Архитектура Барокко — МХК — Презентации
Архитектура барокко
Выполнил: студент 3 курса
32 группы
Боков Артем
Характерные черты архитектуры барокко
… Но перед красотой и зданья и фасада
Померкли и фонтан, и мрамор, и ограда,
… В орнаменте витом увидишь тут и там
Победоносный шлем и вазы фимиам,
Колонны, капитель, пилястры и аркады
Увидишь всюду ты, куда ни кинешь взгляды,
Амуры, вензеля, вплетенные тайком,
И головы ягнят, увитые шнурком,
И статую найдешь в великолепной нише,
В узорах и резьбе карниз под самой крышей…
Перевод Е. Тархановской
Так описывал свои впечатления от архитектуры барокко французский поэт XVII в.
Жорж де Сюдери. Обилие пышных декоративных украшений, подчеркнутая театральность, искажение классических пропорций, оптический обман, преобладание сложных криволинейных форм действительно создавали особый неповторимый облик архитектурных строений барокко.
БАРОККО ( итал. Barocco, буквально — причудливый, вычурный), стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.
Самые значительные перемены коснулись оформления фасадов зданий. На смену согласованности и пропорциональности приходят диссонанс и асимметрия. Глядя на фасад, перестаешь понимать, где же находится стена – главная опора здания. Плоские пилястры уступают место колоннам и полуколоннам. Установленные на высокие пьедесталы, они то собираются в группы, образуя пучки, то «разбегаются» вдоль фасада, вознося к небу замершие в беспокойном движении статуи на балюстраде крыши.
« Для барокко характерна сложность не только архитектурной пластики, но и пространственных построений. Если в Ренессансе планы помещений имеют четкую геометрическую форму – круг, квадрат, прямоугольник, то излюбленная форма барокко – овал, дающий некоторую неопределенность общей форме пространственного объема. Часто конфигурация плана очерчена прихотливыми изгибами линий, выпуклостями и вогнутостями стен, усложнена дополнительными примыканиями соседних соподчиненных объемов… В архитектуре барокко возобладали неумеренная декоративность, тяжеловесная роскошь. Причудливые формы, обилие скульптуры, использование насыщенного цвета и позолоты должны были усиливать выразительность архитектуры, производить впечатление богатства и парадности» (
Пилястры – плоский вертикальный выступ прямоугольного сечения на поверхности стены или столба. Пилястра имеет те же части (ствол, капитель, база) и пропорции, что и колонна; служит для членения плоскости стены .
Картуши – украшение в виде щита или полуразвернутого свитка, на котором изображены герб, эмблема, надпись
Фронтон — завершение (обычно треугольное) фасада здания, портика, колоннады, ограниченное двумя скатами крыши по бокам и карнизом у основания.
Шедевры итальянского барокко. Лоренцо Бернини
Характерные черты итальяноского барокко нашли наиболее яркое воплощение в творчестве двух зодчих, создавших целую эпоху в развитии архитектуры, — Франческо Борромини и Лоренцо Бернини.
В создании криволинейных, изгибающихся поверхностей и прихотливых геометрических сочетаний Франческо Борромини не знал равных. Церковь Сант Аньезе на площади Навона в Риме – одно из лучших творений архитектора. Плавно изгибающийся фасад церкви украшает величественный купол, помещенный на высоком барабане. Стены церкви как будто растворяются в игре светотени, в выступах и проемах.
Франческо Барромини. Церковь Сант Аньезе. 1653 г. Рим.
- Борромини по возможности избегает прямых линий — вертикальных или горизонтальных, а также прямых углов. Предпочтение отдается сложным изогнутым планам
Франческо Борромини Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане, (1634-67, Сант-Иво, 1642-60, в Риме).
- Не менее эффективен и интерьер собора, отличающийся изощренностью лепных украшений, многокрасочностью декоративных росписей, цветных мраморных колонн.
- Франческо Борромини. Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане, (1634-1667, Сант-Иво, 1642-1660, в Риме).
- Франческо Борромини Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане, (1634-1667, Сант-Иво, 1642-1660, в Риме). Фрагмент, фасад.
Главным архитектурным творением Лоренцо Бернини стало оформление площади перед собором Святого Петра. Архитектору предстояло решить сразу несколько задач: создать торжественный подход к главному храму католического мира, добиться впечатления единства площади и собора. Пространство перед храмом он превратил в единый ансамбль из двух площадей. Первая — в форме трапеции, а вторая в излюбленной форме барокко – овале. Она обращена к городу и обрамлена величественной колоннадой, которая легко и изящно охватывала площадь.
Лоренцо Бернини. Рим. Фонтан Нептуна на площади Навона .
Лоренцо Бернини. Фонтан Четырех рек на площади Навона. 1648-1651.
