Представители абстракционизма в живописи: определение, направление в искусстве, специфические особенности изображения и самые известные картины

определение, направление в искусстве, специфические особенности изображения и самые известные картины

Как часто далекие от искусства люди не понимают абстрактную живопись, считая ее непонятными каракулями и провокацией, вносящей разлад в умы. Они иронизируют над творениями авторов, не стремящихся точно изобразить окружающий мир.

Что такое абстракционизм?

Открывающие новые возможности для выражения собственных мыслей и чувств, знаменитые художники-абстракционисты отказались от привычных техник, перестав копировать действительность. Они считали, что это искусство приучает человека к философскому образу жизни. Живописцы искали новый язык, чтобы выразить переполнявшие их эмоции, и нашли его в красочных пятнах и чистых линиях, которые воздействуют не на разум, а на душу.

Абстрактное искусство, ставшее символом новой эпохи, – это направление, отказавшееся от форм, которые максимально приближены к действительности. Не всем понятное, оно дало толчок для развития кубизма и экспрессионизма. Основной характеристикой абстракционизма является беспредметность, то есть на холсте отсутствуют узнаваемые предметы, а зрители видят что-то непонятное и неподвластное логике, находящееся за гранью привычного восприятия.

Самые известные художники-абстракционисты и их картины – это бесценное сокровище для человечества. Полотна, написанные в этом стиле, выражают гармонию форм, линий, цветовых пятен. Яркие сочетания имеют свою идею и смысловую нагрузку, несмотря на то что зрителю кажется, будто в работах, кроме причудливых клякс, ничего и нет. Однако в абстракции все подчиняется определенным правилам выражения.

«Отец» нового стиля

Основателем уникального стиля признан Василий Кандинский – легендарная личность в искусстве XX столетия. Русский живописец своим творчеством хотел заставить зрителя чувствовать то же, что и он. Это кажется удивительным, но к новому мировоззрению будущего художника подвигло важное событие в мире физики. Открытие разложения атома серьезно повлияло на становление самого известного художника-абстракциониста.

«Оказывается, все можно разложить на отдельные составляющие, и эта сенсация отозвалась во мне, словно разрушение всего мира», – заявил Кандинский, который являлся выдающимся певцом времени перемен. Как физика открывала микромир, так и живопись проникала в душу человека.

Художник и философ

Постепенно известный художник-абстракционист в своем творчестве уходит от детализации своих произведений и экспериментирует с цветом. Тонко чувствующий философ посылает свет в самые глубины человеческого сердца и создает полотна с сильнейшим эмоциональным наполнением, где его краски сравниваются с нотами прекрасной мелодии. На первое место в работах автора становится не сюжет полотна, а чувства. Сам Кандинский считал человеческую душу многострунным роялем, а художника сравнивал с рукой, которая посредством нажатия на определенную клавишу (цветовое сочетание) приводит в ее в вибрацию.

Мастер, дающий людям подсказки для осознания своего творчества, ищет гармонию в хаосе. Он пишет полотна, где прослеживается тонкая, но явная нить, которая связывает абстракцию с реальностью. Например, в работе «Импровизация 31» («Морской бой») в цветовых пятнах можно угадать изображения лодок: парусные суда на холсте противостоят стихии и накатывающим волнам. Так автор пытался поведать о вечном сражении человека с окружающим миром.

Американский ученик

Известные художники-абстракционисты 20 века, работавшие в Америке, являются учениками Кандинского. Его творчество оказало огромное влияние на экспрессивный абстракционизм. Армянский эмигрант Аршил Горки (Возданик Адоян) творил в новом стиле. Он разработал специальную технику: раскладывал на полу белые холсты и лил на них краску из ведер. Когда она застывала, мастер процарапывал в ней линии, делая что-то наподобие барельефов.

Творения Горки насыщены яркими цветами. «Аромат абрикосов в полях» – это типичное полотно, где зарисовки цветов, фруктов, насекомых трансформируются в единую композицию. Зритель чувствует исходящую от работы, выполненной в ярко-оранжевых и насыщенных красных тонах, пульсацию.

Роткович и его необычная техника

Когда речь заходит о самых известных художниках-абстракционистах, нельзя не упомянуть Маркуса Ротковича – еврейского эмигранта. Талантливый ученик Горки воздействовал на публику интенсивностью и глубиной красочных мембран: он накладывал два или три цветовых прямоугольных пространства одно над другим. И они словно затягивали человека внутрь, чтобы он испытал катарсис (очищение). Сам создатель необычных полотен рекомендовал рассматривать их на расстоянии не менее 45 сантиметров. Он говорил, что его работы – это путешествие в неизвестный мир, куда зритель вряд ли предпочтет самостоятельно отправиться.

Самым дорогим произведением автора считается картина «Оранжевое, красное, желтое». За три прямоугольника с размытыми очертаниями коллекционер выложил почти 87 миллионов долларов.

Гениальный Поллок

В конце 40-х годов прошлого века один из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок изобрел новую технику разбрызгивания краски – капельную, которая стала настоящей сенсацией. Она поделила мир на два лагеря: тех, кто признавал картины автора гениальными, и тех, кто называл их мазней, недостойной называться искусством. Создатель уникальных творений никогда не натягивал полотна на холст, а располагал их на стене или полу. Он ходил с банкой красок, смешанных с песком, постепенно погружаясь в транс и приплясывая. Кажется, он случайно разливал разноцветную жидкость, однако каждое его движение было продумано и осмысленно: художник принимал в расчет силу гравитации и впитываемость краски холстом. Получалась абстрактная путаница, состоящая из клякс разных размеров и линий. За изобретенный стиль Поллока окрестили «Джеком-Разбрызгивателем».

Самый известный художник-абстракционист давал своим работам не названия, а номера, чтобы у зрителя имелась свобода воображения. «Полотно № 5», находившееся в частной коллекции, долгое время было скрыто от глаз публики. Вокруг окутанного завесой тайны шедевра начинается ажиотаж, и наконец-то он появляется на аукционе Sotheby’s, мгновенно становясь на то время самым дорогим шедевром (его стоимость – 140 миллионов долларов).

Найдите свою формулу, позволяющую понять абстракционизм

Существует ли универсальная формула, которая позволит зрителю воспринимать абстрактное искусство? Возможно, в этом случае каждому придется нащупать собственные ориентиры, основанные на личном опыте, внутренних ощущениях и огромном желании открыть для себя неизвестное. Если человек захочет обнаружить тайные послания авторов, он их обязательно найдет, ведь так заманчиво заглянуть за внешнюю оболочку и увидеть идею, являющуюся важной составляющей абстракционизма.

Трудно переоценить переворот в традиционном искусстве, который произвели известные художники-абстракционисты и их картины. Они заставили общество взглянуть на мир по-новому, увидеть в нем иные краски, оценить необычные формы и содержание.

Абстракционизм. Круг и Квадрат. — Стили и направления

10.03.2011 21:54

Автор: Admin

Что такое абстракционизм? «Искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство…, отражение упадка современного искусства», – сообщает не ветхая еще, в общем-то, книжка. Хорошо сказано, ладно, а главное — доходчиво. Слова в темечко входят, словно гвоздики в подрамник. Мыслить ясно, говорить смело — привилегия тех, кто знает, где верх, а где низ, и не боится спутать падение со взлетом. Но что же есть на самом деле абстракционизм???

В основе этого направления  лежит отрыв изобразительного искусства от объективной реальной действительности. Понятие «абстракция» представители этого течения употребляли не в понимании углубленного всестороннего познания объективной реальности через обобщение, а в плане полного отрыва от объекта. Вместо объективной действительности абстракционисты ввели субъективный мир одного человека – художника. Они абсолютизировали мир собственных переживаний и эмоции – свое «Я».

Активное участие в формировании абстракционизма принимали М. Ларионов, Г. Делоне, М. Сейфор, голландские художники группы «Стиль». Значительный вклад в развитие теории и практики абстракционизма внес идеолог группы «Стиль» Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872-1944), искусство которого сложилось под воздействием идеализма и теософии, и который считал, что «чистая пластика создает чистую реальность».

Стоит отметить, что большинство представителей абстракционизма тяготели к крайнему субъективизму, даже религиозному мистицизму. Благодаря этому абстракционизм определенным образом поддерживался религиозными кругами.

Композиция с красным, синим и желтым. 1930. Холст, масло. 45 х 45.

Они, утверждая значение подсознательного, рассматривали творческий процесс как погружение в мир интуитивных движений души, автоматическую передачу своих ощущений. Они исходили из того, что связь изобразительного искусства с формами жизни себя уже исчерпала и человек осознать мир не способен, а тем более не способен воплотить его в пластических образах в силу многообразия нового мира. Средства отображения смутного подсознательного образа могут быть любые: от классических красок и холста до камня, проволоки, мусора, труб и т. п. Главное в абстракционизме — сочетание цветов, линий, пятен, штрихов, оторванных от природной и социальной реальности. Это беспредметное и бесформенное искусство.

Что же касается теоретических положений абстракционизма, то ощутимое влияние он здесь испытал от философско-эстетичной теории интуитивизма. И в самом деле, убедительное раскрытие его находим в тезисах А. Бергсона о художественном творчестве как самом выявлении художника, о художнике как творце ничем не предопределенной реальности – искусства. Откровенный субъективизм идеи был и остался чрезвычайно близким формалистическим поискам в искусстве.

«Смутное». 1917 г. Холст, масло. 105х134. Москва, Государственная Третьяковская галерея

В основе формальных требований, предъявляемых этим идеалом к умозрительной модели, лежит принцип прибавочного элемента, разработанный Малевичем: «Под прибавочным элементом Малевич понимал возникающий в процессе развития изобразительного искусства новый структурообразующий принцип, внедрение которого в сложившуюся живописно-пластическую систему перестраивает ее на новый лад. Если опять-таки перевести этот несколько туманно сформулированный принцип на более строгий язык, то он означает систему формальных правил для выбора умозрительной модели, кодирующей указанные выше специфические абстрактные чувства.

Соблюдение этих правил должно гарантировать как абстрактный характер элементов конструируемого художественного образа, так и абстрактный характер его структуры. Отметим, что подобно тому как сюрреалистический метод возник на основе синтеза определенных черт символистского и реалистического методов, точно так же абстракционистский метод объединяет определенные черты символистского и импрессионистического методов. Но делает он это в более органическом и глубоком смысле, чем это было характерно для экспрессионизма.

Правила, определяющие беспредметность элементов:

1) отказ от рисунка, светотени и предметного колорита;

2) набор чистых цветов;

3) набор основных линий и форм. В частности, выделение в качестве фундаментальных (например, у Кандинского) трех геометрических фигур: треугольника, четырехугольника и круга;

4) символика линий и форм — например, треугольник может быть символом Троицы, квадрат — земной жизни, а круг — вечности;

5) символика цвета. Например, желтый цвет, по Кандинскому, «можно рассматривать как красочное изображение сумасшествия… припадка бешенства, слепого безумия, буйного помешательства… Это похоже и на безумное расточение последних сил лета в яркой осенней листве…» Напротив, синий цвет содержит «элемент покоя». При сильном его углублении он «приобретает призвук нечеловеческой печали». Черный цвет «внутренне звучит… как мертвое Ничто после угасания солнца, как вечное безмолвие без будущности и надежности».

Правила, определяющие беспредметность структуры:

1) отказ от классических композиционных правил (либерализация композиции) — в частности, отказ от стереоскопичности изображения, перспективы и симмерии;

2) автономное взаимодействие линий и форм;

3) автономное взаимодействие цветов;

4) автономное взаимодействие цвета и формы (графических и цветовых элементов).

«Белый овал». 1919 г. Холст, масло. 80х93. Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Отрыв абстрактного искусства от национальной традиции привел к отрицанию познавательной и воспитательной функции искусства, его социальной направленности. В декабре в 1911 г. в докладе на Всероссийском съезде художников В. Кандинский не только отрицала связь искусства с жизнью, но и назвала социальное содержание в искусстве «отравленным хлебом». Вместо «социальности» он призывал сделать предметом искусства «психическую реальность». Эту тенденцию воплощала своей деятельностью группа «Абстракция–творчество», которая возникла в 1929–1930 гг. в Париже под руководством М. Сейфора. На странице журнала «Круг и квадрат» – теоретического органа французских абстракционистов – абстрактность, беспредметность искусства абсолютизировалась. Более того, М. Сейфор настаивал на создании нового искусства – без функции, без границы, без родины. Произведения абстракционистов никак не связывались с действительностью, являли собой нагромождение цветных пятен, геометрической фигуры. К. Малевич, например, вообще пытался возвести живопись до двух цветов – черного и белого, рисуя черные квадраты на белом фоне; позже он экспериментировал с одним лишь белым цветом – рисованием белого на белом художник отстаивал мысль о «чистом чувстве».

Немало теоретизации оставили основатели и адепты нереалистичного искусства, и им так и не удались объяснить, почему зритель должен в нагромождении беспредметных изображений видеть «свою мечту», «метаморфозу себя самого», «освободиться от формы природы» и т.п.

«Импровизация. Ущелье». 1914 г. Холст, масло. 110х110. Мюнхен, Городская галерея в Ленбаххаузе

Среди представителей всех абстракционистских течений наибольшей популярностью пользуется выдвинутая основателями данного направления идея импровизации как основа творческого процесса. Нет сомнения, что импровизация может привести к интересным последствиям в творческом процессе. Однако в теории В. Кандинского она является прежде всего случайностью, непредсказуемостью творческого процесса. Среди тех, кто активно использует принцип импровизации, немало ремесленники «скандализируют» своими творениями аудиторию.

Отметим, что, широко используя понятие «импровизация», абстракционисты в живописи, музыке или театре, отождествляют ее со спонтанностью, ежеминутностью, с «вибрацией» души. Однако импровизация несколько другоя. Она возможна лишь на уровне высокого профессионализма и требует многоразового закрепления уже найденного в работе над произведением. Лишь тогда, опираясь на свой творческий багаж, художник может прийти к элементам импровизационного творчества. Подчеркнем, именно элементов, потому что история искусства не знает примеры чистого импровизационного творчества. Абсолютизирование импровизации способно привести к уничтожению интеллектуальной и эмоциональной сути искусства. Так, например, американский композитор Дж. Кейдж заменяет настоящее искусство «самовыражениям», искусством, которое порождается случайностью. По мнению Кейджа, лицо художника, его духовный мир не должны быть определенными, а искусство составляет лишь «бесцельную игру».

Следовательно, теоретики абстракционизма отрицают понимание искусства как сложного процесса творчества, как синтез рационально эмоционального воссоздание действительности. Субъективизм, жонглирование сложными явлениями творческого процесса, которыми является импровизация и интуиция, приводят к уничтожению коммуникативной функции искусства.

Наиль Вагапов. Шиханы. 2011. Смешанная техника. 42 Х 60.

Таким образом, абстракционистский синтез субъективного и объективного существенно отличается от сюрреалистического синтеза тем, что он идет до конца, охватывая как глобальные, так и локальные аспекты картины (изгоняя сходство с реальными предметами как из целого, так и из частей, тогда как второй ограничивается только целым (локальное сходство с реальными предметами здесь сохраняется). Таким образом, полный синтез объективного и субъективного, реального и фантастического может быть достигнут, согласно философии абстракционизма, только с помощью беспредметности. Это значит, что экстраспиритуальный человек подвергает все предметы, говоря философским языком, своеобразной акциденциализации (десубстанциализации). Последняя совпадает с тем, что можно было бы назвать также эфемеризацией, но не в импрессионистическом смысле: теперь речь идет не о «растворении» предмета в световоздушной среде (при этом, как мы уже видели при анализе импрессионизма, предмет становится «зыбким» и «шатким», но тем не менее сохраняется), а об отделении свойств предмета от их «носителя». Теперь от предмета остаются только «абстрактные» свойства — форма, цвет и т. п. — которые могут комбинироваться с аналогичными свойствами других предметов. В результате на смену реальному предмету, существующему в пространстве и времени, приходит комбинация чистых линий, форм и цветовых пятен, не соответствующая, вообще говоря, никакому реальному объекту.

← Стили и направления в изобразительном искусстве

У Вас недостаточно прав для добавления комментариев.
Возможно, Вам необходимо зарегистрироваться на сайте.

Абстракционизм в живописи: стиль картины художники

В противоположность изобразительному искусству, которое стремится представлять изображение визуальной реальности; абстрактное искусство не несет в себе ничего узнаваемого в мире природы. Хотя известно, что абстракция в искусстве существует во многих культурах с древних времен, абстрактное искусство как движение зародилось в начале 20- го века, и его наиболее выдающимся лидером был русский художник Василий Кандинский. Его картина без названия, теперь известная как Первая Абстрактная Акварель, является одним из первых произведений искусства, которые отбрасывают все ссылки на известные формы, таким образом, выходя из ограничений, налагаемых репрезентативными традициями западноевропейской живописи. Абстрактное искусство продолжало доминировать в мире искусства в 20-м веке, внося некоторые из самых известных произведений искусства той эпохи. Мы собрали 10 самых известных абстрактных картин, включая шедевры, такие как Черный квадрат Малевича; Композиция Кандинского VII; Синие поляки Поллока; и Миро Блю II. Мы исключили несколько известных работ, которые считаются частично абстрактными, такие как крупные планы цветов О’Киффи и искаженные портреты Кунинга.

