Модерн стиль в живописи: Art Nouveau | Arthive

Стиль модерн —

В конце XIX в. в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от латинского modernus — новейший, современный).

Ярче всего модерн проявился в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката. Затронул он также скульптуру и живопись.

Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западноевропейских странах модерн сформировался в 1880-х гг. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии — «югендстиль», в Австрии — «сецессион», в Италии — «либерти», в Испании — «модернисмо», в Польше — «сецесия».

Появление подобного искусства во многом предопределило творчество У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов и английских графиков У. Блейка и У. Крейна.

Живопись модерна характеризуется внешней декоративностью, стилизацией, плоскостной орнаментальностью. Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ. Плавные контурные линии, вытянутые фигуры, соединяющиеся цветовые плоскости (нередко монохромные) делали изображение очень эффектным. Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.

С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф. фон Штук в Германии.
Ярким представителем модерна в книжной графике был О. Бёрдсли.

Обри Бёрдсли

Обри Винсент Бёрдсли родился в 1872 г. в состоятельной английской семье. В 1891 г. он поступил в Вестминстерскую художественную школу Ф. Броуна. В свободное от занятий время молодой художник отправлялся в лондонские музеи и галереи. Большое впечатление на него произвело искусство А. Дюрера, Микеланджело, С. Боттичелли. Особое восхищение Бёрдсли вызывали гравюры А. Мантеньи, с которых он делал копии.

Значительное влияние на формирование художественного стиля Бёрдсли оказало искусство японской гравюры, творчество французских живописцев XVIII в. и произведения прерафаэлита Э. Бёрн-Джонса. Немного позднее его внимание привлекло творчество К. Лоррена, А. Ватто, П. Прюдона, Ж. Калло и Г. Моро.

В конце 1891 г. к Бёрдсли пришла настоящая известность. Самой крупной работой этого периода стала серия иллюстраций к «Сказаниям о короле Артуре» Джона Дента. В том же году художник познакомился с Э. Бёрн-Джонсом, искусством которого всегда восхищался.

С 1893 г. Бёрдсли работает над иллюстрациями для журналов, часть которых издается под его руководством («Желтая книга», 1894-1895, совместно с Х. Харлендом; «Савой», 1896, совместно с А. Саймонсом), а также создает рисунки для книг (иллюстрации к «Смерти Артура» Т. Мэлори, 1893-1894; к «Саломее» О. Уайльда, 1894; к рассказам Э. По; к «Похищению локона» А. Пуопа, 1896; эскиз для обложки и заставка к роману «Сцены парижской жизни» О. Бальзака, 1897; иллюстрации к «Вольпоне» Б. Джонсона, 1897). В этих немного легкомысленных и изящных работах заметно влияние французской гравюры XVIII в.

Вместе с популярностью к Бёрдсли приходит материальное благополучие. Но это не спасает его от тяжелой болезни — туберкулеза, который с детства мучает художника. Отсюда и глубокий трагизм, пронизывающий иллюстрации Бёрдсли к «Падению дома Эшер» Эдгара По.

Эротические рисунки Бёрдсли к «Правдивой истории Лукиана» вызывают негодование со стороны официальных кругов. Эти иллюстрации в 1895 г. и стали причиной ухода художника из «Желтой книги».

В 1896 г. Бёрдсли едет лечиться на курорт в Ипсом. В этом же году он создает очень остроумные и эротичные иллюстрации к «Лисистрате» Аристофана, а также к сатире Ювенала. Через два года умирающий художник будет умолять издателя уничтожить фривольные рисунки, но, к счастью, последний не выполнил просьбы и сохранил для нас замечательные творения английского графика.

О. Бёрдсли. Обложка к журналу «Савой». 1896 г.
О. Бёрдсли. Туалет. Иллюстрация к поэме А. Пуопа «Похищение локона». 1896 г.

В ряде произведений Бёрдсли заметен интерес к религиозным и мистическим сюжетам. Увлечение оккультными науками отразилось в рисунке, названном автором «О Неофите, или Как он был посвящен в черную магию демоном Асомуэлем» (1893). Имя демону, олицетворяющему бессонницу, придумал сам Бёрдсли.

Не менее загадочным кажется рисунок «Поцелуй Иуды» (1893), свидетельствующий об интересе художника к духовному, внутреннему миру человека. Эти же мотивы присутствуют и в других произведениях Бёрдсли.

Обри Бёрдсли, проживший очень короткую жизнь (он умер в 1898 г.), оставил глубокий след в европейском искусстве. Утонченные и хрупкие, но в то же время ироничные и живые рисунки английского графика оказали большое влияние на мастеров последующих поколений.

Густав Климт

Густав Климт, австрийский живописец, график и декоратор, крупный представитель венского модерна, родился в 1862 г. в Вене.

В 1876-1883 гг. Климт учился в венской Школе художественных ремесел у живописца Ф. Лауфбергера. Первые его картины — это исторические композиции, отразившие влияние академического искусства.

Вместе с Х. Макартом Климт занимался монументальными декорациями. Среди подобных работ — живописное панно лестницы Музея истории искусства в Вене (1891). Эта работа, как и аллегорические композиции 1890-х гг. («Любовь», 1895), напоминает живопись художников-символистов Я. Тооропа и Ф. Кнопфа.

Большую роль в развитии венского модерна (югендстиля) сыграл «Сецессион» — объединение художников и архитекторов, отвергавших традиции академического искусства. В 1897 г. Климт стал президентом «Сецессиона». В начале 1900-х гг. художник, исполняя заказ Министерства культуры, создал три монументальных панно для актового зала Венского университета («Философия», 1900; «Медицина», 1901; «Юриспруденция», 1903). К сожалению, в годы Второй мировой войны все три панно были уничтожены. В этих произведениях ярко проявились черты модерна: ассиметричное композиционное построение, причудливые, напоминающие сложный орнамент переплетения обнаженных человеческих тел. Явная эротичность этих работ Климта, а также пессимистический дух, пронизывающий их, стали причиной отказа от панно профессуры университета.

Зрелым художником со сложившейся манерой письма Климт предстает в «Бетховенском фризе» (1902) , вошедшем в монументальный ансамбль здания «Сецессиона». В этом произведении выразилась попытка мастера с помощью живописно-аллегорических образов интерпретировать Девятую симфонию Бетховена. Ритм вытянутых фигур «Бетховенского фриза» напоминает изменяющийся темп музыкального произведения. Одежду людей, изображенных в росписях, а также фон покрывают причудливые орнаментальные линии и сверкающие золотом и серебром краски. В таком же стиле выполнена и мозаика обеденного зала во дворце Стокле в Брюсселе, созданная Климтом в 1911 г.

Картинам, написанным Климтом в 1900-х гг., свойственно сочетание объемной моделировки фигур людей с плоскостной орнаментальностью. Художник покрывает части обнаженного человеческого тела яркой мозаикой и золотыми узорами. Лица и тела как будто проступают сквозь спирали, геометрические фигуры, причудливые цветы и стебли экзотических растений. В такой манере исполнены картины «Юдифь» (1901), «Поцелуй» (1907-1908), «Три возраста» (1908), «Саломея» (1909) .

Г. Климт. Юдифь. 1901 г.
Г. Климт. Три возраста. 1908 г.

В 1910-х гг. живопись Климта несколько меняется: исчезает обилие золота, в образах появляется экспрессия. Таковы символические композиции «Девушка» (1913), «Невеста» (1917-1918).

В стиле модерн исполнены и пейзажи Климта («Поле маков», 1907; «Дворец у воды», 1908; «Аллея в парке», 1912) .
Умер Густав Климт в 1918 г. в Вене.

В стиле модерн работал также немецкий художник М. Клингер.

Макс Клингер

Немецкий живописец, график, скульптор Макс Клингер родился в Лейпциге в 1857 г. Учился в лейпцигской Школе искусств у известного мастера Ф. Брауэра. В 1874-1875 гг. он продолжил обучение в Карлсруэ в Академии художеств у К. Гуссова, а в 1876 г. начал посещать берлинскую Академию. Жил и работал в Лейпциге в Берлине. В 1879 г. посетил Карлсбад, Мюнхен, Брюссель, где занимался в мастерской Э. Х. Ваутерса.

С 1881 г. художник жил в Берлине, а с 1883 г. — в окрестностях немецкой столицы на вилле «Альберс». В 1867 г. Клингер вместе с А. Бёклином посетил Париж, а в 1886-1889 гг. — Италию. В 1892 г. он стал одним из основателей «Общества берлинских художников», а позднее вошел в мюнхенский «Сецессион». С 1897 г. Клингер — профессор графики лейпцигской Академии художеств.

Ранние работы художника отмечены влиянием академической живописи. В эти годы (конец 1870-х) он пишет картины на античные и исторические сюжеты («Падение у стены», 1878; «Смерть Цезаря», 1879).

В 1880-е гг. Клингер начал создавать произведения с символическим содержанием. С этого времени в его живописи преобладают аллегорические или фантастические образы («Морской бог в волне прибоя», 1884-1885). Его картины напоминают полотна Г. фон Маре, А. Бёклина, А. Фейербаха. О близости с искусством Фейербаха говорит, например, такая картина Клингера, как «Миссия», вытолненная в 1880 г. Художник натуралистично и несколько театрально изобразил на своем полотне сидящую у моря обнаженную женщину, рядом с которой стоят ворон и цапля.

В форме удлиненного панно (что очень характерно для живописи символистов) выполнены пейзажи Клингера «Вечер» (1882), «Горное ущелье» (1884), «Летний пейзаж» (1884-1885).

Живописца всегда интересовала тема скоротечности земной жизни и неотвратимости смерти. Подобные мотивы нередко увлекали не только современных ему художников, но и мастеров прошлых эпох. В духе искусства Возрождения написаны картины «Надгробный плач» (1890), «Распятие» (1890). Легенда о золотом веке — времени, когда все люди были счастливы и жили в гармонии с природой, — нашла свое отражение в таких работах Клингера, как «Голубой час» (1890), «Источник» (1891-1892), триптих «Воспоминание о Париже» (1908). Эти полотна показывают зрителю фигуры прекрасных юношей и девушек, олицетворяющих давно ушедшие времена. Нижнюю часть триптиха «Воспоминание о Париже» художник украсил скульптурным орнаментом, выразив таким образом свойственную эстетике символизма идею объединения раз-личный видов искусств.

Большой интерес представляет еще один триптих Клингера — «Христос на Олимпе» (1897). Художник помешает героев христианской истории в античную эпоху, ставя во главу угла Божественное начало. Это произведение свидетельствует об изменении живописных приемов автора: теперь главную роль в создании картины играет контур и цветовые пятна, с помощью которых Клингер моделирует объемы.

Искания в области новых художественных средств отразились и в скульптурных работах Клингера, в которых мастер сочетает разные породы мрамора с золотом, слоновой костью; покрывает скульптуры краской («Саломея», 1893; «Бетховен», 1902).

М. Клингер. Суд Париса. 1887 г.

Значительное место в творчестве Клингера занимают графические работы: афиши для выставок «Сецессиона» и прекрасные гравюры (серия «Перчатка», 1881).

Умер художник в 1920 г. Его творчество сыграло большую роль в развитии искусства модерна.

Как уже говорилось выше, модерн быт тесно связан с символизмом. Многие художники, работавшие в стиле модерн, на разных этапах своего творчества увлекались идеями символизма.

Модерн и символизм Сходства и различия //Текст

13 октября 2021

Модерн и символизм развивались параллельно в искусстве рубежа XIX–XX веков. Стиль модерн воплощал идеи символизма, в то время как символизм как художественное направление транслировал свои идеи с помощью пластического языка модерна. Но несмотря на близость мотивов и образов, модерн и символизм имели разные истоки и разную идейную платформу. Как все же различить символизм и модерн? Где они пересекаются? И где проходит граница между понятиями направления и стиля в искусстве?

Автор: Екатерина Середнякова

Содержание статьи

Стиль и направление

Михаил Врубель. Голова Демона. 1890–1891. Бумага, акварель, прессованный уголь, графитный карандаш.

Государственная Третьяковская галерея

Символизм — направление в европейской и русской культуре рубежа XIX–ХХ веков, отразившееся в поэзии, литературе, изобразительном искусстве, театре, музыке.

В эпоху символизма все формы духовной и творческой деятельности — философия, религиозные поиски, поэзия, изобразительное искусство — стремятся обогатить выразительные средства друг друга и прийти к общекультурному синтезу.

Елена Поленова. Жар-Птица. Панно. 1897. Бумага, гуашь.

Государственная Третьяковская галерея

Модерн — последний большой общеевропейский стиль, на основе которого  воплотился синтез различных форм пространственных и изобразительных искусств. Формирование стиля происходит на рубеже XIX–ХХ веков. Во Франции его называют ар-нуво, в Германии — югендстиль, в Австрии — cецессион, в России — модерн. Стиль начал набирать силу в начале 1890-х годов, в 1900-х он пережил расцвет и развивался до середины 1910-х годов.

Истоки

Символизм берет начало во французской поэзии: Шарль Бодлер, Поль Верлен, Артюр Рембо, Стефан Малларме. Во французской живописи история символизма развивается в течение двух периодов — 1880-х и 1890-х годов. К первому этапу относится творчество Пьера Пюви де Шаванна и Гюстава Моро, ко второму — творчество художников группы «Наби» и Одилона Редона. Параллельно символистские тенденции развиваются в Англии, в творчестве художников Братства прерафаэлитов и Обри Бёрдслея. Практически во всех национальных школах Европы появляются яркие художественные личности и объединения художников.

Истоки стиля модерн восходят к английскому искусству и связаны с творчеством   художников Братства прерафаэлитов, основанного в 1848 году. Под влиянием идей теоретика Джона Рёскина — возвращению к средневековой радости ремесленного труда, отказу от массового фабричного производства — начинает работать его ученик и последователь Уильям Моррис, основавший впоследствии «Движение искусств и ремесел» (1880). Уильям Моррис стоит у истоков формообразования модерна, его растительные сетчатые орнаменты пронизаны идеей многослойных превращений, они зачаровывают магией постепенного разгадывания.

Идеи

Николай Сапунов. Мистическое собрание. Эскиз для постановки драмы А. Блока «Балаганчик». 1909. Бумага, темпера, перо, бронзовая краска, алюминиевая краска, уголь.

Государственная Третьяковская галерея

Наследуя традиции Средневековья и эпохи романтизма, символизм обращается к постижению духовных законов, управляющих мирозданием. Он объединяет религиозно-мистические искания, откровения иррациональной интуитивной философии «жизни» (Артур Шопенгауэр, Фридрих Ницше, Анри Бергсон) и теорию панэстетизма (теорию всепобеждающей красоты). Идеалистичность символизма противостоит позитивистской направленности предшествующей эпохи.

Творчество понимается как высшее проявление духа, личность художника-творца абсолютизируется. Конечная цель художника-символиста — превращение собственной жизни в произведение искусства. В частности, это проявляется в мифологизации и своего рода канонизации таких культовых фигур эпохи, как Михаил Врубель, Николай Сапунов, Александр Блок.

Погружаясь в бездны мрака и света, символист становится причастным надмирным тайнам. Эти тайны провидятся им через поиски соответствий мира реального и «незримого очами». В отличие от других эпох, когда искусство активно обращалось к символическому языку, символизм рубежа XIX–XX веков не имел сложившейся философско-религиозной системы и на протяжении всего недолгого периода своего формирования находился в поиске, пытаясь прийти к синтезу христианства с восточными религиями, теософией и антропософией.

Особняк С.Т. и З.Г. Морозовых на Спиридоновке. Фотограф И.Н. Александров. Конец 1890-х. Фотография из альбома Ф.О. Шехтеля.

Государственная Третьяковская галерея

Стиль

модерн, во многом опираясь на жизнестроительные идеи символизма, одержим утопической задачей пересоздать мир по новым художественным принципам. Как всякий большой стиль, модерн претендует на синтез искусств на базе архитектуры, намечая радикальные инновации. Излюбленной архитектурной формой становится частный особняк, хотя модерн разрабатывает новаторскую концепцию и общественных зданий: вокзалов, гостиниц, доходных домов, музеев, культовой архитектуры.

Новаторство прежде всего касается основополагающих принципов архитектурной конструкции. В основе ее в модерне лежат криволинейные очертания и атектоничные соотношения архитектурных масс. Архитекторы модерна развивают открытие металлического каркаса как конструктивной основы здания, при этом в отличие от предшествующей эпохи элементы конструкции эстетически обыгрываются. Металлический каркас позволяет разгрузить стену, увеличить масштаб окон и световых фонарей.

Структурной реформе подверглись основополагающие позиции объемно-пространственной композиции здания, которое теперь развивается изнутри наружу, как живой организм. Доминирующую роль играет интерьер, где прослеживается тенденция к созданию единой художественной среды с использованием различных форм декоративных и прикладных искусств. Именно в интерьерах модерна достигается в наибольшей мере идея Gesamtkunstwerk.

Уильям Моррис и его товарищи по Братству прерафаэлитов Эдвард Бёрн-Джонс и Данте Габриэл Россетти впервые осуществили задачу создания единой синтетической среды в новой стилистике модерна, объединяющей под эгидой архитектуры изобразительное и прикладное искусство в Красном доме Морриса, построенном в 1860 году. Инициативы Рёскина и Морриса привели к появлению в разных странах художественных колоний, объединенных идеей возрождения старины, что обозначило национально-романтическое направление.

В период расцвета модерна как развитие идеи движения искусств и ремесел, заложенной Уильямом Моррисом, на первый план выходят различные формы прикладных искусств: витраж, чугунное литье, гобелен, майоликовые панно, мозаики, фрески, маркетри, керамика, стекло. Невиданный расцвет переживает ювелирное искусство. Намечается повышенный интерес к реформе моды, предвосхитивший модный бум в XX веке. Для модерна также характерно повышенное внимание к малым формам синтеза: книге, художественным журналам. Невиданный расцвет переживает искусство сценографии.

Художественные принципы

Виктор Борисов-Мусатов. Реквием. 1905. Бумага, акварель, перо.

Государственная Третьяковская галерея

Символ — эстетическая категория, отличная от художественного образа и аллегории. «Он изрекает на своем сакральном и магическом языке намека и внушения нечто неадекватное внешнему слову», он «неисчерпаем и беспределен в своем значении», «многосмыслен и всегда темен в последней глубине» (Вяч. Иванов. «Поэт и чернь»). Символ ознаменовывает существование высших миров.  Преломляясь во внутреннем зрении символистов, реальный мир превращается в поэтическую метафору или миф.

Опосредованное, умозрительное восприятие мира приводит символистов к авторскому мифотворчеству, часто на основе традиционных мифопоэтических мотивов.

Вопреки распространенному заблуждению, символизм не всегда обращается к традиционной символике, понимаемой как эмблематика. Подчас мы напрасно будем искать предметные «символы» в произведениях Врубеля или Борисова-Мусатова. Символический смысл неотделим от пластической и поэтической ткани произведений и трактуется в контексте тех трансформаций натурных образов, которые мы у них встречаем.

В изобразительном искусстве символизм воплощает свои идеи с помощью пластического языка стиля модерн, но также может использовать позднеакадемические формы и приемы натурализма. Эклектичность языка  встречается у целого ряда представителей раннего символизма, например, у английских прерафаэлитов, французских первопроходцев этого направления Пюви де Шаванна и Гюстава Моро.

Михаил Врубель. Жемчужина. 1904. Картон, уголь, гуашь, пастель.

Государственная Третьяковская галерея

Формообразующим первоэлементом модерна является кривая линия, получившая название «удар бича», или «серпантинная» линия, она воплощает духовное начало, пронизывающее природные формы. Линии в модерне то вязкие и тягучие, то порывистые, чуткие к внутренним импульсам. Они пронизывают форму как нервюры.

Стиль модерн, воплощая идеи символизма, стремится к созданию универсального языка, основанного на орнаментальной стилизации природных форм и стихий. Мастера модерна любят стилизовать изысканные очертания цветов, движение волны, струйки дыма, языки пламени, дуновение ветра. Такое внимание к изображению природных форм во многом идет от увлечения японским искусством. Также модерн ориентируется в своем орнаментальном формообразовании на стили прошлого, имевшие дело с криволинейными, атектоничными формами. Это прежде всего готика и рококо. Проникая в   скрытый мир энергий, передающий пульсацию жизни — рост, порыв, стремление, увядание, — мастера модерна стремятся услышать симфонию мира в целом.

Вместо трехмерного пространства и объемного предмета классической живописи в модерне мы видим плоскость и комбинации цветовых пятен, оконтуренных линией (клуазонизм), что растворяет предмет изображения в орнаментальной стихии, приводит к слиянию и наложению пространственных планов. Плоскость становится символом пространства, орнаментальный арабеск — предмета.

Цвет также условен и не передает непосредственно натурные впечатления. Излюбленные цвета модерна: перелив павлиньего пера, перламутра, поблекшие тона гобелена, сверкающие краски витражей, текстуры «агатового стекла» и драгоценных камней. В целом в колористике модерна можно отметить предпочтение холодной части спектра. Свет в произведениях модерна не пленэрный, солнечный, а таинственно мерцающий, закатный, лунный или призрачный, подобный мистическому свечению.

Иконография

Виктор Борисов-Мусатов. Сон божества. 1905. Бумага, акварель, перо, графитный карандаш.

Государственная Третьяковская галерея

Символисты часто используют образы сна, грезы, видения. Через интуитивное прозрение символистического смысла осуществляется прорыв к постижению мирового единства, основанного на универсальном соответствии.

У символизма-модерна есть круг излюбленных тем и сюжетов, своеобразная иконография: изображения мифических существ — духов тьмы и света, оборотней, полулюдей, полузверей, образы женственности как высшего воплощения красоты и одновременно гибельного разрушительного начала, вихревые танцы, шествия, образы иных измерений: мотив двойной рамы, водоема, гобелена, зазеркалья.

Наполненное движением орнаментальной стихии изображение в стиле модерн находится в состоянии постоянных превращений — метаморфоз. Игра орнаментальных мотивов напоминает то волну, то лепесток цветка, то птицу, то женщину, то переливы минерала, причем каждый виток превращений хранит память о предыдущем. Полурастворяясь в орнаментальной стихии, формы, как эхо, напоминают о круговороте, пронизывающем мироздание.

Особое внимание мастера модерна-символизма уделяют разработке темы сумерек, тьмы как отражения непознаваемой иррациональной стороны мира. В общем стремлении к синтезу искусств в изобразительном искусстве модерна  появляются новые формы, предполагающие синтез станкового и монументального начал, графики и живописи, картины и декоративного панно, театральной декорации, что приводит к появлению новой формы картины-панно.

В России

Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею. 1889–1890. Холст, масло.

Государственная Третьяковская галерея

Символизм приходит в Россию в конце 1880-х годов и проявляется в деятельности Абрамцевского художественного кружка в русле национального романтизма, для которого характерно поэтическое осмысление народного искусства, эпоса и фольклора. Этот этап, связанный с творчеством Виктора Васнецова, Михаила Нестерова, Михаила Врубеля, отчасти Исаака Левитана и других, явился своего рода предсимволизмом. В дальнейшем в свой зрелый период, в 1890–1900-е годы, это направление переживает в своем развитии два этапа: первый связан с творчеством Михаила Врубеля и объединения «Мир искусства», второй — с творчеством Виктора Борисова-Мусатова и мастеров  объединения «Голубая роза».

