Модерн в искусстве 20 века: Работа сайта временно приостановлена

Модернизм и постмодернизм в культуре ХХ века

Термином модернизм (от фран. – новый) обозначают новое, современное искусство, которое зародилось в конце XIX века и связано с глобальным кризисом европейской культуры. Субъективность миропонимания – в основе любого эстетического эксперимента лежали личные, индивидуальные подходы. Демонстративное противопоставление новых форм по отношению к гармоничным формам классического искусства. Кризис искусства XX века был следствием мирового кризиса рубежа XIX-XX веков (мировые войны, революции, этнические конфликты? элементы нестабильности переходной эпохи). Кризис выразился во всех сферах культуры: в науке, философии, этике, праве, но в наибольшей степени в искусстве, прежде всего в живописи. Идейной платформой новых модернистских форм стала философия Ницше, психоанализ Фрейда и Юнга, экзистенциализм Хайдеггера и Ясперса. Смысл этой философии заключается в том, что в мире нет и не может быть никакой надежды, человек должен осознать, что он живет только сегодня и никакого завтра, то есть никакого будущего у него нет, и если оно и будет, то не у него, а у тех, кто придет за ним, но для них это уже не будущее, а настоящее, поэтому надо жить в настоящем, жить настоящим и действовать в настоящем. Заботой о будущем человек может жить лишь до встречи с абсурдом, именно абсурд заставляет человека смотреть на мир открытыми глазами не в смирении и не покорении судьбе, поэтому человек обязан жить согласно тем нормам поведения и поступкам, которые соответствуют его душевному устройству, не создающими дискомфорта с самим собой и если для этого требуется вынужденное одиночество, то он должен выпасть из привычного социума. Сартр (Франция), Камю, Кафка (Австрия) – литераторы. Модернистское искусство есть синтез романтизма и сентиментализма XIX и XVIII веков и философской идеологией XX века. Модернисты исходили из установки о неразрешимости противоречий современной эпохи и в конечном итоге пришли к отрицанию духовно-нравственных истин.

Поиск нового обернулся стремлением восстановить цельность и органичность человеческого бытия в рамках единой космологической системы через художественные средства, то есть вернулся в искусстве к мифотворческому методу, к формам первобытного искусства, к формам детского творчества, то есть к тем формам, где человек чувствовал себя гармоничным в этом мире, где не было фальши, где не было насилия над человеческой личностью.

Наиболее ярко кризис искусства проявил себя в живописи: большинство художников XX века отошло от изображения мира таким, как мы его видим. Мир представлялся деформированным порой до неузнаваемости, так как художники руководствовались больше собственным воображением, отход от реализма не был пустым капризом, художники хотели сказать: мир вовсе не такой, каким мы его видим: он по своей сути бессмыслен и абсурден, он такой, как мы его показываем на своих картинах (понятие модерн более широкое, чем авангард, который относится только к художественной культуре, а модерн ко всему новому). В авангарде XX века существовало множество направлений, течений, которые существовали рядом, параллельно, часто скрещивались между собой, сменяли или отменяли друг друга. Статус вечных приобрели три течения: абстракционизм, кубизм, сюрреализм (сверхреализм). Первое впечатление при встрече с авангардом – все не так. Главная формула его: если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать, постоянный признак: сознательное переворачивание традиционных представлений. Авангард стремился породить не искусство, а метод познания и поставить его на место традиционной философии? авангардисты создают в своем творчестве нечто особое, что включает в себя и проблему отвлеченного мышления, и косвенное представление о бытии и сконцентрированный мир идей. Таким образом, абстрактное искусство – это не стиль, это образ мышления. Периоды: от модерна (XIX) до «Авиньонских девиц» (первая кубическая картина Пикассо). Этот период характеризуется перестройкой традиционного типа искусства, не выработан язык авангарда? художники вынуждены сами объяснять основные постулаты своей позиции.

От дадизма до порт-арта.

Кубизм – это течение связано с именем Пабло Пикассо (Испания). К этому течению Пикассо пришел не сразу.

Периоды:

1. «Голубой период» (1901-1904). Все портреты объединены холодной гаммой синего цвета, что позволяет развить тему одиночества, горя, обреченности человека, враждебной среды («Странствующие гимнасты», «Нищие: старик с мальчиком»).

2. «Розовый период» (1905-1906). Все картины в пепельно-розовом цвете. Цель, которой хотел достигнуть Пикассо – показать, что хотя мир дик, в нем живут порядочные люди? героями картин становятся бродячие артисты, акробаты: «Девочка на шаре». Но художественная правда оказалась выше желания художника? свобода обернулась в одиночестве изгнанника. Картины также пессимистичны.

3. 1906-1907 (1,5 мес.). Художник приходит к выводу, что решение человеческих проблем через живопись невозможною живопись может лишь только создавать пластические формы. Большой интерес к негритянской культуре.

4. Первая фаза начала кубизма (1907-1908). Органические и природные мотивы подвергаются геометризованной информации. Выполнены в землисто-красноватом колорите, а выявлению рельефа служат сине-зеленые тона («Авиньонские девицы» (1907), «Три женщины»).

5. Вторая фаза – аналитический кубизм, когда картина превращается в дробный узор мелких геометрических элементов, сквозь который проглядывает изобразительный элемент (портрет Валлара).

6. Третья фаза: синтетический кубизм (1912-1913). Это живописные композиции, которые образуются плоскими фрагментами предметов (в основном музыкальных инструментов).

7. 1913-1915. Композиции на тему музыкальных инструментов, которые представляли объемно-предметные изделия из различных материалов, подвешенных к вертикальной плоскости.

Абстракционизм.

Основатель – Василий Кандинский. Сущность течения в том, что с помощью кисти и карандаша можно создать особую вибрацию души и приобщить ее к духу музыки. Художественные средства: световые пятна, линии, геометрические фигуры, абстракции. Абстракционизм напоминает музыку, и Кандинский создал свой абстрактный язык живописи, где каждый цвет нес определенную символическую нагрузку (Шнитке «Желтый цвет» — музыкальное произведение). Другой представитель – Казимир Малевич («Черный квадрат на белом фоне» 1913). Выставлялся как некий новый планетарный знак (романтическая утопия).

Сюрреализм.

Связан с Сальвадором Дали. Возник на рубеже 20-х годов XX века, стабилизировался в 25-26 годах. Основное основание – ощущение причудливости, неожиданности явления мира? представление о непознаваемости и отсутствии мира? реальный мир – это мир, который находится в нашем подсознании. Суть художественного метода – соединение реальных предметов с нереальными или реальных, но доведенных до абсурда или реальных, но в иррациональном сочетании (Дали «Антропоморфный шкаф»). Сюрреализм проявился не только в живописи, но и в скульптуре и кино.

Постмодернизм.

Постмодернизм – эстетический переворот, который произошел в Европе в 60-70 годы. Как термин, начал применяться в 79 году. Это не стиль, это цитирование известных образцов, но в манере намеренного бреда и главная характерная черта – эклектика (соединение различных элементов – Восток, Запад, Африка, европейская культура). Такой путь ставил на одну грань точку отсчета и точку высшего развития (европейская цивилизация). Постмодернизм – результат студенческих движений, это была реакция на потребительское общество. Они пытались предвнести в безыдейное общество новую сверхидею. Подлинного художника в мире окружают враги, таким образом, постмодернизм – форма эстетического бунтарства и был озвучен идеей новой сексуальной революции и новой чувственностью. И модернизм, и постмодернизм не могут претендовать на широкую популярность, то есть возникали они как элитарные, тем не менее, модерн и постмодерн стали тем этапом в развитии культуры XX века, которые не только обозначили все его болевые точки, но и стали тем искусством, которое соединило эпоху XX века с позабытым в суете Вечным.

Рекомендуем прочитать:

Конспект по культурологии

Модерн и символизм в искусстве и культуре Западной Европы 19 века

23 сентября 2018

Течения, о которых сейчас пойдет речь, существовали в разных вариантах, но, в общем, были более однородны, чем реалистическое искусство.

У современников они именовались как декаденсткие течения. Мифы, легенды, сказки разных народов смешивались с реальностью. При этом имели преобладания лирические настроения: тут было больше угнетения, чем стремления добыть новых перспектив, — в этом смысле термин «декаданс» полностью оправдан. Декадентские настроения оказались достаточно внушительными, что на их основе сложился художественный стиль, быстро завоевавший сердца публики, — стиль модерн.

Гюстав Моро – «Вирсавия», 1883 г.,  59,2 x 41,5 см

У модерна есть все основания называться стилем, а не просто художественным направлением, так как он, во-первых, захватил все виды искусств, включая архитектуру; во-вторых, обладал обширностью выразительных средств, чего не было в романтизме. Язык Делакруа, Блейка и Фридриха определенно отличен. Модерн, конечно, не был великим стилем, но на каком-то этапе отвечал времени. Его образное строение было связано с символизмом.

Гюстав Моро – «Сапфо», 1871-1872

Символизм и модерн не являются синонимами. Эти понятия надо отличать. Стилистика модерна, с ее принципами орнамента и изыска могла и не нести символического содержания. Гюстав Моро был символистом, но не художником модерна; в творчестве Тулуз-Лотрека «язык» модерна весьма ощутим, однако с символизмом у Лотрека нет ничего общего.

Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа — «Джейн Авриль, выходящая из «Мулен-Руж»,  1892, 84,3 х 63,4 см

Связь символизма и модерна четко прослеживается в немецком искусстве. Здесь работал Арнольд Бёклин. Он родился в 1827 году, но только в 70-е годы его работы получили признание. Сначала Бёклин и вовсе не был символистом. Ему нравилось изображать на итальянских пейзажах борющихся кентавров. Этих мифологических созданий Бёклин писал в натуральном жанре. Они у него такие же реальные, как и места, где они обитают.

Арнольд Бёклин — «Автопортрет»,  1873 г

Со временем Бёклин усиливает символический подтекст, разнообразность настроений. Одна из самых знаменитых его картин — «Остров мертвых».

Художник сотворил пять вариантов этой композиции, изображающей таинственный остров: к небу поднимаются темные силуэты кипарисов,вокруг скалы и руины, к берегу плывет с изображенной на ней белой фигурой.

Арнольд Бёклин — «Остров мертвых», первый вариант

Арнольд Бёклин — «Остров мертвых», картина для Фрица Гурлита 

Картины еще одного, ненадолго окруженного славой художника — Франца фон Штука, производили сильное впечатление на общество. Он являлся одним из организаторов общества «Сецессион», возникшего в Мюнхене. Эти объеденения были определенными хранилищами германского модерна. Во Франции модерн получал первоначальные сигналы от произведений Гогена. В Англии этот стиль складывался на основе искусства прерафаэлитов, а также Блейка. Общеевропейский резонанс имело искусство Джеймса Энсора. В Бельгии работали создатели архитектуры стиля модерн — Виктор Орта и Хенри Ван де Велде.

Франц фон Штук — «Сизиф», 1920

 Каковы же общие черты стилистики модерна? Они лучше всего просматриваются в декоре, поскольку в модерне присутствует стремление романтически облагораживать повседневность, эстетически преобразовывать ее.

Господствует вкус к необычайной изысканности: изогнутые, кривые фор-
мы, частая и вместе с тем ассиметричная узорность, нарушение пропорционального строя, вертикальный спиралевидный орнамент, ажур. Архитекторы модерна, используя возможные строительные техники, отказывались от традиционной планировки зданий. Они придавали им свободную, примитивную конфигурацию, а особенно выдавали в области декора. В декоре привозносились волнистые, извилистые линии. На этой основе можно было изобретать самые неожиданные формы.

Франц фон Штук — «Страж Рая»

Импрессионисты, пытаясь передать визуальное впечатление натуры, никогда не прибегали к линейному контуру. Искусство модерна превращает формы в орнамент, расположенный на плоскости. Создатели модерна проявили большую изобретательность в декоративной разработке природных очертаний.

Теги

символизм, Модерн, Гюстав Моро, Тулуз-Лотрек-Монфа, Арнольд Бёклин, Франц фон Штук, Страж Рая, Импрессионисты, Вирсавия, Западная Европа.

Рекомендуем почитать

стиль либерти или рациональный модерн в искусстве, современной архитектуре и скульптуре

Модерн – художественное направление в искусстве, скульптуре и архитектуре, распространившееся по территории европейских стран к концу 19-го века. Популярность этого движения продлилась до начала I Мировой войны. Главная характеристика стиля – избавление от четких и угловатых форм. “Природные” композиции начинают занимать главенствующие позиции. Появляются новейшие техники и способы исполнения живописных и скульптурных творений. Наблюдается интерес к прикладному искусству (одежда, посуда, элементы интерьера и прочее).

История возникновения

Этот стиль пришел на смену эклектике – направлению, характеризуемому повторением образов предыдущих исторических стилей.

Значительное влияние на возникновение модерна оказало искусство восточных стран (преимущественно Японии), а художники и зодчие того времени вдохновлялись египетским стилем.

В европейских странах модерн имел определенное название:

• Соединенные Штаты – «тиффани».
• Австрия – «сецессион».
• Германия – «югендштиль».
• Франция – «ар-нуво».
• Италия – «либерти».

Черты стиля

Модерн сочетал в себе особенности художественного характера в различных произведениях, чем в значительной степени вовлекал во все сферы жизни и деятельности человека черты прекрасного и возвышенного. Это движение подразделялось на два основных вида:

• Декоративное – во Франции, Бельгии, Германии.
• Конструктивное – в Шотландии и городах Австрии.

А в итальянских и русских городах на развитие модерна оказали традиции национального характера (например, в неорусский стиль).

Неорусский стиль – архитектурное направление в русском (московском) зодчестве (конец 19 – начало 20-го столетия).

Творцы того времени широко использовали древнерусские мотивы для возрождения русской своеобразной культуры.

Стоит отметить, что стиль модерн в архитектуре, скульптуре и искусстве совместил в себе невероятное количество различных направлений и развивался под влиянием множества национальных культур и их традиций. Даже специалисты затрудняются определить границы конца эклектики и начала модерна, а также возникновения последующего стиля под названием ар-деко.

Ярчайшим примером этого всеобъемлющего и разностороннего стиля является «Удар бича» – скульптура Германа Обриста.

В Европе создаются ассоциации художественной направленности:

• 1888 г. – Выставочное общество искусств и ремесел (Великобритания).
• 1890 г. – Мир Искусства (Россия).
• 1897-99 гг. – Объединенные искусственно-ремесленные мастерские, Немецкие мастерские художественных ремесел (Германия).
• 1903 г. – Венские мастерские (Австрия).

Югендстиль в Риге

Архитектура

Архитектурный модерн (так же как и стиль Хай-Тек в архитектуре) в Европе был распространен в 1890-1910 гг. Особенностью является стремление создавать не только красивые, но и функциональные здания. Все элементы конструкции каждого строения поддавались художественной обработке (двери, лестницы, столбы и прочее).

Виктор Орта (Бельгия) был одним из первых зодчих, проектирующих здания в стиле модерн. Несущие конструкции выполнялись преимущественно из железа и напоминали фантастические формы необычных растений. Он также использовал новые строительные материалы, среди которых были стекло и железо. Все детали от дверных ручек и до лестничных перил выполнялись в одном стилевом направлении.

Модерн во Франции развивался благодаря Эктору Гимару, который спроектировал павильоны в метро Парижа. А дома в стиле модерн, сооруженные Антонио Гауди, превосходно вписывались в пейзаж. Они больше походили на чудеса природы, нежели на настоящие сооружения, созданные человеком.

Архитектура этого направления отличается своим многообразием. Строения напоминают одновременно и замки, и мавританские дворцы и корпуса заводских зданий.

С течением развития модерна начали выделяться такие направления, как:

В определенных регионах и городах модерн отличался особенными чертами, и поэтому появились термины: берлинский, московский, русский, провинциальный, венский, парижский, рижский и множество других направлений. На территории России можно наблюдать строения в «северном стиле (финском)» (в Санкт-Петербурге, Сортавале, Выборге).

