Изобразительное искусство барокко кратко: Baroque Art — History, Artists, Artworks

<<< Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Архитектура барокко вне Рима.

Иллюстрации к разделу >>>

Барокко | Belcanto.ru

Категории словаря

итал. bаrоссо, букв.— причудливый, вычурный, странный

Художественный стиль, господствовавший в изобразительном искусстве и архитектуре конца 16 — 1-й половине 18 веков.

Вопрос о барокко в музыке начал дискутироваться в конце 1910-х гг. (преимущественно в немецком музыковедении) в связи с работами К. Гурлитта («Geschichte des Barockstiles», Bd 1-3, 1887-89) и Г. Вёльфлина («Kunstgeschichtliche Grundbegriffe», 1915), которые, исходя в основном из формально-стилистических признаков, установленных при изучении архитектуры и изобразительного искусства, выдвинули концепцию барокко как стиля всего западно-европейского искусства указанного периода.

Современные музыковеды ФРГ и США склонны относить к единой эпохе барокко всё музыкальное искусство от Дж. Габриели и К. Монтеверди до И. С. Баха и Г. Ф. Генделя включительно, основываясь на некоторой общности в области композиционных средств. При этом не уделяется необходимого внимания комплексному взаимодействию этих средств, дающему конкретные художеств. результаты, а связь с социально-историч. факторами, как правило, рассматривается только в плане внешних общественно-бытовых условий. Это приводит к смешению понятий эпохи и стиля и, в частности, к непризнанию классицизма 17 в. как самостоят. стиля, проявлявшегося наряду и в тесном взаимодействии с Б. (гл. обр. во франц. музыке 2-й пол. 17 в. — см. Люлли). Нек-рые совр. франц. музыковеды, напротив, склоняются к чрезмерно расширительному толкованию классицизма, вплоть до полного отрицания существования стиля Б. В трудах, где музыка рассматривается в ряду др. иск-в, новые формальные свойства муз. письма, утверждавшиеся в 17 в. (генерал-бас, концертирующий стиль, воздействие поэтич. риторики на мелодику, кристаллизация мажоро-минорной тональной системы и др.), зачастую механически подводятся под общую рубрику Б. на основе чисто внешнего эстетич. сближения их с произв. живописи, зодчества, лит-ры.

Сов. искусствоведы в трактовке проблемы муз. Б. исходят из понимания стиля как широкой историч. категории, отражающей мировоззрение эпохи в его объективных связях с действительностью. При разнообразии местных условий и неравномерности обществ. развития во мн. европ. странах в период перехода от Возрождения к эпохе Просвещения борьба прогрессивной мысли против феод.-католич. реакции породила ряд новых сходных черт в мировосприятии. Оптимистич. гуманизм, свойственный эпохе Возрождения, к концу 16 в. сменяется трагич. гуманизмом, связанным с отражением в сознании людей обострившихся противоречий экономич., политич. и социальной жизни, в первую очередь — противоречий между личностью и обществом. В отличие от ясного и цельного ренессансного представления о человеке как центре гармонического мироздания, отд. личность, окружавшая её действительность и их взаимоотношения стали восприниматься как сложные, многоплановые, непрерывно изменяющиеся явления. Смелее проникая в тайны природы, глубже познавая самого себя, человек одновременно острее ощущает свою трагич. зависимость от несовершенного обществ. устройства, от произвола светских и духовных властителей. Поэтому не столько действия, сколько внутр. переживания характеризовали героя мн. художеств. произв, в образном строе к-рых подчёркивались драматич. патетика, напряжённая динамика, возбужденный риторич. пафос, неуравновешенность, смятенность, экстатич. преувеличенность эмоций. Характерным становится тяготение к монументальным масштабам, колоритному живописанию среды, многофигурным композициям, к многоплановому столкновению контрастов — света и мрака, возвышенного и низменного, углублённой лиричности и пышной декоративности, реальности и фантастики, мистицизма.

Эти общеэстетич. предпосылки возникновения стиля Б. были во мн. отношениях плодотворно реализованы в музыке. Впервые она столь полно продемонстрировала свои возможности углублённого, многостороннего воплощения процессов внутр. мира человека. На первый план выдвинулись муз.-театр. жанры (прежде всего — опера), что определялось характерным для Б. стремлением к драматич. экспрессии и к синтезу разл. видов иск-ва, проявлявшемуся и в области культовой музыки (духовная оратория, кантата, пассивны). Выразит. возможности муз. иск-ва расширяются, одновременно обнаруживается тенденция к обособлению музыки от слова — к интенсивному развитию инстр. жанров, в значит. мере связанных с эстетикой Б. Возникают крупномасштабные циклич. формы (concerto grosso, ансамблевая и сольная сонаты), в нек-рых сюитах причудливо чередуются увертюры театрального характера, фуги, импровизации орг. типа, бытовые танцы, певучие «арии», звукоизобразит. картинки (напр., у А. Польетти, Г. Ф. Генделя). Типичным становится сопоставление и переплетение полифонич. и гомофонного принципов муз. письма.

Наиболее ярко стиль Б. проявился в Италии, где его черты наметились уже во 2-й половине 16 в., особенно в многохорных вок.-инстр. полифонических произведениях мастеров венецианской школы во главе с Дж. Габриели. К лучшим достижениям итальянской инстр. музыки барочного стиля относится орг. творчество Дж. Фрескобальди. В итал. опере проявились разл. аспекты Б. — от внешней декоративности, близкой к декоративному академизму в живописи (М. А. Чести, то же в духовных ораториях Дж. Кариссими), до глубокого драматизма, проникнутого реалистическими тенденциями, выходящими за рамки данного стиля (позднее творчество К. Монтеверди).

Итал. оперное Б. культивировалось к концу 17 в. во мн. австр. и нем. католич. придворных центрах. Параллельно и в нем. музыке возникают явления барочного плана — нац. опера с ярко выраженным нар.-бытовым началом (вершина — в соч. Р. Кайзера), орг. творчество Д. Букстехуде, программно-изобразит. клавирные сонаты И. Кунау. Германия, в историч. судьбе к-рой с особой силой сказались трагич. противоречия эпохи, к началу 18 в. дала миру двух великих композиторов — И. С. Баха и Г. Ф. Генделя. Их творчество ещё тесно связано со стилем Б. Однако, подытоживая и углубляя достижения прошлого и предвещая будущее европ. музыки, оно не вмещается в рамки к.-л. одного стиля (подобно наследию У. Шекспира или Рембрандта).

Одновременно с Б. в качестве самостоят. стиля сложился классицизм, развивавшийся наиболее интенсивно в абсолютистской Франции. Это привело к многообразному перекрещиванию барочных и классицистских черт. В то же время существовали и др. стили или стилевые направления (на рубеже 16-17 вв. — маньеризм, в 1-й пол. 18 в. — галантный стиль, сентиментализм и др.).

Литература: Ливанова Т., История западноевропейской музыки до 1789 года, М.-Л., 1940; её же, На пути от Возрождения к Просвещению XVIII века, в сб.: От эпохи Возрождения к двадцатому веку, М., 1963; еи же, Проблема стиля в музыке XVII века, в сб.: Ренессанс. Барокко. Классицизм. Проблема стилей в западноевропейском искусстве XV-XVII веков, М., 1966; Скребков С. С., Художественные принципы музыкальных стилей, в сб.: Музыка и современность, вып. 3, М., 1965; Конен В., Театр и симфония, М., 1969; Sасhs С., Barockmusik, в кн.: «JbP», XXVI, 1919/20; его же, The commonwealth of art, N. Y., 1946; его же, Our musical heritage, N. Y., 1948; Haas R., Die Musik des Barocks, Potsdam, 1928; Lang P. H., Music in Western civilization, N. Y., 1941; Вukоfzer M. P., Music in the Baroque era from Monteverdi to Bach, N. Y., 1947; Сlerсх S., Le baroque et la musique, Brux., 1948; Die Kunstformen des Barockzeitalters, hrsg. von R. Stamm, Bern-Mьnch., 1956; Aus der Welt des Barocks, dargestellt von R. Alewin (u. a.), Stuttg., 1957; Blume Fr., Begriff und Grenze des Barocks in der Musik, «StMw», XLIII, 1961; его же, Renaissance and Baroque music, a comprehensive survey, N. Y.,1967; Le baroque musical. Recueil d’ йtudes sur la musique, Liиge, 1964; Damman R., Der Musikbegriff im deutschen Barock, Kцln, 1967; Palisca Cl. V., Baroque music, New Jersey, 1968.

В. Н. Брянцева

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

реклама

вам может быть интересно

Публикации

Коллективы

Стили и направления в изобразительном искусстве

Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Ренессанс — воспеваемый и восхищающий своей красотой стиль архитектуры, дизайна интерьеров, изобразительного и декоративного искусства, процветающий до сменившей его эпохи Барокко.

Античное искусство, воплощенное в строгую, утонченную, закономерную и четко очерченную, симметричную форму, коим был Ренессанс (Возрождение), являлось наивысшим достижением человечества, без чего не состоялась бы современная цивилизация.

Ренессанс отображал в точности величие и глубинный смысл подлинного, чему нужно поклоняться и заложило основы гуманизма — уважения и свободы личности, раннее барокко же создало живописную иллюзию того, чем может быть искусство, воплощая движение в эмоциональные сложные композиции.

Время царствования ренессанса определяют с 1300 года до конца 16 века, а по мнению искусствоведа Генриха Вёльфлина — до 1630 года. Превращение ренессанса в живописное и легкое барокко началось непосредственно в Риме, после перешло на север Италии, и не поколебав венецианский ренессанс, переместилось дальше в другие страны средневековой Европы.

 Galleria Specchi

Villa Farmesina
Высокий Ренессанс отменили в новом своеобразном (Capriccioso-итал.) стиле работы Браманте, который изначально был мастером ренессанса, но начал возводить здание Ватикана с характерными чертами барочного стиля, а Микеланджело это продолжил, что можно наблюдать в его созданных работах — Собор Святого Петра, Капитолий, церковь Санта Мария дельи Анжели в Риме, а также Сан Лоренцо, капелла Медичи во Флоренции. Рафаэль и Бернини принадлежат золотому веку ренессанса, но в их произведениях проявляется новое чувство формы барокко.

Castello di San Giorgio, Mantua
Различия ренессанса от барокко в дизайне
1. Прежде всего различия в эскизах. Любой интерьер изначально определяется эскизом дизайна, и если в эскизах ренессанса четко очерчивали формы карандашом или пером, эскизы же в барокко начали рисовали углем, небрежно, со штрихами и растушевкой. Контраст превратился в пластическое пространство, в то же время живописность барокко за счет «живого впечатления» сформировало множество оттенков, выпуклостей углубленных предметов, а также игру света с тенями.

2. Ренессанс монументальный и грациозный. Именно Вазари дал название целой эпохе — Возрождение, описывая «maniera grande», что значит благородная манера, величественная. Барокко упрощает это величие, при этом укрупняет, увеличивает пропорции форм, пытаясь это преувеличение преподнести как большее достижение и богатство. Лестницы начинают проектироваться повыше, колоны — потолще, а лепнина — массивнее и безвкуснее. Такая гигантомания — признак начала потери чувства меры и тонкости восприятия, что и определило крах барокко в дальнейшем.

