Импрессионизма черты: что такое импрессионизм, особенности и техника направления, история. Самые известные художники-импрессионисты — Мане, Моне, Дега, Ренуар, Сислей и другие — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

«Каковы характерные особенности импрессионизма в живописи?» — Яндекс Кью

Русский импрессионизм.

Особенности импрессионизма и его влияние на русскую живопись

Импрессионизм — чисто французская история с конкретными временем, местом, именами, общими стилистическими особенностями. Можно ли называть «русскими импрессионистами» художников, работавших с конца 19 века до советских времен, да еще и в разной манере? Что их объединяет?

Давайте разбираться 👇

🚂 Первая выставка импрессионистов прошла в 1874 году. За год до этого в Париж приехали два пенсионера Императорской академии искусств — Василий Поленов и Илья Репин и пробыли там до 1876 года. Репину парижское искусство в целом не понравилось, но импрессионистов он выделял как что-то новое и интересное.

🔜 В это время в России зарождалась школа национального искусства, начиналось движение передвижников. В обществе царили другие настроения: пока французы были готовы любоваться природой, прудами и парижскими кафе, художники в России хотели воспитывать, обучать, менять реальность, которая их не устраивала.

🎨 Перенимать импрессионизм в чистом виде в России было не интересно и не актуально, но к 1880-м он стал влиять на всю школу русской живописи:

▪️ Цвет. Передвижники подняли новые актуальные темы, но поначалу их живопись была достаточно академичной. «Бурлаки на Волге» Репина желтоваты, не чувствуется простора, Волга показана довольно условно. На более поздних пейзажах Левитана Волга уже дышит, есть ощущение живой природы. Палитра осветляется, появляется много белого, новых оттенков.

▪️ Пленэр. У русских художников довольно рано появилось понимание, что природу надо писать на природе. Уже на картине 1871 года «Грачи прилетели» мы видим, что Алексей Саврасов придумал ее не в студии, делал этюды на местности — хотя визуально это еще не импрессионизм. Однако после знакомства с открытиями французских импрессионистов пленэр становится культом и для русских художников.

▪️ Отказ от контуров. Русские художники начали лепить объем цветом, как импрессионисты. При этом если, например, у Моне предмет будто растворяется в пространстве, в русском импрессионизме он остается весомым.

▪️ Этюдность. Русские импрессионисты первого поколения (Коровин, Серов) не работали в классической французской технике — смешение красок на холсте. Однако для них было важно передать ощущение свежести, жизни, «не засушить» своих работ. Поэтому они стремились показать «внутреннюю кухню» художника: как ложится краска, какие остаются следы от кисти. Картины носили этюдный характер, за что поначалу авторов обвиняли в лени: якобы они не хотели доводить начатую работу до конца. Отсюда главный признак русского импрессионизма — картины, похожие на этюды, с длинными, активными, трепетными мазками.

❓ Этюдный подход высветил важную проблему искусствоведения — «non finito», или незаконченности. Если работа выглядит недоработанной, то в какой момент художник может считать ее завершенной? В классической живописи с детальной проработкой полотна такого вопроса не стояло.

🔀 В чем отличие русских импрессионистов:

▪️ Психологизм. В портретах фигура человека, его одежда, интерьер могут быть показаны условно, но лицо всегда сохраняет весомую портретность.

▪️ Деревенский характер. Французский импрессионизм — это или городская жизнь с оживленными улицами и кафе, или прогулки на природе. Русский часто изображает менее динамичные деревенские пейзажи.

▪️ Композиция. Фрагментарных, не академических композиций и как бы случайных ракурсов немного по сравнению с более привычными композициями, особенно на начальных этапах.

🖼 Искусствоведы до сих пор спорят о термине «русский импрессионизм». Как бы то ни было, с 2014 года в Москве работает Музей русского импрессионизма, чьи выставки пользуются неизменным успехом.

Морис Равель | Биография, музыка, болеро, композиции и факты

Морис Равель

Смотреть все медиа

Дата рождения:: 7 марта 1875 г. Франция (День рождения через 6 дней)

Умер:: 28 декабря 1937 г. (62 года) Париж Франция

Известные работы:: «Болеро» «Ребенок и чары»

Механизм/стиль:: Импрессионизм

Просмотреть весь связанный контент →

Резюме

Прочтите краткий обзор этой темы

Морис Равель , полностью Жозеф-Морис Равель (родился 7 марта 1875, Сибур, Франция — умер 28 декабря 1937, Париж), французский композитор швейцарско-баскского происхождения, известный своим музыкальным мастерством и совершенство формы и стиля в таких произведениях, как Bolero (1928),

Pavane pour une infante défunte (1899; Pavane for a Dead Princess ), Rapsodie espagnole (1907), балет Daphnis et Chloé (первое исполнение) и опера L’Enfant et les sortilèges (1925; Ребенок и чары ).

