Модернизм картины: Modernism in Art | Arthive

Модернизм. Художники — Художники, фотографы и скульпторы со всего света

1900 — 1980. Понятие модернизма тесно связано с понятием «современное искусство». Модернизм относится к новому подходу к искусству, когда уже было не важно реалистично представлять предмет. Вместо этого художники начали экспериментировать с новыми способами видения, со свежими идеями о природе, материалах и функциях искусства, часто продвигаясь дальше в сторону абстракции. Модернизм был движением, которое произвело революцию в мире вокруг нас и в том, как мы живем. Среди известных художников современного искусства — Анри Матисс, Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Марк Шагал и многие другие.

Мысль / Thought. 1925г. Сальвадор Дали

Модернизм принес нам разнообразие стилей и движений:

Символизм (Гюстав Моро, Эдвард Мунк)

Модерн (Альфонс Муха, Густав Климт)

Фовизм (Андре Дерен, Анри Матисс, Морис де Вламинк)

Экспрессионизм (Джеймс Энсор, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Карл Ойген Киль)

Кубизм (Жорж Брак, Хуан Грис, Фернан Леже, Пабло Пикассо)

Футуризм (Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра)

Абстракционизм (Наум Габо, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Казимир Малевич)

Супрематизм (Казимир Малевич)

Дада (Жан Арп, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Фрэнсис Пикабиа, Курт Швиттерс)

Сюрреализм (Жан Арп, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт, Жоан Миро)

Конструктивизм (Наум Габо, Ласло Мохой-Надь)

Абстрактный экспрессионизм (Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Марк Ротко)

Новый реализм (Кристо, Ив Кляйн, Пьер Рестани)

Минимализм (Александр Колдер, Дональд Джадд, Сол Левитт, Ричард Серра)

Поп-арт (Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол)

Несколько известных художников современной эпохи не имели какой-либо особой связи с каким-либо из основных течений современного искусства, или их искусство можно отнести к тому, что оно было выражено в нескольких стилях:

Марк Шагал (Кубизм, Фовизм, Сюрреализм)

Джорджо де Кирико (Пре-сюрреализм)

Пауль Клее (Экспрессионизм, Кубизм, Сюрреализм)

Амедео Модильяни

Художники и статьи

Эдвард Мунк

Эдвард Мунк — норвежский художник-символист / экспрессионист, чья интенсивная, вызывающая воспоминания обработка психологических и эмоциональных тем оказала большое влияние на развитие экспрессионизма в начале 20-го века. Мунк считается величайшим художником Норвегии и отцом экспрессионизма. Искусство Мунка в настоящее время считается значительной силой в современном искусстве. Его искусство простое, прямое и энергичное по стилю, но мощное по сути и по тематике. Произведения искусства Мунка проникают за пределы внешних проявлений во внутренние условия предметов, которые он рисовал.

Предметы Мунка символистичны по содержанию, изображая скорее состояние ума, чем внешнюю реальность. Цель экспрессионизма и символизма — показать эмоции, которые испытывает художник в надежде, что зритель будет взволнован и тоже их почувствует. Художника интересует не реальность в том виде, в каком она предстает, а ее внутренняя природа и эмоции, вызываемые предметом. Для достижения этих целей субъект часто преувеличивается, искажается или иным образом изменяется, чтобы подчеркнуть эмоциональное переживание в его наиболее интенсивной и концентрированной форме. Заинтересованный в изображении не случайного фрагмента реальности, а ситуаций с эмоциональным содержанием и выразительной энергией, Мунк тщательно рассчитывал свои композиции, чтобы создать напряженную атмосферу.

Красное и белое / Red and White. 1894г. Эдвард Мунк

Казимир Малевич

Казимир Малевич, русский художник, пионер геометрического абстракционизма и создатель движения супрематизма. Малевич разработал свой собственный абстрактный стиль, основанный строго на геометрических элементах, квадратах и прямоугольниках. Этот стиль стал известен как супрематизм, имея в виду превосходство «чистого художественного чувства». В своих первых картинах он представлял геометрические формы в ограниченном диапазоне цветов, иногда только в черном цвете, на белом фоне. Позже он представил более широкий спектр цветов, а также треугольники, круги и изогнутые формы. Из простейших геометрических фигур Малевич построил целую супрематическую вселенную. Искусство Казимира Малевича и его супрематический манифест являются одними из самых важных художественных достижений 20-го века. Он утверждал, что достиг вершины абстрактного искусства, отрицая объективное представление. Бесконечность, вечность, Бог, ноль формы, пустота, блаженное чувство освобождающей беспредметности, чистое искусство, превосходство чистого чувства, дух ощущения, который пронизывает все…

Голова крестьянина 2 / Head of a Peasant 2. 1929г. Казимир Малевич

Амедео Модильяни

Амедео Модильяни, итальянский художник, известный своими портретами и эротической обнаженной натурой, преднамеренным искажением фигуры и свободным использованием больших плоских областей цвета. Несмотря на крайнюю экономию композиции и нейтральный фон, портреты Модильяни передают острое ощущение личности натурщика, отличаясь простым, но монументальным использованием линий и захватывающим расположением изогнутых линий и плоскостей, а также поразительной идеализацией женской сексуальности. Его искусство было очень индивидуальным и уникальным, особенно на более позднем этапе его карьеры. Его резкие портреты, эротически заряженные обнаженные натуры, элегантные рисунки кариатид и примитивистская скульптура вызывали восхищение на протяжении десятилетий. Портреты Модильяни и однофигурные картины являются одними из самых запоминающихся и популярных образов начала двадцатого века. Они обладают архетипическим качеством, которое отличает их от искусства его современников в Париже. Как и обнаженные натуры художника, они свидетельствуют о непреходящем увлечении человеческой формой и физиономией.

Обнаженная на голубой подушке / Nude on a Blue Cushion. 1917г. Амедео Модильяни

Пауль Клее

Пауль Клее, швейцарско-немецкий художник, один из самых оригинальных мастеров современного искусства. Клее создавал образы, известные своими фантастическими мечтательными качествами, остроумием и воображением. На него оказали влияние многие различные стили искусства, включая экспрессионизм, кубизм и сюрреализм. Клее также был мастером-рисовальщиком, и многие из его работ представляют собой проработанные линейные рисунки с сюжетом, выросшим из фантазий или образов сновидений. На протяжении всей своей карьеры Пауль Клее использовал цвет в различных уникальных и разнообразных средствах, в отношениях, которые развивались и развивались различными способами. Клее был высокодуховен. Он склонен был видеть мир как модель, своего рода иллюзию, созданную космическим Богом — часовщиком. Это помогает объяснить игрушечный характер его фантазий; если бы мир не имел окончательной реальности, он мог бы быть представлен самым свободным, самым схематичным образом. Карьера Клее была связана с поиском символов и метафор. Многие из его картин — это форма письма: они заполнены знаками, стрелками, плавающими буквами, неуместными указаниями и запятыми; их код для любого объекта не пытается чувственного описания, а вместо этого объявляет себя чисто ментальным образом, иероглифом, существующим в символическом пространстве. Теперь Клее стал классиком, чьи картины воспроизводятся тысячами. Они прочно вошли в коллективную память человечества.

Лесная ягода / Woodland Berry. 1921г. Пауль Клее

Джоан Миро

Джоан Миро, испанский каталонский художник, всемирно известный своим живописным искусством, которое было интерпретировано как сюрреализм, песочница для подсознания, с сильными чертами невинности, минимализма и детского характера. Миро был в начале сюрреалистического движения, но позже он решил не называться сюрреалистом, чтобы иметь возможность экспериментировать с другими художественными движениями и стилями. Он разработал свой собственный уникальный стиль: органические формы и уплощенные плоскости рисунка, нарисованные резкими линиями. Он пытался выразить себя с помощью новых материалов: коры, текстиля, волокон, наборов предметов, коллажей и так далее. Миро оказал значительное влияние на искусство конца 20-го века, в частности на американских художников-абстракционистов-экспрессионистов, таких как Поллок и Ротко, с его лирическими абстракциями и картинами цветового поля. «Мои персонажи прошли тот же процесс упрощения, что и цвета. Теперь, когда они были упрощены, они кажутся более человеческими и более живыми, чем если бы они были представлены во всех деталях.» — Джоан Миро.

Диалог насекомых / Dialogue Of Insects. 1925г. Джоан Миро

Анри Матисс

Хенри Матисс, французский художник, известный своим использованием цвета для передачи эмоционального выражения и своим плавным, прямым и оригинальным стилем живописи. Как гравер, но главным образом как художник, Матисс является одним из самых известных художников 20-го века. Его мастерство в выразительном языке цвета и рисунка принесло ему признание как ведущей фигуре в современном искусстве. В начале своей карьеры он был лидером движения фовистов, стиля живописи, который фокусировался на чистых цветах, используемых в агрессивной и прямой манере. Матисс считал, что расположение цветов так же важно, как и предмет картины, чтобы передать смысл. Он избегал деталей, вместо этого используя яркий цвет и сильные линии, чтобы создать ощущение движения. Несмотря на интеллектуальную изощренность, Матисс всегда подчеркивал важность инстинкта и интуиции в создании произведения искусства. Он утверждал, что художник не имеет полного контроля над цветом и формой; вместо этого цвета, формы и линии будут диктовать чувствительному художнику, как их можно использовать по отношению друг к другу. Он часто подчеркивал свою радость, отдаваясь игре сил цвета и дизайна, и объяснял ритмические, но искаженные формы многих своих фигур с точки зрения создания полной художественной гармонии.

Игра в шары / Play with Balls. 1908г. Анри Матисс

Пабло Пикассо

Пикассо был, вероятно, самым известным художником 20-го века. За свою художественную карьеру, которая длилась более 75 лет, он создал тысячи работ, не только картин, но и скульптур, гравюр и керамики, используя все виды материалов. Он почти в одиночку создал модернизм. Он изменил искусство глубже, чем любой другой художник века. Как качество, так и количество произведений Пабло Пикассо не имеют себе равных. Его картины демонстрируют сочетание природных и приобретенных способностей, которые принесли ему звание гения искусства и самого важного художника прошлого века. Пикассо положил начало кубизму и революции в художественном выражении, которая продолжается до сих пор. Плодовитый, изобретательный, изобретательный и мятежный, только Да Винчи и Микеланджело в настоящее время более популярны, чем Пикассо. Даже Ван Гог или Дали не вызывают такого массового интереса или изучения.

Дом в саду / House in a Garden. 1908г. Пабло Пикассо

Сальвадор Дали

Сальвадор Дали, один из величайших испанских художников всех времен и одна из самых важных фигур в истории модернизма. И необыкновенный талант Дали, и необычная личность помогли ему подняться над остальными сюрреалистами 20-го века. Его работы и влияние можно увидеть почти во всем мире. Его откровенные и противоречивые сюрреалистические картины являются одними из самых известных и печально известных картин 1900-х годов, а его бунтарское и независимое отношение к искусству и политике выделило его среди других художников, навсегда оставив след в сюрреалистической живописи. Дали выражал сюрреализм во всем, что он говорил и делал. Он был не просто нетрадиционным и драматичным; он был фантастическим, шокирующим и возмутительным. Сальвадор Дали остается одним из величайших художественных новаторов всех времен. Как и Пикассо, Матисс, Миро и Шагал, его место на вершине современной истории искусства обеспечено.

Глаз / The Eye. 1945г. Сальвадор Дали

Марк Шагал

Марк Шагал, французский художник и дизайнер русского происхождения, отличающийся своей сюрреалистической изобретательностью. Он признан одним из самых значительных художников и графиков 20-го века. Его работа рассматривает предметы в духе юмора и фантазии, которые глубоко опираются на ресурсы бессознательного. Шагал создавал свои образы, основываясь на эмоциональных и поэтических ассоциациях, а не на правилах изобразительной логики. До сюрреализма его ранние работы были одним из первых выражений психической реальности в современном искусстве. Личные и уникальные образы Шагала часто наполнены изысканным поэтическим вдохновением. Характерное использование цвета и формы Шагалом частично заимствовано из русского экспрессионизма и под влиянием французского кубизма.

Горящий дом / The Burning House. 1913г. Марк Шагал

Похожие сообщения:

Художники-модернисты и их картины :: SYL.ru

Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает «новый», «новое искусство». В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.

Возникновение стиля

Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.

Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.

Венский «Сецессион»

В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.

Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием «Венский Сецессион». Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.

Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря «Сецессиону» Вена познакомилась с работами импрессионистов.

Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав «Венского Сецессиона».

Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: «Эпохе — свое искусство, искусству — своя свобода».

Такой разный

Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман «Смерть Артура» в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.

Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.

Германия и Скандинавия известна своим «югендштилем». В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.

В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.

Альфонс Муха

Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.

Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.

Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.

Модернисты Серебряного века

Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием «Мир искусства».

Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.

Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.

Мастера русского модерна

Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.

Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине «Демон сидящий» об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.

Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: «Пан», «Микула Селянинович», «Царевна-Лебедь», а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.

Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.

Еще один известный представитель художников-модернистов России — Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.

Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ — «Заморские гости». Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.

Эволюция модернизма

На сегодняшний момент под понятием «модернизм» объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.

Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции «Салона отверженных». Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как «впечатление». Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.

Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.

Основная фигура в кубизме — это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.

Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.

Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: «Художник — рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать».

Поздний модернизм

Сюрреализм — более позднее проявление модернизма — возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.

Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм — широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.

Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы — вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин «фовизм» и переводится с французского как «дикий», сами приверженцы стиля не признавали это определение.

Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые — отправлены в ссылку, остальные — преданы забвению.

Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.

Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.

Самый поздний виток развития модернизма — это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур — Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля — Йозеф Бойс и Сандро Киа.

Самые значимые картины

Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.

Первой, пожалуй, будет картина «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в «Салоне отверженных». Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.

Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.

И третья по счету, но не по значимости, — картина русского художника-модерниста Казимира Малевича «Черный квадрат». Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.

Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал «супрематизм». Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой «Черный квадрат» первым шагом чистого творчества.

Заключение

Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.

Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.

В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.

Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.

