100 портретных фотографий, которые стоит увидеть
[adrotate banner=»2″]
Авторы блога Designer’s Terminal сделали отличную подборку по настоящему впечатляющих портретных фотографий.
Каждая работа в этой подборке по своему хороша и интересна.
Смотрим, радуемся и вдохновляемся.
1. Calamity’s daughter
2. Listening to snow
3. Sara
4. Memento
5. Sentiment
6. Morning Beauty
7. F l o w
8. The autumn has come
9. Every Picture Tells a Story
10. Small Chadna
11. Lilly
12. Learn To Fly
13. Seyba
14. Sleepy Winter Eyes
15. Quijote
16. Broken
17. Do Not Disturb
18. Winter’s Beauty
19. Just Woman
20. In der weite
21. GURU
22. Feeling blue
23. HER WORLD
24.
Fearless25. The Mind Reader
26. Dream Catcher
27. Baruni
28. Amy and mouse
29. L’?t? Meurtrier I
30. Upin
31. Smile on train
32. Uncertainty
33. Refraction
34. Self Portrait
35. M.
36. Crying Beauty
37. Nuevo intento
38. Bat Mask
39. Street Cook
40. Sadhu Shivaji Bush
41. Harmonica Man
42. One samurai
43. Calamity
44. Afghan Woman
45. Leaves
46. Breath in
47. Stefania
48. Silent whisper
49. Smile of an Indian female worker
50. Silence
51. Harmony
52. Growing up
53. The Story of Africa
54. Mr. X
55. Lucky stars
56.
Tina II57. iPhone Version of 1876
58. Shu
59. Joseph
60. Just like Me
61. Like my child’s dreams
62. Those Pearls
63. Vermeer I Study Of A Girl
64. Miss The Rain
65. Cr?ature divine
66. Entomological Meeting
67. Cold
68. Simply Natural
69. She Alone
70. Babylon nine
71. All those dreams from the past
72. Lbertas
73. Thai monk
74. Virgin Suicides
75. Paria
76. Repairman violin
77. My little girl
78. Hidden
79. The old faith
80. With the sandman
81. Forever
82. Iva Q
83. Anastasia
84. Beautiful things
85. Seduisant
86. Springtime
87.
An old man88. Little Miss Autumn
89. Brown eyes
90. Gizelle
91. Dead End
92. She’s lost control
93. Tari
94. Mona
95. Your Mind
96. Roxy music
97. Bengali girl
98. Mourning
99. FashioN
100. Cabaret
Портрет в фотографии. Классика жанра
Жанр портрета пришел в фотографию из живописи, во многом позаимствовав её художественные приемы. Фотография научилась воспроизводить лица людей «черта в черту».
«…Фотографические снимки чрезвычайно редко бываю похожими, и это понятно: сам оригинал, то есть каждый из нас, чрезвычайно редко бывает похож на себя. В редкие только мгновения человеческое лицо выражает главную черту свою, свою самую характерную мысль. Художник изучает лицо и угадывает эту главную мысль лица, хотя бы в тот момент, в который он списывает, и не было бы её вовсе в лице.
Фотография же застаёт человека как есть, и весьма возможно, что Наполеон в иную минуту вышел бы глупым, а Бисмарк — нежным». М. Ф. Достоевский
Портрет – самый распространённый и вместе с тем самый сложный жанр в фотографии. Человек многогранен и в разные моменты своей жизни он может выглядеть по-разному и вместе с тем оставаться настоящим. Настоящий портрет это даже не пойманное мгновение, это квинтэссенция жизни человека. Выражение лица постоянно меняется. Мы складываем мнение о знакомом человеке из совокупности свойственных ему выражений и состояний, а камера фиксирует лишь одно… Художественным можно назвать только тот портрет, который передаёт типичные характерные черты человека, некое духовное сходство. Вот это вероятно и есть разница между хорошим и плохим портретом. Художник может подметить совокупность черт характерных человеку и запечатлеть их, камера сохранит лишь сиюминутный момент, который должен быть пойман так, чтобы отражать наиболее характерное состояние для человека.
Фотограф находится в менее благоприятных условиях чем художник, который в течении многих дней изучает модель и пишет портрет, психологически раскрывая образ. Фотограф должен составить себе представление о человеке значительно за более короткий период времени, составить правильное представление о внешних и внутренних особенностях снимаемого, найти эти самые наиболее характерные выражения лица и позу. Предлагаю рассмотреть разные виды художественного портрета, приемы и способы на примерах авторов давно ставших классикой фотографии. Так как их работы оценило само время.
Юсуф Карш (1908-1992), один из самых знаменитых фотографов-портретистов, оказавший большое влияние на многих фотографов, снимавших портрет. С фотографий Карша на нас смотрят глаза многих его знаменитых современников. Черно-белые портреты, снятые крупным планом, в низком ключе, акцент в них сделан на лица и руки моделей. Только лица, наедине с вами, только психология образа. Самый знаменитый и растиражированный созданный им образ, это портрет Уинстона Черчилля.
На этой фотографии Черчилль предстает перед нами в совокупности всех черт присущих политику. Элеонора Рузвельт впоследствии скажет об этом портрете: «Это, вероятно, было первым серьёзным поражением Черчилля». Успех снимка прост, Карш застал Черчилля врасплох. Черчилль не хотел фотографироваться, но разрешил быстро сделать одну фотографию, не обращая внимания на фотографа, он как обычно достал свою сигару и решил закурить. Только вот Каршу сигара в образе Черчилля показалась лишней. Тогда Карш подошёл к Черчиллю и, пробормотал: «Простите, сэр… », и выдернул сигару из губ премьера, не ожидающего такой наглости. «Когда я вернулся к камере, — вспоминал фотограф, — он выглядел настолько агрессивно и воинственно, словно хотел меня сожрать». В этот момент он и нажал на кнопку. Снимок был напечатан в журнале Life и сделал фотографа знаменитым. С него делали плакаты и почтовые марки. После этого снимка все хотели быть сфотографированы Каршем. На его снимках появляются: короли и президенты, римские папы и космонавты, учёные и врачи, художники и писатели, актёры и музыканты.
И всё это многообразие не менее удачных образов и характерных портретов, калейдоскоп эмоций. Из 100 самых знаменитых людей XX века Карш сфотографировал 51-ого. Среди самых знаменитых его работ портреты Альберта Эйнштейна, Пабло Пикассо, Альберта Швейцера, Томаса Манна, Сомерсета Моэма, Хуана Миро, Альберто Джакометти, Жана Кокто, Фиделя Кастро, Джона Кеннеди, Одри Хэпбер, Бернарда Шоу и Элеаноры Рузвельт. Мой любимый портрет Эрнеста Хэменгуэя, образ, который лучше других последующих отражает мои представления о писателе. Сам автор считал своими лучшими работами на ряду с портретом Черчилля так же портреты Шоу и Рузвельт. Каждый из созданных Каршем портретов детально обсуждать можно очень долго, все они несомненная коллекция знаковых примеров портретной фотографии.
