Картины эпохи барокко: Baroque Art — History, Paintings, Artists

Барочная живопись — frwiki.wiki

Картина барокко связана с культурным движением барокко, который отмечает Европу, главным образом над XVII — ^го и XVIII — ^го  века. Самые известные его представители — выходцы из Италии и Нидерландов, такие как Караваджо или Рубенс, но иногда и из других европейских стран, таких как Франция или Испания.

Резюме

• 1 Искусство барокко как выражение силы
• 2 Особенности
• 3 выдающихся художника эпохи барокко
• 4 Примечания и ссылки
• 5 См. Также
  • 5.1 Библиография
  • 5.2 Статьи по теме
  • 5.3 Категории

Искусство барокко как выражение силы

Апофеоз Медичи по Лука Джордано ( Медичи Риккарди дворца, Флоренция ): барокко Джордано выражает все силы знатного рода, как с политической и религиозной точки зрения.

Совет Трент (1545-1563), во время которого Римско — католическая церковь должна была отвечать на вопросы внутренней реформы подняли как на протестантов и своих членов, поощрять художественное творчество в качестве опоры для преданности, но и в качестве инструмента преданности. образование. Совет утверждает, что произведения должны иллюстрировать доктрину, но не предавать ее, признавая при этом полезность графических изображений элементов доктрины для необразованной массы. Поэтому искусство того времени сосредотачивается на святых, Деве Марии и на хорошо известных эпизодах из Библии  : утверждается, что оно должно составлять выражение религиозной власти, и в данном случае римско-католической власти. Эта популистская концепция роль священного искусства рассматривается многими историками искусства как один из элементов, которые привели к нововведениям Караваджо и братьев Карраччи, которые служили в Риме около 1600 года и соревновались там за получение некоторых орденов. Город также поражен этим художественным кипением: более половины церквей в Риме отреставрированы, изменены или обновлены между 1560 и 1660 годами.

В явной оппозиции протестантскому подходу к религиозности, в доктринерской логике, часто определяемой как «Контрреформация», католическая церковь выдвигает литургию, основанную на торжественной театральности, которая должна выражаться во всех художественных формах, в частности в скульптуре, архитектуре и живописи. . Роль живописи, в частности, состоит в том, чтобы предложить иллюзорные эффекты, перекликающиеся с двумя другими художественными формами.

Хотя оно пришло из Рима, искусство барокко затем распространилось по Европе, особенно в городах, и часто на благо княжеских семей, которые видели в нем возможность продемонстрировать все великолепие своего положения; Таким образом, это искусство представляет собой визуальный перевод идеи власти, как политической, так и религиозной.

Термин «барокко» не современник

XVII — ^го  века: он появляется позже в художественных теоретиков, которые затем используют термин уничижительный образом.

Характеристики

Святой Доминик и Святой Франциск, спасающие мир от гнева Христа . Пьер-Поль Рубенс, около 1618-1620 гг., Лионский музей изящных искусств .

В отличие от живописи эпохи Возрождения, которая обычно показывает момент перед важным событием, художники барокко выбирают наиболее драматический момент, момент, когда происходит действие. Искусство барокко славится тем, что вызывает эмоции и страсть, а не рациональностью и спокойствием, которые исходят от живописи эпохи Возрождения .

Что касается живописной композиции, то для живописи барокко характерно, прежде всего, использование множества теплых и ярких цветов от розового до белого и синего. С другой стороны, контрасты очень присутствуют, с игрой света и тени, которую, в частности, можно использовать для выделения мускульной массы мужчины. В отличие от типичного подхода эпохи Возрождения, который предполагает равномерное освещение холста, освещение холста в стиле барокко происходит точечно.

Эта техника привлекает внимание к одним областям и оставляет в темноте другие (использование светотени ).

Всегда в духе противоречия с эпохой Возрождения холст в стиле барокко дает мимику персонажей, присутствующих на холсте, чтобы передать чувства. Это также в основном представляет собой асимметрию (основное действие не обязательно в центре). Силовые линии холста больше не только горизонтальные или вертикальные, но также наклонные или изогнутые, что дает персонажам нестабильное положение и создает впечатление движения. Этот эффект движения выражается обилием одежды, поднимаемой или развеваемой ветром; выбор костюмов часто относится к старине. Ткани также устроены как занавески, чтобы драматизировать сцену.