Модерн, модернизм и постмодернизм | Живопись маслом Санкт-Петербург

Эти созвучные стили живописи часто путают между собой. Чтобы начинающий художник и любой другой человек,  интересующийся  искусством, мог свободно ориентироваться в направлениях, а так же  уметь отличать их друг от друга, наша художественная школа предлагает Вам ознакомиться с данной статьей, а так же посетить увлекательные мастер-классы «Живопись Маслом». Вместе мы сможем не только рассмотреть разные стили живописи с их особенностями, но и самостоятельно реализовать свой потенциал в тех или иных течениях с применением специальных художественных техник.

Итак, начнем с модерна, который сегодня остается  популярным и востребованным в мире за счет своей оригинальной эстетики.

МОДЕРН

Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.

Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности.  Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и  вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.

Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители  использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России.  В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и  югендстиль, и сецессион.

Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.

Не путайте живописцев модерна и художников-модернистов.

МОДЕРНИЗМ

Модернизм – это некая совокупность разных стилей, которые основаны на индивидуальности взгляда автора, на свободе его мысли и внутренних эмоций.  В целом, модернизм в живописи позиционирует себя как отдельное крупное течение, которое отказалось от привычных классических традиций. Художники перечеркнули свой исторический опыт. Они пытались найти новое начало в искусстве, обновить восприятие и понимание живописи в социуме.

К наиболее известным модернистским течениям относятся такие стили, как авангардизм, примитивизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и абстракционизм. Каждый из них преследует свою цель, имея в основе оригинальную философскую идею или мысль.

Авангардизм возник на почте модернизма в Европе в 1905-1930 годах. Цель  этого течения — приобретения свободы по средствам художественных приемов. Работы авангардистов отличаются вызывающими, откровенными идеями и сценами.

Примитивизм в живописи  – это намеренное искажение  образов, методом упрощения. В некотором смысле данный стиль подражает первичным, примитивным этапам развития живописи. Детская интерпретация человеческой сущности, обрисованная мелкими деталями, сделала этот стиль популярным среди художников самоучек. Однако наивное, легкое искусство без четких рамок и классических приемов серьезно повлияло на творчество маститых творцов. Примитивизм в живописи, в формах и образах отнюдь не связан с примитивностью содержания картины. Какие-то невзначай брошенные мелочи в сюжетах могут рассказать об очень важных внутренних эмоциях героя на холсте.

Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и  разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Именно это течение  определило развитие искусства на ближайшие десятилетия.

Сюрреализм в живописи возник в результате литературных трудов, посвященных формированию сознания человека. Мысль о существование разума и души за пределами реального мира, изучение бессознательного, а так же феномена сна и абсурдных явлений дало художникам новые темы для работ.  Главный смысл   этого стиля – отстранение от привычного осознанного творчества. Сюрреализм в живописи – это образы и сюжеты, взятые  из глубин собственного подсознания. Посему картины этого плана полны причудливыми  галлюцинациями.

Как и сюрреализм, футуризм в живописи берет свои идеи из литературы. Разрушение стереотипов и демонстрация урбанистического будущего – вот главная идея этого стиля. Стремительное движение в будущее, желание избавиться от старых норм, вырваться из пережитков прошлых столетий и попасть в мир более организованный и последовательный,  видно в каждой работе художников данного течения. Футуризм в живописи русских авторов несколько отличается от картин европейских последователей этого направления. Главным образом слиянием с принципами кубизма.

Экспрессионизм в живописи – это протест против мира. Это внутреннее острое восприятие окружения, отчуждение человека, его духовное крушение. Стиль возник в преддверии войны, поэтому не удивительно, что холсты насыщенны деформацией, особым колоритом и резкими диссонансами. Экспрессионизм в живописи не что иное, как передача конкретной эмоции, драматизм понимания своих переживаний.

Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных  оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки.  Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.

ПОСТМОДЕРНИЗМ 

Уже из названия понятно, что постмодернизм пришел на смену модернизму, непонятному широким кругам и попавшему под руку скептических критиков.   Он  имеет уникальные типологические признаки. Во-первых, постмодернизм в живописи – это наличие готовой формы. Художники заимствуют образы из классических традиций, но дают им новую интерпретацию, свой эксклюзивный контекст.  Не редко постмодернисты комбинируют формы из разных стилей, иронизируя над миром, а так же оправдывая тем самым свою вторичность.

Следующим важным отличием является отсутствие каких-либо правил.  Данное течение не диктует автору критерии для самовыражения. Творец вправе выбрать любую форму и манеру исполнения своей работы. Обратите внимание, что такая свобода стала основой для  свежих  творческих идей и направлений в искусстве. Именно постмодернизм в живописи является предпосылкой к возникновению художественных инсталляций и перформансов. Данное течение не имеет четких особенностей в технике, и сегодня является наиболее крупным и популярным на мировой арене.

Художественная школа «Живопись Маслом» активно содействует в поиске своего стиля начинающим художникам и любителям.

Как перестать повторять за другими художниками? И начать писать картины самостоятельно? Расскажем на вебинаре, регистрируйтесь по ссылке!

Участие бесплатное. Подарки каждому участнику!

Модернизм и постмодернизм в живописи

Два направления в искусстве, модернизм и постмодернизм, тесно связаны и в то же время совершенно различны. Сами названия нацеливают на сопоставление этих двух терминов. Модернизм подразумевает нечто совершенно новое, это попытка полностью обновить приевшиеся веками художественные формы.

Постмодернизм идет дальше: он сметает любые догмы, отрицает единообразие форм и художественных приемов и словно краски на палитре смешивает стили, культуры и направления. Попробуем разобраться, чем отличается модернизм от постмодернизма, и узнаем имена главных представителей этих направлений.

Модернизм – новое прочтение реальности

Модернизм зародился во Франции в конце XIX – начале XX вв. Это было совершенно новое искусство, которое по словам теоретиков модернизма целиком состояло из отрицания старого. За пальму первенства в модернизме условно боролись два французских живописца – Эдуард Мане и Гюстав Курбе.

Произведения этих двух живописцев в сюжетном плане во многом сходны: подчеркнутая реалистичность, изображение повседневности, порой использование обнаженной натуры. В противовес привычным ранее мифологическим и религиозным сюжетам, модернизм в живописи и искусстве утвердил приоритет обычного человека – с заурядной внешностью, без регалий и украшательств.

Персонажи картин Гюстава Курбе «Мастерская художника» и «Похороны в Орнане» – реальные люди из окружения мастера. Именно реалистичность картин вызывала у критиков раздражение. Они не могли смириться с тем, что изображение провинциалов или представителей богемы составляют сюжеты произведений искусства.

 

Работы Курбе и других альтернативных художников не были приняты на ежегодную выставку «Парижский салон». Это послужило поводом для создания параллельной выставки, которую назвали Салоном Отверженных. Она открылась одновременно с официальной экспозицией в другой части парижского Дворца Индустрии и имела колоссальный успех.

Русский модернизм был представлен в живописи не менее ярко- Бенуа, Бакстом, Врубелем, Лансере, Сомовым, Анной Остроумовой-Лебедевой.

 

 

Модернизм в живописи не был однородным искусством. В его рамках зародилось множество течений, отличающихся стилем и манерой исполнения – импрессионизм, символизм, сюрреализм, абстракционизм и некоторые другие.

Художественные направления модернизма

Модернизм провозгласил абсолютную творческую свободу. Реалистичность уступила место чувственному восприятию творца. Лучшие представители модернизма в живописи изображали окружающий мир так, как видели его сами, в разрез с общепринятыми канонами. Философией модернизма стало самовыражение. Привычные образы художники стали подавать по-новому, опираясь на собственное мировосприятие.

Импрессионизм и постимпрессионизм

С французского языка термин «impression» переводится как «впечатление». Картины художников-импрессионистов отражают мимолетный взгляд, непосредственное впечатление автора от увиденного. Портреты и пейзажи наполнены движением, игрой света и тени. Здесь нет четких контуров, все немного размыто и недосказано.

При взгляде на картины Клода Моне и Пьера Ренуара создается ощущение, что их персонажи застыли лишь на мгновение. Еще секунда, и зонтик вырвется из рук девушки, подвластный порыву ветра, или кавалер наступит нечаянно на туфельку своей партнерши. 

Для постимпрессионизма характерна стилизация изображений. Таким способом художники стремились показать сложное через простое, загадочное и таинственное – через обыденное и привычное. Сложный внутренний мир творца интерпретировался в понятных для восприятия образах. Яркие представители представители постимпрессионизма в живописи– Ван Гог и Поль Гоген.

Символизм

Художественные приемы символизма – загадочность и недосказанность, взгляд на предмет изнутри, а не извне. Использование символов и аллегорий в большой степени характерно для литературных произведений. Поэты и писатели с их помощью выражали то, что невозможно было сказать обычными словами.

Глубоким символизмом, избытком чувств и мыслей наполнены живописные полотна Гюстава Моро и Джорджа Фредерика Уоттса. Одним из видных представителей символизма, и в целом русского модернизма в живописи, был Михаил Врубель. 

 

Кубизм

Основоположники кубизма – Пабло Пикассо и Жорж Брак. Суть кубизма заключается в перенесении привычного трехмерного пространства в двухмерную плоскость. Последователи кубизма утверждали и развивали постулат Сезанна о том, что в основе любого предмета лежат четкие геометрические формы. Глядя на портрет, сразу отмечаешь если не геометрическое совершенство, то однозначно оригинальное видение художника.

Абстракционизм

Абстракция как стремление к идеальному образу органично вписалась в творческую позицию гениев модернизма Василия Кандинского и Казимира Малевича.

Их широко известные «круги» и «квадраты» вполне отвечают главному принципу абстракционизма – приоритету внутреннего сюжета над внешним.

Замысел художника зачастую остается за пределами понимания зрителя, но от этого ценность картины только возрастает. Знаменитый «Черный квадрат» Малевича претерпел немало критики, однако остается одной из самых дорогих картин в мире.

Прочие разновидности модернизма – сюрреализм, экспрессионизм, футуризм и другие менее выраженные по характеру направления сменяли друг друга в попытках утвердить свою значимость. Построенный на отрицании прошлого модернизм постепенно изжил себя и утратил потенциал к развитию. На смену модернизму пришел постмодернизм, утвердивший смешение стилей, совмещение разных культур и направлений.

Постмодернизм

Бесконечные попытки придумать что-то новое, непохожее на все ранее созданное, привели художников к простой мысли: все, что можно было создать, уже создано. Мир таков, какой он есть: изменить его или подчинить человеческому разуму невозможно. Задача современного творца – не «придумывать колесо» и не отрицать труды предшественников, а умело их интерпретировать, переосмыслить и переработать на свой манер.

 

Постмодернизм имел столько ответвлений и разночтений, что о создании универсального канона не могло быть и речи. Единственный базовый принцип заключался в неограниченной свободе самовыражения. Направления постмодернизма – дадаизм (Марсель Дюшан), концептуализм (Брюс Науман), ассамбляж, или объемный коллаж (Сезар Бальдаччини), поп-арт (Энди Уорхол), а также абстракция, минимализм и множество других.

К середине XX века постмодернизм утвердился как совокупность течений, объединенных общими характерными особенностями:

• полная свобода художника в выборе средств самовыражения;
• подача традиционных образов и сюжетов в новом контексте;
• «сочетание несочетаемого» – объединение в одной картине разных стилей, эклектика;
• эпатажность вплоть до скандальности;
• ироничный характер произведений, самоирония автора.

Постмодернизм имеет глубокое философское обоснование. В трактовке постмодернистов любое знание относительно. Это означает, что каждая интерпретация существующего абсолютна равноправна с оригиналом. Именно на почве такого восприятия возникли произведения Уорхола, изображающие Мэрилин Монро или Венеру Ботичелли.

 

Сравнивать модернизм и постмодернизм довольно сложно хотя бы потому, что одни и те же художники творили в обоих направлениях. Характерными чертами модернизма можно условно назвать символизм, последовательность, четкий замысел. Постмодернизму, напротив, присущи нарочитая бессмысленность, случайность, игра воображения и высмеивание авторитетов. Модернизм – это поиск глубины и единства, приоритет духовности в искусстве и в жизни. Постмодернизм – это поверхностность и смешение стилей, желание вызвать шок и возмущение, насмешка над миром и самим собой.

Картины в стиле модернизма

Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает «новый», «новое искусство». В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.

Возникновение стиля

Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.

Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.

Венский «Сецессион»

В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.

Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием «Венский Сецессион». Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.

Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря «Сецессиону» Вена познакомилась с работами импрессионистов.

Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав «Венского Сецессиона».

Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: «Эпохе – свое искусство, искусству – своя свобода».

Такой разный

Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман «Смерть Артура» в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.

Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.

Германия и Скандинавия известна своим «югендштилем». В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.

В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.

Альфонс Муха

Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.

Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.

Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.

Модернисты Серебряного века

Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием «Мир искусства».

Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.

Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.

Мастера русского модерна

Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.

Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине «Демон сидящий» об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.

Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: «Пан», «Микула Селянинович», «Царевна-Лебедь», а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.

Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.

Еще один известный представитель художников-модернистов России – Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.

Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ – «Заморские гости». Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.

Эволюция модернизма

На сегодняшний момент под понятием «модернизм» объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.

Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции «Салона отверженных». Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как «впечатление». Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.

Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.

Основная фигура в кубизме – это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.

Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.

Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: «Художник – рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать».

Поздний модернизм

Сюрреализм – более позднее проявление модернизма – возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.

Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм – широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.

Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы – вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин «фовизм» и переводится с французского как «дикий», сами приверженцы стиля не признавали это определение.

Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые – отправлены в ссылку, остальные – преданы забвению.

Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.

Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.

Самый поздний виток развития модернизма – это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур – Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля – Йозеф Бойс и Сандро Киа.

Самые значимые картины

Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.

Первой, пожалуй, будет картина «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в «Салоне отверженных». Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.

Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.

И третья по счету, но не по значимости, – картина русского художника-модерниста Казимира Малевича «Черный квадрат». Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.

Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал «супрематизм». Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой «Черный квадрат» первым шагом чистого творчества.

Заключение

Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.

Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.

В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.

Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.