Аллегорические фигуры изображают самые большие реки континентов — Нил, Дунай, Ганг и Рио-де-ла-Плата (Амазонка тогда была неизвестна). Покрывало на голове Нила символизирует таинственность его истока, который в то время еще не открыли. Расположение фигур фонтана породило легенду о поединке между гениями эпохи барокко — Бернини и Борромини: будто бы Ла Плата Бернини загораживается рукой, чтобы не видеть церковь — «ужасное» творение Борромини. На самом деле фонтан построен гораздо раньше, чем церковный фасад. По проекту Бернини создан и фонтан Мавра, один из двух фонтанов, расположенных по краям площади. Другой фонтан в оригинале состоял лишь из одного бассейна, к которому в конце 19 в. добавили скульптуру — так возник фонтан Нептуна.
Со 2-й половины 1650-х гг. Бернини вновь работает в соборе Святого Петра, создает здесь бронзовую «кафедру св. Петра» (1656-1665), украшенную статуями отцов Церкви и ангелов,
« Дивное узорочье» московского барокко
Стремление к парадности и богатству внешнего убранства архитектурных сооружений было чрезвычайно характерно для России.
- Блестящим образцом нарышкинского барокко является церковь Покрова в Филях. Она стоит на невысоком холме, над речным берегом, повторяя себя причудливым отражением в воде. Храм имеет высокий и просторный подклет ( ПОДКЛЕТ, в русской каменной и деревянной архитектуре нижний этаж жилого дома или храма, обычно имеющий служебно-хозяйственное назначение), на арках которого расположена терраса с тремя плавными лестничными маршами. Главный объем здания окружен полукруглыми пределами, каждый из которых увенчан золотой главой. Переход от четверика к восьмерику выполнен настолько плавно и умело, что зритель не сразу замечает смену архитектурных членений. Карниз и резные белокаменные украшения естественно продолжают тройные капители угловых колонок.
Церковь Покрова в Филях. 1693-1694. Москва.
- К уникальным сооружениям московского барокко следует отнести и церковь Троицы в Никитниках, построенную по заказу купца Григория Никитникова – выходца из Ярославля. Храм, поставленный на высоком холме в центре города, господствовал над окружающей застройкой, выделяясь сложностью силуэта. Яркая раскраска фасадов, сочная пластика белокаменного и кирпичного декора, многоцветные изразцы вместе с живописной асимметрией композиции привлекли к себе внимание горожан.
Церковь Троицы в Никитниках. 1631-1634 гг. Москва.
Церковь Троицы в Никитниках. 1631-1634 гг. Москва.
Плоскость стены почти исчезла за обилием карнизов, пилястр, полуколонн, наличников и порталов. Храм венчали декоративное пятиглавие и три ряда кокошников, придающих особую праздничную торжественность.
- Церковь Знамения Богородицы в Дубровицах считается вершиной московского барокко. Полукружия стен завершаются треугольным резным фронтоном, украшенным колонками и волютами. Восьмигранная трехъярусная башня превращена в каменное кружево. Церковь увенчана куполом с ажурной позолоченной короной и сквозным крестом.
Церковь Знамения Богородицы в Дубровицах. 1690-1704. Москва.
Церковь Знамения Богородицы в Дубровицах. 1690-1704. Москва.
Церковь Знамения Богородицы в Дубровицах. 1690-1704. Москва.
Церковь во имя святителя Николая, возведена в одном из истинно московских старинных местностей: здесь в XVII в. на заливных лугах поселили хамовников – дворцовых ткачей, которые и дали название округе. Они и построили этот необычный по покраске храм. Для усиления колокольного звона она прорезана рядами проемов, так называемых слухов. Здание церкви – характерный тип посадского храма, один из ярких и превосходно сохранившихся образцов «нарышкинского барокко»
Церковь Николы в Хамовниках. XVII в. Москва.
Церковь Николы в Хамовниках. XVII в. Москва.
Архитектурные творения В.В.Растрелли
В середине XVIII столетия искусство барокко в России достигло наивысшего расцвета. Развивая лучшие национальные традиции, архитекторы все чаще обращались к европейскому художественному наследию. Пышная архитектура барокко распространялась по всей России. Самые яркие творения зодчества были сосредоточены в новой столице Российского государства – в Санкт-Петербурге.
Значительный вклад в развитие национальной архитектуры внес Варфоломей Варфоломеевич (Бартоломео Франческо) Растрелли (1700-1771) – сын скульптора Б.К.Растрелли, итальянец по происхождению, родившийся во Франции. Получив образование за границей, он затем работал только в России, ставшей его второй родиной.