По сей день существуют споры о том, являются ли вышеперечисленные направления самостоятельными стилями, или же они представляют собой разновидности модерна.

Стиль модерн возник в то время, когда появилась необходимость не только в шикарных замках и церквях, а еще и в магистралях, вокзалах, выставочных залах, аэродромах, заводах. Появляется необходимость в использовании новых строительных материалов: стекла, бетона, стали. Кроме того, наблюдаются изменения в технологиях производства кирпича, камня и древесных материалов.

В архитектуре происходит отказ от симметричности форм: появляются огромные окна в виде витрин («магазинные окна»). Получает развитие идея строительство многоэтажных зданий, проектируются окончательные варианты жилых домов в стиле модерн (на фото).

Главный офис сайта “ВКонтакте” в Санкт-Петербурге, на Невском проспекте

Интерьер

Модерн в организации интерьера отличается элегантностью линий, а также разреженность форм всех элементов декора. Значительную роль в оснащении внутренней обстановки строений сыграла увлеченность японскими мотивами.

Основным материалом художников стиля модерн было стекло. Но интересные узоры можно было также наблюдать на изделиях из фарфора. Медь и бронза использовались при изготовлении светильников. Мастера модерна активно разрабатывали новые модели светильных приборов, дизайном ювелирных украшений и столового серебра. На фото представлены светильники, выполненные в стиле этого направления.

Годуин и Макинтош – наиболее известные художники, которые трудились над дизайном мебели в стиле модерн.

На работы Годуина очень повлияло искусство японской мебели – деревянные детали гарнитуров окрашивались в светлые тона (серый или белый). Мода на японские мотивы возродила ширмы, которые были особенно популярны в 18-м столетии. Мебельные гении занимались также художественной росписью. Выпускники школы Нанси придавали различным предметам мебели из черного дерева необычные орнаменты и очертания в стиле модерн. Кресла-бержеры, диваны и стулья были оснащены резными панно, имеющими гибкие формы цветков ириса или ветвей деревьев, а ножки изготавливались в виде волнообразных композиций. На фото можно видеть, как стиль модерн в интерьере идеально сочетает в себе различные материалы, отлично гармонирующие друг с другом (стекло, метал, камень, дерево, обои, роспись).

Макинтош, в свою очередь, работал над эскизами мебели, имеющей удлиненные формы. Ему принадлежит дизайн кресел-тронов, оснащенных коротенькими ножками и несоразмерно вытянутыми спинками.

Для отделки стен использовались обои с элементами росписи и шпалер. Рисунки являли собой символический характер. Особенно популярны были цветочные и растительные композиции, а также вязь. Не менее важную роль играет мозаика – ее изготавливают из керамики, стекла и прочих материалов. Мозаичными картинами украшают полы, стены и потолки.

Ведущие цвета модерна – мягкие ненавязчивые оттенки природного характера (белый, бежевый, светло-голубой, нежно-розовый, бирюзовый и т.д.)

Современные дизайнеры часто используют идеи модерна при создании интерьеров для гостиных комнат, спален и даже кухонь. На фото представлены наиболее удачные примеры в этом направлении.

Скульптура и живопись

В значительной степени на развитие стиля модерна в искусстве живописи и скульптуры повлиял символизм. Традиционные формы 19-го века сменялись новейшими течениями европейских стран. Панно и картины в стиле модерн представляли собой элементы декорирования помещений, что вносило в общую композицию новизну эмоциональной окраски. Благодаря этому основной отличительной чертой живописи стала декоративность.

На первом плане находились преимущественно лица и фигуры, выполненные с особой четкостью. Для картин также характерны «ковровые фоны» с орнаментами и сочетание условностей декоративного характера (М.А. Врубель, Г. Климт). Широта цветовых плоскостей наблюдается в работах Э. Мунка и Л.С. Бакста. Работы Бенуа и Врубеля отличаются четкими линиями и нюансами, что придавало живописи стиля модерн выразительность.

В композициях картин использовались идеи на тематику смерти, мировой скорби, а также эротизма. Значительное распространение получили работы Густава Климта, который обращался на своих полотнах к миру легенд, снов, и сказок.

Скульптурные творения эпохи модерна отличаются динамикой композиций и рельефностью форм. Наблюдается гармоничное взаимодействие хрупких и массивных линий, а также силуэтов разных размеров. На фото показаны черты модерна на примере скульптуры «Поцелуй» Огюста Родена.

Модные веяния

Дизайн женской одежды в стиле модерн относился к салонному типу. Прелестные дамы того времени – изящные, с вытянутой фигурой (готической), развивающимися длинными волосами, а также с выразительным мечтательным томным взглядом. В своем становлении и развитии модные тенденции модерна разделились на несколько этапов:

• 1898-1900 гг. – особое внимание уделялось правильно осанке. Женский наряд состоял из юбки по типу колокола (подол удлинялся). Трен на подоле отделывался оборками. Рукава-жиго расширялись к плечам.
• 1901-05 гг. – популярен S-образный силуэт (узкая талия и большая грудь). Женщины носили шляпы больших размеров, линия плеча в наряде принимает более естественные формы. Юбки обильно декорируются, а буфы на рукавах сдвигаются ближе к локтям. Талия милой прелестницы затягивалась в корсет (до 55-60 см), поэтому верх женского торса наклонен вперед. Такой силуэт носил название “голубиная грудь”. Выразительная выпуклая форма сзади создавалась за счет клеша на юбке, который прилегал к упругим бедрам. Юбки для бальных платьев имели одну особенность – вокруг элегантных туфелек они ложились веерообразно. Этот эффект достигался благодаря дополнительному трену.
• 1905-07 гг. – во время третьего периода укорачивались юбки (открывался носок туфель), а элементы декорирования исчезают почти полностью. Женский силуэт возвращается к обычному виду (вертикальному), что отражается на примерах одежды в стиле модерна. Постепенно выходят из моды корсеты, а после 1903 года покрой нарядов становится более просторным и не стесняет движений.

На смену спокойным оттенкам приходят яркие красочные цвета.

Для пошива использовали шелка – тончайший крепдешин, шифон и парча, а также тафта. Применялся тяжелый бархат, полотно, репс и велюр.

Верхняя одежда: короткие жакеты, пелерины, пальто (средней длины), мантильи, меховые манто.

Отделкой для нарядов служили: шарфы, банты, тесьма, плиссе, роспись, кружева, искусственные цветы, вышивка (золотые нити, бисер, мишура), кораллы, яркие блестки, бусы. Обувь на каблуках: сапоги на шнуровке, туфли.

Использовали также дополнительные аксессуары: шляпки-ток, элегантные тросточки, зонтики с тканевыми оборками, перчатки, муфты.

Варианты поклейки обоев, где комбинирование разных типов обоев является ключевым элементом.

Дизайн маленькой кухни с обоями вы найдете в этой статье, где предложены еще и фото.

Виды недорогой напольной плитки: https://trendsdesign.ru/materialy/plitka/nedorogaya-napolnaya-plitka.html

Секреты стиля

Выводы

Стиль модерн возник в конце 19-го столетия и пришел на смену эклектике. В отличие от предшествующего направления, модерн сочетает в себе множество различных течений искусства и не стремится в точности копировать идеи прошлых веков. В области архитектурного строения широко использовались металлические каркасы, а также видоизменялись технологии производства строительных материалов. Модерн, как ни один другой стиль, содержит в себе невероятное количество направлений, детали которых гармонично сочетаются в общей композиции. На смену ему пришел модернизм, а затем мир знакомится с минимализмом.

Читайте также про классицизм в скульптуре.

Модерн − направление в искусстве рубежа 19 и 20 веков | Мир размышлений

Давно хотелось написать о модерне. Когда-то, путая модернизм и модерн, думала что это одно и тоже, а разобравшись, открыла много нового для себя.

Итак, модерн — направление в искусстве рубежа 19 и 20 веков. Приблизительно с 1880 по 1914 годы. Появился как ещё одна ветка «новых искусств» наряду с постимпрессионизмом и др. Основывался модерн на теориях Эжена Дюка, Джона Рёскина, Уильяма Морисса, движения «Искусства и ремёсла» (их главная мысль о художественном превосходстве изделий ручного ремесла). Был связан с идеями разрушения границ между живописью, скульптурой и прикладным искусством.

Развитие промышленности в целом, в частности типографского дела, фотографии привели к тому, что прикладное (декоративно-прикладное) искусство стало основополагающим для модерна. Соответственно, декоративность — одна из главных его качеств.

Живопись стала рассматриваться как элемент интерьера. Рождение плаката — новшества типографской промышленности, книжный дизайн, иллюстрации, большой интерес к ювелирному искусству, стилизованным интерьерам и мебели.

Рассмотрим подробнее ряд примеров.

Живописное произведение декоративного характера

Шерстяное панно с вышивкой золотой нитью по шерсти, художника-декоратора Германа Обриста «Красный цикламен» или «Удар бича» (примерно 1892).

http://www.dpholding.ru/images/vm/808369b901f25267b14d7c1153938ad5.jpg

http://www.dpholding.ru/images/vm/808369b901f25267b14d7c1153938ad5.jpg

Живопись и графика

Популярный и сейчас Густав Климт — один из основоположников живописи модерна.

Известная картина «Поцелуй» (1908 год)

https://artchive.ru/gustavklimt/worksГустав Климт — Фреска «Театр Таормины», 1886

https://artchive. ru/gustavklimt/works

Графика Александра Николаевича Бенуа «Прогулка короля» (1906 год)

https://artchive.ru/alexandrebenois/works/13907~Progulka_koroljaГрафика «Версаль. Статуя Нептуна», 1905Фронтиспис к поэме А. С. Пушкина «Медный Всадник», 1905

https://artchive.ru/alexandrebenois/works/13907~Progulka_korolja

Михаил Александрович Врубель

Картина «Философия», 1899

https://artchive.ru/mikhailvrubelЖемчужина, 1904Италия. Сцены из античной жизни. Эскиз театрального занавеса.1891,

https://artchive.ru/mikhailvrubel

Рисунки и иллюстрации

Георгий Иванович Нарбут. Иллюстрация для сказки «Соловей», 1912

https://artchive.ru/artists/2016~Georgij_Ivanovich_Narbut/works/589755~Illjustratsija_dlja_skazki_SolovejАлександр Николаевич Бенуа «Азбука. Сласти», 1904Михаил Александрович Врубель — Свидание Анны Карениной с сыном. Иллюстрация к роману Л.Н. Толстого «Анна Каренина», 1878

https://artchive. ru/artists/2016~Georgij_Ivanovich_Narbut/works/589755~Illjustratsija_dlja_skazki_Solovej

Литография

Плакат Алфонсо Мухи «Афиша к пьесе «Жисмонда» с Сарой Бернар» (1894)

https://artchive.ru/alphonsemucha/works

https://artchive.ru/alphonsemucha/works

Скульптура

Среди скульптур модерна самая известная работа Огюста Родена — «Мыслитель» (1880—1882)

Автор: Yaser1. https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=2753897

Автор: Yaser1. https://ru.wikipedia.org/w/index.php?curid=2753897

Ювелирное искусство модерна

В основе полудрагоценные камни — опал, лунный камень, бирюза и др. Драгоценные камни в качестве вспомогательных элементов. Тематика — растительные, зооморфные, сказочные, мифологические.

Рене Лалик — один из выдающихся ювелиров, представителей модерна или ар-нуво.

http://www.gemtech.ru/article/rene-lalik-i-ego-tvoreniya

http://www. gemtech.ru/article/rene-lalik-i-ego-tvoreniya

Конечно, ювелирные украшения Тиффани, о нём статья уже была ранее.

Архитектура

Метрополь. Ныне гостиница 5 звёзд. Расположена по адресу: Москва, Театральный проезд, д. 2.

Строилась в 1899—1905 годах. Как раз самый расцвет модерна. Инициатором строительства был русский предприниматель и меценат — Савва Мамонтов. По его заказу британский архитектор и художник Вильям Валькот разработал первоначальный проект.

Метрополь является самым крупным архитектурным памятником эпохи модерна. На фасаде панно М. А. Врубеля «Принцесса Грёза».

https://yandex.ru/images

https://yandex.ru/images

Таким образом, модерн (ар-нуво) очень интересное и яркое направление в искусстве. Очень красивый взгляд на сочетание разных видов искусств в одном.

Русское искусство начала XX века (Модерн). Эстетика Ренессанса [Статьи и эссе]

Русское искусство начала XX века

(Модерн)

Модерн (под различными названиями: «ар нуво» в Бельгии и Франции, «сецессион» в Австро-Венгрии, «югендштиль» в Германии, «стиль либерти» в Италии, «модерн стайл» в Великобритании, «стиль Тиффани» в США, «стиль модерн» в России ) проявился как общеевропейское явление особенно отчетливо в архитектуре, в прикладном искусстве и моде. Основная идея нового художественного движения — сотворение прекрасного, которого нет или мало в действительности, что ведет к искусству для искусства, к эстетству, либо к преобразованию окружающей жизни красотой.

Эпоха модерна в России, казалось бы, синхронная с явлениями искусства в развитых странах Европы и в США, имела свои особенности, каковые обретали решающее значение в отдельных видах искусства и как умонастроение у различных слоев общества. Модерн в архитектуре в России — это первый буржуазный стиль, даже в большей мере купеческий, явление, впервые наблюдаемое в странах Западной Европы в эпоху Возрождения и вполне вызревшее в России на рубеже XIX-XX столетий.

Модерн на новом историческом этапе как бы повторяет развитие новой русской архитектуры от барокко, с обращением к древнерусской архитектуре, до классицизма, с преодолением романтизма достигшей высоты ренессансной классики в Золотой век русской культуры. Внедрение искусства в жизнь, преобразование среды обитания человека по законам красоты в России носит чисто ренессансный характер.

Если устремления отдельных художников объединения «Мир искусства» можно принять за чистый эстетизм, то Серов, Левитан, Серебрякова основывают свое творчество на природе, выявляя ее красоту, как и в жизни человека. Этой же эстетики придерживался Чехов. Недаром ведущим архитектором русского модерна явился Ф.О.Шехтель (1859-1926), выпускник Училища живописи, ваяния и зодчества, как и Левитан, с которыми в одни годы сформировался студент медицинского факультета Московского университета как писатель. И такими созвездиями полна та эпоха. Шехтель строил частные особняки, — хрестоматийный пример: особняк С.П.Рябушинского в Москве (1900-19002), со всем его внутренним убранством, — доходные дома, здания торговых фирм, вокзалов, театров, кинематографов.

Модерн в Москве проявляет себя и как неорусский стиль, — фасад Третьяковской галереи по проекту В.М.Васнецова (1900-1905), — в том же плане можно воспринимать сооружение Шехтеля — Ярославский вокзал (1902-1904), или Казанский вокзал по проекту А. В.Щусева (1913-1926).

В Петербурге следовало ожидать поворота модерна к неоклассицизму, что распространится и на Москву. Здание Азовско-Донского банка по проекту Ф,И.Лидваля (1907-1909) производит впечатление итальянского палаццо эпохи Возрождения, в этом плане почти буквально был задуман и выстроен особняк Г.А.Тарасова в Москве на Спиридоновке (1912) архитектором И.В.Жолтовским.

Модерн как умонастроение различных слоев общества напрямую отразился в развитии театра, что в России впервые наблюдается именно в среде купечества, то есть интеллигенции из купечества. Если в архитектуре Рябушинские выступали заказчиками особняков, то в развитии театра приняли самое непосредственное участие Савва Мамонтов и Алексеев из купцов как художники-творцы, что говорит о ренессансности этого явления, чего не было в Европе уже и в помине. В том же и причина революции в театре, что связывают с МХТ.