Бриджит Райли

Дата рождения: 24 апреля 1931 года, Лондон

Национальность: англичанка

Бриджит Райли

Оп-арт, короткая форма для оптического искусства, является жанром в абстрактном искусстве, в котором художник создает оптическую иллюзию посредством точного манипулирования узорами, формами и цветами. Бриджит Райли, одна из ведущих британских художников с 1960-х годов, является, пожалуй, самым известным оп-арт художником после Виктора Вазарели. На этой картине изображена шахматная доска, которая искажается и ускоряется по мере приближения к середине, создавая иллюзию глубины и ощущение движения. «Движение в квадратах» — самая известная работа Бриджит Райли и, возможно, самая известная картина в оп-арте.

Шедевр: Движение в квадратах

Год: 1961

Жанр : оп арт

Движение в квадратах (1961) — Бриджит Райли

Герхард Рихтер

Дата рождения: 9 февраля, 1932, Дрезден

Национальность: немец

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер — немецкий художник, которого некоторые считают величайшим художником современности. Он создал широкий спектр работ, и его искусство не может быть отнесено к одному конкретному жанру. Среди самых известных работ Рихтера — его серия Абстрактных изображений. Он написал первую работу под названием Абстрактное изображение в 1976 году и продолжал делать много таких работ в течение следующих двух десятилетий. В своих абстрактных картинах Рихтер создает накопительные слои нерепрезентативной живописи. Он начинает с нанесения больших полос основного цвета на холст. Картины развиваются поэтапно, основываясь на его реакции на прогресс картины: случайные детали и возникающие модели. В феврале 2015 года одна из картин серии, Абстрактные Изображения [599] была продана за 44,52 миллиона долларов, самая высокая цена, заплаченная за картину любого ныне живущего европейского художника.

Шедевр: Серия абстрактных изображений

Год: 1986

Абстрактное изображение [599] (1986) — Герхард Рихтер

Марк Ротко

Дата рождения: 25 сентября 1903, Двинск, Витебская губерния (сейчас Даугавпилс, Латвия)

Национальность: американец

Марк Ротко

Марк Ротко (настоящее имя Маркус Яковлевич Роткович) считается пионером живописи цветового поля, стиля в абстрактном экспрессионизме, в котором цвет является основным предметом. Среди его самых известных работ — холсты, в которых он использует симметричные прямоугольные блоки двух-трех контрастных, но дополняющих друг друга цветов. Оранжевый, красный, желтый — одна из таких работ, которая была названа «самой мощной из всех его картин». Известный шедевр живописи «Цветовое поле» был продан на Christie’s в мае 2012 года за 86,9 млн долларов, тем самым побив рекорд самой высокой цены, заплаченной за современное произведение искусства на публичных торгах.

Шедевр: Оранжевое, красное, желтое

Год: 1961

Жанр : Цветовое поле живописи

Оранжевое, красное, желтое (1961), Марк Ротко

Хуан Миро

Продолжительность жизни: 20 апреля 1893, Барселона — 25 декабря 1983, Пальма-де-Мальорка

Национальность: каталонец

Хуан Миро

Хуан Миро был влиятельным испанским художником, наиболее тесно связанным с сюрреализмом. Однако, он также написал несколько абстрактных шедевров, которые считаются предшественниками абстрактного экспрессионизма. Его самая известная абстрактная работа — Триптих Голубой I, II, III, состоящий из трех огромных картин размером 355 х 270 см. Все три картины состоят из простых линий и фигур на мечтательном синем фоне. В Голубой II, Миро включает динамическую красную линию на левой стороне картины на спокойном синем фоне. Голубой Триптих считается виртуозным достижением в абстрактном искусстве, а Голубой II — самая известная из трех картин.

Шедевр: Голубой II

Год: 1961

Голубой II (1961) — Хуан Миро

Хелен Франкенталер

Продолжительность жизни: 12 декабря 1928, Нью-Йорк — 27 декабря 2011, Дэриен

Национальность: американка

Хелен Франкенталер

Лирическая абстракция была термином, придуманным для определения искусства, которое сигнализировало о возвращении к самовыражению, в отличие от геометрической абстракции и минимализма. Хелен Франкенталер — одна из самых известных женщин-абстракционистов и выдающийся образец лирической абстракции. Горы и море, ее первая профессионально выставленная работа, также является ее самой известной живописью и ярким примером лирической абстракции. Это была первая работа, которую она создала, используя свою знаменитую технику смачивания, в которой она вылила разбавленную скипидаром краску на холст, создавая яркие цветовые оттенки, которые, кажется, сливаются с холстом.

Шедевр: Горы и море

Год: 1952

Жанр : Лирическая абстракция

Горы и море (1952) — Хелен Франкенталер

Веб-дизайн / Тренды

141753 15-05-2012

Для меня стиль абстракционизм это прежде всего противостояние логике цивилизации. Вся история цивилизации последнего века построена на формулах, алгоритмах, принципах, уравнениях и правилах. Однако, человеку свойственно стремление к равновесию и гармонии. В связи с чем на заре века научно-технической революции появляется такое вот арт течение, которое не подчиняется классическим канонам рисования, а наоборот, служит своей целью дать свободу неосознанному и хаотичному, на первый взгляд лишенному смысла, но тем самым давая человеку возможность освободиться от влияния норм и догматов и сохранить внутреннюю гармонию.
Абстракционизм

(от латинского abstractus — удаленный, отвлеченный) весьма широкое направление в искусстве XX столетия, возникшее в начале 1910-х в нескольких странах Европы. Для абстракционизма характерно использование исключительно формальных элементов для отображения реальности, где имитация или точное отображение действительности не было самоцелью.

Основоположники абстракционизма — русские художники Василий Кандинский и Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне и чех Франтишек Купка. В основе их метода рисования лежало стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм

— авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм)

— направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм

— обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм

— направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ри взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм

— направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм

— течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм

— движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Пит Мондриан

Продолжительность жизни: 7 марта 1872, Амерсфорт, Нидерланды — 1 февраля 1944, Нью-Йорк

Национальность: нидерландец

Пит Модриан

Геометрическая абстракция — это форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм. Пит Мондриан ввел термин неопластизм для своих абстрактных геометрических картин, в которых он использовал только прямую линию, три основных цвета и нейтральные оттенки черного, белого и серого . Последняя полная картина Мондриана, Broadway Boogie Woogie , вдохновлена ​​городской сеткой Манхэттена и бродвейской музыкой буги-вуги , которую Мондриан любил. Картина считается вершиной представления Мондриана, используя его живописный словарь линий, квадратов и основных цветов. Это знаменует собой кульминацию его стилистического новаторства и являетсяодна из самых влиятельных работ в школе абстрактной геометрической живописи .

Шедевр: Бродвейские Буги-Вуги

Год: 1942–43

Жанр : Геометрическая абстракция

Бродвейские буги-вуги (1943) — Пит Мондриан

Абстракционизм. Картины и художники

Абстракционизм

Одно из наиболее интересных направлений в живописи, с помощью которого реальность восприниматься по средствам полного отвлечения от видимых форм самой реальности. Данное направление возникло в начале 20 века. Элементы, отражающие реальность в произведениях, носят условный характер, точное изображение действительности не является самоцелью. Родоначальниками абстракционизма являются Казимир Малевич, Василий Кандинский, Пит Мондриан, Робер Делоне и другие. Основу сюжета абстракционистов составляют геометрические формы в разных цветовых сочетаниях, вызывающие всевозможные ассоциации.

Выделяют два четких направления в абстракциях:

• геометрическая живопись
• лирические формы

В основе геометрических абстракций лежат простые геометрические формы и элементы, четкие цвета. Примером могут служить картины К.Малевича «Черный квадрат» и С.Мерли «Жизнь». Лирическая абстракция – это прямое выражение эмоций и психического состояния художника. Картина В.Кандинского «Ретроспектива» — яркий пример направления. Произведение наполнено цветом, вызывает музыкальные ассоциации.

В начале 50 годов 20 века в Париже живописцы Ж.Девань и Э.Пиле открыли мастерскую и начали учить молодых художников выражать свои мысли, освобождаясь от событий реальности. Художники считали, что в картине не должно присутствовать более трех тонов, главное условие успешного произведения – правильный подбор цветов.

В США во второй половине 20 века зародился коллажный абстракционизм. Ярким представителем которого является Э.Уорхол. Художник прославился многократными дублями портретов Мэрилин Монро. Также в США появилось хроматический абстракционизм. Жесткие формы в сюжетах картин известных художников менялись на четкие геометрии и цвета.

Очень интересно направление абстрактный экспрессионизм. Оно отличается большим размером холстов, четкими штрихами или каплями красок. Здесь нет четких геометрических форм.

Современное развитие абстракционизма имеет все перечисленные тенденции. В творчестве ничего не может быть постоянного, иначе оно будет не интересным, не будет вызывать всплеск эмоций. В любой случае при всех изменениях основа остается постоянной. Абстракция позволяет выразить личное мнение, состояние, чувства, присущие автору в индивидуальной форме, которая резко отличается от привычного восприятия.

Джексон Поллок

Продолжительность жизни: 28 января 1912 — 11 августа 1956

Национальность: американец

Джексон Поллак

Капельная роспись — это форма абстрактного искусства, в которой краска капает или выливается на холст, а не наносится аккуратно. Джексон Поллок — самый известный практик капельной живописи, поскольку он был назван журналом TIME «Джек-капельница». Его самая знаменитая работа — картина «Синие столбы» были приобретены Национальной галереей Австралии в 1973 году за 1,3 миллиона долларов, тогдашний мировой рекорд для современной американской живописи. Газеты в Австралии подвергли критике покупку с заголовками вроде «1,3 миллиона долларов за слякоть». Был политический скандал, который привел к большому общественному обсуждению, сделавшему картину популярной. Сегодня Синие столбы являются одной из главных картин в коллекции Национальной галереи Австралии, и ее приобретение считается мастерским.

Шедевр: Синие столбы

Год: 1952

Жанр : капельная живопись

Синие столбы, 1952 — Джексон Поллок

Абстракционизм | Абстракция | Абстрактное искусство | Abstract art

Абстракционизм (фр. abstractionnisme < лат. Abstractus – отвлеченный), или абстрактное искусство, беспредметное искусство, нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм.

​

Абстрактные формы изображения в абстракционизме (абстрактном искусстве, беспредметном искусстве, нефигуративном искусстве) изменяют до неузнаваемости объекты живой и неживой природы (например, абстракция «Дама в голубом» Жозефа Фернана Леже, 1912, или работа «Кошки» Н. С. Гончаровой, 1913), предметы материального мира (например, «Натюрморт» Надежды Удальцовой, 1913, ГРМ, или абстракция «Площадь Согласия» Пита Мондриана, 19381943 гг.). Также в работах художников-абстракционистов абстрактные формы могут относиться и к беспредметным невизуальным понятиям, ощущениям, таким как жизнь, любовь, счастье и другим, или выражать субъективное чувство, настроение, «духовное озарение», «метафизическое видение» и т.д. самого автора абстракции (например, абстракция «Пустота» Н.С. Гончаровой, 1913, ГТГ, или работа «Композиция 64/84. Абстракция цвета. Обесцвечивание» Александра Родченко, 1918, ГТГ).

​

Особое внимание в абстракционизме (abstract art) уделяется цвету, который наряду с абстрактной формой, линией и точкой выступает в композиции основным визуальным средством передачи содержания изображения.

​

Абстрактное искусство (абстракционизм) — это не стиль в изобразительном искусстве, локализованный историко-культурными обстоятельствами. Оно развивалось на всем протяжении XX века во многих странах мира, образуя свои направления и стилистические виды, прошло через мощный аналитический дискурс 1940–1990-х гг. относительно своей принадлежности, и в наши дни абстрактное искусство (абстракционизм) по праву признано самостоятельным направлением искусства.

​

Термин «беспредметное искусство» хоть и употребляется на бытовом уровне для обозначения современных абстрактных работ, прежде всего относится к русскому авангарду, начиная с первых абстрактных акварелей В.В. Кандинского и заканчивая конструктивизмом. Казимир Малевич писал: «Но я преобразился в нуле форм и вышел за нуль к творчеству, т.е. к супрематизму, к новому живописному реализму – беспредметному творчеству» («От кубизма и футуризма к супрематизму», 1915 год).

​

«Мы предлагаем освободить живопись от рабства перед готовыми формами действительности и сделать ее прежде всего искусством творческим, а не репродуктивным… Эстетическая ценность беспредметной картины в полноте ее живописного содержания» (Ольга Розанова).

​

Василий Кандинский

Продолжительность жизни: 4 (16) декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция

Национальность: русский

Василий Кандинский

Василий Кандинский считается многими «Отцом абстрактного искусства». Он написал некоторые из самых ранних работ в жанре, в том числе известным как «Первая абстрактная акварель». 1910-1914 годы считаются пиком карьеры Кандинского, и эта картина считается вершиной его художественных достижений в этот период. Он сделал больше исследований для этой композиции, чем для любой другой, хотя нарисовал окончательный вариант всего за три дня. Считается, что в композиции VII упоминаются апокалиптические темы «Потоп», «Страшный суд», «Воскресение» и «Рай». Вихревой ураган цветов и форм считался Кандинским самым сложным произведением, которое он когда-либо писал, и это одно из самых известных произведений абстрактного искусства, когда-либо созданных.

Год: 1913

Шедевр: Композиция VII

Композиция VII (1913) — Василий Кандинский

Абстракционизм. Круг и Квадрат.

Твитнуть

10.03.2011 21:54

Автор: Admin

0 комментариев

Стили и направления

Что такое абстракционизм? «Искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство…, отражение упадка современного искусства», – сообщает не ветхая еще, в общем-то, книжка. Хорошо сказано, ладно, а главное — доходчиво. Слова в темечко входят, словно гвоздики в подрамник. Мыслить ясно, говорить смело — привилегия тех, кто знает, где верх, а где низ, и не боится спутать падение со взлетом. Но что же есть на самом деле абстракционизм???

В основе этого направления лежит отрыв изобразительного искусства от объективной реальной действительности. Понятие «абстракция» представители этого течения употребляли не в понимании углубленного всестороннего познания объективной реальности через обобщение, а в плане полного отрыва от объекта. Вместо объективной действительности абстракционисты ввели субъективный мир одного человека – художника. Они абсолютизировали мир собственных переживаний и эмоции – свое «Я».

Активное участие в формировании абстракционизма принимали М. Ларионов, Г. Делоне, М. Сейфор, голландские художники группы «Стиль». Значительный вклад в развитие теории и практики абстракционизма внес идеолог группы «Стиль» Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872-1944), искусство которого сложилось под воздействием идеализма и теософии, и который считал, что «чистая пластика создает чистую реальность». Стоит отметить, что большинство представителей абстракционизма тяготели к крайнему субъективизму, даже религиозному мистицизму. Благодаря этому абстракционизм определенным образом поддерживался религиозными кругами.

Композиция с красным, синим и желтым. 1930. Холст, масло. 45 х 45.

Они, утверждая значение подсознательного, рассматривали творческий процесс как погружение в мир интуитивных движений души, автоматическую передачу своих ощущений. Они исходили из того, что связь изобразительного искусства с формами жизни себя уже исчерпала и человек осознать мир не способен, а тем более не способен воплотить его в пластических образах в силу многообразия нового мира. Средства отображения смутного подсознательного образа могут быть любые: от классических красок и холста до камня, проволоки, мусора, труб и т. п. Главное в абстракционизме — сочетание цветов, линий, пятен, штрихов, оторванных от природной и социальной реальности. Это беспредметное и бесформенное искусство.

Что же касается теоретических положений абстракционизма, то ощутимое влияние он здесь испытал от философско-эстетичной теории интуитивизма. И в самом деле, убедительное раскрытие его находим в тезисах А. Бергсона о художественном творчестве как самом выявлении художника, о художнике как творце ничем не предопределенной реальности – искусства. Откровенный субъективизм идеи был и остался чрезвычайно близким формалистическим поискам в искусстве.

«Смутное». 1917 г. Холст, масло. 105х134. Москва, Государственная Третьяковская галерея

В основе формальных требований, предъявляемых этим идеалом к умозрительной модели, лежит принцип прибавочного элемента, разработанный Малевичем: «Под прибавочным элементом Малевич понимал возникающий в процессе развития изобразительного искусства новый структурообразующий принцип, внедрение которого в сложившуюся живописно-пластическую систему перестраивает ее на новый лад. Если опять-таки перевести этот несколько туманно сформулированный принцип на более строгий язык, то он означает систему формальных правил для выбора умозрительной модели, кодирующей указанные выше специфические абстрактные чувства. Соблюдение этих правил должно гарантировать как абстрактный характер элементов конструируемого художественного образа, так и абстрактный характер его структуры. Отметим, что подобно тому как сюрреалистический метод возник на основе синтеза определенных черт символистского и реалистического методов, точно так же абстракционистский метод объединяет определенные черты символистского и импрессионистического методов. Но делает он это в более органическом и глубоком смысле, чем это было характерно для экспрессионизма.

Правила, определяющие беспредметность элементов:

1) отказ от рисунка, светотени и предметного колорита;

2) набор чистых цветов;

3) набор основных линий и форм. В частности, выделение в качестве фундаментальных (например, у Кандинского) трех геометрических фигур: треугольника, четырехугольника и круга;

4) символика линий и форм — например, треугольник может быть символом Троицы, квадрат — земной жизни, а круг — вечности;

5) символика цвета. Например, желтый цвет, по Кандинскому, «можно рассматривать как красочное изображение сумасшествия… припадка бешенства, слепого безумия, буйного помешательства… Это похоже и на безумное расточение последних сил лета в яркой осенней листве…» Напротив, синий цвет содержит «элемент покоя». При сильном его углублении он «приобретает призвук нечеловеческой печали». Черный цвет «внутренне звучит… как мертвое Ничто после угасания солнца, как вечное безмолвие без будущности и надежности».

