Как рисовать в реализме: О реализме, фотореализме и стиле вообще

О реализме, фотореализме и стиле вообще

«Я знаю, что анатомия неправильная, но таков мой стиль», «У этого рисунка нет стиля», «Мне нравится ваш стиль». Мы часто используем слово «стиль», не до конца понимая его значение. Мы понимаем его на подсознательном уровне, как «любовь» или «искусство», но не так уж легко конкретно определиться, что это.

В этой статье я попыталась проанализировать стиль: что это? Можно ли его осуждать? Все ли стили одинаково хороши? Может ли стиль скрыть недостаток таланта? Что делает стиль реалистичным? Что неправильного в копировании чужого стиля? И, самое важное, как мы можем развить наш собственный стиль?

Ответы на эти вопросы заложены в самом рисовании. Если вы никогда не пытались понять что такое рисование, выводы могут удивить вас!

Стиль? Что это? Я даже рисовать не могу!

Или можете? Леди и джентльмены, с удовольствием представляю вам урок по тому, как рисовать!

Шаг 1

Возьмите что-нибудь, что красится, когда на него надавливают (карандаш, например).

Шаг 2

Надавите этой вещью на материал (что-нибудь твердое типа бумаги, дерева и т.д.).

1 –надавливание

Шаг 3

Передвиньте ту штуку с силой, чтобы оставить след.

1 – надавливание, 2 – перемещение

Звучит абсурдно? Но это на самом деле рисование! В основном определении нет ничего о красоте или реализме. К сожаленью, каждый может рисовать – даже слепой!

Это рисунок!

Однако, полное и объективное определение рисования связано с кое-чем более туманным – стилем. Рисование даже чаще ассоциируется с одним конкретным стилем: реализмом. Каким-то образом ценность рисования была связана с тем, насколько оно реалистично. Когда ребенок слышит, что у него есть талант к рисованию, это не, потому что его линии аккуратные, или ему удалось закончить картину без резинки – это только потому, что люди могут понять, что он нарисовал!

Возможно, это талант. Возможно – упорство

Когда кто-то говорит «Я не умею рисовать», он, скорее всего, говорит не о неумении держать карандаш, недостатке времени или еще о чем-нибудь, он подразумевает «Я не знаю, как отобразить реальность на листе бумаги». Если он это осознает, проблема этого человека станет легко решаемой: если ты не знаешь, как сделать что-то, найди того, кто умеет, и научись этому от него! Однако выражение «Я не умею рисовать!» используется не равнозначно «Я не умею плавать/говорить на китайском/играть в шахматы (пока)». Это сигнал безнадежной неспособности: «кто-то там умеет рисовать, а я нет». Откуда взялось это отчаяние?

Как мы говорили, есть 2 определения рисования: оставление следов на материале и создание этих следов, но уже похожих на что-то реальное. Смешение этих значений может стать фатальным для начинающего художника. Вы знаете, как легко рисовать (ведение карандашом по листу бумаги), но в то же время вы не можете это сделать (нарисовать дракона, например). Как еще вы можете это объяснить, если только те люди, которые умеют рисовать, не обладают секретной магией?

Базовый рисунок и рисунок со стилем

Только что вы сделали первый шаг к пониманию того, что такое «талант». Талантливый человек не тот, кто «родился с уже готовыми навыками». Талант – это предрасположенность к чему-нибудь, не ограничиваясь только искусством.

Давайте приведем пример. Управление самолетом это легко, так? Вам всего лишь нужно сидеть, передвигать рычажки и нажимать кнопки время от времени.… Нет, конечно, никто так не скажет. Мы все можем догадаться, что чтобы управлять самолетом нужно, обладать огромными знаниями. Талантливый пилот не родился с этим – однако, он мог родиться с чем-то меньшим: хорошими рефлексами или хладнокровием. Эти маленькие вещи могут помочь ему во многих профессиях, и если он станет пилотом, они хорошо послужат ему.

Талант в практический профессиях проще ассоциируется с изучаемыми навыками. Даже когда вы говорите, что пилот или водитель имеет талант, вы подразумеваете это, как вишенку на торте, что-то, что делает их хорошими пилотами и водителями. Но для художественных профессий… ну, тут другая ситуация. «Ваши работы прекрасны, вы так талантливы!» говорят люди каждому хорошему художнику, подразумевая, что талант – это обязательно хорошо рисовать. И если вы не можете хорошо рисовать, это, наверно, потому что у вас нет таланта – вы обречены, как художник. Хорошая причина чтобы отчаяться, не так ли?

А – водитель, В – художник; 1 – плохой, 2 – хороший, 3 – талантливый.

Давайте повторим еще раз – нет такой вещи, как «талант к рисованию». Как в примере с пилотом, вы можете родиться с маленькими, общими качествами, такими как терпение, чувствительность, любопытство, перфекционизм или упрямство. Их может быть и больше, но объединяет их только одно – они не специфичны, не разработаны для одного конкретного навыка, но влияют на различные области деятельности. Вы можете использовать их, чтобы стать хорошим художником – но они не необходимы. Вы можете стать программистом или часовщиком, и никогда не касаться карандаша.

Я верю, что большинство этих качеств, применимых к рисованию, могут использоваться и по-другому. Что важно вам понять: рисование должно активно изучаться – это не магия, это навык, которому учиться надо так же, как и управлять самолетом. Я серьезно! Вам нужно научиться основам не только дизайна, но и медицины, архитектуры, математики и физики. Но прежде того, как мы поймем, что на самом деле такое рисование, давайте перейдем к тому, чего вы прежде делать, вероятно, не могли – реалистичному рисованию.

Реализм

Вообще, реализм — это стиль создания чего-то в нашем мозгу, что определяется как «реальное» или близкое к реальному. Мы легко можем назвать скульптуру реалистичной, но что насчет плоского листа с чем-то расплывшемся на нем? Как это может быть опознано, как что-то реальное? Я описала это здесь, но сейчас я бы хотела уточнить эту тему.

Наш мозг создает реальность, которую мы воспринимаем, как серию двухмерных снимков, создающихся каждую долю секунды. Глубина же создается сравнением 2 снимков, взятых в один и тот же момент времени, но немного с разной позиции (это не единственный способ создать глубину, ведь, даже с одним глазом, мы можем справится с этим очень хорошо). Поэтому, рисунок может считаться «мозговым снимком», выставленным всем на обозрение.

Отсюда несколько проблем:

• Хоть все «снимки» и сохраняются в нашем мозгу, наше сознание недостаточно быстро, чтобы процессировать их все. Как мы не видим отдельного кадра в фильме, мы не можем заметить и один «снимок» – мы видим только движение, создаваемое изменениями между ними.

• Реальность, которую мы видим, состоит из многих различных «снимков», которые постоянно меняются. Одно движение головы и ты понимаешь, насколько большим будет предмет, если подойдешь ближе (даже если он выглядит маленьким сейчас). Перспектива – неотъемлемая часть нашей реальности – мы не можем вообразить мир без нее. Даже если перспектива существует только в нашем мозгу!

• Невозможно нарисовать реальность – один «снимок» не сделает этого. Следовательно, каждый рисунок это какой-то компромисс и симуляция реальности – обычно несколько снимков объединяются в один, чтобы сделать наше видение полным.

• Вы не можете двигать ваши глаза в одном «снимке». Вы можете только смотреть на что-то, находящееся в вашем фокусе (предмет входит в фокус, когда вы посмотрите на него, изменяя всю сцену). Поэтому рисунок – замороженный «снимок», и когда вы смотрите на это, вы не можете видеть то, что видел рисовальщик.

Существует много уровней реализма. Наш мозг хорошо адаптирован для наблюдения шаблонов, так что мы можем видеть вещи, которых на самом деле здесь нет, как, например, лицо на Марсе или знаки, нарисованными чайными листьями. Вот почему сравнительно легко достичь базового уровня реализма без слишком долгого обучения – наш мозг простит это. Одним из признаков «таланта к рисованию» может быть возможность создавать эти шаблоны очень эффективно – но это не навык, это только догадки. Если вы нажимаете случайно несколько кнопок и заставляете этим машину заработать, это не значит, что вы управляете ею!

Разницу между талантом к созданию шаблонов и реальным навыком легко обнаружить – если вы привязаны к каждому симпатичному рисунку и боитесь, что никогда не нарисуете так больше – это результат таланта. Мастерство не берет удачу за основу!

Линии слева были полностью случайными!

Уровни реализма создаются разными элементами, за которые цепляется наш мозг, ища что-то, чтобы распознать это. Некоторые из них важнее других, и они могут отличаться у разных людей.

Контуры

Линии – значение рисунка. Однако, они не то же самое, что и контуры – контур это линия, которая означает разделение между чем-то «внутри» и «снаружи». Мы очень хороши в видении контуров, даже если их не существует в природе в виде линий. Они полностью произвольны, каждый художник может использовать разные контры для одного объекта.

Это первый этап, на котором появляется стиль. Если что-то произвольно, каждый может создать свою версию этого предмета – и ни одна их них не будет более или менее правильна. Нужно добавить другой стандарт, чтобы судить по нему. Это мы и делаем обычно – мы используем ярлыки, на подобии «реалистично» (очень напоминающий что-то реальное), «мультяшно» (немного линий, символичные фигуры) или «манга» (характерный японский стиль).

Если различие между реальностью и мультфильмом настолько велико, почему каждый не-реалистичный стиль выглядит правильным и приятным глазу?

Каждый стиль приходит от искажения Реализма

Если вы хотите нарисовать кота, вы не можете нарисовать что-то совершенно новое и сказать, что это кот (если только вы не сюрреалист – но даже в этом случае вашей целью должно быть не нарисовать кота). Вам нужно взять все специфичные черты котов и скомбинировать их, чтобы создать новую версию животного. И вам нужно знать правила, чтобы разрушить их. Если вы никогда не рисовали кота прежде, и никогда не изучали его анатомии и пропорции, не ждите, что ваш рисунок будет правильным. Это, как с моделью машины – если вы не можете построить оригинал в первую очередь, вы не можете сделать и свою версию.

Каждый стиль основан на Правилах

Все должно иметь замысел – вы не должны случайно передвигать элементы. Вот почему начинающие художники обычно имеют проблемы с перерисовыванием их персонажей – первый рисунок – результат догадки, и даже если он выглядит хорошо, художник не понимает почему!

Если ваш «стиль» не основан на правилах, это не стиль. Стиль можно описать – и если ваш не имеет правил, как вы можете описать его? «Стиль Х характеризуется… ну, на самом деле это было нарисовано Х». Здесь не больше смысла, чем в характеристике  машины Y: «это выглядит, как машина Y». «Спонтанность», «случайность» или «безумие» не совсем хорошие слова для описания стиля. Здесь должно быть больше определений – рецепт, который вы можете использовать снова и снова – даже если вы единственный человек, знающий все о своем стиле.

Правила делают стиль повторяемым; именно на его основании. Одна картинка не создает стиль, их должно быть больше. Это приносит нам следующую проблему:

Стиль сознателен

Вы можете подумать «ты говорила стиль приходит из реализма, но что насчет абстракционизма?»

Во-первых, искусство не равно стилю. Это гораздо обширнее и мы не будем говорить о нем здесь..Что важно для стиля – он может быть описан на многих уровнях детализации. Образец «Дерево» можете выглядеть как: рисунок – черное и белое – манга – (сюда поместите конкретные правила). То же самое с абстрактным искусством: рисование – цветное – абстрактное – (сюда поместите конкретные правила).

Во-вторых, это может прозвучать спорно, но я считаю, что и абстракции произошли от реализма – это его отрицание. Чтобы создать что-нибудь абстрактное, вы нуждаетесь в знаниях о том, что такое неабстрактное. Если вы хотите нарисовать темную картину, вам нужно знать, какие цвета вам нужны – вам нужно знать, что не темное. Кот не выглядит котом, потому что вы не научились рисовать не абстрактно – это просто ошибка. Когда финальная картинка полностью отличается от того, что в вашей голове, и вы притворяетесь, что этого вы и хотели, вы только обманываете себя.

Может, я выхожу из своей компетенции здесь: определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать это пятном, состоящим из красок, брошенных на стену (это потому что искусство настолько случайно и непреднамеренно). До тех пор, я не назову случайность стилем – и даже если я делаю это, определение стилем будет «рисунок, который не был намерением художника». Не хотите ли вы поделиться своим стилем с 2-х летним?

Это мама, папа и Бади. Возможно, вы не можете распознать их, но это мой стиль.

Золотое сечение – мера красоты

Это большая тема, но определенно стоящая изучения. В основном, это пропорции, которые заставят ваши предметы выглядеть хорошо – и наоборот, предметы выглядят плохо, без конкретных пропорций. Наш мозг как-то подстроен под золотое сечение – вы не можете изменить его. Чистая математика имеется в каждом цветке и листочке, и та же математика должна быть применена ко всему, что вы создаете, чтобы ваш мозг распознал это, как верное, даже если ваш рисунок не реалистичен.

Конечно, могут и должны быть маленькие различия (идеальная красота скучная, а небольшие дефекты могут быть приятными). Но основное «тело» вашего объекта должно следовать этим правилами, хотя бы примерно. Так что даже когда вы меняете голову, чтобы нарисовать ее в мультяшном стиле, есть некоторые размеры, которые должны всегда выглядеть хорошо, а некоторые нет – возможность видеть их без измерений может быть еще одним признаком «таланта», но этот приходит и с практикой.

Пропорции между А и В такие же, как между А+В и А

Адаптация

Есть одна вещь, которая может сохранить ваш стиль, неважно насколько он безумен и далек от реализма. Это зовется адаптацией – когда вы смотрите на что-то необычное часто, это становится нормальным для вас (но не для других). Так что если вы показываете ваши рисунки одним и тем же друзьям на протяжении долгого времени, они могут начать понимать их. Их оценка  может привести к ложному предположению о наличии у вас стиля, но он до сих пор не понятен другим. Не запирайте себя в зоне комфорта, но, вместо этого, слушайте мнения других людей, не только ваших фанатов. Это единственный путь развиться, как художнику.

Есть и другая сторона адаптации. Мы, как правило, учитываем только те вещи, с которыми мы знакомы как с «нормальными». Вот почему даже правильно нарисованный, но малоизвестный динозавр может выглядеть анатомически неправильным, и анатомия кошки по отношению к лемуру может пройти незамеченной. Забавный факт: те же 4 ноги, те же уши, размещенные в верхней части головы более оправданы, чем три ноги и уши на макушке – это только потому что подобное часто встречается в нашем мире и, таким образом, воспринимается как естественное.

Длинный полосатый хвост? Есть! Черная маска на голове? Есть! Круглые глаза? Есть! Тонкое тело? Есть! Все верно – это должен быть лемур

Свет и тень

Первой целью видения была способность различать свет и тень. Мы до сих пор чувствительным к этому. И нам не нужны контуры, чтобы видеть форму, если даны свет и тень. Это может быть новой стадией рисунка (затемнение с помощью линий) или первой стадией живописи.

Мы заметили, что есть несколько элементов, которые могут относиться к «таланту к рисованию», как терпение, перфекционизм, способность создавать шаблоны и распознавать пропорции. Талант к живописи встречается гораздо реже. Его основой будет «глаз для наблюдений». Идея о том, что мир создан из контуров, настолько закреплена в нашем мозгу, что очень трудно увидеть фигуры, созданные светом и тенью. Вам нужно приложить реальные усилия, чтобы визуализировать мир таким, какой он на самом деле – покрытый светом и тенью. И даже тогда попытка живописи может привести к боли в мозгу (у меня, по крайней мере). Однако это того стоит – рисунок со светом и тенью выглядит гораздо реалистичнее для наших глаз, чем сложный и изысканный шедевр, состоящий только из контуров.

Свет и тень, и формы, которые они создают, так же открыты для стиля, как и контуры. Размер и форма кисти обводки дают вам шанс создать бесконечное число полностью различающихся интерпретаций увиденного. Когда вы добавляете ваше собственное видение света и тени, вам не нужно бояться не быть понятым. Прочитайте больше о свете и тени здесь— и удивитесь, как вы можете использовать эти правила для создания вашего собственного стиля.

Цвет

Цвет это отличное добавление к зрению, приносящая много новой информации. Сейчас, помимо освещенности, мы получаем оттенок, насыщенность и яркость. Чем больше элементов составляют картинку, тем больше возможностей для создания индивидуального стиля.

Вы можете быть реалистичным – но не обязаны. Я часто вижу художников, которые хороши в реалистичном рисовании (контуры) и потом берут самые реалистичные цвета – все так, как на самом деле. Это не необходимо, даже больше, это приносит вас ближе к скучному фотореализму! И проблема с фотореализмом (давайте поговорим о нем попозже) – это стиль, который выглядит одинаково, независимо от того, кто его использует. Если вы хотите свой отличительный стиль, чтобы он был полностью вашим, экспериментируйте с правилами. Вам нужно знать их, конечно, изучайте природу и объекты вокруг вас, но потом поменяйте то, чему вы научились. Создайте собственные правила!

Apofiss – стиль этого художника великолепный пример игры с реальностью

Детали

Это может быть удивительно, но детали не важны для реалистичного рисования. Поскольку мы действительно не видим картинки в нашем мозгу, и картина – всего лишь симуляция предполагаемой сцены, мы можем по-разному создавать ее. Рисование всего так, как это выглядит в одну долю секунды, только лишает вас чувства ситуации. Значение распределено на несколько снимков. И, если вы хотите нарисовать картину, не создавай кино или анимацию, вам нужно использовать несколько трюков.

Способность передавать движение в неподвижной картине может быть еще одной частью таланта. А детали могут помешать вам достигнуть этот цели. Когда мы видим, прежде всего вы замечаем некоторые нематериальные ощущения – мы видим движение, борьбу, свет на мече, красную кровь – но не каждый волосок в бороде воина или его мастерские украшенные доспехи.

Здесь только пятна света и тени. То, что вы видите здесь, зависит только от вас!