В русской художественной жизни у истоков модерна также оказывается Абрамцевский художественный кружок, принципы которого получают развитие в художественном центре Талашкино, сформировавшемся около 1900 года. Из них вышли крупные мастера, творчество которых привело к формированию неорусского стиля: Виктор Васнецов, Михаил Нестеров, Елена Поленова, Александр Головин, Михаил Врубель, Николай Рерих, Сергей Малютин и другие. Эти мастера в своих авторских стилизациях опираются на традиции народного прикладного искусства и архитектуры. Неорусский стиль стал своего рода предмодерном, определившим национальное своеобразие истории русского модерна.

Превью: Михаил Врубель. Весна. После 1899. Майолика. Государственная Третьяковская галерея

Текст

12.10.2021

Читать

Текст

18.10.2021

Читать

Выразить одобрение автору публикации!

• #Текст
• #XX век
• #символизм
• #модерн

Рассказываем обо всем через призму русского искусства

Модерн

Стиль модерн в мировой культуре в конце ХIХ – начале ХХ века стал значительным явлением, объединив после длительного перерыва все виды изобразительного искусства и архитектуры. Первые признаки зарождения этого стиля в России исследователи русской культуры находят в 1880-е, а последние его проявления – в 1910-е. В течение этих трёх-четырёх десятилетий модерн формировался и развивался, а затем заканчивал свой не очень долгий путь в разных странах Европы и Америки. Правда, в России линия развития стиля не была столь последовательной, как во Франции, в Англии, Германии, Голландии, Бельгии или Испании. В его движении на русской почве были довольно решительные сдвиги, чередующиеся с неожиданными остановками и топтанием на месте. Но, несмотря на эту прерывистость эволюции, модерн получил своё выражение – во многих случаях яркое и своеобразное.

Не все виды искусства были в этой ситуации в одинаковых условиях. Архитектура, прикладное искусство, книжная графика, искусство театральной декорации довольно активно откликнулись на зов модерна. Живопись оказалась в более сложном положении: разнообразные существовавшие одновременно стилевые направления не только соседствовали, но и смешивались друг с другом. Вспомним, что в одном и том же пространстве сосуществовали и сильно ослабивший свои позиции передвижнический реализм, и импрессионизм, и символизм, и модерн, зарождались экспрессионизм, фовизм, футуризм, кубизм. Многие художники соединяли разнородные тенденции.

К.С.Малевич. Эскиз фресковой живописи (Автопортрет). 1907. Картон, темпера. 69,3×70. ГРМ

В наиболее яркой форме качества модерна выявились в живописи (в том числе и монументально-декоративной) и графике М.А.Врубеля. А в поздних графических опытах художника воплотились важнейшие черты экспрессионизма, оставшиеся почти незамеченными современной ему критикой. В.А.Серов, своеобразно использовавший в ранние годы достижения импрессионизма, позже почти отказался от импрессионистической стилистики и во многих поздних работах – таких как «Похищение Европы» (1910. Частная коллекция, ГТГ, ГРМ), «Портрет Иды Рубинштейн» (1910. ГРМ) – по-своему воплотил основные принципы стиля модерн. Но от авангардного художественного мышления Серов был довольно далёк. Модерн, который господствовал в живописи, и особенно в театрально-декорационном искусстве художников «Мира искусства», также был мало связан с авангардным движением. Исключение составили лишь некоторые живописцы и графики (например, М. В.Добужинский).

С другой стороны, некоторые мастера только начинавшего свой путь авангарда в период становления своего творчества пользовались многими приёмами стиля модерн и воспринимали тот опыт, который накапливался в процессе сближения модерна и символизма. Модерн и символизм были как бы двумя сторонами одной медали и друг без друга не могли обойтись. Авангард, культивируя метафорический и многосложный подход к реальности, был заинтересован в её решительном преображении и потому искал в символизме источник этой преобразующей креативности. Таким образом, символизм в союзе с модерном оказывался в авангардной живописи предметом некоторого внимания. Это проявилось, например, во многих ранних работах живописцев и графиков, стоявших на подступах к авангарду. Можно вспомнить проникнутые мистическим смыслом «Эскизы фресковой живопи­си» (1907. ГРМ) К.С.Малевича или его же – но противоположные по духу – исполненные юмора сцены гуляний, шествий и развлечений («Отдых. Общество в цилиндрах». 1908. ГРМ; «Свадьба». Около 1908. Музей Людвига. Кёльн; и другие), такие полные загадочной сентиментальности работы И.В.Клюна, как «Портрет жены» (1910. ГМСИ) или «Семья» (1911. ГМСИ), ранние пейзажи В.Д.Баранова-Россине «Зелёный сад» (1907–1908. Частная коллекция), «Сказочное озеро» (1908. Частная коллекция), и многое другое.

Но соотношение стиля модерн с авангардом в сфере живописи является лишь малой частью поставленного вопроса. Гораздо важнее программы и проекты, выдвинутые стилем в процессе его развития, и те общие проблемы культуры и искусства, которые были поставлены модерном и озвучены многими теоретиками, излагавшими принципы стиля. Эти теории, программы и проекты во многих случаях были восприняты, а подчас и повторены авангардом.

Бросается в глаза их жизнестроительный характер. Примером тому может служить практическая и теоретическая деятельность Уильяма Морриса – одного из самых влиятельных мастеров модерна. Сформировавшись как художник ещё в середине ХIХ века, друг и соратник прерафаэлитов, он прославился созданием в 1860-е знаменитой фирмы «Моррис и компания», выполнявшей разнообразные заказы на изготовление предметов прикладного искусства, мебели, оформление интерьеров. В 1880-е им была создана знаменитая Кельмскотская типография, ставшая базой для расцвета печатной графики английского модерна. Но не только этим вошёл Моррис в историю художественной культуры. Интересны и важны его высказывания о сути нового стиля и задачах художественного творчества. Моррис выдвинул идею устройства мира по законам искусства.

Предвестие этой концепции можно найти в предложенной Фридрихом Шиллером ещё за сто лет до Морриса идее эстетического воспитания человечества как средства достижения гармоничного устройства его жизни. Но модерн во много раз преумножил утопическое зерно шиллеровской концепции, сделав художественное начало основой мироустройства и важнейшим средством постижения мира. В русском авангарде неоднократно возникали концепции, в соответствии с которыми принципы определённой художественной системы отождествлялись либо с системой существования космического мира, либо с воображаемым порядком общественного устройства. Наиболее ярко эта тенденция обнаружила себя в рассуждениях Малевича, который заявил, что изобретённый им практически и сформулированный теоретически супрематизм открыл сущность бытия. Сконструированный по принципам супрематизма город (не только построенный по строгим правилам художественной теории, но и полностью украшенный супрематической живописью) Малевич считал самым подходящим местом существования человека. Утопические представления о роли нового искусства, нового стиля легко обнаружить в рассуждениях М.В.Матюшина, В.Е.Татлина, А.М.Родченко и других представителей русского авангарда.

От жизнестроительной ориентации и модерна, и авангарда, связывающей их друг с другом в общей перспективе движения художественной культуры, в известной зависимости оказываются и другие важнейшие особенности обоих направлений. Модерн и вслед за ним авангард в периоды своего становления отличались от других направлений или стилей тем, что можно обозначить как волевое происхождение. Разумеется, всякий стиль в момент своего формирования требует волевых усилий от тех художников, которые его творят. Эти усилия не противоречат историко-художественному движению самого стиля, тем художественным открытиям, которых «ищет» сам стиль. Но в моменты рождения модерна, а в более позднее время авангарда волевое усилие художника-творца, его намерение создать новый стиль становится важнейшим условием рождения этого стиля.

С этим волевым усилием связана ещё одна особенность модерна и авангарда, ставящая их в известную зависимость друг от друга. Она заключается в обязательности открытия новых качеств искусства – новых приёмов, неожиданных решений, композиционных, пластических, колористических комбинаций. Присутствие этого качества в искусстве авангарда не вызывает сомнений. Но оно было характерно и для модерна, и связь в этом отношении модерна и авангарда очевидна.

Стремление художников, скульпторов, архитекторов, дизайнеров модерна и авангарда к личному – собственному – открытию проявилось в том, что многие из них оставили в истории искусства «свои знаки». Можно привести множество примеров таких «знаков». Танцовщица Лои Фуллер прославилась своим знаменитым «серпантинным танцем», главным эффектом которого стало развевающееся платье, вдвое превосходящее по своим размерам фигуру. Этот танец стал знаком модерна в балетном искусстве и явился моделью для скульпторов (Рауль Ларш, Пьер Рош) и графиков (Коломан Мозер). Своеобразный знак Чарлза Ренни Макинтоша – его стулья с чрезвычайно высокими или совсем короткими спинками. Знаком Виктора Орта оказалась его знаменитая «линия Орта», которую образно называли «удар бича». Свои знаки были и у русских авангардистов – квадрат Малевича, башня Татлина, «Венера» М.Ф.Ларионова. Разумеется, на протяжении всей истории искусства мы найдём многочисленные примеры своеобразного культа художественного открытия, его повторения и развития. Но той степени знаковой самососредоточенности, какая была в периоды модерна и авангарда, они не достигали.

Можно найти и другие параллели между модерном и русским авангардом – пусть и не столь красноречивые. Есть, например, некоторая близость между возрождённой модерном формой объединения художников в виде гильдий и таким художническим союзом, как витебский Уновис. Возникают аналогии, связанные с процессом сближения искусства с промышленностью и одновременного противопоставления машины и произведения искусства. Если на раннем этапе их взаимодействия техническое сооружение получало художественную одежду, то в итоге этого процесса техника уже диктовала стиль. В этом отношении результатом развития стиля модерн стала построенная Густавом Эйфелем в конце 1880-х Эйфелева башня. В русском авангарде этот процесс завершился башней В.Г.Шухова.

В заключение следует отметить значимость общих аналогий, возникавших не в результате конкретного влияния мастеров западного модерна на русских авангардистов, а ставших следствием органичного вхождения русской художественной культуры в общемировой художественный процесс.

Искусство модерн — HiSoUR История культуры

Арт-нуво — это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративное искусство, которое было наиболее популярным между 1890 и 1910 годами. Реакция на академическое искусство 19-го века была вдохновлена ​​естественными формами и структурами, в частности изогнутые линии растений и цветов.

Декоративный стиль конца 19-го и начала 20-го, который процветал главным образом в Европе и США. Несмотря на то, что это повлияло на живопись и скульптуру, его главные проявления были в архитектуре и декоративно-графическом искусстве, аспекты, на которых этот обзор концентрируется. Он характеризуется извилистые асимметричные линии, основанные на органических формах; в более широком смысле он охватывает геометрические и более абстрактные узоры и ритмы, которые были развиты как часть общей реакции на историзм 19-го века. Существуют большие различия в стиле, в соответствии с тем, где он появился, и материалами, которые были использованы

Art Nouveau считается «полным» художественным стилем, охватывающим архитектуру, графику, дизайн интерьера и большую часть декоративного искусства, включая украшения, мебель, текстиль, бытовую серебро и другую утварь, а также освещение, а также изобразительное искусство. Согласно философия стиля, искусство должны быть образом жизни. Для многих состоятельных европейцев можно было жить в доме, вдохновленном модерном, с мебелью в стиле модерн, серебром, тканями, керамикой, включая посуду, ювелирные изделия, портсигары, и т. д. Художники хотели объединить изобразительное искусство и прикладное искусство, даже для утилитарных объектов.

Форма и характер
Хотя в стиле модерн были обнаружены явно локализованные тенденции по мере увеличения географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на форму. В опубликованном в журнале Pan журнале обернувшегося Цикламена (1894 г.) в журнале «Пан» описал его как «внезапные сильные кривые, образованные трещиной хлыста», которые стали известны во время раннего распространения в стиле модерн. Впоследствии не только сама работа стала более известной как «Хитплаш», но термин «хлыст» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле ар-нуво. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнообразными и плавными линиями в синкопированном ритме и асимметричной форме, встречаются по всей архитектуре, живописи, скульптуре и другим формам дизайна в стиле модерн.

Истоки в стиле модерн находятся в сопротивлении художника Уильяма Морриса к загроможденным композициям и тенденциям возрождения 19-го века и его теориям, которые помогли инициировать движение Искусств и ремесел. Однако обложка книги Артура Маккёрдо для городских церквей Рена (1883) с ее ритмическими цветочными узорами часто считается первой реализацией модерна. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских отпечатков деревянных блоков, особенно те, которые были сделаны Кацушикой Хокусай, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японский народ, популярный в Европе в 1880-х и 1890-х годах, особенно влиял на многих художников с его органическими формами и ссылками на природный мир. Помимо того, что художники, такие как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер, были приняты под влиянием японского искусства и дизайна, его защитили бизнесмены Зигфрид Бинг и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.

В архитектуре распространены гиперболы и параболы в окнах, арках и дверях, а декоративные молдинги «растут» в растительные формы. Как и большинство стилей дизайна, модерн стремился гармонизировать свои формы. Текст над входом в Парижский метро использует качества остальной части железной работы в структуре.

Архитектура и дизайн интерьера в стиле модерн не смотрели на эклектичные стили возрождения XIX века. Хотя в стиле модерн дизайнеры выбрали и «модернизировали» некоторые из более абстрактных элементов стиля рококо, такие как пламя и текстуры оболочек, они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя «естественный» репертуар до использовать морские водоросли, травы и насекомые. Другим влиянием было мягко-смешанные формы ушной раковины 17-го века, лучше всего иллюстрированные голландским серебром.

Отношения с современными стилями и движениями
Как арт-стиль, в стиле модерн есть сходство с прерафаэлитами и стилями символизма, и художники, такие как Обри Бердсли, Альфонс Муха, Эдвард Бёрн-Джонс, Густав Климт и Ян Тороп, могут быть классифицированы более чем в одном из этих стилей. Однако, в отличие от символической живописи, в стиле ар-нуво характерен внешний вид; и, в отличие от ремесленного искусства и ремесел, художники в стиле модерн легко использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию на службе чистого дизайна.

Арт-нуво не избегало использования машин, как это делало Движение искусств и ремесел. Для скульптуры основными используемыми материалами были стекло и кованое железо, что приводило к скульптурным качествам даже в архитектуре. Керамика использовалась также для создания изданий скульптур таких художников, как Огюст Родин.

Архитектура в стиле модерн использовала множество технологических новшеств конца XIX века, особенно использование экспонированного железа и больших, нестандартных форм стекла для архитектуры. Однако к началу Первой мировой войны стилизованный характер дизайна в стиле модерн стал зацикливаться в пользу более упорядоченного, прямолинейного модернизма, считающегося более верным более простой промышленной эстетике, которая стала арт-деко.

Тенденции в стиле модерн были также поглощены местными стилями. Например, в Дании это был один из аспектов Skønvirke («эстетическая работа»), который более тесно относится к стилю искусства и ремесла. Кроме того, художники приняли многие цветочные и органические мотивы в стиле модерн в стиле Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. Млода Польска, однако, также включала в себя другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и стилю жизни.

Графика процветала в эпоху модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии, что позволило массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных художественных журналах, которые распространялись по всей Европе и в Соединенные Штаты. Самой популярной темой плакатов в стиле ар-нуво были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто окруженные цветами.

В Великобритании ведущим художником в стиле ар-нуво был Обри Бердсли (1872-1898). Он начал с выгравированных иллюстраций книги для Ле Морта д’Артура, затем черно-белых иллюстраций для Саломея Оскара Уайльда (1893), что принесло ему славу. В том же году он начал гравюры иллюстраций и плакатов для арт-журнала The Studio, который помог рекламировать европейских художников, таких как Фернанн Хнопфф в Великобритании. Кривые линии и сложные цветочные узоры привлекли столько внимания, сколько текст.

Швейцарско-французский художник Эжен Грассет (1845-1917) был одним из первых создателей плакатов французского модерна. Он помог украсить знаменитый кабаре Le Chat noir в 1885 году и сделал свои первые плакаты для Fêtes de Paris. Он сделал знаменитые плакаты Сары Бернхардт в 1890 году и множество разнообразных книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Чере, Жорж де Фейр и художник Анри де Тулуз-Лотрек все сделали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернхардт в спектакле «Гисмонда» Викторином Сардоу. Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов для еще шести пьес Бернхардтом. В течение следующих четырех лет он также разработал наборы, костюмы и даже украшения для актрисы. Основываясь на успехе своих театральных плакатов, Муха сделал плакаты для разнообразных продуктов, начиная от сигарет и мыльниц до пивных печенья, все из которых представлены идеализированной женской фигурой с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от ювелирных изделий до ящиков для бисквитов, в своем отличительном стиле.

В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868-1918), который активно участвовал в сецессионном движении с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманом и сделал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum, а также картины, мебель и украшения.

Картина
Живопись была еще одним важным областью стиля модерн, хотя большинство художников в стиле модерн были также связаны с другими движениями искусства, в частности с Наби во Франции и символистами во Франции и Австрии. В 1892 году Зигфрид Бинг организовал выставку в Париже с участием семи живописцев, включая Пьера Боннара, Эдуарда Вуйярда, Феликса Валлоттона и Мориса Дениса; и его «Дом-де-ла-Ново» выставляли картины Жоржа Сёрата, Пола Сиксака и Анри де Тулуз-Лотрека. Эжен Грассет, Коломан Мозер и Густав Климт удобно расположились в авангарде и стиле модерн. В Бельгии Фернанн Хнопфф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Картины Густава Климта были неотъемлемой частью его декоративной схемы Йозефа Хоффмана для Дворца Стокле. Одной из распространенных тем и символистов и художников в стиле модерн того времени было стилизованное изображение женщин. Одной из популярных тем была американская танцовщица Loie Fuller, изображаемая французскими и австрийскими художниками и художниками-плакатами.

Искусство стекла
Искусство стекла было средой, в которой в стиле модерн были найдены новые и разнообразные способы выражения. Интенсивное количество экспериментов продолжалось, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре выигрывать камею, двойные слои и кислотную гравировку — метод, позволяющий производить серийное производство. Город Нэнси стал важным центром французской стекольной промышленности, и там были расположены мастерские Эмиля Галле и студии Даума во главе с Огюстом и Антонином Даумом. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссиером, Анри Берже и Амальриком Уолтером. Они разработали новый метод инкрустирования стекла путем прессования фрагментов разного цветного стекла в незавершенный кусок. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем, чей дом и мастерские были в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этим цветочным течением в жилых салонах, особенно в домах модерна в Нанси. Многие из них были работой Жака Грубера, который делал окна для виллы Majorelle и других домов.

В Бельгии ведущей фирмой был стекольный завод Валь-Сент-Ламберта, который создал вазы в органических и цветочных формах, многие из которых были разработаны Филиппом Вульферсом. Wolfers был отмечен, в частности, для создания произведений символического стекла, часто с прикрепленным металлическим декором. В Богемии тогдашний регион Австро-Венгерской империи отметил кристаллическое производство, компании Lobmeyr и Loetz-Witwe также экспериментировали с новыми методами окраски, производя более яркие и богатые цвета. В Германии эксперимент проводил Карл Кёппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно тонких очков в виде цветов; настолько деликатный, что немногие выживают сегодня.

В Вене стеклянные конструкции сецессионного движения были гораздо более геометрическими, чем у Франции или Бельгии; Отто Prutscher был самым строгим дизайнером стекла движения.

В Великобритании несколько цветочных витражей были созданы Маргарет Макдональд Макинтош для архитектурного дисплея под названием «Дом любителя искусства».

В Соединенных Штатах Луис Комфорт Тиффани и его дизайнеры стали особенно известными своими лампами, чьи стеклянные оттенки использовали общие цветочные темы, замысловатые вместе. Лампы Tiffany приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставила свои лампы в византийской часовне. Тиффани интенсивно экспериментировала с процессами окрашивания стекла, патентовывая в 1894 году стекло Фаврила, в котором использовались оксиды металлов для окраски внутренней части расплавленного стекла, что придавало ему радужный эффект. Его мастерские выпустили несколько разных серий лампы Tiffany в разных цветочных орнаментах, а также витражи, экраны, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию ​​Зигфридом Бином, а затем стали одним из декоративных ощущений экспозиции 1900 года. Американский соперник Tiffany, Steuben Glass, был основан в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк, Фредериком Кардером, который, как и Тиффани, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с радужными цветами. Еще одним известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фардж, создавший сложные и красочные витражи по религиозным и чисто декоративным темам.

Металлическое искусство
Архитектурный теоретик 19-го века Виоллет-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за сокрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Гектор Гимард пошли дальше: они добавили железное украшение в кривых, вдохновленных цветочными и растительными формы как в интерьерах, так и в экстерьерах их зданий. Они принимали форму лестничных перила в интерьере, светильники и другие детали в интерьере, а также балконы и другие украшения на внешней стороне. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлической отделки в растительных формах вскоре также появилось в серебре, лампах и других декоративных изделиях.

В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли сделал необычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и других внутренних украшений зданий чикагского архитектора Луи Салливана.

В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона разработали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и трезвом стиле.

Ювелирные изделия
В стиле модерн характерны мягкие изогнутые формы и линии и обычно имеют естественные конструкции, такие как цветы, птицы и другие животные. Женское тело является популярной темой и представлено на различных ювелирных изделиях, особенно камеях. Он часто включал длинные ожерелья из жемчуга или цепочек из стерлингового серебра, пунктированных стеклянными бусинами или заканчивающихся серебряным или золотым кулоном, который часто был разработан как украшение для украшения одного драгоценного камня аметиста, перидота или цитрина.

Период в стиле модерн привел к заметной стилистической революции в ювелирной промышленности, которую в основном возглавляли крупные фирмы в Париже. В течение предыдущих двух столетий акцент в изысканных ювелирных изделиях создавал драматические настройки для бриллиантов. Во времена правления модерна алмазы обычно играли вспомогательную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, в том числе агата, гранатового опала, лунного камня, аквамарина и других полудрагоценных камней, а также с широким спектром новых методов, в том числе эмалирования и новых материалов, включая рог, формованное стекло и цвета слоновой кости.

Ранние заметные ювелиры Парижа в стиле модерн включали Louis Aucoc, семейная ювелирная фирма, датированная 1821 годом. Самый известный дизайнер эпохи модерна Рене Лалик служил ученикам в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным фигура ювелирных изделий и стекла из ар-нуво, использующая природу, от стрекоз до травы, как его модель. Художники из-за пределов традиционного мира ювелирных изделий, такие как Пол Фолло, самый известный как дизайнер мебели, экспериментировали с украшениями. Среди других известных дизайнеров ювелирных изделий французского стиля модерн были Жюль Брато и Жорж Генри. В Соединенных Штатах самым известным дизайнером был Louis Comfort Tiffany, чья работа была показана в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской экспозиции 1900 года.

В Великобритании наиболее видной фигурой был дизайнер Liberty & Co. Арчибальд Нокс, который сделал множество предметов в стиле ар-нуво, в том числе серебряные пряжки для ремня. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Разнообразный дизайнер Глазго Чарльз Ренни Макинтош также сделал украшения, используя традиционные кельтские символы. В Германии центром ювелирных изделий Jugendstil был город Пфорцхайм, где находились большинство немецких фирм, в том числе Теодор Фахнер. Они быстро произвели работы, чтобы удовлетворить спрос на новый стиль.

Архитектура
Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектичные стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это было выражено через украшение. Здания были покрыты орнаментом в изогнутых формах, основанных на цветах, растениях или животных: бабочки, павлины, лебеди, ирисы, цикламены, орхидеи и водяные лилии. Фасады были асимметричными и часто украшались полихромными керамическими плитами. Украшение обычно предлагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом.