Слева: Жак-Ив Кусто, Справа: Эрнест Хэмингуэй
«В каждом человеке спрятана тайна и моя задача – открыть её. Это открытие произойдёт, если оно вообще произойдёт, в ничтожно малый интервал времени.
Человек может каким-нибудь непроизвольным жестом, блеском глаз или как-нибудь ещё сбросить маску, которая отгораживает каждого из нас от внешнего мира. В этот интервал времени фотограф должен сделать свою работу… или он проиграл». Юсуф Карш
Филипп Халсман (1906-1979), американский фотограф литовского происхождения. Филипп Халсман это и знаменитые снимки Мэрлин Монро, характерный для неё образ кокетки, та Мэрлин, которую мы привыкли видеть. И не менее знаменитые портеры Сальвадора Дали, с которым он дружил на протяжении 30 лет. Результатом этого творческого сотрудничества Дали и Халсмана было большое количество портретов испанского художника и знаменитый фотоальбом «Усы Дали» (1954). Для одной из самых известных фотографий этого цикла Халсман построил из семи обнажённых натурщиц, фигуру напоминающую человеческий череп.
Ещё одна и, пожалуй, самая известная фотография – это «Дали Атомикус», ставшая фотографическим продолжением картины Дали «Атомная Леда».
Друзья хотели показать движение электронов вокруг ядра. Для этого ассистенты на счет три подбрасывали кошек и выплёскивали воду из вёдер, Дали никто не подбрасывал, он подпрыгивал сам. Да, это не photoshop, в то время его ещё не было. После каждого дубля фотограф удалялся в тёмную комнату, проявлял плёнки, выходил и виновато говорил «ну ещё дублик». Ассистенты собирали кошек, вёдра и всё повторялось. Нужный результат получился только после 28-ой попытки.
Слева: Сальвадор Дали для альбома «Усы дали», Справа: Мэрлин Монро
Во время съёмки семейства Генри Форда, Халсман неожиданно для себя самого открывает новый технический приём съемки, человек в прыжке. «Когда человек прыгает,- говорит фотограф, его внимание направлено на сам акт прыганья, маска спадает и появляется его истинное лицо». Начало этой серии положила, жена Форда. Миссис Эдсель, не разрешите ли Вы сфотографировать вас в прыжке? Она взглянула на него с удивлением, потом улыбнулась: «Вы же не заставите меня прыгать на этих каблуках?», — спросила она и разулась.
За этой фотографией последовало множество других, запечатлевших знаменитых личностей в прыжке.
Так среди них были Грейс Келли, Мэрилин Монро, Одри Хэпберн, герцог и герцогиня Виндзор, будущий президент США Ричард Никсон, отец атомной бомбы Роберт Оппенгеймер и многие другие актеры, политики, писатели, художники, учёные. Потрясающий портрет Жана Кокто. Альфред Хичкок и его самый известный фильм Птицы. В этих образах читается все: характер и суть их жизни.
«Меня всегда интересовали люди. Хороший портрет должен – и сегодня и через сто лет – показывать, как человек выглядел и что он из себя представлял. Этого нельзя достичь, заставляя человека принять ту или иную позу или ставя его голову под определённым углом. Для этого нужно провоцировать «жертву», развлекать её шутками, убаюкивать тишиной, задавать такие дерзкие вопросы, которые даже лучший друг побоялся бы задать». Филипп Халсман
Нельзя не привести в качестве примера портретной фотографии и незаслуженно забытого Гьен Мили (1904-1984), чьё имя стало понемногу возвращаться только в век тотального интереса к фотографии.
Его биография, пожалуй, самая бедная фактами, про его жизнь не известно почти ничего. А вместе с тем он наряду с Халсманом, Ричардом Аведоном, Ансел Адамсом, Анри Картье-Брессоном, Альфредом Эйзенштедтом, Эрнестом Хаас, Юсуфом Каршем и Юджином Смитом, был назван одним из 10 величайших фотографов в мире (по версии журнала «Популярная фотография»). По непонятным причинам известный фотограф, снимавший так же как и другие фотографы для журналов (в том числе для Life) в интересной и для того времени новой технике, был забыт. Гьен Милле использовал в своей фотографии разработки профессора Гарольда Юджина Эдгертона. Эдгертон стал первым использовать в фотографии стробоскоп (прибор производящий быстро повторяющиеся импульсы).
Это позволило показать красоту ранее не видимого мира. Так как Энгертона интересовали только факты, он уступил художественную составляющую фотохудожнику, который с радостью воспользовался его научными разработками.
Эта «смесь алгебры с гармонией» и принесла популярность фотографу.
Он смог показать красоту остановившегося движения. И даже серии движений.
Отдельно выделим классиков, которые снимали портреты в жанре фэшн-фотографии. Ирвин Пэн, Арнольд Ньюман и Ричард Аведон.
Ирвин Пенн (1917-2009), показал свои неординарные способности во многих областях фотографии. Широкой общественности он известен как фотограф-портретист, работающий со знаменитостями. Но этот факт не отображает широты его фотографических интересов. В своей практике Пенн использовал много разнообразных приёмов, как подсмотренных ранее у кого-то, так и изобретённых им самим. Так у Пенна есть серия работ, в которых он снимает моделей как бы загнанными в угл, который имитирует замкнутое пространство.
Слева: Марсель Дюшан, справа: боксер Джо Луис
Реакция у моделей на то что их загнали в угл у всех разная: кто-то чувствовал себя вполне комфортно, кто-то был явно обеспокоен или даже испуган, чувствуя себя пойманными в капкан. Пенн ставил модель в этот угол, перед ним ставил камеру, тем самым отрезая все возможные ходы к отступлению.
Среди моделей на этих фото немало знаменитостей: композитор Игорь Стравинский, художники Сальвадор Дали и Марсель Дюшан, герцогиня Винзор, Труман Капоте, Марлен Дитрих и многие другие. Пенн любил выстраивать для своих моделей пространство, использовал различные предметы мебели и устройства. Так в качестве фона он мог использовать, приобретённый накануне антикварный ковёр, используя разные его части для съемок портретов (философ Джон Дьюи, режиссер Альфред Хичкок). Вместе с тем Пенн очень любил разнообразные этнографические исследования: фотографировал папуасов Новой Гвинеи, марокканцев, берберов и других представителей, так называемых примитивных народов. На этих фотографиях зачастую даже не видно лиц, они скрыты от зрителя платком, паранджой или маской и вместе с тем это не просто портрет какого-то человека, это портрет нации.
