Презентация СТИЛЬ МОДЕРН В ИСКУССТВЕ XX ВЕКА
СТИЛЬ МОДЕРН В ИСКУССТВЕ XX ВЕКА
Автор презентации:
Калабун Алена Витальевна
- На рубеже XIX – XX веков для многих художников, находящихся в окружении общества, всё больше угрожавшего скатиться в пучину войн и революций, творчество стало единственной отдушиной, где они в полный голос могли говорить на своём языке.
- Идеи переустройства мира эстетическими средствами привели к созданию нового «большого» стиля, синтезирующего воедино все виды искусств. Этот стиль в разных странах называли по-разному: «стиль модерн» в России, «ар нуво» во Франции, «сецессион» в Австро-Венгрии, «югендштиль» в Германии, «стиль либерти» в Италии, «стиль Тиффани» в США. Он имел чёткую эстетическую программу, где преображение действительности красотой объявлялось главным смыслом искусства. Творческая деятельность понималась как творческая фантазия, подобная творящим силам природы.
Модерн (фр. moderne — современный) — художественный стиль в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX вв.
Альфонс Муха «Цветок»
Лозунг модерна: «назад к природе»
Для «модерна» характерны стилизации – использование особенностей предшествующих исторических стилей – барокко и рококо, классицизм, ампир, романтизм, древнерусский стиль, иконопись. Не смотря на такое многообразие источников, искусству «модерна присущи специфические черты:
- Символические образы сплетаются с декоративными орнаментами
- Плоские пятна цвета и гибкая линия не выделяют объёмы, а сливают их с плоскостью
- Пространство не обладает глубиной, а фигуры и предметы массой
- Построение композиции определяется декоративностью
Стиль «модерн» тяготел к синтезу искусств – соединению архитектуры, пластики, живописи, декоративно-прикладного искусства, что породило новый тип художника – универсальной артистической личности, мечтателя и практика одновременно, способного создавать великие творения и превращать самые прозаические предметы быта в произведения искусства .
Альфонс Муха.
Рекламный календарь
фирмы «Masson». Весна. 1897
ГУСТАВ КЛИМТ
1862 — 1918
— австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи
Густав Климт
Поцелуй1907-1908
Портрет Эмилии Флоге, 1902
АЛЬФОНС МУХА
1860 — 1939
— чешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн».
Альфонс Муха. Реклама велосепедов торговой марки «Perfecta». 1897
- Альфонс Муха. Зодиак. 1896
« МОДЕРН» В РУССКОЙ АРХИТЕКТУРЕ
Одним из первых истоков «модерна» в архитектуре являлся так называемый «неорусский» стиль, связанный с Абрамцевским кружком и с деятельностью не профессиональных архитекторов, а живописцев.
Выход живописцев из привычной сферы станкового искусства в той ситуации вполне объясним, стремление к синтезу искусств заставляло их пробовать свои силы и в сценографии, и в скульптуре, и в прикладном творчестве, и даже в архитектуре. Первым памятником является
над которой работали В.М.Васнецов и В.Д.Поленов. Авторы обратились к традициям древнерусского зодчества, но не копируя, а подвергая стилизации в духе модерна: смело сопоставляют кубический объём с кривыми линиями купола, скошенными контурами контрфорсов придают храму некоторую пирамидальность.
ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ
Продолжая свои архитектурные опыты, В.М.Васнецов спроектировал здание Третьяковской галереи.
Модерн быстро завоевал популярность и уже на ранней стадии выработал определённые принципы:
1) Построение архитектурного сооружения «изнутри наружу»;
2) Выявление внутренней планировки на фасаде;
3) Перетекание пространства из одного интерьера в другой;
4) Отсутствие симметрии;
5) Определённая система декоративного убранства, построенная на соотношении форм и линий;
В русском искусстве стиль «модерн» ярко проявился в архитектуре Ф.
О.Шехтеля , Л.М.Кекушева и творчестве художников объединения «Мир искусства». ФЁДОР ОСИПОВИЧ ШЕХТЕЛЬ (1859 – 1926)
Русский архитектор, в творчестве которого наиболее ярко проявились черты модерна. Высшей точкой в развитии индивидуального строительства можно считать дом А.Н.Рябушинского на Малой Никитской улице в Москве (1900 – 1902).