3. Закономерный и строгий ренессанс упорядочивает каждую вещь в интерьере, объясняя ее присутствие, сохраняет единство и соотношения всех деталей. Барокко же нарочито создает «живописный беспорядок», предметы можно добавлять неограниченно в произвольной порядке, при этом главным условием является — подчеркнуть роскошь.

4. Подлинно римскую черту — прямоугольность и остроту линий сменяет плавность и круглость пышных барочных форм. Появляются также узоры в виде круглых спиралей, круглые ленты, круглые раковины и цветы, обилие золота.

5. Особую важность в период Возрождения играло образование, ученость и красноречие, именно в это время наличие библиотеки становится неотъемлемой частью интерьера. Также и галереи античного искусства — скульптурам и картинам отводилось главные роли в интерьере, что подчеркивало важность и величие достояния искусств.

В искусстве барокко начинает прослеживаться гротеск и сарказм, мрачность композиций, на полотнах размытые и вытянутые формы, карикатуры, сводящие на нет искренность душевных порывов. В скульптурах и фресковых ансамблях барокко допускается изображать пытки инквизиции, бандитов, раненных солдат, разрушение, к примеру пейзаж Дж. Паннини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». Скульптура стиля барокко живая, в движении и полна эмоций, пример — «Орфей» Антонио Канова (1757- 1822).

Подытожив, можно сказать, что Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

Раннее Барокко же передает буйство эмоций, драматизм красок, пленяет своей сиюминутной страстью и, разделяя чувства с размышлениями, после оставляет наедине самим с собой. Спустя два века можно увидеть как Барокко утеряет свою манерность и полноту излишеств и сформируется как чувственный стиль позднего Барокко, впитавший в себя черты величия великого Ренессанса и динамичности раннего Барокко.

Автор статьи – главный редактор интернет-издания о дизайне «4ROOM.UA» Алёна Булат

1.Искусство  Западной  Европы   17 века. — История искуств

1.Искусство  Западной  Европы   17 века.

 Искусство  17 века  развивалось  в  тесной  связи  с  идеями  и  традициями  эпохи  Возрождения.  Художники  вновь  обратились  к  античности.  Однако,  если  мастера  Возрождения  ощущали  себя  прямыми  преемниками  и  продолжателями  античных  традиций, то  в  17  веке  древняя  культура  превратилась  в  недосягаемый  идеал,  приобщение  к  которому  только  сильнее  показывало  несовершенство  современной  жизни.  Итальянское  искусство  в  17  веке  уже  не  было  единственным  и  безоговорочным  авторитетом.  В  ряде  европейских  стран  возникли  самобытные  национальные  художественные  школы,  нисколько не уступавшие  итальянской.  Но  все  же  некоторые  важные  принципы  были  общими  для  всех.  Один  из  них — синтез  искусств,  т. е.  создание  единого  произведения  выразительными  средствами разных видов  искусств.

В  17  столетии  в  Европе  сложились два  новых  стиля — барокко  и  классицизм,  которые  охватили  все  виды  художественного  творчества:  литературу,  музыку,  театр,  архитектуру  и  изобразительное  искусство.

Главным  оружием  Контрреформации (движения  против  Реформации)  стала  инквизиция.  Не  подчинившиеся  светским  властям  церковные  суды  боролись с инакомыслием.  Эти  религиозные  идеи  легли  в  основу  стиля  барокко,  сложившегося  в  Италии  в  80-х  годах  16  века,  и  определили  основные  его  черты.  Эмоциональная  выразительность,  масштабность  и  насыщенность  движением,  сложность  композиционных  решений—всё  это  призвано  было  создать  у  зрителя  особый  духовный  настрой.  Само  название  стиля  (итал. Barokko — «странный»,  «причудливый»)  появилось  значительно  позже  и  совершенно  не  отражает  его  глубинного  смысла.

Наиболее  характерные  черты  итальянской  архитектуры  17 века  воплотились  в  памятниках  Рима.  Именно  здесь  ярче  всего  проявилась  главная  особенность  барокко—стремление  к  созданию  ансамбля.  Этот  стиль  соединил  постройки  разных  эпох  в  архитектурное  целое.  Первым  образцом  стиля  барокко  можно  считать  церковь  Иль-Джезу,  возведенную  к  1575 году  архитекторами  Джакомо  Бароцци  да  Виньола  и  Джакомо  дела  Порта  для  монашеского  ордена  иезуитов.  Интересна  композиция  фасада  здания.  Мастер  разделил  огромную  плоскость  стены  на  два  горизонтальных  яруса,  оформив  каждый  из  них  ордером.  Более  узкий  верхний  ярус,  обрамленный  по  краям  спиралевидными  деталями — волютами  (итал. Voluta — «завиток»), словно  перетекает вниз.  Это  придает  фасаду  сложный  и  выразительный  облик.  Впоследствии  такое  оформление  стало  типичным  для  многих  соборов  и  церквей  в  стиле  барокко  (позднее  появился  даже  термин  «иезуитский  стиль»,  относящийся  к  этим  постройкам).

Лоренцо  Бернини  выполнял  работы  для  Святого  Петра  с  1624 г.  до  конца  жизни.  Он  создал  монументальные  статуи,  возвел  кафедру.  Но  самое  значительное  творение  мастера — площадь  перед  собором.

Площадь  нередко  становилась  местом  папских  богослужений.  Именно  здесь,  огромное  число  паломников,  говорящих  на  разных  языках,  должны  были  почувствовать  своё  духовное  единство.

Для  воплощения  этих  идей  Бернини  нашёл  замечательное  решение.  Пространство  перед  храмом  превратилось  в  ансамбль  из  двух  площадей:  первая  в  форме  трапеции,  обрамлена  галереями,  отходящими  от  собора;  вторая  имеет  форму  овала,  обращенного  к  городу,  и  оформлена  двумя  колоннадами. В  симметричных  точках  этого  овала  расположены  фонтаны,  а  между  ними — обелиск. Общие  очертания  ансамбля  имеют  скрытое  сходство  с  ключом,  напоминая  об  известных  словах  Христа,  обращенных  к  апостолу  Петру:  «И  дам  тебе  ключи  Царства  Небесного». Характерный  для  барокко  эффект  «затягивания»  в  глубину  архитектурного  пространства  чувствуется  здесь  с  особенной  силой.  Колоннады,  как  огромные  руки,  охватывают  человека  и увлекают  к  собору.

В  Португалии  стиль  барокко  окончательно  оформился   в  архитектуре  дворца-монастыря  Марфа,  который  олицетворял  власть  молодого  короля  Жуана V.  Изящество,  присущее  дворцу в  Вила-Реал, характерная  черта  светской  португальской   архитектуры.

В  развитии  барочного  стиля  в  Центральной  Европе  ведущую  роль  играла  Австрия,  ставшая  наиболее  влиятельной  европейской  державой  после  разгрома  турок  под  Веной  в  1683г.  В  архитектуре  Вены  прослеживаются  тенденции  итальянского  барокко.  Направление,  разработанное  Бернини,  нашло  своего  последователя  в  лице  австрийского  архитектора  Иоганна  Бернхарда,  создателя  величественной  церкви  Карла  Борромея  в  Вене.  Это  поистине  образец  «театральной»  архитектуры,  наполненной  богатым  символическим  содержанием. Австрия  играла  ведущую  роль  в  развитии  и  распространении  барокко  в  Центральной  Европе.

В  эпоху  барокко  своеобразный  взгляд  на  человека  и  пристрастие  ко  всему  театральному  рождают  всепроникающий  образ:  весь  мир—театр.  Этот  образ  можно  найти   во  всех  крупных  произведениях  европейской   не  только  литературы, но  и  интерьерах,   музыке  (орган   Вейнгартенского  монастыря  в  Швабии).  Эпоху  барокко  называли  «золотым  веком  искусства  часовщиков».  Традиции  монументальной  живописи  барокко  сложились  к  30-м  годам  17 столетия.  Росписи  в  куполах  и  на  сводах  храмов  и  дворцов  должны  были  стать  образом  тех  мистических  видений,  которые  даются  человеку  в  момент  Божественного  озарения.  Сюжеты  плафонов  разрабатывали  в  разных  вариантах  две  темы:  торжество  Божественной  справедливости  и  прославление  на  небесах  Христа,  Богоматери  и  святых. Характерный  приём  живописи  барокко — «прорыв»  в  заоблачную  даль — часто  использовали  художники  в  росписи  плафонов.  Картину  небесного  торжества  святых  обрамляли  изображением  архитектурных  деталей,  которые  продолжают  реальную  архитектуру  храма.

Скульптура — искусство  противоречивое  и  символическое. Скульптура  находится  в постоянном  противоборстве  с  архитектурой,  создающей  для  нее  оформление и  опору, и  должна  все  время  утверждать  свою  самостоятельность  по  отношению  к  окружающей  среде,  что  само  по  себе  предает  ей  динамизм  и  значительность. Итальянский  скульптор  Джованни  Бернини  был  величайшим  представителем  барочной  культуры.  Первой  зрелой  скульптурной  работой  его  стал   «Давид».   Согласно  Библии,  юноша-пастух  Давид  (будущий  царь  Иудеи)  победил  в  поединке  великана  Голиафа,  сильнейшего  воина  армии  филистимлян — народа,  воевавшего  с  иудеями. У  Бернини  Давид  резко  разворачивается,  чтобы  метнуть  камень  из  пращи  в  голову  противника.  Ноги  широко  расставлены, лицо  отражает  мрачный  азарт  битвы:  брови  сдвинуты,  нервно  закушена  нижняя  губа,  на  лбу  пролегли  глубокие  складки.  Не  менее  знаменита  алтарная  композиция  Бернини  «Экстаз  св.  Терезы».  Бернини  удалось  «остановить»  полёт  золотой  стрелы  за  какую-то  долю  секунды  до  того, как  она  пронзит  сердце  святой,  и  передать  выражение  экстаза,  озарившего  в  этот  момент  ее  черты. Святая  Тереза  погружена  в  состояние  духовного  озарения,  внешне  похожее на  смерть:  голова  запрокинута,  глаза  закрыты.  На  рисунке   представлена  композиция  «Аполлон  и  Дафна»,  изображающая   превращение  нимфы  в  лавровое  дерево  (сюжет  взят  из  классической  мифологии). Бернини  вошел  в  искусство  со  своей  темой—темой  духовного  преображения  человека.

Микеланджело  Меризи  (1571—1610 г.),  известный  под  псевдонимом  Караваджо, — несомненно, один  из  наиболее  великих  новаторов  в  истории  живописи.  Этот  гениальный  реформатор  отвергает  традиционную  иерархию  жанров  и  канон  красоты,  который  был  признан  гуманистами  Ренессанса,  идеализирующими  человеческое  тело. Для  того,  чтобы  подчеркнуть  реализм  своих  картин,  Караваджо  использует  резкие  светотеневые  контрасты. Библейские  мотивы  он  представляет  как  жанровые  сцены  из  повседневной  жизни,  выделяя,  прежде  всего,  человеческий,  «земной» аспект. У  героев  Караваджо  часто  грубоватый  внешний  облик,  порой  они  неприятны  и  даже  уродливы.  Но  натурализм  живописного  языка — это  лишь  способ  передать  духовную  слабость  человека  перед  лицом  Бога.   ( «Игроки  в  карты»).  Молодой  Караваджо  заявил  о  себе  как  о  непревзойденном  мастере  жанровой  живописи.   («Гадалка»,  «Амур  победитель»,  «Лютнист»,  «Ужин  в  Эммаусе»).