Таким образом, барокко по-разному противопоставляется Ренессансу: это период разрыва, который хочет олицетворять перемены. Произведения в стиле барокко отличаются интересом к переменам, движению, нестабильности вещей.

«Свету, проходящему через линзу и отражающему эмульсию на пленке, удается воспроизвести только один аспект движения. Но движение — это непрерывная серия отношений: замедленное кино показало это. Дух художника в стиле барокко улавливает эти последовательные аспекты и конденсирует их в единый образ »

— П. Шарпрентра, L’art baroque, Vendôme, Imprimerie des Press Universitaire de France, 1967.

Художники барокко обычно обращаются к художественным темам, почерпнутым из библейских или мифологических легенд и сказок . Однако, хотя религиозная живопись, историческая живопись, аллегории и портреты считаются самыми благородными сюжетами, широко распространены также пейзаж и жанровые сцены .

Известные художники эпохи барокко

• Голландский: Рембрандт, Франс Хальс, Якоб ван Рейсдал, Иоганнес Вермеер, Ян Стин
• Испанцы: Франсиско Рибальта (1565-1628), Хосе де Рибера (1591-1652), Франсиско де Сурбаран (1598-1664), Диего Веласкес (1599-1660), Алонсо Кано (1601-1667), Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682) ), Хуан де Вальдес Леаль (1622-1690)
• Фламандцы: Пьер Поль Рубенс, Антуан Ван Дайк, Якоб Йорданс, Ян Брейгель Старший, Франс Снайдерс, Дэвид Тенирс Младший
• Французы: Трофим фанатик (1579-1650), Жан де Богран (1584-1640), Авраам Боссе (1604-1676), Гиацинт Риго (1659-1743)
• Итальянцы: Микеланджело (1475-1564, предшественник барокко), Джан Лоренцо Бернини (1598-1680, известный как Ле Бернин, прозванный «вторым Микеланджело»), Симоне Кантарини (1612-1648), Караваджо (1571-1610), Гверчино (1591-1666), Аннибале Карраччи (1560-1609) и его братья Агостино Карраччи, Лодовико Карраччи, Орацио Джентилески (1563-1639), Артемизия Джентилески (1592-1652 / 53), Чезаре Дандини (1596-1657),
• Лотарингия: Клод Лоррен (1600-1682), Жорж де Ла Тур (1590-1652)
• Португальский: Жозефа де Обидуш (1630-1684)
• Польский: Густаво Гуалларди (1633-1685)

Примечания и ссылки

1. ↑ Жаклин Лихтенштейн ( ред. ), La Peinture, Larousse-Bordas, колл.  «Основные тексты»,1997 г.
2. ↑ Трентский собор, «Указ о воззвании, почитании и почитании мощей святых и святых изображениях» в Вселенских соборах: Указы, От Трента до Ватикана II, 1545-1965, т.  2-2, Олень,1994 г., 2457  с.
3. ↑ ^{а б и в} Лачи 2006, с.  130.
4. ↑ ^{а и б} Лачи 2006, с.  129.

Смотрите также

Библиография

• Хулиан Галлего, Великая история живописи: 9, Живопись в стиле барокко и придворное искусство: 1610–1690, Скира, Женева; Вебер, Париж,
  1979 г. , 94  с.
• Кьяра Лачи ( пер.  С итальянского), Великая история искусства: барокко и классицизм, т.  8, Париж, коллекции Le Figaro,2006 г., 430  с. ( ISBN  2-35091-072-5 ).
• Андреас Пратер и Герман Бауэр ( перевод  с немецкого), La peinture du baroque, Кёльн / Лиссабон / Париж, Б. Ташен,1997 г., 159  с. ( ISBN  3-8228-8365-4 )
• Стефано Дзуффи (реж.) И Франческа Кастрия ( перевод  с итальянского Сильвия Бонуччи и Клод Софи Мазеас), живопись в стиле барокко, Париж, Галлимар ,1999 г. , 397  с. ( ISBN  2-07-011633-6 )

