Стиль барокко в живописи, его основные отличия
Для украшения жилых помещений истинные почитатели и ценители прекрасного во все времена использовали произведения живописи. Хорошо подобранные, они в полной мере могут продемонстрировать изысканный вкус владельца дома, его неординарное восприятие и утонченное понимание прекрасного. Мастерски написанные картины — наиболее эффектный метод украшения жилища.
Закономерно возникает вопрос о том, какой стиль в живописи в наибольшей степени подходит для украшения интерьера? Знатоки утверждают, что наиболее подходящим вариантом окажется стиль барокко. В живописи он известен как наиболее популярный из стилей, царивших в Европе на протяжении почти двух веков (с конца 16 столетия и до средины 18-го). Родина барокко — солнечная Италия.
Воздвижение креста. Рубенс — гений живописного барокко
Триптихом «Воздвижение креста» Рубенс начал один из лучших периодов своей жизни: он…
Интересно само название стиля — барокко, которое имеет португальское происхождение.
Именно так португальцы называли бесценные дары моря — жемчужины, имевшие неправильную форму, а именно — причудливую. Стиль барокко в живописи изначально был обозначен несколько насмешливо, и его название ассоциировалось именно со словом «причудливый». Но это не стало преградой для быстрого роста его популярности во всей Европе.
Чем отличается барокко в живописи?
К главным особенностям стиля следует отнести его торжественность, величественность, способность выразить наслаждение жизнью и ее полноту. Отличается барокко в живописи и своей выразительностью, контрастностью, необычайной фантазийностью. Для барокко характерна выраженная игра света и тени, цвета и оттенка.
Чем же еще отличается эта прекрасная, яркая живопись? Художники, пишущие в стиле барокко, стремились к созданию произведений монументальных. Их творения полны динамизма, а богатство тщательно выписанных декораций поражает воображение даже посвященных ценителей живописи.
Барокко в живописи имеет чаще всего тематику мифологическую или религиозную.
Но часто можно встретить портреты представителей аристократии, удивительно красивые и пышные.
Почитаемый за одного из основателей стиля барокко в живописи, знаменитый итальянский художник Караваджо предпочитал создавать картины, имеющие цельный характер, наполненные мрачным спокойствием и глубиной. Но его последователи отдали предпочтение созданию произведений более ярких, наполненных цветом и светом. Со временем также стало прослеживаться некоторое отдаление от религиозной тематики.
Не менее знаменитые художники — нидерландец Рембрандт и проживающий во Фландрии Рубенс — привнесли в стиль барокко в живописи нотку национального колорита своих стран. Они смогли создать произведения, обогащенные культурой и традициями своих народов.
Изучая работы художников, пишущих в стиле барокко, можно также заметить, что на развитие стиля оказывало влияние религиозное окружение. Более помпезный характер и выраженный торжественный стиль присущи художникам из католических стран (Италии и Испании).
Работы сторонников протестантской церкви отличаются большей сдержанностью чувств, скромностью и строгостью.
Особенности Барокко в Архитектуре (17-18 век)
Европа в 17 веке, и в частности Римско-католическая Европа, упивается новым художественным стилем, охватывающим архитектуру, а также живопись и скульптуру. Особенность барокко в архитектуре во многих контекстах, таких как церковные интерьеры, сочетает в себе все три искусства беспрецедентным образом, чтобы создать чувство эмоционального изобилия.
Это настроение очень отличается от достойных и часто суровых шедевров эпохи Возрождения. Термин «барокко» впервые используется для выражения неодобрения. Считается, что оно происходит от португальского слова, обозначающего деформированную жемчужину. Безусловно, неуравновешенность и избыток — это качества, которые используют художники барокко и которые превращаются в преимущество.
Римско-католический мир является естественным домом этого стиля, потому что его настроение так хорошо соответствует посланию Контрреформации.
Протестантские реформаторы могут быть карикатурно изображены, не слишком необоснованно, как спорщики, суровые, не сентиментальные, враждебные образам и недоверчивые к любому авторитету, кроме Священного Писания.