«Мадонна  ди  Лоретто»  («Мадонна  пилигримов»),  написана  Караваджо  в  1603—1605гг. Современники  художника  раскритиковали  картину  из-за несоответствия  образов  торжественности  темы.  На  полотне  изображен контраст  между  почти  танцующей  грацией  Мадонны  и  двумя  крестьянами,  распростершимися  у  ее  ног. Мадонна  представляет  Мать  Христа, «укорененную»  в  мир  людей,  за  которых  она  заступается  перед  Богом.

Эль  Греко  (1541—1614гг.). «Эль  Греко —это  взрыв,  Эль  Греко —это  молитва,  Эль  Греко —это  крик, Эль  Греко —это  взгляд  узника  на  солнце  сквозь  решетку,  Эль  Греко —это  ныряльщик,  нашедший  жемчужину», —  так  сказал  о  художнике  Жан  Кокто  в 1943 году.  Одни  исследователи  объясняют  оригинальность  его  стиля  врожденным  астигматизмом,  другие — искусственным  освещением,  при  котором  он  предпочитал  работать.  Его  творчество  невозможно  заключить  в  рамки  общих  представлений  о  живописи,  поэтому  оно  до  сих  пор  вызывает  споры.  ( «Святая  Троица», «Изгнание  торговцев  из  храма»,  «Слезы  апостола  Петра»,  « Сошествие  Святого  Духа»).

35

Сочинение на тему “Барокко” 👍

Барокко – стиль европейского искусства, пришедшего, по одной из версий, в роли неоднозначной реакции на эпоху Ренессанса. В целом считается, что родина барокко – Италия, где этот стиль идентифицируют как “жемчужину неправильной формы”. Барокко зародился в XVI веке, однако, пик его расцвета – XVII столетия.

Не удивительно, что этот стиль предстает перед нами как синтез Готики и Возрождения – литературных эпох, которые ему предшествовали.
Основная тематика литературных произведений стиля барокко – быстротечность человеческой

Человек обречен на смерть, а жизнь его – лишь мимолетная смесь случайностей и фортуны.
Отличительная

Таким, собственно, предстает перед читателями и весь барочный мир: сочетаются несочетаемые начала, реальные герои существуют параллельно с мифическими, а добро все время противостоит злу.
Характерной чертой Барокко является также возвращение к культуре Античности: действия переносятся к высоконравственной Древней Греции, а герои наделены чертами личностей из античного мира. Для этого художники стиля барокко прибегали к причудливым аллегориям и метафорам, контрастов, капризности и вычурности образов.
Увлекшись причудливыми художественными средствами художники, к тому же, прибегали еще и к причудливым литературным формам. Именно поэтому распространенными были акростихи, мезостихи (поэзии, в которых зашифровано определенное скрытое значение, чаще всего – имя адресата) и другие причудливые по своей структуре произведения. Впоследствии появлялись удивительные стихи и за своим видом (в форме сердца, креста, звезды ромба и тому подобное).
Итак, Барокко – жемчужина европейского искусства XVI-XVIII столетия, основные признаки которого – сложная метафоричность, затейливость, контрастность, пессимистические мотивы быстротечности человеческой жизни, а также возвращение к античным мотивам. Художники применяли оригинальные и интересные литературные средства, приемы, чтобы поразить читателя как можно больше.
Теги: Сочинение Что такое барокко, Барокко как вид литературного направления.

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении Великой Герцогини Тосканы и Герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее.Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати. Беззастенчивая чувственность его обнаженных женщин в полный рост также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками».«Как писал искусствовед Марк Хадсон:« Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве ».

Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году после убийства ее мужа Генриха IV, чтобы создать цикл, увековечивающий ее жизнь. Возможно, она также была мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранная» королева привела к изгнанию из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями.«

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и проинформировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска сильна и глубоко пронизывает западное искусство».

Искусство и архитектура барокко | Oxford Art

Введение

Барокко было основным европейским стилем изобразительного искусства 17 века.Этот термин охватывает различные национальные стили, которые варьируются от сложного и драматического итальянского искусства 17 века до сдержанных жанровых сцен, натюрмортов и портретов, характерных для голландского барокко. В Италии Караваджо рисовал алтари и вводил такие инновации, как драматические световые эффекты, которые повлияли на таких художников, как Артемизия Джентилески. Другие художники, такие как Джованни Баттиста Гаулли и Пьетро да Кортона, исполнили иллюзионистские потолочные картины. Джанлоренцо Бернини, самый знаменитый римский художник эпохи барокко, создал знаменитый балдахин (центральный алтарь) собора Святого Петра и новаторские скульптурные произведения, такие как Аполлон и Дафна .В Испании Франсиско де Сурбаран написал набожные религиозные картины, а Диего Веласкес стал великим художником испанского барокко.

В северной Европе Нидерланды были разделены на две части: Северные Нидерланды (современные Нидерланды) и Южные Нидерланды (современная Бельгия и часть Франции), каждая из которых обычно именуется Голландией (север) и Фландрией (юг). Питер Пауль Рубенс и его мастерская доминировали в искусстве Фландрии, создав драматические и мощные религиозные запрестольные изображения и портреты правящих семей Италии и Франции.Одним из таких примеров является сложная серия аллегорических персонификаций Марии Медичи. Пейзаж, натюрморт и жанровая живопись были основными видами работ, производимых для голландского рынка. Такие произведения, как цветочные натюрморты Рэйчел Рюйш, интимные жанровые картины Иоганнеса Вермеера, движущиеся религиозные картины и проницательные портреты Рембрандта, иллюстрируют эти новые виды искусства. Во Франции искусство отражало мощь и престиж монархии и преимущественно использовало классицизм греко-римской традиции.Самым масштабным архитектурным проектом 17 века был Версаль, его дворец и сады, в котором классический стиль использовался для передачи абсолютистской власти французской монархии при Людовике XIII и Людовике XIV. Многие заботы художников барокко, такие как прямое наблюдение за окружающим миром, эмоциональное и драматическое выражение, а также манипуляции со светом и цветом, повлияли на более поздние стили, такие как неоклассицизм и романтизм.

Очерки

Биографии

• Бернини, Джанлоренцо
• Борромини [Кастелли], Франческо
• Караваджо, Микеланджело Меризи да
• Карраччи
• Кортона, Пьетро да
• Джентилески, Артемезия
• Гуарини, Гуарино
• Hals, Франция
• La Tour, Georges de
• Мадерно, Карло
• Пьюже, Пьер
• Рембрандт ван Рейн
• Рубенс, Питер Пауль
• Веласкес, Диего

Назад ко всем предметным руководствам

Живопись в стиле барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Общие характеристики

Искусство барокко характеризуется динамизмом (чувство движения), которое дополняется экстравагантными эффектами (напр.г. сильные изгибы, богатая отделка, яркое освещение; см. западная эстетика). Полноценная эстетика барокко ( полное барокко, ) была принята в южной части Западной Европы, в то время как северная часть Западной Европы пришла к компромиссу между классическим барокко ( сдержанное барокко ). Главное исключение из этого обобщения — Фландрия, которая охватывала «полное барокко» (см. «Распространение барокко»).

Следовательно, можно было бы ожидать, что живопись в стиле барокко будет включать динамическую композицию (см. «Визуальная композиция»).Однако это не всегда так; иногда, вместо того, чтобы использовать заранее заданную эстетическую структуру (динамическую композицию), художники эпохи барокко просто составляли сцены так, как они появляются в реальном мире (или, в случае воображаемых сцен, как они правдоподобно появляются в реальном мире). Этот подход можно охарактеризовать как реалистичное барокко , в отличие от динамического барокко .

Повторяем: живопись эпохи барокко можно разделить на динамических барочных живописи, (с динамической композицией) и реалистичных картин в стиле барокко, (с реалистичной композицией).Первую можно рассматривать как потомок итальянской живописи эпохи Возрождения (которая сосредоточена на общей композиции), а последнюю — как потомка живописи Низких стран эпохи Возрождения (которая сосредоточена на реалистичном изображении непосредственного физического мира).

Идеализм против фотореализма

Эстетика реалистического барокко идет дальше реалистичной композиции: она также отличается фотореалистичностью . (Только в эпоху барокко живопись достигла уровня физического реализма, который можно с полным основанием назвать «фотореалистичным».Контрастный подход — это идеализм , который преобладал в живописи эпохи Возрождения и в целом был продолжен художниками динамичного барокко .

Идеализм является логическим следствием эстетики классицизма , которая в основном озабочена общим балансом и гармонией композиции (а не мелкими деталями). Хотя классическая живопись вполне реалистична, отдельные особенности и текстуры, тем не менее, часто упрощаются , поскольку они имеют второстепенное значение.Следовательно, элементы классической композиции (например, человеческие тела и лица, элементы ландшафта) приобретают аналогичный общий вид, поскольку они идеализированы (т.е. когда неровные и негармоничные аспекты реального мира сглаживаются).

Повторюсь: реалистическая живопись в стиле барокко отличается фотореализмом (уровень физического реализма, приближающимся к реальному миру), в то время как динамическая живопись в стиле барокко обычно представляет собой идеализм (в котором реальный мир упрощен до идеализированных общих черт).Первое качество происходит от живописи Нижних стран , второе — от итальянского искусства .

Фотообои на потолок Sky

Когда сцена нарисована с достаточным физическим реализмом (особенно глубиной перспективы ), это дает наблюдателям иллюзию «смотрящего через» нарисованную поверхность на сцену за ее пределами; это известно как иллюзионистическая картина . Самая впечатляющая традиционная форма иллюзионистской живописи — это потолочная фреска , которая возникла в эпоху Возрождения, а затем достигла своей кульминации в эпоху барокко.Помимо неба, облаков и солнца, эти фрески, как правило, наполнены парящими фигурами и богатыми декоративными элементами, что делает их, пожалуй, самыми роскошными образцами динамичной эстетики в стиле барокко, 12

Основная статья

Раннее барокко

Основоположником эстетики реалистического барокко был Караваджо, самый влиятельный художник периода раннего барокко, и художник, который установил тенебризм (яркое освещение сцены из темноты) как общую черту реалистической живописи барокко. .Учитывая его усиливающий драматизм эффект, тенебризм во многом является эффектом барокко (см. «Западная эстетика»). Влияние этого эффекта можно увидеть в «Музыкантах», одном из самых известных нерелигиозных произведений Караваджо, и в «Призыве святого Матфея», возможно, его шедевре.

Караваджо вызвал много споров своим смелым принятием реальности. Например, в религиозных картинах он столкнулся с массовым сопротивлением его изображениям библейских фигур с реалистичными телами и чертами лица; это знаменует собой резкий разрыв с идеализмом эпохи Возрождения , в котором фигуры, как правило, мускулистые и молодые, а лица безупречны.Более того, в творчестве Караваджо часто фигурируют бедных, человека и места; «Призвание святого Матфея» , например, происходит в захудалой таверне. C87, E47, H837

Терминология нижних стран

Историческое обсуждение региона, известного как Низкие страны , может сбивать с толку из-за двусмысленной терминологии. Этот регион состоит из двух основных частей: Нидерланды (на севере) и Бельгия (на юге). Нидерланды стали независимой страной ок.1600, в то время как Бельгия добилась независимости в девятнадцатом веке.