Модерн как умонастроение художественной интеллигенции, что заключало в себе особое настроение утонченной поэзии и грусти в восприятии природы и явлений искусства (мирискусники), вплоть до болезненной меланхолии (Борисов-Мусатов) или высших устремлений (Врубель) критика и публика воспринимала как декаданс, кто с критикой, кто с узнаванием своего мироощущения. Мария Германова, актриса из молодого поколения артистов МХТ, писала в воспоминаниях, как она дорожила, осознанно культивировала то настроение, соответственно и образ жизни, что называли декадентством: «С окончанием гимназии я свободней и смелей отдавалась влиянию современности, стала тем, что теперь называют «модерн», а тогда определяли «декаденткой». Увлекалась я очень этим декадентством».

А имелось в виду выделение своего Я, своей индивидуальности: «В погоне за настроением я бродила одна по залитым лунным светом дорожкам, мимо статуй и благоухающих цветов. Я вбирала в себя красоту настроения, нахватывала целые запасы его, как верблюд, и любовалась и тем, как я иду, и тем, что я в белом платье, и тем, как переживаю я этот час… Во вкусе, в направлении совершился переворот».

Мы помним, творчество Михаила Врубеля отвергалось его современниками как декаденство, что вообще распространялось на молодых художников, включая даже Валентина Серова. А исследователи и поныне задаются вопросом в отношении живописи Врубеля, относя к модерну, это декаданс или ренессанс?

Модерн — это панэстетизм, отголосок Золотого века русской культуры, дворянского периода ее развития, с ощущением его конца, — о чем заявил Дягилев на устроенной им грандиозной выставке исторических портретов в Таврическом дворце в 1905 году, — с зарождением и развитием демократической и буржуазной культуры, соотношение между которыми в России совершенно иное, чем в странах Западной Европы.

Российское государство с запоздалой отменой крепостного права только-только вступило на капиталистический путь развития, и дворянской элите противостояла не буржуазия, а крестьянство и разночинная интеллигенция, воспитанная на русской классической литературе, которая, формируясь в течение XIX века, была поэзией, философией и религией эпохи Возрождения в России.

Новый гуманизм, в отличие от гуманизма эпохи Возрождения в Италии, не был элитарным, основанным на индивидуализме. В его основе — с осознанием достоинства личности прежде всего сочувствие народу из-за его крепостного состояния. Его свобода и образование — путеводная звезда русской интеллигенции со времен восстания декабристов. Развитие общественной жизни, которая всячески подавлялась феодально-церковной реакцией, все более обретает характер освободительного движения, во что вовлекается, кроме крестьянства, к концу XIX века и рабочий класс, который в странах Европы уже породил широкое социал-демократическое движение.

Европа, а с нею и Россия, была чревата революцией. Но после Коммуны 1871 года власти в европейских странах привлекли на свою сторону вождей социал-демократических партий. В рабочем движении произошел раскол, что отразилось и в революционном движении в России, с появлением меньшевиков и большевиков, последовательных борцов за свободу всего трудового народа. Социал-демократические партии в странах Европы пошли на услужение капиталу, как ныне в России так называемая «Единая Россия», и они-то выступили идеологами нового передела мира, с развязыванием Первой мировой войны.

Между тем в России уже коронационные торжества в связи с восшествием на престол Николая II были омрачены Ходынкой, что было воспринято всеми как дурное предзнаменование. Дальше — больше. Русско-японская война, совершенно бессмысленная для России и пагубная, как предсказывал С.Ю. Витте, министр финансов, зачинатель промышленного развития Российского государства на рубеже столетий. Николай II удалил его с поста всевластного министра финансов, назначив председателем кабинета министров, который не имел прерогатив власти, присвоенных царем, и он «вляпался в войну с Японией», как выразился граф Витте. Далее — 9 января 1905 года, первая русская революция…

Умонастроение общества окрашивается величайшей тревогой за судьбу отечества, с одной стороны, и отступничеством от идей революции в виду ее поражения, с поворотом от нового гуманизма к Богу и индивидуализму, что ныне у нас выдают за «культурный», «духовный», «религиозный ренессанс», с подачи Бердяева, который в сути Русского Ренессанса-то и не разобрался.

Модерн в России не только эстетика особняков нуворишей и доходных домов, здесь деньги делали деньги в русле капиталистического развития; модерн — и эстетика театра, с революцией в театре (МХТ), с театром (Комиссаржевская) и драматургией (Чехов, Горький, Андреев), что стало рупором освободительных идей, как и графика в период первой русской революции, когда препоны цензуры были отброшены. С 1905 по 1907 год выходила масса сатирических журналов — около трехсот восьмидесяти наименований.

Громадное большинство художников открыто выступило на стороне народа, даже из круга мирискусников, не говоря о Валентине Серове, который видел в окна Академии художеств атаку кавалерии и стрельбу солдат по толпе рабочих с семьями. Графика 10-х годов свидетельствует наглядно о зарождении демократического искусства в России с эстетическими и моральными параметрами, каковые вскоре станут восприниматься как советские.

Самое удивительное, революция коснулась непосредственно и балета, который исторически развивался в России под эгидой министерства двора, с Театральным училищем, в котором воспитанницы и воспитанники обучались с 10 лет на полном государственном обеспечении, с дальнейшим распределением и социальным обеспечением, ничего подобного в мире не было, островок социализма в русле программы преобразований Петра I. После Кровавого воскресенья 9 января 1905 года, с началом волнений в стране, заволновалась и балетная труппа Мариинского театра: на общем собрании по инициативе танцовщика, который учился к тому же в Петербургском университете, были приняты требования к администрации, явно немыслимые в императорском театре оперы и балета, — автономия и т.п.

Была выбрана делегация, которая должна была вручить эти требования директору императорских театров Теляковскому. Разумеется, в число делегатов попали самые активные на собрании, среди них из первых Анна Павлова, Михаил Фокин, Тамара Карсавина, самые талантливые из молодежи. Узнав о волнениях в театре, министр двора граф Фредерикс потребовал от артистов подписки о лояльности. Все подписали, кроме делегатов, которые уже никого не представляли. Но из делегатов подписал Сергей Легат, возможно, по настоянию своего брата, тоже танцовщика, и счел себя предателем по отношению к своим друзьям. В ночь он начал бредить, а «утром его нашли с перерезанной бритвой горлом» (Тамара Карсавина).

Игрою случая, бунтовщики попали под амнистию в связи с объявлением свобод царским манифестом 17 октября 1905 года. У Теляковского хватило ума не только не преследовать даже чисто административно, но всячески помочь «бунтовщикам» свершить революцию в мировом балете. Роль Дягилева как уникального антрепренера неоценима, но и без него Фокин с Анной Павловой и Тамарой Карсавиной открыли бы миру русский балет в его звездные часы.

Балет зародился в Италии, но в России утвердилась в большей мере французская школа, которая блистала в эпоху романтизма, а затем восторжествовал в нем классицизм, что и определило понятие классического балета, в частности, русского классического балета, последней представительницей которого выступила Матильда Кшесинская. Но эпоха модерна — романтическая эпоха — вновь побудила классический балет окунуться в стихию романтизма, благодаря исканиям мирискусников, с прорывом к высокой классике, что и стало откровением для Европы и что сохранялось в советском балете наравне со школой мирового значения. Русский классический балет — совершенно самобытное явление, хотя он взял лучшее у французской и итальянской школ, и его основное отличие, как ни удивительно, это особый, присущий только русской школе, темперамент. Ренессансная пассионарность, если угодно.

Модерн в живописи оказался в высшей степени плодотворен именно как умонастроение, с обновлением выразительных средств, разумеется, прежде всего у гениальных художников, как Левитан, Серов, Врубель, а в литературе — Чехов, который стоит на стыке классики и модерна. Художники объединения «Мир искусства», порывая с передвижничеством, представляют модерн в его самый поэтический период, затем наступает быстрая смена «измов» в живописи и литературе.

Модернизм дробит течения в искусстве, но, независимо от ломки форм и игры с цветом, отчетливо выделяется творчество тех художников, которые не уходят в эксперименты, как авангардисты, а сохряняют кровную связь с природой и с жизнью народа, те же представители «Бубнового валета», которые по сути зачинают советское искусство еще до революции, как и Репин с его эпохальной картиной «Заседание Государственного Совета», и Петров-Водкин с его мадоннами и «Купанием красного коня», и Малявин с его «Вихрем», и Серебрякова с ее крестьянской темой и женской и детской чистоты и красоты, и Юон с пейзажами, полными света.

Товарищество передвижных художественных выставок и объединение «Мир искусства» воспринимались многими как антиподы, но это верно лишь исторически, в плане же эстетики и, стало быть, содержания, здесь сказывались скорее особенности развития московской и петербургской школы живописи, с существованием двух центров обучения: Академии художеств и Московского училища живописи, ваяния и зодчества, между которыми были и связь, и различия. В 1903 году учреждается новое выставочное объединение «Союз русских художников». На его выставках принимают участие Врубель, Борисов-Мусатов, Серов, которых мирискусники принимали за своих, а затем и они присоединяются, но ядро «Союза русских художников» составляли выпускники Московского училища живописи, ваяния и зодчества, которые, владея всеми новациями европейской живописи, не покидали почву русской национальной школы.

К.Ф.Юон. Мартовское солнце. 1915. Удивительное впечатление производит эта картина даже рядом с «Мартом» Левитана. Казалось бы, обычный зимний день с ясным небом, вместе с тем отдает сказкой и былиной, как в воспоминаниях о прошлом, представшем в яви, как в вечности. А если вспомнить, что это одна из зим суровых военных лет, становится ясно, что это не просто воспоминание, а образ Родины в тяжелые, грозовые годы. В том же плане воспринимается лейтмотив картины А.А.Рылова «Зеленый шум» (1904), или «Вихрь» Ф.А.Малявина (1906), праздничное веселье разгорается как пожар, как стихия крестьянского бунта.

В 1907 году в Москве состоялась выставка группы молодых художников, закончивших недавно Училище живописи, ваяния и зодчества, под названием «Голубая роза». Это была единственная выставка, но ее участники вошли в историю русского искусства. На картинах «Мираж в степи» (1912) П.В.Кузнецова, «Финиковая пальма. Египет» (1911) М.С.Сарьяна впервые возникает, как это ни удивительно, многоцветье советского искусства. Представители «Голубой розы» преображение действительности связали с театром, а именно с символическим театром. Н.И.Сапунов, С.Ю.Судейкин принимали участие в постановках пьес М.Метерлинка, Ибсена, Блока.

В 1910-1911 гг. оформилась новая группа художников под названием «Бубновый валет». Она отвергла стилизм «Мира искусства», всякую мистику в настроениях и символизм «Голубой розы». Ставилась задача преодоления импрессионизма во всех его модификациях и возвращения живописи к предмету, как в народном творчестве. Критиками утверждалось, что художники «Бубнового валета» «искали вдохновения в фольклоре, в лубке, в домотканой пестряди, самодельных набойках, в пряниках архангельского изделия, в ремесленном примитиве вывесок с кренделями, сахарными головками и бутафорскими дынями. ..»

От Сезанна к Матиссу и к кубизму и обратно шли И.И.Машков, П.П.Кончаловский, Р.Р.Фальк, А.В.Лентулов, М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, не отрываясь от предметности, как В.В.Кандинский и К.С.Малевич, теоретики и практики абстракционизма в России. Мировое искусство оказалось в трущобах модернизма. В 1912 году К.С.Петров-Водкин создает картину «Купание красного коня», смысл и значение которого сам художник вполне осознает после Октябрьской революции. Четко проступает эстетика древнерусской живописи, то есть иконописи, здесь и лубок, и сказка, вместе с тем конь и юноша-отрок при всей его внутренней сосредоточенности реальны, полны жизни, хотя место действия отнюдь не берег озера, а скорее сцена с полотном декорации, или арена цирка. А цвета коня и юноши звучат, как музыка. Как торжество новой жизни.

_______________________

© Петр Киле

_______________________

Направления и стили в искусстве — Модернизм

Просмотров: 42092

Модернизм, направление в искусстве XX века

Модернизм (франц. modernisme, от moderne — новейший, современный), обобщающее наименование ряда художественных течений XX в., заключающих глубокий кризис буржуазной культуры эпохи империализма; основная направленность буржуазного искусства этого времени. Модернизму свойственны принципиальный разрыв с историческим опытом художественного творчества, его взаимоотношения с жизнью и восприятия зрителем, стремление утвердить некие новые начала искусства, сводящиеся к непрестанному самоценному обновлению художественных форм. Представляя собой своего рода кризисную форму отражения кризисных явлений жизни, модернизм в конечном счёте ведёт к распаду искусства как вида эстетической деятельности. Выступив в начале XX в. с претензией на всеобщее обновление искусства, модернизм переживает сложную историю, этапы которой обусловлены его борьбой с реализмом, а также сложными внутренними причинами, В начале XX в. течениям модернизма (фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство) свойственны авангардистские тенденции. Тревожные переживания исторических событий и неудовлетворённость существующей социальной действительностью определяли внутреннее противоречие ряда течений модернизма первой половины XX в. : антибуржуазная, бунтарская направленность уживалась в них с антидемократической идейно-художественной сущностью. К концу 10 — началу 20-х гг. модернизм пережил острый кризис; значительная часть его сторонников (П. Пикассо, А. Дерен и др.) обратились к реальной действительности. К середине XX в. ряд течений модернизма (как обратившихся к рациональной, «чистой», максимально геометризованной форме, так и базирующихся на принципах иррационализма, воспринимающих мир в фантастическом зеркале подсознания), принципиально отказавшихся от изображения действительности и ушедших в мир отвлечённых, формально-пластических фактурных и колористических исканий (в первую очередь абстрактное искусство и сюрреализм), органически «вписались» в буржуазную культуру и буржуазный быт, стали официально признанным искусством. В буржуазном мире модернизм приобрёл свою «рыночную стоимость» в которой главную роль играла новизна манеры художника. Это обстоятельство породило множество спекулятивных форм и манер, а порой и экспериментальных поисков, получивших отклик в процессе развития художественного языка современного искусства. В 40-х гг. в Европе и США (куда переехали многие представители модернизма) рождаются его новые направления, демонстрирующие все излишества опустошённого, а то и прямо извращённого художественного сознания, проповедующие «тотальное освобождение» от объекта и методы «чистого психического автоматизма» («абстрактный экспрессионизм», «абстрактный каллиграфизм» и др.). Абстракционизм занял официально привилегированное положение и противопоставлялся всем видам социально ангажированного реалистического искусства. В конце 50-х гг. отвлеченные течения модернизма теряют свои позиции. Поп-арт провозгласил «возвращение к предмету» и противопоставил всем предшествовавшим течениям модернизма отказ от «элитарности» искусства, стремление растворить его в жизненной среде. Подменив реальность алогичными комбинациями разнохарактерных муляжей, поп-арт, как и другие течения модернизма остался замкнутым в кругу самодовлеющих формальных экспериментов. Вслед за поп-артом развились направления, ещё нигилистичнее относящиеся к гуманистическим идеалам, к возможности борьбы средствами искусства за лучшее устройство общества: «минимальное искусство», не выходящее за пределы простейших геометрических форм; «земляное искусство», манипулирующее мешками с землёй, бороздами и насыпями; концептуальное искусство, в котором изобразительность уступила место чисто умозрительным концепциям и таинственным словесным намёкам, а также различные направления неокубизма, неоэкспрессионизма, неоабстракционизма и т. д.
В конце 60-х гг. модернизм переживает потрясение под ударами леворадикального, особенно молодёжного движения, выдвинувшего лозунг «контркультуры», В контркультуре совмещались как критика капиталистической системы и её духовных ценностей, так и призывы и практическим действия к самоуничтожению искусства, то есть соединялись элементы антимодернизма с модернистскими содержанием и формой. В начале 70-х гг. в Западной Европе и США повышенное внимание стало уделяться «предметности» изображения. На первый план выдвинулось направление гиперреализма, ставящее своей формальной задачей имитационно точное воспроизведение фотографии, а также кино- и телекадров. В этой форме нашёл выражение порыв ряда художников, большей частью молодых, к изобразительности, в конце 70-х — начале 80-х гг. вылившийся в широкое и неоднородное движение постмодернизма, позволившее поставить вопрос об общем кризисе модернизма в 80-х гг., не исключающий, однако, того, что буржуазная культура сможет породить в дальнейшем новые движения модернизма. Но кризис модернизма решительным образом подорвал изнутри его претензии на всемирное историко-художественное значение, на установление неких новых законов развития искусства.
Новейшему модернизу, как и прежде, противостоят прогрессивные мастера мирового искусства, связавшие своё творчество с интересами рабочего класса, с революционным движением. Искусство социалистического реализма и прогрессивное искусство зарубежных стран развиваются в постоянном столкновении и борьбе с течениями модернизма, ставя задачу сохранения и продолжения гуманистических и демократических традиций мировой культуры.