Статьи по Теме

• Искусство барокко
• Архитектура барокко
• Литература барокко
• Барочная музыка
• История живописи
• Испанская живопись в стиле барокко
• Фламандская живопись в стиле барокко

Категории

• Французские художники эпохи барокко
• Итальянские художники эпохи барокко
• Австрийские художники эпохи барокко
• Художники Золотого века Голландии

<img src=»//fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1×1″ alt=»» title=»»>

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 5. Эпоха Барокко.

«Взгляни на этот лик; искусством он
Небрежно на холсте изображен,
Как отголосок мысли неземной,
Не вовсе мертвый, не совсем живой…»
М.Ю. Лермонтов. «Портрет».
Новый стиль, утвердившийся к концу XVI века в искусстве Европы, и названный Барокко (итальянский barocco — странный, причудливый), характеризуется парадностью, грандиозностью, доходящей до помпезности, обилием внешних эффектов и деталей, декоративностью и «пышностью» форм. Это сказывалось уже в творчестве упоминавшегося мною ранее (в части «Позднее Возрождение») Микела́нджело Меризи да Карава́джо (1571-1610), которого искусствоведы часто причисляют к разным стилям, в том числе и к барокко, как крупнейшего его представителя, основателя реализма в живописи.

Считается, что именно он впервые применил в своем творчестве прием, использовавшийся в цветной ксилографии — «кьяроскуро» (итал.— светотень) прием «распределения различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющий воспринимать изображаемый предмет объемным». В искусствоведческом языке существует даже термин «караваджизм» — стиль эпохи барокко, для которого характерны прием «кьяроскуро» и подчеркнутый реализм.

Особенности стиля барокко, как пропагандистского, активно захватывающего зрителя, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией, и поэтому он имеет свои выраженные национальные особенности в разных странах Европы. В Голландии, например, где распространен протестантизм и итальянское влияние было не так сильно, барокко имеет более скромное выражение, в нем больше камерности и меньше парадности (если портреты не сделаны по заказу высокопоставленных вельмож), но очень сильно жизнеутверждающее начало. Вершиной развития искусства 17 века в Голландии безусловно является творчество Рембрандта ван Рейна (1606-1669), живописца, мастера рисунка и офорта, непревзойденного портретиста.

Если в групповых портретах, которые широко распространились в Голландии, и в заказных портретах вельмож художник тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности, то в автопортретах и портретах близких ему людей Рембрандт отступал от художественных канонов и экспериментировал в поисках психологической выразительности, использовал свободную манеру живописи, красочную гамму и игру светотени.

О его отношениях с еврейской общиной Амстердама и многочисленных портретах еврейских мудрецов, стариков и детей я писала уже раньше (http://vanatik05.livejournal.com/2015/02/19/), здесь приведу один из тех портретов, который является жемчужиной мировой живописи.

Рембрандта привлекают образы простых людей, стариков, женщин и детей, все чаще он сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, горячая красно-коричневая палитра усиливает эмоциональную выразительность, согревая их теплым человеческим чувством.

Влияние творчества Рембрандт не только на голландское, но и на мировое искусство огромно. Его непревзойденное мастерство, гуманизм и демократизм, интерес к человеку, его переживаниям и внутреннему миру оказали воздействие на развитие впоследствии всего реалистического искусства.
Ученик и последователь Рембрандта, проживший короткую жизнь, но успевший оставить свой след в искусстве, Карел Фабрициус (1622-1654)