Все что было им построено в России, вызывало восхищение и восторженные оценки современников. Поэт А.Д.Кантемир (1708-1744) писал о творениях выдающегося зодчего:
«Граф Растрелли… искусный архитектор. Инвенции его в украшении великолепны, вид здания его казист, одним словом, может увеселиться око в том, что он построил».
В.В. Растрелли. Портрет.
Творчество Растрелли составило целую эпоху русской архитектуры — «елизаветинское барокко».
- Лучшие произведения Растрелли – Андреевская церковь в Киеве, дворцы в пригородах Санкт-Петербурга – Петергофе и Царском Селе, дворцы Строганова и Воронцова, собор Смольного монастыря и Зимний дворец в Санкт-Петербурге.
- В.В.Растрелли. Андреевская церковь. 1749-1759 гг. Киев.
- Собор Смольного монастыря был заказан мастеру императрицей Елизаветой Петровной. Традиционное русское пятиглавие, воплощенное в вычурных формах барокко, здесь органично сливалось с основным объемом здания. Средняя глава собора представляет собой высокий двусветный купол, увенчанный луковичной главкой на световом барабане. Четыре угла в виде высоких двухэтажных башен, почти вплотную прижатые к центральному куполу, придают пятиглавию удивительную монолитность и мощь. Уже после смерти Растрелли другой выдающийся архитектор – представитель раннего классицизма Джакомо Кваренги – всякий раз проходя мимо Смольного собора почтительно снимал шляпу и восклицал: «Вот это церковь!»
- В.В.Растрелли. Собор Смольного монастыря. 1748-1760 гг. Санкт –Петербург.
Самое блестящее творение Растрелли, украшающее центр города на Неве, — Зимний дворец, в котором в наше время расположен всемирно известный художественный музей Эрмитаж. Архитектура Зимнего дворца – это настоящий гимн эпохе русского барокко. Фасад, выходящий на набережную Невы, был рассчитан на обозрение издали. Фасад, выходящий к Адмиралтейству, ориентирован на парадную Дворцовую площадь, обращенную к городу. Дворец имел более 1050 помещений и комнат, 1886 дверей, 1945 окон и 177 лестниц. Общая протяженность фасадов дворца составляет 210 м!
- В.В.Растрелли. Посольская лестница в Зимнем дворце. 1754 – 1762 гг. Санкт-Петербург.
Главный подъезд был расположен в северном корпусе: к нему торжественно подъезжали кареты императрицы и ее гостей. Через огромную галерею они поднимались по ослепительно прекрасной Посольской лестнице с верхней площадки которой открывался вход в парадные залы дворца.
- В.В.Растрелли. Екатерининский дворец. (Главный вход).
- В.В.Растрелли. Екатерининский дворец. (Фасад)
зарождение архитектурного стиля барокко | Рефераты Литература
Скачай зарождение архитектурного стиля барокко и еще Рефераты в формате PDF Литература только на Docsity! Архитектура барокко Эпоха расцвета барокко определяется двумя веками – между концом XVI и концом XVIII веков. Барокко был зарожден в Италии. Историю названия связывают с португальскими моряками, которые словом barocco обозначали бракованные жемчужины неправильной формы. Итальянцы охотно переняли термин, объединив им вычурные и странные проявления нового культурного течения. И вскоре барокко охватил большинство стран Европы и Америки. Главными чертами этого стиля стали напряжённость, гигантизм и эмоциональная насыщенность. Сложная геометрия, неожиданные световые эффекты, разнообразие сложных узоров и пышного декора, где вогнутые, искривленные пространства криволинейны и перетекают друг в друга, в планах преобладают эллипсы и прямоугольники. В дизайне фасадов широко используется раскреповка, когда часть стены выставляется чуть вперед или наоборот заглубляется вместе со всеми элементами. Получается чередование выпуклых и вогнутых секций с эффектом пространственной иллюзии. Также более выразительной фасадную композицию делают всевозможные эркеры, башни и балконы. Отличительный признак барочных зданий – сознательное нарушение пропорций в античной ордерной системе. Части ордера растягиваются, накладываются друг на друга, скручиваются; прежде гармоничная структура приобретает массивность и рваный ритм. К основным чертам барокко относят также чрезмерное украшательство, дававшее немало поводов для обвинений в безвкусице. В оформлении интерьеров в стиле барокко используется скульптура, резной орнамент, роспись, зеркала, массивные колонны и лестницы. Стремление к гигантизму проявляется в тяжеловесной мебели, огромных шкафах, лестницах. За счет чередования освещенных и затененных зон, настраиваемого бокового освещения мастера создавали оптические эффекты расширения пространства. Золотистые, голубые, розовые цвета – всё это создает ощущение иллюзорности и постоянной изменчивости окружающего мира. Из материалов применяется травертин, доломит, мрамор, базальт. Одним из архитектурных построек в стиле барокко является площадь перед собором Святого Петра, которую создал Лоренцо Бернини. Это самый крупный архитектурный ансамбль Италии XVII века, в 1656-1663 годах он оформил площадь перед собором огромной колоннадой. Бернини организует две площади: первая – в форме трапеции, оформлена галереями, отходящими прямо от стен собора. Вторая выполнена в излюбленной форме барокко – овале. Она обращена к городу и обрамлена величественной колоннадой. Форма овала, излюбленная зодчими барокко, создавала ощущение неустойчивости, подвижности, в какой-то мере неопределенности: ракурсы меняются в зависимости от положения зрителя. Это повышало декоративный эффект. Вместе с тем сами колоннады, созданные путем применения тосканского ордера, чрезвычайно монументальны: огромные стволы поддерживают упруго изгибающуюся ленту антаблемента, выше которой в четком ритме — 96 статуй святых. С помощью приема иллюзорной перспективы собор издали кажется меньше, чем на самом деле, долго остается как бы того же размера, а затем скачком вырастает вдруг до огромных размеров. Центр площади отмечен египетским обелиском, с двух сторон от которого расположены фонтаны, фиксирующие ее поперечную ось.
