Картины в стиле экспрессионизма: Expressionism Art — History, Paintings, Artists, Characteristics

Хочешь больше интересного?

Наша миссия — вдохновлять! Подпишитесь на рассылку новых материалов:

Предыдущая

Детский диван (65+ фото): как выбрать лучшую мебель для сна ребенка — советы экспертов

Следущая

Дизайн кухни площадью 15 кв.

Adblock
detector

2.148 Цветовые системы. История вопроса (часть 91)

Тема лекции: Искусство 2-й половины 20 века. Абстрактный экспрессионизм.

Продолжение прошлой лекции, не проходит большой объём текста в одном посте.

Источник Википедия

Поллок и абстрактные влияния

В течение конца 1940-х годов радикальный подход Джексон Поллока к живописи произвёл коренную ломку потенциала всего современного искусства, которое последовало за ним. В какой-то степени Поллок осознал, что путь к созданию произведения искусства был так же важен, как и само произведение. Как и инновационные переизобретения живописи и скульптуры Пабло Пикассо на рубеже века через кубизм и сконструированную скульптуру, Поллок вновь даль определение тому, что значит создавать искусство. Его уход от станковой живописи и традиционности был знаком освобождения для художников его эпохи и для тех, кто пришёл после. Художники поняли этот процесс Джексон Поллока — расположение нерастянутого необработанного холста на полу, где за него можно было энергично браться со всех четырёх сторон, используя художественные и промышленные материалы; линейные сплетения краски, накапанной и наброшенной; прорисовка, окрашивание, чистка; воображаемое и невоображаемое — существенным образом вынесли процесс создания искусства за пределы всех предшествующих границ. Абстрактный экспрессионизм в целом расширил и развил определения и возможности, которые были доступны художникам для создания новых произведений искусства.

Джексон Поллок. «Номер 1» («Лавандовая дымка»), 1950

Джексон Поллок. «Номер 8», 1949

Джексон Поллок. «Номер 7», 1951

Другие абстрактные экспрессионисты последовали за прорывами Поллока уже со своими собственными прорывами. В каком-то смысле инновации Джексон Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, Марка Ротко, Филиппа Гастона (Phillip Guston), Ганса Гофмана, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмэна, Эда Рейнхардта (Ad Reinhardt), Ричарда Пузетт-Дарта (Richard Pousette-Dart), Роберта Мазервелла, Питера Вулкоса (Peter Voulkos) и других открыли шлюзы к разнообразию и размаху всего искусства, последовавшего за ними. Новые течения в искусстве 1960-х годов в сущности следовали за абстрактным экспрессионизмом и, в частности, за инновациями Поллока, Де Кунинга, Ротко, Гофмана, Рейнхардта и Ньюмэна. Радикальные неформальные движения 1960-1970-х годов, включающие флуксус, нео-дада, концептуальное искусство и феминистическое движение берут своё начало в инновациях абстрактного экспрессионизма. Повторные прочтения абстрактного искусства, сделанные такими историками искусства, как Линда Ночлин (Linda Nochlin), Гризельда Поллок (Griselda Pollock) и Кэтрин де Зигер (Catherine de Zegher) критически показывают, однако, что художницы-новаторы, которые произвели крупные инновации в современном искусстве, игнорировались официальными оценками его истории, но в конечном итоге получили длительное запоздалое признание их роли в подъёме абстрактно-экспрессионистского движения 1940-1950-х годов.

Живопись действия

Этот стиль был широко распространён, начиная с 1940-х до начала 1960-х годов, и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использует термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм» взаимозаменяемо). Часто проводится сравнение между американской живописью действия и французским ташизмом.

Термин был придуман американским критиком Харольдом Розенбергом в 1952 году и сигнализировал значительный сдвиг в эстетической перспективе художников и критиков Нью-Йоркской Школы. По утверждению Розенберга холст был «ареной для действий». В то время как абстрактные экспрессионисты, такие как Джексон Поллок, Франц Клайн и Виллем де Кунинг уже долгое время откровенно высказывали свои взгляды на живопись как на арену, в рамках которой нужно прийти к соглашению с актом творения, ранние критики, симпатизирующие их мотивам, например, Клемент Гринберг, сфокусировались на «предметности» их работ. Для Гринберга телесность запёкшихся и покрытых масляной коркой поверхностей картин была ключом к пониманию их как свидетельств экзистенциальной борьбы художников.

Критика Розенберга сместила акцент с объекта на борьбу как таковую, когда законченная картина является только физическим проявлением, своего рода остатком подлинного произведения искусства, которое заключалось в акте или процессе созидания картины. Эта спонтанная «деятельность» была «действием» художника посредством движения руки или запястья, живописных жестов, мазков кисти, набросанной краски, выплеснутой, набрызганной пятнами и каплями и лессированной. Художник иногда позволял краске капать на холст, одновременно ритмично танцуя или даже стоя на холсте, иногда позволяя краске падать в соответствии с подсознанием, давая таким образом возможность бессознательной части психики утверждать и выражать саму себя. Всё это, однако, тяжело объяснить или интерпретировать, поскольку оно является предполагаемым бессознательным проявлением или актом чистого творчества.

Джексон Поллок. Живопись действия.

Абстрактный экспрессионизм имеет бунтарский, анархический, крайне идиосинкразический и, в какой-то степени, довольно-таки нигилистический имидж. На практике этот термин применяется в отношении любых художников, работающих (главным образом) в Нью-Йорке в разных стилях, и даже применяется в отношении работ, не являющихся сугубо абстрактными или экспрессионистскими. Энергичная живопись действия Поллока с её «интенсивным» ощущением отличается как технически, так и эстетически от неистовой и гротескной серии «Женщины» Виллема де Кунинга. Как мы видим, «Женщина V» это одна из серии шести картин, написанных Де Кунингом с 1950 по 1953 годы, которая изображает женскую фигуру в длину три четверти. Он начал коллекцию первой из этих картин, «Женщина I» (Музей Современного Искусства, Нью-Йорк Сити (The Museum of Modern Art, New York City)), в июне 1950 года, многократно изменяя и закрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина была оставлена незаконченной. Историк искусства Мейер Шапиро (Meyer Schapiro) увидел картину в мастерской Де Кунинга вскоре после этого и воодушевил художника на продолжение работы. В ответ на это Де Кунинг начал три другие картины на ту же тему: «Женщина II» (Музей Современного Искусства, Нью-Йорк Сити), «Женщина III» (Тегеранский Музей Современного Искусства (Tehran Museum of Contemporary Art)), «Женщина IV» (Музей Искусства Нельсон-Аткинс, Каназас-Сити, Миссури (Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri)). В течение лета 1952 года, проведённого в Ист-Хэмптон (East Hampton), Де Кунинг продолжил изучение темы в рисунках и пастелях. Он закончил работу над «Женщиной I» к июню или, самое позднее, к ноябрю 1952 года, и, вероятно, три других картины женщин были завершены тоже тогда же. Серия «Женщины» несомненно является фигуративной живописью.

Другим значительным художником является Франц Клайн, как показано на его картине «Номер 2» («Number 2»), 1954, который, как и в случае с Джексон Поллоком и другими абстрактными экспрессионистами, был обозначен как «художник действия» в силу его спонтанного на вид и интенсивного стиля, фокусирующегося не столько (если вообще) на фигурах или образах, сколько на фактических мазках кисти и использовании холста. Автоматическое письмо было важным средством выражения для художников действия Франца Клайна в его чёрно-белых картинах, Джексон Поллока, Марка Тоби и Сая Твомбли (Cy Twombly), который использовал жест, поверхность и линию для создания каллиграфических линеарных символов и сплетений, которые напоминают язык и резонируют как мощное проявление коллективного бессознательного. Роберт Мазервелл в своей серии «Элегии Испанской Республике» («Elegy to the Spanish Republic») также писал мощные чёрно-белые картины, используя жест, поверхность и символ, вызывая мощные эмоциональные заряды.

Франц Клайн. «Номер 2», 1954

Тогда как другие художники действия, особенно Виллем де Кунинг, Аршиль Горки, Норман Блюм (Norman Bluhm), Джоан Митчелл (Joan Mitchell) использовали образность через абстрактный пейзаж или как экспрессионистские видения фигуры для формулирования своих крайне личных и мощных воскрешений в памяти, картины Джеймса Брукса (James Brooks) были особенно поэтичными и чрезвычано провидческими в отношении лирической абстракции, которая стала известной в конце 1960-1970-х годах.

Цветовое поле

Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюмэн, Адольф Готлиб (Adolph Gottlieb) и безмятежно мерцающие блоки цвета в работах Марка Ротко (который не является экспрессионистом в привычном смысле слова, и сам Ротко отрицал свою принадлежность к ним) классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя и с тем, что Клемент Гринберг обозначил направлением «Цветового поля» («Color field») в абстрактном экспрессионизме. Как Ганс Гофман, так и Роберт Мазервелл могут с уверенностью быть охарактеризованы как практики живописи действия и живописи цветового поля. В 1940-х годах Ричард Пузетт-Дарт плотно создавал образы, которые часто базировались на темах мифологии и мистицизма; то же самое относится к работам Адольфа Готлиба и Джексон Поллока того десятилетия.

Живопись цветового поля изначально относилась к отдельному типу абстрактного экспрессионизма, особенно к работам Марка Ротко, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмэна, Роберта Мазервелла, Адольфа Готлиба, Эда Рейнхардта и некоторым сериям картин Жоана Миро (Joan Miró). Искусствовед Клемент Гринберг понимал живопись цветового поля как родственную, но отличную от живописи действия. Художники живописи цветового поля стремились избавить своё искусство от излишней риторики. Такие художники, как Роберт Мазервелл, Клиффорд Стилл, Марк Ротко, Адольф Готлиб, Ганс Гофман, Хелен Франкенталер (Helen Frankenthaler), Сэм Фрэнсис (Sam Francis), Марк Тоби и особенно Барнетт Ньюмэн и Эд Рейнхардт использовали сильно сокращённые ссылки на натуру и писали с хорошо сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом, эти художники устранили узнавaемую образность. В случае с Ротко и Готлибом символ и знак иногда использовались для замещения образности. Некоторые художники цитировали ссылки на искусство прошлого и настоящего, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Следуя этому направлению современного искусства, художники хотели представить каждую картину как единое, сплочённое и монолитное изображение.

Клиффорд Стилл. «Номер 2», 1957

Марк Ротко. «Белое облако над пурпурным», 1957

Барнетт Ньюмэн. «Дионис», 1949

В отличие от эмоциональной энергии и жестикуляционных отметин на поверхности у абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, художники живописи цветового поля изначально обозначили себя как прохладные и суровые, стирающие индивидуальные следы в пользу больших, плоских площадей цвета, которые эти художники считали неотъемлемой природой визуальной абстракции наряду с фактической формой холста, которую позже в 1960-х Фрэнк Стелла (Frank Stella), в частности, достигал необычными путями, комбинируя кривые и прямые края. Тем не менее, живопись цветового поля зарекомендовала себя как чувственную и глубоко выразительную, хотя и другим образом, чем жестикуляционный абстрактный экспрессионизм.

Несмотря на то, что школа абстрактного экспрессионизма быстро распространялась по США, главными центрами стиля были Нью-Йорк Сити, особенно Нью-Йрокская Школа, и область залива Сан-Франциско в Калифорнии.

У картин в стиле абстрактного экспрессионизма есть несколько общих характеристик, которые включают использование больших холстов, «сплошной» подход, в котором весь холст прорабатывается с одинаковой важностью (в противоположность центру холста, представляющему больший интерес, чем края). Холст как арена стал кредо живописи действия, в то время как цельность плоскости картины стала кредо художников живописи цветового поля.

В 1960-х после абстрактного экспрессионизма

В абстрактной живописи в течение 1950-х и 1960-х несколько новых направлений, таких как живопись жёстких контуров (Hard-edge painting), представленная Джоном Маклафлином (John McLaughlin), развивали другие формы геометрической абстракции как реакцию на субъективизм абстрактного экспрессионизма и стали появляться в художественных мастерских и радикальных авангардистских кругах. Клемент Гринберг стал защитником пост-живописной абстракции (Post-painterly abstraction), курируя влиятельные выставки новой живописи, которая гастролировала по важным музеям искусства по всем США в 1964 году. Живопись цветового поля, живопись жёстких контуров и лирическая абстракция возникли как радикально новые направления.