С приходом модерна в конце XIX и начале XX веков произошел основной качественный сдвиг. Живопись, начиная с постимпрессионизма, перестает описывать в основном виденное, а начинает в картине выражать взгляд автора, его чувства, его правду, его видение, желая передать в изображаемом то главное, что невозможно выразить копированием действительности. Существует стремление изобразить настоящую действительность, скрытую за внешним видением. В лучших произведениях модернистского искусства появляются произведения, относительно самостоятельные, живущие своей собственной жизнью, жизнью искусства и картины, но одновременно и с более правдивым изображением жизни, чем это делалось в произведениях классической живописи. Реальность картины становится в искусстве более существенной, чем реальность жизни. Нет, это не отказ от эстетических идеалов прошлого, а стремление выразить их более высокой степенью познания, своим качеством, более близким человеку XX столетия.

Поиск новых выразительных средств для изображения невероятно быстро меняющихся отношений в обществе, экономике, науке и технике вызывает появление трудно распознаваемого множества изобразительных стилей и направлений, внезапно появляющихся, исчезающих и возобновляющихся в измененном виде. Казалось бы, что уже не может появиться ничего нового, но процесс развития современного искусства вовсе не закончился и, очевидно, никогда не закончится. Еще прошло не так много времени, чтобы объективно отличить главные художественные тенденции последних десятилетий развития живописи от поверхностной эксцентричности. Изобразительные стили начала XX века уже изучены и оценены и пока являются основой всего развития модернистского искусства. Не все эти процессы нам понятны, не во всех мы разбираемся, иногда они кажутся нам бессмысленными. Однако история должна была бы нас научить, что ко всему новому в искусстве сегодня нужно относиться с толерантностью, чтобы завтра не выглядеть смешными.

Но все-таки существует граница, отделяющая искусство от остальных творений человечества. Она невидима, с трудом определяема, исторически переменчива. Каждый ее определяет сам, на основе своего эстетического вкуса и жизненного опыта. Мы должны стремиться к тому, чтобы эта граница была великодушной, нам необходимо попытаться быть максимально толерантными. И в то же время мы не должны акцептировать в искусстве экстравагантность, псевдоискусство, если, конечно, мы сумеем его с уверенностью разознать. Время, которое прошло с появления картин основных направлений и стилей модернизма, показало, что большинство лучших произведений этого периода нам понятны и признаваемы нами. Более того, кроме некоторых исключений (абстрактная живопись), при их оценке мы можем пользоваться критериями, используемыми при оценке произведений классической живописи. В связи с этим это основное направление в современной живописи стало обозначаться как классический модерн. История искусства все больше склоняется к мнению, что историческим межевым камнем между классической и современной живописью, было творчество французского художника Поля Сезанна (1839 – 1906 гг.), произведения которого нельзя включить ни в какое направление, однако из него исходили многие его последователи. В его произведениях победил цвет. Краской он заменил свет и тень, цвет у него служит средством моделировки объема и формы. В своих картинах он создает новый, объективный мир, самостоятельный мир картины, создает картину устойчивой структуры и закономерностей. Обычно произведения П. Сезанна упоминаются с творчеством остальных основоположников модерного искусства: В. Ван Гогом и П. Гогеном, но только их мы называем постимпрессионистами.

В последующем обзоре стилей модернистского искусства я не указываю их время, однако они приблизительно следуют во времени один за другим, в зависимости от периода их возникновения. В бурном развитии модернистской живописи большинство этих стилей снова и снова возвращалось, менялось, переплеталось и т. п. При этом творчество некоторых ярких личностей современного искусства из-за их индивидуальности и разнородности трудно отнести к какому-нибудь определенному стилю (Пикассо, Кандинский, Клее и т. п.). Разделяя картины на живописные стили, необходимо осознать, что существует очень мало картин, встречающихся нам, которые бы полностью соответствовали определенному стилю, так как его основу составляет только большинство произведений создателей стиля. Большинство картин представляет собой смешение разных, характерных для данной эпохи, стилей живописи, причем в картине преобладает какой-либо один стиль.

М. А. Базовски: Хуторяне. Холст, масло, 61 х 45 см, начало 1960-х годов.

Э. Шимерова: Натюрморт с газетой. Картон, темпера, 41,5 х 55 см, 1932 г.

Постимпрессионизм

Общее направление, обозначающее художественные течения, появившиеся после импрессионизма. Художники отказывались изображать только зримую действительность, а стремились изображать ее основные, закономерные элементы. Широкий спектр постимпрессионизма содержит зарождение взглядов на объективные закономерности живописи (Сезанн), изображение воображаемых процессов (Редон), сюрреализм (Ван Гог), примитивные источники нашего общества (Гоген) или поэтичность действительности (Руссо). Принципы художественных тенденций и изобразительных элементов постимпрессионизма стали основой направлений в современной живописи.

Кубизм

Перелом в понимании реальности картины, как иллюзии действительности. Картина не отвергает опыт зрительного восприятия, включает в себя рациональное и логическое познание и изображение реальности. Кроме того, может изображать впечатления, воспоминания и ощущения художника. Взгляд на действительность многослоен как своим изображением, так и мышлением. В картине объект разлагается на многие углы зрения в стремлении довести до зрителя самую полную информацию. Он объединяет разные углы зрения, например, прямой с боковым, вид сверху, снизу, и разъясняет очертания, скрытые от зрителя. В основном преобладает многоцветность, отсутствуют свет и атмосфера – аналитический кубизм (Пикассо, Брак).

Орфизм

Отросток кубизма с характерной колоритностью, с полным использованием цветового спектра. Направление соединялось с музыкой, благодаря своей полифонии и абстрагированному процессу творчества. Картина понималась, как параллель жизненных ощущений. Художники подчеркивали форму круга и диска ( Делоне Роберт, Купка).

Экспрессионизм

Он проявляется в настойчивых и драматических темах, упоре на цвет, монументальной форме, быстрой и выразительной рукописи. Он отражает пессимизм и меланхолию эпохи, тенистые стороны жизни, экзистенциализм. Цвет воспринимается как выражение внутренних чувств (Ван Гог, Тулуз-Лотрек, Энсор, Мунч, Руальт).

Фовизм

Отличительным элементом художественного стиля является использование чистых, не смешанных красок, не имеющих локальной, описывающей функции. Пространство картины плоское, в предметах на картине нет иллюзорности, не принимается во внимание объем, моделировка, свет. Подчеркивается линия. Источником вдохновения художнику служит его инстинкт (Дерен, Вламинк).

Футуризм

Исходил из восхищения к технической цивилизации. Художники изображали сюжеты из производственного процесса, движение, скорость, технические формы машин. Спокойная и статистическая форма делилась на фазы. Стремление симультанно подхватить несколько действий, происходящих одновременно ( Балла, Кара, Северини, Бочиони)

СЮРРЕАЛИЗМ

Направление в изобразительном искусстве, основанное на богатом воображении, интуиции, вызывании призраков, подсознания. Не располагал определенными выразительными средствами, использовал монтаж, коллаж, трение. Использованием и соединением разных предметов в комбинации, не соответствующих действительности, создает новую, прямо-таки поэтическую, магическую реальность. Удаляя предметы из их обычной среды, отношений и функций, картина становится особенной и достигает нереальности.

Веристический сюрреализм

Абсолютный сюрреализм

Полностью не отказывается от реальных элементов, в картину вносит новые предметы, создавая тем самым новое представление о действительности (Миро, Магритт).

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО

Изобразительной абстракции, несложности и освобождению предметов от лишних несущественных элементов, простоте подчинено все изобразительное искусство, несмотря на его направления. Абстрактное (также беспредметное, неконкретное, нефигуральное, безобъектное, чистое) искусство – это изобразительное проявление, которое не изображает и не представляет никакой реальный предмет. После реализма это наиболее широкое изобразительное направление. Абстрактным изображением художники хотят, так же, как и наука, достичь границы ощутимой и видимой действительности, показать людям новый мир, пока еще не выраженный изобразительными средствами. Абстрактная живопись представляет собой поиск абсолютных ценностей, управляющих нашей жизнью принципов, сущности всего, конечной правды. К ценностям изобразительных средств абстрактного искусства относятся, прежде всего, элементы геометрии, ритмизованные плоскости, элементарная знаковость, значимость и комбинации красок и по-новому понимаемые пространственные отношения. В принципе абстрактную живопись можно разделить на два основных направления: геометрическую абстракцию и абстрактный экспрессионизм.

Геометрическая абстракция

Изобразительные направления геометрической абстракции основаны на приеме, заключающемся в простом изображении объектов предметной действительности в форме, цвете, пространстве, объеме и т. д., доводя до самого минимума – отсутствия связи с настоящими предметами. Изобразительными средствами служат главным образом геометрические фигуры. Конструктивные направления абстракции (неопластицизм, советский конструктивизм, супрематизм, кинетизм, леттризм, оп-арт) отличались своим упором на одно какое-либо изобразительное средство.

Супрематизм

Полный отрыв от привычного зрительного восприятия. Цветные плоские фигуры без какой-либо связи с предметами повседневной жизни. Основой служат геометрические фигуры и плоскостность. Стремление к чистой сенсибильности (Малевич).

Леттризм

Носителем художественного сообщения является буква в качестве самостоятельной формальной единицы или как символическое обращение к сфере языковой коммуникации (большая группа авторов).

Оп-арт

С помощью взаимосвязей между геометрическими отношениями и цветом (и черным, и белым) создает зрительную иллюзию движения или других оптических эффектов ( Церо, Вазарелли, Дешамп).

Конструктивизм

Широко используемое направление модерного и современного искусства. Характерным является рациональная черта творчества: расчетливость изобразительных элементов и их отношений в картине, связь с техникой. В картине преобладает целесообразность и логичность конструкции ( Татлин, Мохоли-Надь).

Абстрактный экспрессионизм

Ташизм

Дееспособная живопись (живопись жестов)

Запечатляет состояние художника в процессе творчества, но возникающее контролируется определенным воображением мастера. Спонтанное неповторимое исполнение, не ставящее своей целью передачу содержания, передает душевное состояние художника во время творческого процесса. Кроме остальных средств, в этом стиле используется и классическая кисть. Большое значение имеет рука художника (очень широкий круг авторов).

Модернизм в искусстве, живописи, картинах

Модернизм (по-французски modernisme, от «moderne» — «новейший», «современный») – совокупность авангардистских, отрешившихся от реализма и классических традиций направлений «другого искусства» XX в.

Понятие «модернизм» отнюдь не является порождением XX в.: о «новейшем», «современном» искусстве начали говорить в позднеантичное время, о нем спорили в эпоху Возрождения, в XVII в. В середине XIX в. Шарль Бодлер выступил с требованием современности искусства. В XX в. модернизм и авангардизм стали популярными лозунгами новаторов, отвергавших признанные художественные образцы. Термин «модернизм» стал особенно популярен в советской эстетике и критике со второй половины 1950-х. В это понятие обычно вкладывалась негативная оценка: внимание заострялось на таких особенностях, как отказ от классической традиции, субъективизм, разрушение образности, основанной на «подражании природе», разрушение логики формы, тяготение к абсурду, к случайным, непредвиденным эффектам, к размыванию границ между искусством и реальностью.

Модернизм XX в. — «другое искусство» по отношению к различным традиционалистским течениям в художественной культуре. Он построен на «обратной логике» и представляет собой сложную структуру, порожденную «индустриальным обществом», «обществом отчуждения». Зарождение модернизма как явления мировой художественной культуры относится к 1860-м — времени появления новых тенденций в европейской художественной культуре (каркасная конструкция и железобетон в архитектуре, зарождение импрессионизма в живописи). В России переход к модернизму связан с 1880-ми и абрамцевским художественным кружком. В Европе последней четверти XIX в. идеи самоценности и автономности развивали различные течения постимпрессионизма. В первые десятилетия XX в. модернизм стал мощным и разнообразным, движением, принципы которого утверждались многими направлениями, такими, как фовизм, кубизм, экспрессионизм, конструктивизм, абстрактное искусство; с Первой мировой войной «деструктивные» тенденции, разрушение общепринятых законов искусства дополнились волной «искусства абсурда» (дадаизм, сюрреализм). После Второй мировой войны эстафету модернистских исканий приняли абстрактный экспрессионизм (ташизм) и поп-арт. Искусство модернизма окончательно утвердилось на своих антитрадиционных, антиавторитарных позициях, приобрело характер особой деятельности, системы «акций», не имеющих практической, утилитарной цели. К числу важнейших особенностей модернизма относится ощущение самоценности и независимости формально пластических, композиционных и колористических экспериментов; целью художественного творчества признается создание принципиально новых произведений, несущих внутреннюю свободу и новизну художественного языка. Каждое произведение видится как суверенное, поскольку в нем воплощаются особые видение и понимание мира автором. С конца 1950-х и особенно с 1960-х в западной, а позже и в российской художественной культуре формировались тенденции, противостоящие модернизму (постмодернизм), отвергающие его постоянную погоню за новизной, современностью и оригинальностью художественного высказывания.

Новый шик в искусстве

Рассуждая о модерне , в шутку и всерьез вспоминается реплика секретарши Верочки в кинофильме « Служебный роман»: «Видите эту , всю в пошлых розочках?» Типичный « модерновый» образ — томная красотка в струящемся наряде , в переплетениях ветвей , цветов и узоров словно из кельтской или греческой мифологии , с мотивами Ренессанса , готики , а то и в японском или египетском стиле. Вы вспомнили картины Альфонса Мухи и Густава Климта? Что ж , все верно!

Модное вторжение

Англия презентовала новый с тиль в издательском деле: в 1882 г. была организована « Гильдия века», издававшая журнал « Конек» с гравюрами С. Имейджа. В Америке в конце 1880-х начали всемирное шествие « красотки Гибсона»: рисунки Чарльз Дана Гибсона , публикующиеся в журнале « Life» определили стандарты новой-модерновой красоты.

В некоторых странах новый стиль характеризуют самостоятельные оригинальные творцы: Антонио Гауди в Испании , Станислав Выспианьский в Польше.