Столько пространства для стиля, между бесформенностью тени и детализированностью какой-либо сцены. Бесконечное количество путей достичь «чувства». И когда вы жертвуете деталями, вы можете очень легко найти свой стиль. Есть только один способ рисовать детали реалистично – и бесконечное число способов создать только их ощущение.

Фотореализм

В чем разница между реализмом и фотореализмом? До сих пор мы обсуждали снимки в мозгу. Что если кто-нибудь сделает их реальной камерой? Фотографии стали полностью нормальными для нас. Мы воспринимаем их как реальное представление реальности, не понимая, что камера не работает точно так же как наши глаза и мозг. Мы настолько привыкли к фотографиям, что они иногда становятся более реалистичными для нас, чем реальность, сама по себе!

Фотореализм не высшая форма реализма. Это только создание вещей настолько тщательное, что они могут быть перепутаны с фотографией. Но, давайте повторим еще раз, фотография – не то же самое, что снимок в нашем мозгу – камера не ловит иллюзию и не устроена так, как мы привыкли думать. Как часто вы уставали фотографировать что-то, не получая в результате того, что вы видите это (луна, закат)? С небольшими знаниями фотографа вы можете зафиксировать это, но сейчас можно пойти дальше и создать расширенную реальность – что-то, что воспринимается лучше, чем просто глазами! И я не говорю о фото манипуляциях – камера сама по себе может быть настроена видеть мир разными способами. И когда вы добавляете собственный свет, не встречающийся в природе, вы получается привлекательный, но нереалистичный эффект. Обучение на фотографиях может и не приблизить вас к реализму.

1 – реализм, 2 – фотореализм

Вы можете сказать «но фотографии такие реалистичные, так что это одно и то же». Неправильно – вы только думаете, что они реалистичны. Сделайте снимок, а потом просто смотрите на это место – разница бросится в глаза. Это технические различия, такие как блики (это не происходит в наших глазах так, как в фотоаппарате), или форма зоны вне фокуса (мы смотрим двумя глазами, поэтому эта область не только размыта, но так же состоит из двух изображений). Но так же более неуловимые – камера ловит только то, что есть, но наш мозг может сделать это гораздо реалистичнее. В не сможете сфотографировать что-либо глазом, полным слезами, или глазом напуганного человека, бегущего через темный лес ночью. Мы не только видим, мы так же чувствуем – а фотографии игнорируют последнее.

Еще одна вещь: я говорила раньше, что невозможно нарисовать реальность. В то же время, камера пытается идеально передать реальность. Это не делает фотографии более реальными, чем то, что мы видим – они слишком объективны и лишены очень важной части реальности. Как будто поход в ресторан это только путешествие в дорогое место, чтобы утолить голод, реальность состоит не только из визуальных сигналов.

Местность под небом на самом деле не такая темная, и цвета могут быть не такими яркими

Конечно, это не значит, что фотореализм неправильный. Я просто хочу противостоять тому убеждению, что реалистичный художник должен быть настолько близко к качеству фотографии, насколько это вообще возможно. Это два разных стиля, и не один из не «лучше» или «выше». Очень важно наблюдать мир просто глазами и не полагаться только на фотографии. Я знаю, их проще найти, но иногда собирание листьев и создание эффекта поверхностного рассеивания света вашими силами, может научить вас большему, намного большему. Учась и на реальности, и на фотографиях вы сможете создать полностью новый и уникальный стиль.

Рисование из головы

А что насчет вещей, которые не существует на самом деле? Возможно, нарисовать их реалистично или в любом другом стиле, происходящим от реализма? Да, но вам нужно нарисовать их так, как если бы в нашем мире они были бы реальными. Вы скажете: «но я хочу использовать нереалистичный стиль, например, дракон с тонкими ножками, как спички, и большой круглой головой. Хорошо, но заметьте, что вы используете «ноги» и «голова». Это вещи из нашего мира, с точным определением. Это отправная точка для ваших созданий. Вам необходимо знать, как рисуется голова, даже, если вы хотите создать новый вид головы.

Между прочим, я хотела бы уточнить один вопрос: почему вы не можете нарисовать, что-то реалистично, даже, если вы знаете, как это выглядит? Вы можете очень четко представить лошадь, но на бумаге она выглядит полностью неправильной. Не это ли недостаток таланта.

Нет, здесь мы снова смешиваем два разных процесса: выявление и создание. Давайте посмотрим на этот псевдо-код:

Идентификация:

1

2     если (ноги == «длинные, тонкие, к копытами»

3    И

4     тело == «большое, сильное»

5     И

6     голова == «вытянутая»

7     И

8     хвост == «длинный»)

9     тогда

10    животное = лошадь

Когда вы видите животное с набором качеств, которые хранятся в вашем мозгу, как принадлежащие лошади, вы узнаете лошадь. Просто, не так ли? Вам не нужно знать каждую деталь лошади, чтобы понять, кто это – лишь некоторых достаточно. То же самое происходит, и когда вы визуализируете лошадь в вашем воображении – вы не видите каждую деталь, о которой вы даже понятия не имеете, а ваш мозг скрывает этот недостаток.

Создание

1 если (животное == лошадь)

2 тогда

3 ноги = х;

4 если (х == «с копытами»)

5 тогда

6 ширина копыта = ?;

7 высота копыта = ?;

8 закругленность копыта = ?;

9 длина ног = ?;

10 ширина ног = ?;

11 высота ног =?;

12 длина тела = ?;

13 ширина тела = ?;

14 высота тела = ?;

15 длина головы = ?;

16 ширина головы = ?;

17 высота головы = ?;

18     …

Совершенно другая ситуация, когда вы ходите создать лошадь сами. Внезапно вам нужно знать значение всех этих переменных и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и понимаете, что не знаете как оно выглядит – даже если вы можете распознать его, если увидите.

1 – идентификация, 2 – создание

Все проблемы с созданием исходят из плохой базы знаний о реальности. Слишком часто мы только думаем, что мы знаем, как та или иная вещь выглядит, но когда дело доходит до деталей, их просто нет у нас в памяти. Когда вы читаете книгу, вы не видите каждую травинку, под ногой главного героя, на самом деле, вы даже не задумываетесь о том, какое у него лицо (до тех пор, пока вы не увидите его в кино). Вы под впечатлением от видения законченного мира в книге, но когда кто-то рисует это и показывает вам, окажется, что у вас много пробелов. Если вы хотите создать ваш собственный стиль, начните с изучения реализма – соберите все, что вы видите в вашу базу знаний.

Стиль и осуждение

Комментатор: «Я думаю, эти ноги не должны быть такими длинными, это животное такое мускулистое, и выглядит так, будто сейчас же упадет»

Художник: «Мне нравится так рисовать, это мой стиль, ты не можешь осуждать это!»

Комментатор: «Я обожаю эту картину! Его хрупкие ноги такие милые!»

Художник: «Спасибо!»

Не замечает чего-то странного? Критика это не только негативные или позитивные отзывы. Это и то, и то. В тот момент, когда вы выкладываете ваш рисунок куда-нибудь (или показываете его кому-то), вы ставите его на обсуждение. Когда вы это делаете, но ожидаете только позитив, выглядит так:

Художник (готовит что-то и ставит на стол): Вот!

Гость 1: Мм… Вкусно!

Художник: Спасибо! А что ты думаешь, Гость 2?

Гость 2: Честно говоря, мне нравится, слишком солоно.

Художник: Но это МОЙ рецепт! Ты не можешь говорить нравится тебе или нет!

Нелогично? Да, но когда вы публикуете вашу работы в ожидании только похвал, вы так же не думаете логично. Каждый может судить вас, вы не можете лишить их этого права. Но их осуждение ничего не меняет в объекте.

Представьте, у вас есть камень, который вы любите, может напоминание о каком-то важном событии в вашей жизни. Вы выкладывает миллион фоток этого камня на вашем профиле и когда друзья начинают ворчать, вы агрессивно отвечаете: «но это МОЙ камень!Вы не можете осуждать его! Вы не знаете, как он важен для меня!». Да, они не знают и никогда не узнают – тогда зачем вы опубликовали эти фотографии? Если этот камень/стиль можете понимать только вы, почему другие должны это увидеть? Вы хотите, чтобы они не осуждали это? Вы не можете залезть к ним голову. Если вы хотите, чтобы ваш стиль приняли и рассматривали, как настоящий, сделайте его понятным (используйте советы из предыдущих пунктов). Если вы не хотите – ну и зачем вы их выложили?

Стиль, как и все на свете, может быть осужден. Когда человек говорит, что ему или ей не нравится стиль Короля Льва, это не значит, что он не прав, потому что существует множество людей, которым он нравится – это просто мнение! Оправдание « это мой стиль, ты не можешь судить его!» это на самом деле отчаянная мольба «не говори, что это неправильно, не говори, не говори…».

Чтобы ответить на вопрос поставленный во введении, нет никаких «лучше» или «хуже» стилей, пока у вас нет определенного стандарта. Стиль не «уродливый», он «не достаточно реалистичный для меня». Однако, стили могут быть более или менее развитыми, так что будьте осторожны и не используйте «стиль» в качестве щита от критики.

Копирование стиля

Я думаю, большинство художников начинает с этого, сразу после детских каракулей. Они комфортно себя чувствуют с карандашом в руке (они «хороши в рисовании» в самом общем смысле), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как бы им хотелось. Так что вместо обучения у других, они начинают полностью их копировать. Неожиданно их картины выглядят идеально, и каждый любит их. Это обычно начинается с обводки картины, затем художник копирует ее глазами, и в конце концов изучает правила стиля, чтобы создать собственного персонажа и получить немного независимости. Настолько ли это плохо? Давайте посмотрим:

Плюсы:

• Вы хорошо владеете карандашом и линиями

• Ваше координация типа глаз-рука хорошо развита

• Подсознательно вы учитесь золотому сечению

• Вы учитесь, как получать удовольствие от рисования

• Вы без давления рисуете, чтобы стать лучше, потому что вы уже хороши

• Вы чувствуете, как хорошо, когда ваши навыки хвалят

Минусы:

• Вы хорошо чувствуете себя в рисовании и вам не нужно изучать что-то еще – так, вы останавливаете свое развитие

• Ваше креативность не так развита

• Вы относитесь к стилизации, как к чему-то нормальному и верному, чему-то реальному

• В отличие от настоящего художника, вы игнорируете все правила, которые приводят к созданию стиля, так что вы никогда не достигнете вершины

• Стиль становится вашей частью и вы не можете выйти из него, даже если пытаетесь создать собственный стиль (это серьезно!)

• Вы не способны судить свой рисунок объективно, вы – и другие тоже, — рассматриваете его только с той стороны, насколько он близок к оригиналу

• Вы строите свою зону комфорта, из которой трудно выйти

• Вы становитесь зависимым от похвалы и боитесь пробовать что-то новое, потому что оно может быть не таким хорошим

Но что насчет манги? Разве рисование манги не «копирование стиля»? Не совсем. Манга (или «особый стиль японских комиксов») это набор других стилей. Как, например «Дисней стиль», может дать вам направляющие, кучу всего полезного о пропорциях, но все равно останется пространство для развития чего-то вашего. Другая ситуация, когда вы концентрируетесь на каком-то конкретном стиле (определенного комикса/мультфильма), но это все равно не полностью ограничивает вас правилами, созданными кем-то другим.

Если последний абзац прозвучал для вас стимулом, есть несколько плохих новостей: каждый хороший художник в манге имеет свой собственный стиль, как и любой другой хороший художник. Будьте уверены, у них много опыта в реализме, и они просто выбрали мангу, как основу их стиля. Если у вас нет. выбора, кроме как рисования в чьем-то стиле, можете ли вы рисовать? До тех пор пока вы не поймете, на чем основан стиль (реализм), вы никогда не сможете менять его свободно. Вы просто не будете знать как изменить что-то, не разрушив всего остального!

Заключение

Рисование намного сложнее, чем мы привыкли думать. Настолько простое в основании и такое невообразимо сложное, когда дело доходит до драконов и воинов… Я думаю, большинство этих проблем начинающих происходят от непонимания их хобби – это не помещение линии на бумагу, согласно какому-то мистическому процессу в голове. Когда вы поймете, как много аспектов имеет рисование, станет очевидно, что каждый из них может быть изменен, для создания нового стиля. И раз все стили произошли от реализма, начните с его понимания – наблюдайте, будьте осторожными, сделайте реальность единственным стилем, который вы копируете.

Посмотрите на других художников – найдите в их работах реализм, посмотрите, что они изменили, решите как вы можете использовать это знание. Вы не развиваетесь как художник, только когда держите карандаш – всегда, когда вы делаете попытку внимательно смотреть и понимать что-нибудь, ваш опыт растет!

Наблюдайте, удивляйтесь, задавайте вопросы – и тогда сделайте то, что хотите с линиями, светом и цветами, чтобы донести ваши наблюдения до других.

Оригинал статьи: Realism, Photorealism and Style

Автор статьи: Monika Zagrobelna

Реализм в искусстве от Хенрика Мозеса (Henrik Moses)

Реализм в искусстве набирает все большую популярность среди художников и любителей искусства. Одним из таких художников, рисующих в жанре реализма, является Хенрик Мозес (Henrik Moses). Работы этого художника не могут оставлять равнодушными, ведь от реалистичности его картин, просто захватывает дух.

Внимание к деталям

Хенрик Мозес (Henrik Moses)

Хенрик Мозес (Henrik Moses) родился в Нидерландах в 1968 году,  продолжая жить и рисовать в этой стране. Хенрик самоучка и рисует своими любимыми инструментами – углем, простыми или цветными карандашами.

На официальном сайте художника www.artility.nl все просто и лаконично. На сайте Мозес пишет, что реализм в искусстве его увлечение, а внимание к деталям в сочетании с художественной интерпретацией позволяет создавать высококачественные и фотореалистичные работы.

 

Реализм в искусстве – это не подражание природе

Хенрик Мозес (Henrik Moses) также пишет, что реализм в искусстве – это не подражание природе, а представление – это лупа, через которую можно видеть и ценить красоту вещей, ведь мы ее часто не замечаем.

При помощи угля, графита и цветных карандашей, нидерландский мастер реалистичного рисунка, легко создает свой стиль в рисовании.

Большинство тех, кто заказывает его работы, хотят воссоздать фотографии старых времен, дать им новую жизнь, ведь Хенрик огромный поклонник исключительной точности в рисунке. Реализм в искусстве, наверное, наиболее, подходящий стиль рисования для таких целей. Заказы, которые уже оплачены, он пытается создавать более тщательно, ведь, как известно, клиент всегда прав и работа должна ему нравиться.

Для перерисовки фотографии, нидерландский художник пользуется сеткой. Он считает, что с ее помощью рисование с фотографии занимает намного меньше времени и становиться гораздо проще. Но это не значит, что Хенрик совсем не рисует от руки. Зарисовки для учебы и удовольствия он делает от руки, но для своей основной работы использует сетку.

Совет начинающему художнику от Хенрика Мозеса (Henrik Moses)

К рисунку нужно относиться серьезно! Карандаш очень разнообразен, старайтесь раскрывать его свойства в полной мере. Присматривайтесь к деталям, даже если не можете их все нарисовать. Наслаждайтесь процессом рисования, но относитесь к рисунку всерьез!

Если вам нравится реализм в искусстве, а именно творчество Хенрика Мозеса (Henrik Moses) то обязательно поделитесь им с друзьями. Ну а если вам больше нравится творчество классиков, то я предлагаю ознакомиться с краткой биографией русского художника рубежа XIX—XX веков Михаила Врубеля.

Надеюсь, что вам также будет интересно творчество советского и армянского живописца, графика и скульптора Рудольфа Хачатряна.

Реализм в искусстве от Хенрика Мозеса (Henrik Moses)

Ошибки начинающих художников и как их исправить • ARTshelter

Вы решили стать хорошим художником. Много практикуетесь, читаете учебные материалы, смотрите видеоролики, анализируете чужие работы… но совершенно не замечаете прогресса. Усердная работа не приносит желаемого развития. «Может быть, это просто не для меня», – подумаете вы. – «Возможно, я зря трачу свое время». Однако, я уверена, что этому может быть другое объяснение. Вполне возможно, что вы просто неправильно планируете учебный процесс. Ошибочные выводы, непродуктивная практика… Стоит только избавиться от этого, как все изменится, и вы начнете видеть прогресс. Давайте подробнее рассмотрим ошибки начинающих художников и способы борьбы с ними.

1. Завышенные ожидания

Всякий раз, когда мы чего-то хотим, наши желания основаны на представлении того удовлетворения, которое мы почувствуем, когда получим желаемое. Созерцая великолепное произведение искусства, мы думаем, как было бы прекрасно нарисовать что-то подобное. Именно с этого чувства и начинается процесс обучения рисованию.

Но проблема в том, что вы не сможете удовлетворить возникшее желание здесь и сейчас. У вас не получится за одну ночь достичь уровня великих художников, которые годами учились этому искусству. И что же мы получим в итоге? Плохой рисунок – доказательство недостаточно развитых навыков. По сути, каракули ребенка.

Из-за этого каждая попытка нарисовать что-то красивое приводит к неизбежному разочарованию. Вы ожидаете одни эмоции, а на деле получаете совсем другие. При этом вы можете прекрасно понимать, что на учебу требуется время, но это не мешает вам чувствовать себя неудачником.

Зачем вообще рисовать, если я не могу нарисовать что-то красиво

Меня всегда удивляло, почему от рисования ждут немедленных результатов. Впервые сев за пианино, вы не думаете, что сразу будете играть, как Моцарт. И впервые сидя за рулем автомобиля, вряд ли кто-то мечтает с первого же раза выиграть гонку. Да и в отношении кулинарии мы не ждем ресторанного уровня, когда готовим блюдо впервые.

Во всех этих случаях ожидание неудачи естественно. Для вас это не имеет значение, потому что вы заранее настроились. Более того, ошибки начинающих художников часто становятся поводом для шуток и хорошего настроения! Однако, это не работает с первым рисунком. Вам кажется, как будто все ждут от вас феноменальных результатов с первой же попытки. Как будто раньше вы уже умели рисовать, но вам только сейчас позволили этим заняться.