Абстрактный экспрессионизм и Холодная война

С середины 1970-х историками-ревизионистами утверждалось, что этот стиль привлёк внимание ЦРУ в начале 1950-х, которые видели в нём олицетворение США как обитель свободной мысли и свободных рынков, также как и вызов стилям соцреализма, преобладающим в коммунистических государствах, и господству европейских рынков искусства. Книга Фрэнсиса Стонора Сондерса (Frances Stonor Saunders) «Культурная Холодная война — ЦРУ и мир искусства и литературы» («The Cultural Cold War — The CIA and the World of Arts and Letters»), опубликованная в Великобритании под названием «Кто заказывал музыку: ЦРУ и Культурная Холодная война» («Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War»), подробно излагает, как ЦРУ финансировало и организовывало продвижение американских абстрактных экспрессионистов как часть политики культурного империализма через «Конгресс за Свободу Культуры» («Congress for Cultural Freedom») в 1950-1967 годах. В противовес этой ревизионистской традиции вышло эссе Майкла Киммельмана (Michael Kimmelman), главного искусствоведа газеты «Нью-Йорк Таймз» («The New York Times») под названием «Пересмотр ревизионистов: модерн, его критика и Холодная война» («Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War»), в котором утверждается, что большая часть информации (также, как и её ревизионистская интерпретация), относящейся к происходившему на американской художественной сцене в 1940-х и 1950-х годах, категорические лживая или, в лучшем случае, вопреки общепринятым ревизионистским историографическим принципам, вырвана из контекста. Другие книги на эту тему включают «Искусство в период Холодной войны» («Art in the Cold War») Кристин Линдей (Christine Lindey), которая также описывает искусство СССР того времени; и книга «Поллок и после него» («Pollock and After») под редакцией Фрэнсиса Фрэсина (Francis Frascina), которая являлась переизданием статьи Киммельмана.

Последствия

Канадский художник Жан-Поль Риопель (Jean-Paul Riopelle (1923–2002)) способствовал проникновению абстрактного импрессионизма (не путать с абстрактным экспрессионизмом!) в Париж в 1950-х годах. Новаторская книга Мишеля Тапье (Michel Tapié) «Другое искусство» («Un Art Autre» (1952)) была чрезвычайно влиятельна в этом отношении. Тапье был также куратором и организатором выставок, который продвигал работы Поллока и Ганса Гофмана в Европе. К началу 1960-х изначальный аффект движения был ассимилирован, хотя его методы и сторонники оставались очень влиятельными в искусстве, глубоко влияя на работу многих художников-последователей. Абстрактный экспрессионизм предшествовал ташизму, живописи цветового поля, лирической абстракции, флуксусу, поп-арту, минимализму, постминимализму, неоэкспрессионизму и другим движениям 1960-х и 1970-х годов и повлиял на все эти позднейшие эволюционирующие движения. Движения, которые являлись прямым ответом и бунтом против абстрактного экспрессионизма начались с живописи жёстких контуров (Фрэнк Стелла (Frank Stella), Роберт Индиана (Robert Indiana) и другие) и с художников поп-арта, особенно Энди Уорхола (Andy Warhol), Класа Олденбурга (Claes Oldenburg) и Роя Лихтенштейна (Roy Lichtenstein), которые достигли известности в США, сопровождаемые Ричардом Гамильтоном (Richard Hamilton) в Великобритании. Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg) и Джаспер Джонс (Jasper Johns) в США являлись связующим звеном между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом. Минимализм был представлен таким художниками, как Дональд Джадд (Donald Judd), Роберт Мэнгольд (Robert Mangold) и Агнес Мартин (Agnes Martin).

Однако, многие художники, такие как Жюль Олицки (Jules Olitski), Джейн Фрэнк (Jane Frank, ученица Ганса Гофмана) и Антони Тапьес (Antoni Tàpies) продолжали работать в стиле абстрактного экспрессионизма в течение многих лет, расширяя и распространяя его визуальный и философский подтексты также, как и многие художники сегодня, работающие в стилях лирической абстракции, неоэкспрессионизма и других.

Стили и направления в изобразительном искусстве Деление картин на стили и направления. Глава 5

	Сезанновский кубизм — предтеча кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов. Сильное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты Поля Сезанна с формой в живописи. В картине Пикассо 1906г. «Портрет Гертруды Стайн» чувствуется увлечение искусством Сезанна. Затем в 1907г. Пикассо написал картину «Авиньонские девицы», которая считается первым шагом на пути к кубизму. Поль Сезанн картины
	Сентиментализм (произошло от лат. sentiment — чувство) — направление западного искусства второй половины XVIII. , выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Жан-Жак Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Якоб Филипп Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.
	Сецессия (от лат. secessio — отход, отделение) — разновидность стиля модерн в чехском искусстве и культуре в период 1880-1910 гг. Происхождение и название движения связаны с пражской группой Сецессион (Уход), в которую вошли молодые художники, решившие порвать с традициями искусства предшествующих поколений (реализма и академизма, классицицма и т.д.). Проявился в основном в дизайне и архитектуре.
org/ImageObject»>	Символизм (происходит от фр. symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель. Символизм картины Михаил Врубель картины
	Синтетический кубизм — разновидность кубизма, в котором художник стремился обогатить реальность созданием новых эстетических объектов, реально существующих, а не являющихся лишь изображением видимого мира. Если в аналитическом и геометическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта.
	Социалистический реализм, соцреализм — художественный метод в искусстве, представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества. Изображение жизни в свете идеалов социализма обусловливает и содержание, и основные художественно-структурные принципы искусства соц реализма. Его возникновение и развитие связаны с распространением социалистических идей в разных странах, с развитием революционного рабочего движения. Соцреализм картины
	Социальный реализм — художественное направление в искусстве Америки, созданное как противовес советскому соцреализму. Основной задачей художников была декларация идей американского образа жизни в визуальном искусстве. Главным жанром в социальном реализме становится городской пейзаж (Нью-Йорк), а главными героями — простые люди, рабочие и бедняки, тяжелее всех ощутившие тяготы «Великой депрессии», I и II мировых войн.
	Соц-арт — направление в отечественном неофициальном искусстве 1970-х — начала 1990-х гг. Художники соц-арта использовали для своих работ стилистику, язык и завоевания соцреализма. Однако, как правило, в произведениях художников-соцартистов присутствуют юмор, ирония и саркастичное отношение к идеологическим пропагандистским клише, в изобилии растворенным в массовом сознании советских людей.
	Спациализм (произошло от итал. spazio — пространство) — концепция движения в искусстве, предлагающая рассматривать живопись и скульптуру одним видом искусства, соединив в нем цвет, звук, пространство, движение и время. Концепцию разработал Л. Фонтана. Представители этого направления — ряд итальянских художников поколения 1950-х гг., в 1960-е гг. — японец Аи-О, немец Х. П. Ретер и др.
	Стимпанк, паропанк (от англ. steam — пар и punk — протест, бунт) — направление в искусстве берущее начало в научной фантастике. В произведениях этого стиля показывается альтернативный вариант развития человечества на основе паровых машин с выраженной стилизацией под викторианскую эпоху. В стиле стимпанк нет природы, он наполнен элементами урбанистического пейзажа: кирпич, трубы, булыжные мостовые, воздух, фабричные трубы, роботы и механизмы, паровозы, автомобили. Стимпанк картины
	Стрит-арт (от англ. street art — уличное искусство) — искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.
org/ImageObject»>	Супрематизм (от лат. supremus — высший, высочайший, первейший) — направление авангардного искусства первой трети 20 века, создателем и главным представителем которого был русский художник Казимир Малевич. Супрематизм картины Казимир Малевич картины
	Суровый стиль — направление в советской живописи, возникшее в конце 1950-х — начале 60-х годов. Термин «суровый стиль» был введен критиком А.А. Каменским. Основоположниками и наиболее яркими представителями этого стиля принято считать Т.Салахова, В. Попкова, Г. Коржева, Н. Андронова и др. Суровый стиль рассматривают как противопоставление неискренности и фальши сталинского социалистического реализма. Представители сурового стиля обратились к изображению тех же рабочих и крестьян, но в гораздо более приземленной и драматичной форме. Пафос сталинизма сменился прозой обычной жизни. Художники Сурового стиля изображали обычных людей, а не триумфальных победоносцев сталинизма. Суровым стилем работы этих художников также называют потому, что зачастую они изображали людей самых трудных профессий — горняков, нефтянников, шахтеров, подчеркивая их волю и тяжелый труд. Предтечей сурового стиля было изобразительное искусство СССР 20-х годов — творчество А. Дейнеки, Г. Нисского, а также П. Кончаловского, А. Осмёркина, А. Лентулова и др.
	Сюрреализм (от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма. Сюрреализм возник во Франции в середине 20 века. Художники с фотографической точностью создавали нелогичные, пугающие картины обычных предметов или использовали нестандартную технику живописи, дающую возможность выразить подсознание. Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали (1904-1989), Рене Магритт (1898-1967). Сюрреализм картины
	Ташизм (от фр. tache — пятно) — одно из названий направления в абстракционизме 50-х годов. Ташизму — живопись пятнами, которые: не воссоздают образов реальности; наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана; выражают бессознательную активность художника. Наиболее яркие представители стиля: Жорж Матье, Ханс Хартунг, Воле, Пьер Сулаж, Жан Базен, Эмилио Ведова, Асгер Йорн.
org/ImageObject»>	Тонализм направление в американском искусстве конца XIX века, берущее начало и основные традиции у школы барбизонцев, появился когда художники начали изображать пейзажи с общим тоном цветной атмосферы или тумана. Тоналисты почти не работали на пленере, в произведениях использовались упрощённые композиции с эмотивными световыми эффектами, где доминировали темные, нейтральные оттенки — такие как серый, коричневый или голубой. Тонализм можно рассматривать как ответвление импрессионизма. Ведущие художники тонализма — Джордж Иннес и Джеймс Макнейл Уистлер.
	Трансавангард (произошло от лат. trans — сквозь, через и фр. avantgarde — авангард) — одно из современных направлений постмодернизма, охватывающее смешения и трансформации стилей, родившихся в авангарде, таких как кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм и др. Трансавангард картины
	Фэнтези (от англ. fantasy — фантазия) — стиль живописи, появившийся в начале XX века и основанный на использовании мифологических и сказочных мотивов. Развитие живописи в жанре фэнтези шло параллельно и схоже с развитием литературы, так как основная масса художников рисовала обложки и иллюстрации к книгам и играм, а также фантастические комиксы и коллекционные игровые карты. Самые известные художники героического фэнтези: Борис Вальехо, Джулия Белл, Луис Ройо, Фрэнк Фразетта. Фэнтези картины
	Фовизм (произошло от фр. fauvisme, от fauve — дикий, хищный) — авангардистское течение во франц. живописи начала 20 века, для которого характерны: предельно интенсивное звучание открытых цветов; сопоставление контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Фовизм картины
	Футуризм (произошло от итал. futurismo — будущее) — течение в искусстве начала 20 века. Основные темы футуризма: достижения техники и технический прогресс. Основоположниками футуризма были Балла Джакомо, Джорш Северени, Боччони, Руссоло, Карра. Футуризм картины
	Шинуазри, шинуазери (от фр. chinoiserie) — использование мотивов и стилистических приемов средневекового китайского искусства в европейской живописи, декоративно-прикладном искусстве, костюме, в оформлении садово-парковых ансамблей XVIII века. Шинуазри — разновидность стиля ориентализм. В эпоху Рококо в живописи часто использовали стилистику и элементы шинуазри. Шинуазри картины
	Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское течение в западноевропейском искусстве начале 20 века, возникло как отклик на острейший социальный кризис — 1-ю мировую войну. Идейной основой экспрессионизма стал протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства крушения надежд. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм. Экспрессионизм картины
	Эстетическое движение, или эстетизм — европейское направление в XIX веке в литературе, изобразительном и декоративном искусствах, интерьерном дизайне, которое подчеркивало преобладание эстетических ценностей над этическими и над социальными проблемами. Корни эстетизма уходят в романтизм, явился как реакция на викторианскую эпоху, тем самым предвосхищая модернизм.

Техники изобразительного искусства

Жанры живописи

Жанры в китайском искусстве

Автор: Руслан Озеров, художественная галерея Арт СПб

Рубрика: изобразительное искусство, искусствоведение, живопись, стили и направления в искусстве

Стили и направления живописи известных русских художников с примерами картин — «Лермонтов»

Абстракционизм
Авангардизм
Академизм
Импрессионизм
Классицизм
Конструктивизм
Кубизм
Модерн
Модернизм
Примитивизм
Реализм
Романтизм
Символизм
Экспрессионизм

С момента зарождения живопись постоянно развивалась. Каждый художник видел мир по-своему, выдвигал свои идеи, открывал новые приемы и техники, что привело в итоге к рождению множества стилей.

Живописный стиль — это и есть совокупность определенных приемов, техник и неких общих идей изображения. Часто на появление нового стиля влияли не только устремления конкретного мастера, но и технические возможности общества, его умонастроения или религиозный уклад. При этом внутри стилей образовывались отдельные направления, которые также часто считаются самостоятельными стилями.

Далее мы рассмотрим ряд основных стилей и направлений живописи наиболее известных русских художников.

Абстракционизм (лат. abstractio — отвлечение)

Этот стиль подразумевает отвлечение от фигуративной или предметной живописи, поэтому его еще называют беспредметным искусством. Это означает, что абстракционисты не рисуют людей, предметы или природу, поэтому в их картинах часто нет сюжета, а сами работы просто нумеруются, чтобы отличать одну из них от другой. Но и среди таких работ бывают чистые абстракции (полное отсутствие предмета и сюжета) и так называемые предметные абстракции (сюжет все же просматривается сквозь нагромождение непривычных взгляду фигур, линий или точек).