Однажды, в беседе журналист, интересовавшийся этой серией работ Пенна, обобщил их назвав «примитивными», на что Пенн ответил, — «Примитивные люди живут в Нью-Йорке».
И кому как не ему снимавшему столько разных лиц судить об этом. Когда мы доберёмся до портретов, снятых не в европейских спокойных городах, мы сможем в полной мере оценить разницу в лицах. Насколько они более открытые и настоящие.
Художественный портрет не механический оттиск. Такого рода портрет может и не понравится, тому с кого он сделан, так как это совокупность увиденного фотографом. Так произошло с портретами Арнольда Ньюмана (1918 -2006) на которых были запечатлены Игорь Стравинский и Боленн Крупп. После второй мировой войны Ньюман был самым известным фотографом портретистом. Его фотографии не сходили с обложек ведущих журналов. Фотографию Стравинского не принял Harpers Bazaar, который и заказал ему портрет композитора. Её не принял и непререкаемый авторитет в мире глянцевых журналов Алексей Бродович.
Игорь Стравинский
Снимок остался в полном распоряжении автора и впоследствии став знаменитым принёс ему немалые дивиденды.
А сам Игорь Стравинский во время новой встречи (Ньюману опять заказали портрет композитора) обнял фотографа и воскликнул: «Господи Ньюман, вы сделали меня известным!» Впоследствии Ньюман выпустит фотоальбом с серией портретов композитора «Браво Стравинский» (1967). Несколько иная история произошла с портретом Круппа. Его не принял сам г-н фон Болен Крупп.
Немецкий промышленник Альфрид Крупп
После съемки этого портрета Ньюману пришлось спешно уехать из страны, так как фотограф стал всерьез опасаться за свою жизнь. Ведь на снимке Ньюмана Круп предстал во всём своём великолепии мефистофеля ХХ века, зловещего символа злодея-буржуа, германского промышленника и военного преступника. Сам Крупп при виде снимка пришёл в бешенство и пообещал объявить фотографа персоной нон грата в Германии. В этом портрете отразилось личное отношение Ньюмана к Круппу, чей портрет изначально, он не хотел делать, считая его чуть ли не дьяволом и заносчивым нацистом. На снимках Ньюмана много хорошо узнаваемых лиц его современников.
Художник Вилем де Кунинг
Анри Картье-Брессон
У него, как и у других есть серия портретов Пикассо, но это именно его Пикассо не похожий на других. «Из всех кого я фотографировал, только Пикассо можно назвать человеком с пронзительным взглядом». На протяжении всей своей жизни Ньюман хотел вернуться к живописи, с которой всё и началось, но, к сожалению или к счастью этого так и не произошло.
Ричард Аведон (1923 — 2004) в своих фотографиях искал что-то очень важное…С Аведоном связана целая эпоха в фэшн-фотографии. Про него говорили, что он умел превращать людей в символы самих себя. В его коллекции портретов политики от Дуайта Эйзенхауэра до Хиллари Клинтон, художники от Пабло Пикассо до Энди Уорхола, люди искусства от Чарли Чаплина до Бьорк. Это человек, для которого мода была образом жизни. Он был первым, кто вывел моделей из студий на улицы города, пляжи, поместил в кафе, бары, в музейные залы и т.
д.
Всё это многообразие естественных пейзажей и становится его местом для съемок, его съемочными площадками. Он совмещает фэшн-съемки с реальной жизнью. И так же как и Ирвин Пенн открывает выразительный минимализм студийных портретов. На его фотографиях Сьюзан Паркер летит на роликах по парижской Площади Согласия, а модель Кармен под зонтиком прыгает с парапета через воображаемую лужу. Самым узнаваемым снимком 50-х годов становится фотография, на которой изображена модель Довима в платье от Ив Сен-Лорана, в окружении африканских слонов.
Аведону нравилось воображение и веселье девушек на его фотографиях. Это его процесс съемки. Он открывает миру Твиги. Аведону позируют музыканты, художники, певцы, модели, балерины и скульпторы.
С его фотографии на нас смотрит Чарли Чаплин, каким его не видел никто. Но вместе с тем его модели, это и никому неизвестные американские солдаты, пациенты психиатрических больниц, просто люди. Проект «Американский запад», был не принят ни общественностью, ни критиками.
На что сам фотограф ответил «…сейчас то, что интересует журналы мод перестало быть интересно мне». Результат этого 5-летнего проекта стали 752 фотографии. Это портреты американцев, на которых больше нет налёта гламура, на их лицах прорисовывается все до последней морщинки, родинки, шрама… Большинство американцев не захотело принять себя в этих лицах. На них была смерть, отчаянье, старение, в общем, на них была просто жизнь. Так произошла эволюция Аведона как автора от классического портрета, где главные критерии – это максимально красиво передать уникальность лица каждого с передачей состояния, настроения, черт характера, до портрета творческого, где главное – это передача авторского восприятия портретируемого, а главный критерий нравится ли это фотографу. Портрет это ещё не внешнее сходство. И Аведон так же хорошо понимал это. Человек поневоле создаёт образ самого себя. Поэтому не должно быть красноречивых поз. И на смену лиц с глянцевых обложек приходят просто люди. Только люди, только лица, только глаза, всматривающиеся в вашу душу.
«Каждый фотографирующийся, знает, что его фотографируют. Поэтому он неестественен, он поневоле создает образ самого себя. Но есть ещё и мои представления. Моё «я» вступает в отношения с «приготовленной» личностью модели. Ответ, полученный в результате – производное от тех взаимодействий, которые происходят прямо в студии. Это химический процесс». Ричар Аведон
Просмотрев весь этот калейдоскоп образов, понимаешь, насколько многогранен человек. Мы сами не воспринимаем себя однозначно. Есть то какими мы сами видим себя в зеркале – это некая тайна, мы не хотим чтобы такими нас видели другие; есть то какими мы хотим, чтобы нас видели другие — это имидж который мы себе создаём; есть то, что в нас видят другие и чего мы сами упорно не хотим признавать в себе; и наконец, есть вещи, о существовании которых не знаем мы, не знают окружающие — это то, что проявляется в экстремальных ситуациях. Именно поэтому портреты, сделанные в горячих точках и в экстремальных условиях жизни для людей, так притягивают.
Таких лиц не встретить на улицах спокойных европейских городов, где жизнь размеренна и плавно течёт своим чередом. Люди живут там, где жить нельзя… Их лица открытые и более настоящие, вместе с тем простые и понятные, в их глазах читается вся их жизнь. И это не может не притягивать. Настоящее всегда подкупает. Это ещё один вид портрета, жанровый портрет, сделанный в естественных условиях жизни, там, где человек привык находиться изо дня в день. Всем нам хорошо знаком портрет Стива МакКарри «Афганской девочки», даже если вы и не знали автора фотографии, вы наверняка не раз встречали её.
