Модерн в изобразительном искусстве: Модерн в изобразительном искусстве — презентация онлайн

Модерн в изобразительном искусстве — презентация онлайн

1. Модерн в изобразительном искусстве

Модерн- новый, современный,
возник в конце 19 века под влиянием индустриального прогресса и
эстетики символизма.
•В основе художественного языка- S- образная линия- декоративная и динамичная,
гибкая и подвижная, передающая энергию жизни.
• интерес к экзотике Востока :витиеватый, причудливый арабский орнамент
(узоры восточных ковров, силуэты мусульманских минаретов и мечетей, формы
сосудов),
•асимметрия композиций, приоритет пустоты.
•В основе эстетики модернизма – идея синтеза искусств, стремление к созданию
единого стиля в архитектуре, интерьере, графике, живописи и дизайне.
•Универсальность (умели делать практически всё)
• Функциональность( ориентированность на использование в быту, создание
среды для жизни человека)
• Использование экономичных материалов: стекла , бетона, металла.
Эктор Гимар .Станция метро
Эктор Гимар. Дверь жилого дома
Хенри ван де Велде
Модерн в австрийской
живописи получил название
«сецессионстиль»
(отделение, уход в знак
протеста против рутины
академизма)
Густав Климтавстрийский художник,
основоположник модерна в
австрийской живописи.
Главным предметом его
живописи было женское тело,
и большинство его работ
отличает откровенный
эротизм.
Поцелуй (1907-1908).
Юдифь
с головой
Олоферна. 1901 г.
Три возраста женщины(1905).
Анри де Тулуз- Лотрек
французский живописец и график.
Афиша «Джейн Авриль». 1893 г.
«Танец в Мулен Руж». 1890 г.
БЁРДСЛИ
ОБРИ ВИНСЕНТ
(1872-1898)гениальный английский художник, музыкант,
поэт
.(умер в возрасте двадцати пяти лет )
Для него характерна
•виртуозная волнообразная твердая линия
рисунка, разграничивающая пятна черного
и белого цветов;
•»деталь» заставлял стать символом.
Рисунки Бёрдсли заставляли
современников буквально цепенеть. Они
внушали страх и благоговение. Многим
казалось, что рушится старое
представление об искусстве и о мире в
целом.
«Саломея»
«Кульминация»
Бёрдслей — это удивительное и загадочное явление искусства и человеческого
духа.
Его отец болел туберкулёзом. Когда ему было семь лет, он уже знал, что
болезнь отца передалась и сыну. В XIX веке ещё не умели бороться с этом
ужасным заболеванием, поэтому Бёрдслей с раннего детства слишком хорошо
понимал, что может умереть непредсказуемо рано и быстро.
Бёрдслей с детства начал писать стихи, учиться игре на фортепиано,.
прекрасно знал английскую и французскую литературу уже в юном возрасте.
Ощущение смерти, неотступно стоявшей за его спиной, заставляло жить так,
словно каждый день мог стать последним.
Глубокое проникновение в традиции японского искусства позволило ему создать
удивительный синтез Запада и Востока в собственных рисунках.! Определённая
«патологичность» многих рисунков Бёрдслея объясняется в какой-то мере тем, что
он всегда стоял как бы на краю пропасти: с одной стороны — свет жизни, с
другой — бездна небытия. Постоянно балансируя между этими мирами, он хорошо
чувствовал их. Бёрдслей словно жил в своём времени и вне его. Это
способствовало отстранённому наблюдению. Подобно Заратустре, он писал
собственной кровью. «А кто пишет кровью и притчами, тот хочет, чтобы его
не читали, а заучивали наизусть».
Как подлинный гений, Бёрдслей в рисунках вёл жизнь своих героев — отождествлял
себя с ними, проникался их психологией, характерами, нравами. Только так
возможно создать настоящие шедевры.
Альфонс Муха
(1860–1939), чешский
живописец, декоратор,
основатель и мастер
театральной и рекламной
афиши в стиле модерн, в
частности стиля Арт Нуво (Art
Nouveau).
•основные сюжетыженщины с волнообразно
ниспадающими волосами
на декоративно
цветочном фоне-
Арт- нуво
женщина- цветы
Танец
Николай Рерих
(1874 – 1947)
Николай Константинович Рерих -одна из самых ярких фигур русского
символизма и модерна. . Художник, ученый, путешественник,
общественный деятель, писатель, мыслитель. Тема борьбы света и тьмы
проходит через все творчество художника, а также ответственность
человека за свою судьбу и весь мир.
Самое главное, заключается в нас
самих, в силе нашего духа, в нашей
внутренней культуре, основой
которой являются
добросердечие, стремление к
знанию и почитание Красоты.
Николай Рерих
«Заморские гости»
« Семь великих тайн космоса»
«Белый и небесный»
«Воины света»
Культура — его любимое слово, и в его понимании оно звучит
почитанием света. «Не роскошно, но культурно»; «Поймите
сердцем»; «Не языком болтайте, но сердцем скажите»; «Не
предавайте»; «Ссориться даже звери умеют»; «Не забудьте:
вы служите, а не вам служат» — так заповедает Рерих, всегда
берегущий основы общественности.
Спешит мир в переустройстве. От злобы устало сердце
человеческое. И в трудах смятенных вновь вспомнило о
культуре, о знаках Света. И шепнуло друг другу: «Есть оно,
будущее, для чего мы пришли сюда. Ведь не для опоганения,
не для ужаса, но шли сюда для труда совместного, для
познания, для просветления. …
Красотою побеждаем. Красотою молимся. Красотою
объединяемся. И теперь произнесем эти слова не на
снежных вершинах, но в суете города. И чуя путь истины,
мы с улыбкой встречаем грядущее».
-представитель русского
символизма и модерна. Был
членом объединения «Мир
искусства».
Писал портреты, жанровые
сценки, воскрешающие
жеманный мир придворных
балов. Современный взгляд
сочетается с ретроспекциями
былого романтическипричудливо.
Константин
Сомов
(1869 — 1939)
К. Сомов. Портрет Елизаветы Мартыновой (Дама в голубом). 1900
«Осмеянный поцелуй» .1908.
Каток. 1915 г.
Мстисла́в
Валериа́нович
Добужи́нский
1875—1957
— русский художник, мастер
городского пейзажа, участник
творческого объединения «Мир
искусства»
Близок к символистам.
По его словам, в его любимом
городе Петербурге его как
художника интересовали не
столько общепризнанные
красоты, сколько детали
«изнанки» — закоулки, дворы и
тому подобное.
Добужинский
Добужинский
Анна Семёновна
Голубкина
(1864- 1927)- русская
художница,
представительница
скульптуры русского
модерна.
Голубкина «Ветер»
Голубкина «Туман»
Эмиль Галле (1846-1904)Французский художник по стеклу.
Темы и сюжеты- из природы
Эмиль Галле
Луис –Комфорт Тиффани
(1848- 1933)-
американский художник

ЭСТЕТИЗМ И МОДЕРН

…в истории …в литературе

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР (1834-96) Родился в США, некоторое время жил в России, где его отец строил железную дорогу. В 1885 Уистлер поехал учиться живописи в Париж. В 1859 г. парижский Салон не взял на выставку его картину У фортепиано, поэтому он уехал в Лондон, и Академия выбрала как раз эту работу на выставку. После этого он остался жить в Англии, и его часто называют английским художником американского происхождения. Уистлер стал провозвестником совершенно новой философии в английском искусстве. Раньше, как мы видели, художники стремились к правдивому отражению природы или к нравственному воздействию на зрителя, но Уистлера все это не интересовало. Направление, которое он начал в живописи, принято называть «эстетизм», т.к. его целью было «искусство ради искусства» — ему интереснее было исследовать сочетания цветов в картине. Прерафаэлиты (напр., Хольмен Хант и Миллес) хвалили его за использование цвета, а вот Джон Раскин был взбешен. Уистлер написал несколько картин, которые сначала называл «Лунные блики», но потом, по предложению одного коллекционера, стал называть «Ноктюрнами», напр., Ноктюрн в синем и серебряном: Лагуна в Венеции (1879-80), и по поводу одного из них – Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1874) — Раскин сказал, что Уистлер «бросил в лицо публике банку с краской». Уистлер дружил с Оскаром Уайльдом и покровительствовал Уолтеру Сиккерту, и некоторые исследователи считают, что его отвлечение от предмета и морали ради чистого цвета проложило дрогу абстрактному искусству. Знаменательно, что почти все его картины называются в первую очередь не по тому, что на них изображено (даже если это портрет), а по цвету, причем часто используется музыкальный термин: помимо уже виденных нами «Ноктюрнов», это такие картины, как Гармония в зеленом и сером: Мисс Сисели Александер (1873), Гармония в сером и зеленом: Океан (1866-72), Симфония в белом №1 (1862) и Симфония в белом №2 (1864), Композиция в черном и коричневом: Портрет мисс Розы Кордер; и даже самая известная картина, которую обычно называют «Мать Уистлера» (1871), на самом деле носит название Композиция в сером и черном. ОБРИ ВИНСЕНТ БЕРДСЛИ (1872-1898) В тот период, о котором мы говорим, возникает новое, всеобъемлющее направление в искусстве, которое называют ар-нуво (от фр. art nouveaux, «новое искусство»). Это направление скоро захватило всю Европу и Америку и, сохраняя общие черты, превратилось в немецкий «югендстиль», австрийский «сецессион» и русский модерн. Подробнее о стиле модерн в прикладном искусстве, архитектуре и т.п. мы поговорим чуть ниже, а сейчас давайте завершим разговор об изобразительном искусстве конца XIX века. В искусстве собственно изобразительном стилистика модерна яснее всего проявляется в графике. Культ «чистой линии» — то, что отличает графику ар-нуво. В этом смысле модерн противопоставляет себя реализму — ведь природе нет контуров – и демонстрирует связь с символизмом, т.к. котур выступает как своего рода символ предмета. Вообще, появление в графике того времени характерного плоскостного орнамента — это явление японских гравюр, которые становятся невероятно популярными после открытия американцами Японии для внешнего мира в 1850-е гг. (чуть подробнее об этом см. ниже). Символизм и плоскостность достигают своего апогея в созданиях Обри Бердсли (по-русски также часто транслитерируется как Бердслей). Этот гениальный художник прожил всего 25 лет, а все свои значимые произведения создал на протяжении пяти последних лет своей жизни, он оказал огромное влияние на современное ему искусство, и не только в Британии (например, очевидно его влияние на Сомова и Бакста). Бердсли был эстетом, он был знаком с Оскаром Уайльдом и Уистлером, он был денди и светским человеком, любил казаться беззаботным гением, был меломаном и библиофилом, бравировал своим «ничегонеделанием». Говорят, что для поддержания своей репутации он всегда прятал рисунок, над которым работал, если кто-то входил к нему, и мог выкрасть у друзей подаренный им ранее набросок и заменить на более поздний и совершенный. На самом же деле, те, кому приходилось видеть, как он выполняет свои рисунки, сообщают, что работал он очень кропотливо: сначала карандашом рисовал на листе контуры, потом дорабатывал их, стирая старые линии, а потом рисовал тушью, иногда игнорируя линии наброска, которые потом тщательно стирались. Вся работа делалась на одном и том же листе, без отдельных этюдов и набросков. Бердсли очень интересовала литература, он любил читать — при его слабом здоровье книги порой были единственным его развлечением. Вероятно, поэтому Бердсли прославился в первую очередь как иллюстратор. Его уникальная манера, сочетавшая в рисунке белые пятна, где прорисованы тончайшие детали, и черные, где деталей нет вообще, впервые явилась миру в иллюстрациях к «Смерти Артура» Томаса Мэлори (1893-94). Он сделал как собственно иллюстрации к тексту, так и многочисленные заставки, виньетки и рамки, в которые помещался текст первой страницы той или иной главы. Как иллюстратор, Бердсли был полной противоположностью дотошным прерафаэлитам: он совсем не стремился даже к приблизительной исторической точности. Мы имеем дело с его собственным видением персонажей артуровского цикла, хотя в этой серии иллюстраций все-таки присутствует некая средневековая стилизация, а отрешенные лица рыцарей и дам напоминают персонажей Берн-Джонсa. Более зрелую его манеру мы можем видеть во второй известнейшей серии его иллюстраций к «Саломее» Уайльда (1894). Персонажи этих рисунков являют собой то, что лучше всего удавалось Бердсли, — зло, извращенность, чувственность. Апогей драмы — рисунок, где Саломея целует отрубленную голову Иоанна Крестителя — завораживает своими хищными линиями. Бердсли любил исследовать ужасное в своем творчестве, в 1894-95 гг. он также создал серию иллюстраций к зловещим повестям Эдгара Аллана По. Есть у него и менее мрачные сюжеты, которые можно видеть, например, в его иллюстрациях к альманаху «Желтая книга» и книге «Острословия» (1894), виньетки в которой — своего рода кунсткамера, где живут маленькие, непосредственные, притягивающие взгляд чудовища. (Бердсли любил и о себе самом отзываться как о чудовище). Бердсли привлекал XVIII век, распущенный и блестящий, что можно видеть в полных тонкого эротизма иллюстрациях к «Похищению локона» Поупа и «Вольпоне» Джонсона (1896 и 1897 соответственно). Бердсли сделал также ряд крайне откровенных иллюстраций к комедии Аристофана «Лисистрата» (1896), описывающей войну женщин и мужчин. В том же году для либретто вагнеровского «Золота Рейна» он выполнил рисунки на мотивы нибелунговского цикла, в которых мало что осталось от помпезности и несгибаемой серьезности тевтонского гения. Локи, коварный бог огня, у Бердсли хоть и не очень похож на древнего скандинава, но совершенно убедительно демонстрирует, хитрой улыбкой и извивающимся телом, свой лукавый характер. Бердсли оставил также и небольшое наследие как писатель. Его повесть «История Венеры и Тангейзера», которую он начал в 1896 г. (в которой, как написано в предварительном слове, «подробно описывается строй при дворе госпожи Венеры, богини и блудницы, подо знаменитым холмом Горсельбергом, и в которой повествуется о приключениях Тангейзера в тех местах, о его раскаянии, путешествии в Рим и возвращении к любовной горе») не была закончена, но художник успел выполнить иллюстрации к ней — в сущности, текст при взгляде на них может даже показаться лишним. Атмосфера, царящая во дворце Венеры, понятна и без него. В конце жизни Бердсли, уже неизлечимо больной чахоткой, принял католичество. Он уверовал очень искренне и сильно, и его самое последнее письмо адресовано его издателю: Бердсли умоляет его уничтожить «Лисистрату» и все неприличные рисунки. Издатель, однако, не выполнил его просьбы и сохранил для нас самое блестящее наследие английского декаданса в его полноте. ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА Общие черты европейского модерна (как, впрочем, и американского, и русского) отчетливее всего прослеживаются в декоративных изделиях, виньетках, витражах. Мастерам того времени свойственно было стремление романтизировать действительность, преобразить ее эстетически, причем для этого они хотели использовать все виды искусства и интеллектуальной деятельности. Именно поэтому модерн и стал таким всеохватным стилем, появляясь не только в чистом искусстве, но и в быту (массовое строительство, книгопечатание, даже модный покрой одежды). Основа стиля, то, по чему модерн легче всего отличить – это изгибающиеся, близкие к природным формы и волнистые линии, т.н. «удар бича». В отличие от ар-деко, стиля, который пришел позже, уже в 1920-е гг., и был основан на строгой, минималистской геометрии, для ар-нуво свойственна текучесть, несимметричность формы. Стиль был общеевропейским, а потому не будет ошибкой привести в качестве примера типично «модерного» здания особняк Рябушинского в Москве (он же музей Горького), работы гениального архитектора Шехтеля, с его знаменитой оплывающей лестницей и кованой решеткой ограды. К сожалению, модерн — дитя декаданса — как, вероятно, никакой другой стиль был подвержен тому, чтобы переходить тонкую грань и становиться пошлым, вычурным и напыщенным. В изобразительном искусстве это особенно хорошо видно на примере работ художника Альфонса Мухи, где присутствуют все формальные признаки модерна и несомненное мастерство, но со всей очевидностью отсутствует его тонкое изящество (собственно, Муха к нему и не стремился: его задачей было делать высококлассные афиши и рекламу, которые нравились бы заказчикам — то есть, фабрикантам и торговцам, — и это ему удалось). Можно сказать, что Муха довел модерн до его логического завершения, сделав его сентиментальным и соответствующим вкусу буржуазии, т.е., обывателя, а не поэта. Что касается собственно прикладного искусства, то нужно учитывать, что, хотя ар-нуво и был общеевропейским стилем, он не был единственным стилем, существовавшим в то время. В 1890-е в оформлении интерьера и пр. сосуществовали несовместимые полюса. С одной стороны в нем мог присутствовать и уже виденный нами расслабленный эскейпизм салонных художников; с другой – «искусство ради искусства» Уистлера и странные создания Бердсли ; с третьей же, вещи, созданные по достаточно сдержанному дизайну, напр., Кристофера Дрессера (2) (1834-1904), Макинтоша и Арчибальда Нокса (3) (1864-1933). В результате, типичный интерьер того времени включал вещи самых разных стилей, вдохновленных самыми разными источниками. Например, в 1853 г. американцам удалось наконец проникнуть в Японию, таким обpазом сломав «бамбуковый занавес» и менее чем за десятилетие Европу и Америку наводнили японские гравюры, чай, бамбуковая мебель, лаковые изделия, керамика, веера. «Японизм» отразился даже в музыке – недаром именно на рубеже веков появляются опера «Мадам Баттерфляй» Пуччини (1904) и оперетта «Микадо» (1885) Гилберта и Салливана. Артур Лэзенби Либерти основал свою фирму в 1890е. На фирме «Либерти и Ко.» сначала делали вещи в эклектичном стиле, свойственном позднему викторианскому периоду, но потом развили свой собственный стиль. Во многом протестовали против «японизма», а также против форм ар-нуво, который часто становился вычурно-чувственным, и против философии эстетизма, которую проповедовали Уистлер и Оскар Уайльд, т.к. она в основном опиралась на личность, свободное, ничем не сдерживаемое творчество, а Либерти, вслед за Раскином и Моррисом, делал упор на честный труд «ремесленника». Либерти, как и Моррис, стремился к тому, чтобы даже в массовом производстве создавать прекрасный дизайн. Постепенно прокладывали путь новому искусству — уже в 1920-е гг. появляется ар-деко, очень схожее по формам. АРХИТЕКТУРА АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА: ЧАРЛЬЗ РЕННИ МАКИНТОШ (1868 — 1928) Очень влиятельная фигура как в архитектуре, так и в прикладном искусстве. Родился и работал он в Глазго, и его творчество создало то, что принято называть «школой Глазго» в архитектуре. Он ходил на вечерние занятия в Школе искусств в Глазго, и там познакомился со своей будущей женой Маргарет Макдональд и еще двумя молодыми художниками – сестрой Маргарет Фрэнсес и Гербертом Макнером. Они стали работать вместе – эту группу называли просто «Четверо», они выставляли свои работы в Глазго, Лондоне и Вене. В Вене их стиль сильно повлиял на местное ответвление модерна – «сецессион». Легко узнаваемый стиль Макинтоша сочетает плавные изгибы ар-нуво с прогрессивными геометрическими формами, которые похожи скорее на ар-деко. Работал в основном в Глазго: например, именно ему принадлежит проект здания редакции «Глазго Геральд» и