В период позднего средневековья Нидерланды были домом для ряда небольших процветающих государств с экономикой, основанной на торговле и производстве. Самым сильным из них был Фландрия , который лежал в основном на севере Бельгии. При обсуждении истории до ок. 1600 г. весь регион Низких стран часто называют «Фландрией».

Между тем, термин Нидерланды буквально означает «Нидерланды».До ок. 1600, «Нидерланды» также использовалось для обозначения всего региона Низких стран.

Прибл.В 1600 году северная часть Нидерландов стала независимой страной Нидерландов. Таким образом, после ок. 1600, термин Нидерланды обычно ограничивается этой страной. Термин Фландрия , однако, часто все еще применяется к южным Нидерландам до девятнадцатого века, когда была образована нация Бельгия .

Расцвет светской живописи

Наряду с Италией, самым инновационным регионом западной живописи в эпоху барокко была Нидерланды .Действительно, семнадцатый век был годом голландского золотого века года, необычайным расцветом (особенно для такой маленькой страны) искусства, науки и глобальной торговой империи. Экономическое процветание привело к появлению большого среднего класса со здоровым аппетитом к искусству. E52, G382, H854

На протяжении средневековья и эпохи Возрождения в западном искусстве повсеместно доминировали христианские темы (и, в меньшей степени, классическая мифология). Это господство продолжалось бы на протяжении всей эпохи барокко, если бы не Реформация г. г., которая обратила большую часть Европы в протестантизм.В протестантских странах религиозные и мифологические образы сильно не приветствовались . Более того, протестантизм (который предписывал суровую и простую жизнь) был несовместим с изобилием динамичной эстетики барокко. E46, F326

Таким образом, в странах протестантской Европы (включая Нидерланды) художники не могли зарабатывать на жизнь ни религиозным искусством , ни динамичным искусством барокко . С точки зрения эстетики, это побудило художников-протестантов принять реалистического барокко ; по содержанию светских, (нерелигиозных) предметов.

Золотой век Нидерландов, наконец, поднял светскую живопись на уровень , равный религиозной и мифологической живописи в Европе. Светскую живопись можно разделить на четыре основных типа: пейзаж , жанровая картина , натюрморт и портрет . Ранняя разработка всех четырех типов произошла в эпоху Возрождения , .E46, F319, H854

Пейзаж можно определить как «картину, в которой окружающая среда является основным предметом; фигуры отсутствуют или второстепенны».(Морской пейзаж и городской пейзаж часто сгруппированы как особые типы ландшафта.) Натюрморт изображает коллекцию объектов (часто цветов, фруктов и / или посуды), обычно выбранных для приятного смешения цветов. и текстуры. Жанровая картина — это изображение повседневной жизни.

Самым выдающимся пейзажистом барокко был Якоб ван Рейсдал , а ведущим художником жанра барокко Ян Вермеер .Оба были голландскими художниками, чьи карьеры приходились в основном на эпоху высокого барокко. В то время как натюрморты также процветали в Золотой век Голландии, самым известным художником натюрморта в стиле барокко, вероятно, является французский художник Жан Шарден периода рококо.

Наконец, золотой век Нидерландов дал начало естественным портретам , которые запечатлевают спонтанную, естественную осанку и выражение лица. Этот подход постепенно появлялся на протяжении всего Возрождения, когда жесткая формальность (которая характеризует самые ранние портреты эпохи Возрождения) медленно смягчалась .Выдающимся портретистом эпохи барокко был Франс Хальс .F327, H854

Высокое барокко

Рембрандт ван Рейн, реалист в стиле барокко, часто считается величайшим из всех голландских художников. Рембрандт воспринял тенебризма , но более мягко и атмосферно, чем Караваджо. Его ведущие работы включают «Ночной дозор» (его шедевр) и «Аристотель с бюстом Гомера». E54, F335, H857,6

Питер Пауль Рубенс, величайший художник эпохи барокко Фландрии, часто считается выдающимся художником эстетики динамичного барокко (хотя он также работал в реалистическом барокко) .1 Его стиль часто описывают как живописный , что означает, что он отдавал предпочтение свободным, выразительным мазкам цвета перед четко очерченными формами. (Художник, который предпочитает четко очерченные формы, сначала нарисует эти формы, а затем аккуратно закрасит линии рисунка; это линейный стиль , живопись , противоположность живописному стилю.)

Самыми известными произведениями Рубенса могут быть два запрестольных образа: «Воздвижение креста» и «Снятие с креста». Его дар динамизма также хорошо подошел для сцен охоты .

В то время как живопись в стиле барокко процветала во Франции, многие художники предпочли продолжить стремление к классицизму . Среди них был величайший французский художник эпохи барокко Николя Пуссен, чьим шедевром является «Аркадские пастухи». Пуссен был настолько влиятельным человеком, что вплоть до появления современного искусства его стиль (резко линейный) широко считался идеальной моделью французской живописи.E62, H865-68,4

Французский классицизм, помимо фигурной живописи, охватил еще пейзажа . Однако полученные изображения были не реалистичными, а воображаемыми классическими пейзажами , в которых местность и ее особенности расположены уравновешенно и гармонично. Действительно, эквивалентные работы были созданы динамичными художниками эпохи барокко: воображаемые динамичных пейзажа барокко , расположенные в динамичной, диссонансной манере, часто с неспокойной погодой и резко изогнутыми дорогами и реками.

Позднее барокко

Величайшие художники эпохи барокко относятся к периоду высокого барокко и года. Различные стили и предметы живописи высокого барокко продолжали процветать в течение позднего барокко в кистях многих менее известных преемников .

Рококо

Последней фазой барокко был рококо , в котором были сохранены изгибы и динамизм барокко, но его тяжелая драма смягчила до легкого игривого стиля.Веселые сюжеты, светлые цвета и изящные изгибы — все это типичные черты искусства рококо. Самым культовым художником рококо является Франсуа Буше, чьи работы включают картины, керамику и гобелены; его шедевр — Рождение Венеры. C95, G378,9

1 — «Период барокко (искусство)», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
2 — «Караваджо (итальянский художник): главное», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
3 — «Караваджо, Микеланджело Меризи да», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на май 2009 г.
4 — «Искусство и архитектура барокко», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
5 — «Барокко в искусстве и архитектуре», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
6 — «Рембрандт Харменс ван Рейн», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
7 — «Веласкес, Диего Родригес де Сильва и», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
8 — «Rococo Style», Encarta. По состоянию на май 2009 г.
9 — «Стиль рококо (дизайн)», Британская энциклопедия. Проверено в мае 2009 г.
10 — «Живопись: живопись итальянского барокко», Энкарта.Проверено в мае 2009 г.
11 — «Живопись: живопись французского барокко», Энкарта. Проверено в мае 2009 г.
12 — «Западная живопись: барокко», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
13 — «Ле Брюн, Шарль», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
14 — «Живопись», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
16 — «Испанское искусство и архитектура», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.

Направление искусства барокко: художники и произведения искусства 17 века

Администратор в разделе Исследования> Движение искусства

Барокко период начался в начале 17 века в Италии и длился более века в некоторых частях Европы.Как стиль, произведение искусства в стиле барокко сочетает в себе драматические композиции, красивые детали и эмоционально заряженный сюжет, чтобы дать зрителям максимально насыщенное визуальное восприятие.

Фрески и картины в стиле барокко часто встречаются в церквях и соборах по всей Италии и в остальной Европе, в основном потому, что Римско-католическая церковь 17 века знала, что этот стиль искусства можно использовать для продвижения церкви и создания впечатления силы и силы. власть.

Церковь заказала тысячи произведений в стиле барокко, подобных приведенной выше, под названием Успение Девы Марии , специально для этой цели, используя их, чтобы пробудить эмоции масс, изображая религиозные темы и идеалы.

художников раннего барокко включали Караваджо, художника, оказавшего влияние на стиль барокко благодаря использованию светотени и интенсивного реализма, и Аннибале Карраччи, который был известен больше своими фресками, чем картинами, написанными маслом.

Картина Караваджо « Взятие Христа » демонстрирует два характерных элемента его стиля — крайние светлые и темные тона с выразительно реалистичными лицами и жестами.

Его работы немного менее грандиозны, чем искусство позднего барокко, но эмоции, движение и драматизм, безусловно, присутствуют.

Питер Пауль Рубенс, с другой стороны, создал очень грандиозные произведения искусства и был, пожалуй, самым успешным и известным художником эпохи барокко своего времени, создавая картины для королей и императоров нескольких стран, а также для церкви по всей Европе.

Вот одна из наиболее мифических картин Рубенса (вероятно, не заказанная церковью) под названием Союз земли и воды.

Рубенс демонстрирует свое умение выстраивать несколько фигур в красивую закрученную композицию, в то же время безупречно изображая каждый элемент картины — цветы, фрукты, ткань и плоть.

Искусство барокко, конечно же, простиралось далеко за пределы живописи, в архитектуру, скульптуру и музыку. Со временем искусство и архитектура барокко стали более богатыми и украшенными, пока рококо и неоклассицизм не заменили их в 18 веке.

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Искусство барокко — Энциклопедия Нового Света

Стиль барокко начался как продолжение эпохи Возрождения.Позже, однако, ученые того времени начали замечать резкие различия между двумя стилями, поскольку стиль Возрождения уступил место искусству барокко . Архитектура барокко, скульптура и живопись драматического характера были мощными инструментами в руках религиозного и светского абсолютизма и процветали на службе католической церкви и католических монархий. Художники барокко были особенно сосредоточены на естественных формах, пространствах, цветах, свете и отношениях между наблюдателем и литературным или портретным предметом, чтобы произвести сильное, хотя и приглушенное, эмоциональное переживание.

Трентский собор (1545-1563 гг.), На котором Римско-католическая церковь ответила на многие вопросы внутренней реформы, поднятые как протестантами, так и теми, кто остался внутри католической церкви, обратился к изобразительному искусству, потребовав, чтобы картины и скульптуры в церковный контекст должен говорить с неграмотными, а не с хорошо информированными.

Из-за этого искусство барокко имеет тенденцию сосредотачиваться на Святых, Деве Марии и других известных библейских историях. Религиозная живопись, историческая живопись, аллегории и портреты по-прежнему считались самыми благородными предметами, но пейзажи, натюрморты и жанровые сцены быстро приобрели известность.

Обзор живописи в стиле барокко

Характеристики барочной живописи

Искусство барокко отличается большой драматичностью, богатым цветом и интенсивными светлыми и темными тенями. В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое обычно показывало момент перед событием, художники эпохи барокко выбирали самый драматический момент, момент, когда происходило действие: Микеланджело, работающий в эпоху Высокого Возрождения, показывает своего Давида, составленного еще до того, как он сражается. Голиаф; Барочный Давид Бернини пойман, когда он бросает камень в гиганта.Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения.