Портрет афганской девочки
И хотя у фотографа было множество других не менее живых портретов, он так и остался в истории фотографом одной фотографии. Впоследствии фотография была признана одной из 100 самых популярных фотографий по версии Национального географического общества (National Geographic). Она стала для американцев символом войны в Афганистане, её публиковали самые известные издания, печатали на плакатах, борцы за национальную независимость делали татуировки с изображением афганской девочки.
Феномена популярности фотографии не мог объяснить и сам фотограф. Впоследствии он признавался, что в тот день он сделал много снимков афганских детей в местной школе и этот снимок был для него одним из многих. Это портреты на грани репортажа и художественной съёмки, фотограф просил позировать своих спонтанных моделей.
«Самое главное – быть предельно внимательным к человеку, серьёзным и последовательным в своих намерениях, именно тогда снимок будет наиболее искренним. Я очень люблю наблюдать за людьми. Мне кажется, что лицо человека иногда может рассказать очень многое. Каждая моя фотография это не просто эпизод из жизни, это вся её история». Стив МакКарри
Также завораживают ужасом войны и вместе с тем красотой фотографии бразильца Себастио Сальгадо. Хотя сам автор выступает против того, чтобы его фотографии рассматривали как художественные работы, сам он их считает исключительно плодом работ фотожурналиста.
Мы не будем касаться этической стороны таких портретов.
Афганская девочка с фотографии Стива МакКари, живущая в ужасных условиях, не получила ничего с огромных гонораров, которые получил автор фотографии. Хотя через много лет National Geographic организовал целую экспедицию по её поискам, и она была найдена. В результате чего был опубликован уже два её портрета: когда она была девочкой и много лет спустя.
Каждая фотография предельно точна. В человеке нельзя снять то, чего в нём нет. И при этом ни в одной из них нет правды. Ошибочно утверждать, что фотография это только лишь документация фактов. Художественные портреты, сделанные мастерами, несомненно, и мнение автора. Так некоторые критики обвиняли Юсуфа Карша в том, что он чрезмерно идеализирует персонаж, навязывая модели свою философию, рассказывает скорее о себе, чем о портретируемом. А известный антрополог Лионель Тайгер, чей портрет сделал Ирвин Пенн, говорил о своих ощущениях в качестве модели следующее: «Я помню чувство, что отдаю больше, чем имею, что в этот момент я был больше чем я есть на самом деле, рассказывал не свою историю, а нечто большее…».
«Мои портреты больше обо мне, чем о тех, кого я снимаю», — говорит Ричар Аведон. Такой художественный портрет это и способ сфотографировать самого себя. Но никто не возьмётся отрицать, что портреты, сделанные этими мастерами и внутренний мир модели…или фотографа, скорее всего совокупность их, оказывает часто гипнотическое воздействие на зрителя. Что же такое настоящий художественный портрет, сказать не так просто. Но он уж точно не похожее на сотни других ничего не выражающее лицо абстрактного человека. Всматриваясь в людей, понимаешь, что на самом деле они все уникальны и неповторимы.
Мной не случайно была выбрана классика. Невозможно вместить в рамки одной статьи, то, что было сделано в портретной фотографии. Все эти фотографы жили и работали примерно в один период времени, снимая своих знаменитых современников. В результате мы можем сравнить индивидуальность образов, создаваемых фотохудожниками, увидеть такого разного Дали, Пикассо или Хичкока. Фотография на самом деле может быть очень субъективной.
Портрет превращается в художественный, когда перестает быть просто фиксацией и становится мнением.
Дарья Жмылева
Что такое портретная фотография — типы, стили, концепции и многое другое
Что такое портретная фотография
Искусство портретной фотографии
Прежде чем мы углубимся в различные существующие типы портретной фотографии, давайте взглянем на определение.
Это поможет нам лучше понять основные характеристики фотографического метода и жанра.
ПОРТРЕТНАЯ ФОТОСЪЕМКА ОПРЕДЕЛЕНИЕ
Что такое портретная фотография?
Портретная фотография стремится запечатлеть индивидуальность, индивидуальность и сущность объекта, используя фотографические приемы, такие как композиция, освещение и постановка. Существуют различные типы портретной фотографии, которые зависят от предмета портрета, а также от стиля. Например, некоторые портреты являются более традиционными и формальными для профессионального использования и публикации.
Другие типы портретов более повседневны, например, повседневные портреты, в которых запечатлены предметы из повседневной жизни.
Распространенные виды портретной фотографии:
- Традиционные портреты
- Образ жизни
- Гламурные портреты
Студийная портретная фотография
Традиционная портретная фотография
Когда вы слышите термин «портретная фотография», изображения, которые приходят вам в голову, скорее всего, представляют собой традиционную портретную живопись.
Традиционная портретная фотография более формальна и обычно делается в студии, когда объект съемки смотрит прямо в камеру.
Портрет Роберта Де Ниро фото Платона
Фотографы, которые снимают традиционные портреты, стремятся запечатлеть сущность человека, которого они снимают. Это самые знаковые фигуры в популярной культуре, политике и истории, с которых сделаны традиционные портреты.
Посмотрите это закулисное видео Платона, культового фотографа, известного своими традиционными, но динамичными портретами, которые он снимает.
Что такое портретная фотография • С Platon
Традиционные портреты направлены на то, чтобы запечатлеть объекты в их лучшем и самом подлинном виде. Для этого используются освещение, постановка и композиция.
Семейная портретная фотосъемка
Групповые портреты
Хотя большинство портретных снимков делается с одним объектом, в групповом портрете все же можно запечатлеть несколько объектов. Это обычное дело при съемке пар, семей и профессиональных партнеров.
Семейная портретная фотография
Целью групповых портретов является запечатлеть динамику отношений. В свадебных портретах фотографы стремятся запечатлеть любовь и романтику. Семейные фотографы стремятся запечатлеть единство. В портретах деловых групп фотографы могут стремиться запечатлеть общую трудовую этику.
Так как групповые портреты всегда снимаются с несколькими объектами, важно сосредоточиться на отношениях между объектами.
Что такое портретная фотография
Образ жизни Портреты
Не все портреты столь формальны, как традиционные портреты. Более повседневные портреты обычно называют портретами образа жизни. Стильная портретная фотография позволяет запечатлеть предметы в повседневных ситуациях и окружении. Их почти всегда вывозят из студии и на локации.
Креативная портретная фотосъемка
Портреты для повседневной жизни более повседневны и часто используются в рекламе, чтобы привлечь внимание потребителей. Из-за более непринужденного характера съемки повседневных портретов многие фотографии сделаны откровенно.
Съемка людей в их естественной среде позволяет получить более аутентичные и необработанные портреты, которые нравятся многим клиентам.