Урок «Модернизм в изобразительном искусстве»

Предмет: «МХК» 11 класс

Тема: «Модернизм в изобразительном искусстве» 19.04

Оборудование урока:

Тип урока: Урок изучения нового материала

Метод урока: сочетание лекционного метода и метода беседы

Цели урока:

1. Продолжить изучение основных направлений в искусстве,

охарактеризовать отличительные особенности модернизма, дать

представление о различных течениях модернизма;

2. Способствовать развитию восприятия художественных образов,

развитию интереса к вопросам мировой художественной культуры;

3. Способствовать формированию логического мышления, умения

анализировать собственные впечатления, делать выводы и обобщения;

4. Активизировать работу учащихся, создать атмосферу творческого поиска

и сотрудничества.

План урока

I.Вводная часть-7минут

II.Переход к новой теме-6 минут

III.Объяснение нового материала-50 минут

IV. Закрепление пройденного материала-22 минуты

V. Поведение итогов урока-5 минут

Ход урока.

I. Вводная часть

Сегодня мы вновь обращаемся к разделу « Мировая художественная культура».

Тема нашего урока : « Модернизм в изобразительном искусстве».

Термины «модернизм» и « декадентство» появились в к.19- н.20 вв. и

первоначально употреблялись как равнозначные. В настоящее время декадентство

обычно рассматривается как первая стадия модернизма.

Урок будет посвящен проявлению модернизма в живописи. Но эти проявления

характерны и для других видов искусства, а так же для литературы.

Наш урок будет проходить в форме беседы на основе использования презентации и

видеоматериалов. Прошу вас быть внимательными и активно участвовать в работе,

не бойтесь ошибиться, ведь не ошибается только тот, кто ничего не делает!

Перед вами я ставлю следующие задачи:

1) определить особенности основных направлений модернизма ;

2) определить общие характерные черты модернизма и принципиальные

различия модернизма и реализма.

II. Переход к изучению нового материала.

Для реализации поставленных задач прежде всего необходимо вспомнить

наиболее характерные черты реализма поскольку модернизм по своей сути является

противоположностью реализму. Прошу вас назвать особенности реализма.

III. Изучение нового материала

Первое направление -импрессионизм ( от франц. слова impression- впечатление,

именно так называлась картина К. Моне).

« Художники- импрессионисты стремились к передачи беглых зрительных

впечатлений от действительности. В их картинах как бы присутствуют и дуновение

ветра, и свежесть росы, и влажность воздуха. Написанные ликующими красками

картины природы, наполнены ярким солнцем и трепетом воздушной среды. Техника

импрессионистов отличается легкими, подвижными, крупными мазками. Друг К.

Моне Гюстав Жеффуа писал: « Клод Моне -один из пейзажистов Франции,

которому удалось в высшей степени остроумно проанализировать атмосферные

явления и свойства света…Нюансы освещения, прозрачность или непроницаемость

воздушных слоев, плотность воздуха вокруг предмета выражены с бесконечным

тактом»

Наименование течения Наиболее известные

Представители. Наиболее характерные черты.Импрессионизм Э. Мане, К. Моне, Э.

Дега, К. Писсарро,О. Ренуар.« Я рисую не то, что есть, а то,

что вижу». Стремление передать мимолетные впечатления,световоздушную среду,

атмосферные явления;использование техники легкого.воздушного мазка.

Фовизм. « Идеологом и основателем этого направления модернизма является французский художник Анри Матисс. Название «фовизм» происходит от франц. слова « fauve- дикий». Анри Матисс писал: «Художник не должен утруждать себя передачей мелких деталей- для этого есть фотография, которая делает это быстрее и лучше, задача искусства пластики с возможно большей непосредственностью и простейшими способами передать то, что относится к сфере чувств.» А. Матисс утверждал, что искусство должно доставлять людям наслаждение, облегчать тяжелую, безрадостную жизнь;

подобно импрессионистам он считал, что сила воздействия живописи на сознание людей в красках, в соотношении тонов, которые сливаясь должны создать «живой аккорд цветов-гармонию подобную музыкальной гармонии». А. Матисс сознательно изменял окружающий мир, подчеркивая этим главное в своей живописи: тонкое сочетание красок, ритмический рисунок, переходящий в своеобразный орнамент, все то, что по его мнению, способствует спокойному и радостному настроению. Приближаясь к прикладному искусству , живопись фовистов оказала сильное влияние на его развитие, особенно на искусство современного интерьера, дизайн и промышленную эстетику. Кредо Матисса : « Я просто кладу краску, которая выражает мои чувства». Наименование течения Представители Наиболее характерные черты. Фовизм Анри Матисс. Упрощение форм, стремление создать радостное , праздничное настроение с помощью сочетания ярких красок и простых композиций.

Экспрессионизм.

«Термин происходит от лат. слова « expression- выражение» . Возникновение экспрессионизма относится к 1905 году, он был распространен главным образом в Германии . На большинство художников этого направления огромное влияние оказали Первая мировая война, предшествующая ей атмосфера тревоги и неуверенности в завтрашнем дне, послевоенная разруха. Австрийский художник О. Кокошка писал: « Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом. Никогда мир так не был мертвенно нем. Никогда радость не была так далека и свобода так мертва. Нужда вопит, человек зовет свою душу, время становится воплем нужды. Искусство присоединяет свой вопль в темноту, оно вопит о помощи, оно зовет дух, это экспрессионизм». Погибший под городом Верденом Франц Марк так характеризовал свое восприятие мира: «Я уже очень рано воспринял человека как нечто безобразное. Животное казалось мне чище, прекраснее, но и в нем я находил много безобразного, противного чувству, так что мои изображения инстинктивного по внутреннему побуждению стали становиться схематичнее, абстрактнее».

Взгляните на картины О. Дикса. Анри Барбюс писал о творчестве этого художника: « Тот , кто извлек из своего мозга и сердца эти листки, которые он нам сейчас показывает, опустился до дна в глубочайшую пропасть войны. Подлинно большой немецкий художник О. Дикс создает в ярких вспышках молнии апокалипсический ад войны. Да не посмеют говорить, будто он преувеличивает, если бы люди знали, они никогда бы не начали сначала»! О. Дикс видел войну в условиях ближнего боя. С 1914 года он солдат на фронте 1-ой мировой войны, пулеметчик и командир ударного взвода. О таких как О. Дикс , Ф. Марк и других солдатах этой войны Ремарк писал: « Мы вернемся в разладе с собой, опустившимися, вырванными из почвы и растерявшими надежды, мы уже не сумеем прижиться»

Наименование течения Представители. Характерные черты. Экспрессионизм Э. Мунк, О. Дикс, Ф. Марк, К. Кольвиц, Э Барлах. Грубость, тяжеловесность форм, намеренное, уродливое искажение натуры с целью выражения определенного чувства.

Сюрреализм.

« Название происходит от франц. « surrealism-сверхреальное, сверхъестественное». Впервые термин употреблен был в 1917 году. С 1924 г. сюрреализм начинает распространяться в литературе, затем проникает в области живописи, скульптуры, театра и кино. Сторонники этого направления находились под сильным влиянием работ австрийского врача- психиатра З. Фрейда. Фрейд утверждал, что действия человека обусловлены бессознательным и сознательным началами психики. Огромное влияние на поведение человека оказывают инстинкты, которые подавляются сознанием. Но там , где падают замки и оковы разума, человек проявляет свою собственную сущность. По мнению З.Фрейда сновидения и искусство те области, где подсознательное проявляется наиболее ярко. Идеолог сюрреализма А. Бретон утверждал: « Рассудок спящего человека полностью удовлетворяется тем, чего он хочет достигнуть. Волнующие вопросы- возможно ли это он не ставит больше перед собой. Убивай, кради, люби сколько тебе нравится. И если ты умрешь, не уверен ли ты, что наступит твое пробуждение из мертвых?» Наиболее известный представитель сюрреализма С. Дали писал: «Как Вы хотите понять мои картины, когда я сам, который их создаю, их также не понимаю. Факт, что я в тот момент, когда пишу картины не понимаю их смысла, не означает, что картины не имеют никакого смысла, напротив, их смысл настолько глубок, сложен, связан, непроизволен, что ускользает от простого логического анализа».

Наименование течения Представители Наиболее характерные черты. Сюрреализм. Сальвадор Дали «Сочетание несочетаемого». Объемное, реалистичное изображение отдельных деталей при их фантастическом сочетании.

Кубизм. «Как течение в живописи возникает в 1907-1908гг. Идеолог кубизма Голдинг писал: « Впервые в истории искусства пространство было представлено столь же реальным и осязаемым , можно сказать почти написанным, как и сам предмет». Кубисты хотели убедить мир, что они не изображают предмет, а ставят его перед зрителем.

