Модерн в живописи: Art Nouveau | Arthive

Стиль модерн в искусстве

Модерн в искусстве — это художественное направление, процветавшее в период между 1890 и 1910 годами по всей Европе и США. Для него характерно использование длинной, извилистой линии. Чаще всего элементы этого стиля использовались в архитектуре, проектах интерьера, ювелирных изделиях и дизайне стекла, плакатах и ​​иллюстрациях. Это была целенаправленная попытка создать новый стиль, свободный от подражательного историзма, который доминировал в большей части искусства и дизайна 19-го века.

Название

Как утверждает история искусств, модерн появился сначала в Англии и вскоре распространился на европейский континент. Там он был известен под разными названиями: югендштиль (Jugendstil) в Германии, сецессион (Sezessionstil) в Австрии, флорель или либерти (Floreale или Liberty) в Италии и модернизмо или модерниста (Modernismo или Modernista) в Испании, во Франции он получил название ар-нуво (art nouveau). Термин «модерн» был придуман галереей в Париже, которая выставляла большую часть работ этого направления.

В Англии непосредственными предшественниками стиля стали эстетизм иллюстратора Обри Бердсли, который много внимания уделял выразительным качествам органичных линий и движения, представленным в работе «Искусство и ремесло» Уильяма Морриса, который установил важность жизненного стиля в прикладном искусстве. На европейском континенте на развитие стиля модерн также влияли эксперименты с выразительностью линий художников Пола Гогена и Анри де Тулуз-Лотрека. Частично развитие этого направления было вдохновлено модой на японские гравюры укие-э.

Известные представители

Было много художников и дизайнеров, которые представляли стиль модерн в европейском искусстве и искусстве Америки. Среди наиболее известных был шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош. Он специализировался преимущественно на геометрической линии и особенно повлиял на австрийский модерн. Бельгийские архитекторы Генри ван де Вельде и Виктор Орта своими чрезвычайно извилистыми и деликатными структурами оказали влияние на французского архитектора Гектора Гимара, еще одну важную фигуру в этом художественном направлении.

К этому списку стоит добавить американского производителя стекла Луиса Комфорта Тиффани, производителя французской мебели и дизайнера металлоконструкций Луи Мажореля, чешского графического дизайнера-художника Альфонс Муху, французского дизайнера стекла Рене Лалика, американского архитектора Луиса Генри Салливана, который использовал изделия ар-нуво, чтобы украсить свои традиционно структурированные здания, испанского архитектора и скульптора Антонио Гауди, возможно, самого оригинального художника, который вышел за рамки привычного, чтобы превратить здания в извилистые, ярко окрашенные органичные конструкции.

Дальнейшее развитие

После 1910 года модерн в искусстве 20 века казался старомодным и ограниченным и, как правило, использовался как декоративный стиль. Однако в 1960-х годах его реабилитировали, в частности, благодаря крупным выставкам, организованным в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1959 г.) и в Национальном музее современного искусства (1960 г.), масштабной ретроспективе Бердсли, проведенной в Музее Виктории и Альберта в Лондоне в 1966 году.

Выставки повысили статус этого художественного направления, которое часто рассматривалось критиками как проходящая тенденция, до уровня других крупных направлений современного искусства конца XIX века. Затем направление возродились в стилях поп-арт и оп-арт. Цветочные органичные линии в стиле модерн были возрождены как новый психоделический стиль в моде и в типографии, его использовали на обложках альбомов рок- и поп-музыкантов и в коммерческой рекламе.

Создание направления

Этот современный стиль считался попыткой создать международное направление в искусстве, основанное на декоративных элементах. Как направление в искусстве, модерн был разработан энергичным и блестящим поколением дизайнеров и художников, которые стремились создать художественную форму, соответствующую современности.

Во многих отношениях это был ответ на промышленную революцию. Технологический прогресс был встречен художниками, которые освоили эстетические возможности использования новых материалов в их произведениях. Впервые стиль модерн в искусстве появился в 1893 году, когда Виктор Орта в качестве декоративного элемента в домах буржуа в Брюсселе представил железо и литье.

Художники, работавшие в этом направлении, разделяли убеждение, что все искусства должны работать в гармонии, чтобы создать «общее произведение»: здания, текстиль, мебель, ювелирные изделия, одежда — все должно соответствовать принципам модерна.

Что отличает ар-нуво от других стилей

Как направление в искусстве, модерн характеризуется использованием извилистых, длинных органических линий наряду с умеренными и темными цветами. Наиболее часто используемые цвета – желтый, горчичный, темно-красный, оливковый, коричневый и некоторые фиолетовые и синие оттенки.

Другие особенности представлены гиперболами, параболами и обычными лепными украшениями, которые как будто оживают и вырастают в форме растений. Украшение как структурный символ считается частью растущей силы природы. Художники создают органичный и прозрачный мир с цветочными элементами, включая тюльпаны, подсолнухи, васильки и т. д. в сочетании с линиями и простыми волнистыми поверхностями.

Основные области, в которых проявился стиль ар-нуво

Стиль модерн в искусстве считался «тотальным», это означает, что он включает в себя иерархию различных видов, таких как:

• Архитектура.
• Дизайн интерьера.
• Декоративное искусство, включая мебель.
• Текстиль.
• Ювелирные изделия.
• Серебро.
• Освещение и другие предметы интерьера.
• Различные виды изобразительного искусства.
• Плакаты и иллюстрации.

Архитектура

В архитектуре стиль модерн в первую очередь демонстрирует синтез орнамента и структуры. Этот тип характеризовался либеральным сочетанием материалов, таких как стекло, железо, керамика и кирпичная кладка. Как особый стиль искусства модерн в архитектуре использовался в создании интерьеров, в которых колонны становились толстыми лозами с расширяющимися усиками, а окна — отверстиями, которые пропускали воздух и свет, дополняя цельный образ. Этот подход был прямо противоположным традиционным архитектурным ценностям и ясности структуры.

Здания в стиле модерн имеют следующие особенности: асимметричные формы, изогнутое стекло, широкое использование арки и изогнутых форм, мозаика, растительные украшения, витражи и японские мотивы.

Классическим примером является Casa Mila — жилой дом, построенный Гауди для семьи Мила (1905-1907), показывающий, как разные части органически связаны с базовым планом.

Одним из высших качеств архитектуры в стиле модерн является использование теории структуры для раскрытия строительных элементов здания. Очень часто железо становится видимым элементом фасада, чаще всего выполняя декоративную функцию.

Стекло в основном используется в сочетании с железом. Стеклянная стена также получила значительное независимое развитие в эпоху модерна. Большое предпочтение оказывалось и лестницам. Стеклянные и железные, их все чаще использовали в проектах знаменитые архитекторы.

Дизайнеры в стиле модерн выбрали и модернизировали некоторые абстрактные элементы стиля рококо, а также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения в своих произведениях. Таким образом, в архитектуре появились многочисленные элементы в форме травы, насекомых, водорослей и тому подобного.