Портретная фотография на открытом воздухе
Портреты в окружающей среде
Экологические портреты похожи на портреты образа жизни, за исключением того, что в них больше внимания уделяется окружающей среде фотографии.
Эти портреты часто используются для отражения личности или личности субъекта.
Например, вот портрет королевы Елизаветы II работы Энни Лейбовиц. Съемка окружения Букингемского дворца важна для создания королевской семьи королевы Елизаветы.
Лучшая портретная фотография Энни Лейбовиц
Экологические портреты часто используются для съемки знаковых объектов в среде, которая лучше всего их описывает. Это может быть художник в своей студии, американский президент в Овальном кабинете или культовый генеральный директор за большим столом.
Когда вы учитесь снимать портреты, важно никогда не забывать о силе фона. Хотя объект может быть в центре внимания, фон может мощно дополнить его на портретной фотографии.
Профессиональная портретная фотография
Гламурные портреты
В мире портретной живописи мода и красота всегда имели свое место. Это место в гламурных портретах.
Гламурные портреты призваны подчеркнуть красоту объекта.
Помимо таких вещей, как макияж и гардероб, освещение и редактирование фотографий также становятся неотъемлемой частью процесса создания гламурного портрета.
Портрет Рианны, фото Паоло Роверси
Хотя это похоже на модную фотографию, гламурные портреты больше акцентируют внимание на предмете, чем на аксессуарах и одежде, которые они носят. Фэшн-фотография направлена на то, чтобы продать внешний вид или одежду изображения, тогда как гламурные портреты нацелены на то, чтобы запечатлеть полную красоту изображения.
Креативные портреты
Концептуальные портреты
Более абстрактная и часто творческая портретная фотография — это концептуальная портретная фотография. Концептуальные портреты — это тип концептуальной фотографии, в которой портреты используются для иллюстрации идеи или концепции. Концептуальные портреты обычно также являются фотографиями автопортретов, поскольку фотографы находят различные способы выразить то, как они видят себя.
Эти портреты используют постановку фотографии, реквизит и редактирование фотографий для создания часто сюрреалистичных изображений. Представления о концепциях и чувствах в портретной фотографии часто становятся более абстрактными и выразительными.
Концептуальное портретное фото
Концепции, изучаемые в концептуальной портретной фотографии, могут варьироваться. Многие фотографы стремятся запечатлеть внутренние состояния, такие как эмоции, в концептуальном портрете. Концептуальная портретная фотография также дает фотографам творческую свободу мыслить нестандартно и использовать визуальные элементы, чтобы запечатлеть личность объекта.
Портретная фотография — один из самых распространенных видов фотографии, с которого начинают начинающие фотографы. Там самая простая тема. Это также одна из лучших форм фотографии для практики, поскольку вы можете экспериментировать с освещением, съемкой на месте и даже концептуальной фотографией.
Независимо от того, какой тип фотографии вас больше всего волнует, важно практиковаться. Надеюсь, эта статья вдохновила вас на создание собственных портретов.
ВВЕРХ СЛЕДУЮЩИЙТехника портретной фотографии
Если эта статья вас заинтересовала и вы готовы заняться собственной портретной фотографией, обязательно ознакомьтесь с нашей следующей статьей. Мы погружаемся в различные методы фотографии и советы от освещения до постановки объектов и редактирования.
Далее: Техники портрета →
Современные портреты в фотографии
Обзор
Как и другие традиционные художественные жанры, портретная живопись радикально трансформировалась с появлением современного искусства. До 1800-х годов портреты обычно изображали внешнее сходство с натурщиком; они также указывали на его или ее положение в обществе через одежду, обстановку или выбор окружающих предметов. Однако, начиная с конца девятнадцатого века, многие художники отказывались от поверхностных впечатлений.
Они утверждали, что для раскрытия характера человека необходимо показать обычно невидимые элементы, такие как настроение или душевное состояние. Кроме того, художники хотели обратиться к неестественному пространству искусства — плоским холстам, автономным кускам дерева или камня — так же, как и к естественному пространству натурщика. Из 189Начиная с 0-х годов неестественные цвета, искаженные физические черты и абстрактные или нереалистичные настройки стали отличительными чертами портретной живописи в продвинутой живописи и скульптуре.
Фотографы также преобразовали область портретной живописи, начав вскоре после изобретения этого средства массовой информации в 1839 году. клиентура для портретов от богатой элиты до множества среднего класса. Люди также не были заинтересованы в том, чтобы увидеть или иметь только свой собственный портрет. Такие студии, как фирма Альберта С. Саутворта и Джозайи Дж. Хоуза, основанная в Бостоне в 1843 году, или парижский салон, открытый в 1850-х годах Надаром (Гаспар-Феликс Турнашон), соперничали за фотографирование знаменитых натурщиков, чьи портреты затем продавались.
или воспроизведены в печати для массового распространения. Широкое распространение этих портретов создало вполне современный феномен звездности, придав образам политиков, актеров и даже представителей богемной интеллигенции, таких как поэт и критик Шарль Бодлер, статус иконы.
В начале ХХ века честолюбивые фотографы черпали вдохновение как в передовом авангардном искусстве, так и в коммерческой портретной фотографии.
Ката Кальман , Венгрия, 1909 — 1978, Эрно Вайс, 23-летний фабричный рабочий, Будапешт , 1932, серебряно-желатиновая печать, Постоянный фонд покровителей, 2004.72.4 9007
7 1
Штиглиц (1864–1946) провел большую часть своей карьеры, устанавливая диалог между передовой фотографией, живописью и скульптурой, и создал более трехсот фотографий художницы Джорджии О’Киф (1887–1919 гг.).86) считается значительным вкладом в это долгосрочное предприятие. Через два года после открытия выставочного пространства «Маленькие галереи фото-сецессиона» (галерея «291») в 1905 году Штиглиц начал показывать там и современное искусство.
Рисунки, картины и скульптуры Огюста Родена, Анри Матисса, Пабло Пикассо и Константина Бранкузи, среди прочих, повлияли на Штиглица в его размышлениях о фотографии. Примечательно, что все эти художники делали или работали с фотографий. Решение Штиглица рассматривать свои фотографии рук О’Киф как «портреты» ее самих по праву, а не как просто эскизы для более крупной композиции, безусловно, обязано скульптурным фрагментам, сделанным Роденом и доведенным до абстракции Бывший помощник Родена Бранкузи. И все же Штиглиц культивировал здесь прежде всего ощущение фотографии как фрагмента, частичного просмотра, поддающегося сопоставлению и последовательному развитию. Стиглиц назвал свои продолжающиеся исследования О’Киф «составным портретом», то есть портретом, который развивался с течением времени, по частям. Этот близкий кадр экстатически когтистых рук, жилистых пальцев, впивающихся в плоть, дает лишь один аспект многогранной личности О’Киф, отраженный в этой серии портретов.