Десять лучших произведений музыки барокко, когда-либо написанных: Интерлюдия
Музыканты эпохи барокко
Я знаю, что это абсолютно субъективно, но лично для меня период музыки барокко породил одни из самых напряженных, драматичных, преданных, привлекательных и просто самая красивая музыка, которую только можно представить. В школе нам всем говорят, что период музыки барокко приходится на период между 1600 и 1750 годами. «Барокко» — это очень общий и относительно недавний термин, принятый для этого исторического периода. И хотя никакая эра не начинается и не заканчивается ровно в полночь, годы закладок обозначают важные вехи.
Иоганн Себастьян Бах
1600 год был наполнен дискуссиями о «новой музыке» и прокладыванием пути к тому, что было, вероятно, самым важным музыкальным достижением эпохи барокко; изобретение оперы. Между тем 1750 год знаменует собой смерть Иоганна Себастьяна Баха, невероятно гениального композитора, который «умел обозреть и свести воедино основные стили, формы и национальные традиции, сложившиеся в предшествующих поколениях и благодаря своему синтезу обогатившие торговый центр.» Для многих профессионалов и слушателей, включая меня, Бах был величайшим композитором всех времен. Не знаю, согласны вы со мной или нет, но примерно 150 лет эпохи барокко принесли нам вокальную музыку большой драматической силы и религиозной преданности, наряду с появлением инструментальных сонат, концертов и сборников танцев. Есть так много всего, что можно исследовать, поэтому вот небольшой обзор лучших произведений в музыке барокко.
Claudio Monteverdi:
L’incoronazione die Poppea , «Pur ti miro»Giulio Caccini
Когда мы говорим о лучших и самых оригинальных музыкальных идеях, вытекающих из эпохи барокко, опера должна быть логической отправной точкой. Все началось во Флоренции, Италия, с группы писателей, художников и музыкантов, которые предположили, что музыка должна усиливать эмоциональную силу текста. Композитор Джулио Каччини пишет: «Имитация смысла слов должна искать более или менее страстные аккорды». Такой эмоциональный стиль — кажется, его называли репрезентативным стилем — состоит из мелодии, которая свободно движется по основанию из очень простых аккордов.
Берндардо Строцци: Клаудио Монтеверди (ок. 1630)
Это было идеально для выражения смысла короткого текста, например стихотворения, но вскоре они решили, что его можно применить ко всей драме. И это была очень короткая версия того, как появилась опера. Вскоре в концепцию оперы вошли речитативы для развития сюжета и действия, большие лирические и высокоэмоциональные арии, различные ансамбли, спроектированные на фоне пышных зрелищ и сценических представлений. Просто послушайте, как Клаудио Монтеверди (1567-1643) использует диссонанс и инструментальный колорит для создания драматизма, выразительности, атмосферы и напряжения. И, как вы можете слышать из представленного отрывка, «отец оперы» Монтеверди несет ответственность за то, чтобы любовный дуэт стал центральным компонентом оперы.