Печать в стиле модерн

Типографские изделия являются ключевыми в понимании этого направления искусства. Например, литография «Тропон» Анри ван де Вельде (1898) показывает отличительные цветовые варианты печати в стиле ар-нуво: сочетание бледно зеленого цвета, яркой охры и оранжевого. Цвета были объединены с буквами слова «тропон». Простая композиция сочетает в себе новый стиль выбора цвета с извилистыми линиями.

Двухмерные элементы в стиле модерн использовались в различных популярных формах, таких как плакаты, рекламные объявления, этикетки и журналы. Стиль считался экстравагантным благодаря использованию изогнутых линий («удар кнутом») и часто цветочным мотивом. Но, возможно, коммерческое применение стиля придавало ему особую привлекательность.

Многие прекрасные плакаты в стиле модерн сохранились до сегодняшнего дня, потому что их часто использовали в качестве объектов коллекционирования. Технологический прогресс в литографической печати позволил широко использовать цветную печать. Это, в свою очередь, сделало графический стиль модерна широкодоступным. Рекламные плакаты издавались большими тиражами, чтобы можно было продавать больше копий коллекционерам.

Тенденции в живописи

В попытке проанализировать роль, которую играет ар-нуво в эволюции живописи, следует начать с заявления о том, что его появление явилось реакцией, направленной против импрессионизма (за исключением немецкой культуры). По сути, этот стиль представлял собой протест против развития поверхности и линии. В изобразительном искусстве модерн, фактически, означал конец иллюзионистской концепции формы.

Изображения имеют большое значение для контекста посредством того, как линии передают атмосферу картины или отражают значимость декоративных элементов. Это течение можно также воспринимать как предшественника экспрессионизма. В то же время в стиле ар-нуво подчеркивается не только декоративная сторона, но и уникальная ценность в живописи в целом.

Изделия из стекла

Модерн в декоративном искусстве представлен в разных областях. Стекольное производство было одной из тех областей, где он нашел большую возможность для выражения. В качестве примера можно представить работы Луиса Комфорта Тиффани в Нью-Йорке, Эмиля Галле и братьев Даума в Нанси, Франция, Чарльза Ренни Макинтоша в Глазго.

Ювелирные изделия периода ар-нуво

Основным источником вдохновения для ювелирных изделий в стиле ар-нуво была природа. Работы были дополнены новыми уровнями виртуозности в эмалировании и внедрением новых материалов, таких как полудрагоценные камни и опалы.

Художники-ювелиры также нашли вдохновение в японском искусстве, они продемонстрировали более специализированный подход в использовании японских навыков металлообработки, создали новые темы и по-новому подошли к изображению орнамента.

Влияние на современный дизайн

Хотя это художественное направление стремительно теряло свою популярность (после 1910 года эпоха модерна в искусстве завершилась), его значение в прикладном искусстве и архитектуре остается весьма значимым. Можно сказать, что этот стиль имеет полное право занимать особое место в истории искусства.

Движение в стиле модерн оказало большое влияние на иллюстраторов, художников и развитие торговли печатными изданиями в Соединенных Штатах, включая период возрождения этого художественного направления во время послевоенного движения хиппи 1960-х годов. Даже сегодня некоторые из лучших образцов того времени, выполненных в этом стиле, можно увидеть практически во всей индустрии визуальных коммуникаций — например, портрет Мэрилин Монро для Visages De Renom от нью-йоркского иллюстратора Ле Каца или работы Милтона Глейзера и его студии Push-Pin.

За последние двадцать лет в стиле модерн в искусстве наблюдалось некоторое оживление, обусловленное развитием постмодернизма. Художники во всем мире используют его элементы для вдохновения. Они включают извилистые линии, цветочные элементы, природные особенности и характерные цвета.

Россия

В Российской империи модерн в современном искусстве, пожалуй, был одним из самых влиятельных художественных и архитектурных направлений, которое сформировало появление некоторых городов в том виде, в котором мы привыкли их видеть: Петербурга и, в меньшей степени, Москвы, Нижнего Новгорода и многих других.

В русской архитектуре это направление было первым буржуазным стилем, в большей степени даже купеческим, появившимся на рубеже XIX-XX веков. В этот период такое направление в архитектуре в ходе своего формирования и развития как бы повторяет эволюцию архитектуры России: от барокко, вдохновлявшегося древнерусской архитектурой, до классицизма, преодолевая романтизм и достигая высот классики Возрождения именно в XIX веке, получившем название Золотого века русской культуры.

Первым объединением художников, занимавшимся развитием модерна в русской культуре, стал «Мир искусства». Его представители стремились к модерну и символизму и отдавали приоритет эстетическому началу в искусстве, противопоставляя его остросоциальной направленности, свойственной передвижникам. В разное время это объединение было представлено художниками А. Н. Бенуа, Л. С. Бакстом, Н. К. Рерихом, М. В. Добужинским, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумовой-Лебедевой, К. А. Сомовым и другими. Близкими им по духу были И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и другие.

Если направленность творчества некоторых художников, представлявших объединение «Мир искусства», можно рассматривать как чистый эстетизм, то основой творчества Серова, Левитана, Серебряковой была природа. Они стремились выявлять ее красоту, внося ее в жизнь человека. Такого же рода эстетика была свойственна и А. П. Чехову. Архитектора Ф. О. Шехтеля считали одним из самых выдающихся представителей модерна в русском искусстве. Он, как и Левитан, был выпускником Училища живописи, ваяния и зодчества. Именно в это же время шло формирование выдающегося русского писателя, который в то время был студентом медицинского факультета Московского университета.

В ту эпоху появилось много выдающихся деятелей русского искусства. Шехтель занимался строительством частных особняков, одним из самых ярких примеров этого является особняк С. П. Рябушинского в Москве (1900-1902), включая все его внутреннее убранство. Также архитектор занимался возведением доходных домов, зданий торговых фирм, вокзалов, театров, кинематографов. Искусство модерна в России, в том виде, каком оно проявило себя в Москве, называют еще неорусским стилем. Примером этого могут быть фасад Третьяковской галереи, который выполнялся по проекту В. М. Васнецова, выполненный в том же стиле Ярославский вокзал, автором которого был Шехтель, или Казанский вокзал, проект которого создал архитектор А. В. Щусев. Для русского модерна в Петербурге был характерен очевидный поворот в сторону неоклассицизма, что позже отмечалось также и в архитектуре Москвы. Здание Азовско-Донского банка, автором проекта которого был Ф. И. Лидваль, похоже на итальянский дворец эпохи Возрождения. В аналогичном стиле был спроектирован и построен особняк Г. А. Тарасова в Москве на Спиридоновке, который построил архитектор И. В. Жолтовский.

Модерн в русской живописи стал эпохой появления великолепных произведений. Это направление в России в первую очередь было своего рода умонастроением. Новое веяние привело к обновлению выразительных средств, которые использовали такие выдающиеся художники, как Левитан, Серов, Врубель, а в литературе — Чехов, объединивший в своем творчестве классику и модерн. Художники, объединившиеся в «Мир искусства», отходя от передвижничества, стали представителями этого стиля в его самый поэтический период.