Абстракционисты пошли вразрез с традициями классической школы, сделавшей основной упор на изображении предметов строго по определенным канонам. Они отказались от сходства предмета и изображения в пользу экспериментов с формами и цветами.

Выдающимися деятелями этого стиля считаются В. Кандинский, К. Малевич, М. Ларионов, Н. Гончарова и некоторые другие. Одни из них придумывали свои направления и идеи, а других их развивали. Так, у истоков абстракционизма стоял В. Кандинский, осознавший, что цвета и формы можно изображать без привязки к предмету. К. Малевич придумал отдельное направление супрематизм, которое в дальнейшем подхватили его коллеги (А. Экстер, Л. Попова, И. Чашник и др.). М. Ларионов и Н. Гончарова развивали идеи придуманных Ларионовым лучизма и всёчества, С. Поляков работал с контрастными геометрическими цветовыми пятнами.

Примеры картин известных русских художников в стиле абстракционизма

Картина В. Кандинского «Композиция VII». 1913 г.

Картина К. Малевича «Черный квадрат» в стиле супрематизма. 1915 г.

Авангардизм (фр. avant-garde — передовой отряд)

Впервые этот термин по отношению к художникам применил Александр Бенуа, назвавший авангардистами тех, кто слишком опередил других живописцев своими смелыми идеями. В двадцатом веке авангардистами называли всех художников-экспериментаторов, стремившихся открыть в живописи нечто новое. По этой причине сюда относили кубистов, фовистов, абстракционистов, сюрреалистов и представителей других стилей.

Так как в России было много выдающихся художников, желающих найти свой путь, то и плеяда авангардистов была достаточно большой. Так, В. Баранов-Россине и С. Делоне создавали картины в стиле орфизма, Э. Булатов самым оригинальным образом соединял текст и жанровые сцены, М. Шагал создавал ирреальные картины с тонким колоритом, Л. Гудиашвили положил начало так называемому грузинскому авангардизму (отличался от русского национальным бытом и традициями), К. Малевич и А. Моргунов основали феврализм и т.д.

Примеры картин известных русских художников в стиле авангардизма

Картина Э. Булатова «Не прислоняться». 1987 г.

Картина М. Шагала «Юбилей». 1923 г.

Картина С. Делоне «Рынок в Миньо». 1915 г.

Картина А. Моргунова «Кубофутуристическая композиция». 1910 г.

Академизм (фр. аcademisme — традиционность)

Академизм фактически вырос из классицизма и пошел еще дальше в плане идеализации и шлифовки окружающего мира.

Русские академисты предпочитали создавать парадные портреты, картины на религиозные темы или салонные пейзажи. Часто для этих работ характерны изобилие фигур и планов, метафоричность сюжета, пышность и торжественность обстановки при высочайшем мастерстве исполнения. Среди русских художников назовем А. Иванова, К. Брюллова, Л. Лагорио, А. Харламова, Н. Чернецова, К. Крыжицкого и других. Некоторые из них даже в строгих рамках академизма умудрялись создать нечто оригинальное. Например, Г. Семирадский создал атмосферный античный жанр, перенеся античных героев на плэнер.

Параллельно с академизмом возник и так называемый салонный академизм. Сторонники этого направления также виртуозно владели всеми техниками академической школы, но часто создавали сюжеты с поверхностным замыслом или копировали свои удачные произведения, чтобы удовлетворить большой спрос аристократов на картины для украшения их интерьеров. Часто такие картины рисовались наспех и приносили большие доходы. Например, Ю. Клевер во многих случаях только дорисовывал картины своих помощников, Г. Семирадский собирал картины из отдельных фигур словно конструктор, а К. Маковский мог нарисовать картину за один раз. При этом все они имели прекрасный доход, а К. Маковский и вовсе считался одним из самых высокооплачиваемых живописцев эпохи.

Примеры картин известных русских художников в стиле академизма

Картина А. Иванова «Явление Христа народу». 1837-1857 гг.

Картина Л. Лагорио «Лафотенский остров». 1895 г.

Картина Г. Семирадского «Танец среди мечей».

Картина К. Маковского «Счастливая Аркадия».

Картина Ю. Клевера «Зимний пейзаж». 1914 г.

Импрессионизм (фр. impression — впечатление)

Импрессионисты отказались от идеи, что картина должна нести в себе какой-то философский, нравственный или иной смысл. Они сосредоточились на цвете и свете, стремясь передать окружающий мир в его изменчивости, зафиксировать мгновения, определенные ракурсы, точки зрения. Они отказались от темных и сложных оттенков (получаемых смешением цветов) в пользу чистой палитры.

Представители этого стиля часто создавали изображение в виде отдельных мазков, точек, цвета которых смешивались в глазу человека. Благодаря таким приемам удавалось передать живость объектов, их красоту или нежность. Например, в «Желтом трамвае» А. Арапова с помощью особых мазков художник передает стремительный темп городской жизни, словно бы мы сами ехали в трамвае и видели окружающий мир чуть смазанным из-за быстрого движения. У Ю. Пименова так вырастают целые городские кварталы с их кипучей жизнью. Параллельно с этим чистые краски в картинах А. Арапова, Ю. Пименова, С. Виноградова, К. Юона, П. Петровичева, Б. Анисфельда, К. Коровина и других импрессионистов передают их огромный оптимизм, радость от созерцания происходящего.

Неоимпрессионисты опирались на аналогичные принципы, но строили изображения только с помощью раздельных точек, получая совершенно новые эффекты. Среди русских художников это, например, А. Богомазов или И. Грабарь.

Постимпрессионисты (А. Моргунов, К. Петров-Водкин и др.) использовали техники импрессионистов, но отказались от основной идеи передавать сиюминутное впечатление, а сосредоточились на изображении сущностного состояния жизни.

Примеры картин известных русских художников в стиле импрессионизма, нео- и постимпрессионизма

Картина А. Арапова «Желтый трамвай» в стиле импрессионизма.

Картина А. Богомазова «Ожидание» в стиле неоимпрессионизма.

Картина Петрова-Водкина «Смерть комиссара» в стиле постимпрессионизма. 1928 г.

Классицизм (лат. classicus — образцовый)

Согласно классицизму, произведение живописи должно строиться только на основе определенных канонов и демонстрировать стройность мироздания. За такие каноны или образцы брались работы мастеров древнего мира классической эпохи (античных Рима и Греции). Из русских художников в этом стиле работали В. Боровиковский, Н. Крымов, А. Харламов, К. Брюллов и прочие.

Значительным признаком классицизма была идеализация изображаемых объектов, что не позволяло видеть мир таким, каков он есть. Это стало одной из причин развернувшейся в дальнейшем борьбы между представителями классической школы и художниками новых течений. Классицизм стал все более уступать позиции другим стилям.

Позже интерес к классической школе начал возрождаться, что привело к появлению неоклассицизма. Для работ этого направления характерна более выразительная прорисовка деталей и соединение классики с ренессансом. Сторонниками неоклассицизма среди русских мастеров были, например, Б. Григорьев, В. Шухаев, Л. Бакст, А. Яковлев.

Примеры картин известных русских художников в стиле классицизма и неоклассицизма

Картина К. Брюллова «Последний день Помпеи» в стиле классицизма. 1833 г.

Картина В. Боровиковского «Портрет графини Л.И. Кушелевой и ее сыновей» в стиле классицизма. 1803 г.

Картина В. Шухаева и А. Яковлева «Арлекин и Пьеро» в стиле неоклассицизма. 1914-1962 гг.

Картина А. Яковлева «Скрипач» в стиле неоклассицизма. 1915 г.

Конструктивизм (лат. constructivus — конструктивный)

Этот стиль относится к авангардизму. Впервые он возник в СССР, когда после революции шел непрерывный поиск новых форм. Конструктивисты фактически отказались от живописи ради нее самой и провозгласили производственное искусство, приносящее практическую пользу народу. Так авангардистские рисунки перешли на спецодежду, спортивную форму, ткани, фарфор и иные вещи.

Среди русских художников яркими представителями конструктивизма являются А. Родченко, В. Степанова, Л. Попова, а также И. Чашник, С. Делоне, В. Ермилов и другие.

Примеры картин известных русских художников в стиле конструктивизма

Эскизы спортивных костюмов В. Степановой.

Фарфоровая чашка, созданная по эскизам И. Чашника.

Работа В. Ермилова «Дизайн комнаты отдыха в Харьковском Дворце пионеров и октябрят». Около 1934 г.

Кубизм (фр. cubisme, от cube — куб)

Этот стиль стал вызовом традиционному искусству с его красивостью и иносказательностью. Кубисты разлагали объемный объект на геометрические формы (кубы, конусы, цилиндры и т. д.), и затем по-новому собирали его уже на плоскости. Это давало возможность одновременно увидеть те стороны объекта, которые обычно скрыты от зрителя, а также показать перспективы нового стиля.

Кубисты пытались разработать свой пластический язык, отчего у многих художников кубизм обрел особые черты. Так, у А. Лентулова это оптимистический кубизм, у Р. Фалька — лирический, у Т. де Лемпицки — мягкий, у П. Кончаловского —аналитический. Индивидуальные черты есть и в кубистических картинах М. Вебера, А. Волкова, В. Рохлиной, К. Зданевича.

Заметим, что в России многие художники быстро перешли от кубизма к кубофутуризму (К. Малевич, Ю. Анненков, А. Экстер и пр.). Здесь принципы кубистов соединились с поэтичностью и динамичностью футуризма.

Примеры картин известных русских художников в стиле кубизма и кубофутуризма

Картина А. Лентулова «Пейзаж с мостом, Кисловодск» в стиле оптимистического кубизма. 1913 г.

Картина Т. де Лемпицки «Кизетта» в стиле мягкого кубизма.

Картина К. Малевича «Утро после грозы» в стиле кубофутуризма.

Картина А. Экстер «Вид Парижа» в стиле кубофутуризма.

Модерн (фр. moderne — современный)

Этот стиль возник в ответ на возникшую в Европе в 19-м веке ситуацию, когда большинство картин создавалось на историческую тему, причем с помощью одних и тех же техник и приемов. Представители модерна начали поиск новых художественных приемов и выступили за сочетание в живописи эстетичности с прагматичностью. Например, у М. Врубеля это ломающийся штрих, разделение пространства на отдельные грани, у Н. Рериха это высокая декоративность, острая ритмичность, цельность форм и цветовая насыщенность произведения, у М. Якунчиковой это выжигание контуров рисунка.

Представители русского модерна внесли значительный вклад в его развитие и работали в разных жанрах. Так, Е. Поленова выражала себя в иллюстрациях к детским книгам, В. Васнецов погрузился в фольклорную живопись, Н. Сапунов добился успеха на поприще театральной живописи, З. Серебрякова воспевала красоту в жанровых картинах, В. Суриков создавал масштабные исторические полотна, В. Серов находил новые приемы при создании портретов.

Примеры картин известных русских художников в стиле модерн

Картина М. Врубеля «Жемчужина». 1904 г.

Картина Н. Рериха «Матерь мира». 1937 г.

Панно с выжиганием М. Якунчиковой «Окно». 1896 г.

Картина Н. Сапунова «Весна. Маскарад». 1912 г.

Модернизм (итал. modernismo — современное течение)

Модернизм часто путают с модерном, однако это разные понятия. Если модерн — это конкретный стиль, то модернизмом называют большое количество течений, которые пошли вразрез с действующими до этого художественными стилями и были направлены на поиск нового. К модернизму относятся экспрессионизм, импрессионизм, футуризм, кубизм и прочие течения.

В этом смысле модернизм близок авангардизму. Их основные отличия сводятся к тому, что сторонники модернизма фактически устроили бунт против художественных традиций внутри искусства и занимались поиском новых художественных средств, а авангардисты бунтовали против традиций в целом и занимались поиском искусства нового вида, поиском самого предмета этого искусства (вместо изображения предметов окружающего мира перешли к беспредметному искусству). Среди русских художников в этом стиле работали, например, И. Бродский, Р. Фальк, Н. Фешин, П. Филонов.

Примеры картин известных русских художников в стиле модернизма

Картина Р. Фалька «Мужчина в котелке. Портрет Якова Каган-Шабшая». 1917 г.

Картина Н. Фешина «Обливание». 1911-1914 гг.

Картина П. Филонова «Пир королей». 1913 г.

Примитивизм (лат. primitivus — первый)

Этот стиль подразумевает упрощение изображения, создание рисунка, который близок исполнению ребенка. Но если ребенок рисует так из-за неумения, то многие художники прибегали к примитивизму намеренно. Это помогало им упростить чрезмерно усложнившуюся жизнь. Например, примитивные картины Н. Пиросмани не были напыщенны (как работы многих академистов), не содержали чрезмерно глубоких смыслов (как живопись авангардистов), потому казались простыми и душевными.

Прогресс во многом сделал человека рабом, лишил его естественной свободы, против чего и выступали примитивисты. Среди них были в первую очередь Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили. У И. Машкова кроме чисто примитивистских сюжетов было интересное сочетание примитивизма с реализмом, у Н. де Сталя примитивизм сливался с абстракционизмом.