Альфред Штиглиц , американец, 1864–1946, Джорджия О’Киф — Руки , 1919, палладиевая печать, дар Фонда Джорджии О’Киф в честь Джорджии О’Киф и по случаю 50-летие Национальной галереи искусств, 1990.
117.2
2 из 14
Пол Стрэнд (1890–1976) впервые изучал фотографию у Льюиса Хайна (1874–1940), преподавателя Школы этической культуры в Нью-Йорке, который использовал камера как средство документирования обездоленных и проведения социальных реформ от их имени. Фотографии Хайна иммигрантов, прибывающих на остров Эллис, сделанные в 1904, включал симпатичные, индивидуальные портреты этих анонимных и обедневших новичков в американском обществе. В последующие годы Стрэнд усовершенствовал свою фотографическую технику, черпая вдохновение из выставок в галерее Альфреда Штиглица «291» и в 1915 году благодаря контакту с самим Штиглицем.
В 1922 году Стрэнд женился на Ребекке Салсбери (1891–1968), художнице-самоучке, которая также дружила со Штиглицем. Годом ранее Штиглиц выставил большую группу своих портретных этюдов О’Киф, в том числе многие ее обнаженные тела, смело поместив их в противовес своим более традиционным портретам друзей и коллег-мужчин. Открытая чувственность работы Штиглица с О’Кифф явно повлияла на Стрэнда, который использовал свой привычный акцент на глубоких, теплых тонах печати, чтобы подчеркнуть впечатление откровенной близости между фотографом и натурщиком.
Пол Стрэнд , американец, 1890 — 1976, Ребекка , 1922, платиновый принт, Юго-западная корпорация Белл, коллекция Пола Стрэнда, 1991.216.6
3 из 14
Студент факультета изящных искусств в Москве из 1910-х Александр Родченко (1891–1956) объявил о смерти станковой живописи в 1921 году своим триптихом из красных, желтых и синих монохромных полотен; все художники и произведения искусства отныне должны были напрямую служить политике и обществу. На протяжении 1920-е годы Родченко оформлял рекламу, съемочные площадки, мебель и многочисленные публикации с динамичными, неожиданно ракурсными изображениями с камеры и фотомонтажами. Как и все советские интеллектуалы, оказавшись во все более жестокой атмосфере преследований, Родченко примерно с 1930 года сосредоточился на прославлении сталинских директив, например, на фотографиях для журнала СССР на стройке (Строительство СССР).
Родченко сделал серию портретов поэта и революционного деятеля Владимира Маяковского вскоре после того, как занялся фотографией в 1924.
На этом конкретном изображении визуально внушительный Маяковский показан в непосредственном фронтальном виде, лишенном эмоций и каменно смотрящем в камеру. Такая неприкрашенная прямота не имела прецедента в амбициозной фотографии, но она явно напоминала строго практический мир полицейских фотографий. Фотография была представлена как инструмент, помогающий идентифицировать подозреваемых и заключенных в середине девятнадцатого века, и быстро завоевала популярность как средство управления и общественного контроля. Здесь Родченко отказался от коммерческой студийной фотографии — еще одного развития середины 1800-х годов — в пользу столь же широко распространенного и мощного фотографического портрета, намеренно оторванного от условностей традиционной живописи.
Родченко Александр Михайлович , русский, 1891 — 1956, Маяковский Владимир , 1924 г., серебряно-желатиновый отпечаток на папиросной бумаге, Постоянный фонд меценатов, 2004.122.7
4 степень а 7 из 14
химии в Вашингтонском университете (1907), Имоджен Каннингем (1883–1976) обучалась в сиэтлской студии Эдварда Кертиса (1868–1952), специалиста по жанровым и портретным фотографиям индейских племен.
После дальнейшего изучения фотохимии в Дрездене, Германия, Каннингем вернулась на Западное побережье, где регулярно выставлялась и основала собственную портретную студию. Ее лучше всего помнят вместе с Эдвардом Уэстоном и Анселом Адамсом как участницу f/64, 19Группа 30-х годов, чьи четкие, технически точные абстракции определили курс художественной фотографии в Америке. Портрет Каннингема Гертруды Герриш, которая училась гравюре с мужем Каннингема Роем Партриджем, имеет много общего с откровенно эротическими композициями, созданными Полом Стрэндом, Альфредом Стиглицем и Эдвардом Уэстоном в предыдущее десятилетие. Однако крайне неестественный ракурс камеры Каннингема самым непосредственным образом связан с модернистским стилем, пропагандируемым членами немецкой художественной школы Баухаус (19).19-1933). Отличительными чертами этого стиля являются виды крупным планом сверху или снизу и позы, которые предполагают непринужденную близость с фотографом. Члены Баухауза особенно предпочитали взгляды своих друзей, явно спящих, как здесь Герриш, за их предложение раскрыть сказочный внутренний характер.
«Новое видение», как назвали этот подход, обрело беспрецедентную известность на выставке Film und Foto 1929 года, гигантском международном обзоре современной фотографии, в котором Каннингем принял участие. Своим революционным переосмыслением портретной живописи, прежде всего, приверженцы Нового видения кристаллизовали метафорическую цель целого поколения: изменить лицо своего времени.
Имоджен Каннингем , американка, 1883–1976, Гертруда Герриш , конец 1920-х, серебряно-желатиновая печать, Дар Фонда Андре и Элизабет Кертес, 1996.108.1 6
3 5 студия фотограф Сандер отошел от обычной практики, когда в 1910-х годах начал искать клиентов среди местных фермеров и жителей деревни и делать их незатейливые портреты, часто на улице. В 1920-х годах Сандер объявил об энциклопедическом проекте, в рамках которого эти ранние портреты будут включены в серию портфолио под общим названием «Граждане двадцатого века». Переходя от деревни к городу, этот цикл должен был документировать типы людей, которые составляли современную Германию.
Как и во всех своих картинах для этого обширного цикла портретов, здесь Сандер не упоминает имя натурщика. Тогда можно спросить, можно ли считать его фотографию портретом. Этот вопрос лежит в основе великого произведения Сандера, в котором люди представлены как уникальные, неповторимые существа, но также и как представители широких демографических групп: здесь неуклонно растущая доля ищущих благосостояния в Германии эпохи депрессии. Сандер отмечает тонкие признаки личного характера, такие как нерешительность в позе мужчины или почти насмешливо приподнятые брови на лице, в противном случае флегматично застывшем в покорности. Такие признаки свидетельствуют об умении Сандера заставлять людей «действовать сами» — подходящая фраза для определения фотографического портрета в целом. Скрывая имена и показывая своих героев в основном на пустом или невзрачном фоне, Сандер фактически создает напряжение между индивидуальной идентичностью и своим более крупным типологическим проектом. В результате получается портрет современного общества; мир, который борется с идеальной, невыполнимой задачей познания каждого из своих граждан.