Равель родилась в деревне недалеко от Сен-Жан-де-Люз, Франция, в семье швейцарца и матери-баски. Его семейное происхождение было артистичным и культурным, и молодой Морис получил всяческую поддержку от своего отца, когда его музыкальный талант проявился в раннем возрасте. В 1889 г., в 14 лет он поступил в Парижскую консерваторию, где оставался до 1905 года. В этот период он написал некоторые из своих самых известных произведений, в том числе Павана для мертвой принцессы , , Сонатина для фортепиано и Струнный квартет. Все эти работы, особенно две последние, демонстрируют удивительное раннее совершенство стиля и мастерства, которые являются отличительными чертами всего творчества Равеля. Он один из тех редких композиторов, чьи ранние произведения кажутся едва ли менее зрелыми, чем произведения его зрелости. Действительно, его неудача в Консерватории после трех попыток получить желанную Римскую премию за композицию (представленные им работы были сочтены ультраконсервативными членами жюри слишком «продвинутыми») вызвала нечто вроде скандала. Были опубликованы возмущенные протесты, а либерально настроенные музыканты и писатели, в том числе музыковед и писатель Ромен Роллан, поддержали Равеля. В результате директор консерватории Теодор Дюбуа был вынужден уйти в отставку, а его место занял композитор Габриэль Форе, у которого Равель училась композиции.

Викторина «Британника»

Музыка: правда или вымысел?

Равель ни в коем случае не был музыкантом-революционером. По большей части он был доволен работой в рамках установленных формальных и гармонических условностей своего времени, все еще твердо укорененных в тональности, то есть в организации музыки вокруг основных тонов. Тем не менее, его адаптация и манипулирование традиционной музыкальной идиомой были настолько личными и индивидуальными, что было бы справедливо сказать, что он выковал для себя собственный язык, который несет на себе печать его личности так же безошибочно, как любое произведение Баха или Шопена. В то время как его мелодии почти всегда модальны (то есть основаны не на общепринятой западной диатонической шкале, а на древнегреческих фригийских и дорийских ладах), его гармонии получают свой часто несколько кисловатый привкус из-за его пристрастия к «добавленным» нотам и неразрешенным апподжиатурам, или ноты, посторонние к аккорду, которые могут оставаться гармонически неразрешенными. Он обогатил фортепианную литературу серией шедевров, начиная с начала IX в.0041 Jeux d’eau (завершен в 1901 г.) и Miroirs 1905 г. до грозного Gaspard de la nuit (1908 г.), Le Tombeau de Couperin (1917 г.) и двух фортепианных концертов (1931 г.). Из его чисто оркестровых произведений наиболее известны Rapsodie espagnole и Bolero , демонстрирующие его непревзойденное мастерство в инструментальном искусстве. Но, пожалуй, самым ярким событием в его карьере стало сотрудничество с русским импресарио Сержем Дягилевым, для которого он написал шедевр «Русские балеты».0041 Daphnis et Chloé, и с французской писательницей Колетт, которая была либреттистом его самой известной оперы, L’Enfant et les sortilèges. Последняя работа дала Равель возможность проделывать хитроумные и забавные вещи с животными и неодушевленными предметами, которые оживают в этой сказке о колдовстве и волшебстве, в которой участвует непослушный ребенок. Единственным другим его оперным предприятием была его блестящая сатирическая L’Heure espagnole (впервые исполненная в 1911 году). Как автор песен, Равель добился больших успехов благодаря своему творческому «Истории природы», «Три стихотворения Стефана Малларме», и «Мадекассы песни» .

Жизнь Равель была в основном без происшествий. Он никогда не был женат и, хотя наслаждался обществом нескольких избранных друзей, вел жизнь полуотшельника в своем загородном убежище в Монфор-Л’Амори, в лесу Рамбуйе, недалеко от Парижа. В Первую мировую войну он недолго служил водителем грузовика на фронте, но напряжение было слишком велико для его хрупкого телосложения, и в 1919 году он был демобилизован из армии.17.

В 1928 году Равель отправился в четырехмесячное турне по Канаде и США и в том же году посетил Англию, чтобы получить почетную степень доктора музыки в Оксфорде. В том же году был создан Болеро в его первоначальной форме как балет с Идой Рубинштейн в главной роли.