Здесь Шехтель наиболее последовательно воплотил принципы модерна. Каждый большой объём в общей композиции получает своё воплощение снаружи. Горизонтальные членения, отмеченные наличниками окон, завершением крылец, карнизами крыш, проходят на разных уровнях; формы оконных проёмов различны не только на этажах, но и на разных фасадах; сами фасады при единстве стиля отличаются друг от друга. Чтобы выявить единство внешнего и внутреннего, Шехтель разнообразит окна, то делает их в виде арки, то ставит прямоугольником, то уменьшает проёмы до мизерных размеров, подчёркивая тем самым малость помещения, из которого они выходят.
Внутреннее пространство мягко перетекает из одного помещения в другое. Большую роль здесь играет лестница в виде взметнувшейся волны, ставшей главным мотивом внутреннего оформления. Проект Шехтеля предусматривал декоративное убранство дома от чугунных решёток ограды и мебели до ламп и дверных ручек. Во всех частях здания главенствует популярная на рубеже XIX – XX веков идея вечно движущейся самообновляющейся жизни.
ЯРСЛАВСКИЙ ВОКЗАЛ В МОСКВЕ
При проектировании Ярославского вокзала в Москве ярко выражены черты модернистского преобразования древнерусского стиля. Все части вокзала сливаются в один объём с особыми ритмическими и пластическими акцентами. Архитектор намеренно нарушает симметрию, сдвигая вправо центральную башню с главным входом.
Особняк Саввы Ивановича Морозова
Художники русского модерна
Михаил Врубель Александр Бенуа
«Царевна-Лебедь» « Прогулка короля»
Валентин Серов Михаил Васнецов
Иван-царевич
Похищение Европы
Импрессионизм и модерн в русском искусстве: bogachkova1957 — LiveJournal
Почти год из-за пандемии был закрыт «Центр Искусств. Москва» в Храме Христа Спасителя. Открылся он новым выставочным проектом «Импрессионизм и модерн в русском искусстве».
Выставка посвящена основным путям развития русского искусства на рубеже 19 и 20 веков, а также определяющей роли модерна и импрессионизма в становлении русского авангарда. Более 50 произведений охватывают историю русского искусства с 1890-х до 1940-х годов.
Начну рассказ с художника Николая Фешина
В 1874 году в Париже на бульваре Капуцинок состоялась выставка молодых французских художников, картины которых были отвергнуты академическим Салоном. Полотно «Впечатление. Заход солнца» Клода Моне дало название новому течению в искусстве.
Из мастерских этих двух художников Поленова и Репина вышло следующее поколение русских живописцев, творчество которых развивалось в русле модерна и импрессионизма. Поленов войдет в историю как учитель одного из самых известных русских импрессионистов – Константина Коровина (1861-1939).
Первой импрессионистической картиной Константина Коровина считается его работа 1887 года. Блистательный русский импрессионист Константин Коровин, с одной стороны, развивал художественные эксперименты на пленэре Поленова, с другой – органично воспринял и переосмыслил новации современной европейской живописи. В конце 1870-х годов в творчестве Коровина появляются этюды Парижа, созданные по рассказам Поленова. Французская столица с ее динамизмом большого города стала одним из самых ярких мотивов творчества Коровина, который он пронес через всю жизнь, и продолжал писать, находясь в эмиграции. Но на выставке нет картин с Парижем.
Коровин с присущей ему пленэрно-импрессионистической манерой письма чутко передавал переходные состояния природы в России. В 1897 году он приобрел у мецената и покровителя Саввы Мамонтова землю на берегу реки Нерль во Владимирской губернии. Деревня Охотино стала для Коровина центральным объектом зарисовок и пленэрных штудий.