Правила, определяющие беспредметность структуры:

1) отказ от классических композиционных правил (либерализация композиции) — в частности, отказ от стереоскопичности изображения, перспективы и симмерии;

2) автономное взаимодействие линий и форм;

3) автономное взаимодействие цветов;

4) автономное взаимодействие цвета и формы (графических и цветовых элементов).

«Белый овал». 1919 г. Холст, масло. 80х93. Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Отрыв абстрактного искусства от национальной традиции привел к отрицанию познавательной и воспитательной функции искусства, его социальной направленности. В декабре в 1911 г. в докладе на Всероссийском съезде художников В. Кандинский не только отрицала связь искусства с жизнью, но и назвала социальное содержание в искусстве «отравленным хлебом». Вместо «социальности» он призывал сделать предметом искусства «психическую реальность». Эту тенденцию воплощала своей деятельностью группа «Абстракция–творчество», которая возникла в 1929–1930 гг. в Париже под руководством М. Сейфора. На странице журнала «Круг и квадрат» – теоретического органа французских абстракционистов – абстрактность, беспредметность искусства абсолютизировалась. Более того, М. Сейфор настаивал на создании нового искусства – без функции, без границы, без родины. Произведения абстракционистов никак не связывались с действительностью, являли собой нагромождение цветных пятен, геометрической фигуры. К. Малевич, например, вообще пытался возвести живопись до двух цветов – черного и белого, рисуя черные квадраты на белом фоне; позже он экспериментировал с одним лишь белым цветом – рисованием белого на белом художник отстаивал мысль о «чистом чувстве». Немало теоретизации оставили основатели и адепты нереалистичного искусства, и им так и не удались объяснить, почему зритель должен в нагромождении беспредметных изображений видеть «свою мечту», «метаморфозу себя самого», «освободиться от формы природы» и т.п.

«Импровизация. Ущелье». 1914 г. Холст, масло. 110х110. Мюнхен, Городская галерея в Ленбаххаузе

Среди представителей всех абстракционистских течений наибольшей популярностью пользуется выдвинутая основателями данного направления идея импровизации как основа творческого процесса. Нет сомнения, что импровизация может привести к интересным последствиям в творческом процессе. Однако в теории В. Кандинского она является прежде всего случайностью, непредсказуемостью творческого процесса. Среди тех, кто активно использует принцип импровизации, немало ремесленники «скандализируют» своими творениями аудиторию.

Отметим, что, широко используя понятие «импровизация», абстракционисты в живописи, музыке или театре, отождествляют ее со спонтанностью, ежеминутностью, с «вибрацией» души. Однако импровизация несколько другоя. Она возможна лишь на уровне высокого профессионализма и требует многоразового закрепления уже найденного в работе над произведением. Лишь тогда, опираясь на свой творческий багаж, художник может прийти к элементам импровизационного творчества. Подчеркнем, именно элементов, потому что история искусства не знает примеры чистого импровизационного творчества. Абсолютизирование импровизации способно привести к уничтожению интеллектуальной и эмоциональной сути искусства. Так, например, американский композитор Дж. Кейдж заменяет настоящее искусство «самовыражениям», искусством, которое порождается случайностью. По мнению Кейджа, лицо художника, его духовный мир не должны быть определенными, а искусство составляет лишь «бесцельную игру».

Следовательно, теоретики абстракционизма отрицают понимание искусства как сложного процесса творчества, как синтез рационально эмоционального воссоздание действительности. Субъективизм, жонглирование сложными явлениями творческого процесса, которыми является импровизация и интуиция, приводят к уничтожению коммуникативной функции искусства.

Наиль Вагапов. Шиханы. 2011. Смешанная техника. 42 Х 60.

Таким образом, абстракционистский синтез субъективного и объективного существенно отличается от сюрреалистического синтеза тем, что он идет до конца, охватывая как глобальные, так и локальные аспекты картины (изгоняя сходство с реальными предметами как из целого, так и из частей, тогда как второй ограничивается только целым (локальное сходство с реальными предметами здесь сохраняется). Таким образом, полный синтез объективного и субъективного, реального и фантастического может быть достигнут, согласно философии абстракционизма, только с помощью беспредметности. Это значит, что экстраспиритуальный человек подвергает все предметы, говоря философским языком, своеобразной акциденциализации (десубстанциализации). Последняя совпадает с тем, что можно было бы назвать также эфемеризацией, но не в импрессионистическом смысле: теперь речь идет не о «растворении» предмета в световоздушной среде (при этом, как мы уже видели при анализе импрессионизма, предмет становится «зыбким» и «шатким», но тем не менее сохраняется), а об отделении свойств предмета от их «носителя». Теперь от предмета остаются только «абстрактные» свойства — форма, цвет и т. п. — которые могут комбинироваться с аналогичными свойствами других предметов. В результате на смену реальному предмету, существующему в пространстве и времени, приходит комбинация чистых линий, форм и цветовых пятен, не соответствующая, вообще говоря, никакому реальному объекту.

← Стили и направления в изобразительном искусстве

Похожие материалы:

• Кандинский покоряет Мадрид →
• Долгожданная выставка основателя соц-арта →
• Выставка удивительных картин из ниток в Ярославле. →
• «Ликующий» мир художника открыт для всех: свои новые работы выставила Люся Воронова →
• Редкие картины знаменитых российских живописцев демонстрируют в картинной галерее Твери →

Новые статьи:

• Фотография и неонатурализм. Часть 2. →
• Фотография и неонатурализм →
• Наивное искусство →
• Символизм цвета →
• Немного о графике. Виды гравюры. →

У Вас недостаточно прав для добавления комментариев. Возможно, Вам необходимо зарегистрироваться на сайте.

АБСТРАКЦИОНИЗМ | ЩУКАrt | Яндекс Дзен

Рубрика «-измы»: буду рассказывать о всяких направлениях в искусстве («-измах») в алфавитном порядке.

Василий Кандинский. Композиция VIII. 1923

Василий Кандинский. Композиция VIII. 1923

Так, сначала важный вопрос. В чем разница между абстрактным искусством и беспредметным?

В европейском искусстве есть такое понятие — «абстрактное искусство». В русском авангарде то же самое принято называть беспредметной живописью.

Какая это живопись?

Абстрактная или беспредметная живопись — значит нефигуративная, то есть такая, где не изображены никакие конкретные предметы.

В русской живописи XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, и Казимир Малевич. Но про Ларионова и Гончарову, про Малевича я расскажу позже (когда дойду до лучизма и супрематизма соответственно). А основоположником абстрактной живописи считается именно Кандинский.

Эстетические концепции (простыми словами — их идеи и концепции творчества) первых абстракционистов были следующими:

Художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, которые художник постигает интуитивно, выражаются через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в произведении.

Василий Кандинский опубликовал эти мысли и свои размышления по поводу эстетических концепций в своей книге «О духовном в искусстве» в 1911 году. А первая, как считается, абстрактная картина (точнее, акварель) была им написана на год раньше — в 1910 году.

Василий Кандинский. Без названия (первая абстрактная акварель). 1910

Василий Кандинский. Без названия (первая абстрактная акварель). 1910

Итак, появившись на свет в начале 1910-х годов, абстракционизм быстро развивался, проявлялся во многих направлениях искусства авангарда первой половины XX века.

Вскоре после своего появления, абстракционизм разделился на два основных направления: геометрическую абстракцию и лирическую абстракцию.

Первое направление тяготело к правильным геометрическим формам, состоянию устойчивости. Одним из представителей этого направления был, например, Пит Мондриан.

Пит Мондриан. Композиция с красным, желтым, синим и черным. 1921.

Пит Мондриан. Композиция с красным, желтым, синим и черным. 1921.

Лирическая абстракция, наоборот, тяготела к более свободным формам и динамическим процессам. Василий Кандинский был представителем этого направления.

Василий Кандинский. Композиция VII. 1913

Василий Кандинский. Композиция VII. 1913

Далее, после Второй Мировой войны в США получил развитие абстрактный экспрессионизм, сформировавшийся на основе лирического абстракционизма. Представители этого направления (например, Джексон Поллок и Марк Ротко) провозгласили своим методом «бессознательность» и автоматизм творчества. Это значит, что художники старались рисовать, не думая о том, что они рисуют, может быть, закрывая глаза или просто рандомно капая краской на холст.

Джексон Поллок. Алхимия. 1947

Джексон Поллок. Алхимия. 1947

Марк Ротко. Номер 5/ номер 22. 1950

Марк Ротко. Номер 5/ номер 22. 1950

Также одной из форм абстрактного экспрессионизма является ташизм, но два эти течения практически совпадают по идеологии и творческому методу. Различие состоит лишь в том, что разные художники относили себя к одному или к другому направлению. А некоторые — и к ташизму, и к абстрактному экспрессионизму. К тому же абстрактный экспрессионизм был распространен в Америке, а ташизм — в западной Европе.

Жорж Матьё. Капетинги повсюду. 1954

Жорж Матьё. Капетинги повсюду. 1954

Далее, в 1960-х годах, абстрактный экспрессионизм постеренно теряет свою популярность и сходит на нет. Тогда же начинается заметное течение оп-арт. Оп-арт — это искусство оптических иллюзий, течение, которое развивало принципы геометрической абстракции.

Виктор Вазарели. Мечта. 1966

Виктор Вазарели. Мечта. 1966

На оп-арте и закончилося развитие абстракционизма. По сравнению с очень многими направлениями в искусстве XX века, он прожил долгую жизнь — больше 50 лет! Например, дадаизм просуществовал всего 4 года.

определение, типы и художники. Абстрактное искусство! Абстракция в искусстве! Абстрактная живопись! Абстракционизм! Черты абстракционизма в живописи

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 16.05.2014 13:36 Просмотров: 10491

«Когда острый угол треугольника касается круга, эффект не менее значителен, чем у Микеланджело, когда палец Бога касается пальца Адама», — говорил В. Кандинский, лидер авангардного искусства первой половины XX в.

– форма изобразительной деятельности, не ставящая своей целью отображение визуально воспринимаемой реальности.
Это направление в искусстве называют также «беспредметным», т.к. его представители отказались от изображения, приближенного к действительности. В переводе с латинского слово «абстракционизм» означает «удаление», «отвлечение».

В. Кандинский «Композиция VIII» (1923)
Художники-абстракционисты на своих полотнах создавали определённые цветовые сочетания и геометрические формы, чтобы вызвать у зрителя различные ассоциации. Абстракционизм не ставит целью узнавание предмета.

История абстракционизма

Основоположниками абстракционизма считаются Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан. Кандинский был наиболее решительным и последовательным из тех, кто в то время представлял это направление.
Исследователи говорят, что не совсем правильно считать абстракционизм стилем в искусстве, т.к. это специфическая форма изобразительного искусства. Она делится на несколько направлений: геометрическая абстракция, жестикуляционная абстракция, лирическая абстракция, аналитическая абстракция, супрематизм , аранформель, нюажизм и т.д. Но в сущности, сильное обобщение – это и есть абстракция.

В. Кандинский «Москва. Красная площадь»»
Уже с середины XIX в. живопись, графика, скульптура основываются на том, что недоступно непосредственному изображению. Начинаются поиски новых изобразительных средств, способов типизации, повышенной экспрессии, универсальных символов, сжатых пластических формул. С одной стороны, это направлено на отображение внутреннего мира человека – его эмоциональных психологических состояний, с другой – на обновление видения предметного мира.

Творчество Кандинского проходит ряд этапов, включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись, и только потом выходит в свободное пространство цвета и линии.

В. Кандинский «Синий всадник» (1911)
Абстрактная композиция – это тот последний, молекулярный, уровень, на котором живопись еще остается живописью. Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, и в то же время это прямая реализация свободы.

Мурнау «Сад» (1910)
Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1909 г. в Германии, а через год здесь же он выпустил книгу «О духовном в искусстве», ставшую впоследствии знаменитой. Основу этой книги составили размышления художника о том, что внешнее может быть случайным, а внутренне необходимое, духовное, составляющее сущность человека, вполне может воплотиться в картине. Это мироощущение связано с теософскими и антропософскими трудами Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера, которые изучал Кандинский. Художник описывает цвет, взаимодействие цветов и их влияние на человека. «Психическая сила краски… вызывает душевную вибрацию. Например, красный цвет может вызвать душевную вибрацию, подобную той, какую вызывает огонь, так как красный цвет есть в то же время цвет огня. Теплый красный цвет действует возбуждающим образом; такой цвет может усилиться до болезненной мучительной степени, может быть, также и вследствие его сходства с текущей кровью. Красный цвет в этом случае пробуждает воспоминание о другом физическом факторе, который, безусловно, болезненным образом действует на душу».

В. Кандинский «Сумерки»
«… фиолетовый цвет является охлажденным красным, как в физическом, так и в психическом смысле. Он имеет поэтому характер чего-то болезненного, погасшего, имеет в себе что-то печальное. Не напрасно этот цвет считается подходящим для платьев старух. Китайцы применяют этот цвет непосредственно для траурных одеянии. Его звучание сходно со звуками английского рожка, свирели и в своей глубине – низким тонам деревянных духовых инструментов (например, фагота)».

В. Кандинский «Серый овал»
«Черный цвет внутренне звучит как Ничто без возможностей, как мертвое».
«Ясно, что все приведенные обозначения этих простых красок являются лишь весьма временными и элементарными. Такими же являются и чувства, которые мы упоминаем в связи с красками — радость, печаль и т.д. Эти чувства также являются лишь материальными состояниями души. Гораздо более тонкую природу имеют тона красок, а также и музыки; они вызывают гораздо более тонкие вибрации, не поддающиеся словесным обозначениям».

В.В. Кандинский (1866-1944)

Выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма.
Родился в Москве в семье коммерсанта, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в1871 г. Блестяще окончил юридический факультет Московского государственного университета.
В 1895 г. в Москве проходила выставка французских импрессионистов . Особенно поразила Кандинского картина Клода Моне «Стог сена» – так в возрасте 30 лет он полностью меняет профессию и становится художником.

В. Кандинский «Пёстрая жизнь»
Его первая картина – «Пёстрая жизнь» (1907). Она представляет собой обобщённую картину человеческого бытия, но это уже перспектива его будущего творчества.
В 1896 г. он переезжает в Мюнхен, где знакомится с творчеством немецких экспрессионистов . После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но через некоторое время вновь уезжает в Германию, а затем во Францию. Он много путешествовал, но периодически возвращался в Москву и Одессу.
В Берлине Василий Кандинский преподавал живопись, стал теоретиком школы «Баухауз» (Высшая школа строительства и художественного конструирования) – учебное заведение в Германии, существовавшее с 1919 по 1933 гг. В это время Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.
Умер в 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.
Абстракционизм как художественное направление в живописи не был однородным явлением – абстрактное искусство объединяло несколько течений: лучизм, орфизм , супрематизм и др., о которых более подробно вы можете узнать из наших статей. Начало XX в. – время стремительного развития различных авангардных течений. Абстрактное искусство было очень разнообразным, сюда входили также и кубофутуристы , конструктивисты , беспредметники и др. Но язык этого искусства требовал других форм выражения, но они не поддерживались деятелями официального искусства, к тому же и в среде самого авангардного движения были неизбежны противоречия. Авангардное искусство было объявлено антинародным, идеалистическим и практически было запрещено.
Абстракционизм не нашёл поддержки и в фашистской Германии, поэтому центры абстракционизма из Германии и Италии перемещаются в Америку. В1937 г. в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гуггенхайма, в 1939 г. – Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера.

Послевоенный абстракционизм

После Второй мировой войны в Америке пользовалась популярностью «школа Нью-Йорка», членами которой были создатели абстрактного экспрессионизма Д. Поллок, М. Ротко, Б. Ньюманн, А. Готтлиб.

Д. Поллок «Алхимия»
Глядя на картину этого художника, понимаешь: серьёзное искусство не поддаётся лёгкой интерпретации.

М. Ротко «Без названия»
В 1959 г. их произведения были выставлены в Москве на выставке национального искусства США в парке «Сокольники». Начало «оттепели» в России (1950-е годы) открыло новый этап в развитии отечественного абстракционизма. Открылась студия «Новая реальность», центром которой был Элий Михайлович Белютин.

Студия находилась в подмосковном Абрамцеве, на даче Белютина. Была установка на коллективную работу, к которой стремились футуристы начала XX в. «Новая реальность» объединила московских художников, которые придерживались различных взглядов на методику построения абстракции. Из студии «Новая реальность» вышли художники Л. Грибков, В. Зубарев, В. Преображенская, А. Сафохин.

Э. Белютин «Материнство»
Новый этап в развитии русской абстракции начинается в 1970-е годы. Это время Малевича, супрематизма и конструктивизма, традиций русского авангарда. Картины Малевича вызвали интерес к геометризированной форме, линейным знакам, пластическим структурам. Современные авторы открывали для себя труды русских философов и теологов, богословов и мистиков, приобщались к неисчерпаемым интеллектуальным источникам, которые наполняли новым смыслом творчество М. Шварцмана, В. Юрлова, Э. Штейнберга.
Середина 1980-х годов – завершение очередной стадии развития абстракции в России. Конец XX в. обозначил особенный «русский путь» беспредметного искусства. С точки зрения развития мировой культуры абстракционизм как стилевое направление завершился в 1958 г. Но только в постперестроечном российском обществе абстрактное искусство стало равноправным с другими направлениями. Художники получили возможность выражения в формах не только классических , но в формах геометрической абстракции.