« Уважайте предмет!»- призывал наиболее известный представитель кубизма П. Пикассо. Кубисты еще оставляют небольшую грань между сознанием художника и немыслящим миром вещей». Наименование течения Представители Наиболее характерные черты. Кубизм Ф. Леже, П. Пикассо, Андре Дерен

Стремление не изобразить предмет, а «поставить» его перед зрителем. Использование сочетания различных геометрических фигур и плоскостей, с целью показать предмет одновременно со всех сторон.

Абстракционизм

«Основной принцип абстракционизма полное отрицание изобразительности. Теоретик абстракционизма Мишель Сейфор писал, что произведение является абстрактным с того момента, когда в нем не остается ничего, в чем можно было узнать этот исходный пункт, когда произведение не передает нам ничего кроме чистых элементов композиции и цвета». Цель абстракционизма- выражение субъективного внутреннего состояния человека.» Наименование течения Представители Наиболее характерные черты. Абстракционизм. М. Сейфор, К. Малевич. Отрицание изобразительности в принципе, художник не изображает предметы и явления, а передает свое собственное внутреннее состояние Мы рассмотрели с вами основные течения модернизма и выявили их главные особенности. А сейчас давайте попытаемся определить, что общего между всеми направлениями модернизма и в чем состоит их главное отличие от реализма. ( в итоге обсуждения проблемы учащиеся формулируют вывод, который записывается в тетрадь).

Вывод: Для модернизма характерны стремления уйти от реальной жизни,

ограничить себя только рамками творческой деятельности ( теория « чистого искусства»). Убежденность в том, что искусство существует для творческих личностей, но не для широких масс. Главное для художника –это не содержание его произведения, а поиск новых способов и средств его создания. Французский писатель Э. Золя писал о сторонниках модернизма: « Они обливали презрением все, что не имело отношения к искусству: презирали деньги, презирали общество и, в особенности, презирали политику. Они были ослеплены сумасшедшей мечтой быть в жизни только художниками». Отношение к модернизму во всех его проявлениях неравнозначно и сегодня. На рубеже 19-20 веков его появление вызвало бурные споры и неприятие со стороны общества. Л. Н. Толстой писал: «….Причина по которой декадентство есть несомненный упадок цивилизации заключается в том, что цель искусства есть объединение людей в одном и том же чувстве. Это условие отсутствует в декадентстве. Их поэзия, их искусство нравиться их маленькому кружку точно таких же ненормальных людей, каковы они сами. Истинное же искусство захватывает самые широкие области, захватывает сущность души человека».

Тем не менее, творения многих представителей модернизма ныне признаются мировыми шедеврами, которые вошли в сокровищницу мировой художественной культуры.

IV. Закрепление пройденного материала

Мы закончили изучение новой темы и переходим к ее закреплению. Внимание! Сейчас я буду демонстрировать на экране репродукции картин, а вы должны определить какому направлению модернизма они соответствуют.

(Демонстрируется подборка слайдов )

V. Подведение итогов урока. Выставление оценок.

22 Символизм. Стиль Модерн — СтудИзба

ЛЕКЦИЯ

Символизм. Стиль Модерн.

Сюзанна А. Стерлоу. Арт Нуво. Дух прекрасной эпохи. «Белфаксиздатгрупп», 1997.

Натаниэл Харрис Г. Климпт. М.: Изд. «Спика», 1995.

Символизм. (Франция и Бельгия 1870-1900 гг.).

Стилю модерн предшествовал символизм, некоторое время эти явления развивались параллельно. Иногда трудно определить, к какому направлению принадлежат работы мастеров того времени. Творчество Климта, Ходлера, позднего Редона, некоторые работы Дени можно отнести и к искусству модерна, и к символизму. Если обозначать разницу между символизмом и модерном, то можно сказать, что это переход от станковой живописи, выражающей мироощущение художника, к воплощению определенного стиля.

Символизм проявился главным образом в станковой живописи, он не обладал стилевой определенностью и по времени предшествовал модерну. Модерн как стиль сложился в архитектуре и прикладных искусствах и лишь отчасти повлиял на живопись, прежде всего декоративную.

Рекомендуемые файлы

Символизм в поэзии – это интеллектуальная фаза размышления над излиянием бесконечной чувствительности (декадансом).

Франция – родина символизма. Но в это время складывается единое литературно-художественное целое стран Франции и Бельгии. Теоретическим основоположником символизма был Шарль Бодлер, изложивший свой взгляд в труде «Эстетические достопримечательности. Он говорит, что мир – продукт Божественного воображения и метафизическое мышление поэта, художника постигает его целостность, переводит иерографическую тайнопись природы на внятный человеку язык. Предметные формы – лишь словарь, текст на его основе надлежит построить. Воображение – «королева способностей».

История символизма во французской живописи открывается творчеством Пьера Пюви де Шаванна и Гюстава Моро.

Пьер Пюви де Шаванн (1824-1898) родился в зажиточной бургунской семье, собирался посвятить себя наукам. После путешествия по Италии (1847 и 1848 гг.) решает стать художником. Исследователи отмечают близость образов Пюви греческой вазописи, помпейским росписям, фрескам Джотто и Мантеньи. Символизм Пюви выражен не в аллегории, а в организации форм, создающих новый мир («Священная роща», «Видение античности», «Христианское вдохновение», «Белая скала», «Лето, «Девушки и Смерть», «Девушки у моря», «Сострадание», «Пасторальная поэзия).

Гюстав Моро (1826-1898) по-своему перерабатывает мифологическую тематику. Мир Моро – зачарованный мир фантасмагорических пейзажей, призрачной архитектуры и дремотных состояний («Эдип и сфинкс», «Орфей», «Галатея», «Гесиод и муза», «Явление», «Юпитер и Семела», «Мертвый поэт и кентавр», «Фаэтон», «Осень», «Женщина и стрекоза»). Он определяет для себя принципы живописи «прекрасной инерции» и «необходимого великолепия».

Эжен Карьер (1849-1906) интересен символикой цвета и «трансформатизмом» в живописи. Согласно его взгляду, свет несет заряд метафоричности, он берется в двойном значении – материальной стихии и духовной энергии. Насыщенность материальной формы светом ассоциируется с сиянием внутренней жизни, духовной просветленностью. Свет наполняет форму изнутри. Художник часто пишет женские и детские портреты («Женщина с пантерой», «Фея с грифонами», «Елена под стенами Трои», «Туалет»).

Одилон Редон (1840-1916) занимается графикой, литографией, в 1890-х гг. обращается к живописи. Он создает фантастические образы, использует метафору («Смеющаяся», «Поцелуй матери», «Улыбающийся паук», «Возможно, первая попытка зрения осуществиться в цветке», «Глаз с цветком мака», «Профиль света», «Стена открывается и появляется череп», «Игрок», «Ворон», «Христос святого сердца», «Будда», «Закрытые глаза»). Последние работы мастера – образы цветов, бабочек как изменчивых, трепещущих сгустков света.

В 1889 г. сложилась группа Наби (от древнееврейского слова «пророк»).

Морис Дени (1870-1943) стремился соединить непосредственно воспринимаемую реальность и предварительно заданную гармонию. Работы соотносятся с религиозным символизмом. В картинах условное сокращение цветовых диапазонов, орнаментальная трактовка сюжета («Женщина среди цветов», «Мечта», «Профиль женщины в окне», «Лестница в листве», «Музы»).

Эдуар Вюйар (1868-1940) превращает повседневный мир в красоту («Дама в синем», «Сидящая девушка», «Узорчатое платье»).

Бельгиец Джеймс Энсор (1840-1949) с 1883 г. работает в двух противоположенных манерах: живописной, текучей (преимущественно пейзажи) и линейно-плоскостной (сатирические произведения, темы маскарада). В первой технике написаны картины «Христос, шагающий по водам», «Христос, усмиряющий бурю», «Поражение восставших ангелов». Во второй художественной манере написаны полотна «Скандализованные маски», «Интрига», «Добрые судьи», «Жандармы», «Страждущий человек», «Битва золотых шпор».

Стиль Модерн (Югейдштиль, Сецессион, Ар-нуво, Либерти).

Стиль модерн развивался в период с 1890 по 1900 гг. В разных странах он получил различные названия:

· Стиль модерн – в России;

· Ар-Нуво – в Бельгии и Франции;

· Сецессион – в Австро-Венгрии;

· Югендштиль – в Германии;

· Стиль Либерти — в Италии;

· Модерн стаил – в Великобритании;

· Стиль Тиффани – в США.

Стиль модерн поставил задачу создания нового, большого стиля. Наиболее ярко он проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Художник мыслился здесь демиургом, творцом, который словно с мягкой глиной обращается с камнем, деревом, металлом, соединяя духовное и вещественное начало. Отсюда проистекает столь частое соединение символической идеи и декоративного мотива. В зодчестве распространяются пластические, текучие, словно бы самообразующиеся формы. В декоративном творчестве используется стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий предмет растительный орнамент. В изобразительном искусстве плоские пятна цвета сочетаются с гибкой линией. Они не выделяют объемы, а сливают их с плоскостью, образуя особый мир, где пространство не обладает глубиной, фигуры и предметы – массой, а декоративно-узорчатое начало определяет построение композиции.

Теоретическим основанием модерна были труды Рёскина («Семь светочей архитектуры»., 1849 г.). Первой творческой лабораторией – деятельность Уильяма Морриса и прерафаэлистов в Англии. «Братство прерафаэлистов» – общество английских художников и поэтов, созданное в 1848 г. в противовес низкому уровню английского искусства.

Джон Рёскин (1819-1900) – английский мыслитель, эстетик, художественный критик, публицист. Прекрасное, красота («печать Бога на Его творениях») есть, по мнению Рёскина, объективное свойство, присущее природе, включая человека. В этом смысле действительность выше искусства. Ее красоту (единство Духа и Материи, Истины и добра, гармонию и совершенство форм) индивид распознает с помощью эстетического чувства. Это духовное созерцание. Цель искусства – усиление религиозного чувства людей. Выбор возвышенного сюжета, акцент на наиболее светлых сторонах изображаемого, уважение к национальным традициям, стремление к правдивости и духовности, символизация – все это создает подлинно духовные ценности.

Уильям Моррис (1834-1898) – английский ремесленник, художник, поэти социалист, получивший образование в Оксфорде, где он на всю жизнь подружился с художником сэром Эдуардом Бёрн-Джонсом. Они вместе открыл миру художественные и философские трактаты искусствоведа Джона Рёскина. Моррис очень рано и навсегда полюбил архитектуру и искусство средних веков, так как имел склонность к ремеслу и был счастлив, делая что-то своими руками. Он начал карьеру учеником архитектора, но в свободное время писал, лепил из глины, резал по дереву и камню, иллюстрировал рукописи и вышивал. В 1861 г. Моррис возглавил группу декораторов «Моррис и компания», которые пытались вернуться к великолепию средних веков и выпускали обои, ткани , витражи, шпалеры и мебель ручной работы. В 1890 г. он основал свое последнее предприятие, знаменитую типографию «Кельмскотт Пресс», в которой занимался дизайном шрифтов, переплетов и виньеток.

Стиль модерн тяготеет к синтетическим решениям. Художник – это мечтатель и практик одновременно, способный создавать великие творения и преображать в явления искусства самые обычные предметы.

Бельгиец Хенри ван де Вельде выступает как теоретик, архитектор, мастер и организатор декоративно-прикладной художественной деятельности, живописец, график. Русский Михаил Врубель пишет картины, иллюстрирует книги, создает скульптуру, майоликовые панно, работает для театра. Немец П. Беренс работает как архитектор, живописец, дизайнер, график. Поляк С. Высняньский был поэтом, драматургом, живописцем, графиком, мастером архитектурного оформления интерьера.

Стиль модерн существовал в плакате. Его традиции здесь проявлялись до 1920-1930-х гг. Главные жанры: театрально-рекламный анонс, афиша выставки, рекламный плакат, включающие в себя вольный или портретный рисунок, иногда представляющие собой декоративно-узорную композицию. Так работали во Франции Ж. Шере, П. Боннар, Ф. Буиссе, Л. Напьелло, Т. А. Стейнлен, А. Тулуз-Лотрек, чех по национальности А. Муха; в Германии – Л. Бернхарт, Б. Пауль, О. Фишер, Ф. Штук; в Бельгии – Х. Ван де Вельде; в Голландии – Я. Торн-Приккер; в Англии – Д. Харди и Дж. Хассел; в США – У. Бредли, М. Пэррис и другие.

Чешский художник и график Альфонс Муха (1860-1939) учился в Германии, Австрии и Париже. Он прославился афишами несравненной актрисы Сары Бернар. Впоследствии он активно занимался книжным дизайном и иллюстрациями, а также расписывал стены театров и общественных зданий. Женщины в работах Мухи кажутся чисто декоративными созданиями, их идеализированные, иногда с обнаженной грудью формы представляют собой исключительно привлекательный рекламный образ, лишенный какой-либо индивидуальности.

Мастера стиля модерн создают новый тип книги, все оформление которой (переплет, шрифт, формат, иллюстрации) образуют единое художественное целое (Орби Бёрдсли в Англии, Э. Гроссе во Франции, А. Н. Бенуа в России).

В США у модерна не было возможности развиться в отдельную национальную школу. Влияние стиля ограничивалось творчеством отдельных талантливых мастеров, в частности Луиса Комфорта Тиффани и Луиса Салливена.

Луис Комфорт Тиффани (1848-1933) был прежде всего художником по стеклу, и его работы именно с этим художественным материалом принесли ему славу и стали предметом для подражания в США и по всей Европе. Отец Тиффани, Чарльз Луис Тиффани, был ювелиром и состоятельным владельцем знаменитых ювелирных магазинов в Нью-Йорке, Лондоне и Париже. Таким образом Луис Комфорт Тиффани рос в атмосфере творчества, имея достаточно средств, чтобы путешествовать по Европе и Ближнему Востоку, коллекционировать понравившиеся ему предметы искусства, включая античное стекло и японские декоративные изделия. Несколько из наиболее известных витражей Тиффани в Америке представляют собой пейзажи или иллюстрации религиозных сюжетов. За период между 1893 и 1900 гг. Тиффани создал самые оригинальные работы. Его стеклянные вазы и другие декоративные предметы отличаются радужностью расцветки и необычной техникой исполнения, которую он запатентовал как «фаврильное стекло». Тиффани использовал характерные для модерна темы цветов, растений, насекомых.