Стиль впервые появился в Брюсселе Hôtel Tassel (1894) и Hôtel Solvay (1900) Виктора Орта. Hôtel Tassel посетил Гектор Гимар, который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе — Castel Béranger (1897-98). Во всех этих домах архитекторы также спроектировали мебель и предметы интерьера, вплоть до дверных ручек и ковровых покрытий. В 1899 году, основанный на славе Castel Béranger, Гимар получил комиссию по проектированию входов станций нового Парижского метро, ​​которая открылась в 1900 году. Хотя осталось немного оригиналов, они стали символом движения в стиле модерн в Париже.

В Париже архитектурный стиль был также реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржа-Евгения Османна, префекта Парижа под Наполеоном III. В 1903 году наконец были разрешены луковые окна, а архитекторы в стиле модерн пошли в противоположную сторону, особенно в домах Жюля Лавиротта, которые были по существу большими скульптурными работами, полностью покрытыми украшением. Важный район домов в стиле модерн появился во французском городе Нанси, вокруг виллы Majorelle (1901-02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля. Он был разработан Анри Соваге в качестве витрины для дизайна мебели Мажореля.

Архитектурный стиль простирался от Бельгии и Франции до Германии, Швейцарии, Италии и Испании и остальной Европы, пользуясь разными именами и характером в каждой стране. Он достиг своего пика в 1910 году, и к началу Первой мировой войны он был практически закончен. Новый стиль, арт-деко, занял свое место.

Мебель
Дизайн мебели в стиле модерн был тесно связан с архитектурой зданий, архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель также часто была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальные конструкции обычно были очень сложными, с изгибающимися формами, которые стоили дорого. У этого также был недостаток, который владелец дома не мог изменить мебель или добавить части в другом стиле, не нарушая весь эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура в стиле ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.

Во Франции центр дизайна и производства мебели был в Нанси, где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель, были студиями и мастерскими, и там был основан Альянс индустрий искусств (позже названный Школой Нэнси) в 2001 году. Оба дизайнера основаны на их структуре и орнаментах на формах, взятых с натуры, включая цветы и насекомые, такие как стрекоза, популярный мотив в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что он использовал маркетри в рельефе, в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель была известна тем, что использовала экзотические и дорогие леса, а также прикрепляла бронзовые изделия к растительным предметам к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины для первых этапов производства, но все детали были закончены вручную. Среди других известных дизайнеров мебели в школе Нэнси были Эжен Валлин и Эмиль Андре; оба были архитекторами, обучаясь, и обе дизайнерская мебель напоминала мебель от бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которые имели меньше украшений и более внимательно следили за извилистыми растениями и цветами. Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дезфонтейнс, которые черпали вдохновение из неоготических стилей Виолет-ле-Дюка; и Жорж де Фейр, Эжен Гайяр и Эдуард Колонна, которые вместе с арт-дилером Зигфридом Бином работали над обновлением французской мебельной промышленности новыми темами. Их работа была известна как «абстрактный натурализм», ее единство прямых и изогнутых линий и влияние рококо. Мебель из Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и живописным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин, скульптор по обучению, в мебели которого фигурировали обнаженные женские формы и символические животные, особенно кошки, объединившие элементы стиля модерн с символизмом. Другими влиятельными дизайнерами Парижской мебели были Чарльз Плюмет и Александр Шарпантье. Во многих отношениях старый словарь и приемы классической французской мебели Rococo XVIII века были пересмотрены в новом стиле.

В Бельгии пионерские архитекторы движения в стиле модерн Виктор Орта и Генри ван де Вельде разработали мебель для своих домов, используя энергичные криволинейные линии и минимальную отделку. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше украшений, применяя латунные полосы в изогнутых формах. В Нидерландах, где стиль назывался Nieuwe Kunst или New Art, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали за другим курсом английского искусства и ремесла с более геометрическими рациональными формами.

В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто искусством и ремеслом, с суровым и геометрическим, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимальным декором. Континентальные узоры были гораздо более сложными, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах фигуры, так и в декоративных декоративных мотивах. В Германии мебель Петра Беренса и Югендстиля была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым украшением, прикрепленным к поверхности. Их цель была в точности противоположна французскому модерну; простоту конструкции и простоту материалов, для мебели, которая может быть недорогой и легко производимой массой. То же самое можно сказать о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером, Йозефом Хоффманом, Йозефом Марией Ольбричем и Коломаном Мозером. Мебель была геометрической и имела минимальную отделку, хотя в стиле она часто следовала за национальным историческим прецедентом, особенно в стиле Бидемейера.

Итальянский и испанский дизайн мебели ушел в своем собственном направлении. Carlo Bugatti в Италии спроектировал необычный стул улитки, покрытый крашеным пергаментом и медью, для международной экспозиции в Турине 1902 года. В Испании, следуя примеру Антони Гауди и модернистского движения, дизайнер мебели Гаспар Хомар разработал работы, которые были вдохновлены естественными формами с оттенками каталонских исторических стилей.

В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще всего вдохновлялся движением Arts and Crafts или историческими американскими моделями, чем в стиле модерн. Одним дизайнером, который представил темы в стиле модерн, был Чарльз Рольфс в Буффало, Нью-Йорк, чьи проекты для американской мебели из белого дуба были под влиянием мотивов кельтского искусства и готического искусства с прикосновениями к модерну в металлической отделке, нанесенной на куски.

керамика
В последней части XIX века было много технологических инноваций в производстве керамики, в частности, в производстве высокотемпературного (грандиозного) фарфора с кристаллизованными и матовыми глазури. В то же время несколько утраченных методов, таких как воловья глазурь, были заново открыты. На керамику в стиле модерн также влияли традиционная и современная японская и китайская керамика, чьи растительные и цветочные мотивы хорошо сочетались с стилем в стиле ар-нуво. Во Франции художники также заново открыли традиционные методы и изобрели новые мотивы. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, Жюль Лавиротта и Гектор Гимар среди них стали украшать фасады зданий керамической плиткой, многие из которых были сделаны фирмой Александра Биго, придавая им отличное модерн скульптурный вид. В керамике модерн быстро переместился в область скульптуры и архитектуры.

Одним из пионеров французских керамистов в стиле ар-нуво был Эрнест Чаплет, чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамические изделия под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полом Гогеном по керамическим рисункам с нанесенными фигурами, несколькими ручками, окрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликс Брачмонд, Жюль Далу и Огюста Родена. Его работы были отмечены на выставке 1900 года.

Крупные национальные керамические фирмы занимали важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальное производство за пределами Парижа; Нимфенбург, Мейсен, Виллерой и Бох в Германии и Дултон в Британии. Другие ведущие французские керамисты включали Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Эдмонда Лакенала, Альберта Даммауса (fr) и Огюста Делаерше.

Во Франции керамика в стиле ар-нуво иногда пересекала линию в скульптуру. Фарфоровая фигурка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонарда, сделанная для Национальной национальной кухни, получила признание в обеих категориях на Парижской экспозиции 1900 года.

Завод Жолнай в Печ, Венгрия, возглавлял Миклош Зсолнай (1800-1880) и его сын Вилмос Зсолнай (1828-1900) с главным дизайнером Таде Сикорски (1852-1940 гг.) Для производства керамики и другой керамики в 1853 году. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина. Он привел завод к всемирному признанию, продемонстрировав свои инновационные продукты на мировых ярмарках и международных выставках, включая Всемирную выставку 1873 года в Вене, а затем на Всемирной ярмарке 1878 года в Париже, где Жолнай получил Гран-при. В многочисленных зданиях, особенно во время движения в стиле модерн, использовались морозостойкие строительные конструкции Зсолнай.

Текстиль и обои
Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала стиля и неотъемлемым элементом интерьера интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные конструкции oWilliam Morris помогли запустить Движение искусств и ремесел, а затем в стиле модерн. Многие проекты были созданы для универмага Liberty в Лондоне, который популяризировал стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была Silver Studio, которая предоставляла красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были получены из школы Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош. Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, включая стилизованные яйца, геометрические формы и «Роуз Глазго».

Во Франции большой вклад внесли дизайнер Эжен Грассет, который в 1896 году опубликовал La Plante et ses applications ornamentales, предлагая проекты в стиле модерн на основе разных цветов и растений. Многие модели были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе, немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, в частности цикламенах и стиле «хлыстовой», основанных на цветочных стеблях, которые стали основным мотивом стиля. Бельгийский Генри ван де Вельде представил текстильную работу «La Veillée d’Anges» в Salon La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Пола Гогена и наби. В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся образцами батика из голландских колоний в Ост-Индии. Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Проект «Пять лебедей» Отто Экманн появился в более чем ста разных версиях. Венгерский дизайнер Янош Вазари объединил элементы модерна с фольклорными темами.

Ахмерова Э.Р. Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Page 1 of 2

Э.Р. Ахмерова (МГУ имени М.В. Ломоносова, ГТГ)
Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Стиль модерн на рубеже XIX-XX веков охватил всю Европу. В рамках этого стиля искусство в каждой стране имело свои особенности, и портрет обрёл местные, национальные черты, однако основополагающие принципы формообразования и иконографические мотивы модерна остались общими для всех стран¹. Д.В. Сарабьянов утверждает: «Наиболее последовательно иконография, присущая стилю модерн, выявилась в живописи и графике… именно применительно к живописи и графике мы можем совершенно законно, без натяжек говорить об определённых общностях сюжетов и мотивов»².  Под иконографией в данном случае мы понимаем некий условный набор образов, сюжетов, мотивов и художественных приёмов, свойственный искусству модерна.
Задача — рассмотреть и проследить, как иконография модерна проникает в портрет и влияет на него, а также определить особенности национального варианта портрета в стиле модерн, сравнивая, насколько это возможно, картины русских и зарубежных мастеров. Ранее разными исследователями предпринимались попытки сопоставления отдельных произведений, а актуальность данной работы — в стремлении обобщить все эти наблюдения и поставить русскую портретную живопись в единый контекст с европейской.
На стиль модерн в Европе и в России влияет академическое и салонное искусство. В поисках «большого» стиля мастера модерна стремились создавать подлинно монументальные парадные портреты. Тема парадного портрета является общей для стран, охваченных стилем модерн. Среди отечественных художников наибольший вклад в разработку парадного портрета внёс В.А. Серов. Его портрет княгини З.Н. Юсуповой мы попробуем сравнить с портретом Миссис Лайонел Филлипс итальянского художника Джованни Болдини, который был одним из самых востребованных портретистов своего времени. В своей живописи, в целом салонной, он использовал элементы модерна. Сопоставляя эти произведения мы наблюдаем ряд схожих черт, например, в построении композиции с размещением сидящей на диване фигуры в центре холста, с интересом к прямым вертикальным и волнообразным горизонтальным линиям, которые одновременно и членят и собирают в целое композицию. И у Серова, и у Болдини сказывается интерес стиля модерн к волнистой линии, к тонкому сложносочинённому колориту, к свободному, выразительному мазку, к декоративизму как принципу организации холста и к декоративной выразительности каждой детали изображения. Тем не менее, портрет Миссис Лайонел Филлипс — это образ светской дамы, богатой и роскошной, но не более. За этой показной пышностью мы не видим личности, характера. Портрет княгини З.Н. Юсуповой оказывается гораздо более сложным и глубоким. Серов всматривается в личность изображаемого им человека. Как подметил В.А. Леняшин, В.А. Серов хранит в искусстве портрета рубежа веков классическую верность лицу³. В этом лице, чрезвычайно индивидуальном, мы видим и доброту, и душевную мягкость, и открытость, и чувство собственного достоинства. Вместе с тем, перед нами не только, красивая женщина, но и аристократка из высшего общества, и модница, и гостеприимная хозяйка прекрасного дома. Эта многоаспектность образа и его глубина — черты русского национального искусства, и они поднимают портретную живопись (вообще, и в лице Серова в частности) на большую высоту.
Гораздо ярче отражают стилистику модерна не парадные портреты, а портреты представителей интеллектуальной и творческой элиты своего времени. И в Европе, и в России появляется новый тип человека: интеллектуального, делового и успешного, идущего в ногу со временем и интересующегося современной культурой. Именно такими предстают на портретах Серова и Болдини такие характерные личности конца века как В.О. Гиршман и Р. де Монтескью. Владимир Осипович Гиршман был русским купцом и меценатом, собирателем живописи и антиквариата, благотворителем Московского художественного театра. Граф Робер де Монтескью — французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств. В портретном искусстве стиль модерн ищет нестандартных решений, и на этих портретах каждая фигура показана в необычном динамичном повороте, с прямой спиной и гордо поднятой головой. Мужчины выглядят уверенными в себе, просвещенными, успешными и склонными к щегольству. В портрете Гиршмана у Серова это не очень очевидно, а вот в облике де Монтескью это свойство личности наглядно продемонстрировано: Болдини пишет блестящие, уложенные волнами волосы, лихо закрученные усы, модный костюм и белоснежные перчатки.
Эпоха конца XIX – начала XX века заново открывает и активно реализует в искусстве образ женщины-соблазнительницы, или женщины-вамп. На рубеже веков в Европе поднимаются и обсуждаются вопросы предоставления женщинам равноправия в общественной, трудовой и семейной жизни, в том числе права женщины на образование, на участие в выборах, право на труд и т.п. Женщины начинают чувствовать себя свободнее, увереннее, и это, конечно, отражается в искусстве. Пожалуй, ярче всего образ роковой женщины в портретной живописи стиля модерн воплотился в творчестве Густава Климта⁴ (Серена Ледерер и Роза фон Росторн-Фридман). Первое, что сразу привлекает внимание в его портретах — это глаза, изображению глаз художник придает особое значение. Во взглядах его дам заключена и энергия человека современной эпохи, и магнетическое обаяние, свойственное только женщинам. Дамы эпохи модерн смело и прямо взирают на зрителя с портретов В.А. Серова и Д. Болдини. Обе женщины облачёны в чёрные платья и находятся в сумрачном интерьере, отчего их лица и особенно эффектные тёмные глаза с пронзительным взглядом «в упор» сразу привлекают внимание. Сознавая силу своей женской привлекательности, героини новой эпохи держатся очень уверенно. Запечатлённые Л.С. Бакстом в «Ужине» и Анри де Тулуз-Лотреком в рекламном плакате кафе «Divan Japonais», они проводят время в ночных кафе и ресторанах, развлекаются и чувствуют себя там абсолютно в своей стихии.
Прямую аналогию в живописи стиля модерн в России и в Европе дают нам два парных портрета — «Автопортрет с сестрой» кисти В.Э. Борисова-Мусатова и портрет Марты и Мориса Дени (который также имеет названия «Автопортрет с женой» и «Десерт в саду») кисти Мориса Дени. По мнению Д.В. Сарабьянова, «они близки не только по задаче и времени происхождения, но и по одинаковым принципам построения парного портрета на основе внутренней близости персонажей»⁵. В этих портретах мы отметим тенденцию изображать человека в естественной природной среде, определённую жанровую трактовку портрета, высветленный колорит в холодных тонах, а также дистанцированность от зрителя изображённых персонажей, что особенно заметно у В. Э. Борисова-Мусатова.
В портретном искусстве модерн стремится перенести человека из реального мира в мир фантастический, мир мечты. Для воплощения такой задачи художник может, во-первых, трансформировать саму фигуру изображенного человека, во-вторых, трансформировать пространство, в котором находится модель, и, в-третьих, он может трансформировать и то, и другое одновременно.
Для передачи в живописи эффекта «воздушной лёгкости» тела человека Головин и Климт изображают своих героинь⁶ в пышных, многослойных платьях из матовой, струящейся ткани. Светло-розовое платье Сони Книпс подчёркивает только её осиную талию, а ноги, бёдра, плечи, грудь будто растворяются в обилии драпировок. Еще успешнее с «нейтрализацией» форм тела справляется Головин в «Портрете М.В. Воейковой». Он использует не масляную краску, как Климт, а пастель, что позволяет ему растушевать контуры, благодаря чему фигура модели превращается в парящее белое облако.
Приём «искажения» пространства и свободное обращение с перспективой в портрете мы наблюдаем в работе А. Я. Головина «Портрет М.А. Кузмина» и у Анри де Тулуз-Лотрека в «Портрете Анри Самари». При построении пространства в этих портретах художники используют точку зрения «сверху» и высокую линию горизонта. Доски, выстилающие пол, на портрете М.А. Кузмина уходят рядами диагонально влево, устремляя взгляд зрителя к фигуре и лицу, фокусируя на них внимание. В портрете Анри Самари пространство трудно идентифицировать: мы видим и дощатый пол, и ковёр на нём, и изображение деревьев, веток, цветов. Это пространство не имеет определённой глубины, оно трактовано как несколько разнофактурных и разнонаправленных плоскостей. Известно, что портрет М.А. Кузмина был написан в мастерской художника⁷, а Анри Самари, брат знаменитой актрисы Жанны Самари, который тоже стал актёром, запечатлён, скорее всего, на сцене на фоне декораций, но фантазия художников превращает эти обычные помещения в ирреальные пространства, где голубая стена начинает походить на небеса, а деревья растут прямо из дощатого пола.
Деформацию объемной формы и пространства можно отметить в портретах крупнейших мастеров  стиля модерн, например у М.А. Врубеля и Г. Климта. У Врубеля в «Портрете Н.И. Забелы-Врубель в кресле на фоне обоев» и у Климта в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I» мы наблюдаем характерный для модерна приём сочетания фигуры с орнаментальным фоном. Оба портрета выдержаны в тёплой золотистой гамме и представляют дам сидящими в креслах. Их фигуры смещены вправо от центральной оси, и весь фон покрыт орнаментом. Орнамент модерна очень разнообразен. У Густава Климта мы видим: горох, полоски, волны, спирали, завитки, квадраты, расположенные в шахматном порядке, орнаменты с цветочными мотивами, а также экзотические орнаменты — египетские глаза в треугольниках-пирамидках. Поток орнамента уплощает фигуру, растворяет объём. Даже причёска модели, трактованная плоскостно, превращается в орнаментальный мотив. У М.А. Врубеля этого не происходит: чувствуются формы тела модели и мягкие локоны причёски. Пространство интерьера в работе Густава Климта совершенно упраздняется. Из помещения, наполненного предметами, оно превращается в абстрактный фон для фигуры, которая сразу притягивает к себе взгляд зрителя. Фигура Адели Блох-Бауэр кажется проявляющейся из фантастического, ирреального пространства. У М.А. Врубеля ощущение интерьера тоже упраздняется,  правда орнамент не придумывается специально, а вводится в изображение как бы исподволь, в виде цветочного принта на обоях. Фигура Н.И. Забелы-Врубель получает неестественный S-образный изгиб, но всё же сохраняет объёмность. Удивительно сходными в этих портретах оказываются жесты. Кисть левой руки у Н.И. Забелы-Врубель и кисть правой руки у Адели Блох-Бауэр согнуты под прямым углом. Этот характерный «излом» формы, особенно в контрасте с расслабленной правой рукой модели, сообщает образам напряжённость и словно бы маньеристическую грацию, свойственную людям эпохи Серебряного века.
В творчестве русских художников рубежа XIX-XX вв. находится немало параллелей творчеству Густава Климта⁸. Например, приём сочетания фигуры и орнаментального фона мы встречаем у А. И. Савинова в работе «Арфистка. Портрет Т.С. Барцевой» и в «Портрете Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта. Фигура женщины на этих парадных портретах изображена в центре. Орнаментальный фон состоит из плоскостей с разным орнаментом, будто это несколько отрезов разноцветных тканей, сшитых вместе.
Сочетание профильного изображения лица с орнаментальным фоном становится визитной карточкой стиля Альфонса Муха («Лавр» и «Плющ»), но и в русской живописи можно встретить такой приём, например у И.С. Горюшкина-Сорокопудова в работе «Листопад. Портрет В.В. Иссинской».
Мотив танца и тема танца очень востребованы в искусстве модерна. Через танец художники выражают динамику, характер, порыв души. В стихии танца раскрывается скрытая сущность человека. Танцовщики и танцовщицы были любимыми моделями как русских, так и европейских художников. Это и Анна Павлова, и Тамара Карсавина, и Ида Рубинштейн, и, конечно, Лои Фуллер со своим знаменитым «серпантинным танцем». В этом же ряду стоят темпераментная Каролина Отеро с холста М. А. Врубеля, французская певица и танцовщица испанского происхождения, звезда и символ «la Belle Époque», и испанская танцовщица Анита де ла Фери с портрета работы Джованни Болдини.
Стиль модерн придавал большое значение символике цвета в живописи. Выбор цвета платья модели в портретном искусстве модерна нельзя считать случайностью. Для эпохи, которая мыслила символами, это невозможно. И М.А. Врубель, и В.Э. Борисов-Мусатов тщательно продумывали, во что будут одеты их модели и часто сами создавали для них эскизы туалетов. Густав Климт, крупнейший представитель европейского модерна, характеристику пространства, фигуры и выбор цвета и дизайна одежд модели возвёл в художественный принцип. Через всё искусство модерна в Европе и России проходит образ женщины в белом платье. Белый цвет всегда ассоциировался с молодостью, нравственной чистотой, непорочностью, возвышенными стремлениями. В ряду европейских дам в белом совершенно органично выглядит Н.Ю. Станюкович, запечатлённая В.Э. Борисовым-Мусатовым. Дама в чёрном становится своеобразным лейтмотивом модерна. В облегающее блестящее чёрное платье одета климтовская Роза фон Росторн-Фридман, в чёрном платье-амазонке предстаёт перед нами грациозная О.М. Нестерова и величественная М.Н. Ермолова. Излюбленная гамма модерна — голубой, фиолетовый, лиловый  — также проникает в портретное искусство. Эта гамма помогает художнику передать то самое потустороннее, мистическое, фантастическое, что ищет модерн в каждом предмете, явлении, природе и человеке. Лиловый цвет выбирает Климт для портрета Марии Хеннеберг и Муха для портрета своей сестры. Похожи на видения и фантастические миражи дамы в лиловом с холстов Врубеля и Борисова-Мусатова.
Подведем некоторые итоги. В произведениях М.А. Врубеля, А.Я. Головина, В.А. Серова, В.Э. Борисова-Мусатова и других русских художников эпохи модерн имеется ряд аналогий с европейской живописью. Это интерес к символике цвета, монументальным формам, а также целый ряд конкретных художественных приёмов, например, сочетание фигуры и орнамента, приём «искажения» пространства или фигуры модели и др. При сопоставлении с произведениями европейской живописи лучшими качествами русского портретного искусства остаются вдумчивый психологизм, особое внимание к «личному» и второстепенное значение «доличного», романтическая мечтательность и поэтизация образа.

живопись, графика, скульптура, ювелирные мастера, интерьер и мебель модерна — AMA Light Technologies на vc.ru

358 просмотров

В первой статье мы разобрали: терминологию, идею и особенность стиля модерн.

Во второй статье мы поговорили о: классификации, предмодерне и начальном периоде развития модерна.

В третьей статье мы обсудили: этапы развития и угасания модерна, архитектура модерна.

Если не успели ознакомиться переходите и читайте. Ставьте лайки и подписывайтесь на наш канал. Ваши отзывы помогают каналу публиковать новые, качественные материалы.

Сегодня мы поговорим о: живописи, графике, скульптуре, ювелирных мастерах, интерьерах и мебели в стиле модерн.

Живопись и модерн

Символисты оказали огромное влияние на живопись модерна. Именно символисты привнесли в живопись модерна стремления переходить от традиционной формы 19 века к новейшим европейским течениям, носившие порою условную принадлежность к той или иной стране.

Живопись модерна характеризуется идеей стремления создавать самостоятельную художественную систему. Один из основных представителей этой идеи стал Поль Гоген с «Понт-авенской школой». Отличительной особенностью картин и панно стиля модерн, является рассмотрение этих произведений, как элементы интерьера, создавая тем самым этими картинами новой эмоциональной окраски. Из-за этого, такое качество, как декоративность стала неотъемлемой частью живописи стиля модерн.