Примеры картин известных русских художников в стиле примитивизма

Картина Н. Пиросмани «Бездетный миллионер и бедная с детьми».

Картина Л. Гудиашвили «Кутеж кинто с женщиной». 1919 г.

Картина Н. де Сталя «Лежащая обнаженная». 1953 г.

Картина И. Машкова «Натюрморт с цветами». Около 1912 г.

Реализм (лат. геalis — вещественный)

Реализм возник в противовес художественным принципам, которые идеализировали действительность. Поэтому основной задачей художников-реалистов стало максимально точное и объективное изображение действительности. Вместо улыбающихся нарядных дам и кавалеров, окруженных роскошной обстановкой, объектами живописцев стали люди с реальными эмоциями, со всеми недостатками внешности и жизненной обстановкой или неброские пейзажи.

Так на картинах появились изможденные бурлаки, крестьяне, мещане и их быт (в работах И. Репина, Н. Богданова-Бельского, Б. Кустодиева, В. Перова, А. Архипова), поражающие правдивостью военные сцены (в трудах В. Верещагина, А. Боголюбова), вожди и политики в новом ракурсе (на гигантских полотнах И. Глазунова). Так родились подлинные русские пейзажи И. Шишкина, Е. Волкова, А. Куприна, С. Герасимова, И. Левитана, В. Поленова, А. Саврасова и других прославленных художников.

Чтобы показать правду жизни, художнику-реалисту требовалось глубинное постижение жизни, понимание ее сущности и умение видеть всю ее красоту. Это означало постоянные наблюдения и виртуозное мастерство изображения окружающего мира.

В России этот стиль был основным для художников-передвижников. Но у ряда мастеров реализм приобрел индивидуальные черты. Например, у М. Нестерова возник так называемый нестеровский пейзаж, у К. Сомова это галантный стиль, М. Клодт соединил эпический пейзаж с жанровой сценой, В. Третчиков перешел к гиперреализму.

В рамках реализма возник и соцреализм, выражающий идеалы социалистического общества. В этом направлении работали А. Дейнека, А. Самохвалов, А. Волков, С. Герасимов и другие. А внутри него родился «суровый стиль», представители которого не желали работать в навязанной обществом тематике и демонстрировали свои идеалы, свое видение советской жизни (Г. Нисский, В. Попков и пр.).

Примеры картин известных русских художников в стиле реализма и соцреализма

Картина И. Репина «Бурлаки на Волге» в стиле реализма. 1872–1873 гг.

Картина И. Шишкина «Утро в сосновом лесу» в стиле реализма. 1889 г.

Картина М. Нестерова «Осенний пейзаж» в стиле нестеровского пейзажа. 1906 г.

Романтизм (фр. romantisme — романтика)

Классицизм не удовлетворял ряд художников не только консервативными методами, но и тем холодом, той избыточной рассудочностью, которая веяла от работ мастеров классической школы. В противовес этому возникли художники-романтики, выдвинувшие на первое место эмоции. В своих картинах они говорили о любви и ненависти, передавали страхи, радость и множество других эмоций. На их полотнах рождались поражающие своей красотой пейзажи, восхитительные девушки или самые невероятные сюжеты.

Все это выражалось с помощью яркой палитры и высокого мастерства. Например, у И. Айвазовского это бушующие моря, флотилии грациозных кораблей, у А. Куинджи это наполненные дивным светом пейзажи, у Н. Дубовского — эпические пейзажи, у О. Кипренского — чувственные портреты, у А. Кравченко — динамические жанровые сцены.

Примеры картин известных русских художников в стиле романтизма

Картина И. Айвазовского «Девятый вал». 1850 г.

Картина А. Куинджи «После дождя». 1879 г.

Картина О. Кипренского «Бедная Лиза». 1927 г.

Картина Н. Дубовского «Притихло». 1890 г.

Символизм (фр. symbolisme — символизм)

Еще одним стилем художников, пытающихся выразить чувства и переживания души, является символизм. Символистов вдохновляло искусство романтизма, полное таинственности и иносказаний. Под воздействием легенд и библейских историй они наполняли мистическим смыслом и свои картины. Особо популярными были религиозные и оккультные сюжеты, демонстрация человеческих пороков, болезней, жизни и смерти. Например, у М. Врубеля это серия картин, посвященных демону, у П. Кузнецова это цикл «Фонтаны», символизирующий рождение и смерть, а у Борисова-Мусатова это наполненные духовным смыслом картины-элегии.

Примеры картин известных русских художников в стиле символизма

Картина в стиле символизма М. Врубеля «Демон сидящий». 1890 г.

Картина В. Борисова-Мусатова «Водоем». 1902 г.

Экспрессионизм (лат. Expressio — выражение)

Истерзанные революциями и войнами 20-го века люди, испытывали тяжелейшие эмоции. У художников этого поколения возникла острая необходимость выражения этих эмоций, демонстрации своих страхов, разочарования, ощущения изуродованности мира. По этой причине картины экспрессионистов часто создавались с помощью темных или кричащих тонов, с помощью грубых мазков и искаженных линий. Сами сюжеты могли передавать боль, отчаяние или крик художника. Так, у Х. Сутина эта боль и ощущение уродливости мира выражались через изображение многочисленных туш животных, темно-красные оттенки, у Ю. Анненкова — через изломанные линии и темные тона, у А. Явленского — через кричащие тона и угловатые формы. Еще интереснее работы М. Ротко, который изображал только цветовые поля, но с их помощью выражал сильнейшие эмоции и вызывал аналогичные эмоции у зрителей.

Примеры картин известных русских художников в стиле экспрессионизма

Картина Х. Сутина «Бычья туша». Около 1923 г.

Картина А. Явленского «Женщина с зеленым веером». 1912 г.

Картина М. Ротко «№ 1 (Королевский красный и голубой)». 1954 г.

Выше мы рассмотрели лишь основные стили, в которых работала большая часть известных русских художников. Заметим, что для многих из них характерны продолжающие течения с приставками «нео», «пост», «прото» и другими (неопримитивизм, постмодернизм, протоимпрессионизм и т.д.). Возникали они либо по причине того, что данный стиль требовал для дальнейшего развития чего-то нового, либо на волне возрождения интереса к нему.

Также нужно учитывать, что многие русские художники не творили в одном стиле. Они экспериментировали с разными направлениями, смешивали их друг с другом или брали их отдельные элементы. Все это приводило к индивидуализации стилей и рождению новых направлений. Кроме названных выше к ним можно отнести, например, кинетическое искусство А. Певзнера, мистический сюрреализм П. Челищева, нонконформизм Е. Чубарова, концептуализм И. Кабакова и другие стили.

Работа А. Певзнера «Два конуса в одной плоскости» в стиле кинетического искусства. 1936 г.

Инсталляция И. Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» в стиле концептуализма. 1985 г.

Картина Е. Чубарова «Танец» в стиле нонконформизма. 1981 г.

Ротко Марк. Картины в стиле абстрактного экспрессионизма

Абстрактное искусство, беспредметная живопись не поддаются холодному трезвому анализу. Творчество такого художника, как Ротко Марк, картины которого не содержат и намёка на объекты из реального мира – абстракционизм в чистом виде. Логика и поиск привычных аналогий могут мешать зрителю в восприятии способа самовыражения Ротко, в поиске которого художник прошел долгую и трудную дорогу.

Поиск своего пути

Маркус Яковлевич Роткович появился на свет в 1903 году в городке Двинске Витебской губернии (ныне латвийский Даугавпилс). Через 10 лет его семья эмигрировала в Америку, и ему пришлось пройти через многие жизненные испытания. Он не сразу нашел свой путь в жизни, случайно попав в художественную среду. В 30-40-х годах прошлого века именно США стали центром развития авангардного искусства – сюда были вытеснены абстракционисты из тоталитарных государств Европы.

В 1938 году художник принял имя Ротко Марк. Картины того периода он создавал под влиянием кубофутуриста Марка Вебера (1881-1961) и сюрреалиста Аршиля Горки (1904-1948). Поиск своего пути занял у Ротко долгое время. Он прошел периоды увлечения и фигуративной живописью: писал портреты и городские пейзажи («Женщина за шитьем»,1935 г., «В подземке», 1938). Сюрреалистические мотивы в его творчестве усиливались от увлечения новыми философскими идеями: интереса к бессознательному, к внутреннему миру отдельного индивидуума, к автоматизму выражения эмоций и впечатлений.

Сначала эпоха Великой депрессии, затем предчувствие новой мировой войны создали в обществе атмосферу, в которой терялись традиционные ориентиры. Художник ищет опору в мифологических сюжетах («Антигона», 1941, «Иерархические птицы», 1945), а затем приходит к абсолютно беспредметной живописи.

С начала 50-х окончательно формируется такой художественный феномен, как Ротко. Марк, картины которого представляли собой два или три параллельно расположенных прямоугольника, нашел свою дорогу. Живопись цветного поля – такое определение нашли критики для метода Ротко.

Простая форма для сложных идей

Художник сам не любил объяснять свои картины и не терпел, когда это делали другие. Он не пытался раскрывать замысел словами, поэтому в музейных залах, где представлен Марк Ротко – картины с названиями в виде порядкового номера и даты создания.

Он не мог принять, когда его называли абстракционистом, потому что считал свои картины отражением реальной жизни, живыми организмами, ищущими контакта со зрителем.

Отрицательно он относился к мнению о себе, как художнике – «колористе», хотя всегда тщательно работал с цветом, даже вручную растирал пигменты, добиваясь нужного колера и консистенции. Более важным он считал соотношения масс и объемов тех блоков, что составляли его композиции.

Картина как театр

В юности Ротко хотел серьезно заниматься драматическим искусством и едва не поступил на актерские курсы. Свои композиции он часто называл драмами, и их легко представить сценическими декорациями. Этим можно объяснить ещё один аспект влияния картин Ротко на зрителей.

Многие отмечают необыкновенное вовлечение в пространство живописи. Для экспозиции своих работ художник выбирал неяркий искусственный свет, почти полумрак. А расстояние, с которого он рекомендовал смотреть на картину, Ротко определял в 18 дюймов (45 см). Учитывая визуальную вибрацию границы цветных блоков, неоднородность красочного покрытия (подчас многослойного), можно объяснить возникновение движения вглубь пространства картины, рождающее дополнительные яркие эмоции.

Капелла Ротко

Насколько важны были для художника организация пространства картины и способы восприятия его живописи, можно понять из истории его работы над оформлением капеллы церкви при Институте религии в Хьюстоне. Огромные панно, написанные для капеллы, расположены в помещении, спроектированном с учетом пожеланий Ротко. Марк, картины которого в данном случае почти монохромны, участвовал в разработке дизайна и освещения зала.

Церковь, частью которой стала капелла, не относится к конкретной религии и посвящена Богу. Медитативная, отстраненная от мирского атмосфера наполняет восьмигранный зал с источником света, расположенным в куполе. В этом зале и разместил Марк Ротко картины. Фото показывает, какое сильное впечатление оказывает такая экспозиция.

Долгий путь к признанию

Личные жизненные обстоятельства художника не были легкими. Долгие годы бедности, неверие самых близких людей в его талант сильно влияли на него, поэтому творчество Марка Ротко трудно назвать оптимистическим. Даже композиции из блоков ярких и теплых цветов вызывают сильные драматические эмоции. Выражение трагизма в жизни общества и каждого индивидуума называют главной темой художника.

Смерть как последняя картина

В конце 60-х пришли слава, деньги, но навалились болезни, семейные неурядицы. 25 февраля 1970 года художник покончил с собой, вскрыв вены. Марк Ротко — картины, фото с ним заполнили все газеты и журналы — поставил подпись под последним своим произведением…

Говорят, что он не мог представить, как его картины покупают просто для декорирования интерьера. Проработав два года над заказом для самого дорогого ресторана в Нью-Йорке, Ротко вернул аванс и отказался от работы, когда представил жующих богачей, бросающих взгляд на его панно.

Лучшие мировые коллекции современного искусства нельзя представить без картин, которые написал Марк Ротко. «Оранжевое, красное, желтое», «Белый центр» — за эти картины заплачены на аукционах немыслимые миллионы долларов. Эти цифры особенно будоражат обывателей, видящих только неровно закрашенные пятна, не утруждающих себя сделать шаг навстречу новым идеям и эмоциям. А сколько стоит свобода, сколько стоит душевная боль человека и художника?

интервью с художницей-экспрессионисткой Ольгой Чекотовской

Идеи досуга /  Искусство

Экспрессионизм – это направление в искусстве, которое возникло в начале ХХ столетия. Термин происходит от латинского слова «expressio» – выражение. Выражение эмоций автора. Художник-экспрессионист рисует не то что он видит, а то, как он чувствует. Часто картины этого стиля преувеличивают все вокруг. Или же наоборот – упрощают. Все зависит от состояния автора, его эмоций в момент написания картины.

Картины в стиле экспрессионизм

Также к стилю экспрессионизм относятся полотна Винсента Ван Гога. «Звездная ночь» передает эмоцию восторга. Желтые звезды похожи на яркие вспышки на фоне синего неба. На картине мы видим движение – ведь чувства то вспыхивают, то угасают.