Август Зандер , немец, 1876 — 1964, Получатель социальной помощи , 1930, серебряно-желатиновая печать, Фонд «Новый век», 1999.49.4
6 из 14
Один из ведущих документальных представителей венгерской фотографии , Ката Кальман (1909-1978) обратилась к портретам рабочих и обездоленных детей в 1931 году, как только начала работать с камерой. Несколько венгерских фотографов специализировались на подобных темах в 1930-х годах, создав сообщество политически убежденных фотожурналистов, которые хотели подчеркнуть достоинство людей из рабочего класса и пафос в их окружении. В 1937 Кальман опубликовал альбом из двадцати четырех портретов под названием Tiborc , имя персонажа, олицетворяющего венгерское крестьянство в общенационально известном романе Bánk Bán (1821). Книга Кальман, получившая широкое признание, укрепила ее репутацию художницы, способной в буквальном смысле изобразить страдания и несправедливость в современном индустриальном обществе.
Фабричный рабочий Эрно Вайс, чей портрет появился в Тиборц , предоставил Кальман один из ее первых сюжетов. Его очевидная близость к объективу камеры и, соответственно, к зрителю несет в себе глубоко гуманистический заряд. Пристальный взгляд Вайса обещает нам его сочувствие, а очень легкий наклон его головы вместе с почти приоткрытыми губами говорит о том, что он только что услышал свое имя и готовится к представлению. Подход Кальмана проливает иронический свет на то, что исторически было, пожалуй, самым распространенным типом портретной фотографии, carte-de-visite (визитная карточка), которая, как следует из названия, также служила формой социального знакомства. Однако натурщики для визитных карточек обычно считали себя «имеющими имя», тогда как Кальман как раз приглашает зрителей лучше узнать ее в остальном анонимный предмет.
Ката Кальман , Венгрия, 1909–1978, Эрно Вайс, 23-летний фабричный рабочий, Будапешт , 1932, серебряно-желатиновая печать, Постоянный фонд покровителей, 2004.
72.4
7 из 14
Ман Рэй (1890–1976) был одним из ключевых членов дадаистских и сюрреалистических кругов в Париже и Нью-Йорке с 1910-х по 1930-е годы. Хотя Ман Рэй наиболее известен своими фотографиями, его притязания на искусство основывались прежде всего на его деятельности в качестве художника. Тем не менее, он тактически продвигал свои другие навыки. Приехав в Париж в 1921 году, он быстро зарекомендовал себя как фотограф-портретист, работая с художниками и для таких журналов, как Vanity Fair и Vogue 9.0146 . В то же время бескамерные «рентгенограммы» Ман Рэя (созданные путем помещения объектов на светочувствительную бумагу с последующим выставлением бумаги на свет) получили широкую огласку и стали ключевыми образцами художественных инноваций среди европейских фотографов и художников.
Эта внешне прозаическая картина Пабло Пикассо (1881–1973) на самом деле во многом передает грозную личность художника. В век знаменитости нет необходимости показывать атрибуты человека или атрибуты его ремесла, как в старой портретной живописи.
Все знают, кто такой Пикассо. Его слава сама становится предметом изучения. Твердо расположив своего натурщика на уровне глаз, Ман Рэй предполагает, что Пикассо завоевал свою известность благодаря жизненной силе характера. Магнетический, проницательный взгляд художника подтверждает его легендарную собственническую проницательность, и с этой точки зрения его расслабленные руки и верхняя часть тела кажутся особенно сильными. Портрет Ман Рэя, как и многие работы в этом туре, придает нарочито непринужденный вид. Захватывающе, что эта близость, кажется, изгоняет дистанцию, дарованную известностью в СМИ, как если бы вы оказались лицом к лицу с голливудской звездой.
Мэн Рэй , американец, 1890–1976, Пабло Пикассо , 1932, серебряно-желатиновая печать, Постоянный фонд покровителей, 1995.36.100
8 из 14, Andrézized его имя
9003 после переезда в Париж из Будапешта, Венгрия, в 1925 году, решив сделать художественную карьеру в качестве коммерческого фотографа.
В Париже Кертес работал внештатным сотрудником для иллюстрированных журналов, форма публикации, которая уже процветала в его родной Центральной Европе. Часто посещая компанию художников и скульпторов, он также показывал свои работы на амбициозных выставках прогрессивной фотографии, таких как Salon de l’Escalier (Лестничный салон), Париж (1927) и выставка «Кино и фото» в Штутгарте (1929). Кертес эмигрировал в Нью-Йорк в 1936 году, где после многих лет бессистемной работы в журнале House and Garden он постепенно интегрировался в новое учреждение галерей и музеев. Кертеш специализировался на сценах лирической близости и одиночества, именно чувства, выраженные в этом автопортрете с его венгерской женой Елизаветой. После многих лет судорожных ухаживаний она присоединилась к нему в Париже в 1931 году, и два года спустя они поженились. Несомненно, паре нужно было приспособиться друг к другу после продолжительной разлуки, во время которой Кертеш открыл себя как в профессиональном, так и в личном плане (он даже ненадолго женился на другой венгерской эмигрантке).
Этот портрет молодоженов отражает взаимное открытие пары, от неловкой нежности его руки на ее плече до жесткости, с которой она прижимается к нему своим телом. Создается впечатление, что участники этого образа эволюционируют на глазах в сторону новых отношений. В этом смысле портрет — не неподвижное изображение и тем более не памятная картина, а скорее сцена для разворачивающегося повествования 9.0161
Андре Кертес , американец, родившийся в Венгрии, 1894–1985, Элизабет и я , 1933, серебряно-желатиновая печать, Дар Фонда Андре и Элизабет Кертес, 1998.90.2 6
90 из На протяжении всей своей жизни сопротивляясь термину «арт-фотограф», Уокер Эванс сыграл важную роль в превращении фотографии в художественную профессию в Соединенных Штатах. Спустя десять лет после того, как он сделал свои первые серьезные фотографии, Эванс опубликовал три книги с известными писателями и провел столько же персональных выставок в Музее современного искусства. Последний из них, American Photographs (1938 г.