В России модерн — первый « буржуазный», купеческий стиль , с цитатами от Ренессанса до классицизма , щедро сдобренный символизмом и любованием природой , столь милой русской душе. Художники-эстеты объединения « Мир искусства» с Бенуа , Сомовым , Серебряковой , Бакстом , сказочники Васнецов и Билибин , мистик Врубель , портретист Серов , пейзажист Левитан — модерн в России многолик.

Художники стиля модерн:

Знаковые картины стиля модерн

Герман Обрист — «Красный цикламен» или « Удар бича» ( Cyclamen , 1892): гобелен с шелковым узором. Это визитная карточка стиля модерн: гибкие , переплетающиеся стебли растения , и ни одной прямой линии или угла!

Густав Климт — «Поцелуй» ( Gustav Klimt , The Kiss ( Lovers), 1908) — самая известная и очень характерная картина художника , имя которого ассоциируется со стилем модерн. Эта работа — последняя из серии « золотого периода» в творчестве Климта.

Альфонс Муха — «Жисмонда» ( Alfons Mucha , Gismonda , 1894) — афиша для спектакля , изображающая Сару Бернар. С ее появлением чешский художник , живший в то время во Франции , становится невероятно популярным , а его работы олицетворяют стиль модерн.

Цены новые – модерновые.

— 135 млн. долл. за «Портрет Адели Блох-Бауэр» ( 1907) Густава Климта в 2006 г. ( картина , ранее висевшая в музее « Бельведер», была продана наследницей Блох-Бауэр, — Марией Альтман , выигравшей дело о возвращении картины в суде).

— 7 , 327 млн. долл. за картину « Радуга» К. Сомова ( аукцион Сhristie’s , 2007 г.). Это рекорд стоимости для полотна русской живописи на тот момент.

— 1 , 47 млн. долл. за полотно Альфонса Мухи в 2006 г. на аукционе Сhristie’s , и около 200 тыс. долл. за его эскиз к картине « Заведение славянской литургии в Великой Моравии» из цикла « Славянская эпопея» — в 2013.

В 2008 г. на аукционе покупатель заплатил 300 тыс. долл. за две редкие работы О. Бердслея 1894 г. из цикла « Саломея» ( по пьесе О. Уальда). Два шедевра ( «Кульминация» и «Платоническое оплакивание»), считавшиеся утерянными , эксперт случайно обнаружил в квартире британского пенсионера , где они украшали стены… туалета.

Картины в стиле модернизм|Еще

Искусство модернизма не было результатом целенаправленной деятельности какой-либо группы художников. В этом направлении различают десятки течений, развивавшихся в разных странах и в разные десятилетия второй половины XIX – первой половины XX веков. Всех их объединяют общие стремления, идеалы и отношение к академическому искусству.

Содержание

1. Рождение новой эпохи
2. Сущность модернизма и его основные течения
3. Модернизм в украинской живописи

Рождение новой эпохи

В искусствоведении принято считать, что модернизм зародился в 1863 году, когда известный художник Эдуард Мане выставил в Салоне отверженных скандальное полотно «Le déjeuner sur l’herbe». Картину не приняли на официальную выставку Парижского салона из-за ее сюжета: на ней вместе с одетыми мужчинами, завтракающими на природе, была изображена оголенная женщина. Именно это событие ознаменовало разрыв художников нового поколения с академической традицией. С тех пор началось развитие нового направления, именуемого модернизм или «другое искусство», смотрите картины на https://kyiv.gallery/ru/kartiny/modernizm.

Разумеется, революция произошла не в один день. Как известно, дискуссии о современном искусстве в Западной Европе начались еще в эпоху Возрождения. С новой силой они возобновлялись и в XVII и в XVIII веках, но всякий раз заканчивались созданием новых стилей без радикального обновления всей художественной традиции. Появлению нового направления также предшествовали концепция «искусства ради искусства» и тенденции в изобразительном искусстве к формализму, эстетизму, субъективизму.

Современники по-разному оценивали событие в Салоне отверженных: одни считали это предзнаменованием давно ожидаемых перемен, а другие – всего лишь началом обновления отдельных течений. Время же показало, что модернизм – это самостоятельное направление, радикально повлиявшее на изобразительное искусство Европы и всего мира.

Сущность модернизма и его основные течения

С приходом модернизма в живописи наблюдаются концептуальные перемены. Художник вместо увиденного начинает выражать на полотнах свое отношение к действительности. У большинства представителей этого направления наблюдается желание показать субъективную правду зрителю, не передаваемую простым копированием внешних объектов. Все это сопровождалось радикальным пересмотром традиционных форм и приемов выразительности, принятых в классическом изобразительном искусстве.

Результаты первых экспериментов быстро принесли свои плоды: родились такие направления, как кубизм, постимпрессионизм и дадаизм.

Кубизм. Художники-кубисты экспериментировали с измерениями пространства. На картинах в стиле кубизма они раскладывали сложные трехмерные объекты на простые элементы, а затем заново собирали их, но уже в двухмерном пространстве. Целью такого искусства было утверждение нового взгляда на привычные предметы с необычного ракурса. Художники стремились отделить при помощи простых форм части сложных объектов. Среди наиболее известных произведений этого направления можно назвать «Авиньонские девицы» кисти Пикассо и «Мужчина в кафе» Хуана Гриса.

Всего в модернизме насчитывается несколько десятков течений, среди которых особое влияние на современников имели: фовизм, футуризм, авангардизм, примитивизм, символизм и футуризм.

Фовизм. На картинах фовистов чаще всего можно увидеть экзальтацию цветов и дикую выразительность красок. Творчество художников было направлено на провокацию в сознании зрителя ощущений энергии и страсти. Контрастность наравне с отказом от линейной перспективы придавала работам фовистов ни с чем не сравнимую самобытность.

Футуризм. У фовизма он позаимствовал умение говорить цветом, а у кубизма – художественные формы. На полотнах фовистов можно увидеть энергические композиции с острыми углами и раздробленными фрагментами. Зигзаги, спирали, скошенные конусы и другие формы использовались для эмоционального выражения динамичности явлений нашего мира.

Авангард. Его часто связывают с другими школами модернизма начала XX века. В узком смысле этого слова – это течение, представители которого работают в сфере экспериментального искусства. Само слово «авангард» обозначает новаторский характер творческой деятельности.

Примитивизм. На картинах художников-примитивистов можно увидеть упрощенные формы, напоминающие рисунки детей или наскальные изображения первобытных племен. В поисках новых приемов выразительности представители течения обращались к средневековым гравюрам и лубкам.

Символизм. Он является одним из самых популярных течений изобразительного искусства XX века. Его представители используют яркие образы (символы) отсылающие нас к глубоким слоям культурного подсознания. Картины символистов полны недосказанностей, намеков и таинственности.

Модернизм в украинской живописи

Среди представителей кубизма отдельного внимания заслуживают В. Баранов-Россин и К. Малевич. Последний, обучаясь в московской студии Ф. Рерберга, экспериментировал с модерном, постимпрессионизмом и фовизмом пока не пришел к аналитическому кубизму.

Стоит отметить, что в украинской культурной среде некоторые стили модернизма были усвоены «извне» без предварительной подготовки, поэтому он впитывал в себя отечественный культурный опыт. Таким, например, было «наивное искусство» М. Синякова, М. Бойчука, О. Шевченка, М. Ларионова и Н. Гончаровой. Они сознательно использовали упрощенную технику, внешне напоминающую стиль декоративно-прикладного искусства, для экспериментов с формами выразительности, как это делали примитивисты. В начале 30-х годов XX века развитие модернистских стилей было прервано: в новых социально-политических условиях художники больше не имели возможности заниматься «буржуазным искусством».

Модернизм | Определение, характеристики, история, искусство, литература, период времени, постмодернизм и примеры

Джакомо Балла: динамика собаки на поводке

Смотреть все медиа

Дата:

в. 1890 — г. 1950

Значительные работы:

Пустошь Поминки по Финнегану Четыре квартета Авессалом, Авессалом! Песня о любви Дж. Альфреда Пруфрока

Похожие исполнители:

Вирджиния Вульф Т.С. Элиот Уильям Фолкнер Джозеф Конрад Джеймс Джойс

Просмотреть весь соответствующий контент →

Популярные вопросы

Что такое модернизм?

В литературе, изобразительном искусстве, архитектуре, танце и музыке модернизм был разрывом с прошлым и одновременным поиском новых форм выражения. Модернизм способствовал периоду экспериментов в искусстве с конца 19 века.до середины 20-го века, особенно в годы после Первой мировой войны.

Что сделал модернизм?

Все виды искусства искали аутентичный ответ индустриализации и урбанизации конца 19 века. В литературе модернистские писатели, такие как Генри Джеймс и Вирджиния Вульф, отказались от традиционной преемственности, вместо этого используя повествование в виде потока сознания. Такие художники, как Эдуард Мане, отказались от унаследованных представлений о перспективе и моделировании. Архитекторы искали уникальные формы для новых технологий. Хореографы восстали как против балетных, так и против интерпретационных традиций, а композиторы использовали непроверенные подходы к тональности.

Где сегодня модернизм?

Ученые предполагают, что модернизм закончился где-то после Второй мировой войны, между 1950-ми и 1960-ми годами. Во всех искусствах произошли заметные сдвиги: писатели обратились к иронии и самосознанию; визуальные художники сосредоточились на процессе, а не на готовом продукте; постмодернистские архитекторы использовали украшение ради украшения; хореографы заменили обычные танцевальные шаги простыми движениями, включая перекатывание, ходьбу и прыжки; а композиторы отказались от таких традиционных формальных качеств, как гармония, темп и мелодия.

Модернизм , в изобразительном искусстве разрыв с прошлым и одновременный поиск новых форм выражения. Модернизм способствовал периоду экспериментов в искусстве с конца 19-го до середины 20-го века, особенно в годы после Первой мировой войны. достижения в науке и социальных науках (например, теория Фрейда), модернисты чувствовали растущее отчуждение, несовместимое с викторианской моралью, оптимизмом и условностями. Новые идеи в психологии, философии и политической теории вызвали поиск новых способов выражения.

Модернистский импульс подпитывается в различных литературах индустриализацией и урбанизацией, а также поиском подлинного ответа на сильно изменившийся мир. Хотя довоенные произведения Генри Джеймса, Джозефа Конрада и других писателей считаются модернистскими, модернизм как литературное движение обычно ассоциируется с периодом после Первой мировой войны. Чудовищность войны подорвала веру человечества в основы западного общества и культуры. , а послевоенная модернистская литература отражала чувство разочарования и фрагментации. Основная тема Т.С. Длинное стихотворение Элиота «Бесплодная земля » (1922 г. ), оригинальное модернистское произведение, представляет собой поиск искупления и обновления в стерильном и духовно пустом ландшафте. Поэма с фрагментарными образами и неясными аллюзиями типична для модернизма тем, что требует от читателя активной роли в интерпретации текста.

Элиот не был доминирующим голосом среди модернистских поэтов. В Соединенных Штатах Роберт Фрост и Карл Сэндберг выразительно описали регионы — Новую Англию и Средний Запад соответственно, — в которых они жили. Гарлемский ренессанс породил богатый кружок поэтов, среди которых были Каунти Каллен, Лэнгстон Хьюз, Клод Маккей и Элис Данбар Нельсон. Гарриет Монро основала Poetry в Чикаго в 1912 году и сделал его самым важным органом поэзии не только в Соединенных Штатах, но и во всем англоязычном мире. В 1920-е годы Эдна Сент-Винсент Миллей, Марианна Мур и Э. Э. Каммингс выразили в своей поэзии дух революции и экспериментирования.

Викторина «Британника»

Современное искусство: кто его создал?

Если вы хотите улучшить свою игру в области современного искусства, эта викторина для вас.

Чувство разочарования и утраты пронизывает большую часть американской модернистской литературы. Это чувство может быть сосредоточено на конкретных людях, а может быть направлено на американское общество или на цивилизацию в целом. Оно может порождать нигилистический, деструктивный импульс или выражать надежду на перспективу перемен. Ф. Скотт Фицджеральд разрушил американскую мечту в Великий Гэтсби (1925), Ричард Райт разоблачил и атаковал американский расизм в Родной сын (1940), Зора Нил Херстон рассказала историю трех браков чернокожей женщины в Их глаза смотрели на Бога (1937), а ранние романы Эрнеста Хемингуэя « И восходит солнце» (1926) и Прощай, оружие (1929) сформулировали разочарование потерянного поколения. Тем временем Уилла Катер рассказывала обнадеживающие истории об американской границе, расположенной в основном на Великих равнинах, в О пионеры! (1913) и Моя Антония (1918), Джон Стейнбек изобразил трудную жизнь рабочих-мигрантов в О мышах и людях (1937) и Гроздья гнева (1939), а Уильям Фолкнер использовал поток монологи сознания и другие формальные приемы, позволяющие порвать с прошлой литературной практикой в ​​ «Шум и ярость » (1929).

По ту сторону Атлантики издание романа Улисса ирландского писателя Джеймса Джойса в 1922 года стало знаковым событием в развитии модернистской литературы. Плотный, длинный и противоречивый роман подробно описывает события одного дня из жизни трех дублинцев с помощью техники, известной как поток сознания, которая обычно игнорирует упорядоченную структуру предложений и включает фрагменты мыслей в попытке уловить поток персонажей. ‘ мыслительный процесс. Некоторые части книги считались непристойными, и Улисс был запрещен в течение многих лет в англоязычных странах. Другие европейские модернистские авторы, чьи работы отвергли хронологическую и повествовательную преемственность, включали Вирджинию Вульф, Марселя Пруста и американскую эмигрантку Гертруду Стайн.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Термин «модернизм» также используется для обозначения литературных движений, отличных от европейских и американских движений начала и середины 20-го века. В латиноамериканской литературе Модернизм возник в конце 19 века в произведениях Мануэля Гутьерреса Нахеры и Хосе Марти. Движение, продолжавшееся до начала 20 века, достигло своего пика в поэзии Рубена Дарио. ( См. также американская литература; Латиноамериканская литература.)

10 Модернистских художественных течений | Британика

Курирование этого контента осуществляется по усмотрению автора и не обязательно отражает точку зрения Encyclopaedia Britannica или ее редакции. Для получения наиболее точной и актуальной информации обращайтесь к отдельным статьям энциклопедии по темам.