Машинное производство вызывает к жизни новый тип творчества – дизайн, художественное конструирование массовых изделий, наделенных стандартным уровнем качества. Это способствует развитию рациональной эстетики, в корне отрицающей хрупкую декоративно-орнаментальную стилистику модерна. Такой перелом обозначился в 1907 г., когда возникла организация Немецкий Веркбунд, объединяющая на новой основе промышленников, архитекторов, художников.

Живопись и скульптура в меньшей степени, чем другие виды были затронуты стилем модерн. Союз модерна с символизмом в конце XIXв. распался. Густав Климпт, австриец, сочетает в росписях и картинах многоцветный орнамент со стилизованными, но увиденными в их натуральной привлекательности или неприглядности фигуры людей («Три возраста»). В скульптуре стиль модерн оказался причастен к зарождению ансамблей, содержащих обобщающие идеи и представляющие собой сложные пространственные композиции, вовлекающие человека в особый художественный мир (Норвегия, Г. Вигеланн, ансамбль Фрогнер-парка в Осло, который посвящен жизни человека).

Модерн отличает поэтика символизма, дисциплина композиции, эстетика в трактовке деталей, декоративный ритм гибких, текучих линий, увлеченность национально-романтическими мотивами, индивидуальная изобретательность мастера.

В архитектуре модерн проявился в деятельности Хенри ван де Вельде (Фолькванг-музей в Хагане), Ч. Р. Макентоша (школа искусств в Глазго), Гимара (оформление метрополитена в Париже), А. Гауди (Дом Каса Мила в Барселоне и другие постройки), Ф. О. Шехтель (Ярославский вокзал, особняк Рябушинского в Москве), В. Орта (оттели «Пассель» и «Сольвей» в Брюсселе).

Бесплатная лекция: «Трикуспидальный клапан и клапан легочной артерии» также доступна.

При формировании планов и композиции здания архитекторы смело шли на применение асимметричных решений в группировке объемов, расположении окон и дверей. Отдельным частям домов и декоративным элементам придавались обтекаемые формы. Применялись растительные мотивы и мотивы, заимствованные из искусства Дальнего Востока, прежде всего Японии. Стиль модерн развивался главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных зданий, загородных вилл и дач. Организм здания формируется сообразно надобностям заказчика и вкусам архитектора. Он растет изнутри, «приживляя» одно к другому помещения разных размеров и очертаний, размещая их на разных уровнях, наращивая свою пластическую оболочку. Соответственно снаружи здание выглядело как увлекательная асимметричная пространственная композиция, сливающая воедино разным по формам и масштабам объемы.

Архитектор Виктор Орта (1861-1947) заслужил славу родоначальника стиля Арт Нуво в Бельгии. Извилистые, волнообразные линии кованных лестничных перил и колонн знаменитого особняка Тасселя (1892-ё893) повторяются в каждой детали интерьера здания, от линейного мозаичного узора на полу, декораций стен и стеклянных плафонов крыши, до изогнутых форм дверных ручек, замочных скважин и мебели.

В Шотландии движение модерна концентрировалось вокруг Чарльза Ренни Макинтоша, его жены Маргарет Макдональд и ее сестры Фрэнсис. Вместе с мужем Фрэнсис архитектором Дж. Гербертом Макнейром они стали известны как «Четверка из Глазго» или «Школа Глазго».

Формы и декор окон, дверей, лестниц становится разнообразным чуть ли не до бесконечности. Огромное значение в нем придается выразительности текучих ритмов, цвету и фактуре, узорной поливной керамической блицовке, деталям ихз кованного чугуна, витражу и т. д. Стиль особняков и вилл переживает постепенную эволюцию от пластической выразительности (дом Рябушинского в Москве, Ф. О. Шехтель) к более строгому геометризму форм, что отчетливо проявилось в асимметричном, с мансардными окнами, алогичным образом возвышающимися над фасадом, дворце Стокле, построенном в 1905-1911 гг в Брюсселе австрийским архитектором Й. Хофманом и украшенным многоцветными мозаиками Г. Климта.

Немногим из зодчих довелось, как А. Гауди в Барселоне, создать многоквартирный жилой дом целиком по единому стилю. Каса Батло (1905-1907) он превратил в фантастической обиталище дракона. Его огромное чешуйчатое тело образует кровлю, зубастые пасти-балконы выступают из отделанного рельефной мозаикой фасада. Колоннам придана форма гигантских костей. Фасаду Каса Мила (1905-1910) сообщены волнообразные текучие формы, желто-зеленый вестибюль выглядит таинственным подводным царством.

Характерные для многих мастеров модерна рационализм, внимание к функциональной организации пространства, применение новых материалов (металл, стекло, керамика) несли в себе зародыш функционализма и конструктивизма. Жилой дом на улице Франклина в Париже (1903) архитектора О. Перре –пример перехода от модерна к функционализму. От модерна осталась дробность фасада, облицовка поливной плиткой. Черты функционализма – рациональное конструктивное начало, геометрические формы каркаса из железобетона.

Модернизм! Современный модернизм! Модернизм современного мира!

 

Модернизм!

Модернизм в переводе с итальянского «modernismo» означает «современное течение».

Модернизм — это направление в искусстве, сформировавшееся в конце 19-го века — начале 20-го века, основной характеристикой которого является разрыв с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые, нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля.

Сегодня течениями модернизма пронизаны все стороны нашей жизни.

 

Модернизм в изобразительном искусстве.

 

В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций.

В широком смысле модернизм — это «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.

Многие новые стили в искусстве, появившиеся в конце 19-го века, в начале 20-го века, и в наши дни отнесли и относят к проявлениям модернизма в искусстве.

Наиболее значимые и популярные стили модернизма: импрессионизм, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. Этот перечень пополняется и в наши дни.

Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников.

 

Модернизм в литературе.

В литературе модернизм пришёл на смену классическому роману. Вместо жизнеописания читателю стали предлагать литературные интерпретации различных философских, психологических и исторических концепций, появился стиль, названный Поток сознания, характеризующийся глубоким проникновением во внутренний мир героев. Важное место в литературе модернизма занимает темы осмысления войны и потерянного поколения.

 

Модернизм в архитектуре.

Модернизм особенно ярко и позитивно проявляется в современной архитектуре.

 

 

 

 

Модернизм! Современный модернизм! Модернизм современного мира!

Тема модернизм: модернизм век, направления модернизма, течения модернизма, модернизм в искусстве, культура модернизма, стиль модернизм, художественный модернизм, представители модернизма, темы модернизма, особенности модернизма, современный модернизм, основные направления модернизма, модерн и модернизм, развитие модернизма, время модернизма, советский модернизм, произведения модернизма, культурный модернизм, направления модернизма в искусстве.

Лучший женский сайт: Я-самая-красивая.рф (www.i-kiss.ru)

Импрессионизм и модерн в русском искусстве: bogachkova1957 — LiveJournal

Почти год из-за пандемии был закрыт «Центр Искусств. Москва» в Храме Христа Спасителя. Открылся он новым выставочным проектом «Импрессионизм и модерн в русском искусстве». Выставка посвящена основным путям развития русского искусства на рубеже 19 и 20 веков, а также определяющей роли модерна и импрессионизма в становлении русского авангарда. Более 50 произведений охватывают историю русского искусства с 1890-х до 1940-х годов. 

Начну с художника Николая Фешина (1881-1955). Ничего не могу с собой поделать – это мой любимый русский художник- эмигрант 20 века. На выставке две его картины. Подробнее о творчестве Николая Фешина можно познакомиться в блоге, посвященном выставке 2019 года в Музее русского импрессионизма Место под солнцем. Беньков/Фешин.

Фешин Н.И. Шушаник. Вторая половина 1930-х – 1940-е. Фешин Н.И. Тигровые лилии. 1930-е – 1955.

В 1874 году в Париже на бульваре Капуцинок состоялась выставка молодых французских художников, картины которых были отвергнуты академическим Салоном. Полотно «Впечатление. Заход солнца» Клода Моне дало название новому течению в искусстве. Критик Луи Леруа из журнала «Ле Шаривари» назвал художников «впечатленцами» (импрессионистами). В том же 1874 году во Франции в рамках пенсионерских поездок работали Василий Поленов и Илья Репин. Манера письма и сюжеты полотен позволяют относить часть художественного наследия Репина и Поленова к протоимпрессионизму. Илья Репин был близок к импрессионизму как к художественному методу на определенных этапах творческого пути, хотя он сам отвергал «акробатику кисти, живописность ради живописности». Выбор сюжета, пластичность и широкая манера письма были характеры некоторым ранним и поздним произведениям Репина, таким как «Маруся» 1924 года.

Илья Репин. Маруся. 1924.

Из мастерских этих двух художников вышло следующее поколение русских живописцев, творчество которых развивалось в русле модерна и импрессионизма.  Поленов войдет в историю как учитель одного из самых известных русских импрессионистов – Константина Коровина (1861-1939). Первой импрессионистической картиной Константина Коровина считается его работа 1887 года. Блистательный русский импрессионист Константин Коровин, с одной стороны, развивал художественные эксперименты на пленэре Поленова, с другой – органично воспринял и переосмыслил новации современной европейской живописи. В конце 1870-х годов в творчестве Коровина появляются этюды Парижа, созданные по рассказам Поленова. Французская столица с ее динамизмом большого города стала одним из самых ярких мотивов творчества Коровина, который он пронес через всю жизнь, и продолжал писать, находясь в эмиграции. Но на выставке нет пейзажей Парижа Коровина. 

Коровин К.А. Весенний пейзаж. 1919.

Коровин с присущей ему пленэрно-импрессионистической манерой письма чутко передавал переходные состояния природы в России. В 1897 году он приобрел у мецената и покровителя Саввы Мамонтова землю на берегу реки Нерль во Владимирской губернии. Деревня Охотино стала для Коровина центральным объектом зарисовок и пленэрных штудий. Светлый или темноватый колорит пейзажных деревенских работ того периода отражает лирическую наполненность пейзажа. Считается, что именно в Охотино возник особый поджанр в творчестве Коровина, получивший название «ноктюрн». По вечерам близкие Коровина собирались в доме, а мастер писал этюды. Еще в 1889 году, по словам Елены Поленовой, мастер начал задумываться над тем, «чтобы выходила не живопись, а музыка». Энергия мазка и тональность колорита Коровина делали из его полотен живопись музыкального свойства.

Коровин К.А. Ноктюрн. 1919.

На выставке представлены две картины киевского художника Александра Константиновича Богомазова (1880-1930), который в 1908-1910 годах был сильно увлечен импрессионизмом. Представленные картины он посвятил жене — музе всей своей жизни, киевской художнице, Ванде Витольдовне Монастырской.

Богомазов А.К. У окна. 1908. Богомазов А.К. Портрет жены. 1908.

А у Репина в разное время проходили обучение художники – Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов, Филипп Малявин.  

Кустодиев Б.М. Виллы. 1913. Сварог В.С. Ночной город. 1925.

Модерн и импрессионизм имеют разные истоки, однако, оба направления объединены тенденцией к обобщению образов и вниманию к цвету как важному художественно-выразительному средству живописи. Для самого яркого художественного объединения рубежа веков – «Мир искусства» – подготовили почву Михаил Нестеров и Василий Суриков, обращавшиеся к русской истории. Ретроспективизм стал одной из характеристик живописи модерна, наряду с идеей красоты как основы творчества. Браз, Бродский и Кустодиев выставляли свои произведения в рамках объединения «Мир искусства». 

Суриков В.И. Алупка. 1908.

С именем Архипа Куинджи связан другой путь развития русского искусства.  По выражению Репина, «иллюзия света была его богом», которую он передал своим ученикам и последователям-членам Общества художников имени А. И. Куинджи. Светоносную традицию живописи продолжили Иван Шультце, Константин Вещилов, Николай Рерих, Витольд Бялыницкий-Бируля. 

Бялыницкий-Бируля В.К. Клумба дельфиниумов перед усадьбой. 1912.

Константин Вещилов (1878-1945) – один из самых ярких и многосторонних талантов рубежа веков, ученик И.Е. Репина. Выпускник Академии художеств в Санкт-Петербурге (золотая медаль, 1904 год, лауреат пенсионерской поездки в Рим). Художник Морского министерства, автор полотен, посвященных русско-японской войне. В наследии Вещилова – полотна на исторические, бытовые сюжеты, портреты, натюрморты и пейзажи. В 1922 году мастер эмигрировал сначала в Италию, потом во Францию и впоследствии в Нью-Йорк.

Вещилов К.А. Натюрморт. Гурзуф. 1910-1920-е.

В период до эмиграции наследие мастера состояло преимущественно из исторических полотен и картин бытового жанра. Пейзажи отличались сероватым колоритом. Вещилов-колорист раскрылся благодаря поездкам на юг и созерцанию яркого контрастного южного освещения. В историю искусства он вошел как мастер русской школы люминизма (лат. lumen – свет) наряду с А.И.Куинджи и И.Ф.Шультце. В 1905 году художник был удостоен премии Куинджи. Природное колористическое дарование художника и быстрая широкая манера письма, которой он научился у Репина, в полной мере обнажили талант Вещилова в постэмиграционный период. Свет и цвет стали главными героями картин мастера. Живопись Вещилова пользовалась громким успехом в Париже и Нью-Йорке.

Вещилов К.А. Весна на Капри. 1920-1930-е. Вещилов К.А. Собор Санта Мария дела Салюте в лунном свете. Венеция. Вторая половина 1930-х – начало 1940-х.