Последние пять лет жизни Равеля были омрачены афазией, которая не только не позволяла ему написать еще одну ноту, но и лишала его способности говорить и лишала возможности даже подписаться своим именем. Возможно, настоящая трагедия его состояния заключалась в том, что его музыкальное воображение оставалось таким же активным, как и прежде. Операция по устранению закупорки кровеносного сосуда, снабжающего мозг, не увенчалась успехом. Равель был похоронен на кладбище Леваллуа, парижского пригорода, в котором он жил, в присутствии Стравинского и других выдающихся музыкантов и композиторов.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться сейчас

Для Равель музыка была своеобразным ритуалом, имеющим свои законы, проводимым за высокими стенами, отгороженными от внешнего мира и непроницаемыми для посторонних. Когда его русский современник Игорь Стравинский сравнивал Равеля с «самым совершенным из швейцарских часовщиков», он на самом деле превозносил те качества сложности и точности, которым сам придавал такое большое значение.

Ролло Х. Майерс

Импрессионизм: искусство и современность | Эссе | Метрополитен-музей

В 1874 году группа художников под названием «Анонимное общество художников, скульпторов, граверов и т. д.» организовала в Париже выставку, положившую начало движению под названием импрессионизм. Среди его основателей были Клод Моне, Эдгар Дега и Камиль Писсарро. Группа была объединена только своей независимостью от официального ежегодного Салона, для которого жюри художников из Академии изящных искусств отбирало работы и награждало медалями. Самостоятельные художники, несмотря на разные подходы к живописи, предстали перед современниками как группа. В то время как консервативные критики раскритиковали их произведение за незаконченный, похожий на набросок вид, более прогрессивные писатели хвалили его за изображение современной жизни. Эдмон Дюранти, например, в своем эссе 1876 г. La Nouvelle Peinture (Новая живопись) описали свое изображение современного предмета в подходящем новаторском стиле как революцию в живописи. Коллектив экспонентов избегал выбора названия, которое подразумевало бы единое движение или школу, хотя некоторые из них впоследствии приняли имя, под которым они в конечном итоге стали известны, — импрессионисты. Их работы сегодня известны своей современностью, воплощенной в отказе от устоявшихся стилей, включении новых технологий и идей и изображении современной жизни.

Картина Клода Моне « впечатление», «Восход солнца » (Музей Мармоттана Моне, Париж), выставленная в 1874 году, дала импрессионистскому движению свое название, когда критик Луи Леруа обвинил его в том, что это эскиз или «впечатление», а не законченная картина. Он демонстрирует приемы, принятые многими независимыми художниками: короткие ломаные мазки, которые едва передают формы, чистые несмешанные цвета и акцент на эффектах света. Вместо нейтрального белого, серого и черного импрессионисты часто изображали тени и блики в цвете. Свободная манера письма художников создает эффект спонтанности и непринужденности, которые маскируют их часто тщательно выстроенные композиции, как, например, в картине Альфреда Сислея 1878 года 9. 0041 Аллея каштанов (1975.1.211). Этот, казалось бы, непринужденный стиль стал широко признан даже в официальном Салоне как новый язык для изображения современной жизни.

Помимо своей радикальной техники, яркие цвета полотен импрессионистов шокировали глаз, привыкший к более сдержанным краскам академической живописи. Многие независимые художники предпочли не наносить толстый золотой лак, который художники обычно использовали для смягчения своих работ. Сами краски также стали более яркими. В девятнадцатом веке были разработаны синтетические пигменты для художественных красок, обеспечивающие яркие оттенки синего, зеленого и желтого, которые художники никогда раньше не использовали. Эдуард Мане 1874 9Например, модель 0041 Boating (29.100.115) отличается простором нового лазурно-синего цвета и синтетического ультрамарина. Модный канотье и его спутница, изображенные в радикально укороченной композиции в японском стиле, воплощают современность в своей форме, сюжете и самих материалах, использованных для их рисования.

Такие образы пригородного и сельского отдыха за пределами Парижа были популярным сюжетом для импрессионистов, в частности Моне и Огюста Ренуара. Некоторые из них жили в деревне часть или весь год. Новые железнодорожные линии, расходящиеся от города, сделали путешествия настолько удобными, что парижане буквально каждые выходные выезжали за город. В то время как некоторые из импрессионистов, такие как Писсарро, сосредоточились на повседневной жизни местных жителей Понтуаза, большинство предпочитало изображать сельские развлечения отдыхающих. Излюбленными мотивами стали лодочные и купальные заведения, процветавшие в этих регионах. В своем 1869 г. La Grenouillère (29.100.112), например, характерный свободный стиль живописи Моне дополняет досуг, который он изображает. Пейзажи, которые занимают видное место в искусстве импрессионистов, также были обновлены с помощью новаторских композиций, световых эффектов и использования цвета. Моне, в частности, подчеркивал модернизацию пейзажа, включая железные дороги и фабрики, признаки посягательства на индустриализацию, которые казались бы неуместными барбизонским художникам предыдущего поколения.