© AbleStock.com/Jupiterimages

На рубеже 20-го века произошли перемены, главным образом в том, как люди начали воспринимать цивилизацию в целом и ее главную цель. Начало Первой мировой войны, или предполагаемой войны, которая положит конец всем войнам, и беспрецедентное опустошение, которое последовало за этим, бросили вызов основам систем верований многих культур, что привело к большому количеству экспериментов и исследований художников с моралью и определением того, что именно Искусство должно быть и должно быть для культуры. За этим последовал целый список художественных течений, стремившихся найти свое место в постоянно меняющемся мире.

---

• Постимпрессионизм

  Жорж Сёра: Воскресенье в Гранд-Жатт — 1884 Художественный институт Чикаго, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, каталожный номер. 1926.224 (CC0)

  Постимпрессионизм, который часто считают необходимым предшественником многочисленных художественных движений, сформировавшихся под эгидой модернизма, зародился в последние годы 19 века. Оно прославилось благодаря незабываемым работам Поля Сезанна, Жоржа Сёра, Винсента Ван Гога и других, поскольку они сосредоточились на расширении ограничений предшественника движения, импрессионизма, исследуя методы, которые позволили бы им получить более чистую форму выражения. , при этом в большинстве случаев сохраняя импрессионистское использование ярких и фантастических цветов, отображаемых короткими мазками. Постимпрессионисты, в отличие от многих представителей других художественных течений, в основном сочиняли свои произведения независимо от других, что позволяло им экспериментировать в разных направлениях, от усиленного импрессионизма, характерного для Ван Гога, до пуантилизма, как это видно в самой известной работе Сёра. 900:57 Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт (1884–86).

• Фовизм

  Это знаменитое авангардное движение считается одним из первых в своем роде, получивших процветание в начале 20-го века. Созданный Анри Матиссом, фовизм был в значительной степени обязан импрессионизму, поскольку он демонстрировал яркие цвета для захвата пейзажей и натюрмортов. Однако это стало самостоятельным движением, поскольку фовисты, такие как Матисс, привносили в свои картины повышенное чувство эмоциональности, часто используя грубые и вопиющие мазки и яркие цвета прямо из своих тюбиков, которые поначалу ужасали публику. Именно чрезмерная выразительность этих грубых и базовых техник побудила искусствоведа Луи Вокселя окрестить таких художников фов («дикие звери»). Среди других известных фовистов Андре Дерен, Морис де Вламинк и Жорж Брак, последний эволюционировал от неприкрытой эмоциональности фовизма к созданию более структурированных и логических фокусов кубизма, который считается прямым потомком фовизма.

• Кубизм

  Возможно, самое известное направление в искусстве эпохи модернизма. Кубизм стал ассоциироваться с одним именем, в частности, с Пабло Пикассо. Однако следует должным образом отметить, что Жорж Брак также был лидером движения и что он и Пикассо так хорошо работали друг с другом, что в разгар господства кубизма их картины практически неотличимы друг от друга. Часто отмечается, что кубизм начал свое окончательное движение с открытием 9-го века Пикассо.0057 Les Demoiselles d’Avignon (1907 г.), на котором изображены обнаженные женщины в изломанной перспективе и демонстрируется значительное африканское влияние. Тем не менее, движение не получило своего названия до 1908 года, когда искусствовед Луи Воксель (опять же!) изобразил дом Брака в L’Estaque как построенный из кубов. Главные цели кубистов заключались в том, чтобы отказаться от условностей прошлого, чтобы просто имитировать природу, и начать в новом ключе, чтобы подчеркнуть плоскую размерность холста. Этот эффект был достигнут за счет использования различных противоречивых точек обзора для рисования обычных объектов, таких как музыкальные инструменты, кувшины, бутылки и человеческая фигура. По мере того, как они продвигались в своей работе, Брак и Пикассо использовали монохроматическую шкалу, чтобы подчеркнуть свое внимание к внутренней структуре своих работ. Хотя кубизм обычно ассоциируется с живописью, он оказал длительное влияние на многих скульпторов и архитекторов того времени.

• Футуризм

  Умберто Боччони: Уникальные формы непрерывности в пространстве Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Завещание Лидии Уинстон Мальбин, 1989, 1990.38.3, www.metmuseum.org

  Возможно, один из Самым спорным движением модернистской эпохи был футуризм, который при беглом взгляде сравнивал людей с машинами и наоборот, чтобы принять изменения, скорость и инновации в обществе, отбросив при этом художественные и культурные формы и традиции прошлого. Однако в центре футуристической платформы стояло одобрение войны и женоненавистничества. Футуризм — придуман в 19Манифест 09 Филиппо Маринетти — не ограничивался одним видом искусства, а фактически был воспринят скульпторами, архитекторами, художниками и писателями. На картинах обычно изображались автомобили, поезда, животные, танцоры и большие толпы людей; а художники заимствовали фрагментированные и пересекающиеся плоскости у кубизма в сочетании с яркими и выразительными красками фовизма, чтобы прославить достоинства скорости и динамичного движения. Писатели сосредоточились на том, чтобы избавить свою поэзию от того, что они считали ненужными элементами, такими как прилагательные и наречия, чтобы акцент мог делаться на действии инфинитивных глаголов. Эта техника в сочетании с интеграцией математических символов позволила им делать более декларативные заявления с большим чувством смелости. Хотя первоначально футуристы были ярыми в своем утверждении достоинств войны, они потеряли пар, когда стали очевидными разрушения Первой мировой войны.

• Вортицизм

  Общественное достояние

  Специфически английское художественное движение, поскольку его рупором был знаменитый лондонский журнал Blast . возраст и охватил возможные достоинства динамических изменений, которые должны были последовать. Он был основан прямо перед началом Первой мировой войны знаменитым художником Уиндемом Льюисом и вездесущим поэтом эпохи модернизма Эзрой Паундом. Однако в то время как футуристы зародились во Франции и Италии, а затем распространились по континенту в Россию, вортицизм оставался локальным в Лондоне. Вортицисты гордились своей независимостью от подобных движений. В своей литературе они использовали грубую лексику, резонирующую с механическими формами, найденными на английских верфях и фабриках, и в своих произведениях, а также в своих картинах вортицисты поддерживали абстракцию как единственный способ разорвать связи с доминирующим и душит викторианское прошлое, чтобы они могли перейти в новую эру. Однако вортицизм, как и футуризм, изо всех сил пытался справиться с непостижимыми разрушениями во время Первой мировой войны, которые были результатом новых машин, которые они так высоко ценили. Когда Первая мировая война подошла к концу и ценились вортицисты, а именно Т. Е. Хьюм и Годлер-Бжеска погибли в бою, к началу 19 века вортицизм сократился до небольшого числа.20 с.

• Конструктивизм

  Модель «Памятник Третьему Интернационалу» © Tatlin; фотография © Moderna Museet, Stockholm

  Когда кубизм и футуризм распространились на запад, в Россию в конце 1910-х годов, они были поглощены утопическим духом Октябрьской революции, создав таким образом новое художественное движение, известное как конструктивизм, которое охватило теорию о том, что искусство должны быть «построены» из современных промышленных материалов, таких как пластик, сталь и стекло, чтобы служить общественной цели, а не просто делать абстрактное заявление. Часто приписывают толчок к движению Владимиру Татлину, который в 1913, во время учебы в Париже, находился под сильным влиянием геометрических построений Пикассо. Вернувшись в Россию, он вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо опубликовал в 1920 году Манифест реализма , в котором, подобно футуристам и вортицистам, выражал восхищение машинами и технологиями, а также их функционализмом. Одним из самых знаковых произведений этого движения является «Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920)» Татлина , странная спиралевидная конструкция, которая предназначалась для использования в качестве правительственного здания. Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись «мертвым» видом искусства, если только она не должна служить чертежом чего-то, что должно быть построено физически. Поэтому они работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. По мере усиления советской оппозиции их движению многие конструктивисты бежали из России и вдохновляли движение в западных странах, таких как Германия, Франция и Англия, где они приобрели большое значение.

• Супрематизм

  Другим уникальным русским модернистским движением был супрематизм, возникший совместно с конструктивизмом, хотя и с более сильным акцентом и принятием абстракции, которую можно было рисовать на холсте. Это обозначено как первое движение, использующее чистую геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, так как он, наряду со многими своими современниками, является автором супрематического манифеста. Название движения произошло от цитаты Малевича, в которой он заявил, что движение будет вдохновлять «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Его главная цель состояла в том, чтобы сломать искусство до его голых костей, часто используя основные формы, такие как квадраты, треугольники и круги, а также основные и нейтральные цвета. По мере того, как он продвигался в своей работе, Малевич включал больше цветов и форм, но он олицетворял движение в своих картинах «Белое на белом», на которых едва виден слабо очерченный квадрат. Супрематизм часто был пропитан духовно-мистическим подтекстом, что добавляло ему абстракции, и, как и в случае с конструктивизмом, движение, по сути, полностью прекратилось с усилением советского гнета.

• De Stijl

  Предоставлено Haags Gemeentemuseum, Гаага

  Название De Stijl (по-голландски «Стиль») адекватно резюмирует цель этого движения, а также характеризует его намерения по достижению этой цели: с простым, прямым подходом. Основанный группой голландских художников в Амстердаме, в которую входили Тео ван Дусбург (который основал периодическое издание группы De Stijl ), Пит Мондриан и Якобус Йоханнес Питер Оуд, De Stijl был пропитан большим количеством мистицизма, проистекающим, прежде всего, из преданности Мондриана. к теософии. Движение также имело большое влияние парижского кубизма, хотя члены De Stijl считали, что Пикассо и Брак не смогли зайти достаточно далеко в царство чистой абстракции. Они, как и супрематисты, работали в основном в абстрактном стиле и с неприукрашенными формами, такими как прямые линии, пересекающиеся плоские поверхности и основные геометрические фигуры, а также с основными цветами и нейтральными. С помощью этих методов они стремились исследовать законы равновесия, проявляющиеся как в жизни, так и в искусстве. Хотя в движение входили художники, скульпторы, типографы, поэты, представители декоративно-прикладного искусства, это были архитекторы, прежде всего Уд с его рабочим жилым комплексом в Хук ван Холланд (1924–27), которые смогли лучше всего уловить строгую и гармоничную суть движения.

• Дадаизм

  Возможно, лучше всего подытоживая знаменитого дадаистского поэта Хьюго Болла, дадаистская цель искусства заключалась не в том, чтобы искусство было «самоцелью, а [было] возможностью для истинного восприятия и критики время, в которое мы живем». И наверняка времена дадаизма были наполнены горем, разрушением и хаосом, поскольку они были свидетелями безудержного массового опустошения Первой мировой войны. Движение представляло собой разрозненную международную сеть, которая была видна в Цюрихе, Швейцария; Нью-Йорк; Берлин, Кельн и Ганновер, Германия; и Париж. Дадаистов не связывали их стили, средства или техники. Вместо этого они были связаны своими единообразными обычаями и верованиями. Они считали себя борцами против рационального мышления, которое они считали ответственным за упадок социальных структур, рост коррумпированной и националистической политики, а также распространение насилия и войны. Они бросили вызов и высмеивали определение искусства и его элитарное учреждение такими работами, как Марсель Дюшан 9. 0057 Fountain (1917 г.), который представлял собой фарфоровый писсуар, и они использовали фотомонтажи, а также множество других художественных средств на своих публичных собраниях в знак протеста против зарождающейся нацистской партии в Германии. Дадаисты по всему миру решительно боролись против таких репрессивных социальных институтов, хотя некоторые списывали их как просто абсурдных и несущественных из-за их многочисленных выходок и разрозненной сети.

• Сюрреализм

  Как одно из самых известных художественных направлений эпохи модернизма, в основном благодаря неизгладимой работе Постоянство памяти (1931) Сальвадора Дали, сюрреализм запомнился своим созданием интуитивно понятных, захватывающих и эстетичных образов. Отталкиваясь от абсурдистских наклонностей дадаистов и психоаналитических сочинений Зигмунда Фрейда, Андре Бретон, известный поэт и критик своего времени, опубликовал в 1924 году «Манифест сюрреализма», в котором заявил о намерении группы объединить сознание с бессознательным, чтобы царства сна и фантазии могли слиться с повседневной реальностью в «абсолютную реальность, сюрреальность». Хотя их лучше всего помнят за работы их художников, таких как Жан Арп, Макс Эрнст и Андре Массон, сюрреалисты работали с различными средами, включая поэзию, литературу, скульптуру и тогдашнюю новую среду кино. Поскольку Бретон был воинственным в соблюдении его манифеста членами движения, многие участники откололись от новых форм искусства, хотя все еще включали приемы и мотивы сюрреализма.

Современное искусство. Термины и концепции современного искусства

Краткий обзор современного искусства

Современное искусство представляет собой развивающийся набор идей ряда художников, скульпторов, фотографов, исполнителей и писателей, которые — как индивидуально, так и коллективно — искали новые подходы к творчеству. Хотя современное искусство началось в ретроспективе примерно в 1850 году с появлением реализма, подходы и стили искусства определялись и пересматривались на протяжении 20 веков. Практики каждого нового стиля были полны решимости разработать визуальный язык, который был бы одновременно оригинальным и репрезентативным для того времени.

Обзор современного искусства

Быстрый рост промышленности и прогресс технологий побуждали художников представлять мир новыми и инновационными способами. Результатом стало искусство, которое приобрело новые цвета, альтернативные формы, эмоциональные выражения и эксперименты с абстракцией.

Читать полный обзор

Важные художники и произведения современного искусства

Развитие искусства

1873

Impression, Sunrise

Художник: Клод Моне

В этом основополагающем произведении современного искусства небрежное обращение Моне с красками и его внимание к свету и атмосфере в пейзажной сцене являются ключевыми характеристиками импрессионизма, который широко считается первым полностью современным движением. Использование Моне абстракции вызывает в памяти то, что художник почувствовал или испытал , когда рисовал сцену, что было весьма необычным подходом для художника того времени. Название работы « Впечатление», «Восход » не только дало критикам название, которое позже получит движение, но и передает преходящий, мимолетный и субъективный характер картины. Это визуальное впечатление Моне от того, что он наблюдал во время восхода солнца.