Модерн и символизм Сходства и различия //Текст

13 октября 2021

Модерн и символизм развивались параллельно в искусстве рубежа XIX–XX веков. Стиль модерн воплощал идеи символизма, в то время как символизм как художественное направление транслировал свои идеи с помощью пластического языка модерна. Но несмотря на близость мотивов и образов, модерн и символизм имели разные истоки и разную идейную платформу. Как все же различить символизм и модерн? Где они пересекаются? И где проходит граница между понятиями направления и стиля в искусстве?

Автор: Екатерина Середнякова

Содержание статьи

Стиль и направление

Михаил Врубель. Голова Демона. 1890–1891. Бумага, акварель, прессованный уголь, графитный карандаш.

Государственная Третьяковская галерея

Символизм

— направление в европейской и русской культуре рубежа XIX–ХХ веков, отразившееся в поэзии, литературе, изобразительном искусстве, театре, музыке. В эпоху символизма все формы духовной и творческой деятельности — философия, религиозные поиски, поэзия, изобразительное искусство — стремятся обогатить выразительные средства друг друга и прийти к общекультурному синтезу.

Елена Поленова. Жар-Птица. Панно. 1897. Бумага, гуашь.

Государственная Третьяковская галерея

Модерн — последний большой общеевропейский стиль, на основе которого  воплотился синтез различных форм пространственных и изобразительных искусств. Формирование стиля происходит на рубеже XIX–ХХ веков. Во Франции его называют ар-нуво, в Германии — югендстиль, в Австрии — cецессион, в России — модерн.

Стиль начал набирать силу в начале 1890-х годов, в 1900-х он пережил расцвет и развивался до середины 1910-х годов.

Истоки

Символизм берет начало во французской поэзии: Шарль Бодлер, Поль Верлен, Артюр Рембо, Стефан Малларме. Во французской живописи история символизма развивается в течение двух периодов — 1880-х и 1890-х годов. К первому этапу относится творчество Пьера Пюви де Шаванна и Гюстава Моро, ко второму — творчество художников группы «Наби» и Одилона Редона. Параллельно символистские тенденции развиваются в Англии, в творчестве художников Братства прерафаэлитов и Обри Бёрдслея. Практически во всех национальных школах Европы появляются яркие художественные личности и объединения художников.

Истоки стиля модерн восходят к английскому искусству и связаны с творчеством   художников Братства прерафаэлитов, основанного в 1848 году. Под влиянием идей теоретика Джона Рёскина — возвращению к средневековой радости ремесленного труда, отказу от массового фабричного производства — начинает работать его ученик и последователь Уильям Моррис, основавший впоследствии «Движение искусств и ремесел» (1880).

Уильям Моррис стоит у истоков формообразования модерна, его растительные сетчатые орнаменты пронизаны идеей многослойных превращений, они зачаровывают магией постепенного разгадывания.

Идеи

Николай Сапунов. Мистическое собрание. Эскиз для постановки драмы А. Блока «Балаганчик». 1909. Бумага, темпера, перо, бронзовая краска, алюминиевая краска, уголь.

Государственная Третьяковская галерея

Наследуя традиции Средневековья и эпохи романтизма, символизм обращается к постижению духовных законов, управляющих мирозданием. Он объединяет религиозно-мистические искания, откровения иррациональной интуитивной философии «жизни» (Артур Шопенгауэр, Фридрих Ницше, Анри Бергсон) и теорию панэстетизма (теорию всепобеждающей красоты). Идеалистичность символизма противостоит позитивистской направленности предшествующей эпохи.

Творчество понимается как высшее проявление духа, личность художника-творца абсолютизируется. Конечная цель художника-символиста — превращение собственной жизни в произведение искусства. В частности, это проявляется в мифологизации и своего рода канонизации таких культовых фигур эпохи, как Михаил Врубель, Николай Сапунов, Александр Блок. Погружаясь в бездны мрака и света, символист становится причастным надмирным тайнам. Эти тайны провидятся им через поиски соответствий мира реального и «незримого очами». В отличие от других эпох, когда искусство активно обращалось к символическому языку, символизм рубежа XIX–XX веков не имел сложившейся философско-религиозной системы и на протяжении всего недолгого периода своего формирования находился в поиске, пытаясь прийти к синтезу христианства с восточными религиями, теософией и антропософией.

Особняк С.Т. и З.Г. Морозовых на Спиридоновке. Фотограф И.Н. Александров. Конец 1890-х. Фотография из альбома Ф.О. Шехтеля.

Научно-справочный отдел фотокиноматериалов Государственной Третьяковской галереи

Стиль модерн, во многом опираясь на жизнестроительные идеи символизма, одержим утопической задачей пересоздать мир по новым художественным принципам. Как всякий большой стиль, модерн претендует на синтез искусств на базе архитектуры, намечая радикальные инновации. Излюбленной архитектурной формой становится частный особняк, хотя модерн разрабатывает новаторскую концепцию и общественных зданий: вокзалов, гостиниц, доходных домов, музеев, культовой архитектуры.

Новаторство прежде всего касается основополагающих принципов архитектурной конструкции. В основе ее в модерне лежат криволинейные очертания и атектоничные соотношения архитектурных масс. Архитекторы модерна развивают открытие металлического каркаса как конструктивной основы здания, при этом в отличие от предшествующей эпохи элементы конструкции эстетически обыгрываются. Металлический каркас позволяет разгрузить стену, увеличить масштаб окон и световых фонарей.

Структурной реформе подверглись основополагающие позиции объемно-пространственной композиции здания, которое теперь развивается изнутри наружу, как живой организм. Доминирующую роль играет интерьер, где прослеживается тенденция к созданию единой художественной среды с использованием различных форм декоративных и прикладных искусств.

Именно в интерьерах модерна достигается в наибольшей мере идея Gesamtkunstwerk.

Уильям Моррис и его товарищи по Братству прерафаэлитов Эдвард Бёрн-Джонс и Данте Габриэл Россетти впервые осуществили задачу создания единой синтетической среды в новой стилистике модерна, объединяющей под эгидой архитектуры изобразительное и прикладное искусство в Красном доме Морриса, построенном в 1860 году. Инициативы Рёскина и Морриса привели к появлению в разных странах художественных колоний, объединенных идеей возрождения старины, что обозначило национально-романтическое направление.

В период расцвета модерна как развитие идеи движения искусств и ремесел, заложенной Уильямом Моррисом, на первый план выходят различные формы прикладных искусств: витраж, чугунное литье, гобелен, майоликовые панно, мозаики, фрески, маркетри, керамика, стекло. Невиданный расцвет переживает ювелирное искусство. Намечается повышенный интерес к реформе моды, предвосхитивший модный бум в XX веке. Для модерна также характерно повышенное внимание к малым формам синтеза: книге, художественным журналам. Невиданный расцвет переживает искусство сценографии.

Художественные принципы

Виктор Борисов-Мусатов. Реквием. 1905. Бумага, акварель, перо.

Государственная Третьяковская галерея

Символ — эстетическая категория, отличная от художественного образа и аллегории. «Он изрекает на своем сакральном и магическом языке намека и внушения нечто неадекватное внешнему слову», он «неисчерпаем и беспределен в своем значении», «многосмыслен и всегда темен в последней глубине» (Вяч. Иванов. «Поэт и чернь»). Символ ознаменовывает существование высших миров.  Преломляясь во внутреннем зрении символистов, реальный мир превращается в поэтическую метафору или миф.