Лит.: В. И. Ленин, О литературе и искусстве, [Сб.], 6 изд., М., 1979; Модернизм. Анализ и критика основных направлений, [3 изд.], М., 1980; И. С. Куликова, Философия и искусство модернизма, 2 изд., М., 1980.

Родительская категория: История | Культура

Категория: Направления | Стили

Судьба мимолетного стиля (еще раз о русском модерне)

Похожие статьи

Сколько стоил дом на Моховой? Дмитрий Хмельницкий рассматривает дом Жолтовского на Моховой, сравнительно оценивая его запредельную для советских нормативов 1930-х годов стоимость, и делая одновременно предположения относительно внутренней структуры и ведомственной принадлежности дома. Иван Леонидов в Крыму. 1936–1938. Часть 1 Проект планировки Южного берега Крыма мастерской НКТП №3 под руководством Моисея Гинзбурга: рассмотрение и атрибуция сохранившихся материалов. Мотивы Ле Корбюзье и Ивана Леонидова в позднем творчестве… Предлагаем вниманию читателя вторую часть исследования Петра Завадовского, посвященного эволюции стилистики позднего конструктивизма. Конкурсный проект комбината газеты «Известия» Моисея… Первая часть исследования «Иван Леонидов и архитектура позднего конструктивизма (1933–1945)» продолжает тему позднего творчества Леонидова в работах Петра Завадовского. В статье вводятся новые термины для архитектуры, ранее обобщенно зачислявшейся в «постконструктивизм», и начинается разговор о влиянии Леонидова на формально-стилистический язык поздних работ Моисея Гинзбурга и архитекторов его группы. От музы до главной героини. Путь к признанию творческой… Публикуем перевод статьи Энн Тинг. Она известна как подруга Луиса Кана, но в то же время Тинг – первая женщина с лицензией архитектора в Пенсильвании и преподаватель архитектурной морфологии Пенсильванского университета. В статье на примере девяти историй рассмотрена эволюция личностной позиции творческих женщин от интровертной «музы» до экстравертной креативной «героини». Илья Лежава: в рамках контекста О значении городского контекста в студенческих конкурсных проектах, выполненных под руководством И. Г. Лежавы в 1970-е годы. Бетонный Мадрид Новая серия фотографа Роберто Конте посвящена не самой известной исторической странице испанской архитектуры: мадридским зданиям в русле брутализма. Реновация городской среды: исторические прецеденты Публикуем полный текст коллективной монографии, написанной в прошедшем 2020 году сотрудниками НИИТИАГ и посвященной теме, по-прежнему актуальной как для столицы, так и для всей страны – реновации городов. Тема рассмотрена в широкой исторической и географической перспективе: от градостроительной практики Екатерины II до творчества Ричарда Роджерса в его отношении к мегаполисам. Москва, НИИТИАГ, 2021. 333 страницы. Ле Корбюзье в «Путешествии на Восток»: рождение архитектурного… Эссе Петра Завадовского о важности «Путешествия на Восток» для понимания истоков ключевых идей и тем творчества Ле Корбюзье, связи модернизма и античной классики. Иван Леонидов: предполагаемые реализации в Кисловодске… Санаторий в Кисловодске и Дворец пионеров в Москве: о границах авторства Ивана Леонидова – во второй части статьи Петра Завадовского. Иван Леонидов в Кисловодске Статья Петра Завадовского к вопросу об уточнении авторства санатория Наркомтяжпрома им. Серго Орджоникидзе в Кисловодске. Цензура в советской архитектуре Новая статья Дмитрия Хмельницкого – о том, что направляло крутые повороты в развитии советской архитектуры XX века. Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США Статья Андрея Бархина из сборника «Вестник МГХПА» №3. Стилевые тенденции в архитектуре США рубежа 1920-1930-х… Статья Андрея Бархина, опубликованная на «Вестнике МГХПА», №3 за 2020 год. Леонидов и Ле Корбюзье: проблема взаимного влияния Памяти Юрия Павловича Волчка. Статья готовилась к V Хан-Магомедовским чтениям «Наследие ВХУТЕМАС и современность». В ней рассматривается проблема творческого взаимодействия Ле Корбюзье и Ивана Леонидова, раскрывающая значение творчества Леонидова и школы ВХУТЕМАСа, которую он представляет, для формирования основ формального языка архитектуры «современного движения». Ар-деко в творчестве Фрэнка Ллойда Райта 1910-1920-х Ко дню рождения гения. Неизвестный проект Ивана Леонидова: Институт статистики,. .. Публикуем исследование архитектора Петра Завадовского, обнаружившего неизвестную работу Ивана Леонидова в коллекции парижского Центра Помпиду: проект Института статистики существенно дополняет представления о творческой эволюции Леонидова. А есть ли города будущего после концов света? Архитектурная утопия с начала XVI века стремилась противопоставить себя образу антиутопии. Однако, на рубеже XXI века возникает новый игровой жанр «метаутопия», соединяющая в себе два крайних состояния. Ключевое слово: «телеработа» Архитекторы, профильные СМИ и вузы по всему миру реагируют на ситуацию пандемии, пытаясь обезопасить сотрудников и студентов, сохранив учебный и рабочий процесс. Говорим с руководителями нескольких московских бюро об их планах удаленной работы, а также рассказываем, как реагируют на эпидемию архитекторы мира. Чандигарх: фрагменты модернистской утопии Публикуем фотографии и эссе Роберто Конте об архитектуре Чандигарха – от прославленного Капитолия Ле Корбюзье до менее известных жилых домов, кинотеатров, вузовских корпусов авторства его соратников и последователей. Идентичность в типовом Архитекторы из бюро VISOTA ищут алгоритм приспособления типовых домов культуры, чтобы превратить их в общественные центры шаговой доступности: с устойчивой финансовой программой, актуальным наполнением и сохраненной самобытностью. Геометризация ордера в творчестве И.А.Фомина и В.А.Щуко… Статья, опубликованная в сборнике Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. 2019. №4. Часть 1. Дом Советов Н.А.Троцкого и монументализация ордера… Статья, опубликованная в сборнике Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. 2019. №4. Часть 1. Загадки Щусева Глава из будущей книги Дмитрия Хмельницкого. Ар-деко и стилевой параллелизм в архитектуре 1930-х Статья Андрея Бархина, опубликованная в журнале Проект Байкал – 2019, № 62. Магистральное направление: как реализовывалась программа… Эссе Сергея Кузнецова, главного архитектора Москвы, о реконструкции Тверской улицы в 1930-е годы: планировке, передвижении домов, благоустройстве. Леонид Павлов: собрание сочинений К 110-летию со дня рождения Леонида Павлова публикуем фотографии и эссе Константина Антипина о знаковых, а также и менее известных постройках великого архитектора. «Это не башня» Публикуем фото-проект Дениса Есакова: размышление на тему «серых бетонных коробок», которыми в общественном сознании стали в наши дни постройки модернизма. Что не так с офисами открытого типа Офисы свободного плана экономят деньги компаний-владельцев и помогают им выглядеть эффектней, но это практически единственное их достоинство. При этом работодатели любят «опен-спейс», а их сотрудники – не очень. «Седрик Прайс придумывал архитектуру, которая может. .. Саманта Хардингхэм – о британском архитекторе-визионере послевоенных десятилетий Седрике Прайсе и его самом важном проекте – Дворце развлечений. Ее лекция была частью конференции «Архитектор будущего», проведенной Институтом «Стрелка» в партнерстве с ДОМ.РФ.

Технологии и материалы

Графика трехмерного фасада В предместье немецкого Саарбрюкена, на ведущей в город автостраде появился новый объект ─ столь примечательный, что его невозможно не заметить. Масштабная постройка торгового центра MÖBEL MARTIN сохраняет характерные для больших моллов лаконичные модернистские формы, однако его фасады получили необычную объемную пластическую разработку. Пространственная оболочка фасада создана посредством алюминиевых композитных панелей ALUCOBOND® A2. «Фирма «КИРИЛЛ»:
25 лет для самых красивых домов В ноябре 2021 года одному из ведущих поставщиков облицовочного кирпича на российском рынке «Фирме «КИРИЛЛ» исполнилось 25 лет. Архи. ру восстанавливает хронологию последней четверти века, связанную с использованием этого материала в строительстве и архитектуре. Как укладка металлических бордюров влияет на дизайн… Любой дизайн можно испортить неаккуратной работой, особенно если в отделке помещения участвует металлический бордюр. Он способен внести в интерьер утончённость, а может закапризничать в неумелых руках и подчеркнуть кривизну укладки отделочного материала. Как правильно устанавливать металлические бордюры, чтобы дизайнеру было проще контролировать исполнителя и не пришлось краснеть перед заказчиком? Больше воздуха Cтеклянные навесы и павильоны Solarlux расширяют пространство загородного дома, позволяя наслаждаться ландшафтом в любое время года и суток. Царство света Станция метро «Филатов луг» Испытание пространством и временем Цифровая эпоха приучает к быстрым переменам. То, что еще вчера находилось в авангарде технологического прогресса, сегодня может безнадежно устареть. Множество продуктов создается под сиюминутные потребности, потому, что завтрашний день открывает новые горизонты возможностей. И в этом смысле архитектура остается неким символом здорового консерватизма Гостиничный комплекс «Каракум» в Ашхабаде построен! фото – отчёт Тенденции в освещении жилых комплексов Современные тенденции в строительстве жилых комплексов таковы, что застройщик использует качественный свет для освещения мест общего пользования даже на объектах эконом класса и среднего ценового сегмента. Это необходимо, чтобы у покупателя возникло желание купить квартиру именно в данном ЖК. Каким образом реализовать эту задумку, мы разберем в этой статье. Ясное небо от AkzoNobel Рассказываем про ключевой цвет Dulux 2022 – им назван воздушный и нежный светло-голубой оттенок «Ясное небо» (14BB 55/113), призванный стать «глотком свежего воздуха», символом перемен и свободы. Наследники степного ветра Многофункциональный комплекс The Veil Rehau для особенных архитектурных решений Самые популярные на европейском рынке пластиковые окна – это не только шумоизоляция и теплосбережение, но и стильный дизайн с богатой палитрой оттенков, разнообразием фактур и индивидуальными решениями. Важная часть знаковой реконструкции Премиальная сантехника компании Duravit использована при реконструкции московской ГЭС-2 по проекту Ренцо Пьяно для фонда современного искусства V-A-C. Гуляют все! Как сделать уличную площадку интересной для разных категорий горожан, знает компания Lappset: мини-футбол и паркур для подростков, эффективные тренировки для взрослых и развитие координации движений для пожилых. Корабль на берегу города Образ двух глядящихся друг в друга озер; или космического паруса, наводящего тень и освещающего одновременно; или корабля, соединяющего город и бухту; все это – здание Центра культуры и конгрессов в Люцерне. А материальность этому метафорическому плаванию обеспечивают серебристые сверхлегкие сотовые панели ALUCORE ®. Противоскользящая поверхность BetteAntirutsch Максимальная безопасность в душе и ванне благодаря защите от скольжения Каменная речка Компания Zabor Modern представляет технологию ограждения без столбов и фундамента, которая позволяет экономить на монтаже и добиваться высоких эстетических решений. «ОРТОСТ-ФАСАД»: мы знаем фасады от «А» до «Я» Компания «ОРТОСТ-ФАСАД» завершила выполнение работ по проектированию, изготовлению и монтажу уникальной подсистемы и фасадных панелей с интегрированным клинкерным кирпичом на ЖК «Садовые кварталы». Новый взгляд на архитектуру вокзала Станция метро «Прокшино» Тектоника, фактура, надежность: за что мы любим кирпичные. .. У многих вещей есть свой канонический образ, так кирпич обычно ассоциируется с однотонной кладкой терракотового цвета. Однако новый, третий по счету, выпуск каталога облицовочного кирпича Terca полностью разрушает стереотипы. Представленные в нем образцы настолько многочисленно-разнообразны, что для путешествия по страницам каталога читателю потребуется свой Вергилий. Отчасти выполняя его функцию, расскажем о трёх, по нашему мнению, самых интересных и привлекательных видах кирпича из этого каталога. i. NNOVATION NOW!
Цикл видеоконференций от SCHÜCO
14 октября,… Для архитекторов, проектировщиков, фасадных компаний и всех, кто хочет оставаться на пике технологий рынка светопрозрачных конструкций.