Красный и желтый – одни из любимых цветов у экспрессионистов. И в наше время многие художники продолжают традицию экспрессионизма, создавая удивительно эмоциональные картины. Вашему вниманию предлагается интервью с талантливой современной художницей Ольгой Чекотовской.

Художница работает с живописью, фотографией, объектами. Ее картина, написанная в стиле абстрактного экспрессионизма, называется «Собрать все». Она была создана за одну ночь, единым порывом.

Интервью с Ольгой Чекотовской

– Здесь, пожалуй, стоит рассказать об истории создания. У меня было большое полотно, где-то 1,5 на 2 метра. Обычно я с такими размерами не работаю, но на этот раз решила поэкспериментировать. Но полотно стояло без дела достаточно долго. Параллельно я обдумывала идею о состоянии напряженности, о засилии насилия и крови в современном, казалось бы, благополучном мире айфонов и интернета. Такой цивилизационный абсурд с тысячами человеческих жертв. Это общественный аспект этой работы. На личном уровне это работа о потере дорогого человека и о привыкании к новому положению вещей. Попытка заполнить пустоту. Таким образом, работа имеет несколько измерений.
 
В тот момент, когда идея была окончательно оформлена, я заполнила полотно краской. Но я чувствовала, что оно было незавершенным. Так и стояло несколько месяцев. В какой-то момент я поняла, что дело в размере: он не отвечал тем эмоциям, которые были главными для этой работы. И я разорвала полотно на 13 кусков, 13 состояний, которые в той или иной степени отражают весь тот водоворот событий и чувств, которые случились со мной и миром за последние два года. Эта картина – лишь один фрагмент. Состояние напряженной тишины.

Вот так выглядели эскизы картины.

– Расскажите о названии. «Собрать все» – что имеется в виду под таким обобщением, как «все»?

– Как уже было сказано, работа состоит из 13-ти отдельных полотен, которые образовались в результате разрыва большого полотна. Это, так сказать, мир человека, который, из-за определенных событий, распадается на кусочки, а потом человек пытается это все собрать в кучу. Вернуться к нормальной жизни. Таким образом, «все» – это внутренний мир человека, который состоит из воспоминаний, ощущений, травм, радостей и трагедий, иногда даже из звуков, запахов, прикосновений. И в течение своей жизни мы находимся в непрерывном процессе сбора и сшивания нового себя. Мне кажется, человек не может быть определен раз и навсегда, он постоянно меняется, приобретает новые черты, как будто пришивает к себе новые куски своего опыта.

– Почему именно полотно, а не просто краска на бумаге? Почему полотно именно такого цвета?

– В тот момент живопись на полотне казалась мне лучшим способом передать идею. Желтый цвет для меня это цвет жизни, солнечного света, который, по сути, и оживляет природу. Без солнца все погибнет. Красный банально ассоциируется с кровью. Но на тот момент смерти стало так много, что я видела только красное. Так они и встретились – жизнь и смерть, два события, которые определяют жизнь любого человека, и на которые, зачастую, не слишком обращают внимание за повседневным бытом.

– Какие ваши любимые художники?

– Когда-то почувствовала настоящий катарсис у картины Винсента Ван Гога «Стул Ван Гога» в Национальной галерее в Лондоне. Я очень люблю Ван Гога за его цвет, грубость и жизненность. В его работах много жизни и много одиночества, а это трогает сильнее всего.

В свое время очень поразил Ансельм Кифер, он для меня абсолютно космический, как будто в его работы можно поместить целую Вселенную.

Очень личностные для меня работы Альберто Бурри, поражает его работа с материалом, он очень четко выражает какое-тоособое внутреннее состояние человека.

Люблю Дэвида Хокни за его пейзажи, Энди Голдзуорти за тонкий и чистый ленд-арт.

Конечно, список можно продолжать, меня многое вдохновляет, многое нравится в истории искусства. В каждом направлении можно найти интересных художников. Сейчас есть возможность посещать европейские музеи и галереи, это бесценный опыт.

Картина «Собрать все» напомнила абстракцию «Красный квадрат» Малевича. Поэтому следующий вопрос к художнице был про него.

– Как относитесь к творчеству Малевича?

– Без сомнения, Малевич – выдающийся художник, который перевернул представление о живописи. К сожалению, люди, не связанные с искусством, несколько пренебрежительно относится к этому художнику, что связано с навязыванием советской властью мысли, что абстракция – это плохо и это не искусство вообще. Такой стереотип преодолеть очень трудно.
 
Как пример я всегда использую работы Малевича крестьянского цикла. Моя любимая «На жатву. Марфа и Ванька». В ней очень много цвета и внутреннего напряжения. С первого взгляда она статична, но еще мгновение – и мы увидим движение. Людям, далеким от художественных теорий, это более близко, и они начинают немного лучше понимать этот злополучный «Черный квадрат».

Малевич – это не только квадрат, крест и треугольник. Его творчество шире и интереснее. Мне кажется, что следует обратиться и к другим произведениям нашего выдающегося соотечественника.

– Что для вас искусство?

– Для меня искусство – это постоянное открытие себя и мира. Возможность признаваться в своих слабостях, возможность приобретать новую силу, говорить с миром откровенно на любые темы. Каждый художник сам выбирает, так сказать, тему разговора. Главное — говорить искренне, тогда ты обязательно найдешь того, кто тебя услышит.
 
Например, мое искусство о том, как в этом мире одновременно бесконечно красиво и болезненно. Это то, о чем сейчас хочется говорить, возможно, со временем все изменится.

Мир вокруг вдохновляет художников на новые шедевры. Смотрите вокруг, чувствуйте и восхищайтесь. Ведь каждый из нас – в душе экспрессионист!

Известные картины экспрессионизма. Знакомство с лучшим экспрессионистским искусством

Известные произведения экспрессионизма почитаются в истории искусства, прежде всего благодаря таинственным личностям, возникшим из этого движения в начале 20-го века. Экспрессионистские картины — это очень интимные и личные изображения того, что создатель наблюдает в окружающем мире. Экспрессивное искусство отличается широкими мазками, яркими цветовыми всплесками и абстрактными формами. Вместо того, чтобы изображать реальную действительность, он стремился передать ее выразительно.

Table of Contents

• 1 An Introduction to Famous Expressionism Artworks
• 2 Famous Expressionism Paintings
  • 2.1 The Scream (1893) by Edvard Munch
  • 2.2 Hans Tietze and Erica Tietze-Conrat (1909) by Oskar Kokoschka
  • 2.3 Большие синие лошади (1911) Франца Марка
  • 2. 4 Ночные дома (1912) Карла Шмидта-Ротлуфа
  • 2.5 Street, Berlin (1913) Эрнста Людвига Кирхнера
  • 2.6 Велосипедист (1913) Наталья Гончарова
  • 2.7 Сидящая женщина с вытянутыми вверх ногами (1917) Эгон Шиле
  • 2.8 Портрет мужчины (ок. 1918) Эрих Хеккель
  • 2.9 Сумасшедшая (1920) Хаим Сутин
  2.1009 Гарольд Розенберг (1956) Элейн де Кунинг
• 3 Часто задаваемые вопросы
  • 3.1 Откуда взялся термин «произведение экспрессионизма»?
  • 3.2 Что было уникальным в известном искусстве экспрессионизма?
  • 3.3 Что такое Der Blaue Reiter?

Знакомство с известными произведениями экспрессионизма

Сдвиги в творческих методах и видении произошли в Европе в начале века в ответ на огромные социальные изменения. Новые технологии и серьезные усилия по модернизации изменили мировоззрение людей, и художники представили когнитивный эффект этих изменений, отойдя от буквального описания того, что они наблюдали, и в большей степени к психологической и эмоциональной интерпретации того, как окружающая среда повлияла на них через их экспрессивные произведения искусства.

Считается, что слово «экспрессионизм» произошло от историка искусства Антонина Матейчека, который создал этот термин для обозначения полной противоположности импрессионизму.

Хотя импрессионисты использовали для передачи величия творения и физического тела, художники-экспрессионисты, по словам Матейчека, использовали краску для передачи исключительно внутренней жизни, часто через изображение брутального и сурового темы. Однако следует подчеркнуть, что ни Die Brücke, ни связанные с ним поддвижения никогда не идентифицировались как создатели экспрессионистских картин, и что этот термин широко использовался в начале века для описания ряда жанров, даже постимпрессионизма.

Афиша Эрнста Людвига Кирхнера для выставки группы художников «Мертвые» в галерее Арнольд в Дрездене, 1910 г.; Эрнст Людвиг Кирхнер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Известные картины экспрессионизма

Выразительное искусство может быть чрезвычайно широким и сложным для определения. Он охватывает несколько наций, методов, идеологий и периодов времени. Таким образом, произведения экспрессионизма характеризовались скорее как средство коммуникации и социологической рефлексии, чем как система стилистических идеалов. Ниже приведены десять известных картин экспрессионизма, которые иллюстрируют выразительный и живой характер того периода.

«Крик » — это, по сути, личная и выразительная работа, основанная на реальной встрече Мунка с пронзительным криком, пронзающим окружающую среду во время прогулки после того, как двое его друзей, показанные на расстоянии, покинули его.

Мунк изображает шум таким образом, что, если его довести до крайности, он может разрушить личный характер, отражая реальность того, что шум должен был быть испытан в тот момент, когда его психика была в нестабильном состоянии.

Стремительные изгибы символизируют субъективный логический сплав, навязанный природе, в котором многообразие деталей сливается в единое целое органического вдохновения с женственными оттенками. Однако человечество есть составная часть природного мира, и включение в такую ​​целостность уничтожает индивидуальность.

Крик (1910) Эдварда Мунка; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Начиная примерно с этого периода Мунк начал включать эти темы в несколько своих картин, хотя и только в ограниченных или измененных формах. Однако, показывая свои собственные ужасные переживания, он позволил главному персонажу исказиться своим субъективным взглядом на течение природы; Крик можно понять как отражение страданий этого объединяющего фактора, стирающего человеческую идентичность.

Важно отметить, что несмотря на то, что главный герой основан на Мунк, он не имеет сходства ни с ним, ни с кем-либо еще.

Несколько факторов свидетельствуют о том, что Мунк хорошо осознавал опасность такой работы для художников с нарушениями, таких как он сам. Он быстро отказался от этого подхода и редко, если вообще когда-либо, снова подвергал переднюю фигуру такой крайней и методичной деформации.

Ганс и Эрика Титце, венские искусствоведы, заказали 23-летнему Кокошке создать свадебную картину для их мантии в 1909. Г-жа Титце отметила, что она и ее супруг были сделаны отдельно, о чем свидетельствуют их разные взгляды и взгляды. Кокошка использовал тонкие слои цвета, чтобы создать туманную среду, окутывающую влюбленных, а затем царапал цвет кончиками пальцев, чтобы передать ощущение обжигающего возбуждения. Титце продали эту картину музею в 1939 году, всего через год после того, как пара переехала в Нью-Йорк. Титце были известными искусствоведами.

Внимание Кокошки к их беспокойным, нежным рукам намекает на характеры этих двоих, которые художник определил как «замкнутые личности, полные напряжения».

В свое время Титце были выдающимися общественными деятелями и искусствоведами, но Кокошка игнорирует их публичные личности, чтобы обнаружить тонкую чувствительность в их личных связях. Эрика смотрит на нас; Ганс смотрит на ее руку и указывает на нее, не достигая ее, образуя кривую своими руками, а также ее рукой, которая прерывается на вершине тонким пространством, метафизическим разрядом энергии.

Дуэт возникает из блестящей основы красновато-коричневых и темно-синих оттенков, где их контуры, кажется, сливаются в пятна. Потертости на более тонком масле, нанесенные ногтями дизайнера, создают узор из эфирных полуотметок, окружающих персонажей, слабую ауру сверкающей интенсивности.

Кокошка вместе со своим венским коллегой Эгоном Шиле попытался превзойти схоластические условности с помощью искусства физической и эмоциональной непосредственности – «изображать образ живых людей».

Это экспрессионистское произведение искусства, на котором изображены три ярко раскрашенных синих коня, смотрящих вниз на холмистые холмы красного цвета, отличается использованием основных цветов, ясностью и сильным чувством эмоций. Очень простые и изогнутые формы лошадей повторяются в узорах окружающей местности, объединяя существ и образуя мощное и привлекательное динамичное целое. Изогнутые линии, используемые для иллюстрации темы, должны выражать «ощущение гармонии, спокойствия и симметрии» в духовно первозданном мире дикой природы, и такое наблюдение позволяет людям разделять эти гармоничные отношения.

Марк приписывал цветам, которые он использовал в своем искусстве, психологическое или эмоциональное значение или намерение: синий символизировал мужское начало и божественность, желтый символизировал женское наслаждение, а красный заключал в себе шум жестокости.