Живопись в стиле барокко возникла из стилей художников высокого Возрождения, таких как Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Корреджо. Вальтер Фридлендер ссылается на такие «элементы, как интерес к правдоподобию и натурализму (часто с сильным аллегорическим содержанием), представления крайних состояний чувств, желание предложить расширение в пространство, динамическое движение, интенсивное взаимодействие со светом (в его физическом и физическом отношении). духовные коннотации) и чувствительность к влиянию классических цивилизаций, как представляющих некоторые из характерных черт искусства барокко.«Хотя считается, что эпоха семнадцатого века весьма амбивалентна по отношению к какому-либо одному стилю, художники эпохи барокко проявили в своей живописи несколько характеристик, которые ясно дали понять, что работа была в стиле барокко: 1) живописные мазки, 2) рецессия плоскости, 3) открытая форма, 4) единство и 5) непонятность темы.

Архитектура

Архитектурный стиль барокко проявился при строительстве Il Ges (церкви Иисуса).Здание было построено Джакомо да Виньола (проектировщик наземного плана) и Джакомо Делла Порта, разработавшим фасад. Базовая схема фасада распространена во всех католических странах и использовалась в качестве модели более двух столетий. Барокко сыграло роль в спросе на архитектуру, которая, с одной стороны, была более доступной для эмоций, а с другой — наглядной демонстрацией богатства и могущества церкви. Новый стиль проявился, в частности, в контексте новых религиозных орденов, таких как Театины и Иезуиты, которые стремились улучшить народное благочестие. ^[1]

Характеристики

• длинные узкие нефы заменяются более широкими, иногда круглыми формами
• яркое использование света, либо сильные светотеневые контрасты, светотени, эффектов (например, церковь Вельтенбургского аббатства) или равномерное освещение с помощью нескольких окон (например, церковь аббатства Вайнгартен)
• богатое использование украшений (путто из дерева (часто позолоченного), гипса или лепнины, мрамора или искусственной отделки)
• потолочные фрески масштабные
• внешний фасад часто характеризуется драматическим центральным выступом
• интерьер часто представляет собой не более чем ракушку для живописи и скульптуры (особенно в позднем барокко)
• иллюзорных эффектов, таких как trompe l’oeil и смешение живописи и архитектуры
• в баварских, чешских землях, Польше и украинском барокко грушевые купола встречаются повсеместно
• Колонны Марии и Святой Троицы возводятся в католических странах, часто в благодарность за прекращение чумы

Скульптура

Скульпторы в стиле барокко испытали чувство свободы комбинировать и создавать то, о чем они могли думать.Многие художники не стеснялись комбинировать разные материалы в одной работе и часто использовали один материал для имитации другого. Один из величайших шедевров барочной скульптуры, например, «Святая Тереза ​​из капеллы Корнаро» Джованни Бернини поддается экстатическому видению тусклого мраморного облака, в котором бронзовые лучи спускаются из скрытого источника света. Многие произведения скульптуры в стиле барокко расположены в сложных архитектурных декорациях, и часто кажется, что они выплескиваются из отведенных для них ниш или плывут вверх к небу. ^[2]

«Отличительными чертами статуй в стиле барокко являются: а) использование более чем одного блока мрамора, что позволяет использовать большое количество жестов; б) обработка драпировки, которая не падает обычным образом. , но перемещается своего рода ветром; в) использование пестрого / цветного мрамора или других мраморов; г) скручивание очень часто высокого и стройного тела «. ^[3]

Основные художники в стиле барокко и их влияние

Монументальная живопись в стиле барокко была создана Карраччи: братьями Аннибале и Агостино Карраччи и двоюродным братом Людовико Карраччи.«Карраччи стремились к синтезу силы и величия Микеланджело, гармонии и грации Рафаэля и цвета Тициана, не через прямое подражание этим художникам Высокого Возрождения, а через подражание их методу идеализации природы». ^[2] Другими словами, они пытались оживить искусство семнадцатого века идеалами природы эпохи Возрождения и своими идеями цвета и единства. Карраччи были связаны с Болонской академией, а их двоюродный брат Людовико был основателем школы.Предпосылка Болонской академии Карраччи заключалась в том, что «искусству можно обучать — основа любой академической философии искусства — и что учебные материалы должны основываться на традициях, античности и эпохе Возрождения, в дополнение к обучению и рисованию. из жизни «. ^[1]

Караваджо

Революционер Караваджо изменил курс европейского искусства. «Психологический реализм, проникший в глубины человеческих чувств, в некоторых отношениях сопоставимый с идеями его чуть более старшего современника, Уильяма Шекспира, и его необыкновенное ощущение твердой реальности, спроецированной в реальное пространство. ^[2] Караваджо стал известен тем, что использовал светотени, своего самого эффективного устройства для пробуждения глубин души. Светотень был использованием контрастных светлых и темных цветов и теней.

Джентилески

Артемизия Джентилески, ученица и дочь Орацио Джентилески, построила свою картину вокруг бурного прошлого своей юности. После изнасилования учеником Орацио Агостино Тасси репутация Артемезии была подорвана.В результате значительная часть ее работ посвящена феминистским темам, которых мужчины обижают, и героической мести, которую они берут на себя. Понятно, что женщина во всех ее работах — автопортрет. ^[2]

Бернини

Влияние Джан Лоренцо Бернини на искусство барокко, особенно на последних этапах его развития, неоспоримо. Бернини написал основные произведения в области архитектуры, скульптуры, живописи, был драматургом и композитором. Фактически, он был модельным скульптором для всех, кто следовал за ним в исторической хронологии.Его стиль во всех средах демонстрировал непревзойденную интенсивность и яркость, которые, казалось, воплощали в жизнь все, что он создал.

Основные произведения стиля барокко в Италии

• Карраси Роспись потолка в Палаццо Фарнезе (дворец Фарнезе)

Роспись потолка Аннибале Каррачи явно вдохновлена ​​Сикстинской капеллой Микеланджело. Типичный для искусства барокко, «для нашего понимания барокко важно, чтобы божественная любовь, задуманная как принцип, лежащий в основе вселенной, должна быть движущей силой, которая объединяет все элементы потолка и разрешает все конфликты в непредвиденном акт искупления.» ^[2] Энергия всех фигур контролируется, но при этом мощна и обильна. Чрезвычайно трудно отличить реальность от изображения. Другими словами, стиль барокко характеризуется более чувственным, временами эротическим проявлением привязанности, не только в живописи, но и в скульптуре и архитектуре.

• Пейзаж с бегством в Египет

В своих пейзажах Карраччи принципиально отклоняется от высокой точки обзора, так что фигуры в сцене находятся на одном уровне глаз со зрителем.Второй, более заметной характеристикой его пейзажных картин является то, что они не фантастичны или образны; фактически, они основаны на реальных окрестностях Рима. В этом произведении это Тибр и Альбанские холмы: «Пейзаж на этой картине, как почти всегда в семнадцатом веке, был получен в результате исследований, сделанных на открытом воздухе, но был построен в студии». ^[2]

Использование теней для контраста светлого и темного в этом произведении наилучшим образом.Хотя тема призвания святого Матфея преобладает в истории искусства, никто другой не может волновать душу так, как произведение Караваджо. Христос озаряется светом, когда кончики его пальцев отражаются от луча света в затемненной комнате. Лица трех мальчиков озаряются изумлением, когда они видят видение Христа: «Фон — это стена в римской таверне; окна, стекла которых представляют собой промасленную бумагу, обычную до повсеместного использования стекла, — единственное видимое изображение. фоновый объект.» ^[2]

• Артемезия Джентилески Юдифь с головой Олоферна

Страсть и энергия вырываются из поверхности изделия, и единственный свет в произведении исходит от свечи (светотени), которая дает нам прямой обзор зловещей тени на лице Джудит: «Победоносная еврейская героиня бросает последний взгляд назад в затемненный шатер, когда ее служанка собирается обернуть отрубленную голову». ^[2]

• Давид Джана Лоренцо Бернини

Если сравнить Давид Бернини с произведением Микеланджело и Донателло, становится ясно, почему это стиль барокко.Одна из ключевых особенностей скульптуры в стиле барокко, которая преобладает в этом произведении, — это изображение Бернини сцены именно в тот момент, когда Давид энергично крутится, когда он движется, чтобы освободить камень: «Левая рука сжимает пращу и камень вызывает резкое напряжение в мышцах и венах руки, пальцы правой ступни сжимают камень для… » ^[2] Вибрация исходит от этой работы, и ее легко отличить по эмоциям фигуры и искривлениям тело.

Другие влиятельные итальянские художники

• Карло Мадерно
• Франческо Борромини
• Бартоломео Манфреди
• Карло Сарачени
• Баттистелло Караччоло
• Гвидо Рени
• Франческо Альбани
• Доменикино
• Гверчино
• Даниэле Креспи
• Доменико Фетти
• Пьетро Такка
• Пьетро да Кортона
• Алессандро Альгарди
• Бачиччо
• Андреа Поццо
• Лука Джордано
• Карло Маратти
• Франческо Фурини
• Карло Дольчи
• Эваристо Башенис
• Бернардо Строцци
• Бернардо Каваллино
• Маттиа Прети

Голландские художники

Caravaggesques

Из многих художников, которые были связаны обаянием Караваджо, были Хендрик Тербругген и Жерар ван Хонтхорст.Эти двое были известны как главные Караваджи, потому что «их религиозные картины показывают понимание нового видения Караваджо обычного человечества, достигнутого божественной любовью». ^[2] Хонтхорст в первую очередь сосредоточился на библейских сценах, сделанных в темноте, в то время как Тербругген, как и Караваджо, рисует с аурой неуверенности. Фон расположен, казалось бы, в глуши. Тербургген исследовал психологический аспект искусства Караваджо в стиле барокко. ^[2]

Галс

Франс Хальс был, пожалуй, самым блестящим из всех портретистов.Как подающий надежды художник, его мало что интересовало, кроме человеческого лица и фигуры. Он обладал непревзойденной способностью улавливать «момент действия, чувства, восприятия или выражения и фиксировать этот момент яростными, но безошибочными ударами». ^[2] Его использование света и тьмы менее интенсивно, чем у Караваджо, но его стиль портретной живописи оригинален. В The Laughing Cavalier фон определен и не важен. Все внимание сосредоточено на лице портрета.«Любовные наклонности молодого человека могут быть обозначены стрелами, факелами и пчелами Купидона, а также крылатым посохом и шляпой Меркурия, вышитыми красным, серебряным и золотым цветами на темно-коричневом разрезе его рукава. С его сияющим лицом. , опасные усы, снежный воротник и лихая шляпа, сюжет является самим символом барочной галантности; кульминацией картины является насмешливая улыбка, в которой сходятся все композиционные силы ». ^[2]

Рембрандт

Рембрандт ван Рейн занимался как светскими, так и библейскими темами; однако именно духовность его искусства отличает его от голландских современников, да и вообще от всех художников.Он был одним из немногих художников, подписавших свои работы своим именем. Живя в эпоху, когда художникам было запрещено показывать свои картины в церквях, Рембрандт обращался к человеку, используя «сияющий свет и яркую тень, восприимчивый к самым глубоким резонансам человеческих чувств». ^[1] В Ужин в Эммаусе, Рембрандт воскресил Караваджо в использовании света и тьмы с такой интенсивностью, которая внесла его в учебники истории. В этом произведении Рембрандт изображает откровение Христа как спасителя для своих учеников, что было почти автоматическим предметом в эпоху барокко.Смысл откровения для его учеников представлен внезапной вспышкой света из тьмы, намекающей на выход в небеса из этого темного материального мира. Внезапно место, где стоит Христос, превращается в апсиду, а стол превращается в жертвенник, оба из которых освещаются лучами из головы Христа. Рембрандт поднял шок сцены до новых высот в том, что все неподвижны, в пьесе нет движения.