Сейчас на главной

«Открытый город»: Мечты о городе Следующий проект воркшопа «Открытого города» создан под руководством Kleinewelt Architekten. В основу проектов положены фоны византийской и древнерусской живописи, однако их формы применены к более чем современной типологии. Игра в архетипы Бюро ОСА предложило Нур-Султану жилой комплекс, в котором брутальные башни соседствуют с высокоплотной квартальной застройкой. Рассказываем, как концепция встраивается в череду мега-проектов новой столицы Казахстана. Первый шаг Бюро OMA завершило первую из четырех фаз реконструкции легендарного универмага KaDeWe в Берлине. Центром обновленного пространства стала отделанная темным деревом «воронка» атриума с веером эскалаторов. Нечто особенное В ожидании главных итогов Всемирного фестиваля архитектуры, рассказываем о победителях в специальных номинациях, которые демонстрируют самые разные аспекты архитектурного процесса: от инженерных решений или использования цвета до эффектной подачи. Архсовет Москвы–71 Высотный – 105 м в верхних отметках – многофункциональный комплекс «ТПУ «Парк Победы», расположенный на границе между «сталинской» и «парковой» Москвой, был доброжелательно принят архитектурным советом Москвы, но все же получил такое количество замечаний и комментариев, что проект было решено отложить и доработать, придерживаясь, однако, выбранного направления поисков. Праздник, который всегда с тобой Двор в петербургских Никольских рядах снова открывается на зимний сезон. Рассказываем, как архитекторам из бюро KATARSIS удалось создать круглогодичную атмосферу праздника: катальная горка, посвящение Хаяо Миядзаки, трдельники и виды на Коломну. Рядом с Лидвалем и Нобелем Жилой комплекс по проекту мастерской Анатолия Столярчука в Нейшлотском переулке: аккуратная смена масштаба, дань памяти места, финские дополнения к функциональной типологии – в частности, сауны в квартирах, и планы получения сертификата BREEAM. И вонзил в него нож Лидер Coop Himmelb(l)au Вольф Д. Прикс представил три проекта, которые он реализует сейчас в России: комплекс в Крыму в Севастополе – который, как оказалось, можно строить, минуя санкции, потому что это объект культуры; «СКА Арену» на месте разрушенного модернистского здания СКК в Петербурге – его на презентации символизировал разрезаемый архитектором торт – и музыкально-театральный комплекс в Кемерове. Самый «зеленый» West Mall на Большой Очаковской улице станет первым в России торговым центром, построенным по международным экологическим стандартам с применением зеленых технологий. Заказчик проекта, компания «Гарант-Инвест», планирует сертифицировать его по стандартам BREEAM и LEED. Конкурсы и премии для архитекторов. Выпуск #253 Мемориал последней ядерной бомбы, доступное жилье для Ванкувера и сенсорный музей. Органические мостики Реконструкция берегов реки в шанхайском районе Миньхан по проекту бюро SPARK. Лебедь и кольца Представляем проекты-призеры конкурса на концепцию Дворца бракосочетания в Губкине. Победа – у бюро Studio-TA. Серебряная хижина Интровертный дом от SA lab со ставнями и рассчитанном алгоритмами окном в кровле дает возможность для уединения и созерцательного отдыха. Альпийские луга на крышах Бюро Benthem Crouwel выиграло конкурс на проект многофункционального комплекса в Праге: на кровлях планируется воспроизвести флору горных массивов Чехии. Отель на понтонах Инициативный проект Антона Кочуркина и Аллы Чубаровой представляет собой модульный отель на понтонных – или бетонных – платформах. Группы модулей могут складываться в любые рисунки. «Открытый город»: Археология будущего Начинаем публиковать проекты воркшопов «Открытого города» 2021 – фестиваля архитектурного образования, который ежегодно проводит Москомархитектура. Первый проект – Археология будущего, курировали Даниил Никишин, Михаил Бейлин / Citizenstudio. Третья ипостась Билярска Проект-победитель конкурса Малых городов: культурно-рекреационный кластер, деликатно вписанный в ландшафт заповедника, который расширяет пространство паломнического центра «Святой ключ» неподалеку от древней столицы Волжской Булгарии. Капотня: главные объекты Дворец культуры, парк на берегу Москвы-реки и 2-ой квартал – герои новой выставки в Музее Москвы. «Маленькие миры» Жилой комплекс в Кортрейке для молодых пациентов с ранней деменцией и пожилых людей, переживших инсульт или же страдающих соматоформными расстройствами, воплощает собой концепцию «невидимой заботы». Авторы проекта – Studio Jan Vermeulen совместно с Tom Thys Architecten. Непрерывность путей Квартал 5B по проекту бюро Raum в Нанте соединяет офисы и мастерские железнодорожной компании, городской паркинг и доступное жилье. Растворение с углублением Обнародован проект реконструкции Шестигранника Жолтовского для Музея современного искусства «Гараж». Его авторы – знаменитое японское бюро SANAA, известное крайней тонкостью решений и интересом к современному искусству. Проект предполагает появление под павильоном подземного пространства с большим безопорным выставочным залом и хранением, а также максимально возможную проницаемость верхней части здания. Таежными тропами Благоустройство живописного, но труднодоступного маршрута в пермском заповеднике Басеги призвано помочь туристам во время восхождения как физически, предоставляя места для отдыха и обогрева, так и духовно, открывая самые красивые места без ущерба для экосистемы. Парковый узел Проект «Супер-парка Яуза» предлагает связать несколько известных парков на северо-востоке Москвы велопешеходным и беговым маршрутом, улучшив проницаемость этой части города и, кроме того, соединив части двух крупных туристических маршрутов Москвы и Подмосковья. Это своего рода проект-шарнир. Город-впечатление Проект-победитель конкурса Малых городов для Мосальска предполагает создание цепочки разнообразных пространств, которые привлекут туристов и сделают досуг горожан более насыщенным. Ритмическое соответствие Дом первой очереди проекта Ленинский, 38 – светлая пластина, вытянутая в глубине участка параллельно проспекту – можно рассматривать как пример баланса контекстуальной уместности и пластической, также как и фактурной, детализации, организованной сложным, но достаточно строгим ритмом. Стереоскопичность и непрагматичность Экспозиционный дизайн, реализованный Сергеем Чобаном и Александрой Шейнер для выставки, которая справедливо претендует на роль главного художественного события года, активно реагирует на ее содержание и даже интерпретирует его, буквально вылепливая в залах ГТГ «пространство Врубеля». Разбираемся, как оно выстроено и почему. Дом среди холмов Вилла на юге Португалии по проекту бюро Promontorio и Жуана Краву – архетипическое огражденное пространство среди ландшафта. Спасение Саут-стрит глазами Дениз Скотт Браун Любое радикальное вмешательство в городскую ткань всегда вызывает споры. Джереми Эрик Тененбаум – директор по маркетингу компании VSBA Architects & Planners, писатель, художник, преподаватель, а также куратор выставки Дениз Скотт Браун «Wayward Eye» на Венецианской биеннале – об истории масштабного проекта реконструкции Филадельфии, социальной ответственности архитектора, балансе интересов и праве жителей на свое место в городе. Память о шоколаде Павильон по проекту архитекторов Wutopia Lab на промышленной ферме напоминает о прежних временах дефицита. Когда стемнеет Проект-победитель конкурса Малых городов предлагает подчеркнуть двойственный характер Гурьевского парка и сделать его интересным для посещения в вечернее время.

движений современного искусства — artelino

С началом промышленной революции во второй половине XIX века новые художественные стили и движения появлялись и исчезали все более быстрыми темпами, отражая тем самым темпы изменений в нашем обществе растут. Вот краткий обзор важных направлений современного искусства от импрессионизма до оп-арта.

Изображения на этой странице взяты из репозитория Wikimedia Commons под Лицензия свободной документации GNU.

Обращения современного искусства

важнейших движений современного искусства с конца 19-го до конца 20-го века.

• Импрессионизм
• Экспрессионизм — фовизм
• Искусство модерн
• Арт-деко
• Кубизм
• Сюрреализм
• Абстрактное искусство
• Поп-арт
• Оп-арт

Импрессионизм

Импрессионизм

История современного искусства началась с импрессионизма.Все началось в Париже как реакция на очень формальный и строгий стиль живописи — делается внутри студий и устанавливается традиционными учреждениями как Academie des Beaux-Arts в Париже.

Выставка знаменитой картины Эдуарда Мане, Dejeuner sur l’herbe , в 1863 году в Salon des Refuses . (организовано теми художниками, которые были отклонены Академией изящных искусств), вызвал скандал. Это можно считать началом импрессионизма.

Художники-импрессионисты предпочитали рисовать снаружи и изучали влияние света на предметы. Их любимыми предметами были пейзажи и сцены из повседневной жизни. Самые известные имена в живописи импрессионистов: Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Камиль Писсарро и Пьер Огюст Ренуар во Франции и Альфред Сислей в Англии.

Фовизм

Слово фовизм происходит от французского слова fauve , что означает «дикие животные».И действительно — этот новый стиль современного искусства был немного диким — с яркими и яркими красками. Поль Гоген и Голландский художник Винсент Ван Гог довел импрессионизм до предела, используя выразительные цвета. Фовизм пошел еще дальше, использовав упрощенный дизайн в сочетании с «оргией чистые цвета », как это характеризовали их критики. Первая выставка художников-фовистов состоялась место в 1905 году. Самые известные fauve художников — Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинч, Кис ван Донген и Рауль Дюфи.

Экспрессионизм

Немецкий экспрессионизм

Если упрощенно, экспрессионизм был чем-то вроде немецкой версии фовизма в современном искусстве. Экспрессионистское движение было организован в две группы немецких художников. Один назывался Die Brücke , буквально означает Мост . Группа располагалась в Дрездене вместе с художниками. Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хекель, Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, Отто Мюллер и Карл Шмидт-Ротлуф.После Первой мировой войны за этой группой последовала другая группа художников, называющих себя Дрезднер Сессион .

Второе собрание художников-экспрессионистов было сосредоточено в Мюнхене. Группа известна под названием Der Blaue Reiter , что означает The Blue Rider . Известные имена Франц Марк, Август Макке, Габриэле Мюнтер, Василий Кандинский, Пауль Клее и Алексей Явленский.

Движение в стиле модерн

Ар-нуво по-французски означает новое искусство.Он отличается очень декоративным стилем и преданность естественным формам. Ар-нуво был популярен примерно с 1880 по 1910 год и был международным движением в искусстве. Немцы назвали его Jugendstil , итальянцы Liberty , австрийцы Sezessionsstil и Испанский Arte joven . Модерн не ограничивался живописью или гравюрой. Это охватывало все формы искусства — архитектура, мебель, украшения, стекло и иллюстрация.

Прекрасными образцами ар-нуво являются входы в метро в Париже, изделия из стекла Эмиля. Галле и Луи Комфорт Тиффани в США или плакаты автора Альфонс Муха. Известный художник Густав Климт. Модерн не пережил Первую мировую войну, может быть, из-за дороговизны предметов модерна. С участием философские корни высокого качества ручной работы, модерн был ничем для массового производства.

Механизм ар-деко

Ар-деко был прежде всего стилем дизайна, популярным в 1920-1930-х годах.Говоря упрощенно, механизм Art Deco можно рассматривать как продолжение стиля модерн — более упрощенный и приближенный к массовому производству. Движение ар-деко доминировала в моде, мебели, ювелирных изделиях, текстиле, архитектуре, коммерческой печати и декоре интерьера. Самое известное имя — Рене Лалик, ювелир и стеклодув. Здание Крайслер в Нью-Йорке (1930 г.) является примером Стиль ар-деко в архитектуре.

Кубизм

Кубизм, другое направление современного искусства, в основном ограничивался живописью и скульптурой.тем не менее он оказал большое влияние на развитие современного искусства. Кубизм был инициирован испанцем Пабло Пикассо и француз Жорж Брак в Париже перед Первой мировой войной. Поля Сезанна, обычно относящегося к категории постимпрессионистов, можно считать их предшественником.

Кубизм имеет сильные корни в африканском племенном искусстве. В кубизме геометрические формы и фрагменты приветствуются. Все сводится к кубам и другим геометрическим формам.Часто несколько аспектов одного предмета показаны одновременно. Как известные художники помимо Пабло Пикассо и Жоржа Брак, Робер Делоне, Марсель Дюшан, Хуан Гри и Лионель Фейнингер следует упомянуть. Кубизм проложил путь абстрактному искусству.

Сюрреализм

Сюрреализм — еще одно из многих направлений современного искусства 20-го века. Его философским «отцом» был Андре Бретон, французский поэт и писатель, опубликовавший в 1924 году в Париже руководящие принципы сюрреализма под названием Manifesto .Сюрреализм подчеркивает бессознательное, важность сновидений, психологический аспект в искусстве. Сюрреализм стал важным движением в изобразительном искусстве, литературе и кино (испанец Бунюэль, например).

Самые известные имена изобразительного искусства: Сальвадор Дали, итальянец Джорджо де Кирико с его странными и жуткими видами на город, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Жоан Миро, Ив Танги, Рене Маргритт и россиянин Марк Шагал.

Абстрактное искусство

Художник русского происхождения Василий Кандинский считается отцом абстрактное искусство. Если вы когда-нибудь приедете в Мюнхен, не пропустите посещение Ленбаххауса. Музей. В нем много Василий Кандинский картины выставлены, и вы можете очень хорошо понять, как развивался его стиль постепенно к полуабстрактной, а затем и к абстрактной живописи.

Пит Мондриан, голландский художник, является еще одним доминирующим персонажем в создании абстрактной живописи.Мондриан испытал кубизм в Париже. Во время Второй мировой войны многие ведущие художники эмигрировали. в США, например, Макс Эрнст, Марсель Дюшан и Марк Шагал. Таким образом Нью-Йорк стал новым центром современного искусства и абстрактной живописи.

Поп-арт движение

Слово Pop Art — это сокращение от Popular Art. Имя говорит само за себя. Движение поп-арта хотел вернуть искусство в повседневную жизнь людей. Это была реакция на абстрактное живопись, которую эстрадные художники считали чересчур изысканной и элитарной.Любимые образы поп-исполнителей были предметы из повседневной жизни, такие как консервные банки для Энди Уорхола или комиксы для Роя Лихтенштейна.

Типичным для движения поп-арта было использование Энди Уорхола шелкографии, фотореалистичная, массовая техника гравюры. Поп-арт вторгся в СМИ и рекламу. Различия между «Изобразительное искусство» и коммерческое искусство были ликвидированы добровольно.

Прекрасным примером является дизайн обложек музыкальных альбомов шестидесятых годов.Несомненной культовой фигурой поп-арта был Энди Уорхол (1928-1987). Другие великие имена Джаспар Джонс, Роберт Раушенберг, Дэвид Хокни, Клас Ольденбург, Рой Лихтенштейн, Георг Сигал, Уэйн или Джеймс Розенквист. Движение поп-арта было в основном движением американского и британского искусства.

Op Art Movement

После поп-арта это был оп-арт, сокращенная форма Optical Art . Оп-арт выразился в уменьшенной геометрической форме. формы — иногда в черно-белых контрастах, а иногда в очень ярких цветах.Самый выдающийся Художник венгерского происхождения Вазарели. В семидесятых годах оп-арт даже проник в моду. Но оп-арту так и не удалось стать действительно популярным массовым движением современного искусства вроде поп-арта.

Автор:
Дитер Ванцура
Первая публикация: 29.06.2001
Последнее обновление: 25.12.2018

Текст с Youtube:
Haku Maki имеет несколько характерных элементов дизайна — глубокое тиснение и использование искаженных китайских иероглифов.Подпишитесь на канал artelino youtube.

Другие статьи, относящиеся к

аннотации

Подпишитесь на нашу еженедельную рассылку и получайте уведомления, когда мы публикуем новый каталог аукционов, новые видео, статьи или важные новости о японской гравюре. Или зарегистрируйте аккаунт artelino и попробуйте наши еженедельные онлайн-аукционы.

file_upload

Доступно на текущем аукционе

Этот / эти художественные репродукции со ссылкой на реферат доступны на текущем аукционе.Щелкните изображение предмета, чтобы просмотреть эту распечатку, или щелкните «Каталог аукционов», чтобы просмотреть весь каталог.

Товар 87515 от Мицумаса Нонака, 1949 г.р.

Новогодняя открытка — Ненгаджо — 1987

Аукционный каталог

artelino GmbHTERMSIMPRINTCONTACT

Модернизм и современное искусство XIX и XX веков

Модернизм был культурным движением, которое распространилось по Европе в 19, ^, и 20, ^, веках.Трудно дать определение, но в целом это рассматривалось как движение к переменам. Полностью индустриальный мир того времени оказал особое влияние на более традиционный образ жизни и традиционные формы в искусстве. Люди начали искать новые возможности для более инновационных творений и занятий.

Ключевым предвестником смены живописи стало изобретение фотоаппарата. Фотографическое изображение заменило функцию картины, заставляя художника делать больше, чем просто записывать человека или событие такими, какими он их видел.

Символизм

Художественное движение 19 ^-го -го века, отвергающее реализм и импрессионизм и их представление визуального и конкретного мира. Символисты стремились выразить мистические и духовные идеи через цвет и линию. Они использовали эти элементы для выражения эмоций и мыслей, которые невозможно описать буквально.

Примеры:
Эдвард Мунк (1863-1944), Крик , 1893
Густав Климт (1862-1918), Поцелуй , ок.1907

Сюрреализм

Сюрреализм можно понимать как искусство воображения и мечты. Сюрреалисты хотели создать искусство, основанное или используя свои подсознательные мысли. Они были очень вдохновлены философскими трудами Зигмунда Фрейда ( Толкование сновидений, , 1900).

Сюрреалисты также использовали художественные техники, такие как автоматизм , при котором художник мог свободно рисовать, позволяя своей руке двигаться с минимальным сознательным контролем.Такого рода бессознательное искусство также достигалось, бросая бумагу на пол или позволяя краске капать с кисти.

Примеры:
Хоан Миро (1893-1983), Рождение мира , 1925
Рене Магритт (1898-1967), Предательство изображений , 1928-9 и Личные ценности , 1952 Сальвадор Дали (1904-89), Постоянство памяти , 1931

Кубизм

Кубизм признан стилем живописи, изобретенным Жоржем Браком (1882–1963) и Пабло Пикассо (1881–1973) в 20, ^-м, -м веках.Вдохновленные теорией Сезанна о сведении формы к ее геометрическим формам, эти художники использовали коллаж и рисование для создания 2D-изображений 3D-объектов и мест с разных точек зрения.