Поль Гоген

Для работ Густава Климта, Фернана Кнопфа и Михаила Врубеля характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментных фонов («ковровый фон») и «вылепленные» со скульптурной чёткостью фигуры и лица на первом плане, а в работах Леона Бакста, Александра Бенуа и Эдварда Мунка мы видим большие цветовые плоскости и тонкие подчёркнутые нюансы. Всё это придаёт картинам модерна сильную выразительность. Ещё символисты привнесли в живопись модерна символику линии и цвета. В модерне широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики. Распространение получили темы мира тайны, снов, легенд, сказок. Ярким образцом живописи модерна стали картины Густава Климта. Творцы модерна создавали свои картины практически по всему миру: Австрия, Великобритания, Германия, Италия, Голландия, Россия, США.

Густав Климт

Фернан Кнопф

Михаил Врубель

Леон Бакст

Александр Бенуа

Эдвард Мунк

Графика и модерн

В модерне сильно распространилась журнальная и книжная графика, афиши и плакаты. Вышло больное количество журналов в стиле модерн, например:

Мюнхенский «Югенд», Берлинский «Пан», Дармштадский журнал «Немецкое искусство и украшение», упомянутый в прошлой статье журнал «Студия» из Лондона, Фландрийский «С этого момента и позже», также уже упомянутый Парижский «Искусство и украшение» и «Белый журнал», Венский «Весна священная», Пражский «Бесплатные направления», Петербуржский «Мир искусства» и много других.

Журналы про модерн:

Графика – это та область из которой берут своё начало и разваются. Большое влияние на модерн оказала обложка, созданная для книги «Городские церкви Рена» английского художника и архитектора Артура Хейгейта Макмердо. Особенности дизайна, появившегося в 1883 году — это цвет, а также сильно изгибающиеся стебли и листья в одноцветном исполнении. Так как это была обложка книги, которая посвящалась архитектуре и купленная, вероятнее всего, британскими архитекторами, она оказала сильное влияние на создание изгибов и форм архитектурного стиля Ар-нуво.

«Городские церкви Рена» Артур Хейгейт Макмердо

Под конец 19 века был сформирован вид графического искусства, который называют плакат. Появление плакатов было обусловлено новой техникой литографии в типографской промышленности. Что позволило тиражировать плакаты сразу в несколько тысяч оттисков.

В создании Афиш и Плакатов прославился известный чешский художник Альфонс Муха и французский художник Эмиль Гарсе.

Альфонс Муха

Значительной фигурой английского модерна стал Обри Бёрдсли — автор иллюстраций к книге Оскара Уайльда «Саломея» и рисунков для журнала «Жёлтая книга».

Обри Бёрдсли

Бердсли отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — чёрная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Началась новая эра графики. Крайняя простота средств: только чёрное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. Но там, где он хотел показать свою поразительную «способность стараться», его техника становится похожей на тончайшее кружево: фронтисписы к «Саломее», к «Венере и Тангейзеру», «Вольпоне», сюите «Похищение локона».

Николай Кузьмин, Русский график

Скульптура и модерн

На скульптуру модерна, так же, как и на живопись сильное влияние оказал символизм. Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, её предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров:

Огюст Роден

Аристид Майоль.

Чешский модернист Франтишек Билека.

Наум Аронсон — он единственный из художников создал скульптурный портрет. Его работы украшают многие музеи и галереи мира.

Итальянский модернист Адольфо Вильдт

Модерн и ювелирное искусство

Форма листа или волны характерные признаки ювелирного искусства в стиле модерн. Избегание прямой геометрической формы, использование приглушенной пастельной и матовой палитры и материала, также принадлежат к отличительным чертам модерна в ювелирном искусстве. Не отказывались ювелиры от золота, но ювелирный стиль ар-нуво среди излюбленных материалов выделял полудрагоценные непрозрачные камни, такие как опал, лунный камень, бирюза, а также жемчуг, эмаль, слоновую кость. Бриллианты и другие драгоценные камни используются в изделиях ар-нуво преимущественно в качестве вспомогательных декоративных элементов. Основные мотивы были растения, животные, насекомые и сказки.

Среди наиболее выдающихся ювелиров эпохи модерна можно отметить:

Рене Лалик

Алексей Фализ

Луис Тиффани

Жорж Фуке.

Интерьер и модерн

Интерьер в эпоху модерна стал играть более важную роль — это было продиктовано архитектурой, которая создала новые способы компоновки внутреннего пространства и открыла путь к полному соответствию внешнего пространства внутреннему. Самым первым интерьером модерна можно считать знаменитую «Павлинью комнату», оформленную Джеймсом Уистлером в Лондоне. Интерьер строился на полном неприятии прежних архитектонических принципов оформления внутреннего пространства. Стены помещений покрывались не образующими, казалось бы, никакой закономерности причудливыми, асимметричными формами, капризно извивающимися линиями. Потолки декорировались, как правило, плоскорельефной гипсовой пластикой, стены оформлялись более красочно, занавеси делали светлыми.

Джеймс Уистлер «Павлинья комната»

Мебель и модерн

Исследователи традиционно отмечают, что создатели мебели эпохи модерн придерживались одной из двух линий: представители французской, чешской и венгерской разновидностей стиля модерн — декоративной (капризные формы и контуры), немецкие и английские мастера — конструктивной (прямолинейность, ясное построение). Причем последняя более характерна для немецких и английских изделий. Предметы, тяготеющие к конструктивной ясности линий и форм, более просты, элемент декора сведен в них к минимуму. Это направление полнее всего представлено в творчестве мебельных мастеров Рихарда Римершмидта и Отто Панкока. В Австрии, а затем и в Германии было освоено производство таких мебельных форм (особенно шкафов), которые уже во всех отношениях отличались от прежних типов. Предметы немецких, венских и английских мебельщиков, созданные в геометрическом «пуританском» стиле, яснее по конструкции и форме, проще, декор в них сведен к минимуму. Эта линия модерна ведет к подлинной современной мебели.

Рихард Римершмидт

Гладкие, нерасчлененные мебельные поверхности стиля модерн получаются благодаря переходу на механизированное фанерование и сборку. Считается, что изогнутые формы мебели модерна берут с рождение ещё в середине XIX в., когда знаменитая венская фабрика Михаэля Тонета запустила в производство стул, сконструированный из гнутой под паром древесины, — «венский стул».

«Венский стул» Михаэль Тонет

Одним из достижений модерна — считается то, что художники, проектировавшие мебель, наблюдали за осуществлением своих замыслов непосредственно в мастерских. Услугами проектировщиков пользовались даже при меблировке квартир в доходных домах. Это открывало возможность для осуществления идеи гарнитура, комплекта мебели. Близость художников—проектировщиков к производству благоприятно сказывалась на работе мастерских.

Французская, бельгийская и испанская мебель представлена изысканными шкафами-витринами и этажерками:

Луи Мажорель

Карло Бугатти

Антонио Гауди

Освещение и модерн

Выбор освещения в стиле модерн не лёгкая задача. Изогнутые линии светильников. Формы напоминающие природные мотивы листа или стебля растений. Светильники в форме волны или облаков. Это отличительные особенности освещения в стиле модерн, которое не идёт в разрез с общей картиной, а дополняет её. Чаще всего для подбора освещения приходится делать светильники на заказ, чтоб они идеально повторяли форму и орнамент помещения.

Природные мотивы светильников

Светильники в форме волны

Светильники в форме облаков

Множество разных компаний предлагает свои услуги на этом рынке, но не все отвечают заявленным критериям качества и способны предложить или изготовить то, что нужно именно Вам.

Но мы сможем Вам помочь закончить оформления дома в стиле модерн, чтобы никакой элемент не выбивался на общем фоне.

Переходите и заказывайте светодиодные дизайнерские светильники специально для Вас!

Не забывайте подписаться на наш канал, следите за новостями. Тут выходит много интересного.

11 Essential Art Styles to Know

Featured Pieces

Spherical Revelation by Peisy Ting

Sea Breath by Diana Malivani

Metamorphosis 4 by Aarti Bartake

The Concert Pianist by Ta Byrne

Le Bonbon by Ahn Sun Mi

Прыжок в лето Ната Зайкина

Сцена #24 (Отсюда и в вечность) Саймон Нг

Звездные часы ночью II Синта Тантра

Биосфера 12B Ромикон Револа

C № 3b Ван Ян

Порядок от Tetsuya Fukushima

Eethereal by Alexandre Manuel

OO от Ross Rudel

Dilation #1 от Irfan Hendrian

от TKT Design & Architecture

Beauty of the Nature By Sanjewa Nissanca

Beauty of the Nature By Sanjewa Nissanca

9

Beauty of the Nature By Sanjewa nissanca

. Herzon Dela Rosa

Fairyland G-I (W) Guang-Yu Zhang

Исследование секретов Zue Chan

Forgotten Flowers by Ketna Patel

No. 14 Wang Jianuo

Хороший воздух, Сурат Томорнсак

Сделано в Токио #1, Париват Анантачина

Король, Томоя Накано Смерть красавиц Юян Лю

Красный в снегу Го Хунвэй

Человеческая еда_6 Пан Мэнмэй

Белые розы # 3 Маунг Ау0005

Re: #02, Okusora Keita

The Study, Erdem Ergaz

Epic, Aji Yudalaga

Please Stand Up ‘Majulah Singapura’ # 2, Ahmad Shukri Mohamed

Faking Silence, by Shin-young Park, by

5

5

Tetsuya Fukushima

Sunset in the Garden City, Fong Qi Wei

423 Tampines Street 41, Darren Soh

Frenetic City_31, Zhou HanShun

Analogy X, Phyllicia Wang

0, декабрь 103,911 на

The Artling Team

---

Multifaceted by Vinay Sane

Художественный стиль описывает, почему произведение выглядит так, как оно выглядит. Это окно в творческий процесс художника, которое поможет вам понять видение художника, предмет и чувства, выраженные на холсте. В этом списке мы выделяем 11 основных стилей современного искусства и их характеристики с примерами, чтобы вы знали, что искать, и покупать в Интернете только те произведения искусства, которые соответствуют вашему вкусу и к которым вы можете относиться.

Spherical Revelation — Peisy Ting

Sea Breath — Diana Malivani

Metamorphosis — Sea Stories — Aarti Bartake

Абстрактное искусство, также известное как конкретное искусство или беспредметное искусство, может быть определено как стиль, в котором произведение искусства принимает элемент от реального мира и представляет его, используя формы, цвета, формы и знаки жестов, но отделенные от него самой истинной формы. Объекты представлены формами и знаками жестов, а цвета символизируют эмоции. Другими словами, этот художественный стиль представляет собой необъективную, нерепрезентативную форму искусства, которая стремится воспроизвести суть объектов из реальной жизни упрощенным или реорганизованным способом, чтобы подчеркнуть интерпретацию реальности художниками.

 

Концертный пианист — Та Тимкео

Ле Бонбон — Ан Сон Ми

Летний прыжок — Ната Зайкина

Сцена #24 (Отныне и во веки веков) — Саймон Нг

5 реалистического изображения и было целью художественного творчества с древних времен. Традиционно фигуративные художники стремились создавать работы, основанные на реальных источниках объектов, и часто изображали человеческие фигуры. Считается, что это контрастирует с абстрактным искусством — искусством, в котором не используются узнаваемые мотивы, — также известным как нерепрезентативное искусство. От его эволюции до современного искусства мы замечаем, что фигуративные произведения по-прежнему занимают прочное место в нашей современной сфере. Как и многие другие в мире современного искусства, фигуративное искусство объединилось с другими жанрами, такими как абстракционизм, кубизм и даже минималистское искусство, при этом сохраняя сильное чувство фигуративности.

Ночные звездные часы II — Синта Тантра

Биосфера 12 — Ромикон Револа

C № 3b — Ван Ян

Орден — Тэцуя Фукусима


Геометрическое искусство — это произведение искусства, созданное с использованием геометрических форм точки, линии, углы и формы. В этом художественном стиле используется ряд геометрических фигур от простого треугольника, квадрата и круга до сложных фигур, для создания которых требуется математика. В отличие от естественной формы органических форм, геометрические формы требуют точности и могут даже потребовать использования таких инструментов, как линейка или циркуль.

Этюд Сен-Марка — Александр Мануэль

OO — Росс Рудель

Замедление времени #1 — Ирфан Хендриан


ОТЗЫВ — TKT Design & Architecture

Минимализм представляет собой школу абстракции, лишенную личного выражения – или, по крайней мере, там, где личное самовыражение сведено к минимуму. Геометрические линии встречаются с предельной простотой касательной, а формы заведомо лишены выразительного содержания.

Что движет художниками-минималистами в создании того, что Фрэнк Стелла описывает как «что видишь, то и видишь», так это вера в то, что искусство во всей своей сущности и славе не должно относиться ни к чему, кроме самого себя. Художники, которые углубились в минималистское художественное движение, не ставили во главу угла личное самовыражение, а скорее ставили само искусство во главу угла своих творений. Они подталкивают зрителей к пониманию реальности искусства, которое им представлено, их среды и их материалов.


Красота природы — Sanjeewa Nissanka


Wilderness In Colorado — Herzon Dela Rosa

Fairyland G-I (W) — Guang-Yu Zhang

Исследование в тайне — Zue Chan

Искусство природы черпает вдохновение в элементах природы, таких как пейзажи, сады, животные и люди. Искусство природы доступно в различных средах, таких как живопись, рисунок и фотография, и эта популярность только возросла с развитием цифровых технологий. Изображение этого художественного стиля получило признание в современных и абстрактных формах в традиционных интерпретациях.

Забытые цветы — Кетна Патель

№ 14 — Ван Цзяно

Хороший воздух — Сурат Томорнсак

Сделано в Токио #1 — Париват Анантачина

Поп-арт можно описать как жанр, который курс послевоенной Америки и Великобритании в середине-конце 1950-х гг. Художники этого движения, отчетливо происходящие из популярной и массовой культуры, стремились исследовать переосмысление коммерческих образов. Более того, она уступила место определенной доступности в подходе к искусству с точки зрения зрителя; упрощенные, узнаваемые сюжеты позволили людям переваривать произведения этого движения менее высокопарно.

Поп-арт достиг своего расцвета в 1960-е годы. Первоначально, как способ сопротивления «доминирующим» подходам к искусству и культуре, художники этого движения чувствовали дисбаланс между тем, что они изучали, и тем, что непосредственно влияло на них в их повседневной жизни. Таким образом, они обратились к тому, что они считали релевантными изображениями, извлеченными из рекламы, музыки, комиксов, упаковки продуктов и так далее.


Король — Томоя

Взгляд мысленным взором — Кос Кос

Falling To Far — Кэтрин Лонгхерст

Анатомия пляжа — Виктор Ткаченко

Портрет можно в широком смысле определить как изображение сходства, характера, красоты, статуса или сущности конкретного человека. Этот древний художественный стиль развивался более 5000 лет от живописи, рисунка и скульптуры до фотографии и даже видеопортрета. Некоторые известные примеры портретной живописи включают Monalisa Леонардо да Винчи, портреты фараонов из древнего Египта или портреты греческих и римских императоров в виде скульптур и монет! Другой формой портретной живописи является автопортрет — репрезентативное или абстрактное или символическое изображение себя художником.

Смерть красавиц — Юян Лю


Красный снег — Го Хунвэй


Человеческая еда_6 — Пан Мэнмэй


Белые розы №3 — Маунг Ау


5 90 изображает неподвижные или неодушевленные предметы. Эти объекты могут быть искусственными или природными объектами, такими как еда, цветы, дичь, посуда и т. д. На темной стороне изображенный объект также мог быть мертвым человеком. Эти экстремальные образы придают этому стилю искусства проверенную временем глубину, прославляя материальные удовольствия мира или суровую правду о недолговечности этих удовольствий и человеческой жизни.

Костюм Stream — kiatanan iamchan

Трон — Simis Gatenio

Re: #02 — Okusora Keita

The Study — Erdem Ergaz

Движение, зародившееся в 1920-х годах, сюрреализм стремился проникнуть в бессознательное, таким образом выявление сопоставления иррациональных образов. Сюрреалистические образы — одна из самых ярких характеристик сюрреализма. Тем не менее, пытаясь определить его, находишься в довольно затруднительном положении. Ключевая цитата, полученная из сюрреалистического движения, принадлежит Андре Бретону, французскому писателю и поэту. Он определил сюрреализм как «психический автоматизм в чистом виде, с помощью которого предполагается выразить — словесно, посредством письменного слова или любым другим способом — действительное функционирование мысли». Бретон имел в виду, что художники могут игнорировать рациональное мышление, подключаясь к своему бессознательному. В дальнейшем это привело к «автоматизму» или «автоматическому письму», когда художники и писатели отбрасывали сознательное мышление и использовали в своей практике случайность.

Epic — Aji Yudalaga

Please Stand Up ‘Majulah Singapura’ # 2 — Ahmad Shukri Mohamed


Faking Silence — Shin-young Park

Continuity — Tetsuya Fukushima


Типографика новый шрифт для упорядочения текста в попытке передать сообщение. Шрифт — это способ создания букв алфавита для выражения определенного стиля, чувства, фирменного стиля или просто для удобства чтения. Типографика развивалась вместе с ростом печатной индустрии, и сегодня вы можете найти типографику повсюду — на уличных вывесках, плакатах, книгах и в Интернете. Этот художественный стиль является фундаментальным аспектом современного искусства и дизайна.

Закат в городе-саду — Фонг Ци Вей

423 Tampines Street 41 — Darren Soh


Frenetic City_31 — Zhou HanShun


Urbanized — Aasiri Wickremage

Городское искусство часто используется для описания городского искусства созданные художниками, живущими в этих городских пространствах или городах, изображающие городскую жизнь и опыт. Хотя городское искусство взаимозаменяемо используется с искусством граффити или уличным искусством, не все городское искусство создается как уличное искусство или искусство граффити, но также создается в студиях. Этот художественный стиль обращается к городскому образу жизни и пространству, а также фокусируется на негативных аспектах урбанизации и ее влиянии, таких как бедность, перемещение, окружающая среда и т. д.

 

Теперь, когда вы знаете, какие существуют стили современного искусства, почему бы не ознакомиться с нашей последней тщательно отобранной коллекцией произведений искусства. Вы также можете общаться с нашими опытными кураторами на любой странице продукта.

---

---

Artzine Категории

Искусство 101

Дизайн

Городские путеводители по искусству

Арт-ярмарки и выставки

Репортажи и интервью

Современные художники 0

Artling 90 | Britannica

Популярно на Britannica

• Новые семь чудес света
• 9 примечательных болотных тел (и что они нам говорят)
• 12 романов, признанных «величайшей книгой из когда-либо написанных»
• Изобретатели и изобретения промышленной революции

проверено Cite

Несмотря на то, что были приложены все усилия для соблюдения правил стиля цитирования, могут быть некоторые расхождения. Пожалуйста, обратитесь к соответствующему руководству по стилю или другим источникам, если у вас есть какие-либо вопросы.

Выберите стиль цитирования

MLAAPChicago Manual of Style

Написано

Мик Андерсон

Мик Андерсон является редактором Британской энциклопедии.

Мик Андерсон

Факт проверен

Редакторы Британской энциклопедии

Редакторы Encyclopaedia Britannica контролируют предметные области, в которых они обладают обширными знаниями, будь то многолетний опыт, полученный в результате работы над этим контентом, или в результате обучения для получения ученой степени. Они пишут новый контент, а также проверяют и редактируют контент, полученный от участников.

Редакторы Британской энциклопедии

Курирование этого контента осуществляется по усмотрению автора и не обязательно отражает точку зрения Encyclopaedia Britannica или ее редакции. Для получения наиболее точной и актуальной информации обращайтесь к отдельным статьям энциклопедии по темам.

© AbleStock.com/Jupiterimages

На рубеже 20-го века произошли перемены, главным образом в том, как люди начали воспринимать цивилизацию в целом и ее главную цель. Начало Первой мировой войны, или предполагаемой войны, которая положит конец всем войнам, и беспрецедентное опустошение, которое последовало за этим, бросили вызов основам систем верований многих культур, что привело к большому количеству экспериментов и исследований художников с моралью и определением того, что именно Искусство должно быть и должно быть для культуры. За этим последовал целый список художественных течений, стремившихся найти свое место в постоянно меняющемся мире.

• Постимпрессионизм

  Жорж Сёра: Воскресенье в Гранд-Жатт — 1884 Художественный институт Чикаго, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, каталожный номер. 1926.224 (CC0)

  Постимпрессионизм, который часто считают необходимым предшественником многочисленных художественных движений, сформировавшихся под эгидой модернизма, зародился в последние годы 19 века. Оно прославилось благодаря незабываемым работам Поля Сезанна, Жоржа Сёра, Винсента Ван Гога и других, поскольку они сосредоточились на расширении ограничений предшественника движения, импрессионизма, исследуя методы, которые позволили бы им получить более чистую форму выражения. , при этом в большинстве случаев сохраняя импрессионистское использование ярких и фантастических цветов, отображаемых короткими мазками. Постимпрессионисты, в отличие от многих представителей других художественных течений, в основном сочиняли свои произведения независимо от других, что позволяло им экспериментировать в разных направлениях, от усиленного импрессионизма, характерного для Ван Гога, до пуантилизма, как это видно в самой известной работе Сёра. Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт (1884–86).

• Фовизм

  Это известное авангардное движение считается одним из первых в своем роде, получивших процветание в начале 20-го века. Созданный Анри Матиссом, фовизм был в значительной степени обязан импрессионизму, поскольку он демонстрировал яркие цвета для захвата пейзажей и натюрмортов. Однако это стало самостоятельным движением, поскольку фовисты, такие как Матисс, привносили в свои картины повышенное чувство эмоциональности, часто используя грубые и вопиющие мазки и яркие цвета прямо из своих тюбиков, которые поначалу ужасали публику. Именно чрезмерная выразительность этих грубых и базовых техник побудила искусствоведа Луи Вокселя окрестить таких художников фов («дикие звери»). Среди других известных фовистов Андре Дерен, Морис де Вламинк и Жорж Брак, последний эволюционировал от неприкрытой эмоциональности фовизма к созданию более структурированных и логических фокусов кубизма, который считается прямым потомком фовизма.

• Кубизм

  Возможно, самое известное направление в искусстве эпохи модернизма. Кубизм стал ассоциироваться с одним именем, в частности, с Пабло Пикассо. Однако следует должным образом отметить, что Жорж Брак также был лидером движения и что он и Пикассо так хорошо работали друг с другом, что в разгар господства кубизма их картины практически неотличимы друг от друга. Часто отмечается, что кубизм начал свое окончательное движение с открытием 9-го века Пикассо.0271 Les Demoiselles d’Avignon (1907 г.), на котором изображены обнаженные женщины в изломанной перспективе и демонстрируется значительное африканское влияние. Тем не менее, это движение не получило своего названия до 1908 года, когда искусствовед Луи Воксель (снова!) изобразил дом Брака в L’Estaque как построенный из кубов. Главные цели кубистов заключались в том, чтобы отказаться от условностей прошлого, чтобы просто имитировать природу, и начать в новом ключе, чтобы подчеркнуть плоскую размерность холста. Этот эффект был достигнут за счет использования различных противоречивых точек обзора для рисования обычных объектов, таких как музыкальные инструменты, кувшины, бутылки и человеческая фигура. По мере того, как они продвигались в своей работе, Брак и Пикассо использовали монохроматическую шкалу, чтобы подчеркнуть свое внимание к внутренней структуре своих работ. Хотя кубизм обычно ассоциируется с живописью, он оказал длительное влияние на многих скульпторов и архитекторов того времени.