Хонтхорст

Геррит ван Хонтхорст отличался от других художников тем, что специализировался на рисовании в темноте.В «Поклонение пастухов», Влияние Караваджо проявляется в таинственном фоне и шероховатостях посреди излучаемого света.

Другие влиятельные голландские художники

• Питер Ластман
• Ян Пинас
• Дирк ван Бабурен
• Ян Ливенс
• Жерар Доу
• Джейкоб Бэкер
• Говерт Флинк
• Фердинанд Бол
• Карел Фабрициус
• Самуэль ван Хугстратен
• Гербранд ван ден Экхаут
• Philips Koninck
• Николаес Маес
• Виллем Дрост
• Aert de Gelder
• Виллем Байтевех
• Ян Моленар
• Адриан ван Остаде
• Исаак ван Остаде
• Питер де Хуч
• Жерар тер Борх
• Габриэль Метсу
• Франс ван Мирис Старший
• Ян Стин
• Гиллис ван Конинкслоо
• Roelant Savery
• Хендрик Аверкамп
• Эсиас ван де Вельде
• Геркулес Сегерс
• Питер де Молин
• Ян ван Гойен
• Саломон ван Рейсдал
• Якоб ван Рейсдал
• Aert van der Neer
• Франс Пост
• Эльберт Кейп
• Meindert Hobbema
• Паулюс Поттер
• Philips Wouwerman
• Виллем ван де Вельде Младший
• Корнелис Врум
• Симон де Влигер
• Ян ван де Каппель
• Майкл Свертс
• Янв Оба
• Николаес Берхем
• Янв Веникс
• Карел Дюжарден
• Томас де Кейзер
• Питер Саредам
• Эмануэль де Витте
• Геррит Беркхайде
• Ян ван дер Хейден
• Амброзиус Босхарт Старший
• Питер Клас
• Виллем Хеда
• Ян Давидс де Хем
• Виллем Кальф
• Рэйчел Рюйш
• Абрахам ван Бейерен

Фламандские художники

Питер Пауль Рубенс

Завершив слияние реалистической традиции фламандской живописи со свободой воображения и классическими темами итальянской живописи эпохи Возрождения, Питер Пауль Рубенс коренным образом возродил и изменил направление североевропейской живописи. ^[2] После смерти отца Рубенс отправился в Венецию, где попал под чары сияющего цвета и величественных форм Тициана. В течение восьми лет (1600–1608) Рубенса в качестве придворного живописца герцога Мантуанского, он усвоил уроки других мастеров итальянского Возрождения и совершил (1603 г.) путешествие в Испанию, которое оказало глубокое влияние на развитие испанского искусства барокко. Он также провел значительное количество времени в Риме, где написал алтарь для церквей Санта-Кроче-ди-Джерусалемме и Кьеза Нуова, его первые широко признанные шедевры.Получив репутацию, Рубенс вернулся (1608) в Антверпен после смерти своей матери и быстро стал доминирующей художественной фигурой в испанских Нидерландах.

Основные работы

• Воздвижение Креста
• Изнасилование дочерей Левкиппа
• Падение Проклятых
• Сад любви

Все работы Рубенса демонстрируют страстное изобилие, которое несколько противоречит его набожным библейским взглядам.В большинстве его работ фигуры обнажены, и происходит акт похоти. Неистовая энергия и движение лучше всего характеризуют его работу с быстрым круговым движением, напоминающим S-образную кривую классической скульптуры. Сияющий цвет и свет, который мерцает на конечностях и драпировках, привели к созданию спиральных композиций, таких как The Descent from the Cross , с характерным для барокко ощущением движения и силы.

Другие влиятельные фламандские художники

• Адриан Брауэр
• Йост де Момпер Младший
• Пауль Бриль
• Якоб Йорданс

Испанские художники

Диего Веласкес

Веласкес оказал колоссальное влияние на европейское искусство.Большая часть его работ была посвящена пейзажам, мифологии и религиозной живописи; однако большую часть своей жизни он провел в портретной живописи. Будучи художником при мадридском дворе, он на многих портретах изображает дворян. Веласкеса называли «самым благородным и самым властным человеком среди художников своей страны». ^[2] Он был мастером-реалистом, и ни один художник не превзошел его в способности уловить основные черты и зафиксировать их на холсте несколькими широкими, уверенными мазками. Сказано: «Его мужчины и женщины, кажется, дышат»; «его лошади полны действий, а его собаки — жизни.» ^[2]

Из-за большого мастерства Веласкеса объединять цвет, свет, пространство, ритм линий и массу таким образом, чтобы все они имели одинаковую ценность, он был известен как« художник художника ». ^{[ 2]} С тех пор, как он обучал Бартоломе Мурильо, Веласкес прямо или косвенно побуждал художников вносить оригинальный вклад в развитие искусства. Другие, на которые он оказал заметное влияние, — это Франсиско де Гойя, Камиль Коро, Гюстав Курбе, Эдуард Мане и Джеймс Эббот Макнил Уистлер.

Основные работы

• Сдача Бреды (конный портрет Филиппа IV)
• Спиннеры
• Фрейлины
• Папа Иннокентий X
• Христос в Эммаусе

Другие влиятельные испанские художники

• Фра Хуан Санчес Котан
• Франсиско Рибальта
• Бартоломе Эстебан Мурильо
• Алонсо Кано

Французское барокко

Жорж де Ла Тур

Волна психологического реализма, которую привел в движение Караваджо, в конце концов достигла Жоржа де Ла Тура, и он принял ее.Его картины напоминают Караваджо твердыми и полированными поверхностями и сильными контрастами света и темноты, но содержание кардинально отличается. ^[2] Ла Тур искусно изображает Христа и Деву Марию, но на самом деле никогда не говорит читателю, что они такие, какие они есть. В то время как на большинстве картин, изображающих рождение Христа, есть лучи света, исходящие от ребенка, у Ла Тура акушерка несет свечу. Другими словами, за его картиной скрывается сюрреалистическое ощущение человечности и начало новой жизни, вызывающей трепет у зрителей.

Луи Лен

Луи Ленен почти величественно изобразил простых людей, занимающихся обычными делами. Фигуры на картине кажутся почитаемыми: «они спокойно стоят или сидят среди домашней птицы и свиней на ферме группами, сложенными с таким достоинством, что грубая повозка наделена монументальным величием». ^[2] В The Cart «богато раскрашенные цвета — приглушенные серые, желтовато-коричневые и коричневые цвета в одежде с редкими оттенками красного, мягкого серого и синего в жемчужном небе, серые и зеленые цвета в пейзаже — делают Этот маленький шедевр — достойный предок Шардена в восемнадцатом веке и Коро в девятнадцатом.» ^[2]

Другие влиятельные французские художники

• Клод Лоррен
• Николя Пуссен
• Валентин де Булонь
• Симон Воуэ
• Жак Бланшар
• Laurent de La Hyre
• Любин Баугин
• Филипп де Шампань
• Николя Турнье
• Гаспар Дугет
• Eustache Le Sueur
• Себастьян Бурдон
• Шарль Лебрен
• Антуан Койсевокс
• Пьер Легро Младший
• Пьер Миньяр
• Франсуа Жирардон
• Жан Жувене
• Жан-Франсуа де Трой
• Андре Ленотр

Банкноты

1. ↑ ^{1.0 1,1 1,2} Хелен Гарднер, Искусство сквозь века, Шестое издание (Harcourt Brace Jovanovich, Inc. 1975, ISBN 0155037536).
2. ↑ ^{2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10} 2,1 ^{2,16 2,17 2.18 2,19} Фредерик Хартт, Искусство: История живописи, скульптуры и архитектуры, Третье издание (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл; Нью-Йорк: Х.Н. Абрамс, 1989, ISBN 9780130486387).
3. ↑ Скульптура барокко в Риме. Проверено 10 марта 2021 года.

Список литературы

• Гарднер, Хелен. Art Through the Ages, Sixth Edition, Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1975. ISBN 0155037536
• Hartt, Frederick, Искусство: история живописи, скульптуры, архитектуры. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc., 1989. ISBN 0810918846
• Хельд, Юлий Самуил и Даниэль Познер, Искусство 17-го и 18-го веков; Барочная живопись, скульптура, архитектура. Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс, 1971. ISBN 978-0810
  5
• Wittkower, Рудольф. Искусство и архитектура в Италии 1600-1750. Т. 1: Раннее барокко (Yale University Press Pelican History of Art) Yale University Press, 1999. ISBN 978-0300079395

Внешние ссылки

Все ссылки получены 10 марта 2021 г.

Кредиты

Энциклопедия Нового Света писателей и редакторов переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia . Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников New World Encyclopedia , так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа.Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в Энциклопедия Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

Виктория и Альберта · Стиль барокко

Барокко — это очень богато украшенный и тщательно продуманный стиль архитектуры, искусства и дизайна, который процветал в Европе в 17-м и первой половине 18-го века.Возникнув в Италии, его влияние быстро распространилось по Европе, и он стал первым визуальным стилем, оказавшим значительное влияние на весь мир.

Определяющей характеристикой стиля барокко был способ, которым изобразительное искусство живописи, скульптуры и архитектуры были объединены в единое целое, чтобы передать единое сообщение или смысл.

Искусство и дизайн в стиле барокко обращались непосредственно к чувствам зрителя, обращаясь к эмоциям, а также к интеллекту.Он отражал иерархическое и патриархальное общество того времени, развивался и использовался власть имущими — церковью, абсолютными правителями и аристократией — как убеждать, так и производить впечатление, быть одновременно богатым и значимым. По сравнению с контролируемыми и тщательно сбалансированными пропорциями, связанными с эпохой Возрождения, барокко известно своим движением и драматизмом.

Влияние барокко распространилось из Италии и Франции на остальную Европу, а затем через европейские колониальные инициативы, торговлю и миссионерскую деятельность переместилось в Африку, Азию, Южную и Центральную Америку.Во всем мире китайские резчики работали в Индонезии, французские мастера-серебряники в Швеции, а итальянские специалисты по твердому камню во Франции. Скульптура была отправлена ​​с Филиппин в Мексику и Испанию, в то время как стулья лондонского производства разошлись по всей Европе и через Атлантику, а французские королевские мастерские производили предметы роскоши, которые были желанными и имитируемыми модным обществом по всей Европе. Тем не менее, как стиль, барокко также изменилось по мере того, как оно пересекло мир, адаптируясь к новым потребностям и местным вкусам, материалам и условиям.

В Китае европейские павильоны были величайшим проявлением интереса правителей Цин к искусству Европы. Эти дворцы в европейском стиле были частью Юаньминь Юань или Старого летнего дворца в Пекине, летней резиденции императора Цяньлуна. Спроектированные священниками-иезуитами, павильоны, большинство из которых были построены между 1756 и 1766 годами, были основаны на моделях в стиле барокко и включали грандиозные фонтаны и статуи.В 1780-е гг. Был заказан комплект гравюр на медных пластинах с изображением европейских павильонов. Этот альбом, копия которого находится в нашей коллекции, представляет собой важную визуальную запись павильонов, разрушенных английскими и французскими войсками в 1860 году.