Первоначальное влияние оказало африканское искусство, особенно африканские маски. Картина Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907, часто упоминается как первая картина в стиле кубизма.

Кубизм можно разделить на 2 фазы:

Аналитический кубизм (1907-1912)
Первая фаза аналитического кубизма началась с ограниченной цветовой палитры земляных и серых цветов.Они пытались изобразить фигуры, пейзажи и натюрморты так, как их можно было бы увидеть с разных точек зрения. Они разбирали предметы, уменьшая их до геометрических форм, а затем снова собирали их.

Пример: Брак, Девушка с гитарой, 1913 г.

Синтетический кубизм (b1912)
Вторая фаза кубизма приветствовала появление коллажей и найденных предметов. Они также смешали песок и опилки с краской, чтобы создать различные текстуры.

Пример: Пикассо, Коллаж , 1913

Что такое современное искусство? Не путать с современным искусством

Современное искусство славится своей авангардной эстетикой и творчеством дальновидных художников. Развиваясь в течение примерно 100 лет, он включает в себя многие основные направления искусства и неизбежно видел эклектичный диапазон стилей.

Чтобы проследить выдающуюся эволюцию современного искусства, нужно распознавать и понимать многие жанры, из которых оно состоит.Однако для этого полезно дать определение современного искусства.

Что такое современное искусство?

Не путать с современным искусством, термин «современное искусство» относится к искусству конца 19 — начала — середины 20 века. Работы, созданные в это время, демонстрируют интерес художников к переосмыслению, переосмыслению и даже отказу от традиционных эстетических ценностей предшествующих стилей.

История: основные движения и художники

Начиная с легкого и воздушного импрессионизма и кончая энергичным абстрактным экспрессионизмом, жанр современного искусства складывается из нескольких основных направлений.

Импрессионизм

Импрессионизм, широко известный как катализатор современного искусства, бросил вызов строгим правилам и реалистичности изображения академической живописи. Это движение возникло в 1872 году, когда Клод Моне новаторски применил размытые мазки, акцент на свет и яркую цветовую палитру, чтобы нарисовать Impression, Sunrise.

«Впечатление, восход солнца» Клода Моне
Фото: Клод Моне [общественное достояние], через Wikimedia Commons

Этот стиль доминировал во французской живописи до рубежа веков, с такими художниками, как Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега. передний край.

Постимпрессионизм

Вдохновленные творческой свободой импрессионистов, такие художники, как Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Анри Тулуз-Лотрек, начали работать в самобытных, нетрадиционных стилях. Это красочное движение, известное как постимпрессионизм, зародилось в 1890-х годах и демонстрирует интерес к эмоциям и предпочтение субъективной интерпретации над реалистической репрезентацией.

«Звездная ночь» Винсента Ван Гога
Фото: Винсент Ван Гог [общественное достояние], через Wikimedia Commons

Фовизм

Основанная les Fauves — авангардистской группой художников, включая Андре Дерена и Анри Матисса — фовизм впервые появился в начале 20 века.Как и постимпрессионисты, фовисты предпочитали нереалистичные тона и акцент на индивидуальном восприятии в своих изображениях, которые обычно имели узнаваемые (но несколько абстрактные) формы.

Les Fauves, выставка в Осеннем салоне, из L’Illustration, 4 ноября 1905 г.
Фото: Не идентифицировано, анонимно [общественное достояние], через Wikimedia Commons

10 лучших работ ХХ века | Искусство и дизайн

ХХ век начался с того, что человек нарисовал гору.Совершенные шедевры Сезанна 1900-х годов разбирают процесс взгляда и раскрывают бесконечную сложность опыта. В каждом мазке есть роман. Все интеллектуальные революции современности, от Фрейда до Эйнштейна, находят свое отражение в жестких революционных глазах Сезанна.

Шедевр беспредела… Авиньонские девицы Пикассо (1907) в музее современного искусства в Нью-Йорке. Фотография: Стэн Хонда / AFP / Getty Images

Самая провокационная картина Пикассо до сих пор гремит и завораживает.Он с резким безумием вырывается из рамок живописного пространства. Плоть вырывается из пещеры синих кристаллов. Лица — это маски. «Примитивное» искусство, на которое смотрел Пикассо, когда рисовал этот шедевр беспредела, дает ему право превзойти сюрреализм еще до того, как он появился. Посмотрите в глаза его грозным шлюхам, и вы ослепнете.

Первобытная изысканность… Посетитель фотографирует «Танец» Матисса в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Россия. Фотография: Шон Гэллап / Getty

Матисс делает революцию вечной.Это абстрактное пламя тел в космосе выглядело как ничто другое, когда оно было создано, было совершенно новым и, тем не менее, должно было появиться таким же вневременным, как и сегодня. Матисс берет «примитивные» страсти, волновавшие его время, и переводит их на небрежно изощренный язык, пропитанный многовековой историей искусства. В результате получилась наскальная картина, созданная Пуссеном. В этой необузданности прячется классика.

Это было написано, когда Брак и Пикассо были, как они выразились, «скованы веревками, как альпинисты», чтобы исследовать новую тактильную вселенную.Кубизм — как прозвали их революцию — отверг не только условность рисования картин, но и само ожидание того, что искусство должно касаться видимых поверхностей мира. Эта и другие кубистские картины пытаются найти форму вещей, пытаясь уловить вес и вес реальности. В этой попытке познать все богатство опыта аккуратные выдумки аккуратного изображения распадаются в темном смятении восприятий.

Бронзовая звезда… Уникальные формы непрерывности космоса Боччони, 1913 год.© Тейт. Фотография: Boccioni / Sue Bond PR

Этот гимн скорости, энергии и атлетизму исходит из того времени, когда мир шагал вперед, убежденный в реальности человеческого прогресса. Боччони — величайший художник футуристического движения. Как и все футуристическое искусство, это своего рода пропаганда, нарочито жестокий гимн новому. Но, представляя солдата будущего, Боччони создает видение себя, растянутого в облаке пространственного искажения, а эго исчезает в пространстве-времени.

Абсолютное, самое экстремальное и простое произведение абстрактного искусства, написанное в начале 20 века, — это черный квадрат. Только то. Потрескиваясь от времени, он остается непостижимым и незабываемым символом. Малевич, как и другие художники-абстракционисты, включая Кандинского и Мондриана, имел квазирелигиозное видение. Его черный квадрат имеет краткую силу какого-то безымянного откровения.

Для движения сюрреалистов реальность была ложью, которую нужно пронзить правдой снов. Магритт был постоянным философом движения.Это его самая краткая демонстрация того, что изображения обманчивы, имена произвольны, а объекты — это не то, что мы ожидаем, а непонятные вещи, которым мы даем бессмысленные ярлыки.

Орехи Матта… Работа Марселя Дюшана 1917 года Фонтан в центре Помпиду в Париже. Фото: AP

Век был еще не юным. Для большей части небольшого меньшинства, осведомленного об экспериментах в современном искусстве, яркие цвета Матисса все еще шокировали, а нападки Пикассо на красоту были за гранью бледности.Что делать с фарфоровым писсуаром, который Дюшан представил на художественную выставку в Нью-Йорке? Все же потребовалось. Фонтан с подписью R Mutt и датой 1917 года сфотографировали и запомнили. Это стало искусством и навсегда изменило искусство.

Это эпическое созвездие визуальных шуток и язвительных политических насмешек — его отсылки к веймарским политикам и знаменитостям делают его столь же сложным для чтения, как грузинская политическая карикатура Гиллрея — содержит в себе удар дадаизма, самого агрессивного и в то же время самого человечного художественного движения. ХХ века.Прямо укоренившийся в повседневной жизни («резать кухонным ножом») и счастлив быть частью микса медийных образов, создаваемых современным миром, он, тем не менее, обладает интенсивностью абстрактной живописи.

На мгновение встревоженный и сбитый с толку Поллок нарисовал как ангел, видя кристальную паутину вселенной, вены за глазом. Его лабиринты из необработанной краски уводят воображение внутрь, в бессознательные глубины, и вовне, в пределы пространства. С тех пор все искусство рождается из его свободы.

Современная живопись

Посмотреть все современные картины

Вдохновленные радикальными инновациями художников и скульпторов конца 19 века, модернисты 20 века подтолкнули искусство к новым границам выражения и абстракции, переписав правила о том, что составляет искусство и как можно использовать его материалы.

Основанная в 1941 году с коллекцией старых мастеров, Галерея занималась современным искусством с 1962 года, когда по завещанию Честера Дейла музей получил не только коллекцию импрессионистов и постимпрессионистов мирового уровня, но и первые картины Жоржа Брака. Андре Дерен, Фернан Леже, Анри Матисс, Амедео Модильяни и Пабло Пикассо.Учитывая, что Пикассо и Брак в то время были еще живы, Галерее пришлось изменить свою политику в отношении приобретения работ живыми художниками. Началась новая эра.

За полвека после завещания Дейла коллекция современного искусства Галереи стала самостоятельной. Особые сильные стороны (в дополнение к уже упомянутым) включают картины Жана Дюбюффе, Жоана Миро, Барнетта Ньюмана, Джорджии О’Киф и Марка Ротко, вырезы Анри Матисса и скульптуры Константина Бранкузи, Александра Колдера, Альберто Джакометти, и Дэвид Смит.Среди современных движений хорошо представлены фовизм, абстрактный экспрессионизм, поп и минимализм. Комитет коллекционеров делает важные ежегодные подарки галереи современного искусства с 1975 года. Подарки из коллекции Роберта и Джейн Мейерхофф (начиная с 1989 года) значительно пополнили коллекцию послевоенной американской живописи; приобретения из коллекции Дороти и Герберта Фогель (начиная с 1992 г.) дали галерее мировые коллекции минималистского и концептуального искусства; а в 1998 году Сад скульптур Национальной галереи, финансируемый Фондом Морриса и Гвендолин Кафриц, открылся благодаря множеству новых приобретений работ ныне живущих художников.

Хотя рост коллекции во многом был результатом подарков, это было бы невозможно без физического расширения. Простые объемы, плоские поверхности и светлый атриум Восточного здания И. М. Пея (1978) заявили о приверженности галереи современному искусству. Он открылся заказанными работами Ганса Арпа, Колдера, Энтони Каро, Миро, Генри Мура, Роберта Мазервелла и Джеймса Розати, а также специальной выставкой абстрактного экспрессионизма, которая включала историческое новое приобретение — книгу Джексона Поллока Номер 1, 1950 (Лаванда. Туман) .Реконструкция и расширение Восточного здания в 2016 году открывают новую главу в истории современного искусства Галереи.

Современное искусство — Развитие и идеи

Определение современного искусства

Современное искусство — это ответ творческого мира на рационалистические практики и перспективы новой жизни и идей, обусловленные технологическими достижениями индустриальной эпохи, которые заставили современное общество проявить себя по-новому по сравнению с прошлым. Художники работали над тем, чтобы представить свой опыт новизны современной жизни подходящими новаторскими способами.Хотя термин «современное искусство» относится к огромному количеству художественных жанров, охватывающих более века, эстетически говоря, современное искусство характеризуется намерением художника изобразить объект таким, какой он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения и характеризуется отказом от общепринятых или традиционных стилей и ценностей.

Начало современного искусства

Классическое и раннее современное искусство

Века, предшествовавшие современной эпохе, стали свидетелями многочисленных достижений в изобразительном искусстве, от гуманистических изысканий периодов Возрождения и барокко до сложных фантазий в стиле рококо и идеальная физическая красота 18 ^-го -го века европейского неоклассицизма.Однако одной из преобладающих характеристик в эти ранние современные эпохи была идеализация предмета, будь то человеческий, естественный или ситуативный. Художники обычно рисовали не то, что они воспринимали субъективными глазами, а скорее то, что они представляли как воплощение своего предмета.

Эпоха модернизма и искусства

Современная эпоха наступила с началом промышленной революции в Западной Европе в середине 19-го, ^-го, -го века, одного из важнейших поворотных моментов в мировой истории.С изобретением и широкой доступностью таких технологий, как двигатель внутреннего сгорания, крупные машинные заводы и производство электроэнергии в городских районах, темпы и качество повседневной жизни резко изменились. Многие люди мигрировали из сельских ферм в центры городов в поисках работы, перенося центр жизни из семьи и деревни в деревню в расширяющиеся городские мегаполисы. Благодаря этим разработкам художников привлекли эти новые визуальные пейзажи, теперь наполненные всем разнообразием современных очков и мод.

Фотография стала крупным технологическим достижением, тесно связанным с изобразительным искусством. Фотографические технологии стремительно развивались, и в течение нескольких десятилетий фотография могла воспроизводить любую сцену с идеальной точностью. По мере развития технологий фотография становилась все более доступной для широкой публики. Фотография концептуально представляла серьезную угрозу классическим художественным способам изображения объекта, поскольку ни скульптура, ни живопись не могли передать такую ​​же степень детализации, как фотография.В результате точности фотографии художники были вынуждены искать новые способы выражения, что привело к новым парадигмам в искусстве.

Перспектива художника и современное искусство

В первые десятилетия 19, ^и века, ряд европейских художников начали экспериментировать с простым актом наблюдения. Художники со всего континента, в том числе портретисты и художники-жанристы, такие как Гюстав Курбе и Анри Фантен-Латур, создавали работы, направленные на объективное изображение людей и ситуаций, несовершенства и все такое, а не на создание идеализированного изображения предмета.Этот радикальный подход к искусству стал частью широкой художественной школы, известной как реализм.

Также в начале 19, ^-го, -го века романтики начали представлять пейзаж не обязательно таким, каким он объективно существовал, а скорее таким, каким они его видели и чувствовали. Пейзажи, написанные Каспаром Давидом Фридрихом и Дж. Тернера — это драматические изображения, в которых запечатлено чувство возвышенного, которое поразило художника при просмотре этой конкретной сцены на природе. Это представление чувства в сочетании с местом явилось решающим шагом в создании новаторской и уникальной перспективы современного художника.

Ранняя абстракция и современное искусство

Точно так же, в то время как одни художники сосредоточились на объективном представлении, другие сместили свой художественный фокус, чтобы подчеркнуть визуальные ощущения наблюдаемых ими предметов, а не их точное и натуралистическое изображение. Эта практика представляет собой начало абстракции в изобразительном искусстве. Двумя ключевыми примерами этого являются «Ноктюрн в черном и золотом» Джеймса Макнила Уистлера «Падающая ракета » (1874 г.) и «Бульвар Капуцинов » Клода Моне (1873 г.).В первом случае художник сочетает большие брызги и маленькие пятна краски, чтобы создать портрет ночного неба, освещенного фейерверком, который был более атмосферным, чем репрезентативным. В последнем Моне показывает с высоты птичьего полета шумную современную парижскую жизнь. Изображая эту сцену, Моне передал пешеходов и городской пейзаж как «впечатление» или, другими словами, визуальное представление мимолетной, субъективной и слегка абстрактной перспективы.

Темы и концепции современного искусства

Современные художники

История современного искусства — это история лучших художников и их достижений.Современные художники стремились выразить свои взгляды на окружающий мир с помощью визуальных средств. Хотя некоторые связали свою работу с предшествующими движениями или идеями, общая цель каждого художника в современную эпоху состояла в том, чтобы продвинуть свою практику до позиции чистой оригинальности. Некоторые художники зарекомендовали себя как независимые мыслители, выходя за рамки того, что считалось приемлемыми формами «высокого искусства» в то время, которые были одобрены традиционными государственными академиями и покровителями изобразительного искусства высшего класса.Эти новаторы изображали предметы, которые многие считали непристойными, противоречивыми или даже совершенно уродливыми.

