оттуда он открыл свою собственную студию в 1856 году и начал развивать то, что должно было стать его фирменным стилем — свободные мазки, переходные тона и упрощенные детали.

Источник: wikiart
«Завтрак на траве» Мане

Сюжет его работ (люди в кафе, нищие и уличные певцы) резко контрастировал с художниками предыдущего поколения, и его частое использование черной краски отличало его от других художников-импрессионистов из его круга общения.

3. Эдгар Дега. к творческому самовыражению. Его бронзовые скульптуры и гравюры также составляли значительную часть его портфолио, и, в отличие от большинства импрессионистов, он предпочитал не рисовать на улице.

На многих картинах Дега изображены танцовщицы, и его взгляд на движение и его воплощение на бумаге или в скульптуре трудно соперничать даже с художниками 21-го века. Его внимательное изучение классического искусства в молодости проявляется в его собственных работах, в которых он использует аналогичные методы, но адаптирует их к более современным предметам.

Источник: wikiart
Дега был экспертом в передаче движения в своих работах.

Хотя Дега иногда называют антиимпрессионистом, его использование ярких цветов и смелых мазков для рисования движущихся сцен перед ним придает его картинам отчетливо импрессионистский оттенок.

4. Поль Сезанн

Источник: wikiart
«Женщина в зеленой шляпе» Сезанна «отец всех нас». Работы Сезанна, хотя и в основном импрессионистские, охватывают период как импрессионизма, так и кубизма и оказали значительное влияние на художников начала 20-го века (включая Пикассо и Матисса).

Источник: wikiart
Стиль Сезанна выделяется среди других импрессионистов его времени.

Многие картины Сезанна легко узнаваемы благодаря его использованию повторяющихся мазков и одноточечной перспективы. Прислушиваясь к совету своего друга и наставника Писсарро, Сезанн начал отходить от более темных палитр, поскольку он занялся живописью на открытом воздухе и пейзажной работой.

5. Мэри Кассат

Источник: wikiart
На картинах Кассат в основном изображены женщины и их дети.

Хотя Кассат родилась в Соединенных Штатах, большую часть своей взрослой жизни она прожила во Франции. Она быстро подружилась с Дега и присоединилась к движению импрессионистов, выставляя свои работы во Франции и Европе.

Будучи одним из первых защитников прав женщин, ее картины часто изображали отношения между матерями и их детьми или изображали женщин в личных или социальных ситуациях. Она боролась за свое место среди своих сверстников-мужчин в мире искусства и начала рисовать, используя технику и стиль импрессионизма. Она встречалась с другими художниками-импрессионистами в частном порядке и на художественных выставках, экспериментируя с пастелью и офортами при поддержке Дега.

Источник: wikiart
«Молодая женщина в зеленом на открытом воздухе под солнцем» Кассат

В конце концов она отошла от импрессионистов, но сохранила многое из того, чему научилась у этих художников. Ее картины продолжали изображать «новую женщину» 19-го века, и она использовала свои работы, чтобы последовательно исследовать, что значит быть женщиной в этот период времени.

6. Пьер-Огюст Ренуар

Источник: wikiart
Ренуар часто рисовал на улице, но в шумной городской среде.

Ренуар наиболее известен как художник-импрессионист благодаря изображениям женщин конца 19 века в своих работах. Как и Дега, в искусстве Ренуара используются классические импрессионистские приемы и тона, при этом основное внимание уделяется движущимся предметам в реальном мире.

Он стал близким другом Сислея, Базиля и Моне во время учебы в Париже в начале 1860-х годов, обучаясь у своих сверстников и развивая свой собственный стиль и интересы в импрессионистском движении.

Источник: wikiart
«На берегу моря» Ренуара

Искусство Ренуара использует яркие, насыщенные цвета и свободные мазки, оставляя его предмет немного размытым по краям и добавляя интимности финальной части. . За свою жизнь он создал несколько тысяч картин, и его работы были воспроизведены почти больше, чем работы любого другого художника в истории.