Холст, масло — Musée Marmottan Monet

1898-1906

Большие купальщицы

Художник: Поль Сезанн в естественной обстановке. Серии обнаженных тел расположены в различных положениях, как объекты в натюрморте, под стрельчатой ​​аркой, образованной пересечением деревьев и неба. Сезанн пытался отойти от импрессионистских мотивов света и естественного эффекта и вместо этого составил эту сцену как серию тщательно выстроенных фигур, как будто создавая скульптуру своей кистью. Его больше заботило то, как формы занимают пространство, чем запись своих визуальных наблюдений. Это разрушение обычного иллюзионизма и радикальное стремление к усилению абстракции считается важным предшественником кубизма.

Холст, масло. Художественный музей Филадельфии

1907

Авиньонские девицы

Художник: Пабло Пикассо искусство, экспрессионизм и постимпрессионистские картины Поля Сезанна. Объединение этих, казалось бы, разрозненных источников в одном произведении стало новым подходом к созданию произведений искусства и показывает, насколько расширились взгляды художников с ростом модернизма. Первоначально картина вызвала серьезные споры из-за изображения сцены в публичном доме, а также из-за зубчатых, выступающих и абстрактных форм, используемых для изображения женщин. Это также широко считается произведением искусства, положившим начало движению кубизма. Разнообразие стилей, включенных в эту работу — от иберийской скульптуры, отсылающей к женским телам, до скульптурной деконструкции пространства, заимствованной у Сезанна, — не только представляет собой явный поворотный момент в карьере Пикассо, но и делает картину невероятно ярким достижением современности. эпоха.

Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1917

Фонтан

Художник: Марсель Дюшан как искусство — помогли переопределить, что представляет собой произведение искусства в современную эпоху. Отныне уникальное произведение искусства больше не требовало акта творчества художника или визуального свидетельства руки художника в его создании, художнику просто нужно было обозначить произведение как искусство, чтобы оно считалось таковым. Дюшана Fountain представляет собой фарфоровый писсуар массового производства, перевернутый на спину и с надписью R. Mutt, представляющей собой комбинацию названия сантехнической компании и комикса. Используя повседневный сборный объект, Дюшан заставил зрителя пересмотреть определение искусства и того, кто дает это определение. В частности, эта работа и другие реди-мейды оказали большое влияние на более поздние направления поп-арта, которые сосредоточились на объединении низкого и высокого искусства, а также на концептуализме, в котором идея, стоящая за произведением искусства, так же важна, как и конечный объект.

Фарфор. Художественный музей Филадельфии

1931

Постоянство памяти

Художник: Сальвадор Дали распад, органический процесс, который очень увлекал Дали. Он стремился изобразить «образы конкретной иррациональности», выводя из подсознания на холст навязчивые сновидения, такие как это аллегорически пустое пространство, где время не имеет власти. Знаменитое и яркое воображение Дали, его увлечение образами и метафорами сновидений, а также его исследование человеческого подсознания — все это соответствует ключевым характеристикам движения сюрреализма начала 20-х годов.0219-й век.

Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1950

Осенний ритм (номер 30)

Художник: Джексон Поллок в процессе создания работы Джексон Поллок помог определить идею живописи действия. С помощью этих картин Поллок — один из самых известных абстрактных экспрессионистов — открыл для своего бессознательного новый абстрактный визуальный язык, который вышел за пределы фрейдистского символизма сюрреалистов. Он разорвал жесткое, плоское пространство кубистических картин, заменив его густой паутиной линий и форм, подобной непостижимой галактике звезд. В некотором отношении эта работа напоминает импрессионизм и Сюрреализм, в свободном, жестовом нанесении краски и бессознательном характере выражения, лежащего на холсте.

Холст, эмаль. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1954-55

Флаг

Художник: Джаспер Джонс Абстрактные экспрессионисты, изображая узнаваемый предмет повседневного обихода, который, по словам Джонса, «видят, но не смотрят». Хотя работа репрезентативна, картина также абстрактна в своих многочисленных фактурах, слоях и материалах, включая полоски газеты, закрашенные энкаустикой, и тактильные мазки, создающие живописную, выразительную поверхность. Джонс превращает флаг, трехмерный объект, в двухмерную картину. Эта практика присвоения знакомых предметов напомнила практику более ранних дадаистов, особенно Марселя Дюшана, который произвел революцию в современном искусстве с помощью реди-мейда. Подход Джонса с его 9Картины 0010 Flag возродили интерес к дадаизму и стали важным предшественником поп-арта, особенно благодаря использованию им повседневных предметов массового производства.

Энкаустика, масло, коллаж на ткани, наклеенной на фанеру, три панели — Музей современного искусства, Нью-Йорк

1962

Мэрилин Диптих

Художник: Энди Уорхол многие посвящены Мэрилин Монро) вскоре после безвременной кончины актрисы 19 августа62. Изображение Монро, которое Уорхол переработал и использовал для всех своих шелкографических картин Мэрилин , было взято из рекламного кадра, первоначально использованного для фильма Ниагара . Не отличаясь от уорхоловских мотивов банок с супом Кэмпбелл или коробок Brillo, художник складывает и повторяет здесь одно и то же изображение Монро, как если бы она была потребительским товаром в продуктовом магазине. Сопоставляя яркие цвета с монохромом в диптихе, Уорхол намекает на ее смертность. Хотя Уорхол был большим поклонником актрисы, в этой и подобных работах он признавал, что знаменитость сама по себе является потребительским товаром. Marilyn Diptych задуман как дань уважения покойной иконе и как резкий комментарий к тому, как мы стали относиться к этим иконам поп-культуры в современную эпоху.

Шелкография, синтетическая полимерная краска на холсте – Музей современного искусства, Нью-Йорк предвосхищает зрелые работы Серры, в которых сталь воплощает гравитацию, вес, противодействие, извилистое движение и другие физические и визуальные свойства. Эта скульптура, состоящая из четырех скрученных листов свинца, опирающихся друг на друга, является не столько визуальным упражнением для зрителя, сколько интеллектуальным упражнением, заставляющим задуматься о физических свойствах, которые позволяют изделию оставаться в вертикальном положении, а не разрушаться. Беспрецедентная сложность такой работы довольно типична для постминимальной скульптуры, которая опиралась на множество визуальных источников и теорий для вдохновения. Пока One Ton Prop воплощает в себе определенные принципы минимализма, концептуализма и даже дадаизма, его обычно называют процессным искусством, потому что процесс его построения заложен и очевиден в окончательной работе. Множественность источников и возможных стилей типична для плюралистического современного мира и сопутствующего ему современного искусства.

Свинцовая сурьма, четыре пластины. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Определение современного искусства индустриальная эпоха, которая заставила современное общество проявить себя по-новому по сравнению с прошлым. Художники старались представить свой опыт новизны современной жизни надлежащими инновационными способами. Хотя термин «современное искусство» применяется к огромному количеству художественных жанров, охватывающих более века, с эстетической точки зрения современное искусство характеризуется намерением художника изобразить предмет таким, какой он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения и характеризуется отказом от принятых или традиционных стилей и ценностей.

Начало современного искусства

Классическое и раннее современное искусство

Века, предшествовавшие современной эпохе, были отмечены многочисленными достижениями в изобразительном искусстве, от гуманистических изысканий эпохи Возрождения и барокко до сложных фантазий стиля рококо и идеальная физическая красота европейского неоклассицизма 18 ^го века. Однако одной из преобладающих характеристик в эти ранние современные эпохи была идеализация предмета, будь то человеческий, естественный или ситуативный. Художники обычно рисовали не то, что они воспринимали субъективными глазами, а скорее то, что они представляли себе как воплощение своего предмета.

Эпоха модернизма и искусства

Эпоха модерна наступила с зарей промышленной революции в Западной Европе в середине 19 ^го века, одного из важнейших поворотных моментов в мировой истории. С изобретением и широкой доступностью таких технологий, как двигатель внутреннего сгорания, крупные заводы с механическим приводом и производство электроэнергии в городских районах, темп и качество повседневной жизни резко изменились. Многие люди мигрировали с сельских ферм в городские центры в поисках работы, сместив центр жизни из семьи и деревни в сельской местности в расширяющиеся городские мегаполисы. С этими событиями художников привлекали эти новые визуальные пейзажи, теперь изобилующие всем разнообразием современных зрелищ и мод.

Крупным технологическим достижением, тесно связанным с изобразительным искусством, была фотография. Фотографические технологии быстро развивались, и уже через несколько десятилетий фотография могла воспроизвести любую сцену с идеальной точностью. По мере развития технологий фотография становилась все более доступной для широкой публики. Концептуально фотография представляла серьезную угрозу классическим художественным способам представления предмета, поскольку ни скульптура, ни живопись не могли передать такую ​​же степень детализации, как фотография. В результате точности фотографии художники были вынуждены находить новые способы выражения, что привело к новым парадигмам в искусстве.

Перспектива художника и современное искусство

В первые десятилетия 19 века многие европейские художники начали экспериментировать с простым актом наблюдения. Художники со всего континента, в том числе портретисты и художники-жанристы, такие как Гюстав Курбе и Анри Фантен-Латур, создавали работы, целью которых было объективное изображение людей и ситуаций, недостатков и всего остального, а не создание идеализированного изображения предмета. Этот радикальный подход к искусству составил широкую художественную школу, известную как реализм.

Удалить рекламу

Также в начале 19 ^го века романтики стали представлять пейзаж не обязательно таким, каким он объективно существовал, а таким, каким они его видели и чувствовали. Пейзажи, написанные Каспаром Давидом Фридрихом и Дж.М.В. Тернера — это драматические изображения, передающие чувство возвышенного, которое поразило художника при просмотре этой конкретной сцены на природе. Это представление чувства в сочетании с местом стало решающим шагом для создания новаторской и уникальной точки зрения современного художника.

Ранняя абстракция и современное искусство

Точно так же, в то время как некоторые художники сосредоточились на объективном изображении, другие сместили свой художественный фокус, чтобы подчеркнуть визуальное ощущение наблюдаемых объектов, а не их точное и натуралистическое изображение. Эта практика представляет собой начало абстракции в изобразительном искусстве. Двумя ключевыми примерами этого являются « Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket » Джеймса Макнила Уистлера и « Boulevard des Capucines 9» Клода Моне.0011 (1873 г.). В первом художник соединяет большие брызги и маленькие пятна краски, чтобы создать портрет ночного неба, освещенного фейерверком, который был скорее атмосферным, чем репрезентативным. В последнем Моне показывает с высоты птичьего полета шумную современную парижскую жизнь. Изображая эту сцену, Моне представил пешеходов и городской пейзаж как «впечатление», или, другими словами, визуальное представление мимолетной, субъективной и слегка абстрактной перспективы.

Темы и концепции современного искусства

Современные художники

История современного искусства — это история лучших художников и их достижений. Современные художники стремились выразить свои взгляды на окружающий мир с помощью визуальных средств. В то время как некоторые связывали свою работу с предшествующими движениями или идеями, общая цель каждого художника в современную эпоху заключалась в том, чтобы продвинуть свою практику на позицию чистой оригинальности. Некоторые художники зарекомендовали себя как независимые мыслители, выходящие за рамки того, что составляло приемлемые формы «высокого искусства» в то время, которые были одобрены традиционными государственными академиями и высшими покровителями изобразительного искусства. Эти новаторы изображали предметы, которые многие считали непристойными, противоречивыми или даже совершенно уродливыми.

Первым современным художником, который, по существу, стоял на своем в этом отношении, был Гюстав Курбе, который в середине 19 ^го века стремился разработать свой собственный особый стиль. Это было достигнуто в значительной степени с его картиной 1849–1850 годов « Похороны в Орнане », которая шокировала мир французского искусства, изображая похороны простого человека из крестьянской деревни. Академию возмутило изображение грязных сельскохозяйственных рабочих у открытой могилы, поскольку сюжетом для такой большой картины подходили только классические мифы или исторические сцены. Первоначально Курбе подвергся остракизму за свои работы, но в конечном итоге он оказал большое влияние на последующие поколения современных художников. Этот общий образец отказа и более позднего влияния повторили сотни художников в современную эпоху.

Движения современного искусства

Дисциплина истории искусства имеет тенденцию классифицировать людей по группам художников-единомышленников и исторически связанных художников, обозначаемых как различные движения и «школы». Этот простой подход к установлению категорий особенно уместен, поскольку он применим к централизованным движениям с единственной целью, таким как импрессионизм, футуризм и сюрреализм. Например, когда Клод Моне выставил свою картину «Впечатление », «Восход солнца » (1872 г.) в рамках групповой выставки в 1874 г., картина и выставка в целом были плохо восприняты. Однако Моне и его коллеги-художники в конечном итоге были мотивированы и объединены критикой. Таким образом, импрессионисты создали прецедент для будущих независимо мыслящих художников, которые стремились объединиться на основе единственного объективного и эстетического подхода.

Удалить рекламу

Эта практика группирования художников в движения не всегда полностью точна или уместна, поскольку многие движения или школы состоят из самых разных художников и способов художественного представления. Например, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн считаются главными художниками постимпрессионизма, движения, названного так из-за отклонений художников от импрессионистских мотивов, а также их хронологического места в истории. Однако, в отличие от своих предшественников, постимпрессионисты не представляли собой сплоченного движения художников, объединившихся под единым идеологическим знаменем. Кроме того, можно утверждать, что некоторые художники не вписываются ни в какое конкретное движение или категорию. Ключевые примеры включают таких, как Огюст Роден, Амадео Модильяни и Марк Шагал. Несмотря на эти сложности, несовершенное обозначение движений позволяет разбить обширную историю современного искусства на более мелкие сегменты, разделенные контекстуальными факторами, которые помогают в изучении отдельных художников и работ.

Авангард и развитие современного искусства

Авангард — это термин, происходящий от французского «авангарда», передового подразделения, идущего в бой, буквально авангарда, и его обозначение в современном искусстве очень как и его военный тезка. Вообще говоря, большинство успешных и творческих современных художников были авангардистами. Их целью в современную эпоху было продвижение практик и идей искусства, а также постоянное оспаривание того, что составляет приемлемую художественную форму, чтобы наиболее точно передать опыт художника в современной жизни. Современные художники постоянно исследовали прошлое и переоценивали его по отношению к современности.