Первым современным художником, который, по сути, стоял самостоятельно в этом отношении, был Гюстав Курбе, который в середине ^{-х годов} века стремился развить свой собственный стиль. В значительной степени это было достигнуто благодаря его картине 1849-1850 годов «Похороны в Орнане, », которая шокировала мир французского искусства, изображая похороны простого человека из крестьянской деревни. Академию возмутило изображение грязных сельскохозяйственных рабочих вокруг открытой могилы, поскольку только классические мифы или исторические сцены подходили для создания такой большой картины.Первоначально Курбе подвергался остракизму за свои работы, но в конечном итоге он оказал большое влияние на последующие поколения современных художников. Этот общий образец отторжения и последующего влияния был повторен сотнями художников в современную эпоху.

Движения современного искусства

Дисциплина истории искусства имеет тенденцию классифицировать людей на группы единомышленников и исторически связанных художников, обозначенных как различные движения и «школы». Этот простой подход к установлению категорий особенно уместен, поскольку он применим к централизованным движениям с единственной целью, таким как импрессионизм, футуризм и сюрреализм.Например, когда Клод Моне выставил свою картину «Впечатление , Восход солнца » (1872) в рамках групповой выставки в 1874 году, картина и выставка в целом были плохо восприняты. Тем не менее, Моне и его коллеги-художники были в конечном итоге мотивированы и объединены критикой. Таким образом, импрессионисты создали прецедент для будущих художников, мыслящих независимо друг от друга, которые стремились объединиться на основе единого объективного и эстетического подхода.

Такая практика группирования художников в движения не всегда полностью точна или уместна, поскольку многие движения или школы состоят из самых разных художников и способов художественной репрезентации.Например, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн считаются главными художниками постимпрессионизма, движения, названного так из-за отклонений художников от импрессионистских мотивов, а также их хронологического места в истории. Однако, в отличие от своих предшественников, постимпрессионисты не представляли собой сплоченное движение художников, объединенных под одним идеологическим знаменем. Более того, можно утверждать, что некоторые художники не вписываются ни в какое конкретное движение или категорию.Ключевые примеры включают таких, как Огюст Роден, Амадео Модильяни и Марк Шагал. Несмотря на эти сложности, несовершенное обозначение движений позволяет разбить обширную историю современного искусства на более мелкие сегменты, разделенные контекстными факторами, которые помогают в изучении отдельных художников и произведений.

Авангард и прогресс современного искусства

Авангард — это термин, происходящий от французского «авангард», ведущая дивизия, идущая в бой, буквально авангард, и ее обозначение в современном искусстве очень много. как его военный тезка.Вообще говоря, большинство успешных и творческих современных художников были авангардистами. Их цель в современную эпоху состояла в том, чтобы продвигать практики и идеи искусства и постоянно оспаривать то, что составляет приемлемую художественную форму, чтобы наиболее точно передать опыт художника современной жизни. Современные художники постоянно исследуют прошлое и переоценивают его по отношению к современному.

Искусство модерна, современности и постмодерна

Вообще говоря, современное искусство определяется как любая форма искусства в любой среде, которая создается в наши дни.Однако в мире искусства этот термин обозначает искусство, созданное во время и после эпохи пост-поп-арта 1960-х годов. Рассвет концептуализма в конце 1960-х годов стал поворотным моментом, когда современное искусство уступило место современному искусству. Современное искусство — это широкое хронологическое определение, охватывающее широкий спектр движений, таких как искусство Земли, искусство перформанса, неоэкспрессионизм и цифровое искусство. Это не четко обозначенный период или стиль, это конец периодизации модернизма.

Постмодернизм — это реакция или сопротивление проектам модернизма, начавшаяся с разрыва репрезентации, произошедшего в конце 1960-х годов. Модернизм стал новой традицией, присутствующей во всех институтах, против которых он первоначально восставал. Художники-постмодернисты стремились выйти за рамки, установленные модернизмом, деконструируя великий нарратив модернизма, чтобы исследовать культурные коды, политику и социальную идеологию в их непосредственном контексте. Именно это теоретическое взаимодействие с идеологиями окружающего мира отличает постмодернистское искусство от современного искусства, а также определяет его как уникальную грань современного искусства.Особенности, часто связанные с постмодернистским искусством, — это использование новых медиа и технологий, таких как видео, а также техника бриколажа и коллажа, столкновение искусства и китча и присвоение более ранних стилей в новом контексте. Некоторые движения, обычно называемые постмодерном: концептуальное искусство, феминистское искусство, искусство инсталляции и искусство перформанса.

Что такое современное искусство? | Новости искусства Кунесса

Что мы можем определить как современное искусство? Термин «современное искусство», который часто путают с «современным искусством», используется для обозначения периода продолжительностью около ста лет, а точнее периода с 1860-х по 1970-е годы, когда экспериментальные художественные стили и философии породили множество новых выразительные выводы.

Статьи по теме: Модернизм в изобразительном искусстве — 51 самый популярный современный художник

Определение современного искусства

Современное искусство включает произведения искусства, датируемые примерно 1860-1970-ми годами и характеризующиеся попыткой отбросить традиции прошлого в духе экспериментов. Хотя может показаться трудным идентифицировать красную нить, соединяющую все различные движения, характеризующие современное искусство, действительно существует общее основание, которое связывает все известные модернистские решения.Подъем абстракции, приход знаменитого авангардного движения и новейшие возможности, предоставляемые открытием новых промышленных материалов, — все это объединяет их потребность в выразительности как основной и общей тенденции современного искусства. На самом деле в ходе развития современного искусства произошла постепенная, медленная, но неуклонная метаморфоза. Серия известных модернистских новинок и стилей была принята художниками из разных стран, пытаясь уйти от древних повествований, чтобы создать неотредактированное будущее.

Современное искусство тесно связано с модернизмом — ответом на радикально изменившиеся условия жизни, возникшие в связи с подъемом индустриализации. Следовательно, это определение часто выражается в следующих терминах: термин «современное искусство» определяет стиль и концепцию искусства, типичную для периода между серединой девятнадцатого века и двадцатого века и, в более общем плане, для художественных выражений, которые выражают форму. «отказа» от прошлого и открытости экспериментам . Современное искусство зародилось в модернизированном контексте общества конца девятнадцатого и двадцатого веков; когда социальная, экономическая и культурная жизнь была революционизирована в самом широком смысле новым взглядом на мир.

Пионерами современного искусства были романтики, реалисты и импрессионисты. Реализм с его вниманием к деталям и нетипичной точкой зрения часто признается первым истинно модернистским движением в изобразительном искусстве. То, что сегодня известно как реалисты, нацелено на то, чтобы запечатлеть истину, которую можно найти в их окружении, с бескомпромиссной и неидеализированной точностью.Это стало тяжелым ответом на в основном религиозные и в высшей степени идеализированные картины, которые населяли «Салоны» в Париже.

Движение современного искусства

Хотя точная дата рождения современного искусства чаще всего определяется в 1863 году, когда шедевр Эдуарда Мане «Le Dèjeneur Sur L’Herbe» был показан в Салоне отказов. Есть более ранняя картина, которая изменила способ восприятия общества; «в худшем и среднем», как однажды объяснил Гюстав Курбе.На самом деле это реалистическая работа Гюстава Курбе «Мастерская художника» (1855), которая представляет продромальные этапы авангарда, а также новое видение современного искусства.

Эдуард Мане, Завтрак на траве, 1863 г. Изображение взято из Wikipedia Common.

Современное искусство и слава известных художников современного искусства длились до тех пор, пока культурные критики не заговорили о «конце живописи» — так называлась провокационная статья Дугласа Кримпа, впервые представленная в качестве лекции в Лос-Анджелесе в 1981 году.

В настоящее время музеи и коллекции произведений искусства играют невероятно важную роль, позволяя нам взглянуть на красоту и величие, которые были созданы в прошлом. Современное искусство, а также периоды, которые были до и после этого периода невероятного роста, сегодня хранятся в стенах музеев и частных коллекций. Кстати, было бы интересно проследить историю открытия нового музея в Сеуле, ; учреждение, в котором разместится частная коллекция председателя Samsung Group, , что позволит публике полюбоваться более чем 23 000 произведений искусства.Как можно прочитать в Korea Herald: « Цель состоит в том, чтобы поделиться коллекцией дарителя и его философией, лежащей в основе сбора произведений искусства, среди широкой публики ».

В этой статье мы рассмотрим современное искусство, обнаружив 20 основных художников, которые воплощают основные черты, которые определяют их как художников современного искусства, начиная с 19 века и заканчивая временем после Второй мировой войны, включая работы Энди Уорхола и его исследования, связанные с иконами современного искусства. то, что сейчас известно как поп-арт.

Гюстав Курбе, Мастерская художника: настоящая аллегория, подводящая итоги семи лет моей творческой и нравственной жизни, 1855 г., холст, масло, 361 см × 598 см (142 × 235 дюймов), © Muséè d’Orsay, Париж.

1. Гюстав Курбе (р. 1819)

Гюстав Курбе был пионером реализма и до сих пор считается его самым известным представителем. Стилистически он часто использовал мастихин для создания тяжелых и материальных картин, которые создавали видимую дистанцию ​​от чрезмерно законченной и тщательно утонченной эстетики, которая принадлежала академическим картинам.

Курбе, который родился в Орнане, выставлялся в парижском салуне в 1844 году. Однако с этого момента его почитаемая репутация пострадала из-за неоднозначного характера его работ.Он известен тем, что организовал первую персональную выставку за пределами любого учреждения, после того, как в 1855 году ему отказали в показе на Парижской Вселенской выставке. Чтобы противостоять академическим учреждениям, он устроил так называемый «Павильон реализма»; шатер, который использовался для демонстрации его работ и его позиции реалиста, утверждение, которое демонстрирует тесную связь Курбе с экспериментальным подходом будущего современного искусства.

Вообще говоря, Курбе был приверженцем создания неромантизированных видений мира, и это отражено в таких работах, как «Камнедробители» (1849).

Гюстав Курбе, Камнедробители, 1849.

2. Эдуард Мане (р. 1832)

Эдуард Мане был французским художником, известным своей важной ролью в эстетической революции, произошедшей в конце XIX века. Подобно Курбе, оказавшему большое влияние на его творчество, он был одним из первых художников XIX века в современной жизни, и теперь он считается центральным звеном перехода от реализма к импрессионизму; и по сей день Мане считается поворотным моментом на пути к новейшим этапам современного искусства.

Несмотря на то, что он родился в семье высшего сословия с сильными политическими связями, Мане после неудачной попытки поступить на флот принял решение посвятить себя своему искусству. Сейчас он хорошо известен своими работами в начале своей карьеры, такими как «Le Déjeuner sur l’Herbe» и «Olympia», написанные в 1863 году и вызвавшие много споров. Несмотря на многочисленные попытки Мане защитить свою работу, эти сцены на протяжении десятилетия часто подвергались критике. Олимпия считалась самой скандальной работой Салона 1865 года.В то время сладострастная богиня считалась приемлемой, тогда как проститутка раздвигала границы.

Эдуард Мане, Олимпия, 1863 год.

3. Поль Сезанн (р. 1839)

Поль Сезанн был одним из величайших художников постимпрессионистов, человеком, чьи работы и идеи оказали огромное влияние на эстетический прогресс начала 20 века. Многие художники и движения были во многом обусловлены открытиями Сезанна, в особенности те художники, которые позже назвали себя кубистами.Искусство Сезанна, как и многие фигуры, которые будут представлены в этом тексте, часто публично неправильно понималось. Его практика началась с тесных отношений с движением импрессионистов, но в конечном итоге он бросил вызов многим консервативным идеалам изобразительного искусства XIX века, дистанцируясь, прежде всего, из-за своего субъективного видения.

Сезанн был энергичным новатором и постоянно обновлял свою практику, отражая различные схемы представительства. Например, в своих натюрмортах середины 1870-х годов Сезанн оставил позади толщину поверхностей, которыми он был известен, и разработал новое видение, которое выражалось в основном в форме и цвете.Он создал схему, состоящую из «конструктивных мазков», призванных придать своим формам больше веса и содержательности. Например, в своей картине «Натюрморт с кувшином, чашкой и яблоками» (1877) Сезанн показывает свое внимание к цветовым тонам и градиентам, которые позже станут важной частью его исследований.

Поль Сезанн, Натюрморт с кувшином, чашкой и яблоками, 1877 г.

4. Клод Моне (р. 1840)

Клод Моне — художник, наиболее связанный с импрессионизмом: фактически, импрессионистское движение возникло после его завершенной работы под названием «Впечатление, Солей Леван» (1874 г.).Моне был пионером этого движения по ряду причин: он твердо выступал за работу на пленэре и за то, что художник должен изучать природу и оптические эффекты света лично. Он также известен тем, что завершил серию работ, посвященных одному предмету, чтобы изучить эффекты света на одной и той же сцене в течение дня или в разное время года. Примеры этих работ — стога сена и церкви. Дом Моне в Живерни также считается важным местом для последних работ художника.После покупки дома в 1883 году Моне занялся исследованием большого пруда с лилиями — предмета, который он рисовал бесчисленное количество времени в последние 20 лет своей жизни.

Клод Моне, Впечатление, soleil levant (Впечатление, восход), 1874 г.

5. Винсент Ван Гог (род. 1853)

Винсент Ван Гог был голландским художником-постимпрессионистом, который признан одним из самых известных художников современного искусства. Живя относительно недолго, большая часть его работ была сделана за очень плодотворный десятилетний период, когда он написал почти 2100 произведений искусства.Они охватывают широкий спектр предметов, включая портреты и автопортреты, пейзажи и натюрморты. Стилистически работы Ван Гога образуют относительно однородный континуум и широко характеризуются смелыми, яркими цветовыми схемами и драматическими, часто импульсивными и очень выразительными мазками, которые легли в основу всех следующих течений современного искусства. Хорошо известно, что Ван Гог при жизни не добился коммерческого успеха и покончил жизнь самоубийством в 37 лет.

Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с кипарисами, 1889 год.

6. Жорж Сёра (р.1859)

Жорж Сёра был частью постимпрессионистского движения во Франции. Его крупнейшее нововведение возникло в результате разработки знаменитой техники «пуантилизма», а также сосредоточения внимания на схеме «хромолюминаризма», оба из которых имеют общую основу с точки зрения их фокусировки, которая направлена ​​на разные части света и его призма цветовых градиентов.По сути, пуантилизм — это техника, которая использует отдельные цветные точки для описания форм и глубины, полагаясь на способность глаза восстанавливать деконструированное изображение. Результатом этой живописной схемы является высокочувствительная эстетика, усиленная вниманием художников к деталям и научными теоремами, окружающими свет и его конструктивная истина. Если мы подумаем о современном искусстве как о новаторстве, экспериментировании, но также как о внимании к прошлому, мы можем посмотреть на знаменитую картину «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» (1884–1886) как на одно из самых знаковых произведений искусства. период современного искусства.

Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт (1884–1886).

7. Хильма Аф Клинт (р. 1862)

Хильма аф Клинт была шведской художницей в области современного искусства, которая расширила свои визуальные интересы до мистицизма и духовности. Ее картины, которые только совсем недавно были должным образом рассмотрены и исследованы, считаются первыми образцами западного абстрактного искусства (многие из ее абстрактных работ, по-видимому, были созданы до того, что считается первыми «чисто» абстрактными работами Кандинского).Хильма Аф Клинт была частью уникальной группы, известной как «Пятерка», которая состояла из ряда женщин, выступавших за попытки достичь того, что Аф Клинт называл «высшими мастерами». Ее картины, хотя обычно считаются абстрактными, также можно рассматривать как диаграммы, которые представляют духовные пути смысла. Клинт, безусловно, занимает уникальное положение в более широкой истории современного искусства, и ее личное видение почти не требует сравнений.

Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Взрослая жизнь, группа IV, 1907 год.