Важной особенностью искусства и дизайна барокко является использование человеческих фигур. Представленные как аллегорические, священные или мифологические, эти фигуры помогли превратить произведение в драму, чтобы передать определенные сообщения и вызвать эмоции зрителя.У них есть чувство реалистичной непосредственности, как если бы они были остановлены на полпути. Выражение лица, поза, жест и драпировка использовались для добавления драматических деталей.

Бюст короля Англии Карла II из нашей коллекции идеально передает драматизм портретной живописи в стиле барокко. Изображенный в оживленной манере, его голова повернута набок, а над кружевным галстуком и вздымающейся драпировкой ниспадает сложный парик. Такие величественные изображения монархов и могущественных аристократов в стиле барокко были более распространены во Франции 17-го века, чем в Англии, но Чарльз провел большую часть своей юности в континентальной Европе и отдавал предпочтение европейским художникам.Бюст выполнен в традициях ярких и внушительных портретов монархов и недвусмысленно подтверждает статус короля.

Производительность архитектуры

Здания в стиле барокко также были динамичными и драматичными, они использовали и нарушали правила классической архитектуры. Внутри архитектура перекликалась с театральными приемами: расписные потолки заставляли комнаты казаться открытыми небу, а скрытые окна использовались для освещения куполов и алтарей.

Опять же, дизайн использовался для передачи определенных значений и эмоций. Папский Рим стал ключевым местом религиозной архитектуры в стиле барокко. Пример театральности барокко можно найти в дизайне площади Святого Петра Джанлоренцо Бернини (1598–1680). Его величественные, внушительные изогнутые колоннады, в центре которых находится обелиск, используются как для того, чтобы ошеломить посетителя, так и для того, чтобы привлечь его в объятия церкви.

Архитектура барокко также повлияла на формирование общественных пространств города.Публичные торжества играли важную роль в политической жизни нации. Обычно такие мероприятия проходили на открытом воздухе и представляли собой тщательно продуманные зрелища. Городские площади, такие как Пьяцца Навона в Риме и Площадь Луи-ле-Гран (ныне Вандомская площадь) в Париже, были фоном для фейерверков, щедрых театральных представлений и шествий в сложных и дорогих костюмах.

Впечатляющая архитектура также использовалась для усиления власти абсолютных правителей, например, Версальский дворец во Франции — наиболее имитируемое здание 17 века.В 1717 году шведский архитектор Никодемус Тессин Младший составил «трактат об украшении интерьеров для всех видов королевских резиденций и других выдающихся мест как в городе, так и в деревне», основываясь на своих путевых заметках. Одним из самых дорогих нововведений, которые он зафиксировал в последнее время, было наличие таких больших зеркал, что они покрывали целые стены. Он также отметил использование стекла над камином в Королевской палате в Версале.

Увлечение физическими материалами было центральным в стиле барокко. Виртуозные предметы искусства из редких и драгоценных материалов издавна ценились и хранились в специальных комнатах или шкафах вместе с образцами естествознания, научными инструментами, книгами, документами и произведениями искусства. Однако в период барокко рождение современной науки и открытие мира за пределами Европы вызвали все более серьезный интерес к природе и значению этих экзотических материалов.Такие раритеты, как фарфор и лак из Восточной Азии, вошли в моду, и им подражали в Европе. Также были разработаны новые методы, такие как маркетри (укладка шпона из древесины разного цвета на поверхность мебели), разработанные французскими и голландскими краснодеревщиками и заимствованные у них в других странах.

Ценность таких материалов можно увидеть в фарфоровой чашке из нашей коллекции. Изготовленный между 1630 и 1650 годами в Китае первоначально как сосуд для кистей для письма, позже в Лондоне были добавлены экстравагантные позолоченные серебряные оправы, которые превратили сосуд для кистей в роскошную декоративную чашку с двумя ручками и крышку.

Изображения природного мира, а также мотивы, заимствованные из человеческих и животных форм, были популярными элементами декора. Самым распространенным видом цветочного декора в стиле барокко был бегущий свиток, часто сочетающийся с акантом — стилизованным вариантом настоящего одноименного растения. Кружка конца XVII века в нашей коллекции отличается пышным цветочным декором.Листья цветов превратились в извивающуюся листву, а сами цветы имеют полосатые лепестки, которые, вероятно, представляют собой тюльпан, еще один ключевой мотив искусства барокко.

Аурикулярный стиль с мягкими, мясистыми абстрактными формами также возник в начале 17 века, создавая эффект неоднозначный, наводящий на размышления и причудливый.Фактически, термин «барокко» появился позже — «причудливый» был одним из слов, используемых в то время для обозначения стиля, который мы ассоциируем с сегодняшним барокко.

Театр был площадкой для великолепных постановок драмы, балета и оперы — нового вида искусства в то время. Эти представления с их богато украшенными костюмами, сложными декорациями и оригинальным оборудованием вызывали изумление и трепет. Театр пользовался успехом как у публики, так и при дворе. Написанная Жаном-Батистом Люлли для французского двора Людовика XIV (годы правления 1643–1715), опера Атис была настолько любима королем, что стала известна как «Королевская опера».В нашей коллекции есть перо и чернила для костюма героя Геркулеса в Atys . Он изображен в балетной позе, одет в костюм в римском стиле и идентифицирован по дубинке и львиной шкуре.

Театр также сыграл свою роль в борьбе за власть между европейскими дворами. Правители соперничали друг с другом в великолепии своих постановок.Во Франции театр и опера также стали ключевым элементом культурной политики Людовика XIV, которая использовалась для управления дворянством и выражения его силы и великолепия. В начале 18 века само здание театра приобрело новое значение как доказательство придворной, гражданской или технологической мощи. Возникшие в результате новые здания по всей Европе создали театр в том виде, который мы знаем сегодня.

Однако к середине 18 века стиль барокко, казалось, все больше не соответствовал настроениям того времени, в котором все большее внимание уделялось разуму и научным изысканиям.Барокко критиковали как «аморальный» стиль, а искусство и дизайн отказались от использования эмоций, драмы и иллюзий, вернувшись к более простому стилю, вдохновленному классической древностью. Лишь в конце 19 века стиль снова стал подвергаться критической переоценке.

Фоновое изображение: Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710–2020 годы, Англия. Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Элементы стиля барокко

Взаимосвязанные тенденции.

В последней четверти шестнадцатого века первые наметки путей, которыми должен был следовать стиль барокко семнадцатого века, стали очевидны в Болонье, епископальном городе, управляемом католическим реформатором Габриэль Палеотти. Лидеры этой болонской школы, Лодовико, Аннибале и Агостино Карраччи, пришли к созданию нового вида искусства, во многих отношениях противоположного интеллектуальному формализму и изысканности маньеристов. Их новый стиль отвечал требованиям католической Реформации о религиозных трудах, которые были ясными и легко понятными и обращались к сердцам верующих.Благодаря многочисленным ученикам, которых Карраччи преподавали в Болонье, к концу века этот новый стиль превратился в узнаваемую школу живописи. На итальянской художественной сцене по-прежнему сохранялось большое разнообразие, поскольку многие мастера-маньеристы продолжали находить восприимчивую аудиторию, готовую поддержать их заказами. Однако с прибытием Аннибале Карраччи в Рим в конце 1590-х годов передовой художественный центр Италии был представлен художником, сознательно стремившимся возродить многие принципы дизайна Высокого Возрождения.Его работы выступали за возврат к натурализму и к чувству порядка и гармоничного баланса, которыми были отмечены работы Микеланджело, Рафаэля и Корреджо в начале шестнадцатого века. В то же время новое драматическое чувство движения и даже экстатическое религиозное благочестие сыграли свою роль в его творчестве. Другими словами, его обращение к эмоциям было гораздо глубже, чем интеллектуализм стиля Высокого Возрождения. Усилия Аннибале Карраччи и его болонских учеников, последовавших за ним в Рим, были особенно важны для установления одной особенности изобразительного искусства в эпоху барокко: его попытки обуздать эмоции, впечатляя зрителей чувством драмы и кульминационным целым, которое было больше, чем его части.Болонское видение было лишь частью сложных стилистических изменений, происходивших в Риме в конце шестнадцатого и начале семнадцатого веков. В эти годы выдающийся талант Микеланджело Меризи да Караваджо прокладывал новый путь в развитии барокко. Работы Караваджо отличались реалистичностью. В отличие от тщательных предварительных исследований и рисунков, которые Аннибале Карраччи и болонская школа сделали перед живописью, Караваджо работал непосредственно с натурщиков, используя эту технику, чтобы запечатлеть непосредственность моментов, которые он рассказывал в своих работах.Он одевал своих моделей в современные костюмы и полагался на драматическое освещение, чтобы окунуться в контрасты света и тьмы. По мере того как примеры Караваджо, Карраччи и других болонских художников стали цениться на римской художественной сцене, другие начали экспериментировать с техникой, продемонстрированной этими фигурами. Некоторые из них, известные как «Caravaggisti», пошли по пути сурового реализма Караваджо, в то время как другие стали отражать более классические болонские ценности. Третьи стремились объединить оба вида художественного видения.В целом, однако, ни одна из тенденций, которые очевидны в раннем барокко в Риме — возвращение к классицизму Высокого Возрождения, появление чувства динамического движения в картинах и скульптурах и стремление изображать предметы так, как это было возможно. чрезвычайно реалистично — было взаимоисключающим. Мы часто видим художников первых поколений барокко, экспериментирующих со всеми тремя из этих элементов, чтобы создать новые виды художественного выражения, отвечающие религиозным, социальным и интеллектуальным требованиям своего времени.

Карраччи.

Город Болонья был самым северным форпостом Папской области в Италии, земель, которые Папа контролировал как свою собственную территорию на полуострове. В 1580-е годы братья Аннибале и Агостино Карраччи и их двоюродный брат Лодовико Карраччи основал успешную студию в Болонье, которая экспериментировала со способами возрождения классицизма Высокого Возрождения. Вскоре у них появилось много учеников, и их усилия, наряду с усилиями ряда других болонских художников, привели к тому, что художественные комиссии в Центральной Италии отдалились от господствовавшего тогда движения маньеристов.Из этих троих именно Лодовико Карраччи (1555–1619) больше всего претендовал на звание ученого, хотя Аннибале должен был занять нишу как наиболее успешный художник. Лодовико был старшим из троих, и, за исключением короткого визита в Рим и некоторых путешествий в юности, он провел почти всю свою карьеру в провинциальной Болонье. В то время как Лодовико пытался вернуться к классицизму и натурализму Высокого Возрождения, некоторые влияния маньеризма сохранились в его творчестве. Его особенно привлекали цвета венецианской живописи, и, как и все три Карраччи, он очень восхищался работами Корреджо (1489–1534), художника из Пармы, чьи монументальные потолочные фрески в соборе этого города вдохновили несколько поколений барокко. художники.Влиятельный на местной сцене Болоньи, Лодовико Карраччи оставил еще больший след в искусстве того времени благодаря своему влиянию на своих младших кузенов, а также на нескольких своих учеников, наиболее важным из которых был Гвидо Рени, плодовитый семнадцатый человек -вековой мастер. Ранние эксперименты Лодовико по возрождению более натуралистического и классического стиля изображения вскоре были вытеснены его кузенами Аннибале и Агостино, хотя Лодовико помог заложить основу для более позднего успеха Карраччи, в его усилиях присоединиться к флорентийской традиции рисования ( disgno ). с венецианской и северной итальянской колористической техникой ( цвет )На протяжении большей части XVI века художники и теоретики спорили, какая из этих двух традиций лучше. Например, венецианские и северные итальянские художники уже давно известны за изысканность своих цветов и их попытки передать массу и глубину за счет создания богатых слоев масла на холстах и ​​панелях. Напротив, флорентийская традиция рисовать картинки на основе этюдов и в соответствии с рационально задуманной программой рассматривалась как совсем другая традиция.Знаменитая студия Карраччи в Болонье попыталась наладить союз между этими двумя отличительными традициями.