3 Художника-импрессиониста, которого вы (вероятно) не знаете

Несмотря на то, что эти художники сделали плодотворную карьеру и добились большого успеха при жизни, их имена не так широко известны, когда речь заходит об импрессионистском движении. Упомяните некоторые из их произведений, и вы будете выглядеть как настоящий художественный любитель.

1. Берта Моризо

Источник: wikiart
«Колыбель» Моризо

Моризо была одной из самых уважаемых французских художниц-импрессионистов 1860-х и 1870-х годов, ее работы выставлялись в престижном парижском Салоне. в 1864 году. Позже она продолжала выставляться самостоятельно вместе с отвергнутыми Салоном импрессионистами, такими как Сезанн, Дега, Ренуар, Мани и Сислей.

Сначала она училась на художника, рисуя классические фигуры, но вскоре проявила интерес к природе, или на пленэре живопись. Хотя она продолжала работать как с пастелью, так и с акварелью, фирменный стиль Моризо развился, когда она использовала свои краски для создания почти прозрачного эффекта на своих работах.

Источник: wikiart
Моризо использовал легкие и мягкие мазки, характерные для импрессионистов.

Из-за этой легкости в ее картинах современники-мужчины часто называли ее исполненной «женского обаяния», чему не способствовало ее активное использование в своих работах семей, цветов и детей. Ее ограниченная цветовая палитра также была отличительной, что делало ее картины яркими и личными.

2. Лаура Мунц Лайалл

Источник: instagram
Мунц был одним из самых плодовитых импрессионистов в Северной Америке. Мунц родился в Великобритании, в детстве переехал в Канаду и учился в Школе искусств Онтарио в начале 1880-х годов. Хотя ее карьера началась немного позже, чем у первых импрессионистов, Мунц находилась под сильным влиянием этого стиля живописи и развивала его с начала 189 г.0 с и далее.

Ее работа получила похвалу и восхищение по всей Канаде, как при ее жизни, так и после нее. В 1909 году она была единственной женщиной, приглашенной на выставку в Канадском художественном клубе. Картины Мунц часто темнее по тону, чем многие произведения импрессионистов, а ее использование приглушенного света отражало более ранние стили импрессионизма.

3. Винфорд Дьюхерст

Источник: instagram
Дьюхерст был вдохновлен ранним творчеством Моне и находился под его влиянием.

Будучи английским импрессионистом, Дьюхерст переехал в Париж, чтобы изучать искусство, и на него сильно повлияло искусство Моне. Это видно во многих собственных картинах Дьюхерста, с его сельскими пейзажами и использованием коротких, несовершенных мазков в знак уважения к его наставнику.

Дьюхерст использует гораздо более яркие и яркие цвета, чем многие ранние импрессионисты, что часто выделяет его как более позднего сторонника этого движения. Его стиль смешивания коротких мазков с более тонкими, детализированными фрагментами пейзажа (такими как олени, листья или здания на расстоянии) уникален и характерен для этой эпохи и демонстрирует меняющиеся приемы импрессионизма на протяжении всего периода.

Каково ваше впечатление?

Импрессионизм произвел фундаментальный сдвиг в мире искусства, который оказал влияние на некоторых из самых известных художников 20-го века. Но хотя мы можем быть отделены более чем 150 годами от первых художников этого движения, импрессионистские стили и техники по-прежнему используются художниками во всем мире и по сей день.

Освежите свои художественные стили и техники

История искусства: как использовать концепции импрессионизма в своих проектах

Бери уроки

Американский импрессионизм | Эссе | Метрополитен-музей

После окончания Гражданской войны в 1865 году Соединенные Штаты получили беспрецедентный международный политический и экономический статус. Американские покровители искусства, особенно северяне, разбогатевшие на войне, путешествовали за границу и впитывали европейскую культуру. Чтобы заявить о своем богатстве и утонченности, они построили величественные дома и наполнили их импортными предметами декоративно-прикладного искусства и картинами старых мастеров и современных ученых. Чтобы привлечь потенциальных покровителей, начинающие американские художники учились в Европе, особенно в Париже.