Светлый или темноватый колорит пейзажных деревенских работ того периода отражает лирическую наполненность пейзажа. Считается, что именно в Охотино возник особый поджанр в творчестве Коровина, получивший название «ноктюрн». По вечерам близкие Коровина собирались в доме, а мастер писал этюды. Еще в 1889 году, по словам Елены Поленовой, мастер начал задумываться над тем, «чтобы выходила не живопись, а музыка». Энергия мазка и тональность колорита Коровина делали из его полотен живопись музыкального свойства.
На выставке показаны две картины киевского художника Александра Константиновича Богомазова (1880-1930), который в 1908-1910 годах был сильно увлечен импрессионизмом. Представленные картины он посвятил жене — музе всей своей жизни, киевской художнице, Ванде Витольдовне Монастырской.
Богомазов А.К. У окна. 1908. Богомазов А.К. Портрет жены. 1908.А у Репина в разное время проходили обучение художники – Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов, Филипп Малявин.
Модерн и импрессионизм имеют разные истоки, однако, оба направления объединены тенденцией к обобщению образов и вниманию к цвету как важному художественно-выразительному средству живописи. Для самого яркого художественного объединения рубежа веков – «Мир искусства» – подготовили почву Михаил Нестеров и Василий Суриков, обращавшиеся к русской истории. Ретроспективизм стал одной из характеристик живописи модерна, наряду с идеей красоты как основы творчества. Браз, Бродский и Кустодиев выставляли свои произведения в рамках объединения «Мир искусства».
Суриков В.И. Алупка. 1908.С именем Архипа Куинджи связан другой путь развития русского искусства. По выражению Репина, «иллюзия света была его богом», которую он передал своим ученикам и последователям — членам Общества художников имени А.И.Куинджи. Светоносную традицию живописи продолжили Иван Шультце, Константин Вещилов, Николай Рерих, Витольд Бялыницкий-Бируля.
Константин Вещилов (1878-1945) – один из самых ярких и многосторонних талантов рубежа веков, ученик И.Е.Репина. Выпускник Академии художеств в Санкт-Петербурге (золотая медаль, 1904 год, лауреат пенсионерской поездки в Рим). Художник Морского министерства, автор полотен, посвященных русско-японской войне. В наследии Вещилова – полотна на исторические, бытовые сюжеты, портреты, натюрморты и пейзажи. В 1922 году мастер эмигрировал сначала в Италию, потом во Францию и впоследствии в Нью-Йорк.
Вещилов К.А. Натюрморт. Гурзуф. 1910-1920-е.В период до эмиграции наследие мастера состояло преимущественно из исторических полотен и картин бытового жанра. Пейзажи отличались сероватым колоритом. Вещилов-колорист раскрылся благодаря поездкам на юг и созерцанию яркого контрастного южного освещения. В историю искусства он вошел как мастер русской школы люминизма (лат.
lumen – свет) наряду с А.И.Куинджи и И.Ф.Шультце. В 1905 году художник был удостоен премии Куинджи. Природное колористическое дарование художника и быстрая широкая манера письма, которой он научился у Репина, в полной мере обнажили талант Вещилова в постэмиграционный период. Свет и цвет стали главными героями картин мастера. Живопись Вещилова пользовалась громким успехом в Париже и Нью-Йорке.
На выставке представлены также произведения, демонстрирующие радикальные изменения в русском искусстве начала XX века, когда интерес к модерну и импрессионизму сменила идея тотального господства цвета как ведущего художественно-выразительного средства, подчеркивающего материальность, а не сиюминутность бытия. В мастерской Константина Коровина учились будущие мастера постимпрессионизма и авангарда, среди них — Роберт Фальк, Павел Кузнецов, Наталья Гончарова.
Кончаловский, Гончарова и Фальк стали пионерами раннего авангарда, выставлялись в рамках художественного объединения «Бубновый валет». Другие ученики Коровина – Алексей Исупов (1889-1957) и Сергей Герасимов (1885-1964)– развивали традиции пейзажной живописи на стыке импрессионизма и модерна.
В рамках выставки представлены четыре работы Петра Кончаловского (1876-1956), отражающие его творческую эволюцию: от ранних импрессионистических увлечений («Поле», 1907) через искания после распада «Бубнового валета» к соцреализму.