Смотри, он не умеет рисовать. Зачем этот неудачник вообще взял в руки карандаш?

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Вы не знаете, что и как делать, поэтому первые попытки чаще всего будут неудачными. Вторая попытка не намного отличается от первой, потому что вы все еще расстроены после первого «поражения». С каждой новой пробой ваш рисунок становится чуть-чуть лучше, но вы по-прежнему будете выглядеть как ребенок по сравнению с кем-то более опытным. И это норма!

Желание быть лучшим и чувствовать удовлетворение от создания идеальной работы делают вас нетерпеливым. Вы хотите добраться до места назначения не путешествуя. И чем медленнее кажется путешествие, тем хуже вы себя чувствуете, потому что это не то, чего вы ожидали!

Я хочу быть там, но не хочу туда идти!

Чтобы стать хорошим художником, для начала нужно понизить свои ожидания. Мыслите продуктивно, уделяя меньше внимания вашим желаниям (цели) и больше самому процессу (пути). Я научу вас упражнению, которое поможет обнаружить завышенные ожидания и заменить их на более продуктивные мысли.

Напишите список своих ожиданий от рисования. Запишите все, даже если они звучат нелепо. Дальше мы их проанализируем! Например:

• Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего;
• Плохие рисунки бесполезны;
• Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник;
• Я должен хорошо рисовать;
• Я должен быстро учиться.

Просмотрите все пункты в списке. Вы уверены, что они относятся к вам? А вдруг это не так и вы ошиблись? Давайте проанализируем каждое утверждение по отдельности.

Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего. Я не учусь линейно и равномерно, как компьютер. Иногда я практикуюсь в одной теме, а иногда в другой. Я много экспериментирую, поэтому иногда результат получается лучше, а иногда – хуже. Кроме того, я могу забыть изученное и снова повторить старую ошибку. И это нормально, потому что я человек, а не машина.

Плохие рисунки бесполезны. Плохие рисунки являются стандартным побочным продуктом обучения. Я не стану лучше, если сначала не буду хуже. Плохие рисунки также позволят получить ценный опыт и не совершать ошибки в будущем. Не совершив ошибку, я не узнаю, в чем я плох.

Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник. Когда я плохо рисую, это означает, что я просто не умею рисовать (многие люди настолько боятся этого факта, что даже не пытаются рисовать!). Каждый из нас в чем-то плох, но это не значит, что все мы неудачники! Я работаю, чтобы стать лучше, и это то, чем можно гордиться.

Я должен хорошо рисовать. Никто не обязан быть хорошим в чем-то. Я хочу рисовать красивые вещи, но ни один из художников не давал обещание рисовать исключительно красивые и приятные работы. Если кто-то считает иначе, это их проблема, а не моя.

Я должен быстро учиться. Каждый по-своему склонен к обучению. Если я учусь медленно, это не значит, что я ленив или недостаточно хорош. Это мой личный ритм и неправильно сравнивать его с чужим, потому что мы все разные.

Разве теперь эти пункты не звучат лучше? И мы не пытаемся исказить реальность, чтобы чувствовать себя уверенно. Реальность именно такая, какой вы себе ее представляете. Если постоянно повторять себе, что я неудачник и мне никогда не стать талантливым художником, то так оно и будет.

Возможно, вам кажется, что, не имея завышенных ожиданий, вы будете недостаточно мотивированы и станете меньше заставлять себя работать. Может быть, это правда. Но зачем тогда работать, если вы постоянно себя заставляете и это делает вас несчастным? Меньше давите на себя, и вы сразу начнете получать удовольствие от процесса рисования. Не от результата, а именно от процесса! Возможно, вы никогда не достигнете цели, но сможете насладиться процессом здесь и сейчас. А это, пожалуй, куда лучше, чем рисовать только ради того, чтобы стать хорошим художником и получить признание.

Учиться можно бесконечно, поэтому расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса

2. Нежелание учиться

До сих пор многие верят в миф о таланте, без которого невозможны любые начинания. Некоторые считают, что известные художники извлекают все исключительно из своего воображения, без каких-либо подручных средств. Они никогда не используют референсы, никогда не проходят уроки, потому что тогда – внимание! – воспользуются чужими наработками. Это ведь обман! Такое мнение усложняет жизнь многим начинающим художникам.

Если вы считаете, что искусство создано только для получения похвалы, то дело приобретает серьезный оборот. Представьте, что вы восхищаетесь чье-то работой, а потом узнаете, что ее кто-то перерисовал. Получается, кто-то бесплатно получил ваше восхищение за навыки, которыми не обладает. Вот грязный мошенник…

Основываясь на таком мышлении, можно сформировать шкалу:

1. Рисунок, созданный из воображения, быстро и без лишней суеты.
2. Рисунок, созданный из воображения, но с определенными усилиями.
3. Рисунок, созданный по референсам.
4. Рисунок, созданный по уроку.
5. Перерисованный рисунок с фото/картины.

Конечно, данная шкала не предполагает качество рисунка. Данные пункты можно назвать уровнями сложности в рисовании. Легко быть успешным на самом последнем уровне, а отсутствие успеха можно оправдать, если вы находитесь на первом.

Да, я могу и лучше, просто не хотел облегчать себе задачу

Рисование по референсам, конечно, гораздо проще. Можно супер реалистично скопировать увиденное, даже не задумываясь о содержании. Рисуя из воображения, вам приходится самому представлять естественную позу, перспективу, правильную анатомию, детали, светотени… Естественно, такой подход к рисованию заслуживает большего признания.

Но за этим признанием стоят тысячи часов практики. Талантливые художники не родились со знанием «естественной позы, перспективы, правильной анатомии, деталей и светотени». Они годами нарабатывали эти знания, а использование референсов – наиболее быстрый и практичный способ.

Крайне непродуктивно продолжать рисовать одно и то же снова и снова, ожидая, что ошибки начинающих художников больше не будут преградой на пути к вашей цели. Найдите изображение того, что пытаетесь нарисовать, и сравните со своим рисунком, чтобы выявить ошибки. Это не похоже на использование шпаргалки во время экзамена, это больше похоже на использование учебника в процессе учебы!

Если вы пытаетесь нарисовать то, что никогда не рисовали, и надеетесь, что результат будет такой же красивый, как работы опытных художников, значит вы слишком высокомерны. Им пришлось учиться, а вы хотите стать крутым без обучения, потому что считаете, что учеба – это обман.

Зачем мне смотреть на собаку? Я и так должен знать, как она выглядит, иначе я не настоящий художник.

Рисунки, нарисованные из воображения, появляются не изнутри, а снаружи, только в прошлом. Десятки тысяч референсов хранятся у нас в голове – в памяти.

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Он не возникает ниоткуда развитым на 100%. У вас не получается нарисовать кошку с правильными пропорциями? Проанализируйте фото этих животных, чтобы выявить основные черты. Все в вашем рисунке прекрасно, кроме головы? Найдите похожие снимки и выясните, что не так с рисунком. Со временем в вашей памяти соберется достаточное количество референсов и необходимость в них естественным образом отпадет. Отказ от референсов это как выбросить старую тетрадь с конспектами, потому что вы запомнили все их содержимое.

3. Отсутствие плана

Это еще одна проблема, возникающая непосредственно из-за мифа в талант и врожденные навыки. Вы учитесь рисовать… рисуя. Рисуя много и часто. Вы креативный человек и каждый раз пытаетесь создать что-то новое. Вам кажется, что чем больше усилий вложено в работу, тем круче будет результат.

Однако, так не работает. С таким подходом вы будете развиваться очень медленно. Другие люди продолжают улучшать свои навыки, а вы топчитесь на месте. Что же с вами не так?

Повторюсь, рисование – это навык, который вы развиваете. Он не скрыт внутри в ожидании, когда ему позволят проявить себя. Точно так же в людях не скрыта способность виртуозно играть «Лунную сонату». Не получится бездумно тыкать по клавишам, ожидая услышать музыку. Точно так же нельзя каждый раз рисовать случайные вещи и надеяться, что это приблизит вас к мечте стать профессиональным художником.

Если вы рисуете исключительно для публикации в сети и привлечения внимания, то вы прилагаете слишком много усилий для создания качественного рисунка, а не учебы. Ваша цель – стать профессиональным художником, правильно? Но этого не достичь, не нарисовав много неудачных эскизов. Пусть они будут корявые и некрасивые, их все равно никто не увидит.

При любом обучении вы должны думать и планировать. Не рисуйте хаотично, пытаясь в процессе развить свой навык. Решите, чему вы хотите научиться, и узнайте, как это изучить. После этого… учитесь. Рисуйте много, но целенаправленно. Анализируйте свои действия, а не просто наблюдайте за процессом. Найдите в Интернете и запомните полезные правила и секреты от известных мастеров, которые позже вам пригодятся. Протестируйте их на деле и при необходимости подкорректируйте.

Хаос и отсутствие четкого плана – первые враги обучения

Это не значит, что вы сейчас же должны перестать рисовать просто ради своего удовольствия. Просто не стоит каждый рисунок, эскиз или черновые наброски, дорабатывать до состояния публикации. Время от времени рисуйте полностью завершенные работы, которые не стыдно показать. Именно по таким работам вы увидите реальный прогресс.

4. Слишком много планирования

Вы начали серьезно заниматься рисованием. У вас много амбиций и упорства. Вы проходите уроки, тренируетесь в быстрых набросках, смотрите ролики других художников. Кроме того, регулярно читаете мотивационные материалы и смотрите лекции о рисовании. Ни дня не проходит без рисования.

И это отлично, но впереди вас ждет ловушка. Статьи и видео от опытных художников – отличный источник мотивации и опыта. Изучая подобные материалы, вы чувствуете, как ваши навыки пассивно улучшаются. Вы ищите что-то новое: «5 секретов хорошего рисунка», «10 привычек успешного художника», «Совет, который упростит рисование». Это похоже на обучение, но без каких-либо усилий с вашей стороны!

Не поймите меня неправильно, все-таки я тоже написала одну из таких статей. Но когда вы в очередной раз смотрите видео «10 привычек успешного художника», вместо того, чтобы заняться реальным делом, вы крайне непродуктивны. Вы не работаете над достижением своей цели. Создается иллюзия продуктивности, но статьи и видео ничего не стоят, если вы не будете применять полученную информацию на практике.

Сюда же можно отнести постоянный поиск советов, новаторских техник, о которых вы еще не слышали. Вместо того, чтобы просто взять карандаш и научиться рисовать, вы тратите время на поиски блестящей техники, которая позволит получить результат здесь и сейчас. При этом вам тоже кажется, что вы очень продуктивны. Однако, это не так.

Учебники и различные руководства полезны, но относитесь к ним, как к вспомогательным материалам. Не нужно заменять ими реальную практику. Любую, даже самую простую технику, следует отрабатывать на практике, чтобы усвоить. Прочтение толстой книги о рисовании не сделает из вас Айвазовского. Просмотр руководств и статей не исправит ошибки в рисунках.

Только рисование улучшит ваши навыки. И хотя это непродуктивно рисовать без какой-либо подготовки, слишком много подготовки так же плохо. Досмотрите ролик до конца, дочитайте статью. А потом… рисуйте!

5. Сравнение себя с лучшими

Большинство из нас начинает рисовать, вдохновившись работами других художников. Не только старых мастеров. В эпоху цифровых технологий больше не нужно посещать галереи, чтобы увидеть профессиональные картины. Кроме того, сейчас мы можем включить видеоролик с процессом рисования и увидеть, как талантливые художники из простых мазков создают свои шедевры. Это ваша цель и то, кем вы хотите стать.

Наблюдение за творчеством великих художников действительно вдохновляет, но иногда может убить веру в собственные силы. Их уровень кажется таким недостижимым, так зачем беспокоиться? Тем более, что вы и на 5% не нарисуете так же хорошо, как они. Ваши лучшие рисунки выглядят, как детские каракули, по сравнению с их шедеврами. Они могут за 20 секунд набросать из воображения эскиз, который вы не повторите и за 20 часов с референсами.

Да, эти художники, безусловно, кажутся богами искусства. Но они такие же люди, как мы с вами. Вы узнали о них после того, как они прошли свое путешествие и добрались до цели, но вы ничего не знаете о своем путешествии. Поэтому, сравнивая себя с другими художниками, вы, на самом деле, сравниваете свою текущую позицию в путешествии с их местом назначения, и это всегда будет приносить только разочарование.

Каждый художник с чего-то начинал. Каждый рисовал детские каракули, у каждого есть много плохих рисунков и первые удачные работы. И вот, спустя тысячи часов практики и упорного труда, они, наконец, достигают того состояния мастерства, которое вы видите их сейчас. Вы поработали всего 100 часов или даже меньше, а потом спрашиваете почему у вас не получается так же хорошо.

Вы не можете магическим образом телепортироваться в это состояние. Другие художники достигли этого часами упорной работы, и вы тоже должны через это пройти. Не игнорируйте их путь только потому, что не видите его. Не стоит приписывать их способности какому-то мистическому таланту. Это сделает ваше путешествие к цели сложным и лишит мотивации.

Как у него так хорошо получается, это несправедливо!

Вы не знаете, через что они прошли, с какими трудностями им пришлось столкнуться и насколько хороши они были в том или ином возрасте или через определенное количество часов. Ваше путешествие уникально и не имеет ничего общего с чужими. Ваше место назначения может быть таким же, но путь – другой. А попытка догнать кого-то, кто отправился в путешествие раньше вас, только высосет всю энергию и убьет мотивацию.

Единственный здравый и справедливый способ судить о своем прогрессе – сравнить себя… с самим собой. Вы можете понять, насколько продвинулись к цели, сравнивая свое текущее положение с предыдущим, а не сравнивая свое положение с положением того, кем вы восхищаетесь.

Точка, в которой вы находитесь сейчас, когда-то была вашим местом назначения

Не выбрасывайте свои рисунки, даже если они плохие. Оставьте их для сравнения в будущем. Всякий раз, когда вы чувствуете неуверенность в себе, сравните старые и плохие работы с нынешними. Поверьте, вас удивит то, насколько быстро вы принимаете свои новый уровень, как должное!

Не торопитесь, медленно, но уверенно продвигайтесь по своему пути. Нужны тысячи часов, чтобы стать мастером в любом деле. Одни уже прошли свой путь и сделали то, что предстоит вам. Любуйтесь их работами и пусть они будут напоминанием того, во что могут превратиться долгие часы практики. Уже состоявшиеся художники ничем не лучше вас, как и вы их. Они добились всего упорной работой, и вы должны.

6. Постоянная смена инструментов

Понятие «рисование» имеет очень широкое значение. Набор черточек на камне – это рисунок. Контур, сделанный шариковой ручкой, – это рисунок. Реалистичный портрет с тенями и бликами – это рисунок. Цветной пейзаж, нарисованный на графическом планшете в Photoshop, – это рисунок. Кроме того, вы можете объединить разные техники рисования, например, карандаш и акварель и получится тоже рисунок. Вариантов действительно много!

Но каждый вариант предполагает использование определенного набора инструментов. Возможно, вы считаете, что если не добились потрясающего результата с одним инструментом/техникой рисования, то пора переключиться на что-то новое.

Нет ничего плохого в экспериментах и поиске тех техник и инструментов, с которыми вам будет наиболее комфортно работать, но вы должны понимать, что каждый инструмент сперва нужно изучить. Вы не найдете магическую палочку, которая сразу же решит все проблемы. Если у вас не получается нарисовать правильную линию, это не означает, что карандаш слишком грубый или бумага слишком гладкая. Просто ваша рука недостаточно натренирована. И вы не научитесь работать с карандашом, если не посвятите этому достаточно времени.

Не существует идеального инструмента, единственного, который с первого мазка превратит вас в художника. Каждый инструмент и техника требуют практики

Подобные ошибки начинающих художников особенно актуальны среди тех, кто не может позволить себе графический планшет. Вдохновляясь четкими и яркими цифровыми рисунками, они обвиняют традиционные инструменты (карандаши, кисточки) в своих неудачах. Если бы в традиционном рисунке можно было сделать ход назад. Или трансформировать отдельную часть рисунка. Или без следа стереть неудачную линию. Это сделало бы все намного проще!

Но просто не значит лучше. Скрытие своих слабостей не делает вас сильнее. С ними нужно бороться. Изо всех сил пытаетесь провести прямую линию? Работайте над этой проблемой, пока не добьетесь успеха. Не нужно сразу бросаться на поиски инструмента, который упростит работу. Не переключайтесь резко на другой инструмент, после того, как увидели картину, нарисованную им. С помощью и карандаша, и кисточки, и графического планшета можно создавать потрясающие рисунки. Нужно только потратить свое время и овладеть этими инструментами.

7. Нерегулярная практика

Были дни, когда вы регулярно рисовали, проходили уроки, смотрели мотивационные ролики, создавали странички в соц. сетях для публикации своих рисунков. И вдруг вы увидели потрясающую картину, которую, как вам показалось, вы никогда не нарисуете. Затем кто-то пишет неприятный комментарий под вашей работой, и вы окончательно теряете веру в себя.

Затем на какое-то время вообще перестаете рисовать. Страницы в соц. сетях становятся пустыми, а фанаты забывают о вас. И тогда вы снова кем-то или чем-то вдохновляетесь и начинаете работать. Еще усерднее, чем в прошлый раз. Но это ненадолго, потому что ваши навыки остались на прежнем уровне.

А может вам нравится рисовать, но вы просто не можете уделять этому много времени. Сегодня вы что-то нарисовали, прошли урок, неделю попрактиковались… а затем в вашей жизни снова произошло что-то важное. Вы любите рисовать, но у вас попросту нет на это времени. Вам кажется, что это может подождать неделю-две. Но когда вы возвращаетесь, то понимаете, что весь предыдущий прогресс сошел на нет.

Наши мозги неидеальны. Наша память – это не жесткий диск компьютера, куда можно сохранить что-то важное до лучших времен. К каждому воспоминанию ведет своеобразная дорожка и чем дальше вы зайдете, тем легче будет добраться до цели. Но если остановиться, то дорожка зарастет кустами и вы, возможно, больше никогда не найдете ее.