Современный абстракционизм

Современным языком абстракции часто становится белый цвет. Для москвичей М. Кастальской, А. Красулина, В. Орлова, Л. Пелиха пространство белого (высшего напряжения цвета) наполнено бесконечными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света.

М. Кастальская «Сонная лощина»
Понятие «пространство» имеет в современном искусстве разный смысл. Например, существует пространство знака, символа. Существует пространство древних рукописей, образ которых стал своеобразным палимпсестом в композициях В. Герасименко.

А. Красулин «Табурет и вечность»

Некоторые течения в абстрактном искусстве

Лучизм

С. Романович «Снятие со креста» (1950-е годы)
Направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, основанное на смещении световых спектров и светопередачи. Одно из ранних направлений абстракционизма.
В основе творчества лучистов лежит идея о «пересечении отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения». Лучи на полотне передаются с помощью цветных линий.
Основателем и теоретиком течения был художник Михаил Ларионов. В лучизме работали Михаил Лё-Дантю и другие художники группы «Ослиный хвост».

Особое развитие лучизм получил в творчестве С. М. Романовича, который колористические идеи лучизма сделал основой «пространственности» красочного слоя фигуративной картины: «Живопись иррациональна. Она происходит из глубин человека, как родник бьет из-под земли. Задача ее – преображение видимого мира (объекта) через гармонию, которая знак истины. Работать – писать в гармонии – может тот, в ком она живет – это тайна человека».

Орфизм

Направление во французской живописи начала XX в., образованное Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан. Название дано в 1912 г. французским поэтом Аполлинером.

Р. Делоне «Марсово поле: Красная башня» (1911-1923)
Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.
Влияние орфизма можно увидеть в работах русского художника Аристарха Лентулова, а также Александры Экстер, Георгия Якулова и Александра Богомазова.

А. Богомазов «Композиция №2»

Неопластицизм

Этому стилю свойственны чёткие прямоугольные формы в архитектуре («интернациональный стиль» П. Ауда) и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра (П. Мондриан).

«Мондриановский стиль»

Абстрактный экспрессионизм

Школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст для полнейшего выявления эмоций. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.
Особый размах движение получило в 1950-е гг., когда во главе его встали Д. Поллок, М. Ротко и Виллем де Кунинг.

Д. Поллок «Под разными масками»
Одной из форм абстрактного экспрессионизма является ташизм, оба этих течения практически совпадают по идеологии и творческому методу, однако персональный состав художников, называвших себя ташистами или абстрактными экспрессионистами, совпадает не полностью.

Ташизм

А. Орлов «Шрамы в душе не заживают никогда»
Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана. К ташизму близки европейская группа «КОБРА» и японская группа «Гутаи».

А. Орлов «Времена года» П.И. Чайковский

Абстракционизм — сравнительно молодое среди направлений искусства. Годом его зарождения официально признан 1910 год, когда художником Василием Кандинским было выставлено первое полотно в новой технике, написанное акварелью.

Представители абстракционизма берут в качестве основы для создания собственных шедевров простые и сложные формы, линии, плоскости и играют с цветом. К реальным предметам то, что получается в итоге, не имеет никакого отношения. Это произведение, которое доступно только сверхсознанию через чувственный мир личности.

В течение десятилетий после появления первой работы в данной стилистике, абстракционизм претерпевал разные изменения, активно внедрялся в другие авангардные направления.

(Абстракция от Carol Hein )

В рамках абстракционизма людьми искусства были созданы многочисленные картины, скульптуры, инсталляции. Отдельные элементы использовались и продолжают с успехом внедряться, в том числе, и в интерьеры современных помещений.

На сегодняшний день абстрактное течение в искусстве делят на геометрическую и лирическую абстракцию. Для геометрического направления абстракционизма характерны строгие и четкие линии, устойчивые состояния. Лирическая абстракция характеризуется свободной формой и демонстрацией динамики, заданной мастером или художником.

Абстракционизм в живописи

Именно с живописи и начал абстракционизм свое развитие. На холсте и бумаге он был явлен миру путем игры цвета и линий, воссоздающих нечто, что не имело никаких аналогов в реальном предметном мире.

(…и более понятная абстракция от Carol Hein )

Яркими представителями абстракционизма считаются:

• Кандинский;
• Малевич;
• Мондриан.

Позже у них было множество последователей, каждый из которых вносил свою художественную лепту, применяя новые техники нанесения красок и новые принципы создания абстрактной композиции.

(Василий Васильевич Кандинский «Композиция IV» )

Основатели направления, создавая свои шедевры на холсте, опирались на новые научные и философские теории. Например, Кандинский, обосновывая собственные художественные творения, апеллировал к теософским трудам Блаватской. Мондриан был представителем неопластицизма и активно использовал в своих работах чистые линии и цвета. Его картины неоднократно копировались многими представителям сферы живописи и искусства. Малевич являлся ярым приверженцем теории супрематизма. Главенство в искусстве живописи мастером было отдано цвету.

(Казимир Малевич «Композиция из геометрических фигур» )

В целом, абстракционизм в живописи оказался для простых обывателей двояким направлением. Один считали подобные работы тупиковыми, вторые — искренне восхищались теми идеями, которые художники закладывали в свои творения.

Несмотря на хаотичность линий, форм и цветов, картины и произведения искусства в стилистике абстракционизма создают единую и целостно воспринимаемую зрителями композицию.

Направления искусства абстракционизм

Работы в стиле абстракционизма сложно четко классифицировать, так как у данного направления имеется множество последователей, каждый из которых вносил свое виденье в развитие. В общем, его можно разделить по типу преобладания линий либо техник. На сегодняшний день выделяют:

• цветовой абстракционизм. В рамках данных работ художники играют с цветами и оттенками, ставя акцент в работах именно на восприятие их сознанием смотрящего;
• геометрический абстракционизм. У данного течения имеются свои строгие характерные отличия. Это четкие линии и формы, иллюзия глубины и линейные перспективы. Представителями этого направления являются супрематисы, неопластицисты;
• экспрессивный абстракционизм и ташизм. Акцент в этих ответвлениях делается не на цвета, формы и линии, а на технику нанесения краски, посредством которой задается динамика, передаются эмоции и отражается бессознательное художника, работающего без какого-либо предварительного плана;
• минималистичный абстракционизм. Это течение ближе к авангарду. Суть его сводится к отсутствию отсылок на какие либо ассоциации. Лини, формы и цвета используются лаконично и по минимуму.

Зарождение абстракционизма, как направления в искусстве, стало итогом витавших вначале прошлого века изменений, связанных с новыми многочисленными открытиями, которые стали продвигать человечество вперед. Всему новому и еще непонятному требовалось такое же объяснение и выход, в том числе, и через искусство.

Абстракционизм — стиль или направление в живописи. Абстракционизм или абстрактный жанр подразумевает отказ от изображения реальных вещей и форм. Абстракционизм направлен на то, чтобы вызвать у человека определённые эмоции и ассоциации. Для этих целей картины в абстрактном стиле пытаются выразить гармонию цвета, форм, линий, пятен и так далее. Все формы и цветовые сочетания, которые находятся в периметре изображения, имеют идею, своё выражение и смысловую нагрузку. Как бы ни казалось зрителю, глядя на картину где кроме линий и клякс ничего нет, всё в абстракции подчинено определённым правилам выражения.

На сегодняшний день абстракция настолько широка и разнообразна, что сама подразделяется на множество видов, стилей и жанров. Каждый художник или группа художников пытаются создать нечто своё, нечто особенное, которое бы лучшим образом могло достучаться до чувств и ощущений человека. Достичь этого без применения узнаваемых фигур и объектов очень сложно. По этой причине полотна абстракционистов, которые действительно вызывают особые ощущения и заставляют поражаться красоте и выразительности абстрактной композиции, заслуживают большого уважения, а сам художник считается настоящим гением от живописи.

Считается, что абстрактную живопись придумал и разработал великий русский художник . Его последователями были и , которые не только исследовали философию абстракционизма, но также разработали новое направление в этом жанре — Лучизм. ещё более «усовершенствовал» технику абстракции, добившись полной беспредметности, который был назван — Супрематизм. Не менее известными абстракционистами стали: Пит Мондриан, Марк Ротко, Барнетт Ньюманн, Адольф Готтлиб и многие другие.

Абстрактная живопись , которая буквально взорвала мир искусства, стала символом начала новой эпохи. Эта эпоха означает полный переход от рамок и ограничений к полной свободе выражения. Художник более ничем не связан, он может писать не только людей, бытовые и жанровые сцены, но даже мысли, эмоции, ощущения и использовать для этого любые формы выражения. Абстракционизм, как живопись личного переживания, ещё долгое время находился в андеграунде. Его, как и многие другие жанры живописи в истории, высмеивали и даже подвергали осуждению и цензуре, как искусство не имеющее никакого смысла. Однако со временем положение абстракции изменилось и теперь она существует наравне со всеми другими формами искусства.

В. Кандинский — Несколько кругов

В. Кандинский — Композиция VIII

Виллем де Кунинг — Композиция

В прошлом веке абстрактное направление стало настоящим прорывом в истории искусства, но вполне закономерным — человек всегда находился в поиске новых форм, свойств и идей. Но и в нашем веке этот стиль искусства вызывает немало вопросов. Что же такое абстракционизм? Поговорим об этом далее.

Абстракционизм в живописи и искусстве

В стиле абстракционизм художник использует визуальный язык форм, контуров, линий и цветов, чтобы интерпретировать предмет. Это контрастирует с традиционными формами искусства, которые получают более литературную интерпретацию предмета — передают «реальность». Абстракционизм же уходит как можно дальше от классического изобразительного искусства, насколько это возможно; представляет предметный мир совсем не так, как в реальной жизни.

Абстракционизм в искусстве бросает вызов уму наблюдателя, точно так же, как и его эмоциям — чтобы полностью оценить произведение искусства, наблюдатель должен избавиться от необходимости понять, что художник пытается сказать, а должен сам почувствовать ответную эмоцию. Все аспекты жизни поддаются интерпретации через абстракционизм — вера, страхи, страсти, реакция на музыку или природу, научные и математические вычисления, и т. д.

Это направление в искусстве возникло в XX веке, наряду с кубизмом, сюрреализмом , дадаизмом и другими, хотя точное время неизвестно. Основными представителями стиля абстракционизм в живописи принято считать таких художников, как Василий Кандинский, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Об их творчестве и важных картинах речь и пойдет дальше.

Картины известных художников: абстракционизм

Василий Кандинский

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия — делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

«Композиция IV» (1911)

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве.

Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата — она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый — пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах.

В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру — к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» (1912)

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий.

Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм . Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

«Эйфелева башня» (1911)

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне — знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка.

Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка — чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций.

Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов.

В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Стиль абстракционизм не теряет своей популярности и в живописи XXI века — любители современного искусства не прочь украсить таким шедевром свой дом, и работы в этом стиле улетают с молотка на всевозможных аукционах за баснословные суммы.

Узнать еще больше об абстракционизме в искусстве вам поможет следующее видео:

Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

История

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.

В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

20 век и современность

После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.

Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.

Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.

Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).

Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.

Направления

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм

Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм)

Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм

Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм

Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм

Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм

Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Абстракионизм в интерьере

В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.

Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.

Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.

Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.

Картины известных художников-абстракционистов

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Современные абстракционисты

С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.

Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.

Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.

В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.

Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.

Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.

Абстракционизм в живописи | Русские художники. Биография, картины, описание картин

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи.

Абстракционизм призван создавать композиции определенных цветовых сочетаний и геометрических форм таким образом, чтобы достигнуть гармоничного изображения, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Знаменитые русские художники – Василий Кандинский, Казимир Малевич, создавали произведения искусства в стиле абстракционизма. Первооткрывателем стиля абстракционизма был Василий Кандинский, его первая картина в данном стиле написана в 1909 году и находится в Национальном музее Грузии.

Абстракционизм – стал новым веянием в живописи, поменял представления об изобразительном искусстве, был открытием новой эпохи в мире искусства. Новая эпоха – это полный переход к свободе выражения, отказ от обыденного представления, который ставит ограничения свободе мысли художника и зрителя. В сущности, абстракционизм являет собой выражение мысли, ощущений и эмоций художника, использующего любые методы. Это воздействие на зрителя цветом и формой, разнообразием композиции, уход от реалистичного изображения людей, природы и жанровых сцен.

Долгое время абстракционизм высмеивался, подвергался жесткой цензуре, считался бессмысленным искусством. Стремительное развитие данный стиль получил в ХХ столетии, после Второй мировой войны, благодаря рекламе, организации выставок, пользующимися  большим успехом. В произведения искусств вкладывались огромные капиталы. Сегодня данный стиль имеет широкое признание публики и находится на одной ступени со всеми другими стилями изобразительного искусства.

В современном мире, каждый художник создает нечто свое, неповторимое, стремясь пробудить в человеке чувства и эмоции, проникнуться мироощущением без привычных для разума форм и предметов, неподвластным логике. Для того чтобы достичь такого эффекта, художнику надо приложить немало усилий, фантазии и мастерства, что без изображения привычных глазу фигур и объектов является весьма сложной задачей.

Картины художников-абстракционистов, успешно справившихся с этой задачей, достучавшихся до чувственного мира созерцателя, поражают своей красотой, очень ценятся и по праву признаются гениальными произведениями изобразительного искусства.

Творческие люди — Стили и жанры живописи Абстракционизм…

Стили и жанры живописи

Абстракционизм (произошло от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм (произошло от фр. avant-garde — передовой отряд) — совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм (от фр. academisme)- направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризововали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм (от англ. action art — искусство действия) — хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью.

Алла прима (аля прим) (произошло от итал. alla prima — в первый момент) — разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир (произошло от франц. empire — империя) — стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир — финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: дрепнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789))

Анималистика (произошло от лат. animal — животное) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация (произошло от лат. applicatio — прикладывание) — способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).

Аэрография — техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть — прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко (произошло от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Батальный жанр (произошло от фр. bataille — битва) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр (жанровая живопись) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ведута — жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи — венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцы Ф.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.
Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм — вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм (фотореализм) — стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж (архитектурный пейзаж) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика (произошло от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика — искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль (произошло от фр. grisaille, от gris — серый) — вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм (произошло от фр. dadaisme, dada — деревянная лошадка; в переносном смысле — бессвязный детский лепет) — модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968), Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись — живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.
Импрессионизм (произошло от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Исторический жанр — жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.
Каприччо (от итал. capriccio, буквально — каприз, прихоть) — архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.
Карикатура (произошло от итал.caricare — преувеличивать) — особый жанр изобразительного искусства, объединяющий изображения, в которых: сознательно создается комический эффект; соединяется реальное и фантастическое; преувеличиваются и заостряются характерные черты фигуры, лица, костюма, манеры поведения людей и др.

Китч, кич (от нем. kitsch — бесвкусица) — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч — разновидность постмодернизма. Китч — это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм (произошло от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 — начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Концептуальное искусство (концептуализм) (от лат. conceptus — мысль) — направление в модернизме 1970-х, 1980-х годов, целью которого было создание произведений более или менее свободных от материального воплощения «художественных идей». Последователи концептуализма в своих картинах заменяли изображение надписями, диаграммами, схемами и т.п. При этом материальные средства выполняют роль только возбудителя представлений, а предметом созерцания является мысленная форма. Самые известные художники этого направления: Дж.Кошут (основной теоретик), Д.Хюблер, Р.Берри, Я.Вильсон.

Конструктивизм — направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм (от греч. kosmos — организованный мир, kosma — украшение) — художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм (от фр. cubisme, произошло от cube — куб) — модернистское течение в живописи начала 20 века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово «кубисты» было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Лучизм — живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н. С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм (от итал. manierismo, от maniera — манера, стиль) — стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм (произошло от греч. meta — между, после, через и геalis — вещественный, действительный) — реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола — способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Минимализм (произошло от англ. minimal art — минимальное искусство) — художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер, У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн (произошло от фр. moderne — новейший, современный) — cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa — oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Монументальная живопись — живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях. Основные техники монументальной живописи — фреска, мозаика, витраж. Монументальная живопись — древнейший вид живописи, известен с палеолита (росписи в пещерах Альтамира, Ляско и др.). Благодаря долговечности, произведения монументальной живописи остались практически от всех культур.

Морской пейзаж (марина) (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus — морской) — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра — И.К.Айвазовский(1817-1900).

Натурализм (произошло от лат. naturalis — природный) — направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Натюрморт (в переводе с фр. — мертвая, неодушевленная натура) — это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта — фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наивное искусство — изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Неоклассицизм — термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие «вечные» эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Новая вещественность (произошло от нем. neue sachlichkeit) — течение в немецкой живописи и графике 1920-х годов, представители которого стремились создать модель предельно ясного, мистифицированно-предметного мира в преувеличенно четких, тщательно детализированных формах. Возникшее как реакция на индивидуалистический бунт и формальные крайности экспрессионизма, оно было связано с очередной волной неоклассицизма в европейском искусстве. Самые известные художники: Ж. Гросс, О. Дике, А. Канольт, Г. Шримпф, Э. Вигенер, К. Гросберг.