На выставке представлены также произведения, демонстрирующие радикальные изменения в русском искусстве начала XX века, когда интерес к модерну и импрессионизму сменила идея тотального господства цвета как ведущего художественно-выразительного средства, подчеркивающего материальность, а не сиюминутность бытия. В мастерской Константина Коровина учились будущие мастера постимпрессионизма и авангарда, среди них — Роберт Фальк, Павел Кузнецов, Наталья Гончарова. Кончаловский, Гончарова и Фальк стали пионерами раннего авангарда, выставлялись в рамках художественного объединения «Бубновый валет». Другие ученики Коровина – Алексей Исупов (1889-1957) и Сергей Герасимов (1885-1964)– развивали традиции пейзажной живописи на стыке импрессионизма и модерна.

Исупов А.В. Таганай. Старик с неводом у моря. 1912.

В рамках выставки представлены четыре работы Петра Кончаловского (1876-1956), отражающие его творческую эволюцию: от ранних импрессионистических увлечений («Поле», 1907) через искания после распада «Бубнового валета» к соцреализму. 

Кончаловский П.П. Поле 1907. Кончаловский П.П. Яблоневый сад. 1921.

Картина «Яблоневый сад» – квинтэссенция творческих поисков мастера. Художник так описывал работы этого периода: «В моих абрамцевских дубах есть еще, конечно, связанность живописи с сезанновскими методами, которыми я привык работать и с которыми сроднился. Но отношение к природе у меня было теперь другое, не-сезанновское. Страстно хотелось создать живой пейзаж, в котором деревья не просто торчат, воткнутые в землю, как это часто приходится видеть в современной живописи, а логически вырастают из земли, как у старых мастеров, чтобы зритель чувствовал их корни. А для этого надо было, прежде всего, логически построить каждое дерево также, как строится здание, от самого фундамента до крыши, от ушедших в землю корней до листвы верхушек».

Кончаловский П.П. Портрет ловца кротов Федора Петровича. 1938.

И еще одно новшество – выставка проходит в динамичном формате. Как живой организм, композиция полотен и их развеска в пространстве двух залов меняется на протяжении всей выставки. Новые полотна будут возникать и исчезать во времени, сменять друг друга и снова появляться, но уже в совершенно новом месте, а иногда исчезать и вовсе насовсем. Поэтому, вернувшись в галерею через месяц, Вы увидите совершенную другую, не похожую на прежнюю выставку русских живописцев.

Бродский И.И. Новолуние. 1912. Куприн А.В. Букет осенних листьев. Село Крылатское. 1923. Герасимов А.М. Букет. ? Машков И. И. Москва Вид с крыши дома Машкова в сторону Красных ворот. 1927-1928. Яковлев А.Е. Цитроны. 1929. Григорьев Б.Д. Портрет сына Кирилла. Около 1930. Шевченко А.В. Натюрморт. 1938. Грабарь И.Э. Ранняя осень. 1930-1950-е. Крамаренко Л.Ю. Пейзаж. 1934. Виноградов С.А. Букет. 1937. Н.А.Тархов Белые лилии. 1910-1915. Р.Р.Фальк. Мост в Париже.1920-1930-е.

Актуальность выставки подчеркивается тем, что 2021 год станет юбилейным для многих художников. В 2021 году исполняется 160 лет со дня рождения Константина Коровина, 145 лет – со дня рождения Петра Кончаловского, 140 лет – со дня рождения Натальи Гончаровой, 135 лет – со дня рождения Роберта Фалька.

Использованные источники: http://artcentre. moscow/project/19905/.

Модерн в изобразительном искусстве

   Можно без особого труда составить  перечень тех русских мастеров, творчество которых прежде всего определяло разные стороны и грани русского модерна. В изобразительном искусстве это В.М. Васнецов, М. А. Врубель, М.В. Нестеров, А. Я. Головин, В.Э.Борисов-Мусатов, А.С.Голубкина, Е.Д. Поленова, С.В. Малютин, И.Я.Билибин, М.В.Якунчикова, Л.С.Бакст, М.В.Добужинский, А.Н.Бенуа.

   Явные признаки «нового стиля» можно обнаружить, например, в некоторых произведениях  К.АКоровина, В.В.Кандинского,  Н.К.Рериха, И.И.Левитана и К.С.Петрова-Водкина.

   Творчество  В.А.Серова ознаменовало собой смену эпох в изобразительном искусстве. Начав как реалист, близкий движению передвижников, Серов затем отходит от традиции, заданной художниками II половины XIX века и ставшей к началу ХХ в. уже во многом шаблоном. Определяющим в этот период становится стиль модерн, проявившийся во всех областях художественного творчества.

   Для модерна характерно утверждение  идеи самодовлеющей ценности искусства («искусство для искусства») и определяющего  значения эстетической составляющей художественного творчества. Отсюда проистекает частое соединение символической идеи и декоративного мотива, преобладание плоского цветового пятна, гибкой линии, которые не выделяют объема, а сливают их с плоскостью, выдвигая в качестве определяющей при построении композиции декоративно-узорное начало.

   Влияние модерна сказывается в исторических полотнах В.А.Серова («Петр I» 1907 г.). Однако наиболее сильно отход от классических канонов проявился в картине «Похищение Европы» (1910 г.), живопись которой ничем не напоминает манеру раннего Серова. (пример «15_Серов»)

   К тому же надо отметить, что противоречивая эстетическая природа модерна была такова, что творчество лишь второстепенных живописцев, скульпторов, графиков могла  целиком соответствовать идейным  и стилевым нормам этого движения. Любой действительно крупный мастер, формируя «новый стиль», способствуя его развитию в то же время выходил за его пределы, устанавливая более многообразные и глубокие связи между своим искусством и реальной действительностью.

   Назовем некоторые события русской художественной жизни, формировавшие творческую программу и те общественные вкусы, которые способствовали его развитию.

   Начать  надо с Амбрамцевского кружка. Это  было артистическое содружество, сложившееся  в середину 1870-х годов вокруг С.И.Мамонтова, промышленника, известного мецената, художественно одаренного человека. Поэтому часто кружок называют мамонтовским. На протяжении четверти века подмосковное имение Мамонтова «Абрамцево» оказалось крупным очагом русской культуры, местом, куда иногда на целое лето, иногда на более короткий срок приезжали художники — от уже известных до совсем молодых. Среди посетителей были Репин, Поленов, Васнецов, Серов, Врубель, Поленова. Здесь много рисовали, усердно занимались живописью, открывая красоту среднерусской природы и обаяние душевно близких людей ставили домашние спектакли, осуществляли интересные архитектурные замыслы, работали в специально устроенных кустарных мастерских.

   Художественная  жизнь Абрамцева — это, с определенной точки зрения, история формирования «неорусского стиля», который оказался существенной гранью модерна в России.

   Амбрамцевский кружок никогда не имел ни своего устава, ни какой-либо заранее сформулированной программы. Красота пользы и польза красоты — такими двумя взаимосвязанными понятиями можно было бы условно определить ту «домашнюю» эстетику, которая  складывалась в духовной атмосфере усадьбы.

   Своим желанием отстаивать жизненную связь  между красотой и пользой мамонтовский кружок разделял распространенные убеждения  эпохи. Об тогда говорили и писали чаще всего как раз в той художественной среде, где складывались принципы модерна. Своеобразие творческой ориентации мамонтовского кружка заключалось в том, что соединение пользы и красоты представлялось членам содружества не только серьезным общественным долгом художественной интеллигенции, но и живой поэтической традицией, органическим свойством крестьянского искусства, воплощающим в себе важные черты народного идеала.

   Следуя  своим общественным идеям и творческим интересам, члены Абрамцевского кружка организовали две мастерские: столярно-резчицкую (1885) и керамическую(1890). И в том, и в другом случае дело касалось попыток возродить художественные кустарные промыслы, имея перед глазами собранные в деревнях изделия народного искусства. Участники мамонтовской колонии не смотрели на эти изделия крестьянского труда как на «образцы», подлежащие копированию. Намерения были  вернуть декоративно-прикладному искусству его поэтическую сущность и, вместе с нею, его основную жизненную функцию — украшать повседневный быт человека. Художники, чьи стилевые искания шли в этом направлении по-разному осмысливали поэтику и стилистику народного творчества, и, скажем, керамика, созданная Врубелем в абрамцевской мастерской, откликалась на совершенно иные стороны фольклорной  художественной традиции, чем резные двери, полки буфеты, исполнявшиеся Е. Поленовой и ее коллегами по столярной мастерской. Более того, здесь можно говорить о различных модификациях «неорусского стиля» — от творческого воссоздания традиционной изобразительной лексики и орнаментальных форм предметов крестьянского быта до их серьезной трансформации в новую пластическую систему.

   Вместе  с Абрамцевым часто справедливо  называют другой интересный очаг русской  культуры того времени- находящееся  вблизи Смоленска село Талашкино и его окрестности. Им владела меценат, художница и коллекционер М.К.Тенишева. Среди работающих там художников были Рерих и Малютин.

   Малютин Сергей Васильевич (1859–1937), русский художник, самобытный мастер русского модерна. Черты модерна резче проступили в его экспрессивных портретах

   Иллюстрировал Сказку о царе Салтане и Руслана  и Людмилу А.С.Пушкина (1898), оформлял постановки Московской частной русской  оперы С.И.Мамонтова (Илья Муромец  В.С.Серовой, 1899; Кащей Бессмертный  Н.А.Римского-Корсакова, 1902), разрабатывал дизайн мебели и утвари. (пример «16_Малютин»)

   Интерес талашкинских мастеров к возрождению  крестьянских ремесел, к воссозданию  творческой фантазии народа был гораздо  более сосредоточен на стилевых задачах  искусства и в этом смысле был более прагматичен. Об абрамцевском «стиле» как о самостоятельном явлении русского искусства можно говорить лишь условно — он постоянно развивался, обретал новые свойства и качества. Талашкинский «стиль», напротив, являл собою обособленную и вполне устойчивую «национально-романтическую» разновидность русского модерна.

   Новизна модерна сразу же оказалась несомненной. Он принес не только свои излюбленные  мотивы, которые вполне могли затеряться среди прежних, но и небывалые  ритмы, особую нервную подвижность, беспокоящую глаз и привлекающую внимание.

   Живая, своевольная линия господствует в орнаменте модерна, получая  в своем упрямом беге невиданную свободу. Так строится и решетка  ограды, и контур витража из бледноокрашенных матовых стекол, и рисунок обоев, и рамка книжной обложки, внутри которой даже шрифт получает те же качества своеобразного узора — текучесть сплетающихся линий, капризные переломы и изгибы, декоративную слитность строки, ритмичной, как линейный орнамент.

   Впрочем, гибкостью линий не исчерпывается арсенал выразительных средств этого орнамента. Он знает и заполнение плоскостей густой фактурной рябью прорезной листвы каштана или дуба, и даже жесткие геометрические формы. Однако и в геометрические мотивы модерн умеет привнести свойственные ему черты беспокойного напряжения. Правильные окружности помещаются одна в другую эксцентрично, сбивая привычную симметрию. Нарушается регулярность в сетке треугольников или квадратов, они будто неравномерно, рывками захватывают поверхность.

   При всем многообразии произвольных орнаментальных форм модерн сохраняет всюду это свое основное стилистическое качество: ритмическую экспрессию, напряженность, эмоциональную насыщенность узора. Такой орнамент всегда склонен к экспансии, он растекается, овладевая доступной ему поверхностью. В отличие от классицистического он принципиально антитектоничен, то есть не подчеркивает структурность, не разделяет, а напротив, сливает разнородные части предмета — стена с его помощью плавно перетекает в потолок, горловина и ножка вазы составляют неразделимое целое с ее туловом.

   Подобным  же образом «заползает» снаружи  внутрь декоративного панно, обычно плоскостного в искусств модерна, ищет с живописью цветовые и ритмические  связи и даже сходные мотивы в  пейзажном фоне и в узоре изображенных одежд.

   Орнамент  модерна не удовлетворяется ролью  декоративного заполнения пауз. В  беспокойной назойливости его ритмов, в упорстве, с каким он навязывает зрителю свою изломанную капризно-нервную  возбужденность, есть претензия самому вести главную тему, быть прямым и полным выражением меняющегося на рубеже веков ощущения мира. Многозначительный, он сам переполнен символами — от прорастающего из почвы к небесам многоветвистого Мирового Древа до Вечной Женственности, воплощаемой в томных масках с текучими прядями длинных распущенных  волос.

   При всей определенности своих художественных тенденций искусство модерна  вовсе не было монолитным, лишенным внутренних противоречий. Поиски шли  во многих  направлениях, имеющим поразительные  различия. Безудержный орнаментализм соседствовал с полным и принципиальным отказом от орнамента. Рядом с орнаментами, воплощавшими духовную экспрессию времени в динамике абстрактных линий, появлялись узоры из натуралистически точно воспроизведенных растений, насекомых, животных.

   В России в столярных и керамических мастерских крупные художники вручную  расписывали посуду и мебель лубочными  ликами Ярилы — солнца, узорчатыми хвостами сказочных птиц Сирина и Алконоста. В ковровых узорах майоликовых архитектурных  панно пышные цветочные мотивы старинной парчи вплетались в своевольно-текучие ритмы нового орнамента.

   Почти с самого же своего возникновения, приблизительно с середины 1880-х годов «национально-романтический», или, как несколько позже  его стали именовать, «неорусский» стиль стал утверждать себя активными и целенаправленными поисками в области поэтики и стилистики искусства, поисками, обретшими логикой  художественного процесса гораздо более универсальный смысл, чем имела его сюжетно-содержательная структура. Именно этим, вероятно, объясняется исключительная популярность крупнейшего представителя этого направления в русском искусстве Виктора Васнецова. В творчестве Васнецова ярко представлены разные жанры, ставшие этапами очень интересной эволюции: от бытописательства к сказке, от станковой живописи к монументальной, от приземленности передвижников к прообразу стиля модерн. (пример «17_Васнецов»)

   В русском модерне можно различить несколько течений. Первое из них непосредственно связано с творчеством Абрамцевского кружка, которое во многом подготовило переход к стилевым принципам модерна, но само ими еще не обладало. Второе направление во многом опиралось на приемы стилизации, выработанные амбрамцевскими художниками. Но его важная особенность — сочетание этих приемов с объемно-пространственными, живописно-пластическими и линейно-графическими поисками общеевропейского Art Nouveau.  Подчеркнутым гипертрофированием национальных форм древнерусского зодчества и произведений народного искусства авторы обращались и к историческому наследию русских мастеров и к современному «духу эпохи».