• Футуризм

  Умберто Боччони: Уникальные формы непрерывности в пространстве Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Завещание Лидии Уинстон Мальбин, 1989, 1990.38.3, www.metmuseum.org

  Возможно, один из Самым противоречивым движением модернистской эпохи был футуризм, который при беглом взгляде сравнивал людей с машинами и наоборот, чтобы принять изменения, скорость и инновации в обществе, отбросив при этом художественные и культурные формы и традиции прошлого. Однако в центре футуристической платформы стояло одобрение войны и женоненавистничества. Футуризм — придуман в 19Манифест 09 Филиппо Маринетти — не ограничивался одним видом искусства, а фактически был воспринят скульпторами, архитекторами, художниками и писателями. На картинах обычно изображались автомобили, поезда, животные, танцоры и большие толпы людей; а художники заимствовали фрагментированные и пересекающиеся плоскости у кубизма в сочетании с яркими и выразительными красками фовизма, чтобы прославить достоинства скорости и динамичного движения. Писатели сосредоточились на том, чтобы избавить свою поэзию от того, что они считали ненужными элементами, такими как прилагательные и наречия, чтобы акцент мог делаться на действии инфинитивных глаголов. Эта техника в сочетании с интеграцией математических символов позволила им делать более декларативные заявления с большим чувством смелости. Хотя первоначально футуристы были ярыми в своем утверждении достоинств войны, они потеряли пар, когда стали очевидными разрушения Первой мировой войны.

• Вортицизм

  Общественное достояние

  Специфически английское художественное движение, поскольку его рупором был знаменитый лондонский журнал Blast . возраст и охватил возможные достоинства динамических изменений, которые должны были последовать. Он был основан прямо перед началом Первой мировой войны знаменитым художником Уиндемом Льюисом и вездесущим поэтом эпохи модернизма Эзрой Паундом. Однако в то время как футуристы зародились во Франции и Италии, а затем распространились по континенту в Россию, вортицизм оставался локальным в Лондоне. Вортицисты гордились своей независимостью от подобных движений. В своей литературе они использовали грубую лексику, резонирующую с механическими формами, найденными на английских верфях и фабриках, и в своих произведениях, а также в своих картинах вортицисты поддерживали абстракцию как единственный способ разорвать связи с доминирующим и душит викторианское прошлое, чтобы они могли перейти в новую эру. Однако вортицизм, как и футуризм, изо всех сил пытался справиться с непостижимыми разрушениями во время Первой мировой войны, которые были результатом новых машин, которые они так высоко ценили. Когда Первая мировая война подошла к концу и ценились вортицисты, а именно Т.Е. Хьюм и Годлер-Бжеска погибли в бою, к началу 19 века вортицизм сократился до небольшого числа.20 с.

• Конструктивизм

  Модель «Памятник Третьему Интернационалу» © Tatlin; фотография © Moderna Museet, Stockholm

  По мере того, как кубизм и футуризм распространялись на запад, в Россию в конце 1910-х годов, они были поглощены утопическим духом Октябрьской революции, создав таким образом новое художественное движение, известное как конструктивизм, которое охватило теорию о том, что искусство должны быть «построены» из современных промышленных материалов, таких как пластик, сталь и стекло, чтобы служить общественной цели, а не просто делать абстрактное заявление. Часто приписывают толчок к движению Владимиру Татлину, который в 1913, во время учебы в Париже, находился под сильным влиянием геометрических построений Пикассо. Вернувшись в Россию, он вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо опубликовал в 1920 году «Реалистический манифест », в котором, подобно футуристам и вортицистам, заявлялось о восхищении машинами и технологиями, а также их функционализмом. Одним из самых знаковых произведений этого движения является «Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920)» Татлина , странная спиралевидная конструкция, которая должна была служить правительственным зданием. Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись «мертвым» видом искусства, если только она не должна служить чертежом чего-то, что должно быть построено физически. Поэтому они работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. По мере усиления советской оппозиции их движению многие конструктивисты бежали из России и вдохновляли движение в западных странах, таких как Германия, Франция и Англия, где они приобрели большое значение.

• Супрематизм

  Другим уникальным русским модернистским движением был супрематизм, возникший совместно с конструктивизмом, хотя и с более сильным акцентом и охватом абстракции, которую можно было рисовать на холсте. Это обозначено как первое движение, использующее чистую геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, так как он, наряду со многими своими современниками, является автором супрематического манифеста. Название движения произошло от цитаты Малевича, в которой он заявил, что движение будет вдохновлять «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Его главная цель состояла в том, чтобы сломать искусство до его голых костей, часто используя основные формы, такие как квадраты, треугольники и круги, а также основные и нейтральные цвета. По мере того, как он продвигался в своей работе, Малевич включал больше цветов и форм, но он олицетворял движение в своих картинах «Белое на белом», на которых едва виден слабо очерченный квадрат. Супрематизм часто был пропитан духовно-мистическим подтекстом, что добавляло ему абстракции, и, как и в случае с конструктивизмом, движение, по сути, полностью прекратилось с усилением советского гнета.

• De Stijl

  Предоставлено Haags Gemeentemuseum, Гаага

  Название De Stijl (по-голландски «Стиль») адекватно резюмирует цель этого движения, а также характеризует его намерения по достижению этой цели: с простым, прямым подходом. Основанный группой голландских художников в Амстердаме, в которую входили Тео ван Дусбург (который основал периодическое издание группы De Stijl ), Пит Мондриан и Якобус Йоханнес Питер Оуд, De Stijl был пропитан большим количеством мистицизма, проистекающим, прежде всего, из преданности Мондриана. к теософии. Движение также имело большое влияние парижского кубизма, хотя члены De Stijl считали, что Пикассо и Брак не смогли зайти достаточно далеко в царство чистой абстракции. Они, как и супрематисты, работали в основном в абстрактном стиле и с неприукрашенными формами, такими как прямые линии, пересекающиеся плоские поверхности и основные геометрические фигуры, а также с основными цветами и нейтральными. С помощью этих методов они стремились исследовать законы равновесия, проявляющиеся как в жизни, так и в искусстве. Хотя в движение входили художники, скульпторы, типографы, поэты, представители декоративно-прикладного искусства, это были архитекторы, прежде всего Уд с его рабочим жилым комплексом в Хук ван Холланд (1924–27), которые смогли лучше всего уловить строгую и гармоничную суть движения.

• Дадаизм

  Возможно, лучше всего подытоживая знаменитого дадаистского поэта Хьюго Болла, дадаистская цель искусства заключалась не в том, чтобы искусство было «самоцелью, а [было] возможностью для истинного восприятия и критики время, в которое мы живем». И наверняка времена дадаизма были наполнены горем, разрушением и хаосом, поскольку они были свидетелями безудержного массового опустошения Первой мировой войны. Движение представляло собой разрозненную международную сеть, которая была видна в Цюрихе, Швейцария; Нью-Йорк; Берлин, Кельн и Ганновер, Германия; и Париж. Дадаистов не связывали их стили, средства или техники. Вместо этого они были связаны своими единообразными обычаями и верованиями. Они считали себя борцами против рационального мышления, которое они считали ответственным за упадок социальных структур, рост коррумпированной и националистической политики, а также распространение насилия и войны. Они бросили вызов и высмеивали определение искусства и его элитарное учреждение такими работами, как Марсель Дюшан 9.0271 Fountain (1917 г.), который представлял собой фарфоровый писсуар, и они использовали фотомонтажи, а также множество других художественных средств на своих публичных собраниях в знак протеста против зарождающейся нацистской партии в Германии. Дадаисты по всему миру решительно боролись против таких репрессивных социальных институтов, хотя некоторые списывали их как просто абсурдных и несущественных из-за их многочисленных выходок и разрозненной сети.

• Сюрреализм

  Как одно из самых известных художественных направлений эпохи модернизма, главным образом благодаря неизгладимой работе Постоянство памяти (1931) Сальвадора Дали, сюрреализм запомнился своим созданием интуитивно понятных, захватывающих и эстетичных образов. Отталкиваясь от абсурдистских наклонностей дадаистов и психоаналитических сочинений Зигмунда Фрейда, Андре Бретон, известный поэт и критик своего времени, опубликовал в 1924 году «Манифест сюрреализма», в котором заявил о намерении группы объединить сознание с бессознательным, чтобы царства сна и фантазии могли слиться с повседневной реальностью в «абсолютную реальность, сюрреальность». Хотя их лучше всего помнят за работы их художников, таких как Жан Арп, Макс Эрнст и Андре Массон, сюрреалисты работали с различными средами, включая поэзию, литературу, скульптуру и тогдашнюю новую среду кино. Поскольку Бретон был воинственным в соблюдении его манифеста членами движения, многие участники откололись от новых форм искусства, хотя все еще включали приемы и мотивы сюрреализма.

Что такое современная живопись? | Art News by Kooness

Модернизм развивался между 19 и 20 веками. В том числе многие формы искусства и движения, художники порывают с прошлым. Глядя на современные картины, мы можем понять идеи, которые заставляют современных художников сосредоточиться на своей работе и дистанцироваться от традиций изобразительного искусства.



Статьи по теме: Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве – 20 современных художников, которых вы должны знать – 30 основополагающих картин современного искусства маслом

В Европе к концу 1800-х и началу 1900-х годов растущее богатство буржуазии заставило нас рассматривать этот период как период процветания. Действительно, мы называем этот период прекрасной эпохой. Но бедность широко распространена, и лишь немногие извлекают выгоду из растущей экономики.

Классовое общество полно несчастья и социально-политической напряженности. Действительно, условия, в которых жил и работал рабочий класс, а также борьба за право голоса женщин стали центральными темами с подъемом капитализма. Те самые контрасты, которые характеризуют этот период, ведут к Новому времени. На самом деле художники недовольны традицией. Цель и средства искусства должны измениться.

Модернизм, развивавшийся до 1960-х годов, включает в себя различные художественные стили и множество дальновидных художников. Это эпоха экспериментов, в которой рождаются новые способы представления реальности. Импрессионизм, кубизм, экспрессионизм, примитивизм (подробнее здесь): способы использования материалов и сред, и даже цели искусства резко меняются. Все это благодаря созданию новых, раскрепощенных эстетических стандартов и все происходит в темпе, который раньше вряд ли мог казаться возможным.

 

Эдуар Мане, Олимпия, 1863 г., предоставлено Blogspot.com © RMN-Grand Palais (Musee d’Orsay) / Hervé Lewandowski.

 

С чего начинается модернизм?

В 1863 году парижский художник Эдуард Мане нарисовал Олимпию. Мане представляет его на Парижском салоне, ежегодной официальной художественной выставке, на которой представлены только произведения искусства, одобренные Академией изящных искусств. Реакция на это произведение искусства навсегда вошла в историю искусства. Это начало модернизма.

Один взгляд на эту картину, и мы возвращаемся к художественным традициям. В частности, это напоминает нам о том, как на протяжении веков изображали женщин, и особенно о богине Венере, лежащей на кровати в точно такой же позе. Но кто эта женщина на картине Мане? А что сделал Мане с нежной красотой Венеры?

Шокирует всех, кто пытается похвастаться своим классом, богатством и нравственностью: Олимпия — проститутка. Хотя скандальна не ее нагота, а то, как она пристально смотрит на зрителя, как бы противопоставляя ему его поверхностную мораль. На самом деле она зарабатывает себе на жизнь тем, что угождает тем самым мужчинам, которые публично осуждают проституцию как аморальную.

Олимпия с черным кружевом на шее лежит на расстегнутой кровати — именно там, где несколько мгновений назад мог произойти нечистый поступок. Она даже до сих пор носит свои тапочки! А с кошкой у ног, символизирующей похоть и неверность, она точно не демонстрирует «девственную невинность» Венеры. Как могла буржуазия смотреть на эту картину с хорошо знакомыми ей символами и отворачиваться?

Эта картина критикует общество и, конечно же, считается аморальной – как и сам поступок. Но не только современная тема вызывает такую ​​реакцию. Техника, которую Мане использует в этой картине, быстра и неточна по сравнению с абсолютной точностью реализма. Со всех сторон эта картина произвела настоящий скандал! И именно с этой картины, по мнению многих искусствоведов, Мане называет себя пионером модернизма, начиная то, что еще предстоит воспринять его современникам.

 

Какова критическая идея модернизма?

Модернизм — это «дисциплина», которая «критикует саму дисциплину», по словам искусствоведа Гринберга. Объясняя философское движение, Гринберг разрушает идею антитрадиционных форм искусства. Но что подразумевает этот автор под «дисциплиной», которая «критикует саму дисциплину»?

При взгляде на реалистичную картину объект кажется центральным. Напротив, в модернизме в центре внимания находятся среда, краска и материал. Другими словами, современное искусство не скрывает ограничений среды: двухмерность, плоскость, непрозрачность, мазки и нереалистичные пигменты. Для модернистов, которые видели, как фотография становится все более и более распространенной, это настоящие преимущества живописи.

 

Клод Моне, Руанский собор, конец дня, 1894 г., предоставлено Викискладом, общественным достоянием.

 

Возьмем, к примеру, движение импрессионистов. С этой группой художников и их пленэрными картинами современной жизни Искусство становится тесно связанным с уникальностью своего носителя. Пигменты и мазки хорошо видны, а не скрыты! Глядя на серию работ Клода Моне «Руанский собор» (1892–1894), очевидны преимущества краски, а также чувствительность художника. Импрессионисты пытаются запечатлеть в своих картинах определенный момент, атмосферу и свет. И это то, чего нельзя было достичь с помощью фотографии или канонов прошлого.

Эпоха Просвещения, в которой наблюдателя больше интересовала невидимость художника и ученого, смотревшего на окружающий мир с его тишиной, теперь ушла в прошлое. Модернизм отвечает звуку прогресса, беспорядков и, конечно же, напряженности, которая привела к Первой мировой войне. На самом деле в начале 20 века художники наконец-то могут обратить внимание на настоящие преимущества живописи. Они начинают использовать эту среду в своих интересах, изучая формы, цвета и экспериментируя со свободой жестов. Они начинают представлять то, как художник видит вещи.

Импрессионизм — это только первый шаг. Фактически против импрессионистов вскоре выступают постимпрессионисты. Вдохновленные простыми графическими эффектами японских гравюр, они подчеркивают не только свет. Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген должны стать крупными фигурами в развитии модернизма. Действительно, Сезанн заложил основы кубизма, сосредоточив внимание на формах, цвете и плотности, Ван Гог — экспрессионизма с эмоциональной весомостью каждого мазка, а Гоген — примитивизма, когда он бежал из западного мира, чтобы исследовать представление других культур. Их произведения становятся основой теорий и манифестов (крайне близкого) пика модернизма.

 

Фил Родер, Вид инсталляции «Авиньонские девицы» (1907 г.) Пабло Пикассо, 12 декабря 2014 г., предоставлено Филом Родером и Flickr © Phil Roeder.

 

Пик: авангард

Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген лидируют, исследуя преимущественно в одиночку. Но по мере того, как большему количеству художников необходимо порвать с прошлым, они начинают формировать группы в соответствии с общими взглядами на цель своего искусства и способы ее достижения. Они, как известно, придают форму различным авангардным движениям.

Эти авангардные движения являются отличительной чертой модернизма. Чаще всего у этих художников есть манифест, описывающий их цели и средства — как у тех, кто находит себя в дадаизме, кубизме, сюрреализме, фовизме и футуризме. Действительно, они очень серьезно относятся к цели и разрывают с прошлым. Определяя и выделяя себя благодаря этим манифестам, они вводят новые способы видения через искусство, манипулируя им, чтобы представить свое представление об истине – подлинно политической!

Произведения этого периода поистине шокируют. Отличным примером являются «Авиньонские девицы» (1907), представляющие кубизм. В этой работе, написанной известным испанским мастером Пабло Пикассо, присутствует сильная идея основательности, но она достигается совсем другим способом по сравнению со светотенью прошлого. Он берет начало от изучения форм и цветов, лежащих в основе творчества Поля Сезанна. Но здесь разрыв с прошлым выходит на другой уровень.

Как и другие произведения кубизма, пять женщин, изображенных на картине Пикассо, видны с разных сторон – словно разбитые. Две фигуры даже напоминают африканские маски, что делает разрыв с западной традицией еще более очевидным. Женщины почти не похожи на людей — совсем не похожи на идеально гармоничные статуи древности! Но, тем не менее, четкие линии, формы и цвета передают идею основательности и формы. Пикассо достигает этого, подчеркивая различные углы, под которыми можно увидеть объемы — как если бы он разбил изображение, чтобы затем воссоздать его на холсте.

 

Анри Матисс, Десерт: Гармония в красном (Красная комната), 1908 г. , предоставлено HenriMatisse.org.

 

Другое движение, больше ориентированное на цвета, чем на объемы, — это Les Fauves — буквально дикие звери. Исключительным примером является картина французского художника Анри Матисса «Десерт: Гармония в красном» (Красная комната) (1908). В картине Матисса холст используется как плоская поверхность. Нас не бросает в строгую перспективную иллюзию, не тянет затеряться в бесконечности вида за окном при взгляде на это произведение искусства.

Перспективный? сфумато? От этих приемов полностью отказываются, поскольку Матисс упрощает изображение, чтобы дать пространство цветам, которые он дико распределяет по холсту. Мы теряемся в узоре, который доминирует и, казалось бы, сливает стену и стол. Остальные элементы становятся декоративными деталями, лишь подчеркивая плоскостность этой картины.

 

Гюстав Климт, Девственницы, 1913, предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.

 

Другим важным примером, подчеркивающим другое важное измерение, являются «Девственницы» Гюстава Климта (1913). Эта картина, образец венского экспрессионизма и стиля модерн, иллюстрирует внутреннее психологическое измерение, взятое из психологической теории Зигмунда Фрейда.

На этой картине одновременно изображены разные этапы жизни женщины. Вместо скульптуры фигуры становятся декоративными, теряясь в цветочных и спиралевидных мотивах, типичных для модерна. Это подчеркивает эфемерность человеческой жизни, напоминая нам о постоянных изменениях, с которыми сталкиваются мир и люди.

Более того, все эти примеры являются критикой моралистических и стандартных взглядов прошлого. Представляя вещи очень по-разному, они фокусируются на точке зрения человека. Эти новаторские художественные стили освобождают художников, позволяя им исследовать различные способы рисования вещей.

 

Разрыв с изобразительным искусством

До этого момента внешний мир остается центральным элементом создаваемых произведений искусства, даже если он может стать неузнаваемым. Но после Первой мировой войны важность жизни человека вскоре становится больше, чем простое предположение — как в произведении Климта. Фактически, группа художников начинает сосредотачиваться на невидимом, внутреннем мире подсознания: сюрреалисты. Выходя за рамки поразительного чувства, вызванного дадаизмом, сюрреализм стремится представить «настоящую правду» бессознательного.

 

Рене Магритт. «Угроза убийцы», 1927 г., предоставлено Музеем современного искусства и фондом Кей Сейдж Танги. © Charly Herscovici / ADAGP / ARS 2013.

 

Психоаналитическая теория Зигмунда Фрейда и его исследование сновидений были в центре творчества сюрреалистов. У таких художников, как Жоан Миро и Рене Магритт, бессознательное высвобождается на холсте благодаря свободным ассоциациям и автоматическому рисованию. Примеры: «Угроза убийцы» Магритта (1927) или «Женщина и птица в лунном свете» Миро (1949). Но, хотя они не сосредотачиваются на внешнем мире, многие из их работ остаются очень фигуративными.

 

Жоан Миро, Женщины и птица в лунном свете, 1949, предоставлено галереей Тейт © Tate

 

Постепенно эмоции, действия и чувства приобретают все большее значение в современной живописи. Но как они могут быть представлены через среду, которая до сих пор знала только предметы и тела, изучаемые в Академии? Ответ заключается во введении абстракции. Такие художники, как Василий Кандинский, Пауль Клее и Пит Мондриан, руководствуясь музыкой или придерживаясь лишь нескольких точек, линий, форм и цветов, ослабляют прочную связь с физическими объектами и телами. Наконец, эти художники отказались от того, что было необходимо до 19 века.век. Например, в «Вечернем огне» Пауля Клее (1929) единственное, что осталось от сцены, на которую ссылается название, — это цветные блоки — отдаленное эхо фигуративного искусства.

 

Пауль Клее, «Пожар в полнолуние», 1933 год. Предоставлено Museum Folkwang и Artribune.com.

 

По мере того, как к середине 20-го века принимаются новые стандарты свободной среды, представленные в начале 1900-х годов, поздних модернистов 50-х и 60-х годов ждет благодатная почва инновационных и новаторских идей. Важность самого произведения искусства превосходит важность объекта — реального или воображаемого. Ни объект, ни субъект больше не нужны. Живопись как медиум теперь существует сама по себе.

 

Джексон Поллок, номер 1, 1948 год, предоставлено Jackson-Pollock.org.

 

Вдали от европейских традиций американские художники Джексон Поллок и Марк Ротко воспользовались возможностью исследовать жестикуляцию и живость живописи. Например, картина Джексона Поллока «Номер 1» (1948) была создана с использованием его знаменитой техники, в которой он фактически наливал, капал и бросал краску на холст — «Живопись действия». Название говорит само за себя: сам акт рисования находится в центре современной живописи. С другой стороны, у Марка Ротко основное внимание уделяется наблюдению. Глядя на картину, зритель почти ошеломлен. Интенсивность цветов в Untitled (1950-1952) не позволяют увидеть ничего, кроме краски.

Что после этого? Это конец модернизма? Вопросы, которые задают себе даже искусствоведы Розенберг и Гомбрих, но, наверное, этот вопрос еще не может иметь определенного ответа. По мнению некоторых, модернизму бросает вызов постмодернизм 1960–1970-х годов с поп-артом и промежуточным искусством. Но эта идея все еще очень открыта для обсуждения. Некоторые задаются вопросом, закончился ли модернизм вообще. Действительно, глядя на современные произведения искусства, актуальность модернизма нельзя игнорировать — но когда искусство перестает оглядываться на историю искусства, чтобы заново изобретать себя?

 

Марк Ротко, Без названия, 1950-2, предоставлено Тейт © Тейт.

 

Изображение на обложке: Фил Родер, Инсталляция «Авиньонские девицы» (1907 г.) Пабло Пикассо, 12 декабря 2014 г., предоставлено Филом Родером и Flickr © Phil Roeder.

Автор Зои Ривас Занелло

Оставайтесь с нами в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства.

Современное искусство — Термины и концепции современного искусства

Краткое изложение современного искусства

Современное искусство представляет собой развивающийся набор идей ряда художников, скульпторов, фотографов, исполнителей и писателей, которые — как индивидуально, так и коллективно — искали новые подходы к созданию произведений искусства. Хотя современное искусство зародилось в ретроспективе примерно в 1850 году с появлением реализма, подходы и стили искусства определялись и переопределялись на протяжении 20 ^– веков. Практики каждого нового стиля были полны решимости разработать визуальный язык, который был бы одновременно оригинальным и репрезентативным для того времени.

Удалить рекламу

Удалить рекламу

Обзор современного искусства

Быстрый рост промышленности и прогресс технологий побуждали художников представлять мир новыми и инновационными способами. Результатом стало искусство, которое приобрело новые цвета, альтернативные формы, эмоциональные выражения и эксперименты с абстракцией.