Ню (произошло от фр. nu — нагой, раздетый) — один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-арт (от англ. ор art, сокращение от optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Пейзаж (произошло от фр. paysage — страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа.

Примитивизм — стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт (произошло от англ. popular art — популярное, общедоступное искусство или от pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

Портрет (произошло от фр. слова portrait) — это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира.

Постимпрессионизм (произошло то фр. postimpressionisme, от лат. post — после и импрессионизм) — совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра, Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Прерафаэлитизм (произошло от англ. pre перед и raphaelitism — Рафаэль) — эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Пуантилизм (дивизионизм) (произошло от фр. pointiller — писать точками) — направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 — 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Реализм (произошло от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Регионализм (произошло от англ. regional — местный) — течение в американской живописи 1930-х, 1940-х годов. Представители регионализма: соединили в своем творчестве черты, свойственные американскому примитивизму и немецкой новой вещественности; изображали типичные сцены из истории и быта США, характерные американское ландшафты; придавали формам острую экспрессию или холодно-отвлеченную застылость.

Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм (произошло от фр. romantisme) — идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 — начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка — разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм (произошло от лат. sentiment — чувство) — направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни «маленького человека». Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм (происходит от фр. symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Социалистический реализм (соцарт) — художественный метод в искусстве, представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества. Изображение жизни в свете идеалов социализма обусловливает и содержание, и основные художественно-структурные принципы искусства соц реализма. Его возникновение и развитие связаны с распространением социалистических идей в разных странах, с развитием революционного рабочего движения.

Спациализм (произошло от итал. spazio — пространство) — концепция движения в искусстве, предлагающая рассматривать живопись и скульптуру одним видом искусства, соединив в нем цвет, звук, пространство, движение и время. Концепцию разработал Л. Фонтана. Представители этого направления — ряд итальянских художников поколения 1950-х гг., в 1960-е гг. — японец Аи-О, немец Х. П. Ретер и др.

Станковая живопись — вид живописи, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от окружения. Буквально — живопись, созданная на станке (мольберте). В отличие от монументальной, произведение станковой живописи создаётся на нестационарном основании: холсте, картоне, доске, бумаге, шелке.

Супрематизм (произошло от лат. supremus — высший, высочайший, первейший) — направление авангардного искусства первой трети 20 века, создателем и главным представителем которого был художник Казимир Малевич.

Сюрреализм (произошло от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма. Сюрреализм возник во Франции в середине 20 века. Художники с фотографической точностью создавали нелогичные, пугающие картины обычных предметов или использовали нестандартную технику живописи, дающую возможность выразить подсознание. Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали (1904-1989), Рене Магритт (1898-1967).

Ташизм (от фр. tache — пятно) — одно из названий направления в абстракционизме 50-х годов. Ташизму — живопись пятнами, которые: не воссоздают образов реальности; наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана; выражают бессознательную активность художника. Наиболее яркие представители стиля: Жорж Матье, Ханс Хартунг, Воле, Пьер Сулаж, Жан Базен, Эмилио Ведова, Асгер Йорн.

Фовизм (произошло от фр. fauvisme, от fauve — дикий, хищный) — авангардистское течение во франц. живописи начала 20 века, для которого характерны: предельно интенсивное звучание открытых цветов; сопоставление контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Фyтypизм (произошло от итал. futurismo — будущее) — тeчeниe в иcкyccтвe начала 20 века. Основные темы футуризма: достижения техники и технический прогресс. Основоположниками футуризма были Балла Джакомо, Джорш Северени, Боччони, Руссоло, Карра.

Фэнтези (от англ. fantasy — фантазия)- жанр живописи, появившийся в начале XX века и основанный на использовании мифологических и сказочных мотивов. Развитие живописи в жанре фэнтези шло параллельно и схоже с развитием литературы, так как основная масса художников рисовала обложки и иллюстрации к книгам и играм, а также фантастические комиксы и коллекционные игровые карты. Самые известные художники героического фэнтези: Борис Вальехо, Джулия Белл, Луис Ройо, Фрэнк Фразетта.

Хуа Няо (в переводе с кит. птицы и цветы) — жанр китайской живописи, изображающий птицы и цветы

Шарж (произошло от фр. charge) — сатирическое или добродушно-юмористическое изображение (обычно портрет), в котором при соблюдении внешнего сходства изменены и выделены наиболее характерные черты модели — разновидность карикатуры.

Шань шуй (в переводе с кит. горы и вода) — жанр китайской живописи, изображающий горы и водопады.

Шелкография (сериграфия) — вид художественной трафаретной печати. Форма для шелкографии — шелковая сетка, натянутая на раму; участки, свободные от рисунка, закрываются непроницаемым для краски составом. Масляные или водяные краски продавливаются через сетку с помощью эластичной пластины — ракеля на поверхность, воспринимающую изображение. Шелкография отличается яркостью и декоративной красочностью колорита, позволяет получать рельефные изображения. С помощью шелкографии можно печатать качественные репродукции картин. Техника шелкографии пришла в 20 в. в графику из китайской и японской печати на тканях и развитие получила с 1930-х г. Шелкографию использовали Бен Шан, Джэксон Поллок, Роберт Раушенберг, Фернан Леже, Виктор Вазарели.

Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское течение в западноевропейском искусстве начале 20 века, возникло как отклик на острейший социальный кризис — 1-ю мировую войну. Идейной основой экспрессионизма стал протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства крушения надежд. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм.

Абстрактный экспрессионизм — Художественный термин

Джексон Поллок
Желтые острова 1952 г.
Галерея Тейт
© ARS, NY и DACS, Лондон, 2021 г.

Введение

Абстрактные экспрессионисты в основном базировались в Нью-Йорке, а также получили название нью-йоркской школы.Название напоминает об их стремлении создать искусство, которое в то время как абстрактное было также выразительным или эмоциональным по своему эффекту. Они были вдохновлены сюрреалистической идеей о том, что искусство должно исходить из бессознательного, и автоматизмом художника Жоана Миро.

Виллем де Кунинг
The Visit 1966–7
Тейт
© Отзывный траст Виллема де Кунинга / ARS, Нью-Йорк и DACS, Лондон, 2021 г.
Марк Ротко
Черный на бордовом 1958 г.
Тейт
© Кейт Ротко Призель и Кристофер Ротко / DACS 2021

ВИДЫ АБСТРАКТНОГО ЭКСПРЕССИОНИЗМА

Внутри абстрактного экспрессионизма образовались две большие группы: так называемые художники-боевики, которые нападали на свои холсты с помощью выразительных мазков; и художники цветного поля, которые заполняли свои холсты большими областями одного цвета.

• Художниками-экшенами руководили Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, которые работали в спонтанной импровизационной манере, часто используя большие кисти для нанесения широких жестов. Поллок, как известно, положил холст на землю и танцевал вокруг него, выливая краску из банки или волоча за собой кисть или палку. Таким образом, художники-боевики напрямую переносили свои внутренние импульсы на холст.
• Во вторую группу вошли Марк Ротко, Барнетт Ньюман и Клиффорд Стилл.Они глубоко интересовались религией и мифом и создавали простые композиции с большими областями цвета, предназначенные для созерцательного или медитативного отклика у зрителя. В эссе, написанном в 1948 году, Барнетт Ньюманн сказал: «Вместо того, чтобы делать соборы из Христа, человека или« жизни », мы делаем это из самих себя, из наших собственных чувств». Этот подход к живописи развился примерно с 1960 года в то, что стало известно как живопись цветового поля, для которой художники использовали большие площади более или менее одного плоского цвета.

Абстрактный экспрессионизм — Энциклопедия модернизма Рутледж

Обзор

Абстрактный экспрессионизм Тотева, Майя; Легаспи Рамирес, Эйлин; Розенбаум, Роман; Тотева, Майя; Легаспи Рамирес, Эйлин; Розенбаум, Роман

DOI: 10.4324 / 9781135000356-REMO19-1

Опубликовано: 05.09.2016

Получено: 05 октября 2021 г., из

https: // www.rem.routledge.com/articles/overview/abstract-expressionism

Обзор

Абстрактный экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм был движением, инициированным группой свободно связанных художников, которые объединились в начале 1940-х годов, главным образом в Нью-Йорке. Такие художники, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, Марк Ротко, Барнетт Ньюман и Ли Краснер, среди прочих, искали радикально новые формы, чтобы выразить глубокое чувство смысла в своих картинах.Расцветая в 1940-х и 1950-х годах, абстрактный экспрессионизм получил признание как первое специфически американское движение, завоевавшее международную репутацию. Повышенный интерес к художникам-абстракционистам-экспрессионистам поместил Нью-Йорк в центр мира искусства, положение, ранее закрепленное за Парижем. Поскольку большинство абстрактных экспрессионистов первого поколения жили в Нью-Йорке, движение было также известно как «Нью-Йоркская школа». В то время как критики Гарольд Розенберг и Клемент Гринберг предпочитали названия «экшн-живопись», «американец». «Живопись типа» и «живописная абстракция», термин «абстрактный экспрессионизм» появился в Германии в 1919 году в отношении немецкого экспрессионизма.Альфред Барр впервые использовал его в США в 1929 году для описания картин Василия Кандинского. В 1946 году Роберт Коутс использовал этот термин для обозначения современной американской живописи, описывая Ганса Хофмана как представителя того, «что некоторые люди называют школой живописи с брызгами и мазками, а я [Коутс] … окрестил абстрактным экспрессионизмом». Фраза служил для объединения двух доминирующих аспектов абстрактного экспрессионистского искусства: нефигуративного обязательства, которое сводило репрезентативные объекты к базовым геометрическим формам (абстракция), и импровизационных мазков, выражающих эмоции или концептуальные состояния (экспрессионизм).Несмотря на то, что большинство абстрактных экспрессионистов отвергали ярлыки, термин сохранился.

Не являясь формальной принадлежностью, абстрактный экспрессионизм охватывает множество стилей и представляет собой художественное отношение, а не единую форму выражения. Что объединяет отдельных личностей внутри движения, так это их неприятие откровенных политических посланий, желание выражать эмоциональные и духовные истины и поиск универсальных или морально значимых тем, часто реализуемых в широком масштабе.Не все работы были абстрактными и эмоционально выразительными; однако все абстрактные экспрессионисты ценили то, что называлось «подлинной индивидуальностью» и импровизацией. Характерным для их подхода является включение случайностей и случайностей, происходящих в процессе рисования, тенденция к «сплошным» композициям, в которых все части холста имеют одинаковую ценность, акцент на процессе или акте рисования. используется как средство общения и акцента на поверхности холста, где свободные штрихи, жесты или цветные плоскости передают выражение.Стремление к правдивости, эмоциям и глубоким темам объединяет разнообразные художественные подходы, начиная от каллиграфических картин Джексона Поллока с заливкой и каплями до медитативных прямоугольников Марка Ротко с мягкими краями.

---

развернуть

«Осенний ритм», Джексон Поллок

На основании тенденций в этом движении абстрактный экспрессионизм был разделен на две группы: живопись жестов (действия) и живопись цветового поля.Жестовая живопись включает в себя техники, использующие ярко выраженные, часто энергичные мазки в качестве способа выражения, такие как наливание и капание разбавленной краски на необработанный холст, лежащий на земле (Поллок), или динамические жесты, формулирующие мощные знаковые фигуры и абстрактные образы (Де Кунинг, Франц Клайн и Ли Краснер). Живопись цветового поля подчеркивает лирические эффекты и выразительные способности цвета — часто выливаемого или окрашенного прямо на холст — для передачи видения «возвышенного» или достижения церебрального и рефлексивного состояния ума.Последняя группа включает такие методы, как спокойные, ярко окрашенные, похожие на пейзаж поля Марка Ротко или обширные области немодулированного, плоского и окрашенного цвета Барнетта Ньюмана, Хелен Франкенталер, Кеннета Ноланда и Клиффорда Стилла.

Большинство абстрактных экспрессионистов начали работать в 1930-х годах, поэтому Великая депрессия и ее последствия имеют первостепенное значение для понимания их художественного выбора. Многие встретились в рамках государственных программ помощи, таких как WPA (Управление прогресса работ) эпохи депрессии, которое нанимало художников для росписи фресок в общественных местах.Хотя опыт побудил будущих абстрактных экспрессионистов рисовать в больших масштабах, художники отказались от популярных движений того времени — регионализма и социалистического реализма — и соответствующих им идеологий (национализма и социализма) в поисках универсального искусства, свободного от тоталитарной сущности, открытой политики, и провинциализм. В глазах аудитории послевоенного периода и холодной войны абстрактный экспрессионизм выражал внутреннюю суматоху и мрачное настроение того времени и воплощал американский дух — монументальный, романтический и символизирующий индивидуальную свободу.В то же время художники развили чувство общности, пропитанное общей философией и призывом к социальной ответственности, поскольку они часто посещали различные места в Нью-Йорке, чтобы участвовать в работе друг друга и обсуждать такие темы, как экзистенциализм, гештальт-терапия, » и дзен-буддизм.

Среди различных послевоенных факторов именно яркая арт-сцена Нью-Йорка и ассимиляция европейского модернизма подготовили почву для отрыва абстрактного экспрессионизма от традиционной живописи. Американские художники столкнулись с проявлениями европейского модернизма, в частности сюрреализмом, кубизмом, дадаизмом и геометрической абстракцией, в галереях расширяющейся сети музеев, таких как Музей современного искусства и недавно созданных галерей, таких как галерея Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века».Однако основным источником вдохновения абстрактных экспрессионистов стал приток художников-экспатриантов, в том числе Марселя Дюшана, Андре Массона и Пита Мондриана, которые пересекли океан, чтобы сбежать из Европы, в которой доминировал Гитлер. Абстрактный экспрессионизм особенно выиграл от прямого контакта с сюрреализмом (Макс Эрнст), Де Стейл (Мондриан) и художественной философией, связанной с материальностью краски и возможностями абстракции (Ганс Хофманн и Аршил Горки). Сюрреализм повлиял на абстрактный экспрессионизм с его интересом к психоаналитическим теориям Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, а также с его включением случайности, импровизации и использования автоматизма для подключения к своему подсознанию.

Помимо вышеупомянутых художников-мужчин, в абстрактный экспрессионизм входили известные женщины, такие как Ли Краснер, Хедда Стерн, Джоан Митчелл, Хелен Франкенталер и Луиза Буржуа.

Абстрактный экспрессионизм на Филиппинах

Абстрактный экспрессионизм на Филиппинах развивался в тандеме со многими движениями после Второй мировой войны, которые выросли из желания оставаться в курсе международных художественных тенденций. Расширение доступа к западным государственным грантам и возможностям получения образования в бывшей колонизирующей державе Филиппин, Соединенных Штатах, привело американское движение на Филиппины, куда многие художники страны вернулись после получения американского образования.Два известных филиппинских абстрактных экспрессиониста, Хосе Джойя (1931–1995) и Ли Агинальдо (1933–2007) учились в Академии искусств Крэнбрука в Мичигане и Военной академии Калвера в Индиане соответственно.

Несмотря на подъем абстрактного экспрессионистского искусства на Филиппинах, филиппинская аудитория была не очень восприимчива к абстрактному экспрессионизму. Он воспринимал абстракцию как неудавшуюся миметическую репрезентацию, а отношение общества к абстрактному искусству характеризовалось безразличием или откровенным антагонизмом даже в 1970-х годах, когда филиппинский рынок искусства начал открываться для абстракции.Однако если в одних кругах абстракция считалась чисто декоративной, в других она считалась церебральной. Изучая пересечения между современным выражением современности и доколониальными визуальными языками, некоторые критики утверждали, что абстракция демонстрирует сходство с формами, присутствующими в текстиле и ткачестве циновок как северных, так и южных горных и речных этнолингвистических сообществ, а также в архитектуре, одежде. узоры, изделия из металла и изделия из дерева мусульманских и лумадских общин Минданао.

Хосе Хойя был важной фигурой в развитии абстрактного экспрессионизма на Филиппинах. Он оказал значительное влияние на следующие поколения художников-абстрактных экспрессионистов благодаря своей приверженности преподаванию, особенно в Колледже изящных искусств Университета Филиппин. Педагогическая должность Джойи позволила ему расширить свою сеть за пределами Манилы, в частности, через Висайи (например, через колледж Себу Филиппинского университета). Другими ключевыми художниками-педагогами из Филиппин являются Флоренсио Консепсьон и Констанцио Бернардо.Фернандо Зобель был гораздо раньше художником-педагогом, который аналогичным образом принес влияние западного абстрактного экспрессионизма на Филиппины, куда он вернулся вскоре после окончания Гарвардского университета в 1949 году. В конце концов, Зобель поселился в Испании, где основал Музей испанского абстрактного искусства. Куэнка. Однако, прежде чем переехать в Испанию, он завещал свою оригинальную коллекцию раннего филиппинского модернистского искусства Художественной галерее Атенео и вырастил потомство критиков-модернистов, включая Эммануэля Торреса и Леонидаса Бенеса.