НОВЫЕ ОТКРЫТИЯ

Введение: Художники эпохи барокко, достигшие зрелости в начале семнадцатого века, были неутомимыми исследователями искусства, путешествуя по Италии в поисках вдохновения. Большинство из них возненавидели многие направления маньеризма в искусстве и вместо этого искали более древнее вдохновение у Микеланджело или других известных художников эпохи Возрождения. Великая фигура Антонио да Корреджо (1494–1534) был одним из художников, которыми восхищался Аннибале Карраччи.Несмотря на свою короткую жизнь, этот художник оставил после себя ряд важных фресок в Парме и ее окрестностях. В 1580 году Карраччи написал письмо своему двоюродному брату в Болонью вскоре после прибытия в город. Он описал свое волнение, увидев работы этого великого и относительно недооцененного мастера. Развивая свой стиль, Карраччи черпал вдохновение в стремительно движущихся формах искусства Высокого Возрождения Корреджо.

Я не знаю, сколько всего я видел сегодня утром, кроме алтаря с изображением св.Иероним и Святая Екатерина, и картина Мадонна с чашей на пути в Египет. Клянусь небесами, я бы не стал обменивать ни одну из них на St. Cecelia ! Скажите себе, что милость святой Екатерины, которая так очаровательно склоняет голову над ногой этого прекрасного Младенца Христа, не прекраснее Марии Магдалины? И этот прекрасный старик, святой Иероним, разве он не больше величия и нежности, чем святого Павла Рафаэля, который сначала казался мне чудом, а теперь кажется совершенно деревянным, твердым и острым? Более того, нельзя сказать так много, что даже ваш Пармеганино вынужден мириться с этими замечаниями, ибо теперь я знаю, что он пытался подражать благодати в изображениях этого великого человека, но он все еще далек от того, чтобы получить ее. путти Корреджо дышат, живут и смеются с такой грацией и правдой, что нужно смеяться и веселиться с ними.

Я пишу своему брату, что ему абсолютно необходимо приехать сюда, где он увидит то, что мы никогда бы не поверили возможным. Ради любви к Богу побуди его быстро выполнить эти две задачи, чтобы прийти сюда сразу. Я заверяю его, что мы будем жить вместе в мире. Между нами не будет ссор. Я позволю ему говорить все, что он хочет, и займусь зарисовками.Также я не боюсь, что он не сделает то же самое и откажется от разговоров и софизмы, которые являются пустой тратой времени. Я также сказал ему, что постараюсь быть к его услугам, и когда я немного узнаю, я буду спрашивать и искать возможности.

источник: Аннибале Карраччи в Документальная история искусства. Т. II. Эд. Элизабет Г. Холт (Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday Books, 1958): 72–73.

Аннибале Карраччи и потолок Палаццо Фарнезе.

Величайшим из этих трех мастеров был Аннибале. (1560–1609), который, возможно, рано изучал живопись со своим двоюродным братом Лодовико, но в молодости на него также повлияли течения маньеризма в Болонье. Даже в своих юношеских работах Аннибале продемонстрировал творческое слияние множества различных живописных стилей, распространенных в Центральной и Северной Италии. Как и Лодовико, он был очарован флорентийской традицией рисовального дизайна, но не менее увлечен богатыми колористическими приемами венецианского искусства.Его работы на раннем этапе демонстрировали более глубокий натурализм, чем тот, который присутствует в искусственном и очень элегантном мире маньеризма, и у него появилось много поклонников, в том числе кардинал Одоардо Фарнезе, в то время высокопоставленный член церковного правительства. В 1595 году по настоянию Одоардо в Рим приехал Аннибале. Одоардо поручил Аннибале расписать большую галерею во дворце кардинала. Работа была одним из первых определяющих шедевров барокко и композицией, которая вызвала всеобщее восхищение вскоре после ее завершения в 1600 году.В то время творение Карраччи было равноценно потолку Сикстинской капеллы Микеланджело или фрескам папских квартир, которые Рафаэль выполнил примерно в то же время. За столетия такие экстравагантные оценки Галереи Фарнезе поблекли, но, тем не менее, это блестящее достижение. Сюжетом одиннадцати главных фресок, написанных Карраччи в зале, была любовь языческих богов. Хотя на первый взгляд тема кажется дохристианской, в работе действительно удается восхвалять христианские добродетели за счет использования ряда скрытых символов и более глубоких значений.Использование интеллектуально продуманной программы должно было стать типичной чертой потолков в стиле барокко, равно как и использование многих завуалированных и скрытых значений. В то же время произведение доступно своей торжествующей образностью, монументальностью и впечатляющим чувством динамичного движения. Стилистически в потолке использованы идеализированные человеческие формы, похожие по ощущениям на фрески великой Сикстинской капеллы Микеланджело. Чтобы организовать дизайн, Аннибале Карраччи разделил ствол зала или округлый свод на несколько различных изображений, каждое из которых он обрамлял иллюзионистскими устройствами, так что они, казалось, были помещены в отдельные кадры.Между многими из них он поместил классические обнаженные тела, снова нарисованные так, чтобы они выглядели как скульптуры и, казалось, играли роль кариатид , древних статуй, поддерживающих портики храмов. В целом потолок производит впечатление художественной галереи образованного коллекционера, наполненной изображениями, напоминающими собрание античного искусства и скульптур. На протяжении всей работы Карраччи также сочетал почтенные традиции рисования с северным итальянским чувством цвета.В результате своего примера он вдохнул новую жизнь в форму фрески, создав стиль композиции, который должен был широко имитироваться в течение следующих двух столетий в любом количестве монументальных потолочных циклов, выполненных художниками как в Италии, так и за рубежом.

Другие болонские художники в Риме.

В первые годы семнадцатого века ряд других художников из студии Карраччи перебрались из Болоньи в Рим, в том числе Гвидо Рени (1575–1642), Доменикино (1581–1641) и более известные Франческо Барбьери. как Гверчино (1591–1666).Рени и Доменикино обучались в мастерских Агостино и Лодовико Карраччи, а Гверчино приехал туда молодым художником и попал под их пример. Хотя влияние стиля Карраччи очевидно во всех их работах, каждая из этих фигур развивала несколько иное направление в своем искусстве. В 1601 году Гвидо Рени был призван в Рим папством, и, хотя он оставался там в течение следующих полутора десятилетий, он разделил свое время между столицей церкви и Болоньей.Часто из-за несогласия со своим папским покровителем ему на время угрожали арестом за неуважение к папской власти. Дома, в Болонье, он основал большую и успешную студию, которая выполнила множество религиозных картин в новом стиле для церквей в Центральной и Северной Италии. Около 250 его работ сохранились до наших дней, что свидетельствует о плодородии его художественного воображения и о том, с каким усердием он развивал свою мастерскую. Рени написал несколько изображений Девы Марии, которые были широко скопированы.С коммерческой точки зрения он был самым успешным из многих художников, процветавших в Италии в то время, и пользовался всеобщим восхищением за его способность передать религиозное чувство экстаза таким способом, который казался почти захватывающим. Лично он был глубоко религиозным, как и многие художники болонской школы, но в то же время избегал похвалы и, похоже, страдал от противоречивой сексуальной натуры. Его склонность выражать религиозные чувства в своих работах таким образом, чтобы предполагать приземленность, заставила историков искусства девятнадцатого века обесценить его работы как чрезмерно сентиментальные.Его картины недавно подверглись переоценке, и его влияние на художественную культуру того времени стало более понятным. Напротив, работа Доменикино была более классической по духу и организации. Художник создал ряд работ на мифологические и античные темы, отличающиеся использованием героических фигур в пейзажах, имеющих классическое происхождение. Изображение человеческих эмоций Доменикино было более бурным и менее идеализированным, чем у Рени, за что многие художественные академики критиковали его в конце семнадцатого века.Даже в течение своей жизни ему приходилось защищаться от обвинений в том, что его работы были производными, поскольку он часто собирал многие свои фигуры и пейзажи на основе своих знаний о предыдущих произведениях искусства. Долгоживущая фигура Гверчино (прозвище, означающее «косоглазый») также имела успех на сцене в Риме, где он произвел сенсацию, создав потолочную фреску, посвященную мифу о Аврора в садовой пристройке. на вилле Людовизи. Благодаря своему мастерству иллюзионистских техник, он перенес линии структурной архитектуры комнаты вверх на потолок и заполнил свод узким каналом, отмеченным этими ложными иллюзорными структурами.Через это пространство движется колесница Авроры с путти, (маленькие ангельские фигурки), голубями и облаками, разделяющимися и рассеивающимися по ее следу. Его стиль здесь, как и везде, был в высшей степени изысканным и роскошным. Несколько позже Гверчино уехал в родной Ченто недалеко от Болоньи, где продолжал руководить успешной студией. В начале 1530-х годов королева Франции Мария Медичи подумывала о том, чтобы нанять его на время в качестве придворного художника, но не смогла этого сделать, когда была вынуждена покинуть страну из-за споров со своим сыном королем Людовиком XIII.Хотя он ездил выполнять заказы, Гверчино продолжал жить в Ченто до своей смерти в 1666 году в возрасте семидесяти пяти лет.

Важность Болонской школы.

Расцвет особой школы живописи в Болонье оказал глубокое влияние на искусство Италии семнадцатого века. Отличительное сочетание натурализма, классического стиля и колористических техник, созданное этими болонскими художниками, должно было начать оставлять свой след в художественной среде Рима около 1600 года.Возникновение других конкурирующих взглядов на барокко не ослабило энтузиазма болонских мастеров, хотя они стали пользоваться одобрением в одних дворах и городах, в то время как в других местах игнорировались. В образе Караваджо (1573–1610) развилось второе, еще более драматическое видение нового стиля. Это в целом более бурное и динамичное искусство появилось на римской сцене примерно в то же время, когда Аннибале Карраччи писал свои знаменитые фрески в галерее дворца Фарнезе в Риме.Как и Карраччи, работа Караваджо должна была привлечь множество учеников, которые увидели в его поразительно реалистичных картинах с их сильными контрастами света и тени подходящее средство для передачи религиозных тем эпохи. Эти последователи Караваджо должны были стать известными как «Караваджески», отличительная школа последователей, которые подражали руководству своего вдохновения, точно так же, как болонские художники стали тщательно моделировать свои композиции по образцам Лодовико, Аннибале и Агостино Карраччи.Это разделение живописного мира в Италии семнадцатого века на соперничающие лагеря — одна из отличительных черт той эпохи. В то же время можно увидеть, что художники, работающие в Риме, черпали вдохновение в обеих школах живописи.