Вскоре после того, как американцы начали серьезно коллекционировать европейское искусство и подражать ему, французские импрессионисты дебютировали на частной выставке в Париже в 1874 году; всего они показывались вместе восемь раз, до 1886 года. Отвергая приверженность академиков выдуманным сюжетам и тщательной технике, художники-импрессионисты изображали пейзажи и интимные сцены повседневной жизни среднего класса, используя естественный свет, быструю работу кистью и палитру с высокими тонами. . Молодые американцы в Париже в 1870-х годах, обучаясь у академических учителей, таких как Жан-Леон Жером, игнорировали импрессионизм. Те немногие, кто обратил внимание на радикальный стиль, были отвергнуты. После посещения третьей групповой выставки весной 1877 г. Дж. Олден Вейр писал своим родителям: «Я никогда в жизни не видел более ужасных вещей…. Они не наблюдают ни рисунка, ни формы, но дают вам представление о том, что они называют природой. Это было хуже, чем Комната Ужасов.

Были исключения из американского презрения к импрессионизму в первые годы его существования. Родившаяся в Пенсильвании Мэри Кассат, переехавшая в Париж в 1874 году, сочувствовала ей. Ее работы привлекли внимание Эдгара Дега, который в 1877 году пригласил ее выставиться с группой. Джон Сингер Сарджент, родившийся во Флоренции в семье американских эмигрантов и учившийся в Париже к 1874 году, познакомился с Клодом Моне два года спустя и был вдохновлен им и его коллегами на создание ярких городских пейзажей.

В середине 1880-х годов, когда французский импрессионизм потерял свою радикальность, американские коллекционеры начали ценить этот стиль, и все больше американских художников начали экспериментировать с ним после усвоения академических основ. Выставки произведений импрессионистов проводились в американских городах, и продажи были высокими. В 1886 году, с серией блестящих изображений новых общественных парков Нью-Йорка, Уильям Меррит Чейз стал первым крупным американским художником, создавшим импрессионистские полотна в Соединенных Штатах. Примерно в то же время американцы начали посещать колонии художников, которые сосредоточились на уличной живописи, в первую очередь Живерни, где Моне поселился в 1883 году. Среди тех, кто искал там вдохновения, были Сарджент, Уиллард Меткалф и Теодор Робинсон, которые передали идеи Моне. его соотечественники вернулись в Соединенные Штаты.

К началу 1890-х годов импрессионизм прочно утвердился в качестве действительного стиля живописи для американских художников. Даже Вейр был новообращенным. Большинство репатриированных американских импрессионистов жили на северо-востоке, используя культурную энергию, которая все больше концентрировалась в Нью-Йорке. Некоторые из них преподавали в новых художественных школах, возникших вследствие роста профессионализма; другие проводили летние занятия, посвященные импрессионизму, как это делал Чейз в восточной части Лонг-Айленда с 189 г. 1 до 1902 года и как это сделал Джон Генри Твахтман в Кос-Кобе, штат Коннектикут, в 1890-х годах.

Американские импрессионисты были гораздо более космополитичны, чем их французские коллеги. Некоторые из них были эмигрантами или подолгу жили в Европе; те, кто репатриировался, часто пересекали Атлантику, чтобы посетить выставки, посетить музеи и работать в колониях художников. В Европе и США американские импрессионисты стали свидетелями перехода от аграрного общества к индустриальному городскому. Они были одновременно взволнованы переменами и ностальгировали по обнадеживающему и знакомому прошлому.