Одним из ключевых моментов расхождения между филиппинским абстрактным экспрессионизмом и его американским аналогом является небрежное отношение первого к жестовой живописи. В отличие от многих дебатов, которые окружают работы художников-абстрактных экспрессионистов Северной Америки, в частности Джексона Поллока, которого считают воплощением творческой спонтанности, очень мало критического внимания уделялось тому, как филиппинский абстрактный экспрессионизм казался необремененным желанием рисовать. Исходя из первобытных порывов, художники работали более расчетливо.Бенеса, ключевой филиппинский модернистский критик, описывающий Джойю, заявляет: «Ряд рисунков и зарисовок середины шестидесятых годов показывает, что, какими бы спонтанными и экспрессионистскими ни были жесты художника в финальной работе, в традициях живописи действия. они были заранее отрепетированы в различных дисциплинах линейной мелодии и тонального ритма ». Несмотря на его склонность к преднамеренности, Джойя по-прежнему считается представителем своего поколения филиппинских абстракционистов, поскольку в конечном итоге он претерпел определенную степень стилистического освобождения.Критики предполагают, что стилистический сдвиг Джойи проявляется в уменьшении «жесткости в его рисовальной руке», которое появляется после его отъезда с Филиппин для продолжения учебы в Европе и Соединенных Штатах.

Существенные антропологические и культурологические исследования критически исследовали, являются ли глобальные очаги абстрактного экспрессионизма всего лишь производными от американского абстрактного экспрессионизма. Эти критические отчеты указывают на то, что абстрактный экспрессионизм превратился в канон истории искусства, подвергая его учетам односторонней передачи с Запада в другие части мира.Именно это утверждение, отягощенное постколониальным стремлением к установлению национальной идентичности, похоже, убедило художников, включая Джойю, изменить свой подход к абстракции. Тем не менее, известные западные художники-абстрактные экспрессионисты выразили признательность азиатской каллиграфической живописи свитка, хотя, возможно, в смягченном смысле.

Абстрактный экспрессионизм в Японии, (抽象 表現 主義, chūshō hyōgenshugi)

Абстрактный экспрессионизм появился в Японии в 1954 году в конце американской оккупации и всего через девять лет после Хиросимы и Нагасаки, когда группа из семнадцати художников, живших в Осаке. основал объединение художников Гутай (具体, воплощение).Больше, чем любая другая группа в Японии, художники Gutai рассматривали и занимались абстрактным экспрессионизмом, особенно работами Джексона Поллока. Возможно, одним из самых успешных японских последователей американского абстрактного экспрессионизма был Окада Кэндзо, который мигрировал в Соединенные Штаты в 1950-х годах и сделал себе имя, используя декоративные эффекты традиционных японских картин в своих работах. Подобно тому, как японская художественная диаспора наполнила абстрактный экспрессионизм своим разнообразием в Нью-Йорке, американский экспрессионизм появился в Японии через художников Гутая , чьи производные абстрактно-экспрессионистские картины представляли собой восстания молодого поколения художников против общества, ответственного за разрушения, произошедшие во время войны.Послевоенное усвоение японцами западных институтов и ценностей часто описывается как реакция коленного рефлекса против японского милитаризма и средство выражения свободы недавно принятых демократических реформ.

Японский абстрактный экспрессионизм, международное ответвление американского движения графического искусства после Второй мировой войны, в 1950-е годы превратился в глобальную силу. В этот период в США перебрался большой авангард японских художников, в том числе Хасэгава Сабуро (長谷川 三郎), Инокума Гэнъитиро (猪 熊 弦 一郎), Кавабата Минору (川端 実), Масатойо Киши (政 豊 岸), Нидзума Минору. (新 妻 実), Окада Кензо (岡田 謙 三), Тейджи Такай (伊藤 て い じ) и Джеймс Хироши Судзуки.

Абстрактный экспрессионизм также был определен как политически мотивированное выражение американской идентичности в мире после Второй мировой войны. В этом смысле коренные коренные народы Gutai и японское влияние на абстрактный экспрессионизм в Соединенных Штатах рассматривались как свидетельство империалистического успеха американского пути в Азиатско-Тихоокеанском регионе.

Несмотря на то, что азиатское и, в частности, японское влияние на абстрактный экспрессионизм было незначительным, интернализация «восточной мысли» и особенно дзен была важным ингредиентом в сопоставлении националистических американских эстетических тенденций в противовес европейскому искусству после успешного поражения. Японии в Азиатско-Тихоокеанском театре.

Дополнительная литература

	Анфам Д. (1990) Абстрактный экспрессионизм , Лондон: Темза и Гудзон.
	Auping, M. (1987) Абстрактный экспрессионизм: критические разработки , Нью-Йорк: Абрамс.
	Балдовино Д. и Хосе Т. (1996) Joya , Манила: D. Baldovino Enterprises.
	Бельтран, Х.Младший (редактор) (2003) Национальные художники Филиппин 1999–2003 Том , Манила: Национальная комиссия по культуре и искусству.
	Бенеса, Л. (1973) Joya Drawings , Манила: Vera Reyes, Inc.
	Крейвен, Д. (1999) Абстрактный экспрессионизм как культурная критика , Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
	Фрашина, Ф.(ред.) (1985) Поллок и после , Лондон: Харпер и Роу.
	Гибсон, A.E. (1997) Абстрактный экспрессионизм: Другая политика , Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета.
	Гатбонтон, Дж. (Редактор) (1992) Искусство Филиппин , Манила: Мастерская Горнила.
	Гильбаут, С. (1983) Как Нью-Йорк украл идею современного искусства , Чикаго: University of Chicago Press.
	Эррера, М. и Chikiamco, C. et al. (2011) Жизнь и искусство Ли Агинальдо , Манила: Фонд Вибала.
	Кензо, О. (1968) Устное интервью истории с Кензо Окада , Архив американского искусства. Доступно по адресу http://www.aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-kenzo-okada-12022.
	Ледесма, П.К. и Герреро, А. (1974) Борьба за филиппинское искусство , Манила: Purita Kalaw Ledesma.
	Мартер, М.Дж. (редактор) (2007) Абстрактный экспрессионизм: международный контекст , Нью-Брансуик: Rutgers University Press.
	Полкари, С. (1991) Абстрактный экспрессионизм и современный опыт , Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
	Рейес, К.(1989) Беседы о филиппинском искусстве , Манила: Культурный центр Филиппин.
	Сандлер, И. (2009) Абстрактный экспрессионизм и американский опыт: переоценка , Lenox: Hard Press.
	Зейтц, W.C. (1983) Абстрактная экспрессионистская живопись в Америке , Кембридж: Издательство Гарвардского университета.
	Сигель, К.(2011) Абстрактный экспрессионизм , Лондон: Phaidon Press.
	Тиампо, М. (2011) Гутай: децентрализация модернизма , Чикаго и Лондон: University of Chicago Press.
	Торрес, Э. (1994) Филиппинская абстрактная живопись , Манила: Культурный центр Филиппин.
	Винтер-Тамаки, Б.(2001) Искусство встречи наций: японские и американские художники в первые послевоенные годы , Гонолулу: Гавайский университет Press.

Обзор движения абстрактного экспрессионизма | TheArtStory

Краткое содержание абстрактного экспрессионизма

«Абстрактный экспрессионизм» никогда не был идеальным ярлыком для движения, которое развивалось в Нью-Йорке в 1940-х и 1950-х годах. Он каким-то образом должен был охватить не только работу художников, наполнявших свои холсты полями цвета и абстрактных форм, но и тех, кто напал на свои холсты с энергичным жестовым экспрессионизмом.Тем не менее абстрактный экспрессионизм стал наиболее распространенным термином для группы художников, у которых было много общего. Все были привержены искусству как самовыражению, рожденному из глубоких эмоций и универсальных тем, и большинство из них были сформированы наследием сюрреализма, движения, которое они перевели в новый стиль, соответствующий послевоенному настроению тревоги и травм. . В своем успехе эти нью-йоркские художники лишили Париж звания лидера современного искусства и подготовили почву для доминирования Америки в международном мире искусства.

Ключевые идеи и достижения

• Политическая нестабильность в Европе в 1930-х годах привела в Нью-Йорк нескольких ведущих сюрреалистов, и на многих абстрактных экспрессионистов сильно повлияла ориентация сюрреализма на поиски бессознательного. Это стимулировало их интерес к мифам и архетипическим символам и сформировало их понимание живописи как самой борьбы между самовыражением и хаосом подсознания.
• Большинство художников, связанных с абстрактным экспрессионизмом, созрели в 1930-е годы.На них повлияла левая политика той эпохи, и они стали ценить искусство, основанное на личном опыте. Мало кто сохранил свои прежние радикальные политические взгляды, но многие продолжали занимать позицию откровенных авангардистов .
• Созревшие как художники в то время, когда Америка страдала экономически и чувствовала себя культурно изолированной и провинциальной, абстрактных экспрессионистов позже приветствовали как первых подлинно американских авангардистов . Их искусство защищалось за то, что оно было подчеркнуто американским по духу — монументальным по масштабу, романтичным по настроению и выражающим суровую индивидуальную свободу.
• Хотя движение в значительной степени изображалось во всех исторических документах как принадлежащее заляпанному краской, героическому художнику-мужчине, было несколько важных женщин-абстрактных экспрессионистов, вышедших из Нью-Йорка и Сан-Франциско в 1940-е и 1950-е годы, которые теперь получают заслуги в качестве элементарных членов канона.

Обзор абстрактного экспрессионизма

В 1943 году известный коллекционер произведений искусства и галерист Пегги Гуггенхайм поручила Джексону Поллоку нарисовать фреску для вестибюля своей квартиры.Хотя Mural (1943) была первой заказной и крупномасштабной работой для тогда еще неизвестного художника, он откладывал на несколько месяцев, предположительно завершив ее за всю ночную сессию незадолго до крайнего срока Гуггенхайма. Картина положила начало его карьере ведущего художника тогда еще зарождающегося абстрактного экспрессионизма, и история его зарождения стала частью его легенд и мифов.

Художники по направлению: Абстрактный экспрессионизм

Художественное движение

Абстрактный экспрессионизм — это художественное направление, в основном нерепрезентативная живопись.Он процветал в США в 1940-х и 1950-х годах. Несмотря на свое название, он не был ни полностью абстрактным, ни экспрессионистским и состоял из нескольких совершенно разных стилей. В одном художественном движении их объединило стремление переопределить природу живописи.

Возникновение и быстрое распространение абстрактного экспрессионизма стало возможным благодаря нескольким факторам. Первым было прибытие в США многочисленных современных беженцев-художников из европейских тоталитарных режимов 1930-х годов и военных катастроф 1940-х годов (Аршил Горки, Ханс Хофманн, Джордж Гросс, Фернан Леже, Йозеф Альберс, Пит Мондриан, Марсель Дюшан, Ив Танги, Макс Эрнст).Вторым явилось появление новой сети музеев и галерей Нью-Йорка, которые организовали (впервые в США) крупные выставки европейского современного искусства (MOMA была основана в 1929 году и приобрела популярность, выставив коллекции кубизма, абстрактного искусства. Искусство, дадаизм, сюрреализм, а также ретроспективы Леже, Матисса и Пикассо; Музей Гуггенхайма начал свою карьеру в 1939 году с грандиозной выставки Кандинского). И третий фактор — поддержка искусствоведов (Клемент Гринберг), богатых меценатов и коллекционеров (Пегги Гуггенхайм, Лео Кастелли).Они снабдили художников финансами и положительными отзывами и быстро сделали это новое направление в искусстве модным и модным.

Абстрактный экспрессионизм произошел от преодоления Великой депрессии (когда США пострадали экономически и — в отличие от Европы — были культурно изолированными и провинциальными) и от преодоления коллективной послевоенной травмы. Два основных американских художественных движения 1930-х годов — регионализм и социальный реализм — были неспособны предоставить язык для зарождающейся реальности.Это было выражено в экзистенциалистской философии, которая отвергала доверие к разуму, гуманизму, научно-техническому прогрессу и проповедовала трагическое мировоззрение, чувство одиночества и предельное внимание внутреннему миру человека. Такое восприятие реальности нашло отражение в абстрактном экспрессионизме. Это движение возобновило в США тенденцию, начатую в Европе абстрактным искусством и сюрреализмом. Он освободил искусство от законов логики и законов цветового синтаксиса, установленных европейской культурой, и отсылал к религии, мифу и хаосу бессознательного.

Абстрактный экспрессионизм возник в двух разных «версиях». Первым из них была «Живопись действия» (Джексон Поллок, Виллем де Кунинг), где художник использовал выразительные спонтанные жесты, чтобы разбрызгивать краски и рисовать линии. Второй версией была «Живопись цветового поля» (Барнетт Ньюман, Марк Ротко), которая заставляла художников работать с огромным количеством красок в более спокойной манере. Обе версии объединяли монументальные размеры полотен (и скульптур), безудержное перетекание цвета и акцент на процессе (а не на результате) создания образа.

В начале 1950-х годов Нью-Йорк стал мировой столицей искусства. Этот статус был подтвержден, прежде всего, появлением Нью-Йоркской школы — неформальной группы художников, поэтов, музыкантов и танцоров, исповедующих принципы абстрактного экспрессионизма. С середины 1950-х годов он стал мощным международным трендом, захватив почти все континенты. Art Informel, Tashisme и COBRA group можно рассматривать как европейские аналоги этого художественного движения. К началу 1960-х годов абстрактный экспрессионизм исчерпал свой потенциал, но его темы и методы перешли в оп-арт, минимализм, неоэкспрессионизм и другие направления в искусстве.

См. Также Абстрактный экспрессионизм (стиль)

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Abstract_expressionism

Art Movement: Abstract Expressionism — Artland Magazine

Action, Color Fields and Emotion

Джексон Поллок, Осенний ритм, 1950.С любезного разрешения Метрополитен-музей

«Мы почувствовали моральный кризис в мире, разрушенном руинами, в мире, разрушенном великой депрессией и ожесточенной мировой войной, и в то время было невозможно нарисовать те картины, которые мы делали. — цветы, лежащие обнаженные тела и люди, играющие на виолончели ».

Барнетт Ньюман

После такой жестокой и жестокой мировой войны, как мы можем продолжать жить и заниматься искусством так же, как и раньше? Это вопрос, который задавали себе многие художники после Второй мировой войны.В 1940-х и 1950-х годах в Нью-Йорке начало зарождаться новое направление в искусстве, в котором художники начали исследовать выражение эмоций и чувств с помощью абстрактных, жестикулятивных обозначений и импозантных цветовых полей. Эти художники чувствовали, что они больше не могут продолжать рисовать фигуры после ужасов войны. Вместо этого они искали убежища в абстрактной сфере, поощряя медитацию и самоанализ. Эти художники стали известны как абстрактные экспрессионисты.

• Ключевые даты: 1940-е и 1950-е
• Ключевые регионы: Нью-Йорк
• Ключевые слова: Живопись действия, живопись цветового поля, Нью-Йоркская школа, духовность, эмоциональное выражение, спонтанность, жестикуляция и т. Д. sublime
• Ключевые художники: Джексон Поллок, Ли Краснер, Марк Ротко, Виллем де Кунинг, Элейн де Кунинг, Барнетт Ньюман, Клиффорд Стилл, Франц Клайн, Гарольд Шапинский, Роберт Мазервелл, Хелен Франкенталер, Сай Твомбли, Энн Райан, Ad Рейнхардт

Появление абстрактного экспрессионизма

В годы после Второй мировой войны в Соединенных Штатах появилась группа художников, которые отказались от фигурации в пользу абстракции.Они стали известны как абстрактные экспрессионисты.

Рост фашизма в Европе 1930-х годов и последовавшая за ним война привлекли волну художников-иммигрантов в Соединенные Штаты. Эти художники принесли с собой идеи и практики европейского модернизма. Многие художники обучались в Школе изящных искусств Ганса Хофманна, основанной немецким художником Гансом Хофманном, или в экспериментальном колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, где преподавал Джозеф Альберс. Европейское влияние научило художников формальным нововведениям кубизма, автоматизму и психологическим основам сюрреализма.

На абстрактных экспрессионистов глубоко повлияла идея исследования бессознательного, царящая в сюрреализме, а также идеи швейцарского психолога Карла Юнга и его исследования мифов и архетипов. Они также тяготели к философам-экзистенциалистам, таким как Жан-Поль Сартр. Абстрактные экспрессионисты выражали эмоции и универсальные темы через свои часто монументальные полотна в стиле, который соответствовал послевоенному настроению травмы и тревоги.

Джексон Поллок, Конвергенция, 1952.Предоставлено MoMA

. Различные стили

В абстрактном экспрессионизме мы можем различать две тенденции: художников-экшенов и художников цветового поля .

Живопись действия

Художники-боевики были художниками-абстрактными экспрессионистами, чей подход к живописи был сосредоточен на физическом акте рисования. Их рабочий процесс включал разбрызгивание и капание краски на холст, и они часто использовали дикие, конечно же, жесты мазки кисти вместо того, чтобы аккуратно наносить краску.Искусствовед Гарольд Розенберг ввел термин «живопись-экшн» в своей статье «Американские художники-боевики», которая была опубликована в ARTnews в декабре 1952 года. Аршил Горки, Франц Клайн, Виллем де Кунинг и Джексон Поллок считались художниками-боевиками. Поллок, с его большими рисунками капельницы, возможно, самый известный художник-экшен.

Живопись цветового поля

Термин «рисование цветового поля» был впервые использован в 1955 году Клементом Гринбергом для обозначения работ Марка Ротко, Барнетта Ньюмана и Клиффорда Стилла.Эти художники рисовали простые композиции с большими областями, обычно одного плоского цвета, которые должны были вызывать созерцательный или медитативный ответ. Художники цветового поля искали трансцендентности, и их обширные, эмоциональные поля цвета были предназначены для того, чтобы поглотить зрителя и вдохновить духовное созерцание и сильные чувства.