глубоко усвоил творческий метод великого учителя, но сохранил свою свободную манеру письма, более холодную цветовую гамму и оригинальный прием выделения темных фигур первого плана на полном воздуха светлом фоне. Можно сказать, что Фабрициус был самым блестящим из учеников Рембрандта, однако он изменил манере учителя писать светлое на темном фоне и вместо этого писал темные предметы на светлом. Он трагически погиб при взрыве порохового склада в Делфте во время работы над одним из своих портретов.
Теперь уже в свою очередь творческая манера Фабрициуса оказала влияние на Яна Вермеера Делфтского (1632–1675).
«Жемчужина, вспышка, драма и квинтэссенция «золотого голландского века». Недолго живший, мало написавший, поздно открытый…» (Лосева.http://www.aif.ru/culture/person/1012671)

Большинство его работ скорее можно назвать жанровыми сценами, но суть их — обобщенные жанровые портреты, в которых особое внимание уделяется душевному состоянию персонажей, общему лирическому настрою всей сцены, тщательному выписыванию деталей, использованию естественного освещения, живой выразительности всей композиции.

Множество его работ изображают женщин за разными домашними занятиями, у него была возможность наблюдать свою собственную жену, постоянно занятую по дому и воспитывающую их многочисленных детей (она родила 15 детей, из которых четверо умерли). Обычно действие на его жанровых портретах происходит у окна, образы женщин полны обаяния и умиротворения, а игра оттенков и красочность бликов одухотворяют мир людей и сообщают им внутреннюю значительность.

Творчество Вермеера не было по достоинству оценено при жизни и было почти забыто вплоть до второй половины 19 века.
Еще одним выдающимся голландским художником, работавшим в Харлеме (Амстердам) и прославившимся во второй половине своей жизни как гениальный портретист был Франс Халс (Хальс, между 1581 и 1583 -1666). Он «радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя» (Седова Т.А. «Франс Халс» . Большая советская энциклопедия)

В творчестве Халса можно увидеть почти всех представителей общества — от богатых горожан и высшего офицерства до социальных низов, изображаемых художником обычными живыми людьми, воплощающими неистощимую жизненную энергию народа.

Часто его портреты производят впечатление выхваченного и моментально зафиксированного жизненного момента, настолько они воспроизводят живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, иногда даже неожиданно напоминая манеру импрессионистов.

Эта картина скорее всего не портрет в собственном смысле слова, а аллегория, говорящая о неизбежности смерти и скоротечности жизни, но она настолько живая, так передает движение благодаря жесту протянутой руки, что создает полное впечатление портрета конкретного юноши. Хальс прославился благодаря своему энергичному стилю письма, использующему быструю работу кистью , чтобы запечатлеть мимолетные, мгновенные жесты и выражения лица. Поздние произведения Халса выполнены в скупой цветовой гамме, построенной на контрастах чёрных и белых тонов. Ван Гог говорил, что у Халса «27 оттенков черного»[.
Пару слов о еще одном жизнерадостном и остроумном голландском живописце, писавшем в основном жанровые сценки, многие из которых вполне можно считать и жанровыми портретами. Ян Стен (около 1626—1679) изображал сцены из жизни среднего класса, описывая их с грубоватым народным юмором, иногда даже доходящим до сатиры, но всегда добродушные и мастерски выполненные.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века, его выдающимся представителем является великий Питер Пауль Рубенс (1577-1640), живописец, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист. Он рано посвятил себя живописи, побывал в юности в Италии и воспринял во многом манеру Караваджо, но сохранил любовь к национальным художественным традициям.

Рубенсом было написано большое количество парадных портретов по заказам европейской аристократии, в том числе и королевских особ, но и в них с исключительным мастерством и чувственной убедительностью он воссоздавал физический облик и особенности характера модели. Но особенно виртуозны, лиричны, написанные с большой любовью и задушевностью интимные портреты близких ему людей.

Интересны работы, в которых видны поиски художника, стремление передать разные позы, эмоции, выражения лица, достичь исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, в богатстве красочных оттенков, выдержанных в эмоционально насыщенной коричневой гамме.

Творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие европейской живописи, особенно фламандской, и прежде всего на его
учеников, образовавших целую школу последователей, из которых самым талантливым был безусловно его помощник Антонис ван Дейк (1599–1641).