Опосредованное, умозрительное восприятие мира приводит символистов к авторскому мифотворчеству, часто на основе традиционных мифопоэтических мотивов.

Вопреки распространенному заблуждению, символизм не всегда обращается к традиционной символике, понимаемой как эмблематика. Подчас мы напрасно будем искать предметные «символы» в произведениях Врубеля или Борисова-Мусатова. Символический смысл неотделим от пластической и поэтической ткани произведений и трактуется в контексте тех трансформаций натурных образов, которые мы у них встречаем.

В изобразительном искусстве символизм воплощает свои идеи с помощью пластического языка стиля модерн, но также может использовать позднеакадемические формы и приемы натурализма. Эклектичность языка  встречается у целого ряда представителей раннего символизма, например, у английских прерафаэлитов, французских первопроходцев этого направления Пюви де Шаванна и Гюстава Моро.

Михаил Врубель. Жемчужина. 1904. Картон, уголь, гуашь, пастель.

Государственная Третьяковская галерея

Формообразующим первоэлементом модерна является кривая линия, получившая название «удар бича», или «серпантинная» линия, она воплощает духовное начало, пронизывающее природные формы. Линии в модерне то вязкие и тягучие, то порывистые, чуткие к внутренним импульсам. Они пронизывают форму как нервюры.

Стиль модерн, воплощая идеи символизма, стремится к созданию универсального языка, основанного на орнаментальной стилизации природных форм и стихий. Мастера модерна любят стилизовать изысканные очертания цветов, движение волны, струйки дыма, языки пламени, дуновение ветра. Такое внимание к изображению природных форм во многом идет от увлечения японским искусством. Также модерн ориентируется в своем орнаментальном формообразовании на стили прошлого, имевшие дело с криволинейными, атектоничными формами. Это прежде всего готика и рококо. Проникая в   скрытый мир энергий, передающий пульсацию жизни — рост, порыв, стремление, увядание, — мастера модерна стремятся услышать симфонию мира в целом.

Вместо трехмерного пространства и объемного предмета классической живописи в модерне мы видим плоскость и комбинации цветовых пятен, оконтуренных линией (клуазонизм), что растворяет предмет изображения в орнаментальной стихии, приводит к слиянию и наложению пространственных планов. Плоскость становится символом пространства, орнаментальный арабеск — предмета.

Цвет также условен и не передает непосредственно натурные впечатления. Излюбленные цвета модерна: перелив павлиньего пера, перламутра, поблекшие тона гобелена, сверкающие краски витражей, текстуры «агатового стекла» и драгоценных камней. В целом в колористике модерна можно отметить предпочтение холодной части спектра. Свет в произведениях модерна не пленэрный, солнечный, а таинственно мерцающий, закатный, лунный или призрачный, подобный мистическому свечению.

Иконография

Виктор Борисов-Мусатов. Сон божества. 1905. Бумага, акварель, перо, графитный карандаш.

Государственная Третьяковская галерея

Символисты часто используют образы сна, грезы, видения. Через интуитивное прозрение символистического смысла осуществляется прорыв к постижению мирового единства, основанного на универсальном соответствии.

У символизма-модерна есть круг излюбленных тем и сюжетов, своеобразная иконография: изображения мифических существ — духов тьмы и света, оборотней, полулюдей, полузверей, образы женственности как высшего воплощения красоты и одновременно гибельного разрушительного начала, вихревые танцы, шествия, образы иных измерений: мотив двойной рамы, водоема, гобелена, зазеркалья.

Наполненное движением орнаментальной стихии изображение в стиле модерн находится в состоянии постоянных превращений — метаморфоз. Игра орнаментальных мотивов напоминает то волну, то лепесток цветка, то птицу, то женщину, то переливы минерала, причем каждый виток превращений хранит память о предыдущем. Полурастворяясь в орнаментальной стихии, формы, как эхо, напоминают о круговороте, пронизывающем мироздание.

Особое внимание мастера модерна-символизма уделяют разработке темы сумерек, тьмы как отражения непознаваемой иррациональной стороны мира. В общем стремлении к синтезу искусств в изобразительном искусстве модерна  появляются новые формы, предполагающие синтез станкового и монументального начал, графики и живописи, картины и декоративного панно, театральной декорации, что приводит к появлению новой формы картины-панно.

В России

Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею. 1889–1890. Холст, масло.

Государственная Третьяковская галерея

Символизм приходит в Россию в конце 1880-х годов и проявляется в деятельности Абрамцевского художественного кружка в русле национального романтизма, для которого характерно поэтическое осмысление народного искусства, эпоса и фольклора. Этот этап, связанный с творчеством Виктора Васнецова, Михаила Нестерова, Михаила Врубеля, отчасти Исаака Левитана и других, явился своего рода предсимволизмом. В дальнейшем в свой зрелый период, в 1890–1900-е годы, это направление переживает в своем развитии два этапа: первый связан с творчеством Михаила Врубеля и объединения «Мир искусства», второй — с творчеством Виктора Борисова-Мусатова и мастеров  объединения «Голубая роза».

В русской художественной жизни у истоков модерна также оказывается Абрамцевский художественный кружок, принципы которого получают развитие в художественном центре Талашкино, сформировавшемся около 1900 года. Из них вышли крупные мастера, творчество которых привело к формированию неорусского стиля: Виктор Васнецов, Михаил Нестеров, Елена Поленова, Александр Головин, Михаил Врубель, Николай Рерих, Сергей Малютин и другие. Эти мастера в своих авторских стилизациях опираются на традиции народного прикладного искусства и архитектуры. Неорусский стиль стал своего рода предмодерном, определившим национальное своеобразие истории русского модерна.

Превью: Михаил Врубель. Весна. После 1899. Майолика. Государственная Третьяковская галерея

Текст

12.10.2021

Читать

Текст

18.10.2021

Читать

Выразить одобрение автору публикации!

• #Текст
• #XX век
• #символизм
• #модерн

Рассказываем обо всем через призму русского искусства

живопись, графика, скульптура, ювелирные мастера, интерьер и мебель модерна — AMA Light на vc.ru

225 просмотров

В первой статье мы разобрали: терминологию, идею и особенность стиля модерн.

Во второй статье мы поговорили о: классификации, предмодерне и начальном периоде развития модерна.

В третьей статье мы обсудили: этапы развития и угасания модерна, архитектура модерна.

Если не успели ознакомиться переходите и читайте. Ставьте лайки и подписывайтесь на наш канал. Ваши отзывы помогают каналу публиковать новые, качественные материалы.

Сегодня мы поговорим о: живописи, графике, скульптуре, ювелирных мастерах, интерьерах и мебели в стиле модерн.

Живопись и модерн

Символисты оказали огромное влияние на живопись модерна. Именно символисты привнесли в живопись модерна стремления переходить от традиционной формы 19 века к новейшим европейским течениям, носившие порою условную принадлежность к той или иной стране.

Живопись модерна характеризуется идеей стремления создавать самостоятельную художественную систему. Один из основных представителей этой идеи стал Поль Гоген с «Понт-авенской школой». Отличительной особенностью картин и панно стиля модерн, является рассмотрение этих произведений, как элементы интерьера, создавая тем самым этими картинами новой эмоциональной окраски. Из-за этого, такое качество, как декоративность стала неотъемлемой частью живописи стиля модерн.