   Но  были и  случаи, когда модерн в России выражал явное влияние западноевропейских художественных школ. 

   Возникает проблема, касающаяся сущности стиля  модерн, — проблема его зарождения. Нередко  истоки модерна в России связывают  с идеями и воздействием западноевропейских школ модерна (что, безусловно имело  место), но существует и другая точка  зрения, по которой стилевые признаки будущего «нового стиля» возникли в творчестве отдельных русских мастеров стихийно, почти неосознанно, не следуя уже готовой эстетической концепции, а наоборот, создавая на практике закономерности «нового стиля». Истина, как это обычно и бывает, находится где-то посредине. Как и любая европейская художественная  школа, русская школа шла к модерну собственным (иногда явным, иногда более скрытным) путем. Существует  типологическое сходство между отдельными художественными школами, что во многом способствовало формированию тех межнациональных особенностей, которые впоследствии позволили именовать модерн международным, «космополитическим» стилем. Но формирование этих общностей модерна в каждой художественной школе опиралось первоначально на собственный опыт национального искусства.

   Модерн в декоративно-прикладном искусстве.

   Широкая популяризация стиля модерн путем  распространения реклам, разнообразных  плакатов, этикеток, вывесок, иллюстрированных и модных журналов, а также массовое производство стекла, фарфора. Мебели, тканей, дамских украшений способствовало тому, что за короткий срок он приобрел небывалую популярность в самых широких слоях, «окрасив» собой повседневный быт и создав иллюзию приобщения к искусству у многих никогда доселе над этими вопросами не задумывавшихся людей.

   Общепринятый  «набор» декоративных мотивов и  предметов прикладного искусства  в интерьерах русского модерна роднил между собой скромные квартиры людей  «среднего достатка» и жилые  покои дворцов и богатых особняков, создавая иллюзию демократичности этого стиля. От таких элементов убранства, как мебель, драпировки, декоративные лампы, часы и барометры, до общепринятого набора репродукций модных художников в «текучих» резных рамах — на всем лежала неизгладимая печать стиля модерн, терпкий привкус ,в чем-то роднивший между собой массовые ремесленные образцы и произведения подлинного искусства.

Современное искусство | Museum of Fine Arts, Boston

Современное искусство можно определить как искусство нашего времени, созданное со второй половины 20-го века до настоящего времени. Создаваемое во всем мире каждый день, современное искусство постоянно меняется и столь же разнообразно, как и художники, которые его создают. Департамент современного искусства переносит обширную и глубокую коллекцию МИД, в которую входят предметы, датируемые еще периодом неолита, в настоящее время, собирая, исследуя и представляя искусство, созданное в последние десятилетия.Растущая коллекция включает более двух тысяч работ в самых разных техниках. Поскольку отдел стремится собирать работы, отражающие широту художественной практики во всем мире, многие работы приобретаются совместно и передаются другим кураторским отделам МИД. В Музее современная коллекция в основном представлена ​​в Семейном крыле современного искусства Линде, хотя работы также появляются в галереях по всему зданию.

История отдела

МИД выставлял и собирал работы ныне живущих художников еще с 1880 года, хотя в полной мере внедрять эту практику было медленно.Только в 1956 году МИД впервые посвятил галерею искусству, созданному в 20 веке. В 1971 году, через год после столетнего юбилея музея, был официально образован отдел современного искусства. В первые годы своего существования Совет попечителей музея поручил отделу «собирать, выставлять и публиковать все виды искусства, европейского и американского, начиная с 1945 года по настоящее время». (В 1992 году это обозначение было изменено на 1955 год по настоящее время.) По мере того, как отдел продвигал эту программу, он развил несколько сильных сторон, в том числе глубокие владения американской абстрактной живописью с 1950-х годов и, благодаря преданности Дафны и Питера. Галерея Фараго в 2011 году, современное ремесло.Из-за доминирующих представлений об искусстве во время формирования отдела самые ранние предметы, попавшие в коллекцию, были созданы белыми, евроамериканскими, в основном художниками-мужчинами, что привело к отсутствию широкого представительства практикующих художников и их разнообразных способов создания.

Отдел современного искусства сегодня

Сегодня Департамент современного искусства собирает и представляет искусство из самых разных контекстов, демонстрируя художников с разным опытом и опытом, а также приветствуя местные, национальные и глобальные голоса.По мере своего роста коллекция все больше представляет современное искусство в бесчисленных формах и выходит за рамки традиционных различий между медиа. Поскольку кураторы Департамента современного искусства продолжают формировать коллекции, чтобы лучше отражать разнообразие современной художественной практики, они также стремятся углубить и переосмыслить историю искусства нашего времени, выдвигая на первый план повествования и перспективы, которые МИД исторически недопредставил.

Есть вопросы?

Свяжитесь с кураторами через страницу контактов отдела.

Основные моменты

современное искусство | Britannica

современное искусство , живопись, скульптура, архитектура и графика, характерные для 20-го и 21-го веков и конца 19 века. Современное искусство охватывает широкий спектр движений, теорий и взглядов, модернизм которых заключается, в частности, в тенденции отвергать традиционные, исторические или академические формы и условности в попытке создать искусство, более соответствующее изменившимся социальным, экономическим и интеллектуальным условиям. .

Роберт Раушенберг: Монограмма

Монограмма , комбинированная живопись (смешанная техника) Роберта Раушенберга, 1959; в Moderna Museet, Стокгольм.

Moderna Museet, Stockholm/Photograph: Statens Konstmuseer

Начало современной живописи нельзя четко разграничить, но существует общее мнение, что она зародилась во Франции 19-го века. Картины Гюстава Курбе, Эдуарда Мане и импрессионистов представляют собой углубляющийся отказ от господствующей академической традиции и стремление к более натуралистическому представлению визуального мира.Преемников постимпрессионистов этих художников можно рассматривать как более современных в их отказе от традиционных техник и предметов, а также в их выражении более субъективного личного видения. Примерно с 1890-х годов возникла череда различных движений и стилей, которые составляют основу современного искусства и представляют собой одну из вершин западной визуальной культуры. Эти современные движения включают неоимпрессионизм, символизм, фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, супрематизм, конструктивизм, метафизическую живопись, де стиль, дадаизм, сюрреализм, социальный реализм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт, оп-арт, минимализм и неоэкспрессионизм. .Несмотря на огромное разнообразие этих движений, большинство из них характерно современны в своем исследовании потенциала, заложенного в самом средстве живописи, для выражения духовного отклика на изменившиеся условия жизни в 20-м веке и позже. Эти условия включают в себя ускорение технологических изменений, расширение научных знаний и понимания, кажущуюся неуместность некоторых традиционных источников ценностей и убеждений, а также растущее осознание незападных культур.

Хуан Грис: Слепой

Слепой , гуашь, бумага, мел и уголь на холсте Хуана Гриса, 1914; в Тейт Модерн, Лондон.

Предоставлено галереей Тейт, Лондон, права защищены A.D.A.G.P. Париж, 1972 год; фотография, Г. Робертон / A.C. Cooper Ltd.

Важной тенденцией, начавшейся в 20-м веке, было направление абстрактного, или необъективного, искусства, т. е. искусства, в котором мало или совсем не делается попыток объективно воспроизвести или изобразить внешний вид или формы объектов в сфере природа или существующий физический мир.Следует также отметить, что развитие фотографии и связанных с ней фотомеханических приемов воспроизведения оказало неясное, но, безусловно, важное влияние на развитие современного искусства, поскольку эти механические приемы освободили (или лишили) ручной рисунок и живопись их до сих пор решающего значения. роль единственного средства точного изображения видимого мира.

Современная архитектура возникла из-за отказа от возрождения, классицизма, эклектики и всех приспособлений прошлых стилей к типам зданий индустриализирующегося общества конца 19-го и 20-го веков. Он также возник в результате усилий по созданию архитектурных форм и стилей, которые использовали бы и отражали новые строительные технологии из конструкционного железа и стали, железобетона и стекла. До распространения постмодернизма современная архитектура также подразумевала отказ от прикладного орнамента и отделки, характерных для досовременных западных построек. Суть современной архитектуры заключалась в строгой концентрации на зданиях, чье ритмическое расположение масс и форм выражает геометрическую тему в свете и тени.Это развитие было тесно связано с новыми типами зданий, востребованными индустриальным обществом, такими как офисные здания, в которых размещается корпоративное управление или государственная администрация. Среди наиболее важных тенденций и движений современной архитектуры — Чикагская школа, функционализм, ар-деко, модерн, де стиль, баухаус, интернациональный стиль, новый брутализм и постмодернизм.

MCA — Главная

Новый

На сцене: Запутанность

Осенний рыцарь со зрителями в M___ER в DiverseWorks в Хьюстоне, штат Техас. 2018.

Фото: Линн Лейн.

Каждую весну MCA представляет ежегодный набор живых, цифровых и длительных перформансов, сформированных строгой и актуальной кураторской темой. В этом году набор фокусируется на том, как наши связи иногда мимолетны, а иногда устойчивы. Наши самые близкие отношения иногда исчезают, но короткая романтическая встреча может оставить память на всю жизнь. Даже мимолетное, случайное взаимодействие с незнакомцем может способствовать возникновению чувства связи и ответственности перед другими.То, как мы связаны с людьми и миром, влияет на каждую часть нашей повседневной жизни. В этом сезоне MCA On Stage три разных выступления связаны с нашими многочисленными сложностями.

Андреа Бауэрс

• 20 ноября 2021 г. – 27 марта 2022 г.

Андреа Бауэрс Церковные знамена (Объединенная методистская церковь Адальберто, Чикаго, член движения «Новое святилище») , 2007/2008 Бумага, цветной карандаш Диптих; Каждые 50 х 74 дюйма.(127 х 187,96 см)

Частная коллекция, Денвер, Колорадо. Предоставлено художником и Vielmetter Лос-Анджелес. Фото: Роберт Ведемейер

Уже более тридцати лет мультидисциплинарный визуальный художник Андреа Бауэрс (американка, 1965 г.р.) создает искусство, которое активизирует. Бауэрс работает в самых разных средах, от видео до цветных карандашей и инсталляций, и исследует насущные национальные и международные проблемы. Ее работа сочетает в себе художественную практику с активизмом и защитой интересов, говоря о глубоко укоренившемся социальном и политическом неравенстве, а также о поколениях активистов, работающих над созданием более справедливого мира.

Новое кураторское руководство

 Чикагский музей современного искусства объявляет о назначении двух новых руководителей своей кураторской команды: Рене Моралеса в качестве главного куратора Джеймса У. Альсдорфа и Джамиллы Джеймс в качестве старшего куратора Манилоу. И Моралес, и Джеймс займут свои должности в MCA в январе 2022 года. 

Рене Моралес

Фото: Карли Эванс

Что такое современное искусство? Полный путеводитель по современному движению

Яёи Кусама, «Желтая тыква», 1994 г. (фото от Адама Рифи/Shutterstock)

Для многих людей определение современного искусства может оказаться непростой задачей.Хотя его название упрощенно и прямолинейно, его современный смысл не так ясен. К счастью, понять, что представляет собой «современность», вполне возможно, если проследить историю концепции и исследовать лежащие в ее основе темы.

Что такое современное искусство?

Сад Чихули и стекло в центре Сиэтла (Фото: стоковые фотографии с сайта ApinBen4289/Shutterstock)

В самом общем смысле термин современное искусство относится к искусству, а именно к живописи, скульптуре, фотографии, инсталляции, перформансу и видеоарту, которые производятся сегодня. Несмотря на кажущуюся простоту, детали, связанные с этим определением, часто немного размыты, поскольку толкование «сегодня» у разных людей может сильно различаться. Поэтому точная отправная точка жанра все еще обсуждается; однако многие искусствоведы считают адекватной оценкой конец 1960-х или начало 1970-х годов (конец современного искусства или модернизма).

 

История: основные направления современного искусства и художники

Учитывая его определение «искусство сегодняшнего дня», вы можете быть удивлены, узнав, что современное искусство на самом деле имеет относительно долгую историю.Чтобы проследить его эволюцию, давайте взглянем на основные движения и важных художников, которые составляют его историю.

 

Поп-арт

Энди Уорхол, «Цветы» (Фото: Stock Photos from Radu Bercan/Shutterstock)

Считается, что современное искусство, задуманное как реакция на предшествующие движения в современном искусстве, зародилось вслед за Поп-арт . В послевоенной Великобритании и Америке поп-арт был основан такими художниками, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн .Он определяется интересом к изображению массовой культуры и переосмыслению коммерческих продуктов как доступного искусства. Хотя это движение существовало примерно с 1950-х до начала 1970-х годов, оно возродилось как нео-поп-арт в 1980-х благодаря таким художникам, как Джефф Кунс .

 

Фотореализм

Портрет Чака Клоуза (Фото: стоковые фотографии от Rushay/Shutterstock)

Подобно тому, как художники, работающие в стиле поп-арт , стремились художественно воспроизвести объекты, те, кто участвовал в фотореализме  – параллельном движении, стремились создавать гиперреалистичные рисунки и картины.Фотореалисты часто работали с фотографиями, что позволяло им точно воспроизводить портреты, пейзажи и другую иконографию. Чак Клоуз и Герхард Рихтер часто работали в этом стиле.

 

Концептуализм

Ай Вэй Вэй, «Круг животных/Зодиакальные головы», 2010 г. (Фото: стоковые фотографии Alisa_Ch/Shutterstock)

В свою очередь, поп-арт также способствовал формированию концептуализма , отвергавшего идею искусства как товара.В концептуальном искусстве преобладает идея , стоящая за произведением искусства. Основные художники-концептуалисты включают Дэмиена Херста , Ай Вэй Вэй и Дженни Хольцер . Хотя это экспериментальное движение уходит корнями в искусство начала 21 века, оно возникло как официальное движение в 1960-х годах и до сих пор остается основным движением в современном искусстве.