В то время как некоторые американские художники восприняли лишь поверхностные эффекты импрессионизма, просто чтобы приспособиться к меняющемуся вкусу коллекционеров, многие из них разделяли убеждение французских импрессионистов в том, что современная жизнь должна быть запечатлена в ярком современном стиле. Их работы, как и работы их французских коллег, кажутся пронизанными не только светом и цветом, но и значениями, присущими изображаемым ими предметам. Некоторые были очарованы энергией городской жизни, откликаясь на фрагментарный опыт, отмеченный эпохой, в быстро визуализируемых виньетках. Чайлд Гассам, например, уловил колорит характерных районов Нью-Йорка и Парижа. Но большинство американских импрессионистов предпочитали изображать сельскую местность, в которую уходили такие же горожане, как они сами, и их покровители. Многие отдавали предпочтение колониям художников, особенно тем, архитектура и деятельность которых напоминали о более спокойной эпохе. В Англии, например, Сарджент нашел передышку от портретной студии, рисуя пасторальные сцены на Бродвее, в очаровательной деревне в Котсуолдсе. Импрессионисты-репатрианты основали и часто посещали такие же живописные колонии: острова Шолс у побережья Нью-Гэмпшира, где рисовал Хассам, и Саутгемптон, штат Нью-Йорк, где преподавал и работал Чейз. Некоторые американские импрессионисты работали в одиночку в других характерных сельских районах. Твахтман нашел вдохновение на своей ферме в Гринвиче, штат Коннектикут.

Виньетки из бытовой жизни также занимались американскими импрессионистами. Кассат, Эдмунд Тарбелл, Фрэнк У. Бенсон и другие часто изображали женщин и детей в спокойных интерьерах и садах, которые игнорировали или отрицали эпохальные изменения, происходящие за их стенами.

Многие американские художники работали в импрессионистском стиле до 1920-х годов, но новаторство уже давно пошло на убыль. К 1910 году появился менее благородный подход городских реалистов, известный как школа ашкан. В 1913 году огромная выставка авангардного европейского искусства на Оружейной выставке заставила даже школу Ашкан показаться старомодной. Тем не менее, ориентация американских импрессионистов на знакомые сюжеты и быструю технику оставила неизгладимый след в американской живописи. Их работы свидетельствуют об опыте их создателей за границей и дома и предлагают дразнящие размышления о динамичном периоде, а также очаровательные записи цвета и света.

---

Цитата

Вайнберг, Х. Барбара. «Американский импрессионизм». В Хайльбрунн Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/aimp/hd_aimp.htm (октябрь 2004 г.)

Дальнейшее чтение

Гердтс, Уильям Х. Американский импрессионизм . 2-е изд. Нью-Йорк: Abbeville Press, 2001.

.

Вайнберг, Х. Барбара, Дорин Болджер и Дэвид Парк Карри. Американский импрессионизм и реализм: картина современной жизни, 1885–1915 гг. . Каталог выставки. Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 1994. См. в MetPublications

.

Дополнительные эссе Х. Барбары Вайнберг

• Вайнберг, Х. Барбара. «Уильям Меррит Чейз (1849–1916)». (июль 2011 г.)
• Вайнберг, Х. Барбара. «Джон Сингер Сарджент (1856–1925)». (октябрь 2004 г. )
• Вайнберг, Х. Барбара. «Американские сцены повседневной жизни, 1840–1910». (сентябрь 2009 г.)
• Вайнберг, Х. Барбара. «Американцы в Париже, 1860–1819 гг.00». (октябрь 2006 г.)
• Вайнберг, Х. Барбара. «Чайлд Хассам (1859–1935)». (октябрь 2004 г.)
• Вайнберг, Х. Барбара. «Джеймс Макнил Уистлер (1834–1903)». (апрель 2010 г.)
• Вайнберг, Х. Барбара. «Мэри Стивенсон Кассат (1844–1926)». (октябрь 2004 г.)
• Вайнберг, Х.

  No related posts.