Католическая церковь, напротив, пользуется аурой многовекового авторитета и престижа, давно использует искусство и музыку с большим мастерством, чтобы затронуть эмоции верующих, и гораздо больше предпочитает хорошее шоу хорошему аргументу.
Следуя примеру нового собора Святого Петра в Риме, многочисленные церкви, построенные и украшенные в 17 веке, поставили барокко на службу посланию церкви. Верующих приветствуют ряды святых, нетерпеливо жестикулирующих в камне из ниши или линии крыши.
Внутри барочной церкви свет падает на смешанные изгибы колонн, алтарей и скульптурных групп, разрушая монолитность боковых стен и часто поднимая глаза к иллюзорному потолку, в котором ангелы и люди славы или добродетели устремляются вверх в далекие облака небес. В барокко нет ничего половинчатого (во всяком случае, до тех пор, пока небольшая потеря нерва в 18 веке не приведет к развитию, известному как рококо).
Бернини и барокко Рим 17 век
В превращении Рима в город в стиле барокко никто не играет такой роли, как скульптор и архитектор Джованни Лоренцо Бернини. С 1629 года он был назначен архитектором собора Святого Петра, создание которого придало новое волнение и достоинство древнему городу. В течение следующих сорока лет он предоставляет великолепные творения, чтобы произвести впечатление на прибывающих паломников.
Первое, завершенное в 1633 году, представляет собой огромный бронзовый балдахин, поддерживаемый четырьмя извилистыми колоннами (обильно украшенными пчелами Барберини, ибо папой в то время был Урбан VIII). Это сооружение, известное как Балдахин, находится в самом сердце церкви, над могилой святого Петра и под куполом.
Балдахин возвышается над алтарем, у которого только папа проводит мессу. Между колоннами, с точки зрения прихожан, виден другой драматический вклад Бернини в интерьер собора Святого Петра — это золотая картина, произведение чистого театра, над алтарем в дальнем конце церкви.
Его центральной особенностью является папский престол Святого Петра, удерживаемый высоко в облаках.
Скульптурные золотые лучи струятся от трона Святого Петра к небу. В дополнительном измерении к иллюзии они соединены реальными лучами золотого света, сияющего от послеполуденного солнца через янтарное окно, в котором святой голубь расправляет крылья. Это великолепное сочетание скульптуры и архитектуры достигается между 1657 и 1666 годами.
В эти же годы Бернини вносит большой вклад и во внешний вид собора Святого Петра. Открытое пространство перед церковью, где собираются паломники, чтобы услышать пасхальное обращение Папы Римского, должно быть каким-то образом огорожено, чтобы образовать гостеприимную площадь.
Бернини достигает идеального решения в виде открытой изогнутой колоннады. Четыре концентрических ряда колонн обеспечивают крытые проходы и форму для площади, но они делают это, не закрывая ее — потому что нет задней стены. Между тем балюстрада над колоннами идеальный постамент для жестикулирующих каменных святых, которые являются неотъемлемой частью монументального барокко.
Чтение: Барокко: искусство, политика и религия в Европе семнадцатого века
Джан Лоренцо Бернини, Кафедра Петри (или Кафедра Святого Петра), позолоченная бронза, золото, дерево, витражи, 1647-53 (апсида Собор Святого Петра, Ватикан, Рим)
Рим: от «Вавилонской блудницы» к блистательной Невесте Христа
Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбургского собора в 1517 г. инициировал движение, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы. В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определяться новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов. Лишь в 1648 г., с подписанием Вестфальского мира, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.
Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал жадностью церкви и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «вавилонской блудницей», украшенной дорогими произведениями искусства, грандиозной архитектурой и роскошными банкетами.
Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблем коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами. Таким образом, в то время как первые два десятилетия 16-го века были периодом щедрых расходов папства, средние десятилетия были периодом строгой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Благочестие и аскетизм правили днем.
К концу 16 века католическая церковь снова была настроена оптимистично, даже торжествующе. Она вышла из кризиса с новой силой и ясностью цели. Центральное место занимало пастырство верующих — обучение их католическим учениям и воодушевление на добродетельное поведение. Стремясь восстановить репутацию Рима как святого города, папство приступило к обширным кампаниям по строительству и украшению, направленным на то, чтобы подчеркнуть его древнее происхождение, его верования и его божественно санкционированную власть. В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, прекрасно украшенной для союза со своим божественным супругом.