Большие синие лошади (1911) Франца Марка; Franz Marc, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Марк использовал синий цвет, чтобы символизировать мистицизм во всей своей профессии, и считается, что его выбор яркого оттенка был попыткой отвергнуть физический мир, чтобы создать метафизическое или трансцендентное ядро. . Это одна из первых крупных работ художника, изображающих животных, и самая заметная в его коллекции портретов лошадей разных оттенков. Жан Блоэ Нистле, швейцарский художник, подтолкнул Марка к «инкапсулированию души существа».

Ощущение, создаваемое предметом, по мнению Франца Марка, важнее зоологической правильности.

Шмидт-Ротлуф приехал в Берлин после того, как стал одним из основателей дрезденской Die Brücke, где он создал это абстрактное изображение ряда домов. Строения раскачиваются под странными углами над призрачно пустынной улицей, символизируя изоляцию современного столичного общества. Несмотря на то, что Шмидт-Ротлуф создал «Ночные дома», влияние ксилографии очевидно; абстрактные, минималистичные формы имеют четкий и визуальный аспект, сравнимый с многочисленными печатными работами создателя.

Яркие цвета дополняют грубые контуры холста, наполняя изображение скрытым ощущением дискомфорта и странности.

Постоянное беспокойство было сердцевиной современной столичной жизни. Для экспрессионистов всепроникающее беспокойство составляло ядро ​​современной столичной вселенной. Авангардный взгляд создателя на уличную сцену был подчеркнут использованием резких форм и блестящих, кислотных цветовых схем. Выступающие угловатые узоры на этой картинке напоминают озадачивающие конструкции наборов для Кабинет доктора Калигари , известный экспрессионистский фильм, созданный восемью годами позже.

Роберт Вине, режиссер фильма, использовал искаженную точку зрения экспрессионистов, чтобы изобразить страх деревни, терзаемой убийцей.

Киршнер показывает шумную городскую сцену с мужчинами и людьми, идущими по дороге. Киршнер изображает двух дам спереди, и их формы занимают значительную часть работы, делая их центральным элементом картины. Дама слева одета в фиолетовое платье, ярко контрастирующее с преимущественно черной одеждой мужчин, окружающих дуэт. Самцы на заднем плане лишены отличительных характеристик и кажутся точной копией друг друга.

Их одежда сливается друг с другом, а их неразличимые черты лица притягивают вас, поскольку только они двое обладают ощущением индивидуальности.

Киршнер использовала в этой картине некоторые ненатуралистические цвета, такие как плоть персонажей, которая меняет цвет между оранжевым и розоватым, а также розовые и голубые оттенки в окружающей среде. Ненатуралистические качества преобладают в немецком экспрессионизме и других его работах того времени. Мазки Киршнера свободны и прозрачны.

Street, Berlin (1913) Эрнста Людвига Кирхнера; Ernst Ludwig Kirchner, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Мазки кисти создают ощущение движения, добавляя ощущение загруженности уличному пейзажу. Наклон перспективы вниз и контрастные диагональные линии в мазках создают деформацию и ощущение движения. Люди на дороге обращаются к наблюдателю так, как будто они собираются вытечь из картины, а затем в ваше окружение. Это художественное решение также сближает вас с дамами и одновременно отдаляет от безликих мужских персонажей вдалеке.

Принципы экспрессионизма в немецкой живописи восходят к Грюневальду и Кандинскому, а Кирхнер расширяет понятие драматических мазков и движения в своих работах.

Велосипед мчится по мощеной дороге перед современным коммерческим шоссе с рекламой и дорожными знаками. Байкер разгоняется, остроконечная рабочая фуражка превращает его лоб в круглую форму, как булыжник на улице. Его скромная кепка контрастирует с блестящим черным котелком, величайшим признаком модной аристократии, а надпись в той же последней части играет на языке.

Цилиндр отражает изгиб и служит одной из букв в слове «шляпа» на русском языке.

Велосипедист (1913) Натальи Гончаровой; Наталья Гончарова, общественное достояние, с Wikimedia Commons

Художник продублировал ноги, ступни и туловище байкера, а также шасси и шины велосипеда, чтобы представить не только скорость движения, но и колебания вверх-вниз. шины ударяются о мощеные улицы. Русские символы, обозначающие «шелк», «шапка» и «нитка», могут намекать на концептуальный дизайн создателя и опыт работы с тканями.

Кроме того, отчетливо видимая одиночная буква «Я», которая по-русски означает «я», является формой подписи создателя.

Использование оранжевых и зеленых оттенков создает эффектное сочетание, придающее этому произведению выразительность. Фон для этого изображения довольно спокоен и близок художнику, позволяя нам заглянуть в его личные дела. Эдит сидит на земле, лениво расслабляясь. В этот период Эгон создал ряд портретов в удобных позах.

За свою жизнь Шиле создал множество чувственных произведений искусства, но в данном случае он решил полностью одеть свою супругу.

Это, скорее всего, связано с частым вмешательством в его работы — например, он несколько раз попадал в тюрьму по обвинению в людных картинах. Ужасно, что любому художнику могут так помешать, но Шиле не улучшил своего положения, часто связывая себя с женщинами в подростковом возрасте, что определенно подогревало слухи о его личной жизни.

Сидящая женщина с согнутыми коленями (Адель Хермс) (1917) Эгона Шиле; Эгон Шиле, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Шиле был превосходным рисовальщиком, который сначала выкладывал формы своих портретных объектов, прежде чем добавлять цвет, чтобы закончить изображение. В этом примере он выбирает более разнообразную палитру, чем обычно, включая черный оттенок, а также синий, зеленый и оранжевый цвета. Его жена сидит на земле, положив голову на колено, и смотрит на него бесстрашным взглядом. Художнику нравилось сгибать свои фигуры во всевозможные странные положения, и он нечасто использовал более стандартные портретные установки.

Это был один из примеров того, как его работа была совершенно современной, и она вдохновила многих других в первой половине 20-го века.

Хеккель был художником-основателем художественного движения, известного как Die Brücke, зародившегося в Дрездене в 1905 году. и новый. Печать на дереве имеет в Германии богатые традиции, восходящие к 15 веку; Хеккель и его сотрудники в Die Brücke возродили этот метод, создав огромное количество гравюр на дереве.

Хеккель много работал с ксилографией и был привлечен к этому методу из-за его чистой эмоциональности и строгого внешнего вида, а также его исторической немецкой родословной.

Мужской портрет (ок. 1918 г.) Эриха Хеккеля; Clark Art Institute, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В то время как многие работы Хеккеля изображают нудизм и виды на город, этот грустный автопортрет 1919 года берет более созерцательную тему. Изможденное лицо модели, деформированная челюсть и усталые глаза, как бы вяло смотрящие в горизонт, подчеркивают умственное, эмоциональное и телесное истощение человека. Вместо того, чтобы создавать реалистичный автопортрет, Хеккель выражает общее отношение своего периода, а также общественную усталость своего дня, которые являются распространенными темами в известных картинах экспрессионизма.

Эрих Хеккель воплощает свой измученный образ в трагедиях военного периода и неопределенности послевоенной эпохи.

Несмотря на то, что композиции фигур Сутина, как и его изображения на другие темы, отмечены очень искаженными, агрессивными мазками и резкими цветовыми контрастами, они необычайно искусны в изображении уникальности и индивидуальности своих персонажей. Его портреты включают хрупкого подростка, загорелое лицо жены фермера, надменную даму из аристократии и испуганную горничную. Широко раскрытые глаза, сморщенное лицо, неловко сжатые руки и плечи и безумно неопрятная прическа в «Безумной женщине» — все это способствует странной атмосфере произведения.

Малиновое платье женщины и грубые мазки дополняют общий образ.

По сравнению с Шагалом, который также вырос в еврейском квартале, и тоской Шагала по своей расе и родине, Сутин всегда злился в своем изображении взрывающейся жестокости планеты, вероятно, из-за сформированного менталитета преследуемых о его детской нищете и тирании. Его фигурные композиции предвосхищают композиции Фрэнсиса Бэкона, который представлял «Человечество в нищете собственного положения».

Сутинское искажение элементов до тех пор, пока они сами не стали темой, послужило образцом для Жана Фотрие, известного художника-формалиста.

Гарольд Розенберг (1906–1978), искусствовед и поэт, был наиболее известен своей диссертацией The American Action Painters (1952), в которой он выступал за абстрактное искусство, особенно за Виллема де Кунинга. .

Он согласился с палитрой художника «вместо места, в котором можно копировать, переделывать, оценивать или «передавать» реальный или предполагаемый предмет. То, что должно было быть изображено на картине, было не изображением, а скорее опытом».

Розенберг и его жена Мэри Табак были друзьями де Кунингов с 1940-х годов, и Элейн несколько раз изображала и иллюстрировала его. Это самое большое и сложное произведение искусства, изображающее рецензента, растянувшегося в своей мастерской, закрывающего картину с напитком в одной руке и сигарой в другой. Элейн создала баланс между человеческим сходством и чистой абстракцией, сочетая плавные наброски с темными цветами и смелыми участками блестящих пигментов.

Знаменитые экспрессионистские картины появились во многих городах Германии в то же время, как реакция на широкое беспокойство по поводу все более диссонирующей связи человечества с землей, а также связанные с этим утраченные чувства целостности и души. Появление произведений экспрессионизма сигнализировало об установлении новых норм в производстве и оценке искусства. Выразительное искусство теперь должно было возникнуть внутри создателя, а не из описания внешней визуальной среды, и критерием оценки ценности произведения искусства стала природа эмоций создателя, а не проверка аранжировки.

Взгляните на нашу веб-историю картин экспрессионистов здесь!

Часто задаваемые вопросы

Откуда взялся термин «произведение экспрессионизма»?

Антонину Матейчеку приписывают введение термина «экспрессионизм». Он был историком искусства, который придумал это слово для описания полной противоположности импрессионизму. Хотя импрессионисты использовали краску для изображения величия творения и физического тела, художники экспрессионистских картин, по словам Матейчека, использовали краску для передачи только внутренней жизни, обычно через изображение насилия и суровых вещей.

В чем уникальность знаменитого экспрессионизма?

В отличие от буколических декораций импрессионизма и научных эскизов неоклассицизма, художники Die Brücke использовали деформированные формы и диссонирующие, искусственные цвета, чтобы вызвать эмоциональную реакцию аудитории. Минималистская и первобытная эстетика также объединила группу. Это было возрождением древних средств и средневекового европейского искусства с использованием визуальных методов, таких как ксилография, для создания грубых зубчатых форм.

Что такое Der Blaue Reiter?

Группа художников, сформировавших Der Blaue Reiter, отдавала предпочтение абстракциям, образному содержанию и духовным коннотациям. Они пытались изобразить ментальные аспекты существования с помощью в основном символических и ярких изображений. Их название было навеяно изображением коня и всадника из одной из работ Василия Кандинского .

Художники-экспрессионисты — известные художники экспрессионистского движения

Возникшее после Второй мировой войны движение экспрессионизма начало появляться в различных городах Германии в ответ на произошедшие зверства. Художественное движение рассматривалось как точная реакция на обширную и растущую тревогу, окружающую все более жесткие отношения человечества с миром после войны. Как форма искусства начала 20-го века экспрессионизм развивался как мощный способ социальной критики, полный эмоций. Ниже мы рассмотрим некоторых из самых важных художников-экспрессионистов всех времен.

Содержание

• 1 Что такое экспрессионистское искусство?
  • 1,1 Немецкий экспрессионизм
  • 1.2 Аннотация экспрессионизма
• 2 Наши 10 самых известных художников экспрессионистов
  • 2.1 Хелен Шьерфбек (1862 — 1946)
  • 2,2 Эдвард Мунк (1863 — 1944)
  • 2,3. )
  • 2,4 Франц Марк (1880 – 1916)
  • 2,5 Эрнст Людвиг Кирхнер (1880 – 1938)
  • 2,6 Карл Шмидт-Ротлуф (1884 – 1919)76)
  • 2,7 Эгон Шиле (1890 — 1918)
  • 2.8 Джанет Собел (1893 — 1968)
  • 2,9 Клиффорд Стил (1904 — 1980)
  • 2,10 Джексон Поллок (1912 — 1956)
• 3 часто часто часто посещают вопросы.
  • 3.1 Движение экспрессионизма включало только картины?
  • 3.2 Какие темы стремилось исследовать экспрессионистское искусство?
  • 3.3 Кто другие известные художники-экспрессионисты?

Что такое экспрессионистское искусство?

На протяжении примерно 15 лет, с 1905 по 1920 год, движение экспрессионизма развивалось преимущественно в Европе. Германия оказалась преобладающей страной происхождения, поскольку большинство самых известных художников-экспрессионистов были немцами. Однако Австрия и Франция также были ключевыми регионами, где развивалось экспрессионистское искусство, где исследовались различные темы, такие как личность, психика и сексуальность.

Все художники экспрессионизма, независимо от их национальности, стремились выразить эмоциональные переживания, а не физическую реальность.