 

Минимализм

Дональд Джадд, «Без названия», 1973 г. (Фото: стоковые фотографии Todamo/Shutterstock)

Подобно концептуализму, Минимализм материализовался в 1960-х годах и до сих пор преобладает. Согласно Тейт, оба движения «бросили вызов существующим структурам создания, распространения и просмотра произведений искусства». Однако минимализм отличается тем, что его простая абстрактная эстетика предлагает зрителям реагировать на то, что они видят, а не на то, что, по их мнению, представляет данное произведение искусства. Дональд Джадд , Сол Левитт и Дэн Флавин — некоторые ключевые художники-минималисты.

 

Перформанс

Фото: общественное достояние на Wikimedia Commons

Еще одно направление с концептуалистскими корнями — Performance Art .Перформанс, зародившийся в 1960-х годах и сохранивший свою популярность сегодня, представляет собой вдохновленный драмой подход к искусству. Хотя эта форма искусства исполняется художниками (как следует из названия), она предназначена не только для развлечения. Вместо этого его цель — передать сообщение или идею. Среди преобладающих исполнителей перформанса  Марина Абрамович , Йоко Оно и Йозеф Бойс .

 

Искусство установки

Яёи Кусама, «Сверкающие огни душ», 2008 г. (Фото: стоковые фотографии с сайта ephst/Shutterstock)

Как и перформансы, инсталляция представляет собой иммерсивное искусство.Инсталляции — это трехмерные конструкции, которые трансформируют свое окружение и меняют восприятие пространства зрителями. Часто они масштабны и ориентированы на конкретный сайт, что позволяет художникам превращать любое пространство в настраиваемую интерактивную среду. Среди известных художников-инсталляторов Яёи Кусама , Дейл Чихули и Брюс Манро.

 

Искусство Земли

Роберт Смитсон, «Спиральная пристань» (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)

Уникальный взгляд на искусство инсталляции, Earth Art  (или Land Art) – это направление, в котором художники превращают природные ландшафты в произведения искусства, характерные для конкретных мест. Роберт Смитсон , Кристо и Жанна-Клод , а также Энди Голдсуорси прославились за свои авангардные земляные работы.

 

Стрит-арт

Кит Харинг, «Настенная роспись Пизы, 1989 г.». Фото со стокового сайта peepy/Shutterstock

Как одно из самых последних направлений современного искусства, стрит-арт  — это жанр, получивший известность с появлением граффити в 1980-х годах. Уличное искусство, часто уходящее корнями в социальную активность, включает в себя фрески, инсталляции, трафаретные изображения и наклейки, установленные в общественных местах.К ключевым уличным художникам относятся фигуры 1980-х годов, такие как Жан-Мишель Баския и Кит Харинг , а также практикующие художники, такие как Бэнкси и Шепард Фейри .

 

Современное искусство и цифровая эпоха

Фото: стоковые фото с сайта mundissima/Shutterstock

Современное искусство постоянно развивается, и все больше художников используют преимущества новых технологий для развития своего творчества. Это включает в себя сгенерированное кодом искусство , которое может создавать все, от абстрактных произведений до футуристических векторных портретов.По мере развития искусственного интеллекта некоторые художники используют эту технологию для создания гиперреалистичных портретов, которые проверяют границу между реальностью и воображением.

Crypto art , , использующий преимущества технологии блокчейна, набирает обороты с 2020 года. Благодаря тому, что цифровой художник Beeple совершил знаковую продажу на Christie’s за 69 миллионов долларов со своим коллажем NFT, все больше художников и учреждений изобразительного искусства видят возможности этого вида искусства.Крипто-арт позволяет цифровым художникам монетизировать работы, которые раньше было трудно продать. Бум в искусстве NFT позволяет художникам, создающим эфемерные произведения — будь то инсталляции, перформансы или фрески — получать компенсацию и собирать деньги таким образом, о котором раньше никто не слышал.

 

Что дальше для современного искусства?

стоковых фотографий с сайта mujiri/Shutterstock

В то время как некоторые из артистов, которых мы рассмотрели, либо уже мертвы, либо не могут заниматься, многие из вышеупомянутых великих людей, в том числе, помимо прочего, Дэмиен Херст , Ай Вэй Вэй , Марина Абрамович , Яёй Кусама и Джефф Кунс продолжают создавать авангардные произведения живописи, скульптуры, инсталляции и перформанса.

Помимо этих известных деятелей, многие подающие надежды современные художники поражают мир своим оригинальным подходом к искусству. Помимо внесения собственных изменений в традиционные формы, такие как живопись, скульптура и инсталляция, они также популяризировали неожиданные формы искусства, такие как вышивка, оригами и татуировки, доказывая безграничные возможности всеобъемлющего жанра.

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

10 лучших музеев современного искусства для посещения по всему миру

12 современных художников рассказали нам, что нужно для создания великого произведения искусства

6 лучших музеев современного искусства в мире

Стрит-арт против изобразительного искусства.3 Различия между этими двумя стилями современного искусства.

Согласно последнему исследованию, опубликованному Statista, в 2018 году ТОП-5 мировых аукционных домов искусства продали примерно $11 000 млн. Более того, этот бум стал частично возможен благодаря столкновению уличного искусства и изобразительного искусства.

• Christie’s — $ 4.998 87M
• Sotheby’s — $ 3.932,49M
• Poly Group — $ 654M
• Phillips — 653 млн. Долларов
• China Guardian — $ 606M

Учитывая, что популярность городского искусства увеличивается, так что это делает число частных коллекционеров произведений искусства в Испании. Такие мероприятия, как ARCO или Urvanity Art , дают возможность раз в год культурно обогатить свой ум.

Однако имеет ли широкая аудитория четкое представление о том, в чем разница, существующая в индустрии современного искусства? Есть ли сходство между уличными произведениями искусства и теми, что созданы для галереи современного искусства?

Выделим наиболее важные факторы:

Стрит-арт против изобразительного искусства.Раунд 1.

С самого начала граффити претерпело огромные изменения. Все началось в Соединенных Штатах как незаконный способ маркировки территории экипажа, а закончилось в музеях современного искусства по всему миру . Например, Urban Nation в Берлине (Германия)

Некоторые художники заметили, насколько модной была панорама уличного искусства, и оставили свою уличную «метку» активизма, чтобы работать на владельцев художественных галерей и частных коллекционеров.

Основываясь на наших размышлениях, различия между уличным и изобразительным искусством основаны на следующих пунктах:

1-.Какая целевая аудитория?

Посетители Urvanity Art 2020. Фото предоставлено фестивалем

В первую очередь надо сравнить зрителей. Толпа, которая посещает ярмарки и мероприятия современного искусства, отличается от тех, кто ценит уличное искусство в городском пейзаже. Другими словами, улицы.

Следовательно, мы могли бы утверждать, что уличное искусство ориентировано на обычную публику, тогда как изобразительное искусство ориентировано на общество VIP. Например, люди, которые восхищаются городским искусством, не смогут купить холст за 20 000 евро.Это правильно?

Рассмотрим другой пример. Представьте себе коллекционеров современного искусства, которым нравятся работы одного конкретного художника уличного искусства. Основная цель, поставленная перед уличным оформлением, заключается в общении с населением. Однако, если человека интересует частная коллекция художника, она может продаваться как изобразительное искусство, а не как стрит-арт.

2-. С какой целью создается произведение искусства?

Работа, созданная для конкретного заказчика

Второе отличие, наблюдаемое в споре о уличном искусстве и изобразительном искусстве, — это цель. Создает ли художник каждое произведение с одним и тем же смыслом? Какова его/ее цель?

Основываясь на наших размышлениях, уличное искусство способствует социальным изменениям . Художники наблюдают, насколько сильны их инструменты. Городской пейзаж служит общественным музеем современного искусства. Следовательно, создатели обычно добавляют сообщение в свои картины:

• Изменение климата,
• Феминизм,
• Социальное равенство,
• Политическая коррупция.

С другой стороны, изобразительное искусство просто ищет эстетику . То есть художники украшают домов/офисов в частной обстановке. Определенно не общественная среда. Они могут иметь социальное значение, но владельцы произведений искусства, которые платят тысячи евро за одно произведение искусства, заинтересованы в красоте искусства.

3-. Сколько времени уходит на их создание?

Испанский художник Белин в процессе рисования

Позже мы могли бы обсудить время. В общих чертах, небольшие предметы уличного искусства, такие как расклейка или плитка, не требуют много времени для демонстрации.Вам просто нужен хороший продукт h50, чтобы вывести свою разработку на улицы.

Если вы увидите большие фрески / стены уличного искусства, они могут занять некоторое время. Да, но детали не так проработаны, как в изобразительном искусстве. Более того, этот последний тип современной сцены делает акцент на детальном и адаптированном процессе.

На создание произведения искусства может уйти несколько месяцев. Например, сколько времени, по вашему мнению, может занять создание холста кистью из натурального волоса? Что, если у него всего одна прядь волос?

4-.Какие материалы используются в уличном искусстве по сравнению с изобразительным искусством?

И последнее, но не менее важное: давайте обсудим продукты, используемые в каждом конкретном случае. Например, — это факт, что некоторые имена уличных художников используют переработанные материалы для создания своих работ. Более того, художники, использующие бесплатные предметы, сократят расходы.

Напротив, в изобразительном искусстве используются эксклюзивные материалы и лучшие продукты, доступные на рынке. Вы когда-нибудь слышали о связи, которая существует между золотом и современным искусством? Художники, создающие изделия VIP, могут даже использовать листья Aurum Metallicum.

Уличное искусство против изобразительного искусства в Испании.

Как выглядит сообщество?

Как и в других местах, уличное искусство vs изобразительное искусство в нашей стране находится на гребне волны. Существуют организации и проекты, которые продвигают обе цели.

Теперь, когда мы проанализировали различия между ними, давайте покопаемся в Instagram, чтобы найти не только новые таланты, но и художников уличного искусства, которые постоянно зарабатывают этим на жизнь.

Имена испанских уличных художников

За последнее десятилетие художники со всей страны внесли свой вклад в украшение стен и изменение городского ландшафта.Пешеходы наблюдают, как в сельской и городской местности уличное искусство стало частью их повседневной жизни.

Городские художники раскрашивают скучные стены и превращают их в произведения искусства. Вот так отделы культуры городских советов стран борются с граффити. Они предлагают писателям разрешение рисовать и не рискуют своим временем и деньгами.

Это краткий список испанских художников уличного искусства, которых вы должны проверить в Интернете:

1-.Дейх (Валенсия, Испания)

Эволюция граффити в полотно уличного искусства

Deih — одно из самых известных имен в мире граффити и стрит-арта в Валенсии. Он сотрудничает с командой XLF. И его студия, и фрески переходят от стимпанка к комическим иллюстрациям.

«Инсайдер» — это его личный подход к искусству после почти 30 лет напряженной работы в индустрии. Говоря о настенных росписях, он создает четыре измерения. Именно там он иллюстрирует созвездия и невротические творения.

2-. Сикс Паредес

Шесть паредес #WIP. Фото предоставлено художником

Серхио Идальго — художник современного искусства из Барселоны. Абстракционизм и фигуративизм лучше всего объясняют его работы. Кроме того, он наделяет свою вселенную символами и формами.

Его вдохновение в брют и народном искусстве позволяет нам наблюдать за эстетикой. Мы могли бы определить Sixe Paredes как художника-сюрреалиста, говорящего через искусство.

Разве не у всех художников сложный ум?

3-.Рош433

Декоративное полотно для уличного искусства, созданное Rosh433.

Рош 333 (Аликанте, 1977) — профессиональный граффити-райтер, чья карьера началась в конце 90-х. Его дисциплина и эксперименты сделали его одной из икон уличного искусства в нашей стране.

Чем он играет?

Лучшее изобразительное искусство страны

С севера на юг и с востока на запад, изобразительное искусство в Испании находится в лучшем виде. Следовательно, если вы заинтересованы в украшении своего дома современным искусством на заказ, вы, вероятно, захотите проверить следующие имена.

4-. СПОК Бриллор «Above the Rim» был создан компанией Spok в США.

Феликс окончил факультет изящных искусств в Университете Комплутенсе в Мадриде. Его стиль определяется движением граффити. Он добавляет городские и пригородные пейзажи на внутренние и наружные полотна. Работы Спока также подчеркнуты зеркалами.

Brillor выставлялся в важных галереях и на фестивалях по всему миру. Например, Лондон, Гонконг, Майами… Сейчас он работает с Ink & Movement.

Что нам больше всего нравится в этом художнике, так это то, как он превосходно соединяет фотографию и нарисованный холст. Он мастер использования объективов типа «рыбий глаз»! Больше работ Spok Brillor смотрите в Instagram.

5-. WESL Арт

WESL aka Pelu в своей частной студии. Фото предоставлено художником

Хесус учился в ESDIP, Мадрид. К тому времени он уже был граффити-райтером в Толедо. Благодаря своим искусным приемам он вскоре перешел от уличной атмосферы к студийной работе.

То, как он двигает запястьем во время затенения, — одна из самых привлекательных техник, которые вы увидите в живом рисовании. В работах Весла есть петли и размытые области, которые идеально сочетаются с человеческими лицами и иллюстрациями.

Он также является квалифицированным татуировщиком. Чтобы подписаться на него, посетите его официальный профиль в Facebook.

6-. Белин

Холст 100х100 см под названием «Mi padre» (мой отец). Отсылка к Сальвадору Дали

Этот пластический художник-самоучка родился в Линаресе (Хаэн) . Miguel Ángel Belinchón Bujes в настоящее время является одним из лучших представителей противостояния испанского уличного искусства и изобразительного искусства.

Его работы можно было увидеть как на стенах, так и в частных коллекциях по всему миру. Белин называет себя художником постнеокубизма. Высокий профиль его работ говорит о его профессиональных навыках.

Он создает такие реалистичные картины без использования единого трафарета. Мечта, которая сбылась после стольких лет напряженной работы и мотивации.