Кончаловский П.П. Поле 1907. Кончаловский П.П. Яблоневый сад. 1921.Картина «Яблоневый сад» – квинтэссенция творческих поисков мастера. Художник так описывал работы этого периода: «В моих абрамцевских дубах есть еще, конечно, связанность живописи с сезанновскими методами, которыми я привык работать и с которыми сроднился. Но отношение к природе у меня было теперь другое, не-сезанновское.
Страстно хотелось создать живой пейзаж, в котором деревья не просто торчат, воткнутые в землю, как это часто приходится видеть в современной живописи, а логически вырастают из земли, как у старых мастеров, чтобы зритель чувствовал их корни. А для этого надо было, прежде всего, логически построить каждое дерево также, как строится здание, от самого фундамента до крыши, от ушедших в землю корней до листвы верхушек».
И еще одно новшество – выставка проходит в динамичном формате. Как живой организм, композиция полотен и их развеска в пространстве двух залов меняется на протяжении всей выставки. Новые полотна будут возникать и исчезать во времени, сменять друг друга и снова появляться, но уже в совершенно новом месте, а иногда исчезать и вовсе насовсем. Поэтому, вернувшись в галерею через месяц, Вы увидите совершенную другую, не похожую на прежнюю выставку русских живописцев.
Бродский И.И. Новолуние. 1912.
Куприн А.В. Букет осенних листьев. Село Крылатское. 1923.
Герасимов А.М. Букет. ?
Машков И.И. Москва Вид с крыши дома Машкова в сторону Красных ворот. 1927-1928.
Яковлев А.Е. Цитроны. 1929.
Григорьев Б.Д. Портрет сына Кирилла. Около 1930.
Шевченко А.В. Натюрморт. 1938.
Грабарь И.Э. Ранняя осень. 1930-1950-е.
Крамаренко Л.Ю. Пейзаж. 1934.
Виноградов С.А. Букет. 1937.
Н.А.Тархов Белые лилии. 1910-1915.
Р.Р.Фальк. Мост в Париже.1920-1930-е.Актуальность выставки подчеркивается тем, что 2021 год — юбилейный для многих художников. В 2021 году исполнилось 160 лет со дня рождения Константина Коровина, 145 лет – со дня рождения Петра Кончаловского, 140 лет – со дня рождения Натальи Гончаровой, 135 лет – со дня рождения Роберта Фалька.
Использованные источники: http://artcentre.moscow/project/19905/.
художественных движений | Искусство начала 20-го века
В двадцатом веке произошло много радикальных изменений в жизни людей: ускорение темпов технологических и промышленных изменений ; быстрое распространение крупных городских центров ; разработка новых средств транспорта и связи ; инновационные научные открытия, такие как рентген и теория относительности; рост потребительства в больших масштабах; и леденящая кровь реальность массовой войны.
На этом фоне социальное, политическое и технологическое развитие западное искусство также претерпело ряд радикальных изменений.
Ар Нуво
Французский для «новое искусство» , этот термин использовался в англоязычном мире для описания стиля, который стал известен примерно в 1895 году и продолжался до Первой мировой войны, будучи производным от парижского одноименный магазин, открытый гамбургским предпринимателем Сэмюэлем Бингом. Парадоксально, но во Франции он был широко известен как le style anglais 9.0025, а в Италии — lo stile Liberty , в честь лондонского универмага, который так много сделал для его продвижения. В немецкоязычных странах это был Jugendstil («Молодежный стиль»).
Натуральный, плавные линии
Все эти названия заключали в себе стиль, отличающийся извилистыми изгибами, закрученными линиями и эфирным качеством .
Фигуры были удлиненными и в некоторых случаях искаженными, и его практикующие в значительной степени полагались на формы растений; особенно популярны тюльпаны, кувшинки и головки чертополоха. Оно проявлялось во всех средствах прикладного и декоративного искусства, начиная с архитектуры 9 в.0005 Antoni Gaudi (1852–1926) и Victor Horta (1861–1947) до мебели Charles Rennie Mackintosh (1868–1900 9 Tiffany 6.00 стекло) и Wisteria Glass В изобразительном искусстве это проявилось в рисунках Обри Бердслея (1872–1898) и картинах Эдварда Бёрн-Джонса (1833–98), Альфонса Мухи (1860–1939) и Яна Туропа. (1858–1928). Ар-нуво породил новые и захватывающие интерпретации модернизма, которые выразились в движении ар-деко и творчестве Баухауза.