Storm (1915) Илмари Аалто;  EMMA — Музей современного искусства Эспоо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Как следует из названия, термин «экспрессионизм» использовался для обозначения картин, демонстрирующих невероятно личное и субъективное представление о том, что художники воспринимали в мире. вокруг них после окончания Второй мировой войны. Подстегиваемый неповиновением буржуазной культуре и страстным поиском свежего творчества, экспрессионизм использовал преувеличенные и преувеличенные цвета, которые адекватно передавали сильные эмоции, переживаемые художниками.

Экспрессионистское искусство отличалось широкими мазками, яркими всплесками цвета и чрезвычайно абстрактными стилями. Общая цель движения заключалась в том, чтобы художники выражали свои чувства к своей новой реальности, а не просто изображали свою физическую реальность такой, какой она была.

Из-за этого движение экспрессионизма оказалось трудным для точного определения, поскольку оно охватило множество разных стран, которые все привязывали свои собственные средства, мысли и понимание к художественному стилю.

Немецкий экспрессионизм

Наиболее заметной формой развития экспрессионизма был немецкий экспрессионизм. Возникнув в начале 20 ^-го -го века в Германии, отсюда и название, этот художественный стиль состоял из двух групп, известных как Die Brücke и Der Blaue Reiter. Художники, возглавлявшие и участвовавшие в каждой группе, впоследствии стали известны как культовые немецкие художники-экспрессионисты, и об их культовых картинах говорят до сих пор.

Die Brücke возник в Дрездене в 1905 году как нетрадиционный коллектив художников, стремящихся выразить свое отвращение к буржуазному общественному порядку, правившему в Германии.

KG Афиша выставки Брюке галереи Арнольд в Дрездене, 1910 г.; Эрнст Людвиг Кирхнер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Членами-основателями были Карл Шмидт-Ротлуф, Эрнст Людвиг Кирхнер , Фриц Блейл и Эрих Хеккель. Несмотря на то, что ни один из этих артистов не получил формальное искусство образование, они создали одни из самых знаковых картин эпохи немецкого экспрессионизма. Их имя, которое переводится как «мост», отражало их стремление соединить прошлое и настоящее.

Der Blaue Reiter был основан знаменитыми художниками Василием Кандинским и Францем Марком в 1911 году и считался фундаментальным дополнением к движению экспрессионизма.

Художники, работающие в этой группе, разрушили границы между разными видами искусства, благодаря чему была достигнута безудержная свобода самовыражения. Название группы было взято из повторяющейся темы всадника верхом на картинах Кандинского того времени, а также из любви его и Марка к синему цвету, который, по их мнению, обладал духовными характеристиками.

Абстрактный экспрессионизм

Возникнув как движение после Второй мировой войны в Соединенных Штатах между 1940-ми и 1950-ми годами, Абстрактный экспрессионизм существовал как американская версия немецкого экспрессионизма. Будучи первым явно американским художественным движением, получившим международную известность, абстрактный экспрессионизм превратил Нью-Йорк в бьющееся сердце западного мира искусства.

По сути, это движение существовало как движение, заимствовавшее идеи из немецкого движения, а также из других европейских художественных стилей, таких как футуризм, синтетический кубизм и Баухаус.

Сегодня все еще существуют серьезные разногласия по поводу того, какие художники принадлежат к этому движению, поскольку в первые годы абстрактного экспрессионизма произошло много совпадений. Художники, которые действительно определили эту уникальную эстетику, считались первым поколением художников абстрактного экспрессионизма. Тем не менее, многие художники, которые, казалось бы, были забыты историей, наконец получили признание за их важный вклад в движение абстрактного экспрессионизма.

Нива здоровья (1944) Аршила Горки; Аршил Горки, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Наши 10 самых известных художников-экспрессионистов

Поскольку экспрессионизм оказался невероятно уважаемым и вызывающим восхищение движением в истории искусства, многие загадочные художники появились на сцене в начале 20 ^-го -го века. Поскольку само движение было настолько сложным и обширным, бесчисленное количество художников создавали множество картин в соответствии с идеей экспрессионизма, поскольку этот термин означал разные вещи в разное время. Благодаря этому экспрессионизм смог вместить широкий круг художников и их уникальные произведения.

Хотя ни один список никогда не будет адекватным, ниже мы рассмотрим 10 самых известных исполнителей.

Элен Шерфбек (1862 – 1946)

Одной из первых художниц, экспериментировавших с экспрессионистским искусством, была финская художница Хелен Шерфбек. В то время как она была в основном известна своими невероятными реалистическими картинами, которые включали автопортреты, натюрморты и пейзажи, Шерфбек играла с идеями экспрессионизма к концу своей карьеры, где она осталась в санатории. Эти работы оказались явно более жуткими, некоторые из ее самых известных картин, в том числе Девушка за чтением (1904 г.), Будильник (1935 г.) и Автопортрет (1942 г.).

Автопортрет (1942) Хелен Шерфбек;  Элен Шерфбек, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Шерфбек оказалась одной из немногих художниц своего поколения, которые смогли создать полнейшие шедевры в очень натуралистическом и импрессионистическом стиле, прежде чем переключиться на экспрессионизм. Ее способность создавать напряженное, но совершенно одинокое настроение в своих картинах, которое было наиболее заметно в ее поздних автопортретах, доказала ее потрясающие навыки рисования и портретирования.

Важнейшей темой, которая была видна в большинстве ее работ, были напряженные и взволнованные отношения, которые у нее были со своими моделями, будь то люди или просто декорации.

Фотография финской художницы Хелен Шерфбек, начало 1890-х гг.; Аноним Неизвестный автор / Centralarkivet for bildkonst, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ширфбек широко известна как собственный Эдварда Мунка из-за ее обращения к темам, связанным со смертью. Автопортреты Шерфбек оказались самыми обсуждаемыми. Поскольку они в основном были нарисованы незадолго до того, как она умерла от рака, она продемонстрировала понимание того, что человек состоит из всего, чем он когда-либо был.

Проще говоря, Шерфбек смогла уловить намеки на чистую молодость в старости, которую она изобразила на своих автопортретах, которые, как считалось, существуют как фантомы, предвещающие ее смерть.

Эдвард Мунк (1863–1944)

Норвежский художник и гравер Эдвард Мунк был одним из самых известных, но проблемных художников в мире искусства. Считающийся значительным и влиятельным художником эпохи модернизма, Мунк был важной частью символистского движения и работал пионером в развитии экспрессионистской живописи. Его самая выдающаяся работа из когда-либо созданных, которая считается одной из самых известных картин в мире, — это Крик (1893). Другие работы включают Больной ребенок (1885–1886) и Мадонна (1894–1895).

Крик (1893) Эдварда Мунка; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Мунк находился под сильным влиянием стилей импрессионизма и постимпрессионизма, а также произведений Винсента Ван Гога, Клода Моне и Поля Гогена. Его невероятно долгая карьера длилась почти 60 лет, и Мунк одержимо сосредоточился на темах, касающихся человеческой честности и добродетели. В связи с этим он исследовал проблемы постоянных болезней, сексуальной свободы и религиозных устремлений в многочисленных произведениях искусства, которые он создал.

Эти навязчивые идеи были выражены с помощью ярких цветов, полуабстракции и двусмысленных тем.

Норвежский художник Эдвард Мунк, 1933 год; Anders Beer Wilse, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Главной нитью в работах Мунка были открытые темы, которые он использовал, что добавляло загадочности его работам. Это привело к тому, что его картины приобрели качества психологического очарования, поскольку его произведения могли передать и утешить его и его зрителей эмоциональные и психические проблемы. «Крик » — отличный тому пример, поскольку он известен своей тоской и тревогой, которые вызывают у зрителей аналогичные эмоции.

Мунк на протяжении всей своей жизни страдал психическим заболеванием, которое явно повлияло на его работы через эмоциональные состояния, которые он изображал.

Василий Кандинский (1866 – 1944)

Пионером как абстрактного искусства, так и экспрессионизма был русский художник Василий Кандинский, который считал живопись чрезвычайно духовным занятием. Первоначально работавший юристом и экономистом, Кандинский вошел в мир искусства только в возрасте 30 лет, когда он начал рисовать этюды и зарисовывать анатомию и рисунки с натуры. Говорят, что его вклад в мир искусства помог преодолеть разрыв между постимпрессионизмом и экспрессионизмом. Его самые известные работы включают Der Blaue Reiter (1903 г.), Состав IV (1911 г.) и На белом II (1923 г.).

Композиция IV (1911) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Кандинский поселился в Мюнхене в конце 19 ^-го -го века, где он встретился и работал с некоторыми художниками, которые впоследствии стали знаковыми художниками-экспрессионистами. В 1911 году Кандинский вместе с другим художником Францем Марком основал группу Der Blaue Reiter, которая впоследствии стала одной из первых официальных групп художников-экспрессионистов.

Группа Der Blaue Reiter продемонстрировала переход Кандинского от импрессионизма к экспрессионизму, поскольку он использовал тяжелую и густую краску, яркие цвета и несколько резкие мазки в своих работах.

Портрет Василия Кандинского; 未知上傳者, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После прихода к власти нацистов незадолго до Второй мировой войны Кандинский переехал во Францию, где в 1939 году стал гражданином. Именно здесь он создал некоторые из своих самых известные и знаменитые произведения искусства когда-либо. В своих картинах Кандинский пытался передать глубокую духовность и человеческие эмоции с помощью всеобъемлющего визуального языка, состоящего из абстрактных форм и смелых цветов.

Это привело к тому, что его работы стали невероятно сказочными, что еще больше подчеркивалось его глубоко замысловатыми и вызывающими воспоминания изображениями.

Франц Марк (1880–1916)

Еще одним художником в списке важных художников-экспрессионистов, входивших в группу Der Blaue Reiter, был немецкий художник и гравер Франц Марк. Как другой основатель группы, наряду с Василием Кандинским, Марк сыграл решающую роль в общем развитии и появлении экспрессионистского художественного движения. Его зрелые работы в основном известны своими яркими цветами и изображениями животных. Некоторые из его известных работ включают «Синие лошади» (1911 г.), «Башня синих лошадей» (1913 г.) и «Судьба животных» (1913 г.).

Башня синих лошадей (1913) Франца Марка; Franz Marc, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картины Марка олицетворяли повышенную тревогу, которая ощущалась в начале 20 ^-го -го века в Европе, когда люди изо всех сил пытались примириться с быстро меняющимся городским миром, который был на грани война. На большинстве его картин были изображены животные, особенно лошади, из-за чего нацисты считали его работы «дегенеративными».

Несмотря на то, что почти все его работы были написаны во время Второй мировой войны, большинство из них пережило войну и сегодня выставлено по всему миру.

Франц Марк, 1910 г.; Неизвестный автор Неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Из своих произведений Марк был наиболее известен своими яркими изображениями лошадей, которые он использовал для передачи абстрактных, но серьезных сообщений о человечестве, мире природы и судьба человечества. Он придавал цветам глубокое эмоциональное и психологическое значение, а синий цвет использовался для обозначения мужественности и духовности. К сожалению, Марк погиб во время Первой мировой войны во время битвы при Вердене, когда ему было всего 36 лет.

Глядя на его картины, казалось, что он предвещает нисходящую спираль как Европы, так и своей собственной жизни.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938)

Важным членом-основателем движения экспрессионизма был немецкий художник Эрнст Людвиг Кирхнер, который был главной движущей силой в группе Die Brücke. Благодаря своему участию в этих экспрессионистах Кирхнер стал считаться одним из самых одаренных и значительных из всех немецких художников-экспрессионистов. Его самые знаменитые картины включают Street, Berlin (1913), Автопортрет в образе солдата (1915) и Davoser Café (1928).

Davoser Café (1928) Эрнста Людвига Кирхнера; Ernst Ludwig Kirchner, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картины Киршнера были невероятно сказочными благодаря использованным цветам и изображенным персонажам, поскольку он всегда рисовал свои предметы в мире страданий и замешательства. Он был вдохновлен теми же тревогами, которые охватили движение экспрессионизма в целом, демонстрируя опасения по поводу места человечества в современном мире, а также отсутствие чувства духовности и подлинности.

Это побудило его охарактеризовать свои работы яркими блоками чистого цвета, широкими и противоречивыми мазками, а также заостренными и угловатыми формами.

Эрнст Людвиг Кирхнер; Ernst Ludwig Kirchner, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Во время Второй мировой войны нацисты классифицировали его работы как «дегенеративные» вместе со многими другими художниками: более 600 его картин были разбиты или проданы. Это привело к тому, что в его личной жизни развился все возрастающий страх, который впоследствии перерос в депрессию.

Чувство замешательства, которое он испытывал в своей собственной жизни, можно было ясно увидеть в его хаотических работах, и это передавалось через внутреннее смятение, которое он переживал.

В 1938 году, живя в Швейцарии, Киршнер покончил жизнь самоубийством, когда ему было всего 58 лет. Однако в некоторых сообщениях до сих пор сомневаются, что это было самоубийство.

Карл Шмидт-Ротлуф (1884 – 1976)

Многие известные экспрессионисты приехали из Германии, и художник Карл Шмидт-Ротлуф не стал исключением. Как один из основателей группы Die Brücke, Шмидт-Ротлуф разделял со своими коллегами желание отбросить ограничивающие социальные правила того времени, а также традиционные эстетические обычаи и академическое обучение, которым обучали в художественных школах. Некоторые из его знаменитых картин Ночные дома (1912), Женщина с сумкой (1915) и Группа художников (1926-1927).