Вот поэтому повторение – это ключ к обучению. Вы можете целый день практиковаться и надеяться, что усвоенные знания останутся навсегда. Но, если их не использовать вскоре после получения, то мозг решит, что эта информация не важна и забудет ее. Чтобы знания сохранялись дольше, их нужно практиковать. Обучение – это не круглосуточная разовая практика, а постоянные регулярные занятия.

Тысячи часов, которые нужно потратить на совершенствование навыков, не возникнут сразу из ниоткуда. Нужны перерывы, время, чтобы знания закрепились. Это происходит даже во время сна! Таким образом, получасовая практика каждый день даст вам гораздо больше, чем один день в неделю проведенный за рисованием.

Не ждите идеального времени, когда вам будет удобно практиковаться. Выделите в течение дня 15-30 минут на рисование и сделайте это ежедневным ритуалом, как приготовление пищи, просмотр фильмов или уборка. Полчаса каждый день лучше, чем 10 часов раз в сто лет.

8. Рисование для других

Любуясь чьим-либо произведением искусства, вы чувствуете не только восхищение. Рядом находится и зависть. Зависть не к навыкам мастера, а к восхищению, которое он получает за свое мастерство.

Очень приятно, когда вас хвалят за тяжелый труд. Когда окружающие признают ваши усилия, вы чувствуете гордость и уверенность! Но есть и другая сторона медали. Когда другие плохо отзываются о ваших рисунках, вы чувствуете себя униженным, никчемным, несмотря на то, что довольны выполненной работой.

Крайне нежелательно связывать свою самооценку с качеством ваших работ. Если вы чувствуете себя бесполезным до тех пор, пока не получите чьё-то признание и похвалу, то это непродуктивно.

Когда окружающие оценивают вашу работу, они судят не конкретно вас, а ваш навык. И только вы сами ставите знак равенства между этими понятиями. Это очень негативно отражается на вашей самооценке и вере в себя. Если вы начинаете верить, что чужая похвала – это доказательство вашей значимости, тогда вашей целью становится удовлетворение других людей, а не собственное саморазвитие. Вы не будете позволять себе экспериментировать, чтобы случайно никого не разочаровать. Вы, по сути, продаёте продукт, который нужен окружающим, чтобы они обратили на вас внимание.

Пожалуйста, похвалите меня!

Что плохого, если обе стороны – и создатель, и получатель продукта – счастливы? Зависит от того, с какой стороны посмотреть. Если вам действительно нравится снова и снова рисовать одних и тех же популярных персонажей в той технике, которая нравится вашей аудитории, тогда все хорошо. Но, если при этом вы чувствуете себя рабом их интересов и боитесь попробовать что-то новое, тогда пора отказаться от этого.

Вам кажется, что вы хотите нарисовать то, что понравится вашим поклонникам, но в действительности вам хочется, чтобы им понравилось то, что вы рисуете. Именно вы сами должны стать своим самым большим и преданным поклонником. Ваше мнение должно быть выше мнения окружающих. Даже если тысяча человек скажет, что им не нравятся ваши рисунки, это неважно, если они нравятся вам. Потому что это ваше и только вам лучше знать, как это должно выглядеть.

Если вы сами решили нарисовать это именно так, то критика окружающих – всего лишь дело вкуса, и не то, о чем стоит судить однозначно правильно или неправильно

Запомните: каждый человек имеет право на собственное мнение. Если окружающим не нравится то, что нравится вам, это не значит, что они неправы. Мнения не могут быть правильными или неправильными. Вы всего лишь можете им поделиться или оставить при себе. В ответ на неприятный комментарий просто улыбнитесь. Выслушайте любые советы и самостоятельно решить стоит ли к ним прислушиваться. В конце концов, вы не обязаны всем нравиться.

9. Перфекционизм

Обычно, перфекционизм считают просто частью личности человека. Однако, я считаю это расстройством личности. Если вы закоренелый перфекционист, то у вас искаженное представление о собственных достижениях. Независимо от того, насколько хорошо вы выполнили работу, вы никогда не будете удовлетворены, потому что знаете, что можете еще лучше. Похвала и восхищение других для вас не имеют значения. «Они просто хотят быть добрыми и боятся обидеть. Или просто не разбираются в искусстве», – подумаете вы.

Каких бы успехов вы не добились, для вас все незначительно. В сознании перфекциониста работа над собой похожа не на покорение горы, а на рытье ямы. Для перфекциониста лучшим является состояние по умолчанию, а источником стыда – фраза «недостаточно хорош».

Используя такой подход, вы все еще можете замечать свои успехи. Как правило, перфекционисты много работают, поэтому у них больше шансов достичь цели. Проблема в том, что перфекционист не испытывает удовлетворение от своих успехов. Он постоянно давит на себя, чтобы с каждым разом рисовать все лучше и лучше, при этом лишая себя награды за реальные достижения. Выражаясь метафорически, перфекционисты не зарабатывают деньги, они погашают долги.

Читайте также:

У меня нет лекарства от перфекционизма, но я могу дать вам ценный совет. Вы должны понимать, что все только в вашей голове. Это не значит, что вы можете это контролировать или в чем-то виноваты. Просто любая ваша неудача не имеет никаких внешних последствий. Только внутренние. Это ранит, но не убивает.

Вы сделали ошибку, и что? Никто на вас не давит, и вы не обязаны быть идеальны во всем и всегда!

Вы считаете, что любые ошибки начинающих художников сравнимы позору. Но попытайтесь посмотреть на это более рационально: «Я человек, а все люди ошибаются. Но я могу учиться на своих ошибках и становиться лучше». Поэтому ошибайтесь! Если вы боитесь заняться фотосъемкой, потому что не знаете с чего начать, тогда намеренно начните неправильно. Получайте от этого удовольствие и растите над собой!

Вы считаете, что все люди обязаны хорошо рисовать? Нет. Так почему к себе так относитесь? Что делает вас особенным? Вы единственный, кто ожидает от себя потрясающих результатов во всем. Прикажите этой личности заткнуться хотя бы на время. И с каждым разом увеличивайте это время. Вы такой же, как все. И каждый человек многие вещи делает плохо. Так будьте похожим на остальных!

10. Считать реализм единственно правильным стилем рисования

Искусство, в самой популярной трактовке, – это создание копии реальности при помощи каких-либо средств. В каждом мазке кисточки должен быть какой-то скрытый смысл, и задача зрителя его распознать. И чем проще его распознать, тем лучше. Нет ничего хуже реалистичного рисунка, который не выглядит реалистично.

Если вы поклонник реализма, то для вас не существует компромиссов. Реализм – единственный стиль, который имеет значение, это вершина творчества. Все остальное пустяки и несерьезно. Линейный набросок может выглядеть очень красиво, но он никогда не будет так же крут, как фотореалистичный портрет карандашом.

У настоящих котов голова не круглая, неудачник!

В давние времена живопись должна была как можно точнее запечатлеть реальность. Тогда не было фотоаппаратов и видеокамер. Поэтому идеальный реализм был целью большинства мастеров прошлого. Сегодня у нас есть камеры и они гораздо точнее передают реальность, чем любой художник. И быстрее. Если нам нужно скопировать фото, мы пользуемся копировальной машиной. Сегодня невероятно просто запечатлеть реальность со 100% схожестью.

Из-за этого реализм (или фотореализм) стал просто искусством ради искусства. Вы рисуете реалистично только потому, что хотите доказать себе/другим, что умеете это, и ничего больше. Хотя сегодня реалистичные рисунки ничем не лучше других стилей. Реализм можно назвать стилем по умолчанию, но не единственным.

Быть хорошим художником не означает, что вы можете со 100%-ной точностью нарисовать реалистичный рисунок. Быть хорошим художником – это знать, как правильно, но позволять себе намеренно делать ошибки. Вы играете с реальностью и то, как вы это делаете, формирует ваш собственный стиль рисования.

В эпоху копировальных машин, намеренные ошибки могут превратить рисунок в настоящее произведение искусства

Если бы вершиной искусства считался реализм, то все художники рисовали бы одинаково. Идеально, но все же одинаково. Стилизованный рисунок – это ваша визитная карточка, которая делает вас уникальным. А это гораздо круче, чем реализм. В такую работу вы вкладываете частичку души. И вместо того, чтобы показать поклонникам своего творчества то, что они могут увидеть в реальности, вы показываете им то, что они не могут увидеть без вас. Я считаю, что в этом и заключается настоящее искусство!

Но как отличить действительно персональный стиль от случайности? Все зависит от ваших намерений. Если в голове была идея с конкретным результатом, а получилось иначе, это ошибка. А если вы понимаете, как должно быть реалистично, но намеренно искажаете, например, пропорции, это не ошибка. Поэтому отклонение от реализма должно быть целью, а не случайностью.

Но также важно изучить реалистичный рисунок. Если вы хотите изобразить льва, то должны знать, как он выглядит, чтобы другие тоже могли узнать его в вашем рисунке. Как только вы поймете, что считается реалистичным, то намеренно сможете заменять любые детали рисунка. И тогда вы перестанете быть рабом реализма!

Завершение

Рисование, как и любой другой навык, прост на поверхности, но таит в себе много подводных камней, если в него углубиться. А поскольку многие по-прежнему считают, что с этим навыком можно только родиться, то человеку будет сложно научиться рисовать. Надеюсь, эта статья нашла отклик внутри вас и помогла стать увереннее в своих способностях. Также рекомендую вам посетить социальную сеть художников и иллюстраторов wearts.ru. Там вы найдете современные арт-работы, сможете показать свои и получить поддержку от людей, увлекающихся творчеством. Ошибки начинающих художников легко исправить, если знать их первопричину.

Оставляйте комментарии, подписывайтесь на обновления и делитесь статьей в соц. сетях. Приятного творчества!

Реализм в Живописи (Как рисуют) Женщины в этом Стиле

Содержание статьи

1. Проблемы жизни
2. Подвижники

Людям свойственно искать между явлениями взаимосвязь, приводить все в порядок, систематизировать, давать названия предметам. Даже произведения искусства имеют объективные основания, по которым их можно было бы систематизировать. Так сочетание определенной исторической эпохи с набором художественных приемов, тем, визуальных элементов позволяет отнести картину к определенному направлению в живописи. Одним из самых значимых направлений в искусстве XIX века становится Реализм. Рассмотрим эстетические особенности реализма в живописи, представителей и примеры их картин.

Проблемы жизни

Одним из пионеров направления считается Гюстав Курбе, самостоятельно построивший и открывший «Павильон реализма» для посетителей по причине того, что его работы не приняли в Салоне. Появившийся как знак протеста, реализм долгое время оставался непривычно честным, провокативным направлением.

Само название «реализм» может ввести в заблуждение: любая реалистичная картина относится к реализму. Однако это далеко не так. Со времен Высокого Возрождения (конец XV-XVI вв.) художникам были доступны знания и средства создания на картинах достаточно правдоподобных, пропорциональных изображений. Вслед за классиками Возрождения академисты собирают и сохраняют самые эстетически значимые принципы рисунка и живописи, обучая применению их на практике. Значит, рисовать реалистично художники учатся раньше, чем появляется реалистическое направление и, следовательно, не в правдоподобности ключ к пониманию эстетики реалистичного искусства.

Важно здесь другое! Представители Реализма исходили из научных принципов наблюдения и описания законов природы и социального устройства. Отказываясь от внутренних ограничений, они с большим интересом обратились к сиюминутной стороне человеческой жизни, от которой вполне могло зависеть будущее целого народа У. Хомер «Дождливый день в лагере», 1871). Обозначение проблем мыслилось (и было) попыткой разговора о них, поиском пути их решения. Поэтому живописцы и графики строго следовали за объективной реальностью, не обходя её неприглядностей. «Низкие», бытовые сцены впервые получили последовательное, глубокое отражение на крупноразмерных произведениях искусства. Они больше не вытеснялись на периферию изобразительных сюжетов. Таким образом, Реализм в живописи стал следствием разрушения строгой иерархической жанровой системы, определявшей творческие возможности живописца.

Подвижники

Благодаря тенденции к актуальности, социальной маркированности частыми сюжетами художников-реалистов становились злободневные социальные или политические проблемы: реформы Александра II в России; жизнь простого человека в его естественной среде. В России представители независимого объединения художников (Передвижники) наиболее ярко и талантливо воплотили эстетику стиля реализм в живописи. Группа противостоящих академизму молодых талантов включала молодых И. Е. Репина, И. Н. Крамского, Е. Е. Волкова, В. И. Сурикова, И. И. Шишкина и др. Художники объединения запечатлели множество сюжетов, ставших знаковыми для отечественной истории искусства. Знаковость их была обеспечена остротой, бескомпромиссностью и объективными художественными достоинствами полотен.

Непривычно разнообразными, земными, чувственными или опустошенными предстали женщины в живописи передвижников (И. Н. Крамской «Девушка с кошкой. Портрет дочери», 1882; В. И. Суриков этюд к картине «Боярыня Морозова», 1881-1884; «Меньшиков в Березове», 1883). Впервые они могли быть изображены во всем разнообразии своих ипостасей, чувств, без лишней идеализации, которая сковывала, задерживала возможности разговора о женских характерах. При этом отметим, что трагедийность, свойственная героиням Возрождения, обретала новые коннотации: больше не было нужды изображать героиню мифологии, чтобы наделять ее глубоким переживанием. Новые эмоциональные состояния, которые оказались пойманы кистью художника, повлияли на будущее живописи (И. Е. Репин «17 октября 1905 года», 1907).

Испытание полного спектра возможностей работы с эмоциями во время реализма еще только впереди. За ним открывается новая эпоха живописи, где направления в искусстве мутируют все быстрее. Мутации усложняются, появляется большее число новых стилей и направлений.

*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

6 советов для реалистичной цифровой живописи в Фотошоп / Creativo.one

Умение рисовать реалистично заключается в том, чтобы рисунки получались максимально приближенными к фотографиям. Знаю, это звучит не очень поэтично, но для многих новичков путешествие в мир реализма полно замешательств и разочарований.

Реализм — это кислород для цифровой живописи. Он помогает вдохнуть жизнь в ваши работы, ассоциируя их с знакомыми нам вещами. Мы привязываемся к реализму, потому что видим себя в нем. Поэтому, не удивительно, что многие художники всю жизнь пытаются овладеть реализмом и его прекрасным величием.

В сегодняшней статье мы пройдемся по нескольким полезным советам, которые помогут включить различные элементы реализма в ваши цифровые художества. Не важно, новичок вы или более опытный художник, прочитайте эти техники для получения более реалистичных рисунков.

1. Используйте фототекстуры в своей работе

Отличный способ сразу добавить реализма цифровому рисунку — применить к нему текстуру. Это можно легко сделать, включая фото текстуры в свою работу.

Фотографические текстуры представляют собой части фотографий, которые вы деформируете и манипулируете ими, чтобы смешать с рисунком. Эта техника особенно хорошо подходит для достижения идеальной текстуры одежды, кожи, деталей природы, общих деталей песка и грязи.

В этом невероятном примере Джонсона Тинга (Johnson Ting), он создает великолепное изображение астронавта. Обратите внимание, как он использует небольшие части фотографий, чтобы добавить реалистичные текстуры для своего рисунка.

2. Рисуйте с текстурными кистями

Помните Боба Росса (Bob Ross)? Короля гигантских причесок в стиле «афро» и «счастливых деревьев»? Более десяти лет он здорово рисовал прекрасные масляные пейзажи в своей ТВ программе The Joy of Painting. Он достигал невероятно реалистичных деталей при помощи простых материалов, включая широкую кисть для рисования, которую он использовал при создании своих фирменных деревьев.

Вы также можете получить реалистичный результат, используя большое количество текстурированных кистей в Photoshop. Их можно найти в интернете или создать самому. В этом вам поможет серия уроков Custom Brushes in Photoshop.

Хотите увидеть, как это делается? Узнайте, как использовать разные кисти в этих уроках:

1. Рисуем текстурной кистью в Photoshop
2. Рисуем реалистичный огонь в Фотошоп
3. Рисуем реалистичную воду в Фотошоп
4. Рисуем реалистичные снежные эффекты в Фотошоп

3. Используйте Ambient Occlusion для освещения

Изучение техники Ambient Occlusion — это как случайно наткнуться на святой Грааль техник рисования. Если вы уже знакомы с рисованием в оттенках серого, то, пожалуй, знаете такое распространенное уравнение:

Одна черно-белая основа + цвета с разными режимами наложения = почти законченный рисунок.

Что может быть более полезным, чем понимание того, как работает свет и тень? Конечно, есть множество других техник, но магия всегда заключается в свете.

Мы уже были впечатлены возможностями Photoshop превращать черно-белые оттенки в динамический цветной рисунок. Но с Ambient Occlusion достаточно просто применить универсальный сценарий освещения, который на половину уменьшает требуемое для выполнения работы время. Может даже больше. После того, как вы завершите превращение оттенков серого в цветные оттенки, рисунок будет почти закончен. Никаких больше безустанных «допиливаний» изображения после применения цвета или устранения ошибок в оригинальной заготовке.

Многие авторы уроков успешно применяют эту технику. Посмотрите, как автор этого урока использовал Ambient Occlusion для создания Китайской лапши в Photoshop . Просто освойте эту технику, и она значительно изменит процесс рисования и позволит создавать более реалистичные рисунки.

4. Рисуйте с натуральными цветовыми палитрами

Если вы не уверены в своих навыках рисования, не волнуйтесь, со временем вы их усовершенствуете. Но есть одна отличная альтернатива для достижения реализма, которая заключается в том, что необходимо сфокусироваться на цвете.

Даже если вам кажется заманчивым рисовать в светлых, ярких тонах, ограничьте свою цветовую палитру цветами, имеющимися в природе. Берите образцы цвета из фотографий и тестируйте эти значения в ваших рисунках. Скоро вы увидите, что не нужно быть лучшим художником в мире, чтобы сделать свои работы намного реалистичнее.