Современное, современное и постмодернистское искусство

Вообще говоря, современное искусство определяется как любая форма искусства в любой среде, созданная в наши дни. Однако в мире искусства этот термин обозначает искусство, созданное во время и после эпохи пост-поп-арта 1960-х годов. Рассвет концептуализма в конце 1960-х знаменует собой поворотный момент, когда современное искусство уступило место современному искусству. Современное искусство представляет собой широкое хронологическое определение, охватывающее широкий спектр движений, таких как земное искусство, перформанс, неоэкспрессионизм и цифровое искусство. Это не четко обозначенный период или стиль, а знаменует собой конец периодизации модернизма.

Постмодернизм является реакцией или сопротивлением проектам модернизма и начался с разрыва репрезентации, который произошел в конце 1960-х годов. Модернизм стал новой традицией, обнаруженной во всех институтах, против которых он изначально восставал. Постмодернистские художники стремились выйти за пределы, установленные модернизмом, деконструируя великий нарратив модернизма, чтобы исследовать культурные коды, политику и социальную идеологию в их непосредственном контексте. Именно это теоретическое взаимодействие с идеологиями окружающего мира отличает постмодернистское искусство от современного искусства, а также определяет его как уникальную грань современного искусства. Особенности, часто связанные с постмодернистским искусством, — это использование новых медиа и технологий, таких как видео, а также техника бриколажа и коллажа, столкновение искусства и китча и присвоение более ранних стилей в новом контексте. Некоторые движения, которые обычно называют постмодерном: концептуальное искусство, феминистское искусство, инсталляционное искусство и перформанс.

Полезные ресурсы на современном Art

Видео

Специальные функции

Книги

Веб -сайты

Видео -клипы

More

Видео

• 242K Views

• 9000 393K Views
  7K Views
  7K Views
  7K Eviews
  K
  K Views
  K
  K Eview

  1 тыс. просмотров

  638 тыс. просмотров

Популярная культура:

• 81 тыс. просмотров

• 141 тыс. просмотров

Посмотреть больше видео

Специальные возможности

веб-сайты

видеоклипы

Модернизм: искусство ради искусства

купить пропецию онлайн Кристофер Л. К. Э. Уиткомб 1. Корни модернизма 2. Искусство ради искусства 3. Модернизм и политика 4. Модернизм и постмодернизм 5. Конец искусства? Библиография 2. Искусство ради искусства К началу 20 века прогрессивный модернизм стал доминировать на художественной сцене в Европе до такой степени, что консервативный модернизм приобрел дурную славу и высмеивался как форма искусства. Следует помнить, что на протяжении большей части 20-го века мы придерживались узкого взгляда на модернистский период, когда прогрессивному модернизму уделялось почти исключительное внимание, в то время как консервативный модернизм в значительной степени игнорировался. Однако консервативные модернисты, так называемые академические художники 19-го и начала 20-го веков, считали, что вносят свой вклад в улучшение мира. В отличие от прогрессивных модернистов, консервативные модернисты представляли образы, которые содержали или отражали хорошие консервативные моральные ценности, или служили примерами добродетельного поведения, или предлагали вдохновляющие христианские чувства. Как правило, консервативные модернисты выбирали темы, демонстрирующие примеры праведного поведения и благородных жертв, которые должны были служить образцом, которому должны стремиться все добропорядочные граждане. Например, на картине Жана-Поля Лорана « Последние мгновения Максимилиана, императора Мексики » (1882; Эрмитаж, Санкт-Петербург) изображен марионеточный император перед казнью через расстрел в Керетаро, Мексика, 19 июня 1867 года. контрастирует с широко нарисованной «незавершенной» картиной Мане, на которой событие изображено в негероических выражениях и таким образом, который был истолкован консерваторами как критический по отношению к внешней политике Наполеона III (картина вызвала официальную цензуру, а также презрение консервативных критиков), Лоренс представляет императора благородным героем, спокойно утешающим своего обезумевшего духовника, в то время как верный слуга на коленях цепляется за его левую руку. Его мексиканские палачи стоят в ожидании у дверей, благоговея перед достоинством и хладнокровием императора. Эдуард Мане Казнь императора Максимилиана 1867 г., холст, масло (Кунстхалле, Мангейм) Жан-Поль Лоран Последние мгновения Максимилиана, императора Мексики 1882 г., холст, масло (Эрмитаж, Санкт-Петербург) Такое обращение рассматривалось прогрессистами как некритическое и просто поддерживающее статус-кво; он предлагал будущее, которое было немногим больше, чем увековечение настоящего. Консерваторы обычно хотели сохранить существующие институты; любые изменения будут происходить постепенно. Прогрессисты, с другой стороны, критически относились к институтам, как политическим, так и религиозным, потому что они ограничивали личную свободу; они хотели радикальных перемен. Прогрессисты верили в доброту человечества, доброту, которая, как они считали, начиная с Руссо в 18 веке, была испорчена такими вещами, как рост городов. Другие утверждают, что быстрый подъем промышленного капитализма в 18 веке превратил человека в эгоистичное, конкурентоспособное животное, чья бесчеловечность все больше проявлялась на угнетенном ландшафте промышленной революции. Руссо прославлял природу, а ряд модернистов идеализировал деревенскую жизнь. Томас Джефферсон жил в стране, близкой к природе, и желал, чтобы Соединенные Штаты были полностью сельскохозяйственной экономикой; он охарактеризовал города как «язвы на теле политики». В отличие от консервативного модернизма, остававшегося скованным старыми идеями и склонного поддерживать статус-кво, прогрессивный модернизм занял враждебную позицию по отношению к обществу и его установленным институтам. Так или иначе, оно бросило вызов всей власти во имя свободы и, намеренно или нет, оскорбило консервативные ценности среднего класса. Вообще говоря, прогрессивный модернизм имел тенденцию заниматься политическими и социальными проблемами, привлекая внимание к тревожным аспектам современного общества, таким как тяжелое положение бедных и проституция, которые, по их мнению, необходимо было решить и исправить. Своим искусством прогрессисты неоднократно указывали на политические и социальные недуги, которые все более самодовольный и комфортный средний класс предпочитал игнорировать. По сути, цель состояла в том, чтобы просвещать общественность, поддерживать перед лицом консервативных сил идеалы Просвещения о свободе и равенстве, благодаря которым мир станет лучше. Позиция, занятая прогрессивным модернизмом, получила название авангарда (военный термин, означающий «авангард»). В отличие от консервативных модернистов, обращавшихся к прошлому и традиции, художник-авангардист сознательно отвергал традицию. Вместо того, чтобы существовать как самое последнее проявление традиции, уходящей корнями в прошлое, художник-авангардист видел себя стоящим у истоков новой традиции, простирающейся, надеюсь, в будущее. Прогрессивный модернист смотрел в будущее, а консервативный модернист смотрел в прошлое. Сегодня мы бы охарактеризовали прогрессивный модернизм, авангард как политически либеральный в его поддержке свободы слова и требований равенства. С 18 века модернистская вера в свободу самовыражения проявляется в искусстве через претензии на свободу выбора сюжета и свободу выбора стиля с точки зрения выбора мазка и цвета. Именно в осуществлении этих прав художник постоянно обращал внимание на цели прогрессивного модернизма. По мере развития 19 века практика свободы творчества стала основой прогрессивного модернизма. Художники стали искать свободы не только от правил Академии, но и от ожиданий публики. Утверждалось, что искусство обладает собственной внутренней ценностью и не должно выполнять какую-либо назидательную, утилитарную или моральную функцию. В редакционных статьях влиятельного журнала L’Artiste прогрессивный французский писатель и критик Теофиль Готье считал, что искусство должно быть независимым, и продвигал лозунг «l’art pour l’art». производится не для публики, а для искусства. «Искусство ради искусства» было объединяющим лозунгом, призывом к свободе искусства от требований, чтобы оно обладало смыслом и целью. С точки зрения прогрессивного модерниста это было еще одним проявлением свободы. Это была также уловка, еще одно преднамеренное оскорбление чувств буржуазии. В своей книге «Мягкое искусство наживать врагов », опубликованной в 1890 году, прогрессивный художник-модернист Джеймс Эббот Макнил Уистлер предложил, чтобы «искусство было независимым от всякой чепухи, оно должно быть самостоятельным и апеллировать к художественному чутью и зрению». слух, не смешивая это с совершенно чуждыми ему эмоциями, такими как преданность, жалость, любовь, патриотизм и тому подобное. Все они не имеют никакого отношения к этому. В своем эссе «Душа человека при социализме», опубликованном в 1891 году в Pall Mall Gazette , Оскар Уайльд писал: Произведение искусства – это уникальный результат уникального темперамента. Ее красота в том, что автор такой, какой он есть. Это не имеет ничего общего с тем фактом, что другие люди хотят того же, что и они. В самом деле, в тот момент, когда художник замечает, чего хотят другие люди, и пытается удовлетворить спрос, он перестает быть художником и становится скучным или забавным ремесленником, честным или нечестным торговцем. Он больше не претендует на то, чтобы считаться художником. Однако «Искусство ради искусства» было уловкой, которая имела неприятные последствия. Тот же самый средний класс, вкусам и идеям которого Уистлер противостоял через свое искусство, быстро превратил призыв «Искусство ради искусства» в инструмент для дальнейшей нейтрализации содержания и пагубных последствий прогрессивного модернистского искусства. Отныне искусство должно было обсуждаться в формальных терминах — цвет, линия, форма, пространство, композиция, — что фактически исключало из рассмотрения вопрос о значении и цели и позволяло делать любые социальные, политические или прогрессивные заявления, которые художник надеялся сделать. в его или ее работе, чтобы их удобно было игнорировать или преуменьшать. Этот подход стал настолько распространенным, что художники, безусловно, более слабые, и даже некоторые из сильных, по мере того как они становились старше или чувствовали себя более комфортно, теряли из виду свою модернистскую цель и волей-неволей погружались в этот формалистский образ мышления. об искусстве. В защиту такого отношения утверждалось, что, поскольку функция искусства состоит в том, чтобы сохранять и преумножать ценности и чувства цивилизованных людей, искусство должно стараться оставаться в стороне от пагубных влияний современной культуры, которая становилась все более грубой и дегуманизированной. . В конце концов возникло представление о том, что модернистское искусство должно практиковаться исключительно в закрытой формалистической сфере, которая обязательно была отделена от реального мира, чтобы не заразиться им. Критик-формалист Клемент Гринберг в статье, впервые опубликованной в 1965 году под названием «Модернистская живопись», увидел, что модернизм достиг самореферентной автономии. Произведение искусства стало рассматриваться как обособленное явление, подчиненное внутренним законам стилистического развития. Искусство стояло отдельно от материалистического мира и мирских дел простых людей. Основополагающие допущения, действующие здесь, прежде всего постулируют, что художник-визуалист, благодаря особым дарованиям, способен выражать лучшие вещи человечества посредством «чисто визуального» понимания и способа выражения. Эта «чисто визуальная» характеристика искусства делала его автономной сферой деятельности, совершенно обособленной от повседневного мира общественной и политической жизни. Самоопределяющая природа изобразительного искусства означала, что вопросы, которые ему задавали, могли быть правильно поставлены и на них можно было ответить только в его собственных терминах. «История» модернизма была построена посредством обращения только к самому себе. Импрессионизм, например, приобретает большую часть своего художественно-исторического значения благодаря своему месту в схеме стилистического развития, уходящей корнями в предшествующий реализм Курбе и Мане, а также благодаря тому, что он дает главный импульс для последующих стилей постимпрессионизма. . В руках консервативного истеблишмента формализм стал очень эффективным инструментом контроля над непослушным и разрушительным искусством. Многие из художественных движений, зародившихся в первой половине 20 века, можно рассматривать как различные попытки сломать формалистическую хватку прогрессивного модернизма. Однако система, сформулированная более академическими искусствоведами и критиками, действовавшая рука об руку с рынком искусства, который интересовался только деньгами, а не смыслом, фактически поглотила все попытки подрывной деятельности и бунта в нейтральную, приемлемую, только иногда слегка оскорбительная история искусства, которую сегодня можно найти в учебниках по истории искусства. К несчастью для истории искусства, в процессе нейтрализации прогрессивного модернизма искусствоведам пришлось нейтрализовать и все другое искусство более ранних периодов и из других стран мира. Один и тот же редукционистский подход использовался повсюду, создавая историю искусства, в значительной степени лишенную какого-либо реального смысла, изначально присущего произведению искусства. По общему мнению, эстетическое качество будет иметь приоритет при определении функции искусства, а не его социальной или политической значимости. Формализм, тем не менее, также мог быть обращен в пользу прогрессистов, которые могли использовать его для защиты модернизма, в частности абстракции, которая была особенно открыта для критики. В начале 20-го века формализм также четко увязывался с другой целью прогрессивного модернизма: универсализмом. Чтобы искусство было эффективным инструментом улучшения общества, его должно было понять как можно больше людей. Но дело было не в простом манипулировании изображениями, важным считалось «настоящее» искусство, стоящее за изображением. Искусство может быть разным, и один пример может сильно отличаться от другого. Но то, что называется «искусство», является общим для всех. Каким бы ни было это «истинное» искусство, оно было всеобщим; как научная «истина» Просвещения. Все искусство, очевидно, обладало им. Некоторые художники отправились на поиски «искусства». С точки зрения Просвещения это был поиск «истины» или сущности искусства, и он осуществлялся с помощью своего рода изобразительного рассуждения. Первым шагом было удаление отвлекающих элементов, таких как узнаваемые объекты, которые имели тенденцию скрывать или скрывать общее «искусство». Примером такого подхода может служить русский художник Василий Кандинский, который, например, в своей «Композиции VII », написанной в 1913 году и сейчас находящейся в Третьяковской галерее в Москве, свел свои композиции к сочетаниям цветов, линий и форм. Он считал, что цвета, линии и формы могут существовать на картине автономно, без какой-либо связи с узнаваемыми объектами. Василий Кандинский , Композиция VII 1913, холст, масло (Третьяковская галерея, Москва) Более радикальный подход заключался в том, чтобы свести неузнаваемое к самым основным цветам, линиям и формам. Это был подход голландского художника Пита Мондриана в его композиции с желтым, синим и красным , например, написанной в 1921 году и сейчас находящейся в галерее Тейт в Лондоне, в которой три цвета плюс черный и белый расположены в виде прямоугольника. фигуры в сетке. Пит Мондриан , Композиция с желтым, синим и красным 1921, холст, масло (Галерея Тейт, Лондон) Однако иногда упускается из виду, что для художников, предпринявших этот поиск, на карту было поставлено нечто большее, чем открытие «истины» искусства. Для некоторых абстракция была путем к другой цели. И Мондриан, и Кандинский живо интересовались духовным и считали, что искусство должно служить проводником, источником вдохновения или, возможно, помогать возродить в зрителе духовное измерение, которое, как они и другие чувствовали, теряется во все более материалистическом мире. современный мир. Абстракция включала в себя своего рода снятие материального мира и потенциально открывала, или описывала, или просто намекала на мир духа. Новые подходы к форме и содержанию также изучались в музыке и литературе. Французский композитор Клод Дебюсси исследовал нетрадиционные гармонии в коротких композициях, таких как Prélude à l’après–midi d’un faune (под влиянием символистской поэмы Стефана Малларме), впервые исполненной в 1894 году, в которой акцент делается на музыкальном звучании и тональности. качественный. В 1912 году пьеса Дебюсси легла в основу балета, поставленного и исполненного русским танцором Вацлавом Нижинским для Русского балета в Париже. В следующем году Нижинский поставил хореографию и станцевал в балете 9.0010 Le Sacre du Printemps русского композитора Игоря Стравинского, который своей сложной ритмической структурой и использованием диссонанса вместе с радикально нетрадиционной хореографией Нижинского шокировал и возмутил как консервативных критиков, так и публику. Однако это событие заложило основу для развития модернизма в музыке. Как и в изобразительном искусстве, музыка также стала менее «репрезентативной» и вызывающей воспоминания (то есть связанной с реальными темами, событиями, местами, людьми, объектами, идеями или эмоциями) и более абстрактной и выразительной. Австрийский композитор Арнольд Шёнберг ввел атональность, при которой музыка сочиняется без тонального центра или тональности, а позднее, в начале 19 в.20-х годов разработал додекафонную или двенадцатитоновую технику композиции. К этому времени сторонники прогрессивного модернизма одержали победу над силами консервативного модернизма. В течение следующих пятидесяти лет идеалы и практика прогрессивного модернизма доминировали в европейской и американской истории. Начало страницы 3. Модернизм и политика