8. Эдвард Мунк (1863 г.р.)

Эдвард Мунк был загадочным норвежским художником, известным своими тревожными изображениями фигур, часто представленных в выразительных декорациях и передающих мысли художника. «Крик», его самая известная работа, является культовым изображением периода современного искусства из-за своей грубости и дальновидности, но также из-за его влияния на большое количество изображений, которые были созданы в последующие годы. был показан публике.Мунк придумал «Крик» в городе Осло. Рассказывают, что художник гулял однажды вечером, когда внезапно «услышал огромный, бесконечный крик природы». Обычно считается, что измученное лицо, изображенное на работе, относится к тревоге, которая часто ассоциируется с архетипичным художником современного искусства или отдельным человеком.

Большинство работ Мунка относятся к категории «символистов» из-за того, что они сосредоточены на внутреннем «я» субъекта, а не только на его или ее внешнем виде.Художники-символисты выдвинули идею о том, что искусство должно быть в некотором роде субъективным и воплощать эмоции и абстрактные идеи, а не сосредотачиваться на повествовании и объективном изображении вещей.

Эдвард Мунк, Крик, 1893.

9. Пит Мондриан (р. 1872)

Пит Мондриан был голландским художником и первооткрывателем визуальных теорий, который сейчас считается одним из самых новаторских художников в области современного искусства, появившихся в 20 веке. Неустанно работая над красотой природы, изучая и экспериментируя с элементом «Красного дерева» на протяжении его ранних лет, его творческий путь можно рассматривать как постоянную попытку обогнать форму и позволить формам и жестам вырваться из своего периметра.В последние годы его жизни природа уступила свое место стихии города и мегаполиса, в которых прямые линии и основные цвета создают его очень известные композиции.

В 1914 году он сказал: «[А] Рт выше реальности и не имеет прямого отношения к реальности. Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, нужно как можно меньше использовать реальность, потому что реальность противоположна духовному ».

Движение в современном искусстве, с которым обычно ассоциируется Мондриан, называется неопластицизмом, что по сути относится к «чистому пластическому искусству», которое фокусируется в основном на пластике и выражении универсальной красоты.

Пит Мондриан, Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим, 1921.

10. Пабло Пикассо (1881 г.р.)

Пабло Пикассо изначально был художником современного искусства, родившимся в Испании, но часто ассоциируемым с Францией. Его работы охватывают большое количество жанров, и он известен как художник, гравер, скульптор, керамист и даже театральный дизайнер, который большую часть своей взрослой жизни провел во Франции.

Он был чрезвычайно плодовитым художником, но некоторые из двух его самых известных работ обычно считаются «Авиньонскими девицами» (1907 г.) и «Герника» (1937 г.).Возможно, самый важный художник периода современного искусства, он известен своей ролью в создании кубизма, а также множеством других достижений, таких как создание искусно построенной скульптуры, пионер формы коллажа, а также для множества более поздних техник и стилей, в которых он продолжал экспериментировать. Работы Пикассо часто делятся на множество свободно определенных периодов времени, а именно: Голубой период (1901–1904), Период роз (1904–1906) , Период под африканским влиянием (1907–1909), аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919).

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon, 1907.

11. Жорж Брак (р. 1882)

Жизнь и творчество Жоржа Брака часто омрачают жизнь Пикассо, вместе с которым он основал кубизм в начале 20 века. Обе их работы очень похожего возраста и визуальных теорий на ранних этапах кубистического движения — с 1908 года по 1912 год — было трудно отличить друг от друга. Помимо кубизма, Брак был известен как отличный рисовальщик, коллажист, скульптор и гравер.Брак также был вовлечен в движение фовистов с первого десятилетия 20 века.

Жорж Брак, Бутылка и рыбы, 1910.

12. Амедео Модильяни (р. 1884)

Амедео Модильяни был итальянским художником, известным своими портретами и женственными обнаженными фигурами, исполненными чувственности и чрезвычайно дальновидными. После своего образования, которое началось в Тоскане и завершилось в Венеции, «Моди» переехал в Париж (1906), где познакомился с Пикассо и высшими стандартами авангарда.Как современный художник, Модильяни работал над открытием чего-то нового и неотредактированного, как в живописи, так и в скульптуре, хотя ему пришлось отказаться от идеи стать скульптором из-за своего физического состояния.

«Жизнь — это дар от немногих многим, от тех, кто знает и имеет, тем, кто не знает и не имеет».

13. Джорджия О’Кифф (р.1887)

Джорджия О’Киф — американская художница, получившая всеобщее признание за ее роль в американском модернизме и за развитие совершенно уникального визуального словаря, который сосредоточен вокруг картин с увеличенными цветами рядом с небоскребами Нью-Йорка, а также пейзажами Нью-Мексико, где она жила. конец ее жизни.В начале своей творческой карьеры она познакомилась с художественными теориями и философией Артура Доу, который был в высшей степени эзотерическим художником, работающим с принципами субъективного видения и интерпретации.

Джорджия О’Киф, Джимсон Виид / Белый цветок № 1, 1932.

14. Марк Шагал (1887 г.р.)

Мойше Сегал, также известный как Марк Шагал, был русским художником-евреем, который был натурализованным французом. Его работы выражают сильную привязанность к религии и древнему повествованию.Как современный художник, он создал огромное количество картин, изображающих басни и красочные истории, от популярных до тех, которые он изучал по Библии. Шагал также создал серию иллюстраций к самой Библии, которые до сих пор остаются одним из величайших результатов его карьеры художника.

15. Марсель Дюшан (1887 г. р.)

Марсель Дюшан был одним из самых радикальных и прогрессивных художников 20-го века, которого часто считают первыми по-настоящему концептуальными художниками и наиболее известным тем, что он использовал повседневные «готовые» объекты в своей практике.Он был французом и американцем, работал художником, скульптором, а затем шахматистом и писателем. Несмотря на свои загадочные качества, он пересекся с рядом очень важных движений, включая кубизм, дадаизм и концептуальное искусство.

К концу первого десятилетия 20-го века Дюшан становился все более радикальным и больше не интересовался традиционными средствами массовой информации и художниками, которые их использовали. Он придумал критический бинарный анализ «ретинального» искусства и искусства, не относящегося к сетчатке, что позволило ему классифицировать искусство, созданное как служащее либо исключительно глазам (искусство сетчатки), либо и глазу и разуму.Самой устойчивой из всех его работ является его реди-мейд 1917 года «Фонтан», который стал символом всего последующего авангардного искусства.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 год.

16. Джорджо Де Кирико (1888 г.р.)

Джорджио Де Кирико, уроженец Волоса (Грече), был отцом так называемого движения метафизической живописи. Помимо красоты и таинственности, которые характеризуют его картины, он признан одним из величайших мастеров в области техники и подготовки холста, создавая работы, которые прослужат веками благодаря важности, которую художник придавал обработке почв и методов.В его работах не отвергается само прошлое, как в картинах других современных художников, оно вместо этого перерабатывается и переносится в современную и авангардистскую обстановку, что позволяет активировать себя в новой и таинственной жизни.

17. Марк Ротко (р. 1903)

Марк Ротко занимает положение одного из самых мистических и задумчивых художников периода современного искусства, и его картины в цветовой плоскости часто рассматриваются как попытки изобразить внутренние глубины человеческой психики.Не отождествляя себя лично с каким-либо параллельным художественным движением, Ротко чаще всего ассоциировался с абстрактными экспрессионистами из-за большого масштаба и абстрактного характера его работ. Все его работы представляют собой вариации общей аранжировки разных цветов и совершенно особняки в истории искусства как картины.

Самая известная цитата Ротко гласит: «[Меня] интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, гибели и так далее. И тот факт, что многие люди не выдерживают и плачут, когда сталкиваются с моими фотографиями, показывает, что я могу передать эти основные человеческие эмоции.Если вас … трогают только их цветовые отношения, вы упускаете суть ».

Марк Ротко, Светлый красный поверх черного, 1958.

18. Сальвадор Дали (1904 г. р.)

Само собой разумеется, что Сальвадор Дали — одна из величайших деятелей искусства всех времен, чьи исследования привели его к невероятному количеству средств массовой информации и выразительности. Весьма противоречивый и чрезвычайно эклектичный, Дали всю свою жизнь создавал и исследовал сюрреалистический мир, и этот факт связывает его работы с новейшими исследованиями в области психоанализа.Как современный художник, он обогнал большинство предыдущих предрассудков и создал движение, которое было одновременно прочным и никогда не заканчивающимся открытым. В своей жизни Дали был художником, скульптором, фотографом, кинорежиссером, сценографом и исполнителем; хронологическая история, которая сделала его самым экспериментальным художником целого века. Помимо всего величия, выраженного его картинами, Сальвадор Дали создал в Фигерасе (Испания) произведение искусства размером с музей, которое носит название «Museo Dalì».

19.Фрида Кало (1907 г. р.)

Фрида Кало была мексиканской художницей, чье личное повествование вырисовывается так же широко, как и ее искусство, в народном воображении. Отчасти это связано с тем, что почти треть всей ее творческой деятельности составляли автопортреты, а все остальные ее работы тесно связаны с ее жизнью. Одними из ее самых ярких тем были ее трудная личная жизнь, ее отношения с художником-настенным художником и революционером Диего Ривьерой, а также ее хроническая болезнь.

Ее стиль был определен по-разному, и все они имели некоторые общие элементы: основные мотивы Кало были взяты из мексиканской поп-культуры, и она использовала в основном народный и наивный стиль, чтобы воссоздать свои зачастую мифические, сюрреалистические и фантастические миры.В политическом плане она была очень активна и принадлежала к постреволюционному движению Мексикайотль, целью которого было продвижение новой формы мексиканской личности.

Фрида Хало, Автопортрет, посвященный доктору Лео Элоессеру, 1940.

20 . Фрэнсис Бэкон (р. 1909)

Фрэнсис Бэкон создал одни из самых тревожных и извращенных картин 20-го века, которые часто воспринимаются в связи с ужасами современной жизни.Бэкон был ирландцем по происхождению, но английский художник работал в основном образно. Его тематика была разнообразной и включала в себя сцены распятий, портреты страждущих пап, тревожные автопортреты. Часто Бэкон использовал геометрическую основу, чтобы предоставить пространство бесформенной среде с цветовой плоскостью, в которой существовали его объекты. Никогда не вписываясь в художественное направление, Бэкон часто рассматривался как часть разнообразной Лондонской школы, существовавшей в то время и включавшей других светил, таких как Люсьен Фрейд и Франк Ауэрбах, которые все стали известными в современной живописи.

Картины Бэкона можно разделить на разные периоды времени. Бэкон много работал с фотографиями и на него очень повлияли ранние эксперименты в этом жанре и такие личности, как Идверд Мейбридж. К свободно определенным периодам относятся: фурии и биоморфы, которые он создавал на протяжении 30-х годов, в основном мужские лица и головы, стоящие в одиночестве в комнатах или еле обозначенных пространствах в 40-х годах, серия « кричащих пап » из 50-х, ранние различные сцены распятия, сделанные в 60-х годах, и, наконец, автопортреты 70-х годов.

Узнайте больше о Фрэнсисе Бэконе здесь.

Фрэнсис Бэкон, Триптих, август 1972, 1972.

21. Джексон Поллок (р. 1912)

Джексон Поллок изобрел современное представление о мифическом художнике через его беззаботную публичную личность, личные проблемы и загадочный стиль работы. Журнал Life в 1951 году назвал его «величайшим из ныне живущих художников».

Его главный формальный прорыв произошел в конце 1940-х годов, когда он начал выравнивать свои холсты горизонтально на полу своей студии и капать на них эмалевую краску сверху, создавая свои «капельные картины».Этот перформативный процесс, который непосредственно и физически задействовал его тело и его движения в его картинах, был одним из крупнейших стилистических нововведений 20 века. Поллок верил в утопичность чистой, необузданной абстракции линии и формы и не хотел, чтобы его картины воспринимались как изображающие что-либо в мире. В политическом плане работы Поллока стали рассматриваться как символ американского индивидуализма во время холодной войны, и высказывались предположения, что они использовались ЦРУ в качестве инструментов пропаганды.

Джексон Поллок, номер 1, 1949, 1949.

22. Йозеф Бойс (р. 1921)

Йозеф Бойс был немецким художником, работавшим в основном в концептуальном и перформативном ключе. Он стал хорошо известен благодаря совершенно уникальному способу работы и часто странным сюжетам, которые он выбирал для иллюстрации своих тем войны, любви и жизни. Всегда приверженная радикальной повестке дня, «социальная скульптура» Бойса была попыткой разрушить пропасть между искусством и жизнью и в конечном итоге была направлена ​​на превращение изобразительного искусства в более демократический процесс, в котором каждый человек был способен принять участие.

Джозеф Бойс, Мне нравится Америка, и Америка любит меня, 1974.

23. Ив Кляйн (р. 1928)

Как и Бойс, Кляйн также часто включал живые элементы, связанные с перформансом, во многие из своих наиболее значительных произведений искусства. Кляйн был французским художником и стал главной фигурой во французском послевоенном движении под названием Nouveau Réalisme, которое было основано искусствоведом Пьером Рестани в 1960 году. Карьера Кляйна пересекается со многими движениями, включая перформанс, минималистское искусство и т. Д. и даже поп-арт.

International Klein Blue остается самым известным художественным творением Кляйна, и это был цвет, который он запатентовал в 1961 году. Кляйн прокомментировал, что «[B] lue… вне измерений, тогда как другие цвета — нет. Все цвета вызывают определенные идеи, в то время как синий предполагает самое большее море и небо; а они, в конце концов, имеют реальную, видимую природу, что является наиболее абстрактным ». Кляйн использовал этот цвет во множестве монохромных работ, которые стали олицетворением всего его творчества, в том числе когда он использовался в представлении с участием обнаженных женщин, которые окунулись в краску перед тем, как прижаться к бумаге, и все это было направлено Кляйном в формальной вечерней одежде.

Ив Кляйн, Антропометрия, 1960.

24. Энди Уорхол (р. 1928)

Имя Энди Уорхола стало синонимом движения, которое было основополагающим для него и которое он воплотил в своей личной жизни и общественной персоне: поп-арт. Часто называя себя машиной, Уорхол исследовал роль образов и, в частности, средств массовой информации в современном потребительском американском обществе 1960-х годов.

Его теперь невероятно ценные и вездесущие шелкографии икон поп-культуры и потребителей брендов (включая таких фигур, как Мэрилин Монро и такие бренды, как Campbell’s Soup Cans) стали стандартным способом понимания американского общества в то время.Уорхол утверждал, что « [T] лучшее в картине то, что она никогда не меняется, даже когда люди на ней делают ».

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962 год.

25. Герхард Рихтер (р. 1934)

Герхард Рихтер родился в Дрездене в 1934 году. Он является одним из самых известных и цитируемых ныне живущих художников, вместе с Дэвидом Хокни и Джеффом Кунсом. Его воспитание варьировалось от рекламы до сценического дизайна, но, как вы можете знать или не знать, он признан одним из лучших рисовальщиков и фигураторов целого века.В определенный момент своей жизни Рихтер, благодаря своей способности наблюдать и медитировать, заметил способность масляной краски перемещаться и растягиваться по поверхности, оставаясь влажной и влажной. Этот момент прозрения часто признается тем же моментом, когда художник обгонял формы и формы и вступал на новый путь, сделанный из выразительных и абстрактных цветовых знаков; те самые отметки, которые сегодня являются выражением его артистической личности. Так же, как Мондриан и Ротко, Рихтер достиг абстракции через изучение формы и реализма, что, по мнению многих, является единственным правдивым путем, которым следует следовать, чтобы достичь абстрактности бессознательного.

Изображение на обложке: Пит Мондриан,

Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим, 1921.

Автор Макс Ланн и Марио Родольфо Сильва

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнать больше о интересных новостях из мира искусства. .

No related posts.