Вы также можете изучать натуральные цветовые палитры, чтобы понять, как рисовать людей. Из-за состава человеческого тела, рисовать кожу, например, будет сложнее, чем просто использовать разные оттенки коричневого цвета.

В этой иллюстрации Alice Catrinel Ciobotaru можно заметить, как даже крошечные оттенки пурпурного цвета используются для ее простого урока по рисованию реалистичных губ. Узнайте больше о человеческом теле, чтобы научиться замечать эти крошечные изменения цвета и затем попробуйте самостоятельно использовать натуральные цветовые палитры.

5. Добавьте быстрый фильтр Шум

Если вы забыли о рисовании разными кистями или вам надоело собирать кусочки фотографий для своего творения, можно воспользоваться одним простым решением. Используйте быстрый фильтр Шум (Noise).

Чтобы добавить шум, создайте новый слой (New Layer), нажав Ctrl + Shift + N. Заполните его светло-серым цветом. Перейдите в меню Фильтр > Шум > Добавить шум… (Filter > Noise > Add Noise) и установите значения поля Эффект (Amount) на 15%.

Установите режим наложения (Blending Mode) на Перекрытие (Overlay) и сократите Непрозрачность (Opacity) до 30%.

Этот эффект позволит добавить зернистости за считанные секунды. Просто убедитесь, что не перестарались с шумом, ведь вы не хотите испортить все свои старания.

6. Создавайте дополнительные источники освещения

Каждый художник за свою жизнь рисует хотя бы пару портретов. Для работы над этой техникой не обязательно использовать только портреты, но при помощи них вы можете поэкспериментировать с разными цветовыми настройками.

Лучший способ изучать свет — изучать фотографии. Поищите в интернете немного информации, чтобы узнать о разных типах освещения, включая:

• Rim Lighting
• Back Lighting
• Ambient Light
• Different Combinations of Light

В уроке по рисованию викторианского кота, автор экспериментировал с тем, как другой источник света может отражаться на рисунке. Дополнительный оранжевый источник света стал магической деталью, которая придала рисунку большей реалистичности и оживила его.

Попробуйте применить свои наработки, исследуя, как эта техника освещения делает работу более живой. Экспериментируйте с разными цветами и будете приятно удивлены результатом.

Выводы

Как и во многих вещах в жизни, если понять простые формулы, можно значительно улучшить свою работу. Поэтому, когда в следующий раз будете просматривать работы своего любимого художника, не просто сидите и восхищайтесь. Изучайте ее. Представьте, как она рисовалась. Мысленно разделите ее на части — не для критики, а для улучшения своих техник. Одинаковые ли техники использует этот художник? Очень скоро вы увидите, как каждый художник нашел свой процесс рисования, который ему нравятся и использует его.

Они нашли свою формулу. Вы найдите свою.

Желаю успехов в вашем путешествии по миру цифровой живописи. Оставайтесь на связи с серией Цифровая живопись от А до Я для новых советов и трюков. Удачи!

Автор: Melody Nieves

Рисуем животных маркерами

СОДЕРЖАНИЕ КУРСА

Виды штриховки

Разберем основные составляющие серии от идеи до цветового решения рисунков.
— Что такое серия и как создаётся
— Темы для серии
— Общая линия серии
— Сюжет
— Цветовая история

Научимся работать с разными видами штриховки маркером и отработаем несколько приёмов, которые помогут вам создавать реалистичные текстуры животных.

Рассматриваем варианты композиции в развороте и определяем основную композицию для нашей серии работ «анималистика».

Варианты композиции в развороте

Учимся передавать основные черты животного в линейном рисунке. Рисуем линером и сразу задаём базу под цветную заливку. Разбираем пропорции морды животного, применяя технику соотношения в скетче.

Работаем с поэтапной заливкой цветом. Учимся передавать объём и текстуру животного за счёт цвета и штриховки. Прорабатываем детально длинную шерсть, изучаем особенности реализма в маркерах. Вводим цветные карандаши для более реалистичной и подробной детализации.

Начинаем рисовать вторую серию работ. Учимся компоновать несколько объектов в одном развороте по принципу раскладки. Разбираем несколько вариантов композиций для разных форматов скетчбуков. Выбираем свой вариант композиции и органично вписываем в него все атрибуты.

Атрибуты женщины-кошки.
Линейный рисунок

Атрибуты женщины-кошки.
Работаем с цветом

Учимся работать с композицией «раскладка». Создаём линейный рисунок. Вписываем все объекты в разворот, соблюдая соотношение предметов и их размеры относительно друг друга.

Выполняем заливку маркерами. Учимся работать с цветовыми пятнами и рассказывать историю в развороте скетчбука.

Учимся создавать живописный портрет животного, работаем с воздухом и легкостью в рисунке. Открываем для себя особенности линейного рисунка цветными карандашами.

Варианты композиции в развороте

Атрибуты женщины-зайки.
Линейный рисунок

Применяем все разнообразие штриховок маркерами в работе с цветом. Выполняем поэтапную заливку морды волка, учимся реалистично прорабатывать текстуру короткой шерсти. Учимся органично вписывать разные оттенки в рисунок и работаем с живописностью маркерами.
Раскрываем особенности цветных карандашей и применяем их для финальной детализации шерсти.

Продолжаем работать над созданием второй серии. Рассмотрим композицию в перспективе и разноплановость в развороте. Учимся вписывать данную композицию в разные форматы разворотов.

Продолжаем работать цветными карандашами и делаем с их помощью линейный рисунок в развороте. На этот раз мы зарисуем атрибуты женщины зайки — меховые ушки, туфельки и другие интересные предметы. Прорабатываем плановость предметов и работаем с перспективой.

Атрибуты женщины-зайки.
Работаем с цветом

Осьминог в линии

Осьминог в цвете

Заливаем нашу композицию поэтапно цветом, задавая цветовое решение всему развороту. Учимся передавать текстуру атласной ткани и искусственного меха маркерами быстро и стильно. Передаем с помощью цвета воздушность и легкость разворота.

Учимся передавать особенности осьминога и работаем с плановостью щупалец. Работаем сразу с несколькими референсами и создаём линейный рисунок с помощью цветного розового линера.

Заливаем поэтапно цветом линейный рисунок. Учимся смешивать разные оттенки для передачи окраса осьминога и работаем над передачей его текстуры кожи. Прорабатываем мелкие детали для большей реалистичности и живописности рисунка.

Варианты композиции в развороте

Разбираем варианты композиции «в невесомости». Учимся передавать ощущение лёгкости и полёта в развороте.

Учу профессионально рисовать в стиле реализм. Карандаш. / Исаак Вайнберг

Здравствуйте. Очень много развелось иллюстраторов/художников/рисовальщиков, и мне, как профессиональному образованному художнику, разумеется, не нравится, что люди без образования и настоящих академических знаний лезут в наше, далеко не самое простое, ремесло. 

Но только не подумайте, что я против творчества. Я не выступаю против того, чтобы молодые самоучки могли творить! Нет! То, что они к нам лезут – замечательно, а сердит меня совсем другое: они норовят учить других, и самое неприятное: продают свои работы за деньги.

Важное замечание: если вы хотите купить иллюстрацию у настоящего профессионала, то вариант у вас один: обратиться ко мне. И пусть звучит это как-то уж слишком самоуверенно, но любые ваши недовольства рассеет пример моей свежей работы в стиле реализм, приложенный ниже.

 

 

Ну? Как вам? Но это просто пример из интернета. Мои работы чуть проще, хотя я тоже отдаю предпочтение «реализму». Но больше всего я люблю рисовать собак:

 

Это тоже не моя работа, хотя моя ничуть не хуже. Вот:

 

Вот как рисуют профессионалы! Вот как рисую я! И если вам кажется, что моя работа не реалистична, то с радостью утру вам нос! Вот с кого я её писал:

 

 

Короч, заказывайте иллюстрации у профессионалов (у меня). Кстати, пишу этот блог с ноутбука, если вам интересно.

 

P.S. Ноут, кстати, этот не выкинул) Жалко чё-то) Хотя клава там вообще не рабочая по сути.

P.S.S. Если вам кажется, что я эксплуатирую собаку из известного старого мемаса – вам кажется верно, ведь я люблю эксплуатировать старые изъезженные темы.

 ________________________________________________

Ну а теперь перейдем к настоящей теме блога: кто из вас, поставил минус под моим комментарием от 01.10.2020, 13:51???? 

Определить реалистичный рисунок — Реалистичный рисунок

1. Чтобы рисовать реалистично, вы должны сначала научиться реалистично видеть. Знайте, что там на самом деле. «То, что ты видишь, когда смотришь» — это визуальная реальность. На самом деле все имеет три измерения: высоту, ширину и глубину. Визуальная реальность — это все, что вы видите. Примеры: деревья, камни, облака, воздушные эффекты и свет. Ваш ум настолько привыкает к повседневному окружению, что вы не замечаете того, что есть на самом деле. Когда вы рисуете эти предметы, вы внезапно понимаете, что не знаете, что там есть, и как правильно нарисовать этот предмет.Мотивация, время и наблюдательность помогут преодолеть этот «визуальный пацифизм». После преодоления вы будете на пути к визуальной точности (рис. 2-1).

Есть три принципа рисования: визуальная точность, системный подход и практика. При наличии достаточного желания, времени и руководства можно легко изучить и усвоить эти принципы. Знание и использование этих принципов поможет вам создавать точные изображения предметов вокруг вас.

2. Визуальная точность — это правильная передача визуальной реальности на поверхность рисунка (рис. 2-1).Вместе они составляют рисунок. Визуальная точность имеет дело только с двумя измерениями: высотой и шириной. Добавление глубины иллюстрации создает иллюзию, с которой вы можете справиться с большим желанием и практикой. Чтобы добиться визуальной точности, вы должны использовать самоанализ, систематический подход и практику.

а. Самоанализ — это непрерывное упражнение по сравнению. Проанализируйте то, что вы видите в визуальной реальности (формы, размеры, расположение, края, текстуры, цвета или тона), а затем сравните это с вашим рисунком. При необходимости отрегулируйте иллюстрацию.Сделайте этюды (наброски) предмета и сравните их с тем, что есть. Держитесь подальше от символов.

(1) Символ — это обобщенное представление объекта или существа (рис. 2-2). Когда ребенок хочет рисовать, он находит бумагу и карандаш, выбирает предмет и создает свой собственный шедевр. Он делает это без обучения или руководства, используя метод проб, ошибок и догадок, потому что у него нет формулы, которой можно было бы следовать. Мама или папа восхищаются работой рук и ставят ее на холодильник на всеобщее обозрение. Они не давали никаких указаний или указаний, только искренние слова одобрения и поддержки.Это дает ребенку важное чувство гордости и выполненного долга. Эта положительная родительская черта мотивирует ребенка продолжать, даже если он не знает, что делать.

Рисунок 2-2. Примеры символов

Его рисунок выглядел не так, как он задумал. Это был символ, упрощенная версия предмета, который он выбрал для рисования. Это логичный способ начать рисовать. К сожалению, символы не показывают, как на самом деле выглядит мир. Используя принципы рисования, вы научитесь рисовать реалистично и научитесь избегать символов.

(2) Символы мешают вам продвигаться по рисованию. Они говорят вашему разуму, что объект выглядит определенным образом, несмотря на то, как он выглядит на самом деле. Эти символические рисунки убирают тонкости предметов, которые делают их реальными. Эти тонкости могут быть качеством линии, тоном, формой или текстурой. Самоанализ поможет вам избежать рисования символов.

г. Абстрактное видение — это рассмотрение объекта как серии неузнаваемых форм, и это может помочь вам избежать символов.Например, если вы перевернете фотографию вверх ногами, чтобы скопировать ее таким образом, вы увидите изображение по-другому. С этой точки зрения вы избегаете символов. Вы можете быстро приблизиться к визуальной точности. Вы должны практиковать это как упражнение.

3. Второй принцип рисования — это системный подход к рисованию. Системный подход состоит из четырех шагов: определение форм предметов, определение их пропорций, представление их контурами и их затемнение, чтобы подчеркнуть иллюзию глубины.Следование этой четырехступенчатой ​​формуле формы, пропорции, контура и штриховки поможет вам нарисовать все и вся. Отдельные обучающие мероприятия подробно объясняют каждый шаг. Вы должны понимать и выполнять каждый шаг правильно и последовательно, чтобы добиться визуальной точности.

а. Системный подход можно использовать не только как метод рисования, но и как метод анализа. Вы можете определить, насколько реалистичен ваш рисунок, используя каждый шаг в качестве контрольного списка. Этот анализ следует проводить на каждом этапе.Проведите визуальное сравнение рисунка и объекта. Это поможет обеспечить точность и своевременность вашей работы. Системный подход работает вместе со следующей характеристикой — практикой.

г. Системный подход — самый эффективный метод обучения рисованию. Практикуйте каждый шаг по порядку и делайте их точно.

4. Практика — это процесс улучшения задания путем повторения. Когда вы закончите рисунок, вы можете сравнить его с предметом на предмет точности. Если это неверно, вы можете определить причину, пройдя этапы систематического подхода.Вы должны делать каждый шаг правильно и последовательно (форма, пропорции, контур и штриховка), чтобы рисунок получился максимально точным.

Когда вы обнаружите, что пошло не так, вы можете исправить ошибку и сконцентрироваться на этом этапе систематического подхода. Хорошее предложение: всегда носите с собой небольшой блокнот для рисования и ставьте себе цель — 4, 8, а затем 12 страниц практики в день. Практиковаться можно в любое время, в любом месте и по любому предмету.

ПРИМЕЧАНИЕ: Мы подчеркиваем реалистичность и точность из-за графических художественных и полиграфических приложений.Иллюстрации используются в документации мероприятий, учебных публикациях, руководствах, историческом искусстве, справочниках и репрезентативных визуализациях. Индивидуальные стили со временем будут развиваться.

Учебное мероприятие 2: ОПРЕДЕЛЕНИЕ ФОРМЫ

1. Форма — это трехмерная форма. Все, что воспринимается в визуальной реальности, имеет три измерения: высоту, ширину и глубину. Готовясь к рисованию, смотрите на предмет и упрощайте его формы. Визуальная точность — это представление трехмерных объектов на двумерной поверхности.

Вы должны уметь легко распознавать форму, чтобы рисовать то, что вы видите. Из трех измерений высоту и ширину проще всего проверить и отрегулировать на иллюстрации. Однако глубина является наиболее сложной задачей, и для ее освоения на двухмерной поверхности требуется больше всего практики. Подробнее о глубине читайте в других разделах этого курса.

2. Сначала вы должны игнорировать детали ваших предметов и разбить их на их основные формы. Основные формы — это куб, конус, цилиндр и сфера (рис. 2-3), и все в визуальной реальности может быть частью одной или нескольких из них.Все, что есть в чертеже, можно сделать из любого сочетания основных форм. Модификации и тонкости могут быть добавлены по мере готовности вашего рисунка.

КУБИЧЕСКИЙ КОНУС СФЕРА ЦИЛИНДРА

Рисунок 2-3. Примеры основных бланков

КУБИЧЕСКИЙ КОНУС СФЕРА ЦИЛИНДРА

Рисунок 2-3. Примеры основных бланков

3. Распознавание и использование форм.

а. Сделайте паузу и посмотрите вокруг себя и / или в окно. Разбейте все эти объекты на их основные формы. Здание, в котором вы находитесь, скорее всего, представляет собой серию кубов.Пожарный гидрант может представлять собой цилиндр с прикрепленными полусферами. Записные книжки, мебель, автомобили, люди, все, что вы можете увидеть. Распознавание этих основных форм помогает развить понимание вашего окружения.

г. Неполная форма является частью одной из основных форм (рис. 2-4).

Рисунок 2-4. Примеры неполных бланков

c. Сложная форма состоит из двух или более основных форм (рис. 2-5). Не обращайте внимания на многие детали (маленькие базовые формы) предмета, чтобы увидеть более крупные, простые, базовые формы и не заблудиться в сосредоточении на деталях.Рисуй от простого к сложному. Начните с больших базовых форм и в последнюю очередь переходите к меньшим. Добавляя детали, помните, что они не всегда необходимы.

г. Есть еще два вида форм: прямолинейные и криволинейные. Вы должны нарисовать каждый, основываясь на том, что вы видите.

(1) Криволинейные формы мягкие, с неправильными краями и обычно встречаются в природе. Примером могут служить дерево, облако, горы или даже человек. Возможно, вам придется нарисовать криволинейную форму с несовершенными линиями, чтобы смягчить ее края.

(2) Прямолинейная форма имеет твердые края, геометрически идеальна и обычно создается руками человека. Некоторые примеры — дом, самолет, пожарный гидрант и резервуар. Поэтому прямолинейные формы почти всегда сложны.

Рисунок 2-5. Примеры сложных форм

4. Форма адаптируема. Нарисуйте основные формы, основываясь на визуальной реальности, а не на четырех конкретных формах. Например, нарисуйте прямоугольник, а не куб, чтобы представить голову прицепа на рисунке (рис. 2-6).Измените базовые формы, чтобы они соответствовали предмету. Пусть ваш мысленный взор принимает изображение за его реальную форму и рисует именно то, что вы видите. Это помогает избежать использования символов.

Рисунок 2-6. Возможность адаптации формы

5. Глубина и структура — это два качества (видимые черты или характеристики) формы. Отразите эти два качества в своих иллюстрациях, избегая деталей. Прорисовывайте детали по мере необходимости.

а. Глубина — это самое сложное из трех измерений для захвата, и это иллюзия на чертеже.Использование перспективного рисунка — один из способов помочь создать эту иллюзию. Созданная иллюзия — это расстояние. Ни один шаг системного подхода не создает глубины. Это достигается на протяжении всего процесса (рис. 2-7). В следующих параграфах дается краткое введение в перспективные конструкции.

Рисунок 2-7. Пример, показывающий глубину

(1) Рисование в перспективе создает иллюзию расстояния за счет того факта, что все линии, уходящие от наблюдателя, кажутся сливающимися в некоторых удаленных точках.Например, человеку, смотрящему на длинный участок железнодорожных путей, будет казаться, что они сливаются или исчезают (иллюзия) в одной точке на расстоянии. Эта точка называется точкой схода. Это один из трех важнейших факторов перспективного рисования.