Обри Бердслей
Обри Бердслей был английским художником-графиком, воплощением конца века декаданса .
Родившийся в Брайтоне, Бердслей был слабым ребенком и перенес свой первый приступ туберкулеза в 1879 году. Он уехал в Лондон в возрасте 16 лет, сначала работая в страховой конторе, а по вечерам посещая уроки рисования. В 1891 году Бёрн-Джонс убедил его стать профессиональным художником, а два года спустя Бердслей получил свой первый крупный заказ, когда Дж. М. Дент нанял его для иллюстрации Мэлори Смерть Артура . Успех этого предприятия дал ему возможность работать над еще более престижным проектом — иллюстрацией «Саломеи» Уайльда , а также создавать изображения для нового журнала «Желтая книга» .
Вскоре Бердслей разработал уникальный стиль, объединив смелые композиционные приемы, использованные в японских гравюрах ; эротические, иногда извращенные образы символистов ; и легкое владение извилистый, линейный дизайн , предвосхищающий модерн. Блестящая карьера, казалось, манила, но в 1895 году скандал вокруг суда над Уайльдом
привел к его увольнению из Желтой книги .
Его туберкулезное заболевание обострилось снова, и через три года он умер.
Футуризм
«Динамизм» было одним из названий, которые итальянский писатель Филиппо Томмазо Маринетти (1876–1944) рассматривал для нового движения, которое он планировал создать; в конце концов он выбрал «футуризм», что также свидетельствовало о его увлечении технологиями и скоростью современного мира. Футуризм был первым крупным художественным движением двадцатого века, которое было открыто через серию письменных манифестов, набор идей, которые предшествовали развитию новых способов живописи.
Страстный манифест
Маринетти жил и работал в Милане, но он опубликовал свой « Основополагающий манифест футуризма » на французском языке на первой полосе Le Figaro в феврале 1909 года, так как он хотел оказать влияние на Париж , по-прежнему самый важный центр искусства в Европе. Этот манифест представлял собой страстную и провокационную атаку на культуру и традиции, призывающую к разрушению музеев и библиотек и к прославлению бунтующих толп, насильственных революций и войн.
Красота в этот период для Маринетти должна была быть найдена в продуктах современные технологии и промышленность и прежде всего в скорости , и он утверждал, что автомобиль превосходит в этом отношении одну из самых ценных и известных старинных статуй Лувра: « кричащий автомобиль , который, выстрел, красивее Крылатой Победы Самофракийской ‘. Преувеличенная риторика манифестов футуристов была важной частью их стремления привлечь к себе максимальную огласку и донести свои идеи до максимально широкой аудитории.
Ключевые художники
Группа футуристов включала художников Умберто Боччони (1882–1916), Джакомо Балла (1871–1958) и Карло Карра (1881–1966), которые участвовали в серии широко распространенных огласка событий. Устраивались футуристические вечера, которые могли включать в себя показ картин, чтение манифестов, театральные зарисовки или игру художника Луиджи Руссоло (1885–1947) в его какофонических «Шумовых машинах».
Эти вечера часто начинались с того, что футуристы бросали оскорбления в адрес своей аудитории, а иногда заканчивались драками и уличными драками, о которых, к их удовольствию, сообщала пресса на следующий день. Между 1912 и 1914 «Выставка художников-футуристов» много гастролировала, из Парижа через Берлин и Лондон в Чикаго и Москву, сопровождаемая серией лекций и публикаций.
Футуристическая живопись была лишь частью общей атаки на мир искусства и предназначалась прежде всего для иллюстрации идей, изложенных в манифестах футуристов. «Технический манифест футуристической живописи» Боччони 1910 г. стремился ниспровергнуть искусство прошлого и описывал быструю смену и 0005 перцептивная перегрузка образов современного мира , которые должно стремиться уловить это новое искусство: скачущие лошади, у которых, казалось, было 20 ног; мчащиеся трамваи, которые, казалось, сливались с окружающими их домами; человеческое тело становится частью мебели, на которой оно сидит.