Изобразительное искусство | ГСА

Посвящение Medicare и Medicaid
Aearn & Torres
1997

Коллекция изящных искусств — одна из старейших и крупнейших государственных коллекций произведений искусства в стране. Он состоит из настенной и станковой живописи, скульптуры, архитектурных и экологических произведений искусства, а также гравюр и других работ на бумаге, датируемых 1850-ми годами по настоящее время.Эти общественные произведения искусства выставлены в федеральных зданиях и зданиях судов по всей стране. Кроме того, более 23 000 станковых картин, гравюр и небольших скульптур, созданных во время Нового курса, переданы в долгосрочную аренду музеям и другим некоммерческим организациям в Соединенных Штатах. Коллекция изящных искусств, поддерживаемая GSA как часть национального и культурного наследия Америки, также служит напоминанием о важной традиции индивидуального творческого самовыражения.

С момента своего создания и до настоящего времени Коллекция изящных искусств имеет две отличительные особенности: произведения искусства заказываются для украшения и улучшения городской архитектуры, и они оплачиваются за счет средств налогоплательщиков.Следовательно, эти произведения искусства принадлежат американскому народу и находятся в общественном доверии для нынешнего и будущих поколений.

У озера
Неизвестно
1935-1942

Коллекция изящных искусств берет свое начало в середине девятнадцатого века, в то время (с 1852 по 1939 год), когда Управление надзорного архитектора Министерства финансов руководило строительством федеральных зданий.Самые ранние работы в коллекции относятся к 1850-м годам, когда Огюсту де Фрассу было поручено создать барельефы для Мраморного зала новой таможни США в Новом Орлеане, штат Луизиана. После опустошительной Гражданской войны в США в 1880-х годах страна вступила в период огромного роста сети и увеличения благосостояния. Художники и архитекторы, проектировавшие общественные здания следующего поколения, были вдохновлены памятниками изящных искусств, которые они видели во время учебы за границей.Многочисленные таможни, здания судов, почтовые отделения и федеральные здания, построенные на рубеже двадцатого века, включают картины, скульптуры и архитектурные украшения, отражающие возобновившийся интерес этих художников к классицизму и использование ими символических и аллегорических фигур для представления деятельности. правительства.

Девушка с синими волосами
Бланш Мэри Грэмбс
1939

В эпоху «Нового курса» 1930-х годов рост сети федерального правительства снова привел к обширной строительной кампании.Чтобы украсить эти здания, обеспечить занятость и сделать искусство доступным для больших и малых сообществ, правительство реализовало четыре отдельные программы общественного искусства: Проект общественных произведений искусства (PWAP), Федеральный художественный проект (FAP), Художественный проект помощи казначейству. (ЛОВУШКА) и Секция изящных искусств. С 1934 по 1943 год эти программы оказались беспрецедентными как по своему размеру, так и по размаху. К моменту завершения проектов были созданы сотни тысяч гражданских произведений искусства.

GSA взяла на себя ответственность за проектирование и строительство федеральных зданий, когда она была создана в 1949 году. В течение 1950-х годов ввод в эксплуатацию произведений искусства для новых федеральных зданий контролировался Службой общественных зданий GSA (PBS) в сотрудничестве с Комиссией изящных искусств США в Вашингтоне, округ Колумбия. PBS консультировалась с Комиссией по рекомендации художников и скульпторов для «украшение» федеральных зданий.

Non-Sign II
Студия графитного карандаша
2010

Программа GSA «Искусство в архитектуре», которая продолжается и сегодня, была впервые учреждена в 1963 году по рекомендации президента Джона Ф.Специальный комитет Кеннеди по федеральным офисным помещениям. В отчете комитета содержались Руководящие принципы федеральной архитектуры, в которых говорилось, что «там, где это уместно, изобразительное искусство должно быть включено в проекты федеральных зданий с упором на работы ныне живущих американских художников».

Для этого GSA резервирует не менее половины одного процента сметной стоимости строительства каждого нового федерального здания или крупного проекта реконструкции для ввода в эксплуатацию ст. Эти недавно заказанные произведения искусства, созданные как известными, так и начинающими американскими художниками, разнообразны по стилю и средствам массовой информации.Среди них картины и скульптуры, а также пейзажи и электронные произведения искусства, текстиль, керамика, витражи и фотографии.

Вместе эти тысячи исторических и современных произведений искусства, которые выставлены и хранятся как часть Коллекции изящных искусств, отражают богатую и сложную историю Соединенных Штатов, улучшают опыт взаимодействия граждан со своим правительством и составляют прочную и незаменимую культурную ценность. наследие для нации.

Авторы фотографий:
Посвящение Medicare и Medicaid — авторское право Carol M. Highsmith Photography;
Рядом с озером — авторское право Музея искусств Мичиганского университета;
Девушка с синими волосами — авторское право Музея искусств Мичиганского университета;
Non-Sign II — Copyright Lead Pencil Studio.

Обзор галереи

В этой галерее

Искусство Нового курса производилось в рамках четырех отдельных федеральных программ, действовавших с 1933 по 1943 год.Художники, работавшие над этими программами, создали тысячи картин, скульптур и работ на бумаге.

Четыре программы:

• Проект общественных произведений искусства (PWAP) , 1933-1934. PWAP была программой помощи на работе. Художники получали государственную зарплату и получали еженедельную зарплату.
• Секция изящных искусств (Секция) , 1934-1943 гг. Первоначально называвшийся Секцией живописи и скульптуры, Секция изящных искусств присуждала художникам заказы на конкурсах.Основная цель этой программы заключалась в том, чтобы получить произведения искусства высочайшего качества для установки в общественных зданиях.
• Художественный проект помощи казначейству (TRAP) , 1935-1938 гг. TRAP нанял художников для создания картин и скульптур для существующих федеральных зданий.
• Управление прогресса работ, Федеральный художественный проект (WPA/FAP) , 1935-1943. Федеральный художественный проект, позже названный Художественной программой управления рабочими проектами, был крупнейшей из художественных программ Нового курса как по своему масштабу, так и по количеству нанятых художников.

Художники, работавшие над этими программами «Нового курса», использовали различные визуальные стили, хотя большинство созданных ими произведений искусства соответствовали школам американской сцены или соцреализма. WPA/FAP также культивировала стилистически экспериментальные работы, которые сильно повлияли на последующее развитие искусства в Америке. Сюжеты, выбранные для произведений искусства Нового курса, часто были привязаны к месту, часто изображали исторические события или представляли какой-то аспект современной жизни. Например, произведение искусства может изображать героя Войны за независимость Итана Аллена, ковающего пушечные ядра, а другое — недавнее строительство электростанции в сельской местности Монтаны. Несмотря на интерес многих художников к современному обществу, они старались избегать резкого изображения невзгод и суровости Великой депрессии.

В 1934 году федеральное правительство начало давать взаймы или распределять имеющиеся произведения искусства, созданные в рамках художественных программ «Новый курс», государственным учреждениям и некоммерческим организациям по всей стране.Управление этими произведениями искусства стало обязанностью Управления общих служб, когда оно было создано в 1949 году. Сегодня GSA остается федеральным агентством, ответственным за инвентаризацию этих предоставленных произведений искусства. Это постоянный проект, который сейчас включает в себя более 23 000 произведений искусства.

Этот веб-сайт, а также содержащиеся на нем изображения и информация предоставляются в качестве услуги Администрации общих служб. Содержимое этого сайта, включая все изображения и текст, предназначено только для личного, образовательного, некоммерческого использования. Эта система контролируется для обеспечения надлежащей работы, проверки функционирования применимых функций безопасности и для сопоставимых целей. Любой, кто использует эту систему, прямо соглашается на такой мониторинг. Несанкционированные попытки изменить любую информацию, хранящуюся в этой системе, взломать или обойти функции безопасности или использовать эту систему не по назначению, запрещены и могут привести к уголовному преследованию.

Ограничение ответственности

GSA не делает никаких заявлений, обещаний или гарантий относительно точности, полноты или адекватности содержимого этого веб-сайта и прямо отказывается от ответственности за ошибки и упущения в содержании этого веб-сайта. Никакие гарантии любого рода, подразумеваемые, явные или установленные законом, включая, помимо прочего, гарантии ненарушения прав третьих лиц, права собственности, товарной пригодности, пригодности для определенной цели и отсутствия компьютерных вирусов, не даются в отношении содержания. данного веб-сайта или его гиперссылок на другие интернет-ресурсы.Упоминание на этом веб-сайте каких-либо конкретных процессов или услуг, связанных с коммерческими продуктами, или использование любого торгового, фирменного или корпоративного наименования предназначено для информации и удобства общественности и не является одобрением, рекомендацией или одобрением со стороны GSA.

Собственность

Информация и изображения, созданные или принадлежащие GSA и представленные на этом веб-сайте, если не указано иное, считаются общественным достоянием. Их можно распространять или копировать в соответствии с действующим законодательством.

Не вся информация на этом веб-сайте была создана или принадлежит GSA. Если вы хотите использовать какой-либо материал, не относящийся к GSA, вы должны получить разрешение непосредственно у владельцев (или держателей) источников.

Дом — Школа современного искусства (Калифорния) |

Школа современного искусства (CA), основанная в 1971 году, представляет собой междисциплинарную художественную программу, обеспечивающую понимание основных традиций изобразительного и коммуникативного искусства и одновременно готовящую студентов к использованию новых средств выражения.

Студентам предоставляется возможность развивать и распространять идеи по многим дисциплинам, связанным с искусством. Отличное обучение, а также экспериментальная деятельность за пределами классной комнаты дает практический опыт. Публичные презентации и размышления интегрированы в образовательный процесс через стажировки и совместные учебные задания. Поля включают:

• Изобразительное искусство
• Искусство общения

• Театральное искусство
• Музыкальное искусство

Опытный преподаватель

Преподавательский состав Школы, известный своими профессиональными достижениями и научной работой, включает в себя выдающихся художников, дизайнеров, режиссеров, сценаристов, журналистов, авторов и ученых.Они были удостоены наград от основных источников финансирования искусства, таких как:

• Национальный фонд искусств
• Мемориальный фонд Джона Саймона Гуггенхайма
• Фонд Келлога

Все преподаватели имеют высшие степени в своих областях и окончили престижные учебные заведения, включая Колумбийский университет, Йельский университет, Нью-Йоркский университет, Школу визуальных искусств, Школу искусств Тайлера, Университет Брауна, Гарвардский университет, Дартмутский колледж, Принстонский университет, Беркли. Музыкальный колледж, Калифорнийский институт искусств и Чикагский институт искусств.При поддержке преподавателей студенты получили многочисленные награды за театральные и музыкальные представления, дизайнерские награды, представили научные работы на крупных конференциях и показали свои фильмы на кинофестивалях.

Программы на получение степени

Мы хотим, чтобы наши ученики понимали традиции прошлого, а также изучали новые средства выражения и коммуникации. Мы помогаем им развивать свои индивидуальные голоса и укреплять их с помощью активных обучающих ситуаций, результатом которых является продуктивная работа — обучение в процессе работы.Мы призываем учащихся свободно перемещаться по школьным дисциплинам, чтобы более полно ощутить творческий процесс и использовать знания, полученные в областях, не связанных с их специальностями. И, конечно же, мы в полной мере используем нашу близость к Нью-Йорку с его неограниченными возможностями в области искусства и средств массовой информации.

Школа современного искусства стремится предоставить учащимся выдающееся образование в области изобразительного, исполнительского и коммуникативного искусства с упором на столпы колледжа Рамапо: междисциплинарная учебная программа, международное образование, межкультурное взаимопонимание и возможности практического обучения.

Школа современного искусства предлагает пять специальностей:

• Коммуникационные искусства (с упором на цифровое кинопроизводство, глобальные коммуникации и медиа, журналистику, визуальный коммуникационный дизайн и письмо)
• Контрактная специальность «Современное искусство» (междисциплинарная специальность, которая позволяет студентам разрабатывать индивидуальные программы, соответствующие их особым интересам и карьерным целям)
• Музыка (со специализацией: музыкальная индустрия, музыкальное исполнение, музыкальное производство и музыкальные исследования)
• Театр (со специализацией: актерское мастерство, режиссура/постановка сцены, дизайн/технический театр и театроведение)
• Изобразительное искусство (со специализацией в области истории искусств, рисунка и живописи, скульптуры, электронного искусства и анимации и фотографии)

Все программы ведут к получению степени бакалавра искусств. Несовершеннолетние доступны в области цифрового кинопроизводства, истории искусства, изобразительного искусства, музыки и театра.

Питер А. Кэмпбелл, декан
Школа современного искусства

Главный объект CA находится в Центре исполнительских и изобразительных искусств Анжелики и Расса Берри, в котором есть два ультрасовременных театра, репетиционная и танцевальная студия, магазины декораций и костюмов, помещения для музыки, фотографии и изобразительного искусства, а также художественные галереи. Существует также отдельный комплекс скульптурных студий и крылья H и C, в которых есть высококлассные лаборатории графического дизайна, кино и звукового дизайна, телестудия, студия конвергентной журналистики и частные наборы для редактирования видео.

Экспериментальный

Школа современного искусства поощряет студентов к участию в стажировках и совместном обучении. Внешнее трудоустройство облегчается в области графического и веб-дизайна, печатной журналистики, радио, телевидения, профессионального театра, художественных галерей и музеев и т. Д. Организации, в которые были трудоустроены наши студенты, включают:

• Минолта
• Шарп Электроникс
• Сони
• МТВ
• Вх2
• Си-Эн-Эн
• Новости FOX
• Канал Сандэнс

• WNET-ТВ
• WABC-ТВ
• WWOR-ТВ
• Медиа-группа Северного Джерси
• Американский музей естественной истории
• Метрополитен-музей
• Театральная труппа Карусель
• Общественный театр Джозефа Паппа

В дополнение к практическому обучению студенты получают кредиты степени за свой опыт.

Внеклассная

CA связан с различными внеклассными мероприятиями, в том числе:

• Общество художников-визуалов
• Креативный Медиа Клуб
• RCTV (студенческая телевизионная станция)
• Национальное общество чести коммуникационных искусств
• Национальный Альфа Пси Омега

• Общество чести театра
• Новости Рамапо (студенческая газета)
• WRPR 90.

  No related posts.