(2) Вторым по важности фактором при рисовании в перспективе является точка станции. Точка станции — это положение одного из глаз наблюдателя (рис. 2-8). Расположение точки станции определяет перспективу.Например, дом на первом этаже воспринимается иначе, чем наверху соседнего трехэтажного дома.

(3) Вы должны думать, что объект, который нужно нарисовать, лежит на горизонтальной плоскости земли, перпендикулярной плоскости изображения. Границами плоскости земли являются две отдельные линии, линия земли и линия горизонта (рис. 2-8).

Рисунок 2-8. Номенклатура перспективы

Линия горизонта — третий по важности фактор при рисовании перспективы.Объекты могут выглядеть по-разному, относительно их положения выше или ниже линии горизонта (рис. 2-9). Обратите внимание, как круги под углом выглядят как эллипсы. Угол обзора определяет их узость.

Рисунок 2-9. Изменения формы из-за их положения выше или ниже линии горизонта

Читать дальше: Под линией горизонта

Была ли эта статья полезной?

Цифровой художник дает уроки рисования о том, как добиться реалистичности

Независимо от того, являетесь ли вы признанным художником или начинающим художником, вы всегда будете знать, что практика ведет к совершенству.А благодаря Интернету вам больше не нужно посещать художественную школу, чтобы научиться рисовать или раскрашивать. Сейчас существует множество онлайн-уроков по рисованию, где талантливые художники делятся своими практическими рекомендациями, позволяя вам учиться бесплатно. Один из художников, который поделился своими секретами, — это Флоортьес из Нидерландов, который создает гиперреалистичные цифровые картины.

Используя планшет для рисования, iPad и несколько программ, включая Procreate и Photoshop, Флоортьес часто ставит себе (и своей аудитории) ограничения по времени.Будь то быстрое создание набросков всего за несколько секунд или пересмотр рисунков, чтобы медленно наращивать детали, талантливый художник показывает, что требуется время, чтобы усовершенствовать свое мастерство. «Я люблю тренироваться, выполняя соревнования на скорость. Это заставляет вас действительно взглянуть на основы предмета и не вдаваться в подробности », — рассказывает она в Instagram. Флортьес поощряет своих подписчиков, публикуя ежедневные советы по рисованию, говоря: «Не сдавайтесь! Продолжайте практиковать всех ».

Помимо испытаний на скорость, Флортьес также публикует простые поучительные иллюстрации, чтобы научить своих последователей рисовать различные объекты.От реалистичных волос, глаз и губ до реалистичных перьев, цветов и драгоценностей — Floortjes помогает начинающим художникам разбивать предметы на простые шаги. Каждая деталь начинается с грубого наброска и дополняется базовыми цветами, тенями, бликами и изысканными деталями в качестве завершающего штриха. Однако Флортьес говорит, что для нее все сводится к дисциплине. «Чтобы улучшить свое искусство, нужно практиковаться, много работать и быть решительным».

Чтобы начать, вы можете подписаться на Floortjes в Instagram и YouTube.

Цифровой художник Флоортьес делится уроками по рисованию о том, как создавать гиперреалистичные цифровые картины.

Ее испытания скорости показывают, что на то, чтобы усовершенствовать свое мастерство, нужно время.

Floortjes также публикует простые поучительные иллюстрации, чтобы научить зрителей рисовать разные объекты шаг за шагом.

Чтобы начать, подпишитесь на канал исполнителя на YouTube.

Floortjes Работа: Instagram | YouTube | Deviantart

Все изображения через Floortjes Artwork.

Статьи по теме:

Более 50 идей для рисования, которые помогут вам рисовать прямо сейчас

10+ каналов YouTube, чтобы научиться рисовать бесплатно

Лучшие карандаши для рисования для профессионалов и начинающих, которые любят рисовать

6 художников цветным карандашом, мастерски создающих реалистичные рисунки

Потрясающе реалистичные портреты в стиле поп-культуры в цифровом искусстве

Лучшие книги по реализму и реалистичным техникам рисования

РесурсыКниги Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки.Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Практически каждый художник так или иначе должен практиковать реализм. Рисование с натуры — это, в конечном счете, то, как вы развиваете необработанные навыки и применяете их во всем, что хотите: в анимации, концептуальном искусстве и т.

Но обучение реализму сильно отличается от обучения иллюстрированию или рисованию мультфильмов. Это гораздо больше связано с измерением и копированием именно того, что вы видите перед собой.

При наличии подходящих учебных материалов вы можете быстро освоить реалистичную работу, и поэтому я составил этот огромный список книг, чтобы вы начали на правильном пути.

Полное руководство Бриджмена по рисованию с натуры

Джордж Бриджмен — уважаемый художник. Он опубликовал несколько книг на самые разные темы. Одна из его самых известных книг — «Полное руководство Бриджмена по рисованию с натуры».

Это новейшее издание книги фактически объединяет 6 разных книг вместе в один том. У него потрясающая цена, и уроки действительно полезны для любого, кто пытается понять рисование с помощью натуры.

Каждая глава включает в себя все оригинальные наброски и визуальные эффекты Бриджмена, а также включает новые современные качества печати. Это лучшая копия любой книги Бриджмена, которую вы найдете, и часто она является основным продуктом для многих художественных колледжей.

Просто обратите внимание, что цифровая / электронная версия ужасна, поэтому рекомендуется взять с собой печатную копию, если вам нужны качественные визуальные эффекты.

Но это определенно одна из самых полных книг по рисованию в живую, которую вы можете найти в Интернете.

Как рисовать то, что вы видите

Все реалистическое искусство в основном заключается в точном наблюдении и точном копировании. Это преуменьшение, потому что это, конечно, не так просто!

Но в книге «Как рисовать то, что вы видите» вы узнаете ценные техники создания реалистичных рисунков с использованием графита и угля. Эта книга начинается с абсолютных основ объяснения форм, теней, перспективы и даже того, как правильно держать карандаш.

Большая часть этой книги на самом деле идет по пути рисования, основанному на воображении, где вы научитесь рисовать кубы, сферы и цилиндры, копируя эталонные фотографии.

Но мне по-прежнему нравится эта книга как реалистическое учебное пособие, потому что методы остаются неизменными. Это верно для большинства медиумов, потому что изобразительное искусство, как правило, представляет собой одну всеобъемлющую тему с различными методами для достижения аналогичных конечных результатов.

Пояснения к рисунку

Я большой поклонник книги Берта Додсона «Ключи к рисованию». Этой книге уже почти тридцать лет, и она до сих пор остается одной из лучших книг для начинающих, чтобы научиться точному рисованию.

Когда вы впервые начинаете рисовать с натуры, ваша работа обычно выглядит как каракули.Это нормально, и книга Берта, пожалуй, единственная, в которой говорится, что поначалу нормально вести себя беспорядочно. Он включает в себя массу наглядных материалов и пошаговых руководств, которые помогут вам понять фактический процесс рисования.

Я обычно рекомендую это начинающим художникам, которые только начинают работать, но это также может быть полезно для художников, которые не очень много рисовали с натуры.

Если вы в основном рисовали кубики и фигуры, вы не сможете нарисовать стул или туфлю с натуры. Но, выполняя эти упражнения, вы научитесь подходить к чему-либо из жизни и каждый раз точно копировать это.

Книга, которую необходимо прочитать всем, кто только начинает заниматься реалистическим искусством.

Рисование реалистичных текстур карандашом

Более мелкие детали рендеринга часто сводятся к типу карандаша и качеству бумаги. Вот почему рисунки карандашом могут так сильно различаться, и именно поэтому я рекомендую рисовать в альбомах с небольшой текстурой на странице.

Рисование реалистичных текстур карандашом — это ваш лучший помощник по точному рендерингу графита.В этой книге рассматриваются все типы текстур, включая стекло, пластик, металл, дерево, волосы и т. Д.

Все материалы описаны в самой первой главе, так что вы точно знаете, что вам нужно, чтобы это работало. Оттуда вы можете пошагово пройти каждый урок или прыгать, используя указатель, чтобы найти уроки, которые вас интересуют больше всего.

Что мне больше всего нравится в этом стиле письма, так это его супер доступность. Любой может взять эту книгу в руки и проработать ее, к тому же эти упражнения стоит практиковать много раз, так что эта книга прекрасна, чтобы вернуться к ней и ссылаться на нее в будущем.

Свет, тень и тень

Реализм определяется деталями и тем, сколько усилий вы вкладываете в рендеринг. Но рендеринг — это просто более изящный способ обозначения света и тени, которые относятся к одной и той же теме, но по-разному работают на странице.

«Свет, тень и тень» — дешевое руководство для художников-реалистов и иллюстраторов / карикатуристов. В этой книге рассказывается о ценности света и о том, как его глубина сильно влияет на ваше произведение.

Реалистическое искусство — это воссоздание жизни, но часто включает в себя определенный стиль или глубину.Когда вы работаете с черно-белыми изображениями, выбор ценности — огромная часть этого процесса. Эта книга предлагает несколько полезных советов по затенению и о том, как думать о ценности в своей работе.

В некоторых разделах также описывается базовое затенение таких объемов, как сферы и цилиндры. Это больше уместно для художников-карикатуристов, которые конструируют формы из своего воображения.

В любом случае эта книга — отличное чтение для всех, кто пытается достичь правдоподобных значений в своих карандашных рисунках.

Вызов реализма

Я обожаю это название, но оно не для слабонервных.The Realism Challenge от Марка Крилли предлагает серию упражнений, которые помогут улучшить ваши реалистичные техники воссоздания жизни на холсте.

Вам потребуется приличный опыт работы с традиционной работой, желательно масляной или акварельной живописью. Каждый урок направлен на то, чтобы вывести вас из зоны комфорта, приблизившись к реализму с целью гиперреализма.

Большинству концепт-художников не нужны гиперреалистичные работы. Но необходимо понимать реализм, чтобы создавать картины, которые действительно кажутся правдоподобными.

Эта книга много учит о тенях, формах и выборе цвета при реалистичной живописи. Информация невероятно ценна, но она требует от читателя некоторого традиционного опыта, поэтому, если вы никогда не рисовали классической живописью, вы можете начать с чего-то другого.

Рисование и наброски карандашом

Рисование и наброски карандашом Артура Гуптиля предлагает краткую серию инструкций по рисованию карандашом.

Это, конечно, не фолиант карандашной работы, но в нем есть множество передовых техник, которые могут поднять ваше художественное мастерство на новый уровень.В книге 210 страниц и чуть более дюжины глав.

Автор обсуждает многие стили рисования карандашом с главами, посвященными рисованию в живую и литому, которые являются ценными упражнениями для художников-реалистов. В последующих главах мы расскажем о создании чертежей по эталонным фотографиям и о том, как применить ваши ценности в работе.

В этой книге есть советы по любому вопросу, от черновых набросков до готовых карандашей.

Я бы сказал, что это лучше всего подходит для художников с небольшим опытом, но вы можете многому научиться даже в качестве новичка.На эту книгу вы будете часто ссылаться в течение своей творческой карьеры, поэтому ее название можно будет хранить на полке еще долгие годы.

Уроки классического рисования

У старых мастеров был блестящий способ обучения искусству, и этот стиль живет в ателье. Многие прекрасные художники учатся в этих академиях, потому что они предлагают лучший тип обучения профессиональному реалистическому искусству.

Автор и художник Джульетта Аристидес описывает эту учебную программу в своей книге «Уроки классического рисования».Он занимает 208 страниц и включает бонусный DVD с видеозаписями ее практики во время учебы в Италии.

Если вы хотите улучшить свою реалистическую работу, то обучение в ателье — отличная идея. Но если у вас нет времени / денег, то книга Джульетты — следующий лучший вариант.

Каждая глава охватывает серию уроков, начиная с основ материалов, настройки, измерения, работы с линиями и изготовления мастер-копий. В последующих главах будут более подробно описаны упражнения на значение, тон и более конкретные детали, такие как анатомия человека.

Помните, что ни одна книга не может сделать вас великим художником. Только последовательная практика может сделать это. Но иногда вам нужно подтолкнуть к тому, что нужно практиковать , и эта книга предлагает гораздо больше, чем просто толчок в правильном направлении.

Рисунок с натуры

«Рисование с натуры» — это скорее традиционная книга для рисования фигур с упором на реализм.

Большинство профессиональных художников согласны с тем, что рисование фигуры человека необходимо для улучшения ваших навыков.У всех разные методы рисования жизни, но в конечном итоге цель состоит в том, чтобы улучшить ваше общее понимание того, как запечатлеть жизнь.

Художникам-реалистам нужно много рисовать вживую, потому что это учит всему, что вы используете в каждом виде изобразительного искусства. Эта книга выходит далеко за рамки основ и содержит 270 страниц советов, приемов и упражнений, которые вы можете практиковать в фигурном зале.

Вы можете использовать множество разных подходов к рисованию жизни, и в этой книге отражены почти все из них.

Это довольно хороший ресурс, который можно держать рядом с рабочей станцией и использовать в качестве справочника во время перерывов в работе модели.

Вы можете рисовать! Простые методы создания реалистичных рисунков

Это одна из новейших книг в моем списке, написанная прекрасным художником Леонардо Перезнието. Вы умеете рисовать! следит за 18 конкретными проектами от начала до конца, предназначенными для всех, от новичков до более опытных художников.

В самых ранних упражнениях рассказывается о цвете, выборе материала, стиле дизайна и о том, как работать с затенением для создания реалистичного эффекта на странице.

Но более поздние уроки будут посвящены более конкретным предметам, таким как камни, столы, драгоценные камни и даже стакан воды (рисовать нелегко!).

Каждая глава уделяет большое внимание рисованию жизни с конечной целью — реалистичностью. Если вы сможете выразить реалистичные идеалы в своей работе, вы многому научитесь из этой книги и будете носить эти упражнения с собой на долгие годы.

Полное руководство к жизни Рисунок

Название этой книги может показаться преувеличением, но во многих отношениях это полное руководство по всем аспектам рисования жизни для начинающих.

Более 300 страниц вы узнаете, как настроить и структурировать свою работу по рисованию, чтобы получить максимальную отдачу от каждого занятия. Полное руководство по рисованию жизни упрощает анатомию и фигуру, поэтому вы точно узнаете, что искать и, что более важно, что писать на бумаге.

Многие из этих техник в первую очередь основаны на построении, поэтому вы быстро научитесь блокировать определенные участки фигуры.

Это не единственный способ рисования, но он наиболее актуален для начинающих, изучающих реализм вместе с карикатуристами или иллюстраторами, которые не очень реалистичны в своей основной работе.Определенно хорошее чтение для всех начинающих художников в сфере развлечений или тех, кто только начинает рисовать реалистами.

Любая из книг в этом руководстве может оказаться полезной в поисках улучшения ваших реалистических навыков.

Некоторые художники десятилетиями занимаются реализмом, поэтому нельзя ожидать, что они станут маэстро в одночасье. Но с достаточной практикой и подходящими учебными материалами вы можете добиться огромных успехов всего за несколько месяцев последовательной работы.

---

Что это значит и почему это важно для практикующих художников

Источник изображения Советы По сценарию Маккеллы Сойер Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки.Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Реализм — это художественный стиль, который направлен на то, чтобы предметы выглядели максимально реалистично и реалистично.

Подумайте о реалистичных портретах, пейзажах и натюрмортах. Все это формы реализма, которые стремятся запечатлеть объект в реалистичном стиле и, возможно, изобразить объект таким образом, чтобы уловить реалии жизни.

Хотя предметы могут иногда казаться несколько стилизованными, реализм стремится представить предметы такими, какими они выглядят в реальной жизни .

Чтобы увидеть несколько прекрасных примеров реализма, обратитесь к таким художникам, как Гюстав Курбе, Уинслоу Гомер, Эдуард Мане и Рембрандт.

Это популярный стиль, который либо пренебрегают (зачем делать что-то так, как в реальной жизни, а не делать что-то оригинальное?), Либо хвалят как «хорошее» искусство (вау, это выглядит так реально! Вы такой хороший художник .)

Но реализм часто является почвой для обучения художников любого жанра, поскольку практика от жизни является ключом к тому, чтобы стать по-настоящему квалифицированным.

Почему художники изучают реализм

В цифровом искусстве мы тратим много времени на создание фантастических миров, существ и персонажей. Другими словами, мы практикуем создание вещей, которых не существует.

Так почему же концепт-художникам, цифровым художникам и ЛЮБЫМ художникам важно изучать реализм?

Вы, наверное, слышали старую поговорку о том, что нужно выучить правила, чтобы их нарушать, и здесь это абсолютно справедливо.

Источник изображения создан Clark Graves Antiques

. Когда вы научитесь копировать вещи с натуры, вы можете начинать с ними играть.По мере того, как вы станете лучше, вы научитесь работать быстрее и, возможно, заметите, что ваши линии становятся туже, а формы ложатся быстрее.

Все это происходит от занятий основами искусства.

Но требуется время и практика, чтобы понять и усвоить, что это за основные.

Когда вы начнете учиться рисовать или начнете курсы в художественной школе, вы почти всегда начнете с изучения реализма или копирования того, что видите.

Это потому, что намного сложнее нарисовать что-то из головы, чем то, что находится прямо перед вами.

Кроме того, научившись реалистично рисовать предметы, например человеческое тело, вы научитесь стилизовать их позже.

Подумайте о любимом художнике, который рисует фигуры в своем собственном стиле. Их стиль может показаться простым, но он, вероятно, демонстрирует высокий уровень понимания анатомии человека.

Даже если форма сильно уменьшена или сильно преувеличена, художник, вероятно, не добавляет мышцы и кости в тех местах, где их на самом деле не существует — если только они не создают новое существо, но даже тогда это все равно намеренно со знанием дела. анатомических деталей.

Реализм заключается в том, чтобы придерживаться базовой, реалистичной формы и в первую очередь заставить ее работать.

Источник изображения

Это все равно что построить дом. Прежде чем думать о ковровых покрытиях, цветах красок и стилях дверных ручек, нужно заложить фундамент и построить прочные стены.