Читать полный обзор

Важные художники и произведения современного искусства

Развитие искусства

1873

Impression, Sunrise

Художник: Клод Моне

В этом основополагающем произведении современного искусства свободное обращение Моне с краской и его внимание к свету и атмосфере в пейзажной сцене — все это ключевые характеристики импрессионизма, который многие считают первым полностью современным движением. Использование Моне абстракции вызывает в памяти то, что художник почувствовал или испытал , когда рисовал сцену, что было весьма необычным подходом для художника того времени. Название работы, Впечатление, Восход не только дал критикам название, которое позже получит движение, но и передает преходящий, мимолетный и субъективный характер картины. Это визуальное впечатление Моне от того, что он наблюдал во время восхода солнца.

Холст, масло — Musée Marmottan Monet

1898-1906

Большие купальщицы

Художник: Поль Сезанн в естественной обстановке. Серии обнаженных тел расположены в различных положениях, как объекты в натюрморте, под стрельчатой ​​аркой, образованной пересечением деревьев и неба. Сезанн пытался отойти от импрессионистских мотивов света и естественного эффекта и вместо этого составил эту сцену как серию тщательно выстроенных фигур, как будто создавая скульптуру своей кистью. Его больше заботило то, как формы занимают пространство, чем запись своих визуальных наблюдений. Это разрушение обычного иллюзионизма и радикальное стремление к усилению абстракции считается важным предшественником кубизма.

Холст, масло. Художественный музей Филадельфии

1907

Авиньонские девицы

Художник: Пабло Пикассо

Для Авиньонские девицы искусство, экспрессионизм и постимпрессионистские картины Поля Сезанна. Объединение этих, казалось бы, разрозненных источников в одном произведении стало новым подходом к созданию произведений искусства и показывает, насколько расширились взгляды художников с ростом модернизма. Первоначально картина вызвала серьезные споры из-за изображения сцены в публичном доме, а также из-за зубчатых, выступающих и абстрактных форм, используемых для изображения женщин. Это также широко считается произведением искусства, положившим начало движению кубизма. Разнообразие стилей, включенных в эту работу — от иберийской скульптуры, отсылающей к женским телам, до скульптурной деконструкции пространства, заимствованной у Сезанна, — не только представляет собой явный поворотный момент в карьере Пикассо, но и делает картину невероятно ярким достижением современности. эпоха.

Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1917

Фонтан

Художник: Марсель Дюшан как искусство — помогли переопределить, что представляет собой произведение искусства в современную эпоху. Отныне уникальное произведение искусства больше не требовало акта творчества художника или визуального свидетельства руки художника в его создании, художнику просто нужно было обозначить произведение как искусство, чтобы оно считалось таковым. Дюшана Fountain представляет собой серийный фарфоровый писсуар, перевернутый на спину и с надписью R. Mutt, представляющей собой комбинацию названия сантехнической компании и комикса. Используя повседневный сборный объект, Дюшан заставил зрителя пересмотреть определение искусства и того, кто дает это определение. В частности, эта работа и другие реди-мейды оказали большое влияние на более поздние направления поп-арта, которые сосредоточились на объединении низкого и высокого искусства, а также на концептуализме, в котором идея, стоящая за произведением искусства, так же важна, как и конечный объект.

Фарфор. Художественный музей Филадельфии

1931

Постоянство памяти

Художник: Сальвадор Дали

Эта культовая сюрреалистическая картина натуралистично изображает потусторонний пейзаж, где время представляет собой череду тающих часов, окруженных роящимися муравьями. распад, органический процесс, который очень увлекал Дали. Он стремился изобразить «образы конкретной иррациональности», выводя из подсознания на холст навязчивые сновидения, такие как это аллегорически пустое пространство, где время не имеет власти. Знаменитое и яркое воображение Дали, его увлечение образами и метафорами сновидений, а также его исследование человеческого подсознания — все это соответствует ключевым характеристикам движения сюрреализма начала 20-х годов.0537-й век.

Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1950

Осенний ритм (номер 30)

Художник: Джексон Поллок в процессе создания работы Джексон Поллок помог определить идею живописи действия. С помощью этих картин Поллок — один из самых известных абстрактных экспрессионистов — открыл для своего бессознательного новый абстрактный визуальный язык, который вышел за пределы фрейдистского символизма сюрреалистов. Он разорвал жесткое, плоское пространство кубистических картин, заменив его густой паутиной линий и форм, подобной непостижимой галактике звезд. В некотором отношении эта работа напоминает импрессионизм и Сюрреализм, в свободном, жестовом нанесении краски и бессознательном характере выражения, ложащегося на холст.

Холст, эмаль. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1954-55

Флаг

Художник: Джаспер Джонс Абстрактные экспрессионисты, изображая узнаваемый предмет повседневного обихода, который, по словам Джонса, «видят, но не смотрят». Хотя работа репрезентативна, картина также абстрактна в своих многочисленных фактурах, слоях и материалах, включая полоски газеты, закрашенные энкаустикой, и тактильные мазки, создающие живописную, выразительную поверхность. Джонс превращает флаг, трехмерный объект, в двухмерную картину. Эта практика присвоения знакомых предметов напомнила практику более ранних дадаистов, особенно Марселя Дюшана, который произвел революцию в современном искусстве с помощью реди-мейда. Подход Джонса с его 9Картины 0561 Flag возродили интерес к дадаизму и стали важным предшественником поп-арта, особенно благодаря использованию им повседневных предметов массового производства.

Энкаустика, масло, коллаж на ткани, наклеенной на фанеру, три панели — Музей современного искусства, Нью-Йорк

1962

Мэрилин Диптих

Художник: Энди Уорхол

Энди Уорхол завершил эту работу (первая из многие посвящены Мэрилин Монро) вскоре после безвременной кончины актрисы 19 августа62. Изображение Монро, которое Уорхол переработал и использовал для всех своих шелкографических картин Мэрилин , было взято из рекламного кадра, первоначально использованного для фильма Ниагара . Не отличаясь от уорхоловских мотивов банок с супом Кэмпбелл или коробок Brillo, художник складывает и повторяет здесь одно и то же изображение Монро, как если бы она была потребительским товаром в продуктовом магазине. Сопоставляя яркие цвета с монохромом в диптихе, Уорхол намекает на ее смертность. Хотя Уорхол был большим поклонником актрисы, в этой и подобных работах он признавал, что знаменитость сама по себе является потребительским товаром. Мэрилин Диптих задуман как дань уважения покойной иконе и как резкий комментарий к тому, как мы стали относиться к этим иконам поп-культуры в современную эпоху.

Шелкография, синтетическая полимерная краска на холсте. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Artwork Images

1969

One Ton Prop (Карточный домик)

Художник: Ричард Серра

One Ton5 Pro29 предвосхищает зрелые работы Серры, в которых сталь воплощает гравитацию, вес, противодействие, извилистое движение и другие физические и визуальные свойства. Эта скульптура, состоящая из четырех скрученных листов свинца, опирающихся друг на друга, является не столько визуальным упражнением для зрителя, сколько интеллектуальным упражнением, заставляющим задуматься о физических свойствах, которые позволяют изделию оставаться в вертикальном положении, а не разрушаться. Беспрецедентная сложность такой работы довольно типична для постминимальной скульптуры, которая опиралась на множество визуальных источников и теорий для вдохновения. Пока One Ton Prop воплощает в себе определенные принципы минимализма, концептуализма и даже дадаизма, его обычно называют процессным искусством, потому что процесс его построения заложен и очевиден в окончательной работе. Множественность источников и возможных стилей типична для плюралистического современного мира и сопутствующего ему современного искусства.

Свинцовая сурьма, четыре пластины — Музей современного искусства, Нью-Йорк




Удалить рекламу

Определение современного искусства

Современное искусство является ответом творческого мира на рационалистические практики и взгляды на новую жизнь и идеи, порожденные технологическими достижениями индустриальной эпохи, которые заставили современное общество проявить себя по-новому по сравнению с прошлым. Художники старались представить свой опыт новизны современной жизни надлежащими инновационными способами. Хотя термин «современное искусство» применяется к огромному количеству художественных жанров, охватывающих более века, с эстетической точки зрения современное искусство характеризуется намерением художника изобразить предмет таким, какой он существует в мире, в соответствии со своей уникальной точкой зрения и характеризуется отказом от принятых или традиционных стилей и ценностей.

Начало современного искусства

Классическое и раннее современное искусство

Века, предшествовавшие современной эпохе, были отмечены многочисленными достижениями в изобразительном искусстве, от гуманистических изысканий эпохи Возрождения и барокко до сложных фантазий стиля рококо и идеальная физическая красота европейского неоклассицизма 18 ^-го -го века. Однако одной из преобладающих характеристик в эти ранние современные эпохи была идеализация предмета, будь то человеческий, естественный или ситуативный. Художники обычно рисовали не то, что они воспринимали субъективными глазами, а скорее то, что они представляли себе как воплощение своего предмета.

Эпоха модернизма и искусства

Эпоха модерна наступила с зарей промышленной революции в Западной Европе в середине ^-го -го века, одного из самых важных поворотных моментов в мировой истории. С изобретением и широкой доступностью таких технологий, как двигатель внутреннего сгорания, крупные заводы с механическим приводом и производство электроэнергии в городских районах, темп и качество повседневной жизни резко изменились. Многие люди мигрировали с сельских ферм в городские центры в поисках работы, сместив центр жизни из семьи и деревни в сельской местности в расширяющиеся городские мегаполисы. С этими событиями художников привлекали эти новые визуальные пейзажи, теперь изобилующие всем разнообразием современных зрелищ и мод.

Крупным технологическим достижением, тесно связанным с изобразительным искусством, была фотография. Фотографические технологии быстро развивались, и уже через несколько десятилетий фотография могла воспроизвести любую сцену с идеальной точностью. По мере развития технологий фотография становилась все более доступной для широкой публики. Концептуально фотография представляла серьезную угрозу классическим художественным способам представления предмета, поскольку ни скульптура, ни живопись не могли передать такую ​​же степень детализации, как фотография. В результате точности фотографии художники были вынуждены находить новые способы выражения, что привело к новым парадигмам в искусстве.

Перспектива художника и современное искусство

В первые десятилетия 19 ^го века многие европейские художники начали экспериментировать с простым актом наблюдения. Художники со всего континента, в том числе портретисты и художники-жанристы, такие как Гюстав Курбе и Анри Фантен-Латур, создавали работы, целью которых было объективное изображение людей и ситуаций, недостатков и всего остального, а не создание идеализированного изображения предмета. Этот радикальный подход к искусству составил широкую художественную школу, известную как реализм.

Удалить рекламу

Также в начале 19 ^го века романтики стали изображать пейзаж не обязательно таким, каким он объективно существовал, а таким, каким они его видели и чувствовали. Пейзажи, написанные Каспаром Давидом Фридрихом и Дж.М.В. Тернера — это драматические изображения, передающие чувство возвышенного, которое поразило художника при просмотре этой конкретной сцены на природе. Это представление чувства в сочетании с местом стало решающим шагом для создания новаторской и уникальной точки зрения современного художника.

Ранняя абстракция и современное искусство

Точно так же, в то время как некоторые художники сосредоточились на объективном изображении, другие сместили свой художественный фокус, чтобы подчеркнуть визуальное ощущение наблюдаемых объектов, а не их точное и натуралистическое изображение. Эта практика представляет собой начало абстракции в изобразительном искусстве. Двумя ключевыми примерами этого являются « Ноктюрн в черном и золотом: падающая ракета » Джеймса Макнила Уистлера и « Бульвар Капуцинов 9» Клода Моне . 0562 (1873 г.). В первом художник соединяет большие брызги и маленькие пятна краски, чтобы создать портрет ночного неба, освещенного фейерверком, который был скорее атмосферным, чем репрезентативным. В последнем Моне показывает с высоты птичьего полета шумную современную парижскую жизнь. Изображая эту сцену, Моне представил пешеходов и городской пейзаж как «впечатление», или, другими словами, визуальное представление мимолетной, субъективной и слегка абстрактной перспективы.

Темы и концепции современного искусства

Современные художники

История современного искусства — это история лучших художников и их достижений. Современные художники стремились выразить свои взгляды на окружающий мир с помощью визуальных средств. В то время как некоторые связывали свою работу с предшествующими движениями или идеями, общая цель каждого художника в современную эпоху заключалась в том, чтобы продвинуть свою практику на позицию чистой оригинальности. Некоторые художники зарекомендовали себя как независимые мыслители, выходящие за рамки того, что составляло приемлемые формы «высокого искусства» в то время, которые были одобрены традиционными государственными академиями и высшими покровителями изобразительного искусства. Эти новаторы изображали предметы, которые многие считали непристойными, противоречивыми или даже совершенно уродливыми.

Первым современным художником, который, по сути, стал самостоятельным в этом отношении, был Гюстав Курбе, который в середине 19 ^-го -го века стремился разработать свой собственный особый стиль. Это было достигнуто в значительной степени с его картиной 1849-1850 годов, Похороны в Орнане , которая шокировала мир французского искусства, изображая похороны простого человека из крестьянской деревни. Академию возмутило изображение грязных сельскохозяйственных рабочих у открытой могилы, поскольку сюжетом для такой большой картины подходили только классические мифы или исторические сцены. Первоначально Курбе подвергся остракизму за свои работы, но в конечном итоге он оказал большое влияние на последующие поколения современных художников. Этот общий образец отказа и более позднего влияния повторили сотни художников в современную эпоху.

Движения современного искусства

Дисциплина истории искусства имеет тенденцию классифицировать людей по группам художников-единомышленников и исторически связанных художников, обозначаемых как различные движения и «школы». Этот простой подход к установлению категорий особенно уместен, поскольку он применим к централизованным движениям с единственной целью, таким как импрессионизм, футуризм и сюрреализм. Например, когда Клод Моне выставил свою картину «Впечатление », «Восход солнца » (1872 г.) в рамках групповой выставки в 1874 г., картина и выставка в целом были плохо восприняты. Однако Моне и его коллеги-художники в конечном итоге были мотивированы и объединены критикой. Таким образом, импрессионисты создали прецедент для будущих независимо мыслящих художников, которые стремились объединиться на основе единственного объективного и эстетического подхода.

Удалить рекламу

Эта практика группирования художников в движения не всегда полностью точна или уместна, поскольку многие движения или школы состоят из самых разных художников и способов художественного представления. Например, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн считаются главными художниками постимпрессионизма, движения, названного так из-за отклонений художников от импрессионистских мотивов, а также их хронологического места в истории. Однако, в отличие от своих предшественников, постимпрессионисты не представляли собой сплоченного движения художников, объединившихся под единым идеологическим знаменем. Кроме того, можно утверждать, что некоторые художники не вписываются ни в какое конкретное движение или категорию. Ключевые примеры включают таких, как Огюст Роден, Амадео Модильяни и Марк Шагал. Несмотря на эти сложности, несовершенное обозначение движений позволяет разбить обширную историю современного искусства на более мелкие сегменты, разделенные контекстуальными факторами, которые помогают в изучении отдельных художников и работ.

Авангард и развитие современного искусства

Авангард — это термин, происходящий от французского «авангард», передовая дивизия, идущая в бой, буквально авангард, и его обозначение в современном искусстве очень как и его военный тезка. Вообще говоря, большинство успешных и творческих современных художников были авангардистами. Их целью в современную эпоху было продвижение практик и идей искусства, а также постоянное оспаривание того, что составляет приемлемую художественную форму, чтобы наиболее точно передать опыт художника в современной жизни. Современные художники постоянно исследовали прошлое и переоценивали его по отношению к современности.

Современное, современное и постмодернистское искусство

Вообще говоря, современное искусство определяется как любая форма искусства в любой среде, созданная в наши дни. Однако в мире искусства этот термин обозначает искусство, созданное во время и после эпохи пост-поп-арта 1960-х годов. Рассвет концептуализма в конце 1960-х знаменует собой поворотный момент, когда современное искусство уступило место современному искусству. Современное искусство представляет собой широкое хронологическое определение, охватывающее широкий спектр движений, таких как земное искусство, перформанс, неоэкспрессионизм и цифровое искусство. Это не четко обозначенный период или стиль, а знаменует собой конец периодизации модернизма.

Постмодернизм является реакцией или сопротивлением проектам модернизма и начался с разрыва репрезентации, произошедшего в конце 1960-х годов. Модернизм стал новой традицией, обнаруженной во всех институтах, против которых он изначально восставал. Постмодернистские художники стремились выйти за пределы, установленные модернизмом, деконструируя великий нарратив модернизма, чтобы исследовать культурные коды, политику и социальную идеологию в их непосредственном контексте. Именно это теоретическое взаимодействие с идеологиями окружающего мира отличает постмодернистское искусство от современного искусства, а также определяет его как уникальную грань современного искусства. Особенности, часто связанные с постмодернистским искусством, — это использование новых медиа и технологий, таких как видео, а также техника бриколажа и коллажа, столкновение искусства и китча и присвоение более ранних стилей в новом контексте. Некоторые движения, которые обычно называют постмодерном: концептуальное искусство, феминистское искусство, инсталляционное искусство и перформанс.

Полезные ресурсы на современном искусстве

Видео

Специальные функции

Книги

Веб -сайты

Видео -клипы

Подробнее

Видео

• 242K VISIT

• 1 тыс. просмотров

• 638 тыс. просмотров

Популярная культура:

• 81 тыс. просмотров

• 141 тыс. просмотров

Посмотреть больше видео

Специальные возможности

веб-сайты

видеоклипы

9 стилей искусства, которые всегда будут популярны

что мы ненавидим. Блуждая по художественной галерее, мы также знаем произведения, которые бросают нам вызов. Это те, на которые мы часто смотрим дольше всего. Они могут не обязательно нам нравиться, но они привлекают наше внимание и заставляют нас думать. Они имеют ценность.

Когда мы выбираем произведения искусства для украшения собственного дома, у нас есть возможность выбирать из стилей искусства, которые мы любим больше всего. Однако это не означает, что мы внезапно загоняем себя в рамки. Это просто означает, что нужно больше знать о том, как лучше всего найти искусство, которое вам понравится больше всего.

Если вы знаете, что любите «абстрактное» и не любите «импрессионизм», вам будет проще понять, где искать. Если вы не знаете разницы между «абстрактным» и «импрессионизмом», вы можете немного запутаться.

Если вы не являетесь искусствоведом, вполне понятно, что вы не знаете тонкостей различных художественных стилей, поэтому, чтобы помочь вам, мы собрали девять стилей, которые всегда будут популярны.

1. Реферат

Начнем с самого сложного! Если вы буквальный человек, вам часто трудно понять абстрактные картины, потому что они не изображают ничего реального — ни человека, ни места, ни вещи. Для достижения эффекта художники рисуют цвета, формы, формы и знаки жестов, такие как мазок краски или даже кажущийся случайным всплеск.

Согласно Тейт, слово абстракция, строго говоря, означает «отделять или отнимать что-то от чего-то другого». Они говорят, что «абстрактное искусство — это искусство, которое не является репрезентативным, оно может быть основано на предмете или может вообще не иметь источника во внешнем мире».

В онлайн-коллекции Abstract представлены популярные яркие принты, которые бросают вам вызов при создании собственной интерпретации.

ВЫЗОВ: Абстрактное искусство, такое как этот принт «Elation», придает комнате страсть и силу.

2. Современное

Если вам посчастливилось посетить МОМА (Музей современного искусства) в Нью-Йорке, вы знаете, насколько захватывающим может быть современное искусство. Вам понадобится не один день, чтобы в полной мере оценить все, что там есть.

Современное искусство, охватывающее произведения с 1860-х по 1970-е годы, отклонилось от традиционных техник и стилей. Поскольку современное искусство относится к периоду времени, а не к типу искусства, его часто сложно определить. Однако в «Истории искусства» говорится, что современное искусство характеризуется «намерением художника изобразить предмет таким, какой он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения, и характеризуется отказом от общепринятых или традиционных стилей и ценностей».

Современные художники избегали рационального мира, существовавшего до него, и вместо этого стремились к экспериментам. Наша собственная онлайн-галерея современного искусства включает яркие цвета, линии и формы, применяя свежий взгляд на каждый аспект существования.

ЗАВОРАЖИВАНИЕ: это мрачное произведение современного искусства «Под зонтиком» — один из наших бестселлеров.

3. Импрессионизм

Импрессионизм, часто считающийся первым современным движением в живописи, фактически развивался как официальная художественная практика в Париже в 1860-х годах, прежде чем распространился по Европе и США. Импрессионистское искусство в нашей собственной онлайн-галерее прославляет использование света и мазков для передачи самой сути предмета. По сути, он рассказывает историю, не полагаясь на реалистичные изображения.

Согласно Art Movements, художники-импрессионисты «включили новые научные исследования в физику цвета, чтобы добиться более точного представления цвета и тона». Дело было скорее в восприятии художником предмета, чем в самом предмете. Красота повествования в субъективности.

ВРЕМЯ ИСТОРИИ: Этот импрессионистский принт «После дождя» придает комнате ощущение времени и места.

4. Поп-арт

Поп-арт, хотя и возник в середине 1950-е годы, сегодня так весело, что всем нравятся все возрастные группы. Это отличное дополнение к комнате подростка, женскому убежищу или мужской пещере. Он действительно говорит на языке, передающем поколения.

В поп-арте часто используются образы популярной культуры и средств массовой информации, таких как новости, реклама, кинозвезды и комиксы. В первые годы своего существования он бросал вызов традициям изобразительного искусства. Сегодняшний поп-арт черпает вдохновение из той эпохи, предлагая веселье и цвет.

Просматривая нашу галерею поп-арта, вы увидите, что этот стиль искусства идеально подходит для любого современного, ретро или минималистского декора.

LOTS OF LOVE: Поп-арт, такой как этот принт «Should I Disco?», придает комнате сенсационный всплеск цвета и стильное чувство веселья.

5. Кубизм

О кубизме можно говорить или писать целый день, но в конце концов вы узнаете гораздо больше об этом стиле искусства, просмотрев его, поэтому, чтобы получить полное представление, обязательно ознакомьтесь с нашим кубизмом. галерея.

Если, думая о кубизме, вы думаете о Пабло Пикассо, вы на правильном пути, поскольку и он, и Жорж Брак начали движение в начале 19 века.00с. Несмотря на то, что он выглядит довольно абстрактно по форме, на самом деле это стиль реализма.

История искусства подчеркивает, что кубизм состоит из «трех основных ингредиентов — геометричности, одновременности (множественных взглядов) и прохода». Художники обращаются к «четвертому измерению», поэтому произведения кубизма часто изображают один и тот же предмет с разных сторон — это поиск смысла или понимания, указание на то, что мир не такой, каким кажется. Вот почему в кубизме часто так много красок и так много жизни!

ДРУГОЕ ИЗМЕРЕНИЕ: Этот арт-принт «Мраморная женщина» — квинтэссенция кубизма.

6. Сюрреализм

Что появилось раньше, слово или художественное течение? В любом случае, сегодня слово «сюрреалистический» является синонимом «странного», и часто это отличный способ описать этот вид искусства. В этом случае странное — это хорошо.

Сюрреализм — это форма выражения, которая «превосходит реализм». Он берет реальные объекты и помещает их в нереальные ситуации. Он свободен от сознания и свободен от условностей. Это как жить во сне. Нам всегда весело пополнять нашу галерею сюрреализма работами, которые бросают вызов и удивляют наших клиентов.

И, как я однажды написал, сюрреалистическое искусство всегда лучше наркотиков.

МЕЧТАТЕЛЬНОСТЬ: самые странные разговоры часто происходят в офисных залах заседаний, так почему бы не помочь делу вместе с этим сюрреалистическим принтом «Плавающие бизнесмены».