Подробно: 1913 год, год модернизма

Сто лет назад модернизм ворвался на культурную сцену, когда серия основополагающих работ и выставок, устанавливающих новую эстетику, дошла до широкой публики. От Armory Show в Нью-Йорке до рождения модернистских групп во Флоренции, Дрездене, Мюнхене и Санкт-Петербурге, смелых экспериментов с абстрактными формами в литературе и изобразительном искусстве, смелых комбинаций традиционных или изобретенных жанров и новаторских дизайнов для печатных СМИ. как книги и журналы, все пытались уловить ритм и реальность современной жизни. Париж по-прежнему был центром — и часто предметом — новых искрометных творений, но к 1913 модернистский дух превратился в поистине интернациональную идиому. Год спустя мир охватит беспрецедентно жестокая война, и радость и динамизм, возникшие на закате Прекрасной эпохи, уступят место атмосфере пессимизма и иррациональности. Выставка 1913: Год модернизма отмечает столетие этого ключевого года и его последствий и освещает ключевые аспекты модернистских движений — от экспрессионизма до футуризма, от визуальной поэзии до дадаистских провокаций.

Дух 1913 года и его революционный эффект находят, пожалуй, самое знаковое воплощение в «Проза Транссиба» — «одновременной поэме», написанной совместно в том же году поэтом Блезом Сандраром и художницей Соней Делоне. На одном длинном сложенном листе эта книга объединяет изображение и текст, чтобы сплести выдумки о Париже и мире, о путешествиях и войне, о человеке, попавшем в водоворот современной жизни. Примеров перекрестного опыления между литературой и изобразительным искусством в этот период предостаточно, а диалоги между художниками и писателями привели к дальнейшим нововведениям в иллюстрированной книге, таким как сотрудничество Сендрара и Фернана Леже на Конец света, снятый Ангелом Н.-Д. (1919). Поэт стал героем картин, таких как портрет Модильяни его друга поэта, драматурга и кинорежиссера Жана Кокто. Поэты также стремились стать художниками — например, Гийом Аполлинер, который первоначально дал название Я тоже художник своему сборнику визуальной поэзии Каллиграммы: стихи мира и войны (1918), в котором он расположил текст из его стихов, чтобы сформировать образы. Формальные эксперименты варьировались от интенсивной субъективности немецких экспрессионистов Die Brücke и Der Blaue Reiter до кубистических изображений повседневных предметов Жоржа Брака и Пабло Пикассо.

Фотографии Эжена Атже того периода документируют лачуги, витрины и уличные сцены Парижа девятнадцатого века, которые быстро исчезали с развитием современного города в двадцатом веке. Ощущение исчезающего мира, запечатленное на этих фотографиях, приняло другое направление и резко усилилось, когда художники обратились к социальной и политической реальности Первой мировой войны. В таких журналах, как L’Elan и Le Mot , утверждения о яростном национализме сталкивались с выражением ужаса перед беспрецедентным размахом насилия. Авангардистские группы, формировавшиеся до, во время и после войны, стремились не только к обновлению современных эстетических форм, но и к изменению окружающего мира. Итальянские футуристы радикально отвергли прошлое и попытались выразить энергию технического прогресса. Футурист Филиппо Томмазо Маринетти прославлял войну как предтечу радикальных социальных перемен в свои 19 лет.12 книга Занг Тумб Тууум , в которой он свободным стихом выразил хаос на поле боя Первой Балканской войны. Российская и британская реакция на футуризм также отдавали предпочтение скорости, динамизму и машине как признакам нового мирового порядка.

Не все модернистские художники и писатели восприняли войну как долгожданный предвестник социальных перемен. Кабаре Вольтер в Цюрихе породило дадаизм, движение, сформулированное в 1916 году как прямая реакция против ксенофобского патриотизма и бойни войны. Подобные движения быстро развились в Берлине, Нью-Йорке и Париже. Художники-дадаисты использовали искусство перформанса, звуковую поэзию, коллаж, демонстрацию найденных предметов и другие абсурдистские стратегии, чтобы высмеять рациональное буржуазное общество и поставить под сомнение саму идею современности. Формат журнала идеально подходил для международной идентичности Дадаизма и его инвестиций в эфемерные художественные практики. В годы после войны Джордж Гросс, один из основателей берлинского дадаизма, занял особенно сильную политическую позицию в своем искусстве и иллюстрациях, протестуя против морального разложения и социального хаоса Веймарской республики в язвительных сатирических рисунках, опубликованных в подрывных левых изданиях. крылатые политические журналы.

Катастрофические события Первой мировой войны по-разному оживили многогранную модернистскую эстетику 1913 года. В течение следующих двух десятилетий тенденции формальных экспериментов и способов взаимодействия с миром, которые были инициированы авангардными движениями, сохранялись и развивались. Выставка завершается работами, которые напоминают о наследии 1913 года: акварель Пауля Клее 1930 года указывает на постоянное исследование абстракции; Картина Хаима Сутина с мертвой птицей 1926 года предлагает экспрессионистскую интерпретацию приземленной темы, которая оставляет интуитивное впечатление насилия; и шедевр Пабло Пикассо Минотавромахия (1935) отражает политические волнения 1930-х годов и предсказывает подъем фашизма и катастрофы Второй мировой войны.
 

Эфтимия Ренцу
Доцент французского и итальянского языков

Calvin Brown
Associate Curator of Prints and Drawings

RELATED WEBSITE

Captions:

Sonia Delaunay, French, 1885–1979: Sonia Delaunay: ses peintures, ses objects, ses tissus simultanés, ses modes , Париж: 1925. Портфель с пошуаром. Отдел графических искусств, Отдел редких книг и специальных коллекций, Библиотека Принстонского университета. © Поместье Сони Делоне

Амедео Модильяни, итальянец, 1884–1920: Жан Кокто , 1916–17. Холст, масло, 100,4 х 81,3 см. Коллекция Генри и Роуз Перлман. Фото: Брюс М. Уайт

 

Что такое мексиканский модернизм? | Художественный музей Денвера

Мексиканский модернизм был художественным движением, которое процветало в Мексике в начале 19 века.20-е годы, после мексиканской революции (1910–1920). Одним из результатов революции стало установление в 1917 году новой конституционной республики, в основе которой лежала земельная реформа и гарантия основных прав человека для всех мексиканцев. Это означает, что предпринимаются усилия по обеспечению социального равенства и доступа к экономическим и образовательным возможностям. Новое правительство также вызвало обширный культурный сдвиг в сторону объединения мексиканского народа и вместе с тем стремление создать национальную идентичность.

Инновационное художественное направление, расцветшее после 1920-х годов, не было однородным по стилю, но стремилось по-настоящему отразить мексиканскую культуру и наследие. Он также был сосредоточен на чествовании рабочего и аграрного классов страны, а также ее коренного населения и доиспанских традиций. Целью искусства было быть поучительным, воспроизвести многослойную историю Мексики, жизнь и обычаи ее народа и быть доступным для публики.

Фрески

Мурализм стал основным художественным средством, с помощью которого транслировались эти послереволюционные идеалы. Фрески должны были быть доступны и видны населению, выполняя дидактическую функцию с предметами, которые представляли аллегории истории Мексики. Более того, фрески уже были частью давней традиции мексиканской настенной росписи, которая началась в доиспанские времена, с цивилизациями ольмеков, майя и теотиуакана. Таким образом, почитание этого вида искусства стало еще одним способом отдать дань уважения прошлому.

При президенте Альваро Обрегоне (1920–1924) правительство приступило к широкой программе общественного искусства, поручив художникам рисовать большие фрески в общественных зданиях, чтобы отпраздновать объединение страны после революции. Хосе Васконселос, министр образования Мексики, руководил многими комиссиями по росписи, в которых просили художников, таких как Диего Ривера, Хосе Клементе Ороско и Давид Альфаро Сикейрос, позже известного как los tres grandes , украсить стены общественных мест.

В 1921 году Сикейрос опубликовал Манифест для художников-пластиков Америки , в котором он укрепил новый художественный стиль, появившийся после революции. Он заявил, что искусство должно принадлежать народу и должно рассказывать истории коренных народов Мексики. Сикейрос выступал за «монументальное и героическое искусство, человеческое и общественное искусство, с прямым и живым примером наших великих мастеров и необычайных культур доиспанской Америки».

Между 1920-ми и 1950-ми годами фрески воплощали в себе стиль, который не только помог создать новую мексиканскую идентичность, но и стал основой для многих других художественных тенденций, которые стали определять современное искусство в Мексике. Фрески были большими по размеру и очень образными, как видно из «Этюда туловища » Ороско для фресок Национальной подготовительной школы, , 1926 год. Фрески также прославляли прошлое Мексики и привлекали внимание к социально-политическому положению рабочего класса. . Кроме того, они изображали традиции мексиканского народа, сопоставляя их коренные культуры с их испанским колониальным прошлым, что стало известно как Mexicanidad или мексиканская идентичность, встроенная в коренное и национальное наследие. Интерес к представлению Mexicanidad стал еще одним центральным элементом движения мексиканского модерна.

Тогда можно было бы сказать, что рождение модернизма произошло в основном через монументализм в Мексике и продолжилось через другие формы и стили искусства. От станковой живописи до фотографии, фигурации и абстракции, включения геометрических узоров и создания сказочных пейзажей; все жанры и стили объединились, чтобы определить новое художественное направление в Мексике, которое было разнообразным и неоднородным.

Хотя многие художники, ставшие частью мексиканского модернизма, обучались в Европе и находились под влиянием таких движений, как кубизм и сюрреализм, подъем модернизма в Мексике не представлял собой продолжение более раннего европейского искусства. Это было уникальное национальное художественное выражение, целью которого было культурно и политически укорениться в Мексике.

Карлос Мерида, Festival of the Birds , 1959. Полированная доска; 19,7 х 15,7 дюйма (50 х 40 см). Фонд Вергеля. © 2019Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк/SOMAAP, Мехико. Фото Херардо Сутера.

Сочетание абстрактного и доиспанского искусства

Гватемальский художник Карлос Мерида, например, переехал в Мехико в 1919 году и объединил абстрактные стили европейского модернизма с доиспанской эстетикой. Festival of Birds, 1959, является иллюстрацией его подхода — включение птиц над протянутыми руками фигур может быть вдохновлено глифом птицы из текстов майя, которым Мерида, как известно, восхищался. Мексиканский художник Gunther Gerzso — еще один пример многогранного художника, который перешел от фигурации к созданию уникального стиля геометрической абстракции. Как и многие другие мексиканские модернисты, он обращался к древним произведениям искусства как к образцам динамизма своих картин.

Абстракция также исследовалась через жанр фотографии. Мексиканские фотографы-модернисты, такие как Лола и Мануэль Альварес Браво, экспериментировали с геометрией, асимметрией, сильным контрастом света и резкой фокусировкой. Их черно-белые изображения изображали сцены повседневной жизни с особым интересом к решению социальных проблем и возвышению рабочего класса Мексики.

С другой стороны, такие художники, как Ольга Коста, выбрали фигурацию в качестве основного стиля. Коста, иммигрировавшая в Мексику из Германии молодой девушкой, очень хотела ответить на Мексиканидад . Ее работа была сосредоточена на представлении культурных ценностей Мексики. Она приняла традиции страны и уделяла особое внимание сценам повседневной жизни, в том числе религиозным церемониям, например, показанным в Nacimiento , 1948 года.

No related posts.