Чтобы быть хорошим художником, нужно развивать технические навыки , и нет лучшего способа сделать это, чем изучая и практикуя реализм.

Возможно, это не то, что вы хотели бы услышать, особенно если вы только начинаете заниматься концепт-артом.Скорее всего, вы захотите начать создавать удивительные произведения искусства, развивать свой стиль, изучать лучшие программы рисования и создавать произведения искусства, которые вы хотите создать.

Но чтобы сделать это хорошо, вы должны знать, что делаете. Чтобы хорошо разбираться в чем-либо, сначала нужно овладеть основами.

Вот почему танцоры начинают с классического балета, почему великие музыканты изучают классическую музыку, почему пианисты начинают с гамм и почему художники начинают с обучения реалистичному рисованию.

Многие художники предпочитают придерживаться реализма , и все их работы следуют реалистичному стилю.Это прекрасно, и вы увидите эти произведения в музеях по всему миру.

Но каждый художник должен тратить время на работу с реалистическими произведениями. Это поможет вам научиться правильно видеть и в конечном итоге поможет вам разработать стиль, основанный на реальном мире.

Реализм в концепт-арте и иллюстрации

Все стилизованное искусство хоть в какой-то мере основано на реальности. Фэнтезийные пейзажи и здания имеют много общего с реальными пейзажами и зданиями, в то время как стилизованные персонажи-гуманоиды обычно основаны на человеческих фигурах.

Большинство фантастических существ имеют некоторое сходство с реальными существами.

И независимо от того, какие вымышленные персонажи или настройки вы создадите, вам нужно знать, как это сделать. Как работает перспектива, как передавать свет и текстуры, такие как дерево и вода, как одежда складывается через чью-то руку.

Эти можно изучить из жизни, и практика реализма очень помогает в создании правдоподобных работ.

Хорошая новость в том, что если вы действительно любите искусство, изучение основ может быть интересным! Приятно поправляться и следить за своим прогрессом с течением времени.Да, учиться — это тяжелый труд, и заниматься одним и тем же может быть скучно.

Но тяжелая работа находится на грани «комфорта» и «дискомфорта». Пройдите немного дальше этого момента, и вы научитесь , и именно здесь вы выучите . Все самое лучшее происходит, когда вы выходите за пределы своей зоны комфорта и действительно пытаетесь стать лучше.

И вы можете быть удивлены, насколько быстро вы станете лучше, если сделаете реализм частью своей обычной практики.

Источник изображения создан Clark Graves Antiques

. Вы научитесь лучше рисовать позы и объекты, которых никогда раньше не видели, потому что у вас будет тонна опыта реализма, из которого можно рисовать.

Вы поймете, как работают тело и предметы, чтобы вы могли расположить их в разных положениях при разном освещении.

Это весело экспериментировать, играть и заполнять альбомы практическими рисунками. Все это часть процесса становления мастером-иллюстратором.

Настоящие мастера любят процесс так же, как конечный результат.

Стоит отметить, что аниматоры могут не воспринимать как ценность в реализме, однако они найдут ценность в практике на практике.

Анимация должна быть быстрой, чтобы вы получали больше пользы от быстрых рисунков и жестов. Аниматоры хотят запечатлеть вес, форму, движение, позу — все, что делает процесс рисования реалистичным. Это не требует излишней детализации, но никогда не повредит практиковаться!

Стоит ли практиковать реализм?

Может быть!

Вот несколько знаков, на которые стоит обратить внимание. Если вы недовольны своей работой или если вы обнаружите, что какой-либо из этих признаков часто появляется, возможно, вы захотите потратить больше времени на практику реализма:

• Ваши фигуры не выглядят «правильными» или пропорции кажутся неправильными, и вы не знаете, почему
• Ваши формы и фигуры выглядят так, как будто они не имеют веса, или они кажутся «плавающими» или не заземленными в сцене
• Для некоторых объектов перспектива никогда не бывает правильной
• Кажется, что невозможно передать детали должным образом и получить действительно правдоподобное сочетание света и тени

Это не все требует практики от жизни, и вы всегда можете решить проблемы индивидуально с помощью упражнений.

Но любой нестабильный рисунок можно исправить, устранив основную причину, и эта причина может заключаться в отсутствии фундаментальных знаний. Угадай, как это исправить!

Являетесь ли вы опытным художником или только начинаете рисовать карандашом, изучение реализма может помочь развить ваши навыки и развить свой стиль быстрее, чем все остальное, что вы можете сделать.

Если вам немного неудобно начинать с нуля, обязательно посмотрите серию видеороликов Proko. Все его курсы сосредоточены на реализме, и они нацелены на то, чтобы научить начинающих художников тому, как правильно видеть, как практиковать работу с фигурой и как стратегически улучшить свою жизнь, убивая рисунки.

Для практики рисования в живую я особенно рекомендую курс рисунка и курс анатомии.

Оба курса работают с живыми моделями, и оба обучают только реализму. , так что они похожи на учебные курсы для быстрого улучшения ваших навыков.

Мы написали подробные обзоры как серии фигур, так и серии анатомии, поэтому ознакомьтесь с этими статьями, если вы не знаете, как начать с реализма, и, возможно, захотите использовать несколько видеокурсов для руководства.

---

Автор: МакКелла Сойер

Маккелла — художник и писатель-фрилансер из Солт-Лейк-Сити, штат Юта.Когда она не рисует и не пишет для клиентов, она любит писать художественную литературу, путешествовать и исследовать горы возле своего дома пешком, верхом на лошади или на горном велосипеде. Вы можете просмотреть ее работы на Etsy, а ее услуги по написанию — на TheCafeWordsmith.com.

---

Пошаговый портретный рисунок: сила линии и света

Одна линия, сужающаяся от толстой к тонкой, может управлять весом, движением и эмоциями в композиции.Посмотрите, как это делается в этой пошаговой демонстрации рисования портретов от Джереми Канильи.

Джереми Канилья, «Просветление снов, шепчущихся на распростертых крыльях», 2019, бумага, уголь и мел, 11 x 14 дюймов.

Пошаговый портретный рисунок: сила линии и света

ДЖЕРЕМИ КАНИЛЬЯ

Одна линия, сужающаяся от толстой к тонкой, может управлять весом, движением и эмоциями в композиции. В эпоху Возрождения во Флоренции рисунок (рисунок) из жизни был центральным в развитии художника и повседневной деятельностью мастеров и учеников.Фактически, большая часть моделирования в академии выполнялась учениками студии, изображающими из себя мифологических богов или религиозных святых, грешников или мучеников. Во время обучения в Норвегии у мастера Одда Нердрума я продолжил эту традицию, создав несколько рисунков и картин.

К сожалению, академическое обучение рисунку, живописи и композиции на основе навыков практически потеряно в средних школах США. Несколько академий, например, Академия художеств в Санкт-Петербурге.Пол, Миннесота, и организация «Инициатива Да Винчи» в Джерси-Сити, штат Нью-Джерси, сохранили факел обучения на основе навыков для следующего поколения молодежи. Эти школы охватывают традиции старых мастеров Да Винчи, Микеланджело и Рафаэля. Хотя их немного, они предлагают незаменимое руководство по распространению обучения художественным техникам как набору навыков.

«В 1563 году Козимо, великий герцог Тосканы, историк Джорджо Вазари и Микеланджело руководили созданием Академии делла Арти дель Дисеньо во Флоренции. (1) В Академии обучение сначала рисованию с мастер-копий, а затем с греко-римских статуй и поз постепенно прививает художнику способность сочинять с натуры. Школа изящных искусств создала похожую модель, которая берет свое начало в 1648 году. Основная цель Школы состояла в том, чтобы сохранить душу, гений древности. «На рисунках Энгра из Школы изящных искусств можно увидеть, что человеческое тело, нарисованное по модели, мраморной скульптуре или гипсовой повязке, кажется, колеблется на свету, ища равновесия движения.Обучение основывалось на античном идеале анатомии, света, перспективы и анализа, в сочетании с греческой мыслью и экспериментальной наукой ». ( 1)

В студии рисовальщик обнаружит, что путь, по которому они идут с каждой строкой, — это путешествие, в которое они отправляются в одиночку. Базовая подготовка, предшествующая этому времени, была важна для развития их рук и их подхода к началу рисования, так же как влияние прошлых мастеров сливается с их подходом и психикой.Обладая техническими инструментами, художник может войти в творческий цикл, где мы останемся одни, чтобы понять, насколько живым может быть рисунок.

Связь между моделью и художником — это момент времени, которому позволено говорить вечно. Перед чертежником есть множество вариантов. Они решат, на каких характеристиках акцентировать внимание натурщика и насколько ценным и тоном придать произведение. Они придут к выводу, что иногда меньше может быть больше и что упущенные части являются такой же неотъемлемой частью части, как и включенные в нее.Аристотелевская идея золотой середины, в которой желаемая середина находится между двумя крайностями, является ключом к балансу, сохраняемому в мастерском рисунке. Художник не может недооценивать композицию, но должен воздерживаться от ее переутомления, пока она не потеряет свою эмоциональность и красоту.

Статья по теме> Исторические подходы к современной портретной практике

Мне кажется, что сегодня в академическом мире существует неправильное представление о том, что рисунки — это всего лишь этюды для более крупных, повествовательных картин.Я нахожу такое же восприятие и в современных галереях, которые, как правило, демонстрируют картины перед рисунками. Они считают, что рисунки не имеют ценности и веса картины. Даже многие художники сегодня считают, что живопись выше рисунка. Я бы сказал, что многим из самых талантливых художников не хватает тонкого, чувствительного прикосновения, необходимого для придания мастерскому рисунку широты и глубины.

Для меня портретный рисунок — это не просто предварительная проработка для окончательной картины.Когда все сделано хорошо, рисунки представляют собой мощные повествования и композиции, которые не уступают тому, что часто называют «законченными» работами. Они даже в разы живее картин. Рисунки с натуры имеют драматизм и пафос. Они могут эмоционально вовлечь зрителя, приглашая нас задуматься о красоте, любви и ужасах нашего мира. Одна непрерывная линия несет в себе шепот и хрупкость портрета натурщика и связывает нас с вневременным взглядом и жизнью, которая есть или когда-то проявлялась в нем. Даже когда художник и натурщик давно ушли, временная капсула рисунка живет.Он вдыхает жизнь в следующего зрителя, который принимает композицию.

Леонардо да Винчи (1452–1519) заявил, что, «Хотя человеческая изобретательность может создавать различные изобретения, которые с помощью различных машин, отвечающих одной и той же цели, он никогда не сможет изобрести никаких изобретений более красивых, более простых и более подходящих. цель, чем делает Природа; потому что в ее изобретениях нет ничего лишнего и ничего лишнего » (2)

Да Винчи через бесчисленные часы наблюдений и зарисовок понял, что природа является ключом к красоте.Для тех, кто избавился от слоев предубеждений и открыл свой разум для простых замыслов, которые нам даны, формальное совершенство мира природы было самоочевидным.

Леонардо был мастером пера, туши, мела, акварели и металлической иглы, но его самое большое достижение — утонченная простота его набросков и рисунков. Я бы даже сказал, что его рисунки более сильны, чем его законченные картины. В рисунках да Винчи мы видим его творческий процесс в его самом искреннем и сокровенном виде.Его рисунки для меня — это лучшая актерская импровизация. Мы видим быстрые, точные линии, поставленные с целеустремленностью, артикуляцией, чистой силой и спонтанностью. Его картины, которые можно сравнить с игрой актера в пьесе после долгого труда по запоминанию строк и пантомим, имеют внешнюю красоту, но им не хватает чистых эмоций, сочувствия и энергии, которые проявляются в рисунках.

Я бы также сказал, что есть причина, по которой почти 4000 работ да Винчи на хрупкой бумаге сохранились до наших дней, по сравнению с 15 его картинами.Покровители и коллекционеры понимали силу рисунков да Винчи. Дисеньо был жизненной силой его творческого процесса, позволяя ему понимать и формулировать эмоциональную красоту, воображать битвы, изобретать миры и проводить точные, наблюдательные научные исследования человеческой фигуры. Леонардо создал обширные заметки, наброски и рисунки, исследующие природу света и тени, и каждый из них изобилует жизнью.

Связанные> Часы: Совет по рисованию портретов эксперта

Кете Кольвиц (1867–1945), которую я считаю одной из самых выдающихся художников всех времен, оказала огромное влияние на мою личную тематику и мое понимание рисунка.Ее фраза — это одновременно шепот и молот. Он бьет с силой, но деликатно связывает нас вместе в своем выражении сочувствия к человеческому положению. Нам нужно только потратить немного времени на ее работу, чтобы понять, что мы смотрим на нечто настолько глубокое, что оно выходит за рамки времени и места. Понимание Коллвиц человеческой фигуры и объема делает ее рисунки живыми, словно они отрываются от поверхности бумаги в том же духе, в каком светотень Караваджо вдохнул жизнь в его картины.

Каждая строчка на ее рисунках, как мне часто напоминал Одд Нердрам, повторяет выражение боли потери ребенка и внука на войне. Коллвиц написал работы, в которых говорилось о войне, бедности, материнстве и тяжелом положении рабочего класса. Она была первой женщиной, избранной в уважаемую Прусскую Академию художеств в 1933 году, но была исключена во время прихода к власти Гитлера, так как нацисты окрестили ее работу «дегенеративной».

Жизнь Коллвиц была глубоко затронута трагедией, что отражено в ее рисунках и гравюрах.Она пережила Первую мировую войну, в которой она потеряла сына Петра, и Вторую мировую войну, унесшую жизнь ее внука Петра. Образы, созданные Коллвицем, обладают невероятной интенсивностью, отображая состояние человека на эмоциональной глубине и уровне, которого достигли немногие рассказчики. Ее рисунки стоят в отдельном царстве как шедевры, а не как этюды для картин. Ее работа обращается ко всем нам, уважая нашу общую человечность. Это находит отклик у многих людей во всем мире, потому что оно одновременно интенсивное и личное.

В моей работе я развил любовь к интенсивно атмосферному рисунку в моих têtes d’expression (экспрессивные исследования головы). В каждом портретном рисунке я изо всех сил стараюсь передать выражение и жизнь модели, а не их точное сходство. Специфика человека, которого я рисую, и моя способность уловить идиосинкразии в том, как они передают эмоции, имеют решающее значение в этом процессе. Важно, чтобы у каждого удара была цель.

Портретный рисунок представляет собой сочетание мягких и жестких краев, смешанное с тщательным наблюдением, чтобы передать различные тонкие эмоции модели.Я не пытаюсь определить каждую деталь и линию. Скорее, я ищу равновесия. Может быть очень сложно объединить технику «меньше значит больше» с богатыми тональными эффектами, которых я пытаюсь достичь. Рисование — это терпение и тщательно продуманный баланс нанесения оценок. Я обнаружил в своем ритуале подготовки и планирования позы, которая говорит со мной, чувство мелодичной меланхолии. С каждым рисунком я начинаю творческий цикл портретной живописи с представлением о том, что может быть и что будет, когда я закончу.Я использую комбинацию мелков разного цвета и угля для создания вечного портрета.

Рисование портретов: демонстрация

Шаг 1
(Фотографии для этой статьи были сделаны Дэвидом М. Вайсом и использованы с его разрешения)

Шаг 1) Для моих портретных рисунков я использую бумагу Canson, а для рисунков, которые займут несколько недель, я предпочитаю использовать газета Фабриано Рома. Я проверяю, что все мои угли Nitram и тонированные угольные карандаши Derwent заточены до тонких, длинных, сужающихся точек с помощью наждачной бумаги.

Первое, что я делаю, это то, что я называю ручной тонировкой бумаги. Я наношу красивую, ровную пыль на бумагу, используя наждачную бумагу с зернистостью 180 и меловую палочку Prismacolor NuPastel. Я использую комбинацию terre de sienna и raw sienna, когда протираю поверхность.

Шаг 2

Шаг 2) Затем я беру замшу, мягкую податливую кожаную ткань, чтобы разгладить и смешать цвет до равномерного тона по всей поверхности бумаги. Я изучил ряд рисунков старых мастеров, а также работы Кете Коллвиц, и мне кажется, что теплые оттенки создают приятный, унифицированный мрачный субстрат, который может проткнуть участки непрозрачного угля, чтобы сбалансировать композицию.

Для равномерного смешивания бумаги может потребоваться 2 прохода по горизонтали и вертикали.

Шаг 3

Шаг 3) Я начинаю с захвата структуры черепа и крупных ориентиров на лице. Никаких деталей, только большие тени. Я использую Nitram H, затем HB, а затем B для темных теней. Важно запечатлеть общие геометрические формы и начать строить на светлых линиях, с более взвешенными линиями, которые появятся, когда у вас будет форма и фундамент.

Шаг 4

Шаг 4) Я оставляю нижнюю пудру тонированной бумаги видимой через лицо с теплыми элементами и богатой игрой тепла и охлаждения по мере продвижения изделия.Затем я буду использовать тени и блики, чтобы усилить драматизм в этом натуралистическом изображении женщины с бабочкой.

Шаг 5

Шаг 5) Затем я перейду к портрету с помощью своих тонированных угольных карандашей Derwent. Одно важное качество, о котором часто забывают, — это вес лески. Я не могу не подчеркнуть, что рисунок оживает, когда вы меняете интенсивность и жирность мазка от толстого к тонкому. Затем я использую пальцы и блендеры, чтобы слегка смешать темные края с полутонами.

Шаг 6

Шаг 6) Затем я снова создаю свои тени и сбиваю их мягкой кистью. Это помогает создать в моих портретах непередаваемую эмоциональную силу. Игра резких и мягких краев помогает размыть реализм в портрете, который выходит за рамки идеи простого наброска и улавливает вечное.

Шаг 7

Шаг 7) Я буду рисовать без перерыва около 90 минут с перерывами для моей ситтера каждые 30 минут. Обычно для полного захвата модели требуется три 90-минутных сеанса.