7. Contemporary

В то время как «современный» относится к периоду времени, современный – это все, что касается настоящего, поэтому это стиль, который постоянно меняется, потому что это стиль настоящего. Современное искусство — это, по сути, «создание нового искусства», но оно может относиться к тому, что было создано за последние 6 месяцев или год, а для некоторых арт-кураторов оно может даже длиться от двух до десяти лет (Художественная галерея Нового Южного Уэльса). Если вы хотите упростить это, это, по сути, относится к искусству, которое было создано при нашей жизни.

В нашей собственной онлайн-галерее мы любим представлять современное искусство, в котором используются новейшие цифровые методы и методы рендеринга. Многое из этого абстрактно, но не все. Эти предметы прекрасно смотрятся в недавно построенных или отремонтированных домах. Обладая большим количеством цветов, они могут оживить минималистскую комнату.

VERY NOW: произведение современного искусства Blue Burst оживит минималистскую комнату.

8. Фэнтези

Искусство фэнтези берет свое начало в народном искусстве, созданном много веков назад, а также в христианском мифологическом искусстве, греческом и римском искусстве. Само фэнтези-арт родилось из литературного мира и в основном использовалось для иллюстрации повествований.

Взрослые и дети одинаково любят фэнтези-арт, так как это все о побеге в волшебные, мифические земли. В нашей коллекции Fantasy представлены волшебная дикая местность, единороги, феи, драконы и множество лесных и морских духов.

Фэнтези-арт привнесет в главную спальню ощущение причудливости и романтики, а в детскую — произведение искусства.

ВОЛШЕБНОЕ: После тяжелого дня в офисе сбегите в этот «Таинственный пруд на дереве».

9. Граффити

Граффити, обычно наносимые на общественные стены, представляют собой постоянно развивающуюся форму популярного искусства, начиная от лозунгов и слов и заканчивая подробными и красочными настенными росписями. Когда они производятся на объектах без разрешения, это часто считается вандализмом (даже самыми плодовитыми художниками!). Когда вы находитесь в галерее или рисуете на холсте, это определенно законно, и вы можете наслаждаться!

Если вы любите цвет и любите отмечать лучшее, что может предложить городская жизнь, в нашей онлайн-галерее Urban/Graffiti вы найдете подборку ярких, резких и ярких граффити.

ГОРОДСКАЯ ЖИЗНЬ: это граффити «Красная стрела» будет держать вас в правильном направлении.

Возможно, эта статья означает, что теперь вы можете «говорить об искусстве» на званом ужине. Возможно, это просто послужит источником вдохновения в вашем путешествии по поиску идеального произведения искусства для вашего дома. В любом случае, речь идет о том, чтобы держать свой разум открытым для новых возможностей. Начните просматривать нашу коллекцию произведений искусства прямо сейчас!

Все виды живописи, стилей и техник (обновлено в 2022 г.)

Выбросьте все, что вы знали о типах стилей и техник живописи; потому что в городе новый шериф.

Нет, речь не о типах картин, потому что это совсем другая история.

Стили живописи состоят из того, как мазки кисти говорят художнику при создании шедевра. «измы», если можно.

Техника рисования, с другой стороны, относится к средствам, используемым для создания картины.

Вступаете ли вы в этот мир красок или просто интересуетесь этим языком любви — у меня есть все для вас.

Вот список всех видов живописи, всех стилей живописи и всех существующих техник рисования.

Начнем с первого из типов живописи, стилей и техник…

Типы живописи:

Все картины преимущественно подчинены только 7 типам.

Даже если они выполнены в разных стилях или с использованием разных технологий; в конечном итоге они различаются по типу.

Пример: Знаменитый автопортрет Винсента Ван Гога. Использовалась техника — масло на холсте. Его стилем был неоимпрессионизм. Тип картины – портретная живопись.

Тип картины действительно индивидуален для художника, создающего ее, потому что, как говорится—

«Каждый портрет, написанный художником, — это портрет самого себя».

1.

Портретная живопись

Портретная живопись – самый распространенный и известный вид живописи.

Характеризуется своей цельной и единственной целью; запечатление персонажа на холсте.

Персонажи портретной картины не ограничиваются только людьми.

Кроме того, он даже не ограничивается одним символом.

Портреты можно снимать любым способом, который художник считает подходящим для своего шедевра.

Портреты лучше всего известны как память и семейные записи.

Известные художники-портретисты : Фрида Кало, Рембрандт, Леонардо да Винчи

Обязательно прочтите: 14 картин Фриды Кало и их значение

2.

Пейзаж — один из самых известных видов живописи

7 картина, которая фокусируется на захвате природных элементов на холсте.

Можно с уверенностью сказать, что этот тип получил известность благодаря работам Ван Гога и ему подобных.

Основной задачей пейзажной живописи является запечатление природных компонентов.

К этим компонентам относятся ландшафты, небо, горы, реки, деревья и т. д.

Пейзажи могут быть частью картин воспоминаний или скопированной реальностью.

Известные художники-пейзажисты : Винсент Ван Гог, Клод Моне, Дж.М.В. Тернер.

3.

Натюрморт 

Натюрморт, изображающий мертвую природу, совсем не такой. Это «фигура свободы слова» в мире искусства.

Можно подумать, что натюрморт — это просто скучное произведение искусства, состоящее из повседневных предметов и элементов.

Это по сравнению с другими картинами, наполненными действием, вызывающими воспоминания и полными эмоций.

Но довольно многие из известных натюрмортов имеют в себе скрытый сложный сюжет.

К тому же натюрморт отлично подойдет новичку для понимания цвета, фактуры и состава элементов.

Известные художники-натюрморты : Поль Сезанн, Сальвадор Дали, Ущелье Брак

Рекомендуемая статья: Известные картины натюрмортов.

4.

Абстрактная живопись

Несмотря на то, что это было одно из самых влиятельных движений в истории, абстрактная живопись также является одним из видов живописи.

Целью этого типа картины является добавление значимого сообщения к полностью изуродованной картине.

Как ни красиво выглядят некоторые абстрактные картины, другие состоят только из точек.

Они также представляют собой очень сильное послание.

Абстрактная живопись может быть абстракцией любых и всех элементов в глазах человека.

Известные художники-абстракционисты : Василий Кадинский, Джексон Поллок, Виллем Де Кунинг

5.

Историческая живопись

Исторические или исторические картины — это виды картин, изображающих исторические события.

Основной целью этих типов живописи является добавление морального послания в качестве ключевого компонента.

Мы видели, как некоторые крупные исторические события запечатлены на холсте, например, «Декларация независимости» и «Смерть Цезаря».

Как уже было сказано, написанные картины изображали события, но со слов художников.

Не существует современных исторических картин, если только вы не хотите стать первым, кто их создаст.

Известные художники-историки : Сэр Дэвид Уилки, Поль Деларош, Эжен Делакруа

6.

Религиозная живопись

Религиозные картины — это типы картин, на которых изображены религиозные события или мифологические существа.

Считается, что у картин не было цели. Но они служили отдушиной для художников.

Эти картины в основном состояли из религиозных порывов художников.

На них изображены сцены и существа, с которыми у художника была значимая связь.

Некоторые из них просто завораживали.

Известные художники религиозной живописи : Рафаэль, Микеланджело, Леонардо да Винчи

7.

Аллегория

счастье.

Аллегория символизирует предмет картины таким образом, чтобы показать духовную значимость и нравственность.

Одной из особенностей этого стиля живописи является то, что он может легко иллюстрировать сложные идеи и концепции.

Аллегория использовалась во всех видах искусства с древних времен.

Сегодня в современном искусстве аллегория определяется как художественный стиль, в котором одно повествование означает другое.

Известные художники-аллегории : Бронзино, Сандро Боттичелли, Иоганн Вермеер

Все типы стилей живописи:

Стили живописи классифицируются в соответствии с направлением в искусстве, к которому принадлежит стиль.

На сегодняшний день с начала истории искусства существует более 75 стилей живописи.

Картину можно отнести к эпохе, просто взглянув на ее стиль.

Некоторые стили рисования трудно различить.

Некоторые из них трудно не заметить, поскольку они представляют собой стили живописи, которые классифицируют и представляют это конкретное движение.

И осмелюсь добавить, что каждый тип художественного стиля был реакцией на предшествующее ему движение.

Вот самые ценные стили живописи, которые изменили ход истории искусства с самого начала…

Художественный стиль Возрождения и Высокого Возрождения (1400-1600)

возобновился интерес к древней греко-римской культуре.

Ренессансный стиль искусства показал постепенный переход абстрактных форм средневекового периода к индивидуализм .

Это направление в искусстве породило такие художественные приемы, как ракурс, сфумато и светотень.

Знаменитые художники Ренессанса : Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль

Знаменитые картины Ренессанса : Мона Лиза, Последний вечер гармонические идеалы, заданные художниками эпохи Возрождения, такие как пропорция, равновесие и идеальная красота.

Этот художественный стиль отличается искусственностью, изяществом, чувственным искажением человеческой фигуры.

Даже сегодня этот художественный стиль продолжает вызывать споры.

Известные художники-маньеристы : Эль Греко, Паоло Веронезе, Даниэле да Вольтерра

Известные картины в стиле маньеризма : Свадьба в Кане, Погребение графа Оргаса, Мадонна с длинной шеей

Барокко ( 1750)

Стиль барокко отличался самоуверенностью, динамичностью, реалистическим подходом к изображению.

Художественный стиль барокко часто называют странным или неравномерным из-за его ярких несоответствий.

Этот художественный стиль выделяется драматизмом, глубокими цветами, драматическим светом, резкими тенями и темным фоном на картинах.

Известные художники эпохи барокко : Рембрандт, Караваджо, Диего Веласкес

Знаменитые картины эпохи барокко : Девушка с жемчужной сережкой, Лас Менинас, Ночной дозор

Неоклассицизм (1750-9)0101

Художественный стиль неоклассицизм стал ответом на излишнюю фривольность и пышность художественного стиля барокко.

Этот художественный стиль определялся использованием неглубокого пространства, однородными и четкими линиями.

Он имел темный и приглушенный цвет, более очевидные мазки и недвусмысленные формы для изображения моральных изображений самопожертвования и самоотречения.

Стиль живописи этой эпохи искусства был хорошо составлен, с исторически точными фонами и костюмами.

Знаменитые художники по неоклассицизмам : Эдмония Льюис, Антонио Канова, Жак-Луи Дэвид

Знаменитые картины неоклассицизма : Смерть Марата, Смерть Сократа, присяга Горатии

(1780-1850110110110110110110101011011011011011011011011011015015501501501101101101101101101101110150445015501850444550155018. Это художественное движение началось как ответ на принципы гармонии, порядка и идеализации, которыми отмечен неоклассицизм.

Художественный стиль этого движения делает сильный акцент на этих эмоциях, индивидуализме и почитании природы и прошлого.

Художники этого движения создавали произведения искусства, в которых подчеркивалось, насколько важны ощущения и эмоции для восприятия мира.

Это было так же важно, как баланс и логика.

Известные художники-романтики : Франсиско Гойя, Уильям Блейк, Эжен Делакруа

Знаменитые романтические картины : Свобода, ведущая народ, Сатурн, пожирающий своего сына, Странник над морем тумана

Реализм (1848-91)

Художественный стиль Реализм существует, чтобы честно представлять мир через искусство.

Они отвергли повышенную эмоциональность романтизма и превознесение прошлого.

Художники показали темы и ситуации, которых избегали и считали неуместными.

На нем изображены обнаженные тела, борьба рабочего класса, суровый труд и изображение одиночества человека в современном обществе.

Этими спорными изображениями реализм потряс мир искусства.

Известные художники-реалисты : Эдуард Мане, Эдгар Дега, Роза Бонер

Известные картины реализма : Nighthawks, Olympia, The Gleaners

Импрессионизм (1865-1895)

Художественный стиль импрессионизма фокусируется на точном изображении естественного света во всех его разнообразных проявлениях и неортодоксальных ракурсах.

Характерными чертами импрессионистских картин были маленькие, очевидные мазки, которые передают самое основное впечатление от формы и несмешанного цвета.

Практика рисования на открытом воздухе и спонтанно «на месте», а не в мастерской по эскизам — основа импрессионизма.

Пейзажи и обычные сцены были основными сюжетами импрессионизма.

Famous Impressionism Artists : Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro

Famous Impressionist Paintings : Luncheon of the Boating Party, Impression Sunrise, The Large Bathers

Pointillism/ Divisionism (1880-1891)

Художественное направление Пуантилизм было ответвлением постимпрессионистского художественного стиля. Его название было получено как издевательство над критиками.

Этот стиль рисования состоял из серии маленьких уникальных точек, которые были нарисованы рядом друг с другом для создания изображения.

Так же, как пиксели в современных компьютерах.

Когда пуантилизм достиг своего апогея, он получил широкое распространение среди художников, что проложило путь к возникновению фовистского художественного стиля.

Известные художники-пуантилисты : Жорж Сёра, Поль Синьяк, Винсент Ван Гог

Знаменитые картины в стиле пуантилизм : Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт, подлесок, модель в профиль

Символизм (1880-1910)

Проще говоря, символисты могут придать форму вашим мечтам и видениям.

В отличие от художников-импрессионистов символисты не ограничивались формами, линиями, узорами и тонами, чтобы передать свою идею.

Символы в искусстве сочетали в себе религиозную тайну, гротеск, сексуальность и разврат.

В художественном стиле символизма были такие темы, как мрачность, мир грез, горе, зло и смертность,

Мост, соединивший ранний романтизм и модерн.

Знаменитые артисты символики : Густав Климт, Эдвард Манч, Фрида Кало

Знаменитые символики картины : Плачущий паук, поцелуй, смерть Gravedigger

Art Nouveau (18

110110111104994444944944449444449444440449049 40149449449449449449449449449404

0494049 401194944949949449494904
. был одним из тех стилей живописи, чье наследие во многом живет и сегодня.

Стиль модерн чаще всего использовался в архитектуре, дизайне интерьеров, украшениях и стекле, плакатах и ​​иллюстрациях.

Этот художественный стиль отличается использованием длинной извилистой органической линии.

Одной из основных целей модерна было устранение условного разделения на изобразительное и прикладное искусство.

Знаменитые художественные артисты Nouveau : Густав Климт, Альфонс Муча, Виктор Хорта

Знаменитые картины в стиле ньюво из первых направлений современного искусства 20 века.

Живописный стиль Фов отличался дико беспорядочными мазками и яркими цветами.

В то время как их предметы были очень упрощенными и абстрактными.

Художественный стиль фовизма подчеркивал и отображал постэкспрессивность, импрессионистскую яркость красок и густоту нанесения краски.

Известные художники-фовисты : Анри Матисс, Жорж Руо, Морис де Вламинк

Знаменитые картины фовистов : Женщина в шляпе, Игра резни, Река Сена в Шату

Экспрессионизм (1905-1925)

Движимый оппозицией буржуазной культуре и страстным возрождением творчества, экспрессионизм распространился по Европе как направление в искусстве.

Экспрессионисты предпочитали изображать эмоциональные переживания, а не объективную правду.

Художники смогли достичь этой цели только за счет искажения, преувеличения, примитивизма и воображения в своих картинах.

Эти типы стилей живописи обычно отличались ярким, поразительно жестоким или динамичным использованием формальных компонентов.

Знаменитые художники по экспрессии : Эдвард Мунч, Васили Кандинский, Эрнст Людвиг Киршнер

Знаменитые экспрессионистские картины : Крик, Голубой гонщик, художник и его модель

Кубизм (1908-1920) 9407 9078 . отказался от давней склонности живописи к попытке создать настоящее трехмерное пространство на двухмерном холсте с фиксированной точки зрения.

На самом деле художественный стиль кубизм был попыткой подчеркнуть природу двухмерного холста, а не создать глубину.

Они пытались сделать это без перспективы и методом тонов.

Они разделяли объект на различные формы, прежде чем перерисовывать его с разных точек зрения.

Узнайте больше о художниках кубизма.

Известные художники-кубисты : Пабло Пикассо, Жорж Брак, Поль Сезанн

Известные картины кубизма : Кубистический автопортрет, Портрет Пабло Пикассо, Девушка перед зеркалом

Конструктивизм (1914-1930)

Русский художник Владимир Татлин посетил Пабло Пикассо в его мастерской в ​​1913 году и наблюдал за экспериментами художника с коллажами.

Это взаимодействие вдохновило Татлина на самостоятельное исследование среды коллажа, что привело к созданию трехмерных абстрактных коллажей из металла и дерева.

С этого начался конструктивизм, движение в искусстве, в котором основное внимание уделялось строительству. Быть построенным было искусством.

На конструктивистское искусство сильное влияние оказал промышленный дизайн.

Они использовали простые геометрические формы и недорогие материалы.

Знаменитые художники конструктивизма : Владимир Татлин, Александр Родченко, Любов Попова

Знаменитые конструктивизм. потому что они считали это чрезвычайно угнетающим.

Вместо этого они предложили форму искусства, прославляющую современность, наряду с ее промышленностью и технологиями.

Основная цель состояла в том, чтобы изобразить яркое видение будущего.

В результате они часто изображали городские пейзажи и передовые виды транспорта, включая поезда, автомобили и самолеты.

Они способствовали переменам, прославляя скорость, насилие и низшие классы.

Эти методы включали повторение и размытие.

Известные художники-футуристы : Умберто Боччони, Джакомо Балла, Карло Карра,

Известные картины футуристов : Похороны анархиста Галли, Абстрактная скорость + звук, Динамизм велосипедиста

Дадаизм (1916-1924)

Дадаизм возник как реакция на современность.

Искусство и перформансы дадаистов эволюционировали в более экспериментальные, мятежные и анархические формы по мере того, как конфликт затягивался.

Под знаменем DADA они объединились, чтобы протестовать против жестокости и бессмысленности войны.

Художники дадаизма часто создают сатирические и абсурдистские произведения искусства и поэзии.

Также задавая серьезный вопрос аудитории о том, как мы оцениваем искусство.

Знаменитые художники дадаизма : Ханс Арп, Марсель Дюшан, Man Ray

Знаменитые дадаизм. испытал значительное влияние дадаизма.

Художники создавали странных существ из обычных вещей и изображали тревожные, нелогичные ситуации, часто с фотографической точностью.

Сюрреалистическое искусство включает в себя непоследовательность, неожиданные сопоставления и элемент неожиданности.

В то время движение было связано с такими идеологиями, как коммунизм и анархизм.

Сюрреализм — это художественная деятельность, направленная на освобождение воображения. Он одновременно нежный и динамичный.

Известные художники-сюрреалисты : Андре Бретон, Пабло Пикассо, Макс Эрнст

Известные картины сюрреалистов : Великий мастурбатор, Сломанная колонна, Философская лампа

Абстрактный экспрессионизм (1940–1950-е годы)

Художники всех мастей могли выражать свои эмоции и идеи с помощью абстрактного экспрессионизма, не беспокоясь о том, что их осудит широкая публика.

Сильные сообщения и эмоции имеют решающее значение для представления, но движение не определяется каким-либо одним конкретным стилем.

Чувство художника или зрителя, а не реальное изображение, занимает центральное место в каждом произведении абстрактного экспрессионизма.

Известные художники абстрактного экспрессионизма : Виллем де Кунинг, Анри Матисс, Джексон Поллок

Известные картины абстрактного экспрессионизма : Женщина I, Обнаженная голубая, Осенний ритм в нем использовались обычные материалы и предметы, такие как газеты, комиксы и журналы, для создания ярких композиций.

Ставя под вопрос аристократическое общество и традиции изобразительного искусства, известные поп-артисты заменили образы и методы из популярных медиа и массовой культуры.

Поп-арт известен своими яркими элементами, которые помогут вам быстро привлечь внимание аудитории.

Движение поп-арт установило представление о том, что не существует иерархии культуры, которая могла бы помешать искусству черпать вдохновение из любого источника. (19)60-Now)

Техническая способность произвести впечатление на зрителей является ключевым компонентом движения фотореализма.

Это началось как направление американского искусства и приобрело популярность в ответ на абстрактный экспрессионизм.

Стиль живописи этого направления искусства заключался в точном воссоздании фотографий.

Художники избегали спонтанности, характерной для абстрактного экспрессионизма, и тщательно планировали свои работы, добиваясь большого эффекта.

Обычно это достигается либо с помощью традиционных процедур сетки, либо путем проецирования слайда на холст.

Знаменитые художники-фотореалисты : Чак Клоуз, Оскар Укону, Готфрид Хельнвайн

Известные картины фотореализма : Большой автопортрет, Фил, Лукас I

Минимализм (19000-1900-4)
0 Понимаете!

Идея о том, что искусство должно иметь собственную реальность, а не быть копией чего-то другого, может быть расширена посредством минимализма или минималистского искусства.

Искусство считается отражением опыта, такого как эмоция или настроение, или представлением реального мира.

Стиль минимализма заключается в том, чтобы сосредоточиться исключительно на том, что находится перед зрителем, и не пытаться отразить внешний мир.

Известные художники минимализма : Агнес Мартин, Сол Левитт, Дэн Флавин,

Известные картины минимализма : Красный круг на черном, Грейс Келли III, Без названия

Все виды техники рисования:
1 90 три вещи — тип, стиль и техника.

Поскольку мы пытаемся разобраться во всех типах стилей и техник рисования, давайте закончим самым важным.

Техника рисования — самая важная часть понимания искусства.

Если вы хотите изучить новую технику или расширить свои обширные знания, у нас есть огромный список техник рисования.

Узнайте все, что сможете, из приведенного ниже списка техник рисования…

Акриловая живопись

Акриловая живопись — распространенный вид живописи. Он использует быстросохнущие краски для создания прекрасного произведения искусства.

Эти акриловые краски производятся путем суспендирования пигментов в акриловых смолах.

Акриловая краска растворима в воде, но после высыхания становится водостойкой. Кроме того, акрил лучше переносит тепло, чем другие типы красок.

Преимущество использования акриловой краски заключается в ее способности придавать как прозрачность акварели, так и текстуру масляной краски.

Выбор этого стиля живописи даст вам преимущество универсальности с точки зрения творчества.

Год изобретения : Где-то около 1934 Леонард Бокур и Сэм Голден

Известные художники : Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Роберт Мазервелл.

Живопись в движении

Живопись в движении — это вид искусства, в котором краски разбрызгиваются, размазываются или капают на холст.

Картина действия подчеркивает физический аспект картины, который становится аспектом законченного произведения искусства.

Если вам нравятся яркие и динамичные художественные приемы и стили, излучающие энергию, это может быть как раз для вас.

Год изобретения : 1940-е

Известные художники : Джексон Поллок, Франц Клайн, Джек Творков.

Воздушная перспектива

Воздушная перспектива, известная как атмосферная перспектива, представляет собой тип живописи, создающий иллюзию глубины картины.

Этот эффект достигается за счет изменения цветового контраста между фоном и объектами.

Здесь основное внимание уделяется имитированию эффекта атмосферы на картине, например, того, как вещи видны с большого расстояния.

Этот другой вид живописи используется для рисования пейзажей.

Год изобретения : Первое использование воздушной перспективы в живописи было сделано в 30 г. до н.э. во втором помпейском стиле.

Известные художники : Леонардо да Винчи, Ренуар, Альфред Сислей.

Анаморфоза

Это одна из самых интересных техник рисования.

Это искусство, играющее с перспективой.

При просмотре с типичной точки зрения изображение искажено.

Однако, если смотреть под определенным углом или отражать в изогнутом зеркале, искажение устраняется, и изображение кажется нормальным.

Одна из художественных техник и стилей, играющих с видением зрителя.

Год изобретения : Анаморфная живопись широко использовалась в 17 веке, хотя считается, что она является побочным продуктом «перспективного искусства».

Известные художники : Жан Франсуа Нисерон.

Camaieu

Техника рисования, созданная с использованием нескольких оттенков одного цвета, также известная как монохроматическое искусство.