Группа художников (1926-1927) Карла Шмидта-Ротлуфа; Эрнст Людвиг Кирхнер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После помощи в создании группы Шмидт-Ротлуф переехал в Берлин, где продолжал рисовать в стиле Die Brücke, несмотря на то, что движение распалось вскоре после его переезда. Авангардные идеалы, которые он развивал в этой группе, оставались с ним на протяжении всей его карьеры, что можно увидеть в созданных им картинах. Несмотря на участие в Первой мировой войне на Восточном фронте с 1915 до 1918 года этот опыт никогда не влиял сильно на его картины.

После войны его карьера пошла вверх, и он стал добиваться значительных успехов.

Немецкий художник-фовист Карл Шмидт-Ротлуф, до 1920 г.; Неизвестный автор Неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Как и его коллеги-немецкие художники-экспрессионисты, картины Шмидта-Ротлуфа были отмечены нацистами как «дегенеративные» в преддверии Второй мировой войны. Его работы были изъяты из музеев, что побудило его помочь основать в Берлине музей, специально посвященный творчеству художников Die Brücke после окончания войны.

Первоначально изучив архитектуру, прежде чем обратиться к искусству, Шмидт-Ротлуф продолжал проявлять интерес к трехмерным формам, которые можно увидеть через нарисованные им угловатые и кубические формы.

Эгон Шиле (1890 – 1918)

Австрийский художник Эгон Шиле попал в список известных художников-экспрессионистов благодаря своему фирменному графическому стилю, который мгновенно узнаваем. Как протеже легендарного Густав Климт , Шиле был выдающимся фигуративным художником в начале 20 ^-го -го века. Несмотря на короткую жизнь и карьеру, Шиле запомнился своим важным вкладом в экспрессионистское искусство. Некоторые из его известных картин включают «Автопортрет с физалисом» (1912 г.), «Женщина в черных чулках» (1914 г.) и «Сидящая женщина с вытянутыми вверх ногами» (1917 г.).

Женщина в черных чулках (Валери Незил) (1913) Эгона Шиле;  Эгон Шиле, общественное достояние, через Wikimedia Commons

При рассмотрении картин Шиле сильные искажения фигуры и искривленные формы тела стали его наиболее характерными чертами. Это продемонстрировало его смелое сопротивление традиционным формам и стандартам красоты, поскольку Шиле старался максимально искривить свои фигуры, чтобы их присутствие стало более выразительным и значимым.

Его многочисленные портреты и автопортреты известны своей интенсивностью и грубой чувственностью, поскольку Шиле смог создать интенсивное исследование души и сексуальности как своей, так и своей модели.

Эгон Шиле, 1918 год; без указания авторства, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Несмотря на смерть в 28 лет от испанского гриппа, Шиле сделал для себя очень плодотворную, хотя и короткую карьеру. Он по-прежнему известен не только своими психологически и эротически нагруженными картинами, но и своей увлекательной жизнью. Он вел заведомо развратный образ жизни, отмеченный скандалами и позором. Шиле также умер всего через три дня после смерти своей беременной жены.

Хотя его образ жизни может быть сомнительным, безвременная смерть Шиле была позором, поскольку он был на пороге прибыльного успеха, который раньше избегал его карьеры.

Джанет Собель (1893–1968)

Одной из самых известных художниц абстрактного экспрессионизма была украинская американская художница Джанет Собель. Только начав свою карьеру в возрасте 45 лет, Собел была самой первой художницей, которая когда-либо использовала печально известную технику капельного полива, которая оказала влияние на великого Джексона Поллока, а также на плодовитого искусствоведа Клемента Гринберга. Хотя ее, к сожалению, игнорировали во время ее карьеры, Собель создавала произведения искусства, которые почитаются сегодня. Некоторые из них включают Неопалимая купина (1944), Млечный путь (1945) и Без названия (1946).

Родившись в Украине, но переехав в Америку в возрасте 15 лет, Собель вышла замуж за своего мужа, когда ей было всего 16 лет. После рождения детей Собель посвятила свою жизнь воспитанию детей и начала экспериментировать с искусством только в 1937 году. Первоначально она начала свою художественную карьеру с рисования абстракций и, в основном, фигуративных работ, пока ее сын не признал ее чистый талант и не помог ее дальнейшему художественному прогрессу.

К этому времени работами Собель делились с художниками-сюрреалистами Максом Эрнстом и Андре Бретоном, которые осознали ее истинный талант.

Посетив свою первую выставку, Гринберг отметила, что Собель показала первый тип «полных картин», которые когда-либо видели. После того, как она стала художницей, Собель развила культовую технику капель, которая впоследствии закрепила за Поллоком статус известного абстрактного экспрессиониста.

Несмотря на огромный вклад, который ее картины внесли в движение абстрактного экспрессионизма, Собель в значительной степени игнорировалась во время ее карьеры, поскольку в то время общество игнорировало женщин как способных создавать качественные произведения искусства.

Клиффорд Стилл (1904–1980)

Американский художник Клиффорд Стилл был практически неизвестен по сравнению со своими нью-йоркскими коллегами абстрактным экспрессионистом. Тем не менее, он считался самым талантливым участником движения абстрактного экспрессионизма, несмотря на ограниченное внимание. Стилл также был известен своим упрямым и бескомпромиссным отношением, из-за чего другие не хотели работать с ним или выставлять его искусство. Некоторые из его величайших картин включают 1948-C (1948), 1957-D-No. 1 (1957 г.) и Без названия (1974 г.).

Стиллу приписывают то, что он был одним из первых художников, прорвавшихся к новому и принципиально абстрактному стилю искусства, в котором полностью отсутствовал какой-либо явный предмет. В своей более поздней карьере Стилл сосредоточился на нанесении огромных пространств чистого цвета на свои холсты, которые пробуждали поразительные столкновения между человеком и природой, которые происходили в огромных масштабах.

Он описывал свои картины как следствие слияния жизни и смерти в ужасные союзы, которые он подчеркивал, добавляя к работе свои собственные мысли.

Будучи твердым сторонником моральной ценности искусства в запутанном и модернизирующемся мире, картины Стилла оказали влияние на второе поколение художников цветового поля. Центральная тема, которую можно увидеть во всех его произведениях, — это экзистенциальная борьба человеческого духа с силами природы. Несмотря на отсутствие идентичности в мире искусства, отказ Стилла принизить ценность своих работ за счет участия в выставках «низшего уровня» еще больше пошатнул его репутацию.

Избегая большей части мира искусства, это чудо, что его искусство вообще процветало.

Джексон Поллок (1912–1956)

Возможно, одним из самых известных когда-либо существовавших художников абстрактного экспрессионизма был американский художник Джексон Поллок, которого многие считают олицетворением всего движения. Прославившийся своими печально известными картинами капель после того, как он был вдохновлен работами Джанет Собель, Поллок работал над развитием своего стиля капания, разливания и разбрызгивания краски на холсты, казалось бы, случайными способами. Хотя большинство его картин хорошо известны, Номер 17А (1948), Осенний Ритм: Номер 30 (1950) и Конвергенция (1952) пользуются большим уважением.

Подпись Джексона Поллока; Connormah, JAckson Pollock, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Спорный художественный стиль Поллока стал предметом многих споров, и критики задавались вопросом, можно ли вообще рассматривать его капельные картины как искусство. В то время как его методы включали разбрызгивание краски палками и другими предметами для создания турбулентных вихрей цвета и линий, в статье Поллока в 1919 году был предложен ярлык «величайшего из ныне живущих художников в Соединенных Штатах».49.

Стиль живописи, который он разработал, означал, что он редко вступал в прямой контакт со своими холстами, так как он использовал свое тело без ограничений, чтобы создавать все, что он чувствовал в данный момент.

Портрет Джексона Поллока, 1928 год; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons

По сей день его коллекция капельных картин считается одним из самых оригинальных произведений века. Говорят, что жесткое воспитание Поллока на американском Западе превратило его в агрессивно уверенного в себе и напористого человека, которым он стал, а его личность медленно трансформировалась из-за растущего алкоголизма. Это привело к его смерти в 1956 лет, так как он погиб в автокатастрофе, управляя автомобилем в нетрезвом виде. Огромное значение Поллока было обусловлено его развитием одного из самых крайних абстрактных стилей в истории современного искусства.

Экспрессионистское искусство существовало как одно из самых влиятельных и значимых движений в эпоху современного искусства. Из экспрессионизма развились как немецкий экспрессионизм, так и абстрактный экспрессионизм, причем эти два движения оказались мощными стилями творчества. Из-за того, что стиль развивался в течение нескольких десятилетий, многие известные художники-экспрессионисты создали выдающиеся картины. Если вам понравилось узнавать о вышеупомянутых художниках, мы рекомендуем вам прочитать о многих других, которые также существовали и внесли значительный вклад в движение.

Часто задаваемые вопросы

Движение экспрессионизма включало только картины?

Как направление в искусстве, возникшее в начале 20 ^го века, экспрессионизм не ограничивался только картинами. В то время как большинство его самых знаковых работ являются картинами, стили движения экспрессионизма также использовались в литературе, музыке, театре и архитектуре в дополнение к изобразительному искусству. Общая цель художников-экспрессионистов, независимо от направления их работы, заключалась в том, чтобы выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность.

Какие темы стремились исследовать экспрессионисты?

Художники-экспрессионисты исследовали множество тем, тесно связанных с эмоциональными и духовными переживаниями. В связи с этим наиболее распространенными темами, которые затрагивались в экспрессионистском искусстве, были темы, касающиеся самого себя, разума и тела, чувственности, природы, духа, эмоций, увеличения и искажения реальности.

Кто другие известные художники-экспрессионисты?

Поскольку движение экспрессионизма было настолько широким, в нем участвовало много других художников, о которых мы не упоминали выше. Среди других художников-экспрессионистов, которые также прославились своими картинами, были Оскар Кокошка, Эмиль Нольде, Эрих Хеккель, Отто Дикс и Кете Кольвиц. Художниками, которые экспериментировали с экспрессионизмом, но были названы в основном постимпрессионистами и фовистами, были Винсент Ван Гог и Анри Матисс.

10 самых известных картин экспрессионистов

Экспрессионистское направление в искусстве возникло в северной части Европы в начале 20 века. Это одно из самых радикальных направлений современного искусства в истории.

Художники-экспрессионисты стремились изображать вещи такими, какими они их ощущали, а не такими, какими они представлялись всем. Этот субъективный элемент позволял им передавать свои собственные эмоции или идеи.

Движение возникло перед Первой мировой войной и оставалось популярным в Веймарской республике, название современной Германии между 1918 и 1933.

В Германии возникло множество ответвлений экспрессионизма, в том числе движения, известные как Die Brücke, Der Blaue Reiter, Берлинский сецессион и Дрезденский сецессион. Эти движения в совокупности называются «немецким экспрессионизмом».

Давайте подробнее рассмотрим некоторые из самых известных экспрессионистских картин в истории, произведения, созданные самыми известными художниками этого направления современного искусства.

1. Крик – Эдвард Мунк

• Дата создания: 1893
• Размеры: 91 x 73,5 см (35,8 x 28,9 дюймов)
• Местонахождение: Национальная галерея, Осло, Норвегия

Это также самая известная картина в творчестве Эдварда Мунка (1863-1944), человека, которого можно считать отцом-основателем экспрессионизма. На картине изображен вид на фьорд и холм недалеко от Осло. Есть 2 пастельные версии и 2 масляные версии этой работы, которые очень похожи друг на друга.

2. Синяя лошадь I – Франц Марк

• Дата создания: 1911
• Размеры: 112 × 84,5 см (44 × 33,3 дюйма)
• Местонахождение: Städtische Galerie im Lenbachhaus, Мюнхен, Германия

Синяя лошадь I — картина из серии картин с синей лошадью художника-экспрессиониста Франца Марка (1880–1916). Немецкий художник представил эти картины на выставках под названием «Der Blaue Reiter» или «Синий всадник», одно из основных направлений немецкого экспрессионизма.

Эта конкретная картина была основана на эскизе, который немецкий художник сделал ранее. Синий цвет лошади является выражением художественного движения Der Blaue Reiter. Искаженные цвета картины напоминают те, что использовались Художники-фовисты , также появившиеся в начале 20 века.

3. Автопортрет в образе солдата — Эрнст Людвиг Кирхнер

• Дата создания: 1915
• Местонахождение: Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин, Огайо, США

Автопортрет в образе солдата — картина Эрнста Людвига Киршнера (1880–1819 гг.).38) после увольнения по болезни, когда он служил солдатом в Первой мировой войне. Киршнер был одним из основателей художественной группы под названием «Die Brücke» или «Мост». Эти художники сыграли ключевую роль в развитии немецкого экспрессионизма.

Картина изображает хрупкое душевное состояние и слабое физическое здоровье художника в этот период истории. Это было время крайней турбулентности в Европе, и картина является выражением этого чувства беспокойства.