Поль Гоген

Для работ Густава Климта, Фернана Кнопфа и Михаила Врубеля характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментных фонов («ковровый фон») и «вылепленные» со скульптурной чёткостью фигуры и лица на первом плане, а в работах Леона Бакста, Александра Бенуа и Эдварда Мунка мы видим большие цветовые плоскости и тонкие подчёркнутые нюансы. Всё это придаёт картинам модерна сильную выразительность. Ещё символисты привнесли в живопись модерна символику линии и цвета. В модерне широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики. Распространение получили темы мира тайны, снов, легенд, сказок. Ярким образцом живописи модерна стали картины Густава Климта. Творцы модерна создавали свои картины практически по всему миру: Австрия, Великобритания, Германия, Италия, Голландия, Россия, США.

Густав Климт

Фернан Кнопф

Михаил Врубель

Леон Бакст

Александр Бенуа

Эдвард Мунк

Графика и модерн

В модерне сильно распространилась журнальная и книжная графика, афиши и плакаты. Вышло больное количество журналов в стиле модерн, например:

Мюнхенский «Югенд», Берлинский «Пан», Дармштадский журнал «Немецкое искусство и украшение», упомянутый в прошлой статье журнал «Студия» из Лондона, Фландрийский «С этого момента и позже», также уже упомянутый Парижский «Искусство и украшение» и «Белый журнал», Венский «Весна священная», Пражский «Бесплатные направления», Петербуржский «Мир искусства» и много других.

Журналы про модерн:

Графика – это та область из которой берут своё начало и разваются. Большое влияние на модерн оказала обложка, созданная для книги «Городские церкви Рена» английского художника и архитектора Артура Хейгейта Макмердо. Особенности дизайна, появившегося в 1883 году — это цвет, а также сильно изгибающиеся стебли и листья в одноцветном исполнении. Так как это была обложка книги, которая посвящалась архитектуре и купленная, вероятнее всего, британскими архитекторами, она оказала сильное влияние на создание изгибов и форм архитектурного стиля Ар-нуво.

«Городские церкви Рена» Артур Хейгейт Макмердо

Под конец 19 века был сформирован вид графического искусства, который называют плакат. Появление плакатов было обусловлено новой техникой литографии в типографской промышленности. Что позволило тиражировать плакаты сразу в несколько тысяч оттисков.

В создании Афиш и Плакатов прославился известный чешский художник Альфонс Муха и французский художник Эмиль Гарсе.

Альфонс Муха

Значительной фигурой английского модерна стал Обри Бёрдсли — автор иллюстраций к книге Оскара Уайльда «Саломея» и рисунков для журнала «Жёлтая книга».

Обри Бёрдсли

Бердсли отделил свет от тьмы. Для света — белая бумага, для тьмы — чёрная тушь. И никаких полутонов. Линия приобрела удивительную силу. Началась новая эра графики. Крайняя простота средств: только чёрное и белое, лист бумаги, перо, флакончик туши. Но там, где он хотел показать свою поразительную «способность стараться», его техника становится похожей на тончайшее кружево: фронтисписы к «Саломее», к «Венере и Тангейзеру», «Вольпоне», сюите «Похищение локона».

Николай Кузьмин, Русский график

Скульптура и модерн

На скульптуру модерна, так же, как и на живопись сильное влияние оказал символизм. Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, её предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров:

Огюст Роден

Аристид Майоль.

Чешский модернист Франтишек Билека.

Наум Аронсон — он единственный из художников создал скульптурный портрет. Его работы украшают многие музеи и галереи мира.

Итальянский модернист Адольфо Вильдт

Модерн и ювелирное искусство

Форма листа или волны характерные признаки ювелирного искусства в стиле модерн. Избегание прямой геометрической формы, использование приглушенной пастельной и матовой палитры и материала, также принадлежат к отличительным чертам модерна в ювелирном искусстве. Не отказывались ювелиры от золота, но ювелирный стиль ар-нуво среди излюбленных материалов выделял полудрагоценные непрозрачные камни, такие как опал, лунный камень, бирюза, а также жемчуг, эмаль, слоновую кость. Бриллианты и другие драгоценные камни используются в изделиях ар-нуво преимущественно в качестве вспомогательных декоративных элементов. Основные мотивы были растения, животные, насекомые и сказки.

Среди наиболее выдающихся ювелиров эпохи модерна можно отметить:

Рене Лалик

Алексей Фализ

Луис Тиффани

Жорж Фуке.

Интерьер и модерн

Интерьер в эпоху модерна стал играть более важную роль — это было продиктовано архитектурой, которая создала новые способы компоновки внутреннего пространства и открыла путь к полному соответствию внешнего пространства внутреннему. Самым первым интерьером модерна можно считать знаменитую «Павлинью комнату», оформленную Джеймсом Уистлером в Лондоне. Интерьер строился на полном неприятии прежних архитектонических принципов оформления внутреннего пространства. Стены помещений покрывались не образующими, казалось бы, никакой закономерности причудливыми, асимметричными формами, капризно извивающимися линиями. Потолки декорировались, как правило, плоскорельефной гипсовой пластикой, стены оформлялись более красочно, занавеси делали светлыми.

Джеймс Уистлер «Павлинья комната»

Мебель и модерн

Исследователи традиционно отмечают, что создатели мебели эпохи модерн придерживались одной из двух линий: представители французской, чешской и венгерской разновидностей стиля модерн — декоративной (капризные формы и контуры), немецкие и английские мастера — конструктивной (прямолинейность, ясное построение). Причем последняя более характерна для немецких и английских изделий. Предметы, тяготеющие к конструктивной ясности линий и форм, более просты, элемент декора сведен в них к минимуму. Это направление полнее всего представлено в творчестве мебельных мастеров Рихарда Римершмидта и Отто Панкока. В Австрии, а затем и в Германии было освоено производство таких мебельных форм (особенно шкафов), которые уже во всех отношениях отличались от прежних типов. Предметы немецких, венских и английских мебельщиков, созданные в геометрическом «пуританском» стиле, яснее по конструкции и форме, проще, декор в них сведен к минимуму. Эта линия модерна ведет к подлинной современной мебели.

Рихард Римершмидт

Гладкие, нерасчлененные мебельные поверхности стиля модерн получаются благодаря переходу на механизированное фанерование и сборку. Считается, что изогнутые формы мебели модерна берут с рождение ещё в середине XIX в., когда знаменитая венская фабрика Михаэля Тонета запустила в производство стул, сконструированный из гнутой под паром древесины, — «венский стул».

«Венский стул» Михаэль Тонет

Одним из достижений модерна — считается то, что художники, проектировавшие мебель, наблюдали за осуществлением своих замыслов непосредственно в мастерских. Услугами проектировщиков пользовались даже при меблировке квартир в доходных домах. Это открывало возможность для осуществления идеи гарнитура, комплекта мебели. Близость художников—проектировщиков к производству благоприятно сказывалась на работе мастерских.