Иоганн Себастьян Бах:
Бранденбургский концерт № 2 фа мажор, BWV 1047Титульный лист Бранденбургского концерта
В музыке барокко контраст был важным элементом выразительности, как и единство. На первый взгляд в этом нет особого смысла, если только не вспомнить одно из самых любимых изобретений эпохи барокко — концерт. Композиторы музыки эпохи барокко, по сути, изобрели два разных типа: концерт для сольных инструментов и инструментальную группу для аккомпанемента. Другой тип называется «Concerto Grosso» и отличается контрастом между небольшой группой инструментов и большей группой. В конце барокко Concerto Grosso состоял из трех частей и был описан как «огонь и ярость итальянского стиля». Сегодня это можно было бы назвать культурным присвоением, но стиль концерта распространился по Европе со скоростью лесного пожара и попал в руки Иоганна Себастьяна Баха (1685-1750). Во 2-м Бранденбургском концерте, действительно моем любимом на все времена, сольная группа состоит из трубы, блокфлейты, гобоя и скрипки, в основном инструментов в более высоком регистре. Большая группа включает в себя первую и вторую скрипки, альты и контрабасы, а бассо континуо — я объясню вам позже, что это значит — играет виолончель и клавесин. Это один из самых великолепных образцов музыки барокко, прекрасно передающий дух времени.
Георг Фридрих Гендель:
Мессия , «Хор Аллилуйя»Церковь в стиле барокко в Германии
Оратории — это хоровые драмы, которые «воплощают великолепие барокко, с их парящими ариями, драматическими речитативами, грандиозными фугами и величественными ». Судя по этому описанию, это звучит как опера, однако между оперой и ораторией есть одно существенное различие; оратория не постановочная. Это было решение отцов церкви, так как католическая церковь строго запрещала ставить музыкальные театры во время Великого поста, так как этот период поста и молитвы якобы готовит верующих к празднованию Пасхи.
Джордж Фридрих Гендель
Помимо поста и подготовки, зрители по-прежнему хотели слушать оперную музыку, поэтому композиторы начали писать пьесы со священными диалогами и повествовательными медитациями. Как правило, основанное на библейском сюжете, действие описывалось с помощью рассказчика в серии речитативов и арий. И все это было очень умно, потому что эти «Оратории» содержали в себе все музыкальные элементы оперы, но не считались музыкальным театром; они действовали строго как концертные произведения. Георг Фридрих Гендель (1685-1759)) написал свою самую популярную ораторию «Мессия » в 1741 году. Либретто подразделяется на три части, а знаменитый хор «Аллилуйя» завершает вторую часть, которая подчеркивает Страсти и Воскресение Христово. Эмоциональное воздействие музыки захватывает дух, и Гендель явно сочинил одни из лучших произведений в стиле барокко.
Антонио Вивальди:
Четыре сезона , «Весна»Антонио Вивальди © art-prints-on-demand.com
Антонио Вивальди (1678-1741) был известен как «Красный священник», и он, известен своими концертами. Это неудивительно, поскольку, будучи скрипачом, он написал более 500 концертов. Такой формат, в котором солист выступает против аккомпанирующего инструментального коллектива, прекрасно подходил для экспериментов со звучностью и виртуозной игрой. Как и ожидалось, скрипка была предпочтительным сольным инструментом Вивальди, и вместе со многими коллегами он отвечал за освобождение инструментов «от их прежней зависимости от вокальной музыки». Вивальди берет все восхитительные и выразительные приемы, которые использовались для описания эмоций в ранней опере, и переносит их в инструментальную сферу. Вивальди, безусловно, наиболее известен своими Времена года , группа из четырех концертов для скрипки. Но не так-то просто однозначно отнести музыку к эмоциям и драматизму без текста. Чтобы исполнители и публика понимали, что происходит в музыке, Вивальди сопровождал каждый концерт стихотворением. Имейте в виду, он, вероятно, также писал свои собственные стихи. Каждая строка стихотворения была напечатана над определенным отрывком, а музыка пыталась отразить описываемое действие или смысл. Как это гениально! Так называемый «отец концерта» в основном создал программную музыку, а также кодифицировал трехчастную форму для сольных концертов. И просто послушайте восхитительные инструментальные припевы, в нашем отрывке все сыгранные на инструментах эпохи барокко.
Барбара Строцци:
Begli occhiЛютнист XVII века
Я посмотрела в словаре, и итальянское слово «cantare» в основном означает «петь». Именно это слово стало основой музыкального жанра, в котором используется один или несколько вокалистов-солистов с инструментальным сопровождением, и оно получило название «Кантата». Ранние формы кантат были светскими и основывались на одном из трех поэтических жанров. Лирический вид выражал личные эмоции и позволял музыке доминировать в истории; драматический тип написан для спектаклей в комедии или трагедии, а повествовательный тип стихотворения рассказывает историю, следуя за персонажами через сюжет. Одной из самых значительных фигур в этом жанре была певица Барбара Строцци.