Знаковые произведения абстрактного экспрессионизма

Джексон Поллок Номер 1А (1948)

Джексон Поллок, Номер 1А, 1948.Предоставлено MoMA

В 1947 году Джексон Поллок открыл новый способ рисования. Метод заключался в том, что краска бросала и капала на нерастянутый холст, лежащий на полу его мастерской. Этот стиль стал известен как капельная живопись. Капельная живопись позволила Поллоку работать с импровизацией, непосредственностью, движением и чувством. На своей картине № 1A Поллок добавил свои отпечатки ладоней в правом верхнем углу композиции в качестве автографа. Он отошел от традиционных масляных красок художника и использовал коммерческие эмалевые краски для своих капельных картин.Благодаря текучести этой краски он мог напрямую запечатлеть движения своего тела по холсту. Поллок решил больше не давать своим картинам вызывающих воспоминания названий и вместо этого начал нумеровать их, потому что числа нейтральны и позволят людям прочувствовать чистую картину.

Фрески Seagram Марка Ротко (1958-1960)

Марк Ротко, Без названия (Фрески Seagram), 1958. Предоставлено Tate

В 1958 году Марку Ротко было поручено создать серию фресок для столовой отеля Four Ресторан Seasons в здании Seagram в Нью-Йорке.Он работал над комиссией без устали в течение двух лет, создав серию глубоко движущихся картин цветового поля в темных красных, бордовых и черных тонах, которые стали известны как фрески Seagram. Ротко заявил, что с его фресками Seagram он создал место. В конце концов он вышел из комиссии и подарил большую часть картин галерее Тейт в Лондоне. Фрески Seagram служат примером стремления художников цветового поля достичь духовного превосходства и передать сильные эмоциональные переживания.

«Раскопки » Виллема де Кунинга (1950)

«Раскопки» Виллема де Кунинга, 1950 г. Предоставлено Чикагским институтом искусств

«Раскопки » Виллема де Кунинга были его самой большой картиной на тот момент и иллюстрируют характерную экспрессивную манеру работы Де Кунинга. и организация пространства в различных скользящих плоскостях. Художник черпал вдохновение в изображении женщин, работающих на рисовом поле, в неореалистическом фильме 1949 года « Riso Amaro » Джузеппе де Сантиса.Напряжение между абстракцией и фигурацией очевидно здесь, в каллиграфических линиях, которые, кажется, определяют анатомические части. Интенсивный процесс рисования Де Кунинга включал наращивание поверхности и соскабливание ее красочных слоев в течение нескольких месяцев подряд, пока он не достиг желаемого эффекта.

Barnett Newman’s Onement (I) (1948)

Barnett Newman, Onement (I), 1948. С любезного разрешения MoMA

Для Ньюмана Onement (I) был его художественным прорывом. Художник впервые использовал вертикальную полосу для определения пространственной структуры своей работы.Эта вертикальная полоса, которую Ньюман позже стал называть «застежкой-молнией», стала визитной карточкой Ньюмана. Толстая неровная полоса одновременно разделяет и объединяет композицию. Ньюман стремился писать с нуля, как будто живописи никогда не существовало. Он видел свои композиции как формы мысли и выражения опыта жизни.

«Современный художник работает с пространством и временем и выражает свои чувства, а не иллюстрирует».

Джексон Поллок

Абстрактный экспрессионизм за пределами Нью-Йорка

С абстрактным экспрессионизмом Нью-Йорк стал новым центром мира искусства.Тем не менее, за пределами Нью-Йорка было много художественных течений, которые также отходили от репрезентации в пользу абстракции. Например, в Европе 1940-х и 1950-х годов существовала Art Informel, которая относится к различным направлениям абстрактной живописи, таким как ташизм, материальная живопись и лирическая абстракция. Хотя в основном это относится к европейскому искусству, художники также были вдохновлены американским абстрактным экспрессионизмом и приняли его. Как и абстрактные экспрессионисты, эти художники черпали вдохновение из сюрреализма и его акцента на подсознательном и автоматическом рисовании.

Влияние абстрактного экспрессионизма

Абстрактный экспрессионизм процветал в 1940-х и 1950-х годах, и картины были замечены по всему миру на передвижных выставках и в публикациях. К 1960-м годам минимализм и поп-арт начали заменять абстрактный экспрессионизм в качестве доминирующего направления в искусстве. Новое поколение художников устало от серьезных, грандиозных амбиций абстрактных экспрессионистов и их желания изображать трансцендентность и возвышенное в искусстве. Тем не менее, наследие абстрактного экспрессионизма остается значительным.

Возьмем, к примеру, Фрэнка Боулинга, художника, который переехал в Нью-Йорк в середине 60-х и испытал там сильное влияние абстрактного экспрессионизма, продолжая рисовать в этом стиле на протяжении всей своей карьеры, независимо от того, какие стили были популярны в то время. мы. Более того, в последние годы абстрактные экспрессионисты женского пола, такие как Ли Краснер, долгое время остававшиеся в тени своих современников-мужчин, также получают заслуженное внимание. Выставка «Женщины абстрактного экспрессионизма» в Денверском художественном музее в 2016 году посвящена часто неизвестным или недооцененным художницам этого революционного направления в искусстве.

Ли Краснер, Портрет в зеленом, 1969. Предоставлено Kasmin Gallery, Нью-Йорк

Соответствующие статьи:

Абстрактный экспрессионизм — Введение в искусство

Развитие абстрактного экспрессионизма

Абстрактный экспрессионизм был американским художественным движением после Второй мировой войны.

• Объясните абстрактное экспрессионистское движение 1940-х годов.

• У абстрактного экспрессионизма есть образ мятежного, анархического, весьма своеобразного и нигилистического.На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, которые придерживались совершенно разных стилей, и даже к работам, которые не являются ни особенно абстрактными, ни экспрессионистскими.
• Хотя это правда, что спонтанность или впечатление спонтанности характеризовали многие работы абстрактных экспрессионистов, большинство этих картин требовали тщательного планирования, особенно потому, что этого требовал их большой размер.
• Картины абстрактных экспрессионистов обладают определенными характеристиками, включая использование больших полотен и комплексный подход, при котором все полотно рассматривается с равной важностью.

• Нью-Йоркская школа : Нью-Йоркская школа (синоним абстрактной экспрессионистской живописи) была неформальной группой американских поэтов, художников, танцоров и музыкантов, действовавших в 1950-х и 1960-х годах в Нью-Йорке.

Обзор абстрактного экспрессионизма

Абстрактный экспрессионизм был американским художественным движением после Второй мировой войны. Хотя термин «абстрактный экспрессионизм» впервые был применен к американскому искусству в 1946 году искусствоведом Робертом Коутсом, ранее он использовался в немецком журнале Der Sturm в 1919 году.

Абстрактный экспрессионизм является производным от сочетания эмоциональной напряженности и самоотречения немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм, Баухаус и синтетический кубизм. Кроме того, у него есть образ мятежного, анархического, в высшей степени идиосинкразического, а иногда и нигилистического характера. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, которые работали (в основном) в Нью-Йорке в 1940-х и 50-х годах.

Абстрактный экспрессионизм во многом стилистически похож на русских художников начала 20 века, таких как Василий Кандинский.Хотя это правда, что спонтанность или впечатление спонтанности характеризовали многие работы абстрактных экспрессионистов, на самом деле большинство этих картин требовали тщательного планирования, тем более что этого требовали их большие размеры. Во многих случаях абстрактное искусство подразумевало выражение идей, касающихся духовного, бессознательного и разума.

Характеристики абстрактной экспрессионистской живописи

Абстрактный экспрессионизм расширил и развил определения и возможности, которые были доступны художникам при создании новых произведений искусства.Хотя абстрактный экспрессионизм быстро распространился по Соединенным Штатам, основными центрами этого стиля были Нью-Йорк и Калифорния. Картины абстрактных экспрессионистов имеют определенные характеристики, в том числе использование больших полотен и комплексный подход, при котором все полотно рассматривается с равной важностью (в отличие от центра, представляющего больший интерес, чем по краям).

Джексон Поллок, № 5, 1948, 1948. Масло на ДВП, 8 ‘x 4’, Частное собрание, Нью-Йорк. Добросовестное использование

Джексон Поллок известен своей техникой живописи в стиле абстрактного экспрессионизма, в которой краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не наносится осторожно, как это видно на этой картине, выполненной в 1948 году.

«

» Энергичные картины Джексона Поллока, названные так критиком Гарольдом Розенбергом в 1952 году за жестко-активную манеру письма, технически и эстетически отличаются от жестоких и гротескных сериалов Виллема де Кунинга « Женщины ». В отличие от эмоциональной энергии и жестов на поверхности Поллока и де Кунинга, художники цветового поля изначально казались холодными и строгими, избегая индивидуального знака в пользу больших плоских областей цвета, которые эти художники считали быть сущностью визуальной абстракции, наряду с фактической формой холста.В последующие годы живопись с цветовым полем оказалась одновременно чувственной и глубоко выразительной, хотя и отличающейся от жестового абстрактного экспрессионизма.

Абстрактный экспрессионизм процветал после Второй мировой войны до начала 1960-х годов. Для него характерно мнение, что искусство должно быть нерепрезентативным и главным образом импровизационным. Холст как арена стал кредо живописи-действия, а целостность картинной плоскости стала кредо художников цветового поля.

Эпоха после Второй мировой войны принесла пользу некоторым художникам, которые уже давно были признаны искусствоведами.Некоторые артисты из Нью-Йорка, такие как Норман Блум и Сэм Фрэнсис, воспользовались законопроектом о военнослужащих и уехали в Европу, чтобы вернуться позже с одобрением.

Многие художники со всех концов США прибыли в Нью-Йорк в поисках признания, и к концу десятилетия список художников, связанных с Нью-Йоркской школой, значительно увеличился. Художники, скульпторы и граверы создавали искусство, которое было названо живописью действия или живописью цветового поля; Флюксус, резкая живопись, поп-арт, минимализм и лирическая абстракция, среди других стилей и движений, следовали за абстрактным экспрессионизмом.

Нью-Йорк

В период до и во время Второй мировой войны художники-модернисты, писатели и поэты, а также крупные коллекционеры и торговцы бежали из Европы от натиска нацистов в безопасное убежище в Соединенных Штатах. Нью-Йорк заменил Париж как новый центр мира искусства.

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма — модернистского движения, которое объединило уроки, извлеченные у Анри Матисса, Пабло Пикассо, сюрреализма, Жоана Миро, кубизма, фовизма и раннего модернизма через великих учителей, прибывших в Америку. как Ганс Хофманн, Йозеф и Анни Альберс из Германии и Джон Д.Грэм из России.

Влияние Грэма на американское искусство в начале 1940-х годов особенно заметно в работах Аршила Горки, Виллема де Кунинга и Джексона Поллока. Вклад Горького в американское и мировое искусство трудно переоценить. Его работы, такие как Печень — это гребешок для петуха , «Обручение II», и «Один год, молочая» , — сразу явились прообразом абстрактного экспрессионизма.

Горький изначально был армянином, спасшимся от Геноцида армян вместе со своей матерью, перебравшись на территорию, контролируемую Россией.Там его мать умерла от голода; В конце концов Горький сбежал в США. Его ранние работы были образными, но в США он начал нерепрезентативное искусство, которое оказало огромное влияние на других абстрактных экспрессионистов.

Аршил Горки, Печень — петушиный гребень, 1944. Холст, масло, 73 1/4 x 98 дюймов, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк. Право на изображение принадлежит © 1999 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк; Добросовестное использование

Джексон Поллок

В конце 1940-х годов радикальный подход Джексона Поллока к живописи произвел революцию в потенциале всего современного искусства, которое последовало за ним.В какой-то степени Поллок осознавал, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства.

Поллок изменил определение того, что значит производить искусство. Его отход от станковой живописи и условностей был освобождающим сигналом для художников его эпохи и для всего, что пришло после. Художники осознали, что процесс Джексона Поллока — размещение нерастянутого необработанного холста на полу, где он может быть атакован со всех четырех сторон с использованием художественных материалов и промышленных материалов — по сути, вывел искусство за пределы каких-либо предшествующих границ.

Джексон Поллок и картина действия

Action Painting, созданный Джексоном Поллоком, представляет собой стиль, в котором краска спонтанно разбрызгивается, размазывается или капает на холст.

• Опишите метод живописи Джексона Поллока.

• Живопись в стиле экшн была разработана как часть движения абстрактного экспрессионизма, имевшего место в Америке после Второй мировой войны, особенно в Нью-Йорке, с 1940-х до начала 1960-х годов.
• Живопись в жанре экшн делает акцент на самом процессе рисования, а не на финальной работе как художественном объекте.
• Джексон Поллок бросил вызов традиционным традициям рисования, используя синтетические краски на основе смол, кладя холст на пол и используя затвердевшие кисти, палочки и даже наметочные шприцы для нанесения краски.

• аннотация : Искусство, которое не изображает объекты в мире природы, а вместо этого использует цвет и форму нерепрезентативным образом.
• эстетический : Заботится о красоте, художественном воздействии или внешнем виде.

Экшн-картина

Живопись в движении — это стиль рисования, при котором краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не наносится осторожно кистью. Результирующая работа часто подчеркивает физический акт рисования как важный аспект законченной работы.

Живопись действия неразрывно связана с абстрактным экспрессионизмом, школой живописи, популярной в Америке после Второй мировой войны, которая характеризовалась представлением о том, что искусство не является репрезентативным и в основном импровизационным.Основными художниками, связанными с этим движением, являются Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Роберт Мазервелл, Франц Клайн, Марк Ротко и другие.

Термин «экшн-живопись» был введен американским искусствоведом Гарольдом Розенбергом в 1952 году в его эссе Американские художники-боевики , обозначая серьезный сдвиг в эстетической перспективе художников и критиков Нью-Йоркской школы. По словам Розенберга, холст был не объектом, а скорее «ареной для действий».

Критика

Розенберга сместила акцент с объекта на борьбу за саму картину, где законченная работа была лишь физическим проявлением, своего рода остатком фактического произведения искусства, которое находилось в процессе создания картины.Этот физический акцент перекликается с гипер-мужской атмосферой абстрактных экспрессионистов, которые, казалось, видели себя героями, американскими ковбоями, противостоящими вызовам и опасностям чистого холста. Это не принесло пользы многим артистам, поскольку стресс проявился в алкоголизме, депрессии, самоубийстве и других личных проблемах.

Живопись действия относится к спонтанной деятельности, которая была действием художника — через движение руки и запястья, живописные жесты — и привела к тому, что краска была брошена, разбрызгана, окрашена, разбрызгана, разлита и капала.Художник иногда позволял краске капать на холст во время ритмичного танца или даже стоя на нерастянутом холсте, лежащем на полу — обе техники были изобретены одним из самых выдающихся абстрактных экспрессионистов: Джексоном Поллоком.

Джексон Поллок

«Моя картина не с мольберта. Я предпочитаю приклеивать нерастянутый холст к твердой стене или полу. Мне нужно сопротивление твердой поверхности. На полу мне легче. Я чувствую себя ближе, большей частью картины, так как таким образом я могу ходить вокруг нее, работать с четырех сторон и буквально быть в картине.Джексон Поллок в Джексон Поллок 51, 1951 (отрывок) Ганс Намут и Пол Фалькенберг (режиссеры) Мортон Фельдман (композитор).

Джексон Поллок родился в 1912 году в Коди, штат Вайоминг. В 1930 году он переехал в Нью-Йорк, где учился у Томаса Харта Бентона в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. С юных лет Поллок был алкоголиком, и в Нью-Йорке он проходил терапию у юнгианского аналитика, пытаясь преодолеть это.Некоторые из юнгианских архетипов вошли в его ранние абстрактные картины, такие как Волчица из 1943 года. В 1948 году он женился на американском художнике Ли Краснер, и они переехали в то, что сейчас известно как Дом и студия Поллока-Краснера в Спрингс. район Ист-Хэмптона, Лонг-Айленд, штат Нью-Йорк, с первоначальным взносом, предоставленным коллекционером и светской львицей Пегги Гуггенхайм.

Джексон Поллок, Волчица, 1943. Гуашь, масло, пастель, холст, 42 x 67 ”, МоМА. Добросовестное использование

Сарай Поллока: студия Поллока в Спрингс, Нью-Йорк,

Материалы и процесс

После переезда в Спрингс он начал рисовать, раскладывая холсты на полу студии, переходя к синтетическим краскам на основе смол, называемым алкидными эмалями.Они были гораздо более текучими, чем традиционные краски, и в то время были новой средой. Поллок описал использование бытовых красок вместо красок для изобразительного искусства как «естественное развитие по необходимости».

В качестве аппликаторов для нанесения краски он использовал закаленные кисти, палочки и даже наметочные шприцы. Бросив вызов условности рисования на вертикальной поверхности, он добавил новое измерение, получив возможность рассматривать и наносить краску на свои холсты со всех сторон — термин «сплошная роспись» использовался для описания некоторых его работ, а также работы других художников того времени.

В процессе создания картин таким образом он отошел от фигуративного изображения и бросил вызов западной традиции использования мольберта и кисти. Кроме того, он также отказался от использования только кисти и запястья, поскольку рисовал всем своим телом.