Французская, бельгийская и испанская мебель представлена изысканными шкафами-витринами и этажерками:

Луи Мажорель

Карло Бугатти

Антонио Гауди

Освещение и модерн

Выбор освещения в стиле модерн не лёгкая задача. Изогнутые линии светильников. Формы напоминающие природные мотивы листа или стебля растений. Светильники в форме волны или облаков. Это отличительные особенности освещения в стиле модерн, которое не идёт в разрез с общей картиной, а дополняет её. Чаще всего для подбора освещения приходится делать светильники на заказ, чтоб они идеально повторяли форму и орнамент помещения.

Природные мотивы светильников

Светильники в форме волны

Светильники в форме облаков

Множество разных компаний предлагает свои услуги на этом рынке, но не все отвечают заявленным критериям качества и способны предложить или изготовить то, что нужно именно Вам.

Но мы сможем Вам помочь закончить оформления дома в стиле модерн, чтобы никакой элемент не выбивался на общем фоне.

Переходите и заказывайте светодиодные дизайнерские светильники специально для Вас!

Не забывайте подписаться на наш канал, следите за новостями. Тут выходит много интересного.

Каковы характеристики живописи в стиле модерн?

`;

Арт.

Факт проверен

Дебра Барнхарт

Дата последнего изменения: 11 октября 2022 г.

Стиль ар-нуво, что в переводе с французского означает «новое искусство», возник в конце 1800-х годов как реакция на строгие греческие и римские классические идеалы, которые затмили большую часть XIX века. Живопись этого периода демонстрирует декоративные элементы и акцент на природе, типичные для движения модерн. Многие художники рисовали в стиле модерн, но одними из самых известных были Густав Климт, Анри Матисс и Альфонс Мария Муха. Хотя у этих художников были свои индивидуальные стили, каждый из них использовал декоративные узоры и естественные формы, часто встречающиеся в живописи в стиле модерн. Другой основной характеристикой живописи и графики в стиле модерн было использование женщин в качестве сюжета.

Густав Климт родился в 1862 году в Вене в семье ювелира. Он стал художником в подростковом возрасте. На самых известных картинах Климта были изображены женщины, иногда обнаженные или частично обнаженные. У этих картин были замысловатые орнаментальные фоны удивительной красоты. Хотя некоторые аспекты картин были реалистичными, обычно женские лица — основная часть большинства картин Климта — состояли из абстрактных форм и линейных узоров, характерных для живописи в стиле модерн. Климт рисовал тонко, деликатно и часто использовал золотую краску, возможно, из-за влияния профессии его отца.

Анри Матисс находился под влиянием модерна, но его стиль менялся на протяжении всей жизни, особенно с тех пор, как он дожил до 19 лет. 54, когда модернизм был в самом разгаре. Как и Густав Климт, Матисс часто рисовал женщин и использовал декоративные элементы на заднем плане, но он был более деспотичным художником, который предпочитал большие области яркого цвета. Матисс завершил картину Десерт: Гармония в красном в 1908 году. Сюжетом этой картины является женщина, подающая десерт, и скатерть, и стена за женщиной украшены декоративными цветами и ветвями, типичными для живописи в стиле модерн.

Родившийся в Чехии художник Альфонс Мария Муха, которого можно считать типичным художником в стиле модерн, был и гравером, и художником. Его литографии сделали его работы более доступными для широкой публики. Картина 1896 года « Зима » является представителем стиля модерн и изображает женщину снаружи, окруженную заснеженными ветвями. Картина явно вдохновлена ​​азиатским искусством, а сильно очерченные ветви деревьев образуют сложный узор. Хотя работы Мухи рассматриваются как стиль модерн и им подражали другие художники модерна, он часто отмежевался от этого движения и утверждал, что его работы являются отражением его чешского происхождения.

Идеализация природы в стиле ар-нуво, пожалуй, лучше всего отражена в том факте, что каждый из этих художников выбрал женщин в качестве основного предмета своего творчества. Помимо использования органических форм и предметов в своих картинах, художники в стиле модерн, казалось, рассматривали женщин как символ природы. Женщины были не только изображены на картинах, но и на рекламных плакатах.

Вам также может понравиться

Рекомендуется

КАК ПОКАЗАНО НА:

Объяснение разницы между ар-нуво и ар-деко

Разница между ар-деко и ар-нуво часто сбивает с толку. В то время как большинство людей смутно знакомы с историческим и стилистическим развитием ар-нуво и ар-деко в живописи и скульптуре, «дизайнерским движениям» в целом уделяется гораздо меньше внимания. В этой статье мы описываем развитие и основные отличия ар-деко от модерна.

 

Главное отличие ар-деко от модерна

Отвечая на вопрос, вынесенный в заголовке статьи, можно сказать, что ар-нуво более органичен, а ар-деко имеет тенденцию быть более полированным. Однако они были созданы в разные эпохи по разным мотивам. См. также примеры ниже.

  _{Ваза в стиле модерн, работа Daum Frères, около 1900 г.}

_{Ваза в стиле ар-деко от Даума Нэнси, ок. 1925, Antes Art 1900}

 

Возникновение «прикладного искусства»

На протяжении многих веков художественные академии доминировали в общей концепции искусства по всей Западной Европе. Таким образом, с иерархической точки зрения живопись и скульптура считались «высшими» видами искусства, тогда как дизайн и декоративно-прикладное искусство рассматривались как «низшие» формы, что приводило к широко распространенному разрыву между изобразительным и прикладным искусством.

 

_{«Бутылка Coca-Cola» прекрасный образец «прикладного» стиля ар-деко, сочетающий красоту и функциональность в повседневном дизайне}

К концу девятнадцатого века, после очередного неоклассического восстания желание отказаться от этих строгих исторических стилей и иерархий росло. В то же время промышленная революция привела к тому, что производство стало высокомеханизированным. Это, в свою очередь, заставило художников искать возрождения хорошего мастерства.

Характеристики стиля модерн

Стиль модерн стал ярлыком, который был присвоен модернистскому движению, возникшему из этого стремления. Трудно определить точное время или место его создания, потому что в то время по всей Европе происходило несколько подобных движений. Но между 1890 и 1914 годами преобладал модерн.

Парижская художественная галерея La Maison de l’Art Nouveau , принадлежавшая коллекционеру авангардного искусства Зигфриду Бингу (1838-1919 гг.)05), была одной из первых галерей, которая представила и опубликовала большую коллекцию работ, созданных во время этого движения. Поэтому его имя часто приписывают этому источнику. №

_{Подвеска/брошь в стиле модерн 1890 года можно приобрести в Adin Fine Antique Jewellery}

Художники в стиле модерн черпали вдохновение в органических и геометрических формах, создавая элегантные и плавные узоры с отчетливым акцентом на контуры, наполненные приглушенными цветами. тона. Ажиотаж вокруг японских гравюр того времени, особенно их цветочных и изогнутых узоров, оказал еще одно очень важное влияние.

Дизайн в стиле модерн применялся в самых разных областях: от графики до мебели, внутренней отделки, архитектуры и изобразительного искусства, лучшими примерами которых являются работы Густава Климта.