Барбара Строцци
Она могла бы быть куртизанкой — высококультурной женщиной, развлекающей мужчин, и она абсолютно обладала художественными способностями этой конкретной профессии. Она была известной певицей, играла на лютне и даже писала собственные стихи. Современники высоко ценили ее музыкальные таланты, а голос ее «сравнивали с созвучиями сфер». В конце концов, Барбара Строцци была уникальной фигурой в эпоху раннего барокко, поскольку женщины «изображались либо святыми, либо грешницами, образами чистоты или зла». А сочинение было явно мужской сферой. Однако Барбара Строцци не только сочиняла, но и опубликовала множество собственных композиций. В показанной светской кантате мы находим много резких смен темпа и настроения. Пропетый диалог двух голосов повествует о горечи неразделенной любви, которую мы отчетливо слышим в резких диссонансах. Такого рода выразительная сила принадлежит лучшей музыке барокко.
Арканджело Корелли:
Трио-соната ре мажор , соч. 3, № 2Арканджело Корелли
Эпоха барокко славится раскрепощением инструментальной музыки. Впервые инструментальная музыка считалась столь же важной, как и вокал. Это также означает, что новые инструменты разрабатывались, а старые совершенствовались. А в инструментальной музыке Италии безраздельно властвовала скрипка. И именно в городе Кремона мы нашли самого известного скрипичного мастера, чьи имена мы легко узнаём и сегодня. Николо Амати, Антонио Страдивари и Джузеппе Гварнери положили начало золотому веку струнной музыки в Италии. В то время как знаменитые производители инструментов жили в Кремоне, город Болонья стал центром игры на скрипке. А с Болоньей в первую очередь связано имя композитора и скрипача Арканджело Корелли (1653-1713).
Ансамбль трио-сонаты
Он стал одним из самых популярных композиторов в самой популярной форме камерной музыки, так называемой «сонате». Его любимая инструментальная комбинация включала две скрипки и бассо континуо. Такого рода ноты печатались на трех нотоносцах и поэтому стали известны как «трио-сонаты». Но на самом деле требуется четыре исполнителя, так как бассо континуо одновременно играет басовую партию виолончелью или фаготом, а клавесин или органист реализуют указанную гармонию. «Трио-соната» обычно состояла из четырех частей, чередующихся медленно-быстро-медленно-быстро, а восхитительные модуляции в, казалось бы, бесконечных последовательностях стали очень любимой чертой музыки в целом.
François Couperin:
Troisième leçon de ténèbresFrançois Couperin
Как вы можете сказать, Италия доминировала на музыкальной и культурной сцене на протяжении большей части эпохи барокко. Однако оригинальная музыка была сочинена и в других частях Европы. Французские композиторы также культивировали инструментальную музыку, но предпочитали более интимные и придворные жанры. «Французскому вкусу также нравились роскошные балеты и особый стиль оперы, и у них были сильные традиции церковной музыки». Особенно яркая форма церковной музыки праздновалась за три дня до Пасхи. Названные службами «Tenebrae» — от латинского слова «тьма», Франсуа Куперен (169 г.3-1733) написал одно из величайших произведений во всей музыке барокко. Его Tenebrae Lessons сочетают в себе французские и итальянские музыкальные вкусы. «Из Италии пришла интенсивность выражения и ария в пении, а из французского происхождения — очень утонченная деликатность и богато украшенная мелодическая линия». Как пишет Куперен, «итальянский вкус и французский вкус долгое время были разделены в области музыки. Я всегда ценил то, что достойно ценности, независимо от автора или национальности».
Denis Gaultier:
Le tombeau de Monsieur de l’Enclos (Allemande)Танец в стиле барокко
Я просто обожаю танцевать, а музыкальное сопровождение танцев всегда было важным занятием для инструменталистов и исполнителей. В музыке барокко различные социальные танцы стали отделяться от самого танца и стали разновидностью самостоятельной инструментальной музыки. Однако «связь такой музыки с оригинальными танцами оставалась сильной, поскольку она влияла на темп, метр, характер и форму». Название танца обычно брали из социального танца, которому музыка стремилась подражать. Они, как правило, ссылались на характерные танцевальные шаги, такие как «Saltarello» (от итальянского «saltare» — «прыгать»), или предполагали географическое происхождение, такое как «Allemande» или «французский язык» для немецкого языка. Когда несколько танцев были соединены вместе, возник новый жанр «Сюита». Точное содержание сюит сильно различалось, но часто включает в себя общую последовательность аллеманды, куранты, сарабанды и жиги. Двумя любимыми инструментами для танцевальной музыки были клавесин и лютня. Лично я не могу насытиться играми на лютне, поскольку тонкость тона и фразировки на самом деле заставляет меня заново учиться слушать. Со временем «Сюиты» стали невероятно популярными и исполнялись практически на всех инструментах, включая оркестры и камерные ансамбли.