Восприняв «сочную»живописную манеру Рубенса, он уже в юности обратился к портрету, придавая героям своих картин более утонченный, более изящный, более одухотворенный и благородный облик. Вместе с тем он писал много парадных портретов, в том числе и конных, в которых уделял большое внимание позе, осанке, жестам, ему удалось объединить в парадном портрете «торжественную представительность образа с индивидуальной психологической характеристикой».

Последние 10 лет своей жизни Ван Дейк провел в Англии при дворе короля КарлаI среди аристократов, придворных и членов их семейств. Интересно наблюдать за тем, как меняется палитра художника, становясь вместо теплой и живой красновато-коричневой все более холодной голубовато-серебристой.

Творчество Ван Дейка, разработанные и доведенные им до совершенства типы аристократического интеллектуального портрета оказали в дальнейшем большое влияние на развитие английской портретной живописи.
Еще один выдающийся художник фламандской школы Якоб Йорданс (1593-1678) отразил в своем творчестве характерные черты именно фламандского барокко — свежее, яркое, чувственное восприятие жизни, радостный оптимизм, тела его моделей дышат здоровьем, движенья их порывистые, фигуры мощные, вообще мощь и внутреняя энергия для художника важнее красоты и грации.

Йорданс очень быстро писал, его наследие велико, хотя и меньше, чем у Рубенса — около 700 картин почти во всех музеях мира. Он любил большие картины, и даже портреты предпочитал делать в соответствии с ростом человека, с большим реализмом, не скрывая недостатки лиц и фигур.

И хотя он и не добился значительного признания как портретист, однако хорошо умел отображать характеры, был наблюдательным художником и оставил нам многочисленные свидетельства своей эпохи, целую галерею характерных народных типов.
«Золотым веком» испанской живописи является XVII век, расцвет живописи не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. Реакционная внутренняя и внешняя политика испанских королей, разорительные войны, постоянные религиозные преследования, слабость буржуазии привели Испанию к потере своего могущества уже к концу XVI в. Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических, а также большое влияние мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании. Самым известным художником испанского барокко был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660).

Интересно, что у Веласкеса, типичнейшего испанца, родившегося в семье португальских евреев, принявших христианство, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены. На его портретную живопись оказала огромное влияние жизнь при королевском дворе, она научила его раскрывать глубины человеческого характера, прячущиеся под маской холодного этикета, богатством одежд, великолепием поз, одежд, коней и пейзажа.

С большой теплотой, симпатией и непредвзятостью написана художником целая серия портретов придворных шутов и карликов, здесь с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода — глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений.

Одна из последних работ Веласкеса — «Менины» — по сути является групповым портретом. Стоя у мольберта, сам художник (и это единственный достоверный автопортрет Веласкеса) пишет короля и королеву, отражение которых зрители видят в зеркале. На переднем плане изображена инфанта Маргарита, в дверях покоя художник поместил фигуру канцлера. В картине все пронизано воздухом, моделировано тысячью разных цветовых оттенков, мазками разного направления, плотности, величины и формы.

Влияние Веласкеса на все последующее испанское и мировое искусство огромно, он вдохновлял поколения художников, от романтиков до Сезанна и Матисса.
Еще один художник, оставивший свой след в искусстве эпохи испанского барокко, — Франсиско Сурбаран (1598-ок. 1664), выходец из крестьянской семьи с глубокими религиозными устоями. Потому и творчество его в большей своей части основано на религиозных сюжетах, среди его работ множество изображений святых, пророков, монахов и священников, он много пишет для храмов и монастырей. Иногда в религиозных сюжетах он в образе святых или библейских героев изображает своих друзей, знакомых или даже себя.

В середине 17 века в испанской живописи барокко происходят изменения, которым стареющий Сурбаран уже не мог соответствовать, он начал терять свою популярность и умер фактически в нищете.
Изменения в испанской живописи, о которых сказано выше, происходят в результате влияния творчества Бартоломе Эстебан Мурильо (1618—1682), одного из величайших живописцев религиозной тематики, в картинах которого канонические сюжеты представляют собой как бы повседневные сцены из жизни самых обыкновенных людей. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором, проникнутых лиризмом и добротой, изображающих жизнь севильских детей трущоб.