Джексон Поллок в своей студии: Художник бросал, брызгал, морил, брызгал, выливал и капал краску, чтобы создать свои работы

Заголовки с номерами

Поллок хотел положить конец поискам фигуративных элементов в своих картинах, поэтому отказался от названий и вместо этого начал нумеровать свои картины.Нумерация связана с тем, как композиторы называют свои произведения. Продолжая музыкальную метафору, картины Поллока часто описываются как импровизационные произведения искусства, похожие на то, как джазовые музыканты подходят к исполнению пьесы.

Смерть

На пике своей славы Поллок резко отказался от капельного стиля, и к 1951 году его работы стали более темными по цвету. За этим последовало возвращение к цвету, и он снова ввел фигуративные элементы. В этот период Поллок перешел в более коммерческую галерею, и коллекционеры пользовались большим спросом на его новые картины.

В ответ на это давление, а также на личное разочарование, его долговременная проблема с алкоголизмом обострилась. Он написал две свои последние работы в 1955 году. 11 августа 1956 года Поллок погиб в автокатастрофе на своем кабриолете Oldsmobile, управляя автомобилем в нетрезвом состоянии.

После кончины Поллока в возрасте 44 лет его вдова, Ли Краснер, управляла его имением и обеспечивала стабильную репутацию Поллока, несмотря на меняющиеся тенденции в мире искусства. Они оба похоронены на кладбище Грин-Ривер в Спрингс, Лонг-Айленд, штат Нью-Йорк.

Женщина V: Виллем де Кунинг был влиятельным художником-абстрактным экспрессионистом.

Виллем де Кунинг соперничал с Джексоном Поллоком за титул короля абстрактного экспрессионизма в 1950-х годах. Де Кунинг приехал в Америку из Нидерландов по специальности «искусство». Первоначально он зарабатывал на жизнь рисованием рекламных щитов и, как Поллок, иногда использовал домашнюю краску в своей работе. Де Кунинг шокировал мир искусства Нью-Йорка, когда он продемонстрировал серию яростных картин с узнаваемым изображением женщины в качестве объекта.Серия Woman вызвала беспокойство у художников-абстракционистов и критиков не из-за намека на женоненавистничество, а потому, что она повторно вставила узнаваемые образы в нерепрезентативное движение «здесь-вперед».

9-я выставка уличного искусства

9-я выставка уличного искусства проходила с 21 мая по 10 июня 1951 года. Это была революционная историческая выставка, собравшая ряд известных художников, и она стала выходом из послевоенного нью-йоркского авангарда. garde, вместе известная как Нью-Йоркская школа.

Выставку повесил Лео Кастелли, торговец произведениями искусства, сбежавший из Европы во время Второй мировой войны и ставший, возможно, самым влиятельным торговцем в Нью-Йорке на всю оставшуюся жизнь; он нравился большинству художников и считался человеком, который повесит выставку без фаворитизма. Открытие выставки имело большой успех.

Есть также общие черты среди нью-йоркской школы и членов поэтов поколения битов, которые работали в 1940-х, 1950-х и 1960-х годах в Нью-Йорке, включая Аллена Гинзберга, Джека Керуака, Уильяма С.Берроуз, Дайан Вакоски и некоторые другие.

Живопись цветового поля

Картина с цветовым полем

можно распознать по большим полям сплошного цвета, распределенным по холсту или окрашенным в него, чтобы создать участки сплошной поверхности и плоскую картинную плоскость.

• Отличите живопись цветового поля от другого современного абстрактного искусства, такого как абстрактный экспрессионизм.

• Живопись с цветовым полем — это стиль абстрактной живописи, появившийся в Нью-Йорке в 1950-х и 1960-х годах.Он тесно связан с абстрактным экспрессионизмом, пост-живописной абстракцией и лирической абстракцией.
• В отличие от эмоциональной энергии и жестов на поверхности, а также обработки краски, наблюдаемых в работах абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок, живопись с цветовым полем выглядела крутой и строгой.
• В движении меньше внимания уделяется жестам, мазкам и действиям в пользу общей согласованности формы и процесса, а сам цвет становится предметом.
• Марк Ротко, Фрэнк Стелла, Клайффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Адольф Готтлиб и Моррис Луи — одни из многих художников, которые использовали технику цветового поля в своей работе.
• Художники цветного поля произвели революцию в способах эффективного нанесения краски, используя акриловую краску и такие методы, как окрашивание и распыление.

• абстрактный экспрессионизм : американский жанр современного искусства, в котором использовались импровизированные техники для создания высоко абстрактных форм.
• Живопись действия : Жанр современного искусства, в котором краска капает, брызгает или выливается на холст для получения спонтанного и полностью абстрактного изображения.
• лирическая абстракция : Тип абстрактной живописи, связанный с абстрактным экспрессионизмом; используется с 1940-х годов.

Живопись цветового поля

Живопись с цветовым полем — это стиль абстрактной живописи, появившийся в Нью-Йорке в 1950-х и 1960-х годах. Вдохновленный европейским модернизмом и тесно связанный с абстрактным экспрессионизмом, многие из его известных ранних сторонников были среди пионеров абстрактного экспрессионизма.

Цветовое поле

характеризуется, прежде всего, тем, что в нем используются большие поля плоского сплошного цвета, распределенные по холсту или окрашенные в пятна для создания участков сплошной поверхности и плоской картинной плоскости. В этом движении меньше внимания уделяется жестам, мазкам и действию, чем абстрактному экспрессионизму, вместо этого предпочтение отдается общей согласованности формы и процесса, а сам цвет становится предметом обсуждения.

Клемент Гринберг

Фокус внимания в мире современного искусства начал смещаться из Парижа в Нью-Йорк после Второй мировой войны и развития американского абстрактного экспрессионизма.В конце 1940-х — начале 1950-х годов Клемент Гринберг был первым искусствоведом, предложившим и определившим дихотомию между различными тенденциями в рамках абстрактного экспрессионистского канона, особенно между живописью действия и тем, что Гринберг назвал пост-живописной абстракцией (сегодня известной как цветовое поле). .

Форматы цветового поля

К концу 1950-х — началу 1960-х молодые художники начали стилистически отходить от абстрактного экспрессионизма, экспериментируя с новыми способами обращения с краской и цветом.Отходя от жеста и страха рисования в направлении плоских, четких картинных плоскостей и, казалось бы, более спокойного языка, художники цветового поля использовали форматы полос, мишеней и простых геометрических узоров, чтобы сосредоточиться на цвете как на доминирующей теме своих картин.

Живопись цветового поля изначально относилась к определенному типу абстрактного экспрессионизма, особенно ярким примером которого являются работы Марка Ротко, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Мазервелла, Адольфа Готлиба и нескольких серий картин Джоана Миро.

Живопись с цветовым полем стремилась избавить искусство от излишней риторики и жестов. Такие художники, как Моррис Луи, Жюль Олицки и Кеннет Ноланд, часто использовали сильно сокращенные форматы, упрощенные или регулируемые системы и основные ссылки на природу, чтобы привлечь внимание к цвету и взаимодействию цвета как наиболее важному элементу.

Кеннет Ноланд, Начало, 1958. Магна (акриловая смола) на холсте, Музей Хиршорна

Эта картина с цветовым полем характеризуется простыми геометрическими формами и повторяющимися, регулируемыми системами.Он был написан Кеннетом Ноландом в 1958 году. Примерно в это же время форма, похожая на мишень, станет воплощением в творчестве Джаспера Джонса.

Кто боится красного, желтого и синего ?, 1966, холст, масло, 75 x 48 ″. PDUS

Плоская сплошная картинная плоскость, типичная для картин с цветовым полем, очевидна в этой работе Барнетта Ньюмана 1966 года, где красный цвет занимает центральное место.

Важное различие между живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом заключается в способе обращения с краской.Самая основная определяющая техника рисования — это нанесение краски, и художники цветного поля произвели революцию в способах эффективного нанесения краски.

Водорастворимые акриловые краски художественного качества впервые поступили в продажу в начале 1960-х годов, что совпало с движением цветового поля. Наиболее распространенными приложениями были:

• Картина «Замачивание пятен», где художники смешивают и разбавляют краску в ведрах или банках из-под кофе, чтобы сделать ее более жидкой, затем выливают ее на необработанный, незагрунтованный холст и рисуют формы и области по мере их окрашивания.Первопроходец Хелен Франкенталер.
• Распыление, техника с использованием краскопульта для создания больших пространств и цветных полей, распыляемых по холсту.
• Использование полосок или «молний», как их характеризовал Барнетт Ньюман.

Живопись с цветовым полем поначалу казалась классной и строгой из-за этих методов работы с краской, которые имели тенденцию избегать индивидуального следа художника. Тем не менее, живопись с цветовым полем оказалась одновременно чувственной и глубоко выразительной, хотя и отличной от жестового абстрактного экспрессионизма.

Марк Ротко

Ротко, № 14, 1960, 1960; масло на холсте; 114 1/2 дюйма x 105 5/8 дюйма, SFMoMA. Фото: Элли Колфилд, сделанное 27 августа 2011 года. Получено с Flikr

Ротко иммигрировал в США из России в 1913 году. Его семья поселилась в Портленде, штат Орегон. Ротко откажется от семейного бизнеса, поступит в Йель на стипендию и переедет в Нью-Йорк, где станет частью нью-йоркской школы. Он идентифицировал себя как абстрактный экспрессионист, но его зрелые картины в основном представляют собой большие плавающие цветные области.Он написал о неком духовном измерении, которое можно найти в картинах, но они имеют многие из качеств других работ с цветовым полем.

В последние годы его личная жизнь стала неспокойной, и, как и Горький — и, возможно, Поллок — он покончил жизнь самоубийством. После его смерти семья де Менил в Хьюстоне построила часовню, в которой разместились несколько его картин. Учитывая его конкретное описание своего намерения и эффекта как медитативного, это было особенно значительным способом почтить память художника и его работы.

В то время как абстрактный экспрессионизм был основным движением в американском искусстве ранней послевоенной эпохи, имевшим влияние во всем мире, молодые поколения художников сочли бы его полезным направлением, чтобы противостоять ему, продвигая американскую живопись в новую и еще более авангардную эпоху. садовые участки.

Абстрактный экспрессионизм, введение — Smarthistory

Марк Ротко, № 16 (красный, коричневый и черный) , 1958, холст, масло, 8 ′ 10 5/8 ″ x 9 ′ 9 1/4 ″ (Музей современного искусства) (фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Группа художников, известных как абстрактные экспрессионисты, появилась в Соединенных Штатах после Второй мировой войны. Как следует из этого термина, их работа характеризовалась необъективными образами, которые казались эмоционально наполненными личным смыслом. Художники, однако, отвергли этот смысл имени.

Что в имени?

Они настаивали на том, что их предметы не были «абстрактными», а скорее примитивными образами, глубоко укоренившимися в коллективном бессознательном общества.Их картины не выражали простых эмоций. Они сообщали универсальные истины о человеческом состоянии. По этим причинам другой термин — Нью-Йоркская школа — предлагает более точное описание группы, поскольку, хотя некоторые в конечном итоге переехали, их отличительная эстетическая форма впервые обрела форму в Нью-Йорке.

Расцвет Нью-Йоркской школы отражает более широкий культурный контекст середины двадцатого века, особенно отход от Европы как центра интеллектуальных и художественных инноваций на Западе.Значимость абстракционного экспрессионизма во многом объясняется его статусом первого американского движения изобразительного искусства, получившего международное признание.

Искусство для разрушенного мира

Барнет Ньюман, художник, связанный с движением, написал:

«Мы ощутили моральный кризис разрушенного мира, мира, разрушенного великой депрессией и ожесточенной мировой войной, и в то время было невозможно рисовать такие картины, которые мы делали — цветы, лежащие обнаженные тела и люди играют на виолончели.”

Несмотря на то, что абстрактные экспрессионисты отличались индивидуальными стилями, они разделяли общие художественные и интеллектуальные интересы. Хотя это и не было явно политическим, большинство художников придерживались твердых убеждений, основанных на марксистских идеях социального и экономического равенства. Многие извлекли прямую выгоду из работы в Федеральном художественном проекте Управления прогресса работ. Там они нашли влияние в стилях регионализма американских художников, таких как Томас Харт Бентон, а также в социалистическом реализме мексиканских художников-монументалистов, включая Диего Риверу и Хосе Ороско.

Рост фашизма в Европе вызвал волну художников-иммигрантов в Соединенных Штатах в 1930-х годах, что дало американцам больший доступ к идеям и практикам европейского модернизма. Они стремились пройти обучение в школе, основанной немецким художником Гансом Хоффманном, и у Йозефа Альберса, который покинул Баухаус в 1933 году, чтобы преподавать в экспериментальном колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, а затем в Йельском университете. Это европейское присутствие прояснило формальные нововведения кубизма, а также психологический подтекст и автоматические техники рисования сюрреализма.

В то время как сюрреализм черпал вдохновение в теориях Зигмунда Фрейда, абстрактные экспрессионисты больше обращали внимание на швейцарского психолога Карла Юнга и его объяснения примитивных архетипов, которые были частью нашего коллективного человеческого опыта. Они также тяготели к экзистенциалистской философии, ставшей популярной благодаря таким европейским интеллектуалам, как Мартин Хайдеггер и Жан-Поль Сартр.

Учитывая зверства Второй мировой войны, экзистенциализм обратился к абстрактным экспрессионистам.Позиция Сартра о том, что действия человека могут придать жизни смысл, предполагает важность творческого процесса художника. Из-за физической борьбы художника со своими материалами сама картина может в конечном итоге стать постоянным признаком существования человека. Каждый из художников, связанных с абстрактным экспрессионизмом, в конечном итоге разработал индивидуальный стиль, который можно легко узнать как свидетельство его художественной практики и вклада.

Как это выглядит?

Хотя абстрактный экспрессионизм послужил основой для скульптуры Дэвида Смита и Аарона Сискинда, это движение наиболее тесно связано с живописью.Большинство картин абстрактного экспрессионизма крупномасштабны, включают в себя необъективные образы, не имеют четкого фокуса и демонстрируют видимые признаки рабочего процесса художника, но эти характеристики не совпадают во всех примерах.

В случае с картиной Виллема де Кунинга Woman I, видимые мазки кисти и густо нанесенный пигмент типичны для стиля абстрактного экспрессионизма «Живопись действия», также связанного с Джексоном Поллоком и Францем Клайном. Глядя на «Женщину I», мы легко можем представить де Кунинга за работой, использующего резкие рубящие жесты, добавляющего капли краски для создания сильно застроенных поверхностей, которые можно было бы физически обработать и обработать его кистью и мастихином.Центральный образ Де Кунинга легко узнаваем, он отражает традицию обнаженной женщины на протяжении всей истории искусства. Де Кунинг родился в Нидерландах, в отличие от своих американских коллег, получил образование в европейских академических традициях. Хотя на протяжении всей своей карьеры он создал много необъективных работ, его ранний опыт может быть одним из факторов его частого возвращения к фигуре.

В отличие от динамичного внешнего вида искусства де Кунинга, Марк Ротко и Барнетт Ньюман демонстрируют то, что иногда называют «цветным имажинистом» или стилем «цветового поля» абстрактного экспрессионизма.Эти художники также создавали крупномасштабные, беспредметные образы, но их работам не хватает энергии и жесткости, характерных для Живописи Действия. Зрелые картины Ротко иллюстрируют эту тенденцию. Его тонко прорисованные прямоугольники кажутся парящими на их фоне. Для таких художников, как Ротко, эти изображения были предназначены для поощрения медитации и личных размышлений.

Адольф Готтлиб в письме с Ротко и Ньюманом в 1943 г. объяснил: «Мы предпочитаем простое выражение сложной мысли.”²

Vir, Heroicus, Sublimis Барнетта Ньюмана иллюстрирует эту высокую цель. В этой картине Ньюман использовал «молнии», вертикальные линии, которые разделяют нарисованное поле фона, выполняя двойную функцию. Хотя они визуально подчеркивают пространство контрастного цвета вокруг себя, они образно отражают наше собственное присутствие как индивидуумов в нашем потенциально подавляющем окружении. Картина Ньюмана вызывает понятие Возвышенного 18-го века, философскую концепцию, связанную с духовным пониманием места человечества среди великих сил вселенной.

Наследие абстрактного экспрессионизма

На протяжении 1950-х годов абстрактный экспрессионизм стал доминирующим влиянием на художников как в Соединенных Штатах, так и за рубежом. Правительство США восприняло свой особый стиль как отражение американской демократии, индивидуализма и культурных достижений и активно продвигало международные выставки абстрактного экспрессионизма как формы политической пропаганды в годы холодной войны. Однако многим художникам было трудно воспроизвести эмоциональную аутентичность, заложенную в стилистических нововведениях де Кунинга и Поллока.Их работа казалась изученной и лишенной такой же жизненной силы, как пионеры первого поколения. Другие видели метафизический подтекст абстрактного экспрессионизма в противоречии с обществом, все больше озабоченным потребительским менталитетом, подпитываемым экономическим успехом и распространением средств массовой информации. Такая реакция неизбежно приведет к появлению поп-музыки, минимализма и появлению ряда новых художественных достижений в середине 20-го века.

---

1. Барнетт Ньюман, «Ответ преподобному Томасу Ф.Мэтьюз »в Revelation, Place and Symbol (Журнал Первого Конгресса по религии, архитектуре и визуальным искусствам) , 1969.