_{Портрет Адель Блох-Бауэр I, , также называемый The Lady in Gold или Женщина в золоте Gustav Klimmt, 1907}

Влияние парижской эксп. модерн

Всемирная выставка в Париже 1900 года дала толчок модерну. Он был проведен, чтобы отметить достижения прошлого века и ускорить переход к следующему, и продемонстрировал множество технологических инноваций и новейших произведений искусства. Ярмарка, которую посетили почти 50 миллионов человек, стала настоящим рекордом!

 

^{Обзор «Всемирной парижской выставки 1900 года», которая способствовала развитию стиля модерн}

 

Различные названия ар-нуво

 

В Германии этот стиль популяризировался и пропагандировался журналом под названием Jugend illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben , по этой причине в Германии (и большинстве стран Северной Европы) этот стиль также известный как «Югендстиль».

В Австрии модерн был впервые популяризирован художниками движения Венского сецессиона, что привело к названию Sezessionstil .

Даже в англоязычных странах для описания этого декоративного стиля использовались разные термины; в Соединенных Штатах это называлось «Стиль Тиффани», а в Соединенном Королевстве люди также говорили о стиле Глазго.

Несмотря на большое разнообразие в разных странах и областях дизайна, общим знаменателем стиля модерн была решимость выйти за исторические границы.

_{Фрагмент фасада отеля Céramic в стиле модерн в Париже}

Художники в стиле модерн хотели создать новую реальность, современный мир со своим собственным словарем. характер, показывая динамичные, хлыстовые изгибы и мотивы. В настоящее время считается, что модерн проложил путь для модернистского искусства и стилей дизайна 20-го века. Большое количество его памятников также внесено в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, в том числе исторический центр Риги и отель Tassel в Бельгии.

Появление ар-деко

Незадолго до Первой мировой войны ар-нуво уже начал исчезать, уступая место более модернистской эстетике: ар-деко.

Художники-декораторы пережили повышение статуса на рубеже веков; Точно так же рост благосостояния и социальный, а также технический прогресс породили широкое распространение индустрии роскоши. Это золотое сочетание укрепило движение ар-деко.

^{Скульптура в стиле ар-деко «Обнаженная танцовщица с обручем» Андре Марселя Бурена (Бриан), ок. 1925, галерея ‘Het Ware Huis’}

Арт-деко действительно охватил влияние промышленной революции. Таким образом, дизайн в стиле ар-деко был более симметричным и обтекаемым, пытаясь сделать машинные объекты более эстетически привлекательными для всех.

Крайслер-билдинг, спроектированный, например, Уильямом Аленским, можно рассматривать как настоящую икону ар-деко. Использование изогнутых форм и смелых цветов очень типично.

_{Типичный пример ар-деко, 1930, The Chrysler Building, New York}

Ар-деко был принят дизайнерами и архитекторами по всему миру и оставил впечатляющее наследие во многих городах. На ар-деко также сильно повлияли современные художники того периода, особенно абстрактные формы и формы кубистов, в частности Пабло Пикассо и Жоржа Брака.

Стекло как материал также имело важное значение в эпоху ар-деко, оно стало одним из основных продуктов индустрии роскоши. Работы Рене Лалика особенно символичны для этого периода.

 

_{Рене Лалик, ваза в стиле ар-деко «Лучники», 1921 г., доступная через Lennart Booij Fine Art and Rare Items}

Exposition Internationales des Arts Décoratifs et Industriels Modernes , которая состоялась в 1925 году. Во Франции ар-деко называли Style Moderne. Арт-деко оставался стилем декоративного искусства в течение 20-х и 30-х годов и был в некотором смысле более эклектичным, так как включал в себя элементы из разных стилей.

^{Скальптура ар -деко ‘Dancer с Thyrsus’ By Pierre Le Faguays, 1925}

Современные замены искусства Art Deco

, КОНЕРС . Средний уровень благосостояния резко упал, в результате чего многие энтузиасты ар-деко больше не могли позволить себе его богатые материалы, предметы роскоши и мебель. С точки зрения архитектуры, ар-деко также было трудно конкурировать с современной архитектурой, воплощением которой являются работы Ле Корбюзье и немецкого движения Баухаус.

Ле Корбюзье был блестящим представителем современной архитектуры, он считал дом не более чем «машиной, в которой можно жить». Он также классно объявил декоративное искусство умирающим средством.

 

^{Фотография Ле Корбюзье, одного из основоположников современного искусства} 

Идеи Ле Корбюзье со временем были восприняты архитектурными школами, а от эстетики ар-деко постепенно отказались. После Второй мировой войны этот стиль полностью вышел из моды, за исключением некоторых областей промышленного дизайна.

Основные отличия ар-деко от ар-нуво 

Надеюсь, теперь вам стало ясно, чем отличается ар-нуво от ар-деко. Помимо аспекта времени, то, что отличает эти два направления дизайна, во многом сводится к эстетике. Органические и плавные формы, характерные для Art Nouveau , были явным ответом на желание художника освободиться от жестких классических и иерархических структур, в то время как более смелые и обтекаемые формы Art Deco отражают гламуризацию промышленной революции.

 

Где купить ар-деко и модерн?

Если вы хотите что-то купить, взгляните на широкий выбор произведений искусства в стиле ар-нуво или ар-деко , которые доступны для продажи в Gallerease!

Вы ищете конкретного художника в стиле модерн, например: Эмиля Галле, Даума Фрера, Клемана Массье?

Или вас интересует дополнительная информация о художниках в стиле ар-деко? Здесь их можно увидеть, например: Рене Лалик и Камиль Форе!

Написал Фредерик Джентис, 23 апреля 2022 г., 12:00 Категория ОбразовательныеTagged Ар-деко (1920-1939), Ар-нуво (1890-1914), Справочная информация, Современное искусство (1860-1970-е)

Как нарисовать красивую акварель в стиле модерн

Содержание

1. Процесс рисования в стиле модерн
2. Погружные ручки и маркеры
3. Список материалов
4. Кисти
5. Ручки
6. Бумага
7. Разное
   • Шаг 1. Создание рисунка
   • Шаг 2. Перенос рисунка на акварельную бумагу
   • Шаг 3. Процесс рисования
   • Шаг 4. Нанесение исходной акварельной заливки
   • Шаг 5. Глазуровка теневых тонов
   • Смотреть видео
   • Похожие сообщения

В этом посте мы рассмотрим, как рисовать акварелью в стиле модерн. Стиль ар-нуво зародился в Европе в 1890 году и был популярен примерно до 19 века.10. Стиль ар-нуво известен своими плавными органическими линиями и формами и оказал огромное влияние на иллюстрацию, дизайн ювелирных изделий и архитектуру.

Альфонс Муха (24 июля 1860 — 14 июля 1939), вероятно, художник, наиболее тесно связанный со стилем модерн. Его иллюстрации часто представляли собой идеализированные изображения красивых женщин. Театральные афиши Мухи, выполненные по заказу известной актрисы Сары Бернар, пожалуй, самые известные его работы. Они произвели фурор в свое время и до сих пор очень популярны.

Стиль модерн никогда не исчезал полностью, он пережил несколько возрождений на протяжении многих лет. В частности, это оказало огромное влияние на художников-постеров эпохи хиппи в конце шестидесятых, и на этот стиль часто ссылаются современные художники комиксов.