После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать, и хотя время от времени появлялись выдающиеся мастера (о которых мы еще поговорим в следующей части), но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.
Упомяну еще одного итальянского художника — Гвидо Рени (1575-1642), изучавшего в Риме живопись Рафаэля и Караваджо и ставшего в зрелые годы фактическим главой римской школы барокко. Большинство его работ посвящены религиозным сюжетам, а в портретах присутствует некая нарочитая изнеженность, претенциозная грация поз, утонченная красота, как будто его герои — персонажи барочной мелодрамы.

И еще один в этой плеяде творцов эпохи Барокко — французский художник Матье Леннен (1607 — 1677), младший из трех братьев-художников. Многие работы приписывают разным братьям, иногда невозможно с достоверностью установить авторство. Но постепенно фамилия Ленненов стала связываться лишь с творчеством младшего из них, Матье, который принадлежал по существу уже другому поколению и в своих жанровых и портретных работах зависел от новых вкусов.

Заканчивая тему «портретная живопись эпохи барокко», главенствующем стиле в Европе конца 16-начала 18 века, приведу слова Сомерсета Моэма: «Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения…». От себя посмею только сказать, что барокко — не мой любимый стиль, он меня утомляет…
В следующей части поговорим о Рококо. Продолжение следует.

И, как всегда, видеоролик в сопровождении музыки барокко.

Ссылки: http://smallbay.ru/baroc.html
http://crossmoda. narod.ru/CONTENT/art/XVII/art_barocco.html
https://gallerix.ru/
http://www.artap.ru/cult/portrait.htm
https://en.wikipedia.org/wiki/Portrait_painting

Метки: живопись, портрет

Барочная композиция | Грязные цвета

— Говард Лайон

Я люблю барокко. От Рубенса и Караваджо до Бернини и Баха. Я люблю страсть и движение. Я был в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, обсуждал с женой композицию в картинах и объяснял, как движение барокко брало пространства, которые обычно были очень прочными и неподвижными, и располагало их по диагонали, придавая им динамическое движение. Мы вошли в одну комнату, полную замечательных произведений той эпохи, и каждая картина в комнате имела одну и ту же основную композицию.

Я сделал простую диаграмму, чтобы показать основные линии этой композиции. По сути, это была четкая диагональ (синяя линия), идущая от одного угла к противоположному диагональному углу. От него, часто под углом 90 градусов от этой главной диагонали, шли линии к другим углам (красные линии). Он создает ряд треугольников, которые никогда не появляются в состоянии покоя. Он используется перевернутым или повернутым, а иногда и только с одной отдельной вторичной диагональю, но вы увидите, что это используется снова и снова.

Конечно, в любом великом произведении искусства многое выходит за рамки этих линий, но подумайте о линиях композиции, как о вешалках для одежды. Они являются формой, на которой висит картина.

На этом изображении есть две картины, изображающие похожие сцены. Тот, что слева, работы Рафаэля, относится к эпохе Возрождения и использует для своей композиции проверенный временем треугольник. Он передает стабильность и силу, а также некую религиозную символику. Изображение справа Рубенса использует две диагонали и более динамичную композицию. Обратите внимание, как фигуры создают треугольную рамку для дочернего элемента. Главную диагональ часто усиливают параллельными ей линиями. Посмотрите на все линии, сделанные ногами, руками и тканью, которые повторяют главную диагональ.

Эта картина Рубенса «Марс и Рея» является прекрасным примером. Посмотрите, насколько очевиден объемный свет, исходящий из верхнего левого угла, в создании вторичной диагонали. Более темная область плаща Марса на фоне более светлой части продолжает линию под мышкой, над головой купидона и вниз к руке Реи. Рука Реи, статуя в правом верхнем углу, рука Купидона и нога Марса сзади следуют одной линии, двигаясь по главной диагонали композиции. Вокруг этих форм расставлены красивые изгибы и акценты, которые играют против диагоналей. Отличный материал.