Но это монохромная картина, в которой помимо серого используются другие цвета.

В технике camaieu, также известной как en camaieu, используются два или три оттенка одного оттенка, кроме серого.

Выбранный оттенок соответствует предмету.

Это в основном означает, что не все монохроматические картины являются camaieu, но все картины camaieu являются монохромными.

Год изобретения : Camaieu возникла в древнем мире и представляет собой старинную технику, которая использовалась для имитации рельефной скульптуры в архитектуре и камей в миниатюрных картинах.

Известные художники : Марлен Манро де Монтиньи.

Казеиновая краска

Это может показаться странным, но существует стиль и техника рисования, в которых используются краски, сделанные из молока.

Казеиновая краска предполагает использование казеиновых красок, которые получают путем смешивания пигментов и молочного белка — казеина.

Казеиновая живопись позволяет создавать эффекты, подобные масляной живописи.

Известно, что со временем казеиновая краска становится водостойкой.

Год изобретения : Говорят, что казеиновая живопись была изобретена около 9000 лет назад.

Известные художники : Оскар Хоу.

Рисунок углем

Рисунок углем, один из новых стилей рисования, используется многими художниками из-за его универсальных свойств.

Угольные палочки состоят из порошка древесного угля (обожженных ветвей ивы или отрезков виноградной лозы) и связующего вещества, такого как воск или камедь.

Использование древесного угля позволит вам исследовать контраст и создать богатые визуальные тона в вашем рисунке.

Из всех художественных техник и стилей уголь позволяет создавать яркие рисунки.

Год изобретения : Первое использование рисования углем датируется не менее 28 000 лет назад. Современное рисование углем (из угольных палочек) началось где-то в 17 веке.

Известные художники : Роберт Лонго, Уильям Кентридж, Дэн Пайл

Светотень

Светотень — это тип живописи, в котором используется сильный контраст между светлыми и темными оттенками.

Позволяет управлять светом, создавая ощущение трехмерного объекта на холсте.

Техника рисования светотенью позволяет подчеркнуть и осветить важную фигуру картины.

Играя с интенсивностью и углом света, вы можете изменить фокус объекта на картине.

Год изобретения : Светотень был изобретен где-то в эпоху Возрождения.

Известный художник : Леонардо да Винчи, Караваджо, Жорж де Латур.

Коллажная живопись

Коллажная живопись, уникальный вид искусства, включает в себя создание произведений искусства путем сборки различных материалов.

Собранное произведение искусства имеет привлекательный внешний вид.

Коллаж делается из обрывков журналов, бумаги, красок, газет, лент, фотографий и обрывков других произведений искусства.

Чтобы создать коллаж, вам нужно склеить кусочки материала на плоской поверхности, чтобы получилась законченная работа.

Год изобретения : Эта художественная техника появилась в Китае около 200 г. до н.э.

Известные художники : Ханна Хёх, Анри Матисс, Ман Рэй.

Эскиз цветным карандашом

Кто не помнит раскраски цветными карандашами в детстве? Ностальгия об этом вспоминается!

Эскиз цветным карандашом — это вид искусства, похожий на набросок карандашом, но с той лишь разницей, что вы можете выбрать широкий диапазон цветов, а не только черный.

Использование цветных карандашей позволит вам добавить точности и глубины деталям, а также позволит вам создавать красочные наброски.

Цветные карандаши не пачкаются и просты в использовании по сравнению с другими материалами для рисования.

Год изобретения: В 1834 году Иоганн Себастьян Штедтлер

Известные художники: CJ Хендри, Марко Маццони, Вероника Уинтерс впечатляющее искусство.

Все произведение искусства выполнено в цифровом виде, в отличие от традиционного подхода к рисованию.

Цифровая живопись дает вам свободу выбора множества различных инструментов и функций, что позволяет вам создавать невероятные произведения искусства.

Одно из главных преимуществ цифровой живописи заключается в том, что вы вносите исправления в картину, не оставляя следов на окончательном изображении. (Приветствую кнопку «Отменить»!)

Год изобретения : Цифровое искусство зародилось в начале 1980-х годов, некоторые утверждают, что он существовал в 1967 году.

Известные художники : Дэвид Маклеод, Стивен МакМеннами, Альберто Севезо.

Читайте также: Цифровое искусство лучше традиционного?

Энкаустика

Энкаустика — это одна из техник живописи, в которой для создания произведений искусства используется горячий цветной воск.

В этих типах живописи используется энкаустика, которая производится путем смешивания цветных пигментов с воском.

На поверхность наливается горячая среда, и с помощью специальных кистей и инструментов придается картина.

Для энкаустической живописи требуется нагревательная лампа или тепловая пушка, чтобы плавить и связывать среду.

Год изобретения: Энкаустика зародилась где-то в первом веке.

Известные художники: Джаспер Джонс, Паусиас, Бенджамин Калау.

Ракурс

Ракурс — это еще один вид искусства, в котором творчески используется оптическая иллюзия.

Это техника рисования, которая изображает объект или человеческую фигуру на картине, простирающейся в пространстве.

Ракурс — это эксперименты с углом и перспективой объекта.

Картина всегда изображена с необычного ракурса. Например, тело человека рассматривается сверху.

Год изобретения : Ракурс был изобретен в 15 веке.

Известные художники : Микеланджело, Корреджо.

Фреска

Фреска — это техника настенной росписи, которая позволяет рисовать на стенах и потолках.

В этой технике рисования краска на водной основе наносится на влажную штукатурку, чтобы она стала ее неотъемлемой частью.

Когда дело доходит до росписи или росписи стен, фреска — надежный метод.

Работа, выполненная в технике фрески, выглядит монументально и имеет матовую поверхность.

Год изобретения : Фреска была изобретена в Италии в 13 веке.

Известный художник : Микеланджело, Сандро Боттичелли, Мазаччо.

Роспись по стеклу

Как следует из названия, роспись по стеклу предполагает рисование на поверхности стекла.

Может показаться, что это не очень популярная техника, но роспись по стеклу была одной из самых распространенных форм живописи в древней Европе.

Грунтовка, эмаль и акриловые краски используются для росписи по стеклу.

Этот вид живописи позволяет создавать прекрасные произведения искусства на стекле, которые можно освещать с помощью источника света.

Год изобретения : В Германии 9 века.

Известные художники : Герхард Рихтер, Брайан Кларк.

Гуашь

Этот тип техники рисования предполагает использование красок для тела или непрозрачных акварелей.

Краска гуашевая — краска на водной основе, изготовленная из натуральных пигментов, воды, связующего вещества и иногда инертного материала (дающего эффект флуоресценции).

Вы также можете приобрести акриловую гуашевую краску с акриловым связующим, придающим картине матовость.

Когда вы решите создавать картины с помощью этого типа живописи, вы получите преимущество создания ярких картин, которые будут выделяться на холсте.

Картины, выполненные в этой технике, выглядят энергично и реалистично.

Год изобретения : Живопись гуашью была разработана в 16 веке, когда художники использовали масляную краску поверх темперной для получения матового покрытия.

Известные художники : Эдгар Дега, Джон Сингер Сарджент, Пабло Пикассо.

Граффити

Это вид искусства, который используется как форма выражения мыслей, эмоций и посланий людям.

Искусство граффити чем-то похоже на рисование распылением, но имеет свои отличия.

На первый взгляд, граффити — это рисунки или надписи на стенах в общественных местах, как правило, без разрешения. (Осторожно! Это может иметь юридические последствия!)

Английское слово «граффити» происходит от итальянского слова «граффито», которое переводится как «поцарапанный».

Многие художники граффити рисуют граффити на стенах, чтобы распространять информацию или как средство поиска острых ощущений.

Год изобретения : Искусство в виде надписей или граффити на стенах восходит к древним временам. Современное граффити стало известно в 1960-х годах.

Известные художники : Корнбред, Донди Уайт, Трейси 168.

Гризайль

Вам нравится монотонное искусство? Гризайль может быть как раз для вас!

Гризайль — это стиль и техника живописи, при которой роспись выполняется только оттенками серого или другими серовато-нейтральными цветами.

Одной из характерных черт этой техники живописи является то, что ее форма создает иллюзию скульптуры.

В гризайль можно включить несколько более широкий цветовой диапазон.

Год изобретения : Джотто, итальянский художник, впервые использовал Гризайль в 1304 году

Известные художники : Джотто, Робер Кампен.

Импасто

Импасто — это техника рисования, при которой наносятся толстые слои краски, чтобы мазки кисти были видны на готовом изображении.

Когда вы смотрите на произведение искусства, кажется, что оно выделяется на фоне холста.

Для создания картины Импасто вы можете выбрать между акриловыми или масляными красками.

Этот тип техники рисования позволяет вам играть со светом, текстурой, выражением или тоном картины.

Год изобретения : Техника импасто зародилась в 17 веке

Известные художники : Винсент Ван Гог, Рембрандт ван Рейн, Джексон Поллок.

Рисование тушью

В этой технике китайской живописи в качестве средства для рисования используются чернила.

Один из стилей и техник рисования, используемый для достижения тональности и затенения путем изменения плотности чернил.

Одной из его особенностей является то, что вы можете получить различные сорта чернил, изменяя давление и положение наконечника в пределах одного мазка.

Вы можете создавать разноцветные рисунки, используя чернила разных цветов.

Год изобретения: Живопись тушью появилась во времена династии Тан в период с 618 по 907 год.

Известные художники: Чанг Дай-Чиен, Ци Байши, Шэнь Чжоу.

Миниатюрная живопись

Миниатюрная живопись или Портретная миниатюра — один из видов портретной живописи, выполняемый на небольшом куске материала.

Обычным материалом для рисования был пергамент, слоновая кость, медь или подготовленный картон.

В начале 16 века миниатюра была способом для художников проявить свой талант, проиллюстрировав крошечную картину.

Этот стиль портретной живописи часто называли лимнингом или малым.

Миниатюрные картины размером всего 40 мм x 20 мм были нарисованы художниками таким образом, чтобы они могли поместиться внутри украшений.

Год изобретения : Миниатюрная живопись впервые появилась в 1520-х годах.

Известные художники : Николас Хиллиард, Исаак Оливер, Нихал Чанд.

Фреска

Этот вид живописи предназначен для рисования на стенах или потолках, а не на холсте.

В этой технике рисования архитектурные элементы включаются в произведение искусства, чтобы создать красивую трехмерную картину.

Использование цвета, стиля и текстуры может значительно повлиять на качество художественного произведения.

Акриловая краска чаще всего используется для создания фресок.

Стенная роспись — единственный вид художественной росписи, который позволяет украсить архитектуру места.

Год изобретения : Существование настенной росписи восходит к позднему каменному веку.

Известные художники : Леонардо да Винчи, Диего Ривера, Давид Альфаро Сикейрос.

Масляная живопись

Наиболее предпочтительный стиль живописи, масляная живопись практикуется большинством художников по всему миру.

Краски изготавливаются путем смешивания пигментов с олифой, такой как маковое масло, масло грецкого ореха, льняное масло и сафлоровое масло.

Использование масляной краски дает вам возможность создавать широкий диапазон непрозрачности и интенсивности в вашем творчестве.

Позволяет создавать слои разных цветов и смешивать их вместе, чтобы создать блестящее произведение искусства.

Год изобретения : В 15 веке бельгийский художник Ян ван Эйк

Известные художники : Винсент Ван Гог, Леонардо да Винчи, Пабло Пикассо.

Панно

Панно — это стиль живописи, при котором произведение искусства выполняется на дереве или металле, а не на холсте.

До того, как холст стал широко доступен, панель использовалась для станковой живописи.

Наиболее часто используемой древесиной для окраски панно является дуб, бук, кедр, каштан, ель, лиственница, липа, белый тополь, красное дерево, олива, темный орех.

Создание иллюстраций на панели даст вам возможность создать гладкую картину, так как сама панель не имеет текстуры.

Год изобретения : Панно – один из старейших стилей и техник живописи, возникший до 600 г. до н.э.

Известные художники : Ченнино Ченнини, Диерик Баутс, Рогир ван дер Вейден.

Панорама

Панорама — это техника рисования, при которой сцена или пейзаж изображаются целиком или в непрерывном повествовании.

Если быть точным, он дает вам широкий угол обзора ландшафта.

Картина обычно выполняется на широком холсте или на плоской или изогнутой поверхности.

Панорама позволяет имитировать ощущение просмотра морского пейзажа или огромного ландшафта.

Вы можете использовать любую среду для рисования, чтобы нарисовать панораму.

Год изобретения : Первая панорама была написана шотландским художником Робертом Баркером в 1788 году

Известные художники : Бенджамин Рассел, Роберт Баркер, Франц Рубо.

Картина пастелью

Если вы нормальный человек, то, скорее всего, в детстве вы рисовали пастелью.

Живопись пастелью — это форма живописи, в которой используются пастельные палочки, изготовленные из порошкообразного пигмента и связующего вещества.

Стиль пастельной живописи создает очень роскошную картину с бархатистой текстурой.

Вы можете приобрести различные типы пастели: мягкую, твердую, масляную, водорастворимую и пастель.

Год изобретения : 16 век в Италии.

Известные художники : Эдгар Дега, Мэри Кассат, Одилон Редон.

Карандашный набросок

Один из видов живописи, карандашный набросок, представляет собой искусство создания четко определенных произведений искусства с использованием наиболее часто используемого в детстве инструмента: карандаша.

Графитный карандаш хорошо известен своей способностью создавать реалистичные и подробные наброски.

Способность графитного карандаша к растушевке позволит вам добавить глубины и украсить произведение искусства.

Рисование карандашом является предпочтительным методом рисования для многих профессиональных художников и людей, которые любят рисовать.

Год изобретения : Около 1560 г. Симонио и Линдиана Бернакотти

Известные художники : Адонна Харе, Марко Маццони, Диего Фацио.

Перспектива

Вы знаете, что у каждого свой взгляд на вещи, и это то, что пытается сделать перспективная живопись.

Перспективная живопись предполагает представление картины с точки зрения зрителя.

Этот стиль рисования также представляет собой трехмерное изображение на двухмерной плоскости.

Этот тип рисования похож на ракурс.

Год изобретения : Начало 15 века.

Известные художники : Мазаччо, Паоло Уччелло, Андреа Мантенья.

Пленэрная живопись

Пленэрная живопись — это способ покинуть студию и выйти на природу для рисования.

Точнее говоря, этот стиль живописи представляет собой практику рисования на открытом воздухе.

(Пленэрная живопись или En Plein air переводится как «на открытом воздухе»).

Выполнение пленэрной живописи позволяет создавать замечательные произведения искусства, так как источник света находится снаружи.

Позволяет точно распознавать цвета и отличать их от других.

Год изобретения : Эта техника рисования зародилась во Франции в 18 веке.

Известные художники : Эдгар Алвин Пейн, Уильям Меррит Чейз, Элсон Скиннер Кларк.

Рисование песком

Рисование песком или рисование сухим способом — это одна из уникальных форм живописи, в которой для создания картины используется заливка цветного песка.

Краска, используемая в рисовании песком, производится путем смешивания измельченного цветного песчаника; древесный уголь, пыльца или другой сухой материал.

Рисование песком требует точности и интенсивного контроля над движением руки. Чтобы рисовать песком, вам понадобится много практики и терпения.

Песочная живопись позволяет создавать впечатляющие и яркие произведения искусства, которые можно использовать как на фиксированных, так и на незакрепленных носителях.

Год изобретения : Рисование песком с древних времен связано с многочисленными культурными группами по всему миру.

Известные художники : Тим Бенгель, Ксения Симонова.

Живопись на свитках

Восточная Азия является основным регионом для этой техники рисования.

Китайский пейзажный свиток — величайший вклад культуры в историю живописи.

Даже японские нарративные свитки, определившие повествовательный потенциал живописи, могут служить примером двух господствующих стилей.

Эти картины создают ощущение путешествия во времени и пространстве, превращая зрителя в путешественника.

Часто изображаются дороги и маршруты, и кажется, что они направляют взгляд зрителя в произведение.

Год изобретения : Китайские «иллюстративные» свитки, предшественники повествовательных свитков, впервые появляются в конце 4 века нашей эры и передают буддийские моральные ценности.

Известные художники : Ма Юань.

Сфумато

Сфумато — это техника рисования, при которой цвета и тона смешиваются для получения гладкого вида без каких-либо следов перехода, краев или линий.

Также незаметен переход между светлыми и темными оттенками.

Когда вы используете Sfumato, окончательный рисунок будет выглядеть как безупречная гладкая картина.

Масляная краска чаще всего используется для изготовления сфумато, хотя можно использовать и другие материалы, такие как темпера.

Год изобретения : По словам искусствоведа Джорджио Вазари, сфумато был впервые изобретен первобытной фламандской школой в 1483-1485 годах.

Известные художники : Леонардо да Винчи, Корреджо, Рафаэль.

Сотто Ин Су

Сотто Ин Су, что означает «вид снизу», представляет собой иллюзорную роспись потолка.

В этой технике живописи произведение рисуется на потолке или другой более высокой поверхности, которая создает иллюзию для наблюдателя.

Большинство картин Сотто Ин Су были созданы, чтобы создать иллюзию открытого неба.

Преимущество Sotto In Su в том, что он объединяет воедино архитектуру, живопись и скульптуру.

Год изобретения 901:01: В эпоху Возрождения.

Известные художники : Корреджо, Джованни Баттиста, Андреа Мантенья.

Окраска распылением

Окраска распылением — это другой стиль рисования, в котором используется устройство для распыления краски.

Аэрозольная краска обычно используется в качестве среды при окраске распылением. Для покраски используются такие инструменты, как распылитель, покрасочная камера, аэрозольный баллончик и кисть-распылитель.

Когда вы используете аэрозольный баллончик для создания произведений искусства, он оставляет гладкий и ровный слой краски.

Могут быть разные стили рисования, но рисование распылением подходит для граффити и уличного искусства.

Год изобретения : Техника рисования распылением восходит к 1880-м годам.

Известные художники : Бански, Жан-Мишель Баския, Шепард Фейри.

Роспись по камню

Это одна из самостоятельных техник росписи, также известная как наскальная живопись.

Роспись по камню — это не что иное, как рисование на каменной поверхности с использованием прочной и стойкой краски.

Наиболее предпочтительными камнями для этой техники росписи являются речные речные камни, которые имеют характерную круглую форму.

Наиболее распространенным стилем рисования, используемым в этом типе живописи, является искусство мандалы.

Роспись по камню обычно состоит из множества ярких цветов.

Год изобретения : Был обнаружен в доисторические времена, но, по-видимому, эволюционировал на протяжении десятилетий.

Тахизм

Тахизм — это техника рисования, которая дополняет картину интуитивными и импульсивными мазками.

С помощью загруженной кисти были созданы огромные картины с размашистыми мазками, каплями, пятнами, пятнами и цветными брызгами.

Те, кто практикуют эту технику, известны как тахисты.

Год изобретения : В 1950-х годах эта техника рисования использовалась в Париже после Второй мировой войны.

Известные художники : Жан-Поль Риопель, Вольс, Жан Дюбюффе.

Роспись темперой

Роспись темперой — это стиль живописи, позволяющий создавать элегантные произведения искусства.

Также известная как яичная темпера, она производится путем смешивания цветных пигментов и водорастворимой связующей среды, такой как яичный желток.

Кремообразная текстура темперной краски позволяет создавать плавные мазки на холсте и позволяет создавать однородную картину.

Одним из преимуществ темперной росписи является долговечность.

Год изобретения : Раннее существование темперной живописи восходит к 1 веку до н.э. в Египте.

Известные художники : Сандро Боттичелли, Дуччо, Карло Кривелли.

Тенебризм

Тенебризм — одна из самых радикальных техник рисования в мире искусства.

Это практика использования резких контрастов света и тьмы для усиления драматического воздействия фигуративных композиций.

Фигуры на картинах тенебристов часто изображаются на фоне полной темноты.

Фигуры, с другой стороны, освещены ярким, ищущим светом, который четко, но мастерски контролирует светотени, подчеркивая их трехмерные формы.

Год изобретения : Караваджо (1571-1610), итальянский художник, изобрел метод.

Известные художники : Караваджо

Tromp L’oeil

Trompe l’oeil — французский тип живописи, который переводится как «обманывать глаз».

Основной целью этой техники рисования является создание оптической иллюзии предмета, существующего в трех измерениях.

Trompe l’oeil фокусируется на создании реалистичных картин с изюминкой перспективы.

Зексий, один из знаменитых художников Древней Греции, был известен своими реалистическими стилями живописи.

«Картина настолько реалистична, что птицы пытались съесть виноград из Trompe l’oeil».

Год изобретения : Считается, что Trompe l’oeil возникла в период раннего Возрождения.

Известные художники : Уильям Харнетт, Корнелис Норбертус Гисбрехтс, Джон Ф. Пето.

Ведута

Ведута, одна из многих техник живописи, представляет собой высокодетализированный тип живописи, изображающий город или поселок или любую часть, связанную с городом.

Это тип пейзажной живописи, где размер картины может быть большим, чтобы вместить весь городской пейзаж.

Тех, кто практикует этот стиль живописи, называют Ведутистами.

Год изобретения : 16 век

Известные художники : Каналетто, Франческо Гварди, Поль Бриль.

Акварельная живопись

Акварельная живопись — одна из известных техник живописи, позволяющая создавать завораживающие произведения искусства.

Как следует из названия, акварель хорошо растворима в воде и изготавливается путем сочетания пигментов и связующих веществ.

С помощью акварели вы создаете уникальные картины, творчески воплощающие ваши фантазии.

Одна из лучших особенностей акварельной живописи заключается в том, что можно добиться прозрачности и свечения картины, просто добавляя слои.

Знаете ли вы, что есть такая штука, как акварельные карандаши? Эти карандаши позволяют создать эффект акварельных красок!

Год изобретения : Около 1,4 миллиона лет назад (древний каменный век)

Известные художники : Альбрехт Дюрер, Пауль Клее, Джон Сингер Сарджент.

Ручная роспись

Ручная роспись на заказ — это относительно новый стиль рисования, в котором вы можете превратить свои фотографии в картины.

Он сочетает в себе аспекты цифрового искусства и традиционной живописи для создания картин на заказ.

Этот стиль портретной живописи позволяет создавать разнообразные картины ручной работы, изображающие вас и ваших близких.

Одним из преимуществ этой техники и стиля рисования является то, что вы можете редактировать или объединять разные фотографии в одну картину.

Вы можете выбрать акрил, масло, акварель, уголь, карандаш и цветной карандаш, чтобы создать индивидуальную картину ручной работы.

Получите картину сегодня

Теперь я наконец-то могу перевести дух *вздох*.

Искусство — это творческое занятие, требующее трех P: терпения, настойчивости и настойчивости.

Овладеть стилями и техниками живописи непросто. Вам придется потратить годы на совершенствование своего ремесла.

Но не расстраивайтесь, ведь Рим строился не за один день!

Это все, что она сказала…

Эй, творческие люди!

Это был наш обновленный список всех типов картин, стилей и техник.

Мы надеемся, что вам понравилось узнавать об этих различных картинах, стилях и техниках, которые практикуются в мире живописи.

Если мы пропустили какой-либо стиль или технику, сообщите нам об этом в разделе комментариев ниже

Мой любимый стиль рисования — Дивизионизм, потому что мы любим Винсента и его безумие;)

Вы можете следить за нами в Instagram и подписываться на наш канал Youtube.

Какой стиль рисования вам нравится? И почему?

Комментарий внизу !

Часто задаваемые вопросы

1. Кто нарисовал Звездную ночь?

Звездная ночь была написана голландским художником Винсентом Ван Гогом в 1889 году.

No related posts.