) установил линию, характеризующуюся ироническим документированием достопримечательностей и нравов этой страны, которую позже продолжили Роберт Франк, Ли Фридлендер и другие фотографы в послевоенные десятилетия. Для своих «портретов в метро», которые Эванс начал делать сразу после появления American Photographs , но впервые были опубликованы только пятнадцать лет спустя, фотограф оставался таким же анонимным, как и его объекты. Украдкой едя в вагонах нью-йоркского метро, Эванс спрятал все, кроме объектива своей камеры, и делал снимки, не поднося камеру к глазам. Снимая «вслепую», он пожертвовал возможностью точно кадрировать свои композиции (хотя он обрезал много негативов при печати), но взамен получил совершенно искренние взгляды. Портретная живопись здесь сливается с вуайеризмом и слежкой. Интересно, что разрыв между художником и субъектом сочетается с отчужденностью натурщиков друг от друга. Даже члены семьи, путешествующие вместе, связаны только косвенно, как мы видим на этой фотографии.
Обрывки разговоров путешествуют по своим предполагаемым получателям в ритме, подсказанном отражениями прыгающих огней. Между тем отсутствие зрительного контакта красноречиво отражено на стене газетной бумаги справа.
Уокер Эванс , американец, 1903–1975, Subway Portrait , 1938, серебряно-желатиновая печать, подарок Кента и Марсии Миникиелло, в честь 50-летия Национальной галереи искусств, 1990.114.13
7 10 из 14
Лизетт Модель (урожденная Зейберт, 1901–1983) внезапно обратилась к фотографии в 1933 году, после обучения игре на фортепиано и вокалу в родной Вене, а затем во Франции. Спасаясь от войны, Модель переехала из Парижа в Нью-Йорк в 1938 году и начала карьеру внештатного фотографа в журналах, а также дополнительные выставки, в основном в Музее современного искусства. В течение 1940-е и 1950-е годы, десятилетия ее наибольшей известности, Модель создала характерную черту суровых, нестандартных городских образов, которые были отмечены многими художниками последующего поколения, от Гарри Виногранда до ее собственной ученицы Дайаны Арбус.
На этой модели изображен джазовый пианист Эрл Рудольф (Бад) Пауэлл (1924–1966), один из лидеров поколения «би-боп», в момент напряженной концентрации во время выступления. Кадр плотный, почти касается нимба сценического света, который падает на затылок и правую руку Пауэлла и падает на край рояля. Это близкое кадрирование в сочетании с видом снизу передает динамизм и интенсивность действия. Модель сохраняет традиционное правило портрета, показывая своего натурщика за работой и обозначая его профессию. Но она не акцентирует внимание на руках Пауэлла, самом очевидном атрибуте пианиста. Вместо этого Модель, которая прекрасно владеет этим инструментом, сравнивает создание музыки с актом мысли. Голова Пауэлла изгибается вниз, словно повторяя контур фортепиано; его ухо обращено к музыке, а рот слегка приоткрывается во внутреннем диалоге. Подлинный портрет Бада Пауэлла, полагает Модель, предстает перед нами не через его подобие, а лишь по аналогии с действием его звука.
Lisette Model , American, 1906-1983, Bud Powell , 1956-1958, Gelatin Silver Print, Постоянный фонд Cutdons, 2001.
67.160
11 из 14 0007
Garry Callahan (1912-1999999999999999999 гг. стала мерилом его художественной чувствительности. В Детройте, где он родился и вырос, Каллахан сосредоточился на снеге, Великих озерах и промышленных городских пейзажах. Находясь в Институте дизайна в Чикаго (1946–1961), Каллахан воспользовался каньонообразным городским ядром этого города, а также его плотной пешеходной жизнью и географией побережья озера. Позже, в Школе дизайна Род-Айленда в Провиденсе (1961-1983), Каллахан сосредоточился, среди прочего, на просторах пляжа и прибрежных волн. В каждом случае художник доводил понятие ясности почти до парадоксальной неразборчивости, исследуя крайности белого и черного, а также тонкие сопоставления серого в своем стремлении описать пограничные формы абстракции.
Жена Каллахана Элеонора и их дочь Барбара (1952 г.р.) неоднократно служили его моделями. Хотя Каллахан не создает формальный портрет, можно сказать, что он играет с категорией портретной живописи в этих работах, а не отказывается от нее полностью.
Гарри Каллахан , Американец, 1912 — 1999,
12 из 14
(1996.145.3. ) начал свою карьеру с портретов джазовых музыкантов для Atlantic Records в середине 1950-х. К концу следующего десятилетия сухие, обманчиво случайные снимки современной Америки Фридлендера — витрины магазинов, вывески, пешеходы и автопортреты — были освящены как достойные преемники фотографической линии, связанной с работами Роберта Франка и Уокера Эванса.
С тех пор Фридлендер исследовал такие разные темы, как калифорнийская пустыня, памятники маленьких городков по всей Америке и обнаженные женщины, в каждом случае с явно неряшливым пренебрежением к композиции, которое маскирует аскетическую строгость.
Как и во всех его многочисленных автопортретах 1960-х годов, здесь Фридлендер отказывается показывать себя целиком. С своевольным, невозмутимым юмором он дает нам в обоснование названия этой работы лишь пару ботинок и кусок штанины в обрамлении зеркала ломбарда (бесконечно малые преломления на самоваре и других сложенных здесь приборах ускользают от невооруженного глаза). Напротив, пожилой продавец витрин появляется как на ладони. Между этой женщиной и фотографом существует напряженная симметрия, каждый из которых смотрит на витрину магазина на углу с противоположных сторон. В силу множества слоев отражения оба кажутся частью самого дисплея. Фридлендер с иронией резюмирует давнее развитие портретной живописи, жанра, культивируемого средним классом, в котором люди становятся все более взаимозаменяемыми со своими вещами, хотя ни Фридлендер, ни его случайный собеседник, похоже, ничего не купят в этом магазине.
Ли Фридлендер , американец, 1934 г.р., Автопортрет , 1964-1969, серебряно-желатиновая печать, Trellis Fund, 2001.22.52
13 из 14
900 изображения, фотография Николаса Никсона является образцом медленной и чувствительной операторской работы. Используя обзорную камеру, установленную на большом штативе (оборудование отбрасывает громадную тень на фотографии, которую вы видите здесь), Никсон (1947 г.р.) посвятил свое внимание семье и друзьям, районам своего родного города Бостона, жителям дома престарелых. и люди, умирающие от СПИДа, среди прочего. Ежегодные портреты своей жены Беверли (Бебе) Браун и трех ее сестер, которые Никсон делает с 1975 года, являются, безусловно, наиболее масштабными из его серийных проектов. Каждый год в какой-то момент Бебе (третья слева) и ее сестры Хизер, Мими и Лори (опять же слева) собираются на семейном мероприятии и позируют всегда в одном и том же порядке. Тонкие отношения между сестрами проявляются в каждой композиции — здесь, например, материнская уверенность в том, как Бебе обнимает руками талию Мими и плечо Лори, — но прежде всего нас очаровывают изменения во времени: изменения в прическе, текстуру кожи и чувство собственного достоинства.