Балла Динамизм собаки на поводке (1912) основан на цейтраферной фотографии , чтобы вызвать последовательные движения женщины, выгуливающей маленькую собачку. Боччони «Улица вторгается в дом 9»0025 (1911 г.) показал женщину, склонившуюся с балкона, ее форма сливалась с бурной деятельностью на улице внизу.
Футуристические приемы
Художники-футуристы использовали яркие цвета, стремительные диагонали и энергичные, закрученные композиции для передачи скорости и движения . Они опирались на живописные приемы, уже утвердившиеся в конце девятнадцатого века, такие как принцип цветового деления, вариант пуантилизма, а также черпали вдохновение в Кубизм . Граненый вид футуристических работ, где изображаемый предмет начал исчезать под общим узором сдвигающихся плоскостей, а также использование букв в работах Карра и парижского Джино Северини (1883–1965), оба заимствованы из кубистской живописи.
. В какой-то степени футуристическая живопись не могла соответствовать жестким требованиям своих манифестов и больше полагалась на другие художественные разработки, чем предполагалось.
Вортицизм
Влияние кубизма и футуризма ощущалось во многих странах Европы, а в Великобритании незадолго до Первой мировой войны динамическая обработка форм современного мира нашла выражение в работах вортицистского движения. Футурист Боччони заявил, что все искусство должно быть источником того, что он назвал « эмоциональным вихрем », и эта терминология была использована поэтом Эзрой Паундом (1885–1972) для описания своего рода образов, которые быть не плоским «поверхностным искусством», а «Вихрем, из которого, через который и в который постоянно устремляются идеи».
Жестокая энергия
Картины Уиндема Льюиса (1882–1957), центральной фигуры вортицизма, являются хорошей иллюстрацией определения Паунда.
Льюис использовал в своих композициях упрощенные угловатые формы, напоминающие городские пейзажи, расположенные таким образом, чтобы создать впечатление глубоких спадов и головокружительных глубин. Эдвард Уодсворт (1889–1949) нарисовал абстрактные пересекающиеся формы зданий, а Дэвид Бомберг (1890–1957), сотрудник группы, разбил свои мотивы, первоначально основанные на группах движущихся фигур, в ярко окрашенный комбинезон. узор в виде сетки. Картины Бомберга были самыми радикальными по внешнему виду: «В трюме » (1913–1914 гг.) состоял из множества сталкивающихся друг с другом плоских цветных треугольников, а его первоначальный предмет указан только в названии. Вортицизм кристаллизовался вокруг публикации периодического издания BLAST , которое вышло в двух выпусках в 1914 и 1915 годах и провозгласило целью этих художников свергнуть наследие викторианской Британии агрессивным и насильственным образом.
Жестокая энергия , которая была одним из центральных принципов вортицизма, наряду с его интересом к , машинная технология , поразительно предвосхитил массовую войну, которая внезапно положила конец движению.
Баухаус
Во многом реакция против витиеватых, суетливых стилей в прикладном искусстве конца девятнадцатого века, стиль Баухаус, развивавшийся в начале двадцатого века под вдохновением и руководством Вальтера Гропиуса (1883–1969) , немецкий архитектор и дизайнер, на которого повлияли труды Джона Раскина и Уильям Моррис . В отличие от этих наставников, он не отвергал механизацию, а искал способы согласования промышленных методов с дизайном . В 1919 году он был назначен директором великокняжеских художественных школ в Веймаре, известных под общим названием Баухаус (буквально «архитектурный дом»). Гропиус и его коллеги стремились сочетать форму и функцию в прикладном искусстве, архитектуре и промышленном дизайне.
Когда к власти пришли нацисты, Гропиус и его ученики отправились во Францию, Великобританию и США, распространяя Евангелие и закладывая основы чистые линии современного промышленного дизайна . Пауль Клее и Василий Кандинский были среди художников, которые преподавали в Баухаузе и, в свою очередь, были проникнуты его концепциями, что привело к развитию абстрактного искусства (которое мы рассмотрим в другом посте о художественных движениях).