Гвидо Рени — еще один из моих абсолютных фаворитов. Я люблю эту картину Святого Себастьяна. Я люблю движение фигур. Здесь подразумеваются диагонали, ваш взгляд продолжает их к краям картины, следуя за его взглядом в левый верхний угол, а за ногой – в правый нижний. Обе эти линии отходят от главной диагонали.

Еще один Гвидо Рени. Мощный! Вот еще несколько примеров:

Караваджо, Святой Франциск Ассизский в экстазе

Караваджо, Святой Матфей

Энтони ван Дейк немного меняет композицию здесь, создавая менее правильные треугольники, но используя тот же основной подход.

Мы закончим тем, что прыгнем на пару сотен лет вперед к великому романтическому произведению в стиле барокко. Соломон Дж. Картина Соломона с изображением Самсона. Посмотрите, как
Соломон скрутил и согнул тела, чтобы вписаться в его композицию. Далила справа втиснулась в свое пространство, насмехаясь над Самсоном. Даже ось
перевернутого стола в правом нижнем углу идеально совпадает с главной диагональю. Сжавшаяся фигура в левом нижнем углу помогает начать движение по диагонали вверх по позвоночнику свернутой фигуры слева. Здесь нет счастливых случайностей. Все эти формы и линии четко спланированы.

Это тоже интересно. Я добавил спираль Фибоначчи поверх этой картины, и я думаю, что Соломон, должно быть, уделил некоторое внимание концепции дизайна вокруг нее. Есть много элементов, которые загибаются по спирали или вторят ей. Мне нравится, как форма персонажей в левом нижнем углу усиливает спиральную форму, как и ковер. Измученное лицо Самсона падает прямо на основную вертикаль, разделяющую картину по золотому сечению.

Так почему же я сосредоточился на одной композиции со всеми этими картинами? Ну, с одной стороны, это здорово. Но также и для повышения осведомленности в целом о том, насколько простыми могут быть основы успешной картины. Существует бесконечное количество решений, как вы можете скомпоновать свою работу, но вы, возможно, захотите как-нибудь попробовать это конкретное и посмотреть, есть ли у вас немного больше понимания великих художников, которые были до нас. Я знаю, что это для меня. Иногда я пользуюсь возможностью, чтобы по-настоящему изучить старого Учителя, выполняя поручение.

Я люблю прекрасную картину Караваджо. Мне дали заказ, который требовал, чтобы группа фигур была усажена за стол, и я решил превратиться в маловероятную дань уважения.

По линиям, которые я наложил, видно, что я использовал ту же композицию, что и в Караваджо, и в других картинах в этом посте. Это помогло мне немного больше ценить и понимать. Если вы решите попробовать, надеюсь, вы дадите мне знать. Я хотел бы видеть его!

Всего 5 картин в стиле барокко и выше

Ничто так не драматично в искусстве, как период барокко. Серьезно. Будь то Бернини, Рембрандт или ван Рейсдал, обязательно будет драма – будь то рябь тоги статуи, лицо фигуры или облака пейзажа.

А это значит, что никто так не над ним , как люди на некоторых картинах в стиле барокко. Конечно, прерафаэлиты довольно хорошо рисуют тени, но художники эпохи барокко умели делать выражения лиц своих фигур чрезмерными, особенно когда их фигуры были явно раздражены, раздражены или просто закончили.

Итак, чтобы оплакать конец лета, вот пять картин в стиле барокко, на которых наши фигуры почти так же прекрасны, как и вы.

 

Сальватор Роза, Святой Павел Отшельник , 1661 (Милан).

Роза Святой Павел Отшельник — это все мы, когда проспим, а потом посмотрим, который час. Изображение с Tumblr.

Сент-Пол похож на любую гифку с реакцией, которую вы когда-либо видели, когда вводили в поиске словосочетание «ошеломленный». Или, как вы, когда вы обнаруживаете, что забыли одну грязную тарелку за чем-то, и теперь она невероятно заплесневела, и вы случайно коснулись ее. Или вам нужно дотянуться до раковины, чтобы взять грязную вилку, и вы случайно коснетесь еды. Или когда вы видите какой-либо комментарий на YouTube. Видите, говорит св. Павел Отшельник. Именно поэтому я отшельник.