Возможно, главным местом современности в конце девятнадцатого века был сам город Париж, отреставрированный между 1853 и 1870 годами при императоре Наполеоне III. Его префект, барон Османн, разработал планы по сносу старых зданий, чтобы создать больше открытого пространства для более чистого и безопасного города. Его новому облику также способствовала осада Парижа во время франко-прусской войны (1870–1871 гг.), которая потребовала восстановления разрушенных частей города. Импрессионисты, такие как Писсарро и Гюстав Кайботт, с энтузиазмом рисовали обновленный город, используя свой новый стиль для изображения его широких бульваров, скверов и величественных зданий. В то время как одни сосредоточились на городских пейзажах, другие обратили внимание на жителей города. Взрыв населения Парижа после франко-прусской войны дал им огромное количество материала для сцен городской жизни. Характерной чертой этих сцен было смешение социальных классов, которое происходило в общественных местах. Дега и Кайботт сосредоточились на рабочих, включая певцов и танцоров, а также на рабочих. Другие, в том числе Берта Моризо и Мэри Кассат, изображали привилегированные классы. Импрессионисты также рисовали новые формы досуга, в том числе театральные представления (например, Кассат 1878 года 9).0041 В Ложе [Музей изящных искусств, Бостон]), кафе, популярные концерты и танцы. Используя подход, подобный писателям-натуралистам, таким как Эмиль Золя, художники городских сцен изображали мимолетные, но типичные моменты жизни персонажей, за которыми они наблюдали. Картина Кайботта 1877 Paris Street, Rainy Day (Институт искусств, Чикаго) иллюстрирует, как эти художники отказались от сентиментальных изображений и явных повествований, приняв вместо этого отстраненный, объективный взгляд, который просто предполагает, что происходит.

В ходе восьми выставок, организованных в период с 1874 по 1886 год, состав независимого коллектива менялся, а количество художников-участников варьировалось от девяти до тридцати. Писсарро, старший, был единственным художником, участвовавшим во всех восьми выставках, а Моризо участвовал в семи. Идеи для независимой выставки обсуждались еще в 1867 году, но вмешалась франко-прусская война. Художник Фредерик Базиль, руководивший работами, погиб на войне. Последующие выставки возглавляли разные художники. Философские и политические разногласия между художниками приводили к горячим спорам и расколам, вызывая колебания среди участников. На выставки были включены даже работы более консервативных художников, которые просто отказывались представлять свои работы на суд жюри Салона. В независимых выставках также участвовали Поль Сезанн и Поль Гоген, чьи более поздние стили выросли из их ранней работы с импрессионистами.

Последняя из самостоятельных выставок 1886 года также ознаменовала начало нового этапа в авангардной живописи. К этому времени немногие из участников работали в узнаваемой импрессионистской манере. Большинство основных участников разрабатывали новые, индивидуальные стили, которые нарушали хрупкое единство группы. Писсарро способствовал участию Жоржа Сёра и Поля Синьяка, а также принял их новую технику, основанную на точках чистого цвета, известную как неоимпрессионизм. Молодой Гоген совершал набеги на примитивизм. Зарождающийся символист Одилон Редон также внес свой вклад, хотя его стиль отличался от стиля любого другого участника. Из-за стилистической и философской раздробленности группы, а также из-за потребности в гарантированном доходе некоторые из ее основных членов, такие как Моне и Ренуар, выставлялись в местах, где их работы с большей вероятностью продавались.

Его многогранность и разнообразие участников затрудняют определение импрессионистского движения. Действительно, его жизнь кажется такой же мимолетной, как и световые эффекты, которые он стремился уловить. Тем не менее, импрессионизм был движением с непреходящими последствиями, поскольку его принятие современности сделало его трамплином для более позднего авангардного искусства в Европе.

Цитата

Саму, Маргарет. «Импрессионизм: искусство и современность». В г. Хайльбрунн Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/imml/hd_imml.htm (октябрь 2004 г.)

Дополнительное чтение

Бомфорд, Дэвид и др. Искусство в процессе создания: импрессионизм . Каталог выставки. Нью-Хейвен и Лондон: Национальная галерея, 1990.

Герберт, Роберт Л. Импрессионизм: искусство, досуг и парижское общество . Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета, 1988.

Дом, Джон. Моне: природа в искусстве . Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 1986.

Моффет, Чарльз С. и др. Новая живопись: импрессионизм 1874–1886 гг. . Сан-Франциско: Музеи изящных искусств Сан-Франциско, 1986.

Ночлин, Линда, изд. Импрессионизм и постимпрессионизм, 1874–1904 гг.: источники и документы . Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл, 1966.