Ар-деко
В декоративно-прикладном искусстве идеи Баухауза повлияли на развитие ар-деко и модерна в 1920-х и 1930-х годах. Точно так же видение футуристов также сыграло свою роль в создании шума для резкий, обтекаемый стиль деко . Стиль ар-нуво, прославивший зарю новой эры, также сыграл свою роль в эволюции движения ар-деко, стремясь создать объединяющую силу в прикладном искусстве . Арт-деко вобрал в себя это эстетическое единство дизайна, но использовал разные стили и техники для достижения своей цели: декоративные эффекты были хорошо продуманы и более геометрически; менее извилистый и плавный.
Однако главным объединяющим фактором, как и во всех упомянутых выше стилях, была цифра 9.0005 принятие современных веяний .
Если вы чувствуете вдохновение в обсуждаемом здесь искусстве, почему бы не взглянуть на наш потрясающий карманный журнал Tiffany Magnolia Tree в фольге, доступный здесь, или наш роскошный журнал Aubrey Beardsley здесь. Если вы являетесь поклонником ар-деко, наш журнал Erté Starstruck в фольге — лучший выбор.
Ссылки
- В этой статье рассматривается ар-нуво и ар-деко
- Посетите веб-сайт Тейт, чтобы узнать больше о футуризме 9.0228
- Музей Метрополитена предлагает больше узнать о Баухаузе здесь
ХХ ВЕК И АРТ-ДЕКО И СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
Мебель в стиле модерн с современным дизайном.
Декор натуралистического или геометрического вдохновения, уникальное или серийное производство, стилистические тенденции 20-го века, каждая из которых имеет свою специфику и свои тенденции, и их самые выдающиеся представители: Луи Мажорель, Эмиль Галле, Даум, Эжен Гайяр, Левей Руссо для искусства Новое, но также
Андре Гроулт, Марсель Коар, Эйлин Грей, Жан Дюнан, Гастон Суисс, Эмиль-Жак Рульманн, Жан-Мишель Франк, Поль Дюпре-Лафон, Андре Арбус, Жильбер Пуйера для ар-деко, не забывая
Рене Эрбт, Роберт Малле-Стивенс, Пьер Шаро, Ле Корбюзье, Луи Соньо, Шарлотта Перриан для модернизма, а также
Жан Пруве, Пьер Полен, Пьер Гуариш, Серж Муй, Лин Вотрен, Макс Ингран для 1950-х годов и
Мария Перге, Йонель Лебовичи, Филипп Икили, Рон Арад, Гаруст и Бонетти, Андре Дюбрей для более современного периода
Чтобы назвать несколько, есть так много других
Ар-деко – это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, который впервые появился в Франция незадолго до Первой мировой войны.
Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов, океанских лайнеров и предметов повседневного обихода, таких как радиоприемники. Он получил свое название, сокращение от Arts Décoratifs, от Exposition internationale des arts decoratifs et industriels modernes (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства), проходившая в Париже в 1925. Он сочетал в себе современный стиль с прекрасным мастерством и богатыми материалами. В период своего расцвета ар-деко представлял собой роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.
Арт-деко был смесью множества разных стилей, иногда противоречащих друг другу, объединенных стремлением быть современным. С самого начала ар-деко находился под влиянием смелых геометрических форм кубизма и венского сецессиона; яркие краски фовизма и русского балета; обновленное мастерство изготовления мебели эпох Людовика Филиппа I и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, древнего Египта и искусства майя.
В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Крайслер-билдинг и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в XIX веке.20-е и 1930-е годы являются памятниками стиля ар-деко.
Ар-деко — один из первых по-настоящему интернациональных стилей, но его доминирование закончилось с началом неприукрашенных стилей современной архитектуры и Международного стиля архитектуры, последовавшего за Второй мировой войной и возникновением строго функционального и
Ар-нуво — интернационального стиля. стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративно-прикладного искусства, известный на разных языках под разными названиями: Jugendstil на немецком языке, Stile Liberty на итальянском языке, Modernismo catalán на испанском языке и т. д. На английском языке он также известен как стиль модерн (не путать с модернизмом и современной архитектурой). Этот стиль был наиболее популярен между 1890 и 1910. Это была реакция на академическое искусство, эклектику и историзм архитектуры и декора 19 века.