«Зодиак» Альфонса Мухи был лицензирован журналом La Plume для календаря. . Культовое изображение и журнал стали синонимами друг друга

Трудно найти подробности о точных методах иллюстрации Мухи. Его плакаты были литографиями. Во времена Мухи литография была хорошо зарекомендовавшим себя, но сложным процессом печати, который включал рисование и травление художественных работ непосредственно на плоских плитах известняка.

Подпишитесь на мою рассылку и получите мой бесплатный курс по электронной почте, а также бесплатные обзоры искусства, видео, советы и скидки 

Бесплатный курс! Научитесь акварели за 7 дней

Имя

ЗАПИСАТЬСЯ СЕЙЧАС

н.б. Я никогда не передам ваш адрес электронной почты третьим лицам

Процесс рисования в стиле модерн

К счастью, нам не нужен литографический печатный станок, чтобы запечатлеть суть эстетики модерна. Мой процесс создания акварели в стиле модерн выглядит следующим образом. Создайте грубый рисунок карандашом. Перенесите его на акварельную бумагу калькой или распечатайте. Обведите светлые карандашные линии тушью с помощью фломастера, а затем, наконец, раскрасьте чернила прозрачными глазурями акварели. Если, как и я, вы решите сначала нанести чернила, а потом уже рисовать, вам нужно будет использовать водостойкие чернила. Если вы предпочитаете сначала рисовать, а затем обводить чернилами поверх сухой акварели, можно использовать водорастворимые чернила.

Погружные ручки или маркеры

Вы можете использовать погружную ручку или маркер для рисования линий. Я предпочитаю фломастер по разным причинам, но в основном потому, что вы можете менять ширину линии, меняя силу нажатия на бумагу. Это придает вашей работе гораздо более выразительное качество. Я также люблю традиции, стоящие за ними, и то, каково это рисовать ими на бумаге.

Преимущество маркеров заключается в том, что их не нужно постоянно окунать в чернила примерно каждые 30 секунд, они также меньше пачкаются. Ручки-кисти — еще один вариант, но лично я бы предпочел просто использовать настоящую кисть. Так что это действительно зависит от ваших личных предпочтений.

Список материалов

Синий ультрамарин: Winsor & Newton | Дэниел Смит
Умбер Бернт: Winsor & Newton | Дэниел Смит
Розовая Марена: Winsor & Newton | Sennelier
Бирюза: Winsor & Newton | Daniel Smith

Кисти

Круглая щетка Princeton № 4 Купить на Amazon
Круглая щетка Princeton № 8 Купить у Amazon

ручки

Tachikawa Comic Pen Nib Holder Buy от Amazon
Nikko Comic Pen 5 тип Nibs Buy Amazon
Sakra Digra 3007 Buy Penron Buipring Buipring Buise Buider Buider Buidron Buidron Buidron Buidron Buidron Buish 3007 Micron Buidron. На Amazon

Бумага

Блок бумаги для акварели Arches, холодный пресс, 9″ x 12″, 140 фунтов Купить на Amazon

Разное

Легкосъемная малярная лента Купить на Amazon
Регулируемый настольный мольберт Купить на Amazon

Подпишитесь на мою рассылку и получите мой бесплатный курс по электронной почте, а также бесплатные обзоры искусства, видео, советы и предложения скидок 

Бесплатный курс! Научитесь акварели за 7 дней

Имя

ЗАПИСАТЬСЯ СЕЙЧАС

н.б. Я никогда не передам ваш адрес электронной почты третьим лицам

Как рисовать акварелью в стиле модерн

Общее время: 1 час и 30 минут

Шаг 1 Создание дизайна

Моим первым шагом было начать собирать несколько справочных фотографий и набрасывать некоторые идеи дизайна. Классическая иллюстрация Альфонса Мухи часто представляет собой сочетание красивой девушки с волосами, образующими извилистые линии, напоминающие кельтские узоры, в сочетании с цветочными элементами и геометрическими мотивами. Для удобства мой дизайн был нарисован в цифровом виде в Clip Studio Paint, но его можно было нарисовать прямо на бумаге.

Шаг 2. Перенос дизайна на акварельную бумагу

Для своего дизайна я использовала бумагу холодного отжима Bockingford плотностью 300 г/м². Отличие от моей обычной бумаги Arches. Текстура бумаги Bockingford немного более гладкая, чем у Arches, особенно если вы рисуете на обратной стороне, но не такая гладкая, как у бумаги горячего прессования. Эта более гладкая бумага немного упростила поверхность для моей ручки для рисования. Совершенно гладкая бумага горячего прессования также будет очевидным выбором.

Я обрезал бумагу до размера А4 и распечатал прямо на ней из своего цифрового файла. Чернила принтера будут течь и растворяться при намокании, поэтому лучше уменьшить непрозрачность и распечатать изображение как можно светлее. Также важно использовать задний лоток вашего принтера, а не кассету, чтобы толстая акварельная бумага не заклинила принтер, когда она сгибается вокруг роликов. Конечно, вы можете просто нарисовать свой дизайн прямо на бумаге. Преимущество возможности распечатать эскиз с компьютера заключается в том, что это экономит ваше время, если вы ошибетесь.

Если вы хотите перенести набросок на акварельную бумагу традиционным способом. Вы можете использовать лист копировальной бумаги и/или рисовать карандашом 4B на обратной стороне эскиза, эффективно превращая его в лист копировальной бумаги.

Шаг 3: Процесс рисования

Я использовал два пера с разными наконечниками для толстой и тонкой линии. Альфонс часто наносил очень толстую линию «снаружи» вокруг основного объекта и использовал гораздо более тонкие линии «внутри» для таких деталей, как глаза, губы и пряди волос. Мои «толстые» линии далеко не такие толстые, как у Мухи.

Чтобы рисовать плавные плавные линии ручкой, требуется некоторая практика. Стоит потратить некоторое время на создание линий на ненужной бумаге, пока вы не освоитесь. В общем, вы должны обнаружить, что это помогает зафиксировать положение запястья и рисовать от локтя.

У вас будет больше контроля над линиями, если вы повернете рисунок так, чтобы вы всегда тянули перо вниз и к себе по плавной кривой. Используйте естественную дугу запястья, чтобы сделать более тугие маленькие изгибы, такие как лепестки цветов и глаза. Я держу кусок ткани под рукой, чтобы не размазать влажные чернила. (Хотя мне все же удалось сделать это в одном месте!).

Шаг 4. Нанесение начальной акварельной заливки

Используя круглую кисть № 8, я начал с нанесения основного телесного тона на лицо девушки. Это была жженая умбра, смешанная с небольшим количеством розовой марены в очень бледной жидкой консистенции. Я быстро поднял несколько бликов на шее, щеке и лбу той же чистой влажной кистью. Используйте ткань или бумажное полотенце, чтобы вытереть излишки краски.

Для цветов в волосах девушки я переключился на раунд № 4. Я нарисовал тонкий слой розовой марены для цветов на волосах, тонкий слой бирюзового цвета для цветов, окружающих ее голову, и лимонно-желтый для стеблей.