 

Буше, Венера Утешительная Любовь , 1751.

«Мама, стой! Я могу покрасить волосы в черный цвет, если захочу! Я устал резвиться в лесу голышом ангельским младенцем и устал от этой семьи!» – вероятно, ребенок на переднем плане. Изображение c/o Викимедиа.

Хотя технически это картина не в стиле барокко, а в стиле рококо, этого малыша нельзя игнорировать. Вы только посмотрите на его немного раздраженное лицо. Этому ребенку достаточно. Он закончил это. он не хочет, чтобы больше обнимался с Венерой и другими путти. Ему надоело играть со своими маленькими стрелочками в густых лесах с плохо скрываемой эротикой и голубями (*кашель-кашель* почти все работы Буше *кашель*). Он предпочел бы просто уплыть туда, куда ведет этот поток, потому что он так устал. Он готов присоединиться к своим новым друзьям, которых он встретил на том концерте, и узнать, как правильно наносить подводку для глаз и как правильно разрезать свои узкие джинсы на шорты, чтобы соответствовать его футболке My Chemical Romance. Венера не считает это хорошей идеей, побуждая этого ребенка кричать I это не фаза мама, это я я ! И в результате получилась эта картина.

 

Веласкес, Христос в доме Марфы и Марии, 1618.

«Мне не нужно говорить, как делать мою работу, Мэвис». Изображение c/o Викимедиа.

В жанровой живописи испанского натюрморта в стиле барокко предметы натюрморта легко сливаются со сценами. Здесь у нас есть окно или зеркало в библейский рассказ о Христе в доме Марии и Марфы через окно или зеркало — это обсуждается. Но давайте взглянем на рабочего переднего плана. Ее лицо является воплощением нельзя? Она просто пытается позавтракать, а женщина позади нее снова ворчит. Вероятно, у нее самый худший босс в мире, и ей постоянно приходится слышать фразу «это не моя работа», относящуюся к вещам, которые определенно являются работой ее босса. Вот почему она, наконец, смирилась с этим, создала LinkedIn и просто ждет, пока кто-нибудь еще проявит к ней уважение на рабочем месте. Боже.

 

Караваджо, Саломея с головой Иоанна Крестителя, ок. 1609 (Мадрид).

«Знаешь ли ты, папа, что настоящий римский император на самом деле получает колесницы для своих детей вместо отрубленных голов, папа?» — Саломея Караваджо, наверное. Изображение c/o caravaggista.com.

Светотень может быть использована до крайности, но вы все равно можете ясно видеть, что Саломея готова примерно на 100%. Может быть, она держит голову Иоанна Крестителя, но на ее лице написано Это была шутка, папа, я не на самом деле хотела голову омг тьфу . Если вы сделаете это еще раз, я серьезно подумываю о том, чтобы оставить эту семью, как младенца-херувима на другой картине. Новые красные шали > отрубленные головы в любой день для Саломеи, которая устала от глупых шуток Ирода. Серьезно.

 

Элизабетта Сирани, Порция Ранила Бедро , 1664.

Честно говоря, даже я не понимаю, как я могла выйти замуж за мужчину, который говорит «хорошо» время». Возможно, Порция Сирани. Изображение c/o Викимедиа.

Сирани явно срисовала лицо Порции с лиц женщин, реагирующих на аналог Tinder 17-го века. Вот почему она выглядит так, будто видела слишком много парней, которые используют слова «ха-ха, мило». Включая ее мужа Брута, который определенно сказал «ха-ха, мило», когда Кассий заколол Цезаря. Порция устала от того, что все эти мужчины делают глупости, и просто хочет, чтобы кто-нибудь сказал ей, почему Брут и Кассий ведут себя странно и обращаются с ней как с равной — вот почему Сирани решила изобразить более ранний момент в истории, когда Порцию гонят. проткнуть ей ногу, чтобы заставить кого-нибудь рассказать ей, что происходит.