Шаг 8

Шаг 8) Когда я почувствую, что у меня есть общее представление о композиции, я добавлю белый мел для света и бликов. Белые цвета выступают над фоном, создавая красивый эффект светотени. Затем я изменю текстуру и толщину мазков черным мелом, чтобы создать ряд эффектов. На левой стороне листа, например, масса меловых линий очерчивает бабочку и край волос женщины. Затем я использовал уголь Nitram, чтобы добавить различные линии по краю ее подбородка, создавая впечатление тонких волос, которые переходят в углубления на шее и щеках.Желто-землистый тон бумаги служит средним тоном между черными контурами и белым отблеском на шее, скуле и ухе женщины.

Шаг 9

Шаг 9) Заканчивая рисунок, я убеждаюсь, что линия, значение и общая композиция демонстрируют сбалансированный, контролируемый переход тона и настроения. Конечный результат должен подчеркнуть и усилить внутреннюю драматичность, красоту и вневременность формы.

В конце процесса рисования портрета я сделаю тонкие правки пальцами и растушевкой в ​​готовых областях, чтобы объединить их в цельный эффект сфумато, который придаст рисунку сказочное ощущение.Я проверяю, есть ли что-нибудь, что я мог бы добавить или убрать из композиции, чтобы сделать их более сильными и сбалансированными. Я моделирую от внешних контуров до внутренних теней. Я привержен идее, чтобы каждый портрет отображал тонкое напряжение в позе. Бабочка используется в моей работе как метафора и символ, представляя изменение, трансформацию, смерть, возрождение и жизнь. В этой серии портретов бабочек я искренне стремлюсь запечатлеть неземную, нежно-чувственную красоту и меланхоличную грацию этих сильных женщин, запечатленных в мгновение ока.

Джереми Канилья, «Косулями и ланьими полевыми», 2019 г., бумага, уголь и мел, 11 x 14 дюймов. Джереми Канилья, «Место, где трепещут сердце и душа и ведут нас домой», 2019 г. бумага, уголь, мел, 11 x 14 дюймов.

Информация о художнике: Джереми Канилья (род. 1970) из Омахи, штат Северная Каролина.

Канилья известен своей эмоционально заряженной и часто тревожной работой, в которой основное внимание уделяется условиям жизни человека. Успешный художник, его работы выставлены в частных коллекциях по всему миру.Его работы регулярно публикуются по всему миру, и он участвовал как в совместных, так и в персональных выставках изобразительного искусства в музеях и галереях, включая Общество иллюстраторов (Нью-Йорк), Художественный музей Аллентауна, Художественный музей Уолтерса, Салмагунди, Абенд / Галерея 1261, Галерея последних обрядов Пола Бута и Художественный музей Джослин.

Канилья имеет степень бакалавра искусств Университета штата Айова, степень магистра искусств Колледжа искусств Института искусств Мэриленда и степень доктора медицины. из Крейтонского университета. Канилья также учился в школе Nerdrum в Норвегии у Odd Nerdrum.

Искусство

Caniglia было показано в различных журналах и публикациях, включая Washington Post, CNN, Spectrum Fantastic Art Annuals, IlluXcon Art Annuals. Он работал с такими авторами и группами, как Стивен Кинг, Рэй Брэдбери, Макс Брукс, Питер Штрауб, Уильям Питер Блатти, Майкл Муркок, Sigur Ros и Blink 182.

Его работы появлялись во многих книгах и фильмах, выпущенных Random House, Pyr Publishing, Cemetery Dance Publications, Dorchester Publishing, Easton Press, IDW Publishing, Anchor Bay Entertainment, IDT Entertainment, Showtime Networks и Warner Brothers среди других.Канилья получил в 2004 году премию Международной гильдии ужасов за лучший художник в жанре темного фэнтези, премию IlluXCon 2012, награду Колледжа искусств и дизайна Университета штата Айова в 2015 году и награду NC Wyeth Merit Award 2018 от галереи Салмагунди в Нью-Йорке.

Caniglia продолжает раздвигать границы; его преданность и защита фигуры и человеческого состояния — это ощутимая реальность, полная символизма и метафор, выходящих за пределы времени и места.

Веб-сайт | Instagram

(1) Боги и герои: шедевры Школы изящных искусств, Париж, Издатель: Американская федерация искусств и компания D Giles Limited, 2014 г.

(2) Дневники Леонардо да Винчи — О происхождении души (отрывок 837), под редакцией Жана Поля Рихтера, 1880 г.

---

Узнайте, как нарисовать реалистичный глаз за считанные минуты

Автор: Sam Cooper в Уроки рисования> Советы по рисованию

Всем привет! Надеюсь, этот урок поможет вам нарисовать реалистичный глаз. Если вам нужен более подробный видеоурок по этому процессу, просто нажмите здесь, чтобы получить уведомление, когда оно будет готово!

Инструменты для рисования:

• Угольный карандаш General’s 6B
• Механический карандаш с грифелем HB и 4B
• Tombow Mono Zero Eraser
• Ручки для рисования Posca (белые 0.7 мм)
• Старые кисти для макияжа для растушевки

Быстрое объявление — Компания EmptyEasel создала более быстрый и простой способ для художников иметь собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой сайт об искусстве!

Вот как нарисовать глаз

Во-первых, убедитесь, что у вас есть эталонное фото, как у меня:

Затем, чтобы начать рисунок, слегка нарисуйте контур глаза. Мне всегда помогает рисовать маленькие маркеры слева и справа, где рисунок будет начинаться и заканчиваться, и я всегда меняю размер эталонного изображения, чтобы он соответствовал точному размеру, который я хочу нарисовать, поэтому я могу быть уверен, что получу правильный пропорции.

Как только центральная часть глаза нарисована, я добавляю остальные контуры, включая слезный проток, веко и мешки под глазами.

Затем я использую угольный карандаш и наношу уголь только в те области, которые я хочу быть самыми темными: в складке века, тени под веком, зрачке и вокруг радужки.

Убедитесь, что вы делаете это очень осторожно, так как после того, как вы положите уголь, стереть будет очень сложно.

Затем закрашиваю белки глаз. Эта часть глаза никогда не бывает полностью белой; у них действительно есть тени и размерность.

Для этого конкретного глаза область рядом со слезным протоком немного темнее, а противоположный угол глаза еще темнее, так как глаза смотрят немного вниз, а ресницы отбрасывают тень.

ПРИМЕЧАНИЕ. Я также растушевал уголь и карандаш с помощью маленькой кисти. Смешивая, вы должны делать это мягко и не нарушать полностью то, что вы выложили, поэтому просто используйте легкую руку и оставайтесь в пределах линий.

Затем затеняю слезный канал. Обычно он довольно темный, но он очень светоотражающий, что мы проиллюстрируем, когда добавим белые блики в конце. Я также начинаю добавлять детали к радужной оболочке, которая обычно наиболее темная вокруг зрачка и по окружности радужной оболочки.

Чтобы заполнить радужную оболочку, я рисую разные виды линий (например, спиц), идущие от зрачка: некоторые волнистые линии, некоторые простираются до края радужной оболочки, а некоторые начинаются и заканчиваются в случайных местах.

Я заполняю этими линиями большую часть пространства и добавляю несколько черных пятен. На самом деле не существует «формулы» для этого — все глаза уникальны и имеют небольшие неровности, и именно поэтому их так весело и интересно рисовать.

Затем я накладываю базовый оттенок для кожи. Начните свет с карандаша HB.

Затем я нанесу тени с помощью карандаша 4B — углублю складку века, тени на краю глаза и мешки под глазами.

Здесь я растушевал тени кистью. Также можно использовать салфетку или ватную палочку.

Затем я устанавливаю верхнюю и нижнюю водяные линии более темным оттенком и растушевываю.

Для ресниц использую карандаш 4В. Чтобы создать ресницы, начните с корня и «смахивайте» карандаш со страницы во время рисования, чтобы ресницы были самыми тонкими у кончика и самыми толстыми у корня.

Также важно направление — ресницы не все идут в одном направлении; некоторые из них случайны, но по большей части следуют шаблону.В этом случае верхние ресницы изгибаются вверх влево, а по мере того, как вы приближаетесь к краю глаза, начинают изгибаться вправо.

Затем мне нравится создавать текстуру кожи и блики с помощью ластика Tombow Mono Zero. Я добавляю блики на веко и область слезного канала, куда попадает естественный свет.

И, наконец, я добавляю самые яркие блики, используя белую ручку для рисования Posca. Этот шаг обычно переводит рисунок из «нормального» в очень реалистичный.

Я сосредотачиваюсь на веке и слезном канале и добавляю отражения на радужной оболочке. Я использую технику точечной печати вокруг слезного протока и на коже, чтобы напоминать внешний вид кожи с ее небольшими выпуклостями и отражениями.

Надеюсь, вам понравился этот урок. . . не забудьте зарегистрироваться, чтобы получать уведомления, когда будет готов полный видеоурок!

Особая благодарность Сэму Куперу (@justsomedrawingzz) за то, что поделился этим уроком! Чтобы увидеть больше удивительных рисунков Сэма, посетите инстаграмм.com / justsomedrawingzz.

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Как реалистично раскрашивать цветными карандашами

Сообщение от Анастасия Гайдук

Анастасия Гайдук — педагог изобразительного искусства и рисования как для детей, так и для взрослых.Она специализируется на иллюстрации, детских иллюстрациях, рисовании персонажей, а также владеет классическим академическим рисунком и живописью. Она отлично работает с цветными и рисовальными карандашами, художественными маркерами, акрилом, акварелью и гуашью.

Содержание:

Сделайте цветные карандаши более реалистичными

Умение рисовать предметы и людей так, чтобы они выглядели реалистично, — отличный способ произвести впечатление на других и продемонстрировать свои наблюдательные способности.Многие художники стремятся к реалистичности во всех своих творениях. Способность рисовать реалистично — это некоторые базовые знания, на изучение которых все художники должны потратить время. Конечно, как только вы поймете основы, вы сможете переходить к другим стилям, но изучение реализма поможет вам лучше понимать свои творения по мере того, как вы меняете свой стиль.

Художники-самоучки часто ищут секрет передачи объема, который они наблюдали бы в реальном мире. Они часто перерисовывают одну фотографию за другой, пытаясь прорисовать все детали и изобразить каждую линию, видимую глазом.Результат по-прежнему часто выглядит как плоская фотография, хотя иногда он будет похож на исходный объект.

Секрет объемного рисования состоит в том, чтобы уловить нюансы, которые вы заметите при визуальном анализе объекта. Вам нужно избегать создания искусственного или принудительного объема, затемняя края объекта, чтобы имитировать появление теней. Конечно, чтобы овладеть всеми техниками штриховки, потребуется много часов уроков рисования карандашом и практики. Однако мы постараемся объяснить основные секреты рисования объекта, чтобы он выглядел реалистично.Мы будем использовать пример рисования яблока цветными карандашами.

Прежде чем рисовать какой-либо реалистичный объект, мы должны его тщательно проанализировать:

• Какого тона у вашего объекта: светлого или темного?
• Какие простые геометрические формы составляют ваш объект?
• Откуда исходит свет?
• Где будут блики и блики?
• Где появляется тень и куда падает?
• Где и какие появляются отражения от внешней среды?

Изучите тон и громкость

Давайте вместе понаблюдаем за нашим яблоком! Мы заметили, что яблоко зеленое, среднего тона, не очень светлое, но и не темное.Давайте внимательно исследуем тон, потому что здесь все начинается.

Тон (или оттенок) относится к степени освещенности или темноты в различных областях рисунка. Чтобы добиться реалистичности в своих произведениях искусства, нужно правильно передать распределение света на поверхности изображаемого объекта. Самые освещенные участки будут самыми светлыми; они называются основными моментами. Это самые светлые пятна на поверхности объекта. Самые дальние части объекта от источника света будут самыми темными и будут тенями.

Чтобы сделать изображение более объемным, необходимо иметь возможность делать переходы между тонами. Попрактикуйтесь и постепенно переходите от темного к светлому. Это поможет вам понять, как делать тональные переходы плавно и как регулировать давление на карандаш, чтобы получить как светлые, так и темные области.

Градиент в одном цвете (Рисунок 1)

Посмотрите, как текстура бумаги становится более заметной, когда вы слегка нажимаете на карандаш. Это делает переход от темного к светлому более плавным.

Если вы хотите, чтобы объекты в вашей композиции выглядели трехмерными, закрасьте их так, чтобы казалось, будто свет падает на них только с одной стороны. Это значит, что основной источник света должен быть максимально ярким. Свет — очень важный момент, потому что он должен раскрывать форму и объем предметов. Лучше всего выбирать источник света из верхнего угла (обычно слева). Таким образом будут четко определены основные тени, блики и, самое главное, отражения.Рисунок будет выглядеть более реалистично там, где есть только один источник света, потому что переходы между тонами более заметны. Свет не должен быть «слепящим», он не должен находиться перед художником или освещать объект «в лоб». Избегайте размещения источника света в «контуре» или позади рисуемого объекта. Такое освещение либо полностью лишает объект теней и тонов, либо полностью погружает его в темноту. В этих случаях объем объекта очень сложно изобразить и практически не виден.

Варианты падающего света на яблоко (рисунок 2)

Бумага считается самой светлой областью, поэтому светлые участки можно оставить неокрашенными. Учтите, что чем дальше объект от источника света, тем темнее его тон.

Объекты с объемом на плоскости отбрасывают тень в направлении, противоположном источнику света. Если свет падает сверху слева, то тень будет располагаться справа внизу. На темных поверхностях тени менее заметны, чем на более светлых.

Прежде чем мы начнем рисовать наш объект, важно представить его в его основной геометрической форме.

Научитесь аккуратно раскрашивать (Рисунок 3)

Понимая, какие простые формы составляют основу объекта, мы сможем понять, как раскрасить наш объект и как на нем распределяется свет. В этом посте мы не будем обсуждать, как превращать плоские геометрические фигуры в трехмерные. Если вас это интересует, оставьте нам комментарий, и мы обязательно рассмотрим возможность написать об этом в следующий раз.Теперь мы рассмотрим формы, которые помогут нам нарисовать реалистичное яблоко, посмотрим, как падают свет и тона и как формируются отражения.

Этапы рисования мяча (рисунок 4)

1. Нарисуйте круг. Мысленно разделите его на четыре равные части. Самая светлая часть или выделение будет в центре верхней левой части. Вы должны представить себе это в уме; мы нарисовали их, чтобы было понятнее.
2. Мы нарисовали вспомогательные линии, чтобы вам было легче представить себе форму шара.Линии подчеркивают округлость поверхности, но также показывают, как наносится цвет. Мы также добавим штриховки в соответствии с формой этих линий. На своем рисунке вы не будете рисовать эти линии — просто помните о них во время рисования.
3. Начните добавлять тон. Делайте это легкими движениями. Вы можете раскрасить стороной карандаша, не нажимая слишком сильно, в форме круга. Нарисуйте тень, исходящую от мяча.
4. Наносите мазки слоями, чтобы попытаться добиться постепенного перехода тонов от светлого к темному (от светлого к теневому).Не нужно пытаться копировать форму шариков линиями, тонировка должна быть равномерной и плавной. Усильте падающую тень штриховкой. Это добавляет реализма и усиливает иллюзию того, что мяч находится на столе.

Схема (Рисунок 5)

Давайте также посмотрим, как тени и свет падают на конус и цилиндр.

Теперь вернемся к нашему яблоку и нарисуем его цветными карандашами, чтобы придать ему более реалистичный вид! Яблоко напоминает сферу с конусообразной выемкой на месте стебля.Чтобы правильно нарисовать яблоко, нужно полагаться на особенности закрашивания шара, конуса и цилиндра, которые мы показали ранее.

Перед тем, как приступить к работе, приготовьте карандаши нужных оттенков. Мы использовали наш набор из 120 цветных карандашей. Мы использовали следующие оттенки:

• Кремовый A150
• Желтый флуоресцентный A126
• Абсент зеленый A099
• Матча зеленый A006
• Зеленый мох A029
• Оливково-зеленый A155

Для основы и тени мы будем использовать:

• Имбирь A112
• Коричневый койот A111

Градиент цветов, которые я использую в яблоке (Рисунок 6)

Процесс рисования объемного яблока

Шаг 1

Яблоко располагается так, чтобы источник света находился слева от яблока.Как видите, на поверхности хорошо видны блики и тени. Тонкими линиями нарисуйте контуры объекта. Выделение будет в верхней левой части.

Шаг 2

Используйте A150 , чтобы раскрасить яблоко легкими движениями руки, не нажимая на карандаш. Не забудьте оставить пустой раздел для выделения. Используйте A126 , чтобы создать постепенный переход тонов от светлого к темному (от светлого к тени). Используйте A155 , чтобы нарисовать тень от яблока.

Шаг 3

Последующие тени будут добавлены слоями, чтобы переходы между светлыми и темными областями были плавными. Используйте A009 и A006 , чтобы раскрасить область, где находится стержень. Усильте тень, используя A029 .

Шаг 4

Продолжайте достигать желаемой насыщенности, добавляя все вышеперечисленные цвета, а в темных частях яблока используйте A029 и A155 . Нарисуйте стебель с A112 в светлой части и A111 в тени.Сделайте оттенки яблока более насыщенными, используя более светлые штрихи в конце каждого оттенка.

Рекомендации

Когда вы заканчиваете рисунок, вы можете смешать области изображения с помощью A150. Смешивание позволяет сделать цвета более однородными и гладкими. Делается это медленно и постепенно, не сильно нажимая на карандаш.

Теперь вы знаете основы тонирования, воздействия света на простые геометрические формы и можете создавать впечатление глубины и объема в своих рисунках.

Важно не торопиться, когда вы рисуете объекты на основе наблюдения. Теперь вы знаете, что вам нужно тщательно проанализировать форму и понять, как свет попадает на объект. Освоив основы штриховки, вы можете превратить любой плоский объект в реалистичный трехмерный рисунок.

Мы желаем вам всего наилучшего и надеемся, что вы продолжите тренироваться. Не забывайте рисовать с натуры и внимательно изучайте формы.

No related posts.