Вид на капеллу Черази в Санта-Мария-дель-Пополо в Риме с алтарем Аннибале Карраччи, Успение Богородицы, 1600-01, холст, масло, 96 дюймов × 61 дюйм и справа, Караваджо «Обращение святого Павла» (Обращение Савла), 1601, 91 дюйм × 69 дюймов
Искусство убеждения: наставлять, радовать, двигать
В то время как протестанты резко критиковали культ изображений, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства. Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующих. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и неученым. Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только учить, но и вдохновлять. Это должно было побудить верующих ощутить реальность жертвы Христовой, страдания мучеников, видения святых.
Караваджо, Терновый венец, 1602-04, холст, масло, 165,5 x 127 см (Художественно-исторический музей, Вена)
Акцент церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми средствами воздействия на зрителя .
Такие художники, как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы и резко обрезанными композициями, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображаемого повествования. Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения. Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обращались к смелым подвигам иллюзионистов, которые стирали не только границы между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами. При этом божественное стало физически присутствовать и осязаемо. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или буйный орнамент, искусство семнадцатого века должно впечатлять. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.
Джованни Баттиста Гаулли, также известный как il Baciccio, «Триумф имени Иисуса», потолочная фреска Il Gesù, 1672-1685
Католические монархи и их территории
Монархи Испании, Португалии и Франции также приняли более богато украшенные элементы искусства семнадцатого века, прославляющие католицизм. В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в сложные церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и дарохранители, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры. В испанских Нидерландах, где священное искусство ужасно пострадало в результате протестантского иконоборчества (уничтожения искусства), гражданские и религиозные лидеры уделяли первоочередное внимание украшению церквей по мере того, как регион восстанавливал свою католическую идентичность. Ремонт алтарей церквей Антверпена на протяжении многих лет занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса. Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы заявить о своей власти и статусе.
Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.
Просмотр картин Питера Пауля Рубенса в Старой пинакотеке, Мюнхен
Протестантский Север
В протестантских странах, и особенно в новой независимой Голландской республике (современная Голландия), художественный климат радикально изменился в последствия Реформации.
Джудит Лейстер, Автопортрет, ок. 1630 г., холст, масло, 651 х 746 см (Национальная художественная галерея, Вашингтон)
Два самых богатых источника покровительства — монархия и церковь — исчезли. На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и свое новое чувство национальной гордости посредством покупки произведений искусства.
К середине 17 века появился новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь спрос был на картины меньшего размера, подходящие для демонстрации в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пронзительных картинах Рембрандта и гравюрах с библейскими повествованиями, а также портреты, документирующие индивидуальные сходства.
Виллем Клас Хеда, Банкетная пьеса с мясным пирогом, 1635 г., холст, масло, 42 x 43-3/4 дюйма (Национальная художественная галерея, Вашингтон)
Но самым большим изменением на рынке стал резкий рост популярности пейзажей, натюрмортов и сцен из повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих сюжетов как самостоятельных художественных жанров было одним из самых значительных вкладов XVII века в историю западного искусства. Во всех этих жанрах художники проявляли большой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет в голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или разнообразные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, пожиная плоды. расширяющейся торговой империи. Эти произведения демонстрировали такую же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.
Франсиско де Сурбаран, Святой Франциск Ассизский Согласно Видению Папы Николая V, ок.
1640 г., холст, масло, 110,5 х 180,5 см (Национальный музей искусства Каталонии, Барселона)
«Барокко» — слово, стиль, эпоха
В контексте европейской истории период с ок. . 1585 г. по ок. 1700/1730 часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальского и испанского слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века. Это не было выражением похвалы. В глазах этих критиков, предпочитавших сдержанность и порядок неоклассицизма, произведения Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными, другими словами, уродливыми, как несовершенная жемчужина.
К середине 19-го века это слово утратило свой уничижительный смысл и использовалось для описания богато украшенных и сложных качеств, присутствующих во многих образцах искусства, музыки и литературы 17-го века. Со временем этот термин стал обозначать исторический период в целом.