Генри Перселл:
Дидона и Эней , «Плач Дидоны»Дидона и Эней
Во всех смыслах опера Генри Перселла (1659-1695) Дидона и Эней вполне могла бы стать образцом для непрерывного и прочное присутствие английской оперы. Грубо основанный на « Энеиде » Вергилия, либреттист Нахум Тейт даже включил популярные элементы барочной оперы, в том числе охоту, колдунью и бурю. В партитуре всего четыре основные роли, а оркестр сведен к струнным и континуо. За прологом быстро следуют три коротких акта, а вся опера, включая танцы и хоры, длится всего шестьдесят минут. Несмотря на свою краткость, эта опера в миниатюре демонстрирует широкий спектр эмоционального содержания. И это, безусловно, отражает как «достижения английской театральной музыки, так и континентальные оперные влияния». К сожалению, ни один английский композитор в последующие два столетия не развил и не поддержал рецепт Пёрселла для самобытной и подлинной национальной оперной традиции, поскольку музыкальная сцена в Лондоне сходила с ума от итальянской оперы.
Коллаж из музыки и искусства эпохи барокко Стивена Луи © Cathay Pacific
Эпоха барокко была временем бурных перемен в политике, науке и искусстве. Она вела ужасные войны наряду с политическими и религиозными линиями, но в культурном отношении она была интернациональна. Национальные музыкальные стили, как мы видели и слышали, существовали, но без национализма. Фактически, с точки зрения музыки и искусства, между национальными культурами происходил свободный обмен. Как пишет историк, «чувственная красота итальянской мелодии, подчеркнутая точность французского танцевального ритма, пышность немецкой полифонии и свежесть английского хорального пения питали общеевропейское искусство, вобравшее в себя лучшее из каждого национального стиля. . В сочетании с живым интересом к отдаленным культурам и экзотическим местам этот невероятный период в истории западной культуры породил музыку, которая легко перетекала через национальные границы». Со всей политической ерундой, происходящей в 2022 году, я чувствую, что мы должны еще раз потребовать свободного глобального обмена музыкальными и художественными идеями; или, по крайней мере, иметь коммуникативную и научную свободу, которая допускает такую возможность.
Чтобы узнать больше о лучшем в классической музыке, в нашем электронном бюллетене
Иоганн Себастьян Бах:
Искусство фуги , BWV 1080 «Контрапунктус I»Концерт | Музыка 101
В эпоху барокко сочинялись два вида концертов: Concerto Grosso и Solo Concerto. Эта ссылка приведет вас к очень интересному обзору двух типов концертов. Несмотря на то, что этот сайт довольно лаконичен в своих письменных описаниях двух жанров, именно примеры прослушивания, встроенные в эту страницу, действительно помогают прояснить момент, который может сбить студентов с толку, когда они впервые сталкиваются с Concerto Grosso, а именно роли концертино и рипиено (также известный как тутти ). Эти примеры облегчат вам понимание разницы между меньшей и большей группами, которые обеспечивают контраст в концерте гроссо.
Вот одно пояснение к тому, что было сказано в конце связанной статьи: в нем упоминается, что Антонио Вивальди, о котором вы скоро прочтете, «написал много сольных концертов, в частности, для гобоя, флейты и фагота». У вас может сложиться впечатление, что основная часть его произведений была написана для этих инструментов. Это не относится к делу. Он написал более 500 концертов (соло и гроссо), 350 из которых были для сольных инструментов. Большинство из этих сольных концертов (230) были для скрипки соло, что неудивительно, учитывая, что Вивальди был скрипачом-виртуозом. Я думаю, что они упомянули эти дополнительные инструменты, потому что концертов для духовых инструментов написано относительно немного, поэтому его произведения для тех и других инструментов выделяются в литературе.
Concerto Grosso
Теперь давайте более подробно рассмотрим Concerto Grosso . Обратите внимание на важную роль, которую Корелли играет в развитии этого жанра, с которым хотели бы работать многие другие композиторы, и не меньше в общем стиле Корелли. Как и в случае с предыдущими жанрами, какое-то время существовало разделение на формы кьезы и камеры.
Введение
The Concerto Grosso (по-итальянски большой концерт (o) , множественное число Concerti Grossi ) — форма музыки барокко, в которой музыкальный материал передается между небольшой группой солистов ( Concertino ) и полным оркестром ( ripieno или Concerto Grosso ).
Форма разработана в конце семнадцатого века, хотя название поначалу не использовалось. Алессандро Страделла, кажется, написал первую музыку, в которой характерным образом сочетаются две группы разного размера. Это имя впервые использовал Джованни Лоренцо Грегори в наборе из 10 композиций, изданных в Лукке в 169 г.8.