Он часто был вдохновлен природными формами, такими как извилистые изгибы растений и цветов. Другими характеристиками ар-нуво были ощущение динамизма и движения, часто придаваемое асимметрией или хлыстовыми линиями, а также использование современных материалов, особенно железа, стекла, керамики, а затем бетона, для создания необычных форм и больших открытых пространств.
Одной из основных целей модерна было сломать традиционное различие между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Наиболее широко он использовался в дизайне интерьера, графике, мебели, художественном стекле, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и работах с металлом. Стиль откликнулся на ведущие 19теоретики века, такие как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Великобритании на него оказали влияние Уильям Моррис и движение «Искусство и ремесла». Немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающее Gesamtkunstwerk («тотальное произведение искусства»), которое объединило бы архитектуру, обстановку и искусство в интерьере в общем стиле, чтобы поднять настроение и вдохновить жителей.
Первые дома и внутреннее убранство в стиле модерн появились в Брюсселе в 1890s, в архитектуре и дизайне интерьеров домов, спроектированных Полом Ханкаром, Генри ван де Вельде и особенно Виктором Орта, чей Hôtel Tassel был завершен в 1893 году. Он быстро переместился в Париж, где был адаптирован Гектором Гимаром, который видел Орта работал в Брюсселе и применил стиль для входов в новое парижское метро. Он достиг своего пика на Парижской международной выставке 1900 года, на которой были представлены работы в стиле модерн таких художников, как Луи Тиффани. Он появился в графическом искусстве на плакатах Альфонса Мухи и в изделиях из стекла Рене Лалика и Эмиля Галле.
Из Бельгии и Франции он распространился на остальную Европу, принимая в каждой стране разные названия и характеристики. Он часто возникал не только в столицах, но и в быстрорастущих городах, стремившихся создать художественную идентичность (Турин и Палермо в Италии, Глазго в Шотландии, Мюнхене и Дармштадте в Германии), а также в центрах движения за независимость (Хельсинки в Финляндии).
, тогда часть Российской империи; Барселона в Каталонии, Испания).
К 1914 году и с началом Первой мировой войны стиль модерн был в значительной степени исчерпан. В 1920-х годов он был заменен в качестве доминирующего архитектурно-декоративного стиля ар-деко, а затем модернизмом. Стиль ар-нуво стал привлекать более положительное внимание критиков в конце 1960-х годов, когда в 1970 году в Музее современного искусства была проведена крупная выставка работ Эктора Гимара. с 1860-х по 1970-е годы и обозначает стили и философию искусства, созданного в ту эпоху. Этот термин обычно ассоциируется с искусством, в котором традиции прошлого были отброшены в сторону в духе экспериментирования. Современные художники экспериментировали с новыми способами видения и со свежими идеями о природе материалов и функциях искусства. Тенденция от повествования, характерного для традиционных искусств, к абстракции свойственна многим современным искусствам. Более поздние художественные произведения часто называют современным искусством или постмодернистским искусством.
Современное искусство начинается с наследия таких художников, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген, Жорж Сёра и Анри де Тулуз-Лотрек, которые сыграли важную роль в развитии современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, в том числе прекубисты Жорж Брак, Андре Дерен, Рауль Дюфи, Жан Метцингер и Морис де Вламинк, произвели революцию в парижском мире искусства своими «дикими», разноцветными, выразительными пейзажами. и фигурные картины, которые критики назвали фовизмом. Две версии «Танца» Матисса стали ключевым моментом в его карьере и в развитии современной живописи. В нем отразилось зарождающееся увлечение Матисса первобытным искусством: интенсивный теплый цвет фигур на прохладном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувства эмоционального раскрепощения и гедонизма.
Первоначально под влиянием Тулуз-Лотрека, Гогена и других новаторов конца XIX века Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: кубу, сфере и конусу.