В контексте живописи, например, строгий реализм запрестольных образов Сурбарана, спокойная интимность домашних интерьеров Вермеера и сдержанный классицизм пейзажей Пуссена — все это «барокко» (теперь с большой буквы «Б» для обозначения исторического периода), независимо от отсутствия стилистических признаков, изначально связанных с термином.
Николя Пуссен, Пейзаж со Святым Иоанном, 1640 г., холст, масло, 39-1/2 x 53-5/8 дюймов (Чикагский институт искусств) иметь ярлык для этого отдельного исторического периода, а также признавать его ограничения в характеристике разнообразия художественных стилей, существовавших в 17 веке.
Итальянское барокко Характеристики — 498 слов
Одной из характеристик итальянского барокко является реалистическое изображение человеческих фигур, яркое использование цвета и приемов предвидения, особенно в картинах. Кроме того, фигуры на картинах как бы выступают из фона, создавая огромные различия между светом и тьмой. Итальянское барочное сооружение имеет ощущение движения и энергии в статической форме.
Скульптуры заставляют наблюдателей иметь несколько точек зрения. Архитектура барокко имеет характерные купола, колоннады, создающие впечатление объема и пустоты.
Давид Микеланджело не взаимодействует с окружающей средой, а стоит один со скрытыми за ним небольшими движениями. Скульптура изображает Дэвида солдатом, готовящимся к войне, а не человеком, участвующим в битве (Miller, Vandome, & McBrewster, 2010). Руки больше, чем обычно, а руки длиннее его тела. Это предназначено для иллюстрации периода Возрождения. Напротив, у Давида Бернини есть аспекты движения, показывающие, что он уже был вовлечен в битву с Голиафом. Идею движения усиливают свободные струящиеся одежды. Кроме того, скульптура демонстрирует, что в отличие от Давида Микеланджело, у которого более длинные руки, Давид Бернини имеет сокращенные мышцы. Скульптура Микеланджело была создана в период Возрождения, а скульптура Бернини – в период барокко.
Картина Караваджо уникальна благодаря прекрасному использованию светотени, контраста между светом и тьмой.
Например, на картине «Ужин в Эммаусе (1602 г.)» Иисус и его ученики изображены в ярких тонах, а для фона используется темный оттенок (Miller, Vandome, & McBrewster, 2010).
Глядя на картину «Невероятность святого Фомы», кажется, что сила кроется в скептицизме, проявленном апостолом Фомой. Художника, кажется, интересуют сомнения Томаса в то время, когда он доведен до предела, чтобы поверить в воскресение Иисуса (Miller, Vandome, & McBrewster, 2010).
Просвещение занимается использованием человеческого разума для борьбы с невежеством и повышения политических, религиозных и образовательных достижений. Период Просвещения расширил искусство и произвел революцию в темах и темах, относящихся к этой области исследования. Предметы и темы, которые раньше обсуждались в искусстве, теперь изменились и превратились в политические и экономические вопросы.
На одной из картин, выполненных в стиле рококо, изображена девушка в поле, окруженная струнным ветром, развевающим ее платье и волосы.
В этой картине используется широкий спектр пастельных тонов и изящные изгибы, украшающие фигуру дамы (Adams, & Adams, 2010).
В этом эссе автор
- анализирует особенности итальянского барокко: реалистическое изображение человеческих фигур, яркое использование цвета и техники предзнаменования, особенно в картинах.
- Сравнивает Давида Микеланджело со скульптурой Бернини, заявляя, что обе скульптуры были созданы в период Возрождения и барокко.
- Анализирует использование Караваджо светотени, то есть контраста между светом и тьмой. картина «Ужин в Эммаусе (1602)» изображает Иисуса и его учеников яркими красками и использует темный оттенок для фона.
- Анализирует, как сила картины «Невероятность святого Фомы», по-видимому, заключается в скептицизме, проявленном апостолом Фомой.
- Объясняет использование человеческого разума для борьбы с невежеством и повышения политических, религиозных и образовательных достижений. период просвещения способствовал развитию искусства и произвел революцию в темах и темах, относящихся к этой области изучения.