Первым крупным композитором, использовавшим термин Concerto Grosso , был Арканджело Корелли. После смерти Корелли был опубликован сборник из двенадцати его концертов гросси ; вскоре после этого такие композиторы, как Франческо Джеминиани, Пьетро Локателли и Джузеппе Торелли, написали концерты в стиле Корелли. Он также оказал сильное влияние на Антонио Вивальди.
Существуют две различные формы Concerto Grosso : Concerto da chiesa (церковный концерт) и Concerto da Camera (камерный концерт). В концерте da chiesa чередовались медленные и быстрые части; концерт для камеры имел характер сюиты, предваряемой прелюдией и включающей популярные танцевальные формы. Эти различия со временем стирались.
Группа Корелли концертино неизменно состояла из двух скрипок и виолончели со струнной секцией в виде группы рипиено . Оба сопровождались бассо континуо с некоторой комбинацией клавесина, органа, лютни или теорбы. Гендель написал несколько сборников из Concerto Grossi и несколько Бранденбургских концертов Баха также в общих чертах следуют форме Concerto Grosso .
Форма Concerto Grosso была заменена сольным концертом и концертной симфонией в конце восемнадцатого века, и новые образцы формы не появлялись более века. В двадцатом веке Concerto Grosso использовали такие композиторы, как Игорь Стравинский, Эрнест Блох, Ральф Воан Уильямс, Богуслав Мартину, Малкольм Уильямсон, Генри Коуэлл, Альфред Шнитке, Уильям Болком, Эйтор Вилла-Лобос, Андрей Эшпай, Эйно Тамберг, Кшиштоф Пендерецкий, Жан Франсе и Филип Гласс. Хотя Эдварда Элгара нельзя считать современным композитором, его романтическое Интродукция и Аллегро сильно напоминали инструментальную установку концерта гроссо.
Concertino
A Concertino , буквально «небольшой ансамбль», – это меньшая группа инструментов в Concerto Grosso. Это противоположно рипиено и тутти, которые представляют собой более крупную группу, контрастирующую с концертино.
Хотя концертино меньше из двух групп, его материал в целом более виртуозен, чем у рипиено. Кроме того, концертино не разделяет тематический материал с рипиено, а представляет уникальные идеи. Это противопоставление малой группы большой группе и одной тематической группы другой очень характерно для идеологии барокко — подобно террасной динамике, где идея является значительным контрастом.
Сольный концерт
Поскольку мы рассмотрели концерт гроссо, вот немного более подробная информация о сольном концерте. Обратите внимание, что у сольного концерта немного более стандартная структура (три части в последовательности быстро-медленно-быстро), чем у концерта гроссо, хотя мы всегда должны помнить, что композиторы эпохи барокко не были так озабочены стандартизацией формы, как более поздние композиторы классической эпохи. мы.
Введение
Сольный концерт — это концерт, в котором один солист выступает в сопровождении оркестра. Это самый распространенный тип концерта. Он возник в период барокко (ок. 1600–1750) как альтернатива традиционному концертино (сольная группа инструментов) в концерте гроссо.
Типичный концерт состоит из трех частей: традиционно быстрой, медленной и лирической и быстрой. Есть много примеров концертов, не соответствующих этому плану.
Барокко
Самые ранние из известных сольных концертов – это №№. 6 и 12 Джузеппе Торелли соч. 6 от 1698 года. В этих произведениях используется как цикл из трех частей, так и четкая (хотя и уменьшительная) форма ритурнели, подобная форме рипиено-концерта, за исключением того, что части для солиста и континуо разделяют оркестровые ритурнели. Работая в Болонье, Торелли должен был знать оперные арии и многочисленные сонаты и симфонии для трубы и струнных, созданные в Болонье с 1660-х годов. Он сам сочинил более дюжины таких произведений для трубы, два из которых датированы началом 169 г. 0 с. Другими ранними скрипичными концертами являются четыре концерта Томазо Альбинони соч. 2 (1700 г.) и шесть в важном соч. Торелли. 8 (1709 г. — остальные шесть произведений этого набора — двойные концерты для двух скрипок).
Самым влиятельным и плодовитым автором концертов эпохи барокко был венецианец Антонио Вивальди (1678–1741). В дополнение к своим почти 60 сохранившимся концертам на рипиено Вивальди написал около 425 концертов для одного или нескольких солистов, в том числе около 350 сольных концертов (две трети для скрипки соло) и 45 двойных концертов (более половины для двух скрипок). Концерты Вивальди твердо устанавливают трехчастную форму как норму. Заметно возрастает виртуозность сольных партий, особенно в поздних произведениях, при этом фактура становится более гомофонной.
Концерты для других инструментов, кроме скрипки, начали появляться в начале 18 века, в том числе концерты для гобоя Джорджа Фридриха Генделя и многочисленные концерты для флейты, гобоя, фагота, виолончели и других инструментов Вивальди.
