Представители импрессионизма в живописи: что такое импрессионизм, особенности и техника направления, история. Самые известные художники-импрессионисты — Мане, Моне, Дега, Ренуар, Сислей и другие

Импрессионизм в искусстве — Информио

Импрессионизм (от impression – впечатление) – это направление в искусстве, зародившееся во Франции в конце 1860-х годов. Его представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Особое внимание уделялось передаче цвета и света. Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Моне  «Впечатление. Восход солнца», представленной на выставке 1874 года. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье обозвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», Ведущие представители импрессионизма – Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и Эдгар Дега.  Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.

е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности.

Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь – это сплошная череда маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении.

Музыкальный импрессионизм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи , сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»). Окружающий мир в музыке импрессионизма раскрывается сквозь увеличительное стекло едва уловимых ощущений, рождённых созерцанием происходящих вокруг незначительных изменений.

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Импрессионистская гармония характеризуется резким повышением колористического, самодовлеющего компонента звука.  Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и искусственных ладов, элементов модальной гармонии, «неправильных» параллельных аккордов и т. п. Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило палитру музыкально-выразительных средств.

Это относится прежде всего к сфере гармонии с её техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Усложнение и разбухание аккордовых комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтерированные и квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением  ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.

В  фортепьянных и оркестровых пьесах-эскизах импрессионистов  выражены ощущения, вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с глубоко личными переживаниями музыканта-поэта, влюбленного в красоту окружающего мира.

 

Оригинал публикации (Читать работу полностью): Импрессионизм в искусстве

Самые известные русские художники-импрессионисты и их картины с названиями

Самые знаменитые русские художники-импрессионисты
Самые знаменитые картины русских импрессионистов

Русский импрессионизм в живописи зарождался в XIX веке под влиянием французских художников-импрессионистов. Необычная техника исполнения и смещение акцента с демонстрации конкретных объектов или сюжетов на показ изменчивости мира привлекли многих именитых художников. Одни из них увлекались импрессионизмом лишь временно, в то время как другие посвятили этому жанру значительную долю своего творчества. Далее мы рассмотрим наиболее известных импрессионистов в русской живописи и назовем их самые популярные картины.

Самые знаменитые русские художники-импрессионисты

У истоков русского импрессионизма стоял Василий Поленов, который путешествовал по Парижу как раз в период первых выставок импрессионистов. Это была вторая половина XIX века, в то время зарождение нового стиля вызывало жаркие споры в обществе, так как импрессионисты выступали против канонов классицизма в пользу передачи эмоций от увиденного. Поленов новым стилем не заинтересовался, однако фактически подготовил почву для появления в России этого направления, так как начал активно искать новые колористические решения. Его поиски в дальнейшем повлияли на его учеников Коровина и Серова.

В. Поленов. «Мельница у истока реки Вель». 1874 г.

Константин Коровин по праву считается ярким представителем русского импрессионизма, так как он не побоялся погрузиться в новое направление и подал пример целой плеяде других художников. Так, в его «Портрете хористки» мы видим не только широкие мазки, но и расслабленную позу девушки (эту картину мы еще рассмотрим позже). Последнее говорит о том, что художник писал портрет стремительно, пытаясь передать сиюминутное ощущение, впечатление, а не часами филигранно вырисовывать все черты лица и детали.

Быстро писать ему помогала любимая техника alla prima — рисование по-сырому, когда художник не ждал высыхания предыдущих слоев.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

На родине работы Коровина не понимали и не принимали. В свете реализма картины с широкими мазками считали этюдами, то есть подготовительными незавершенными работами. Поэтому знакомство с живописью импрессионистов в Париже помогло художнику найти у них то, что отвергала русская живопись. В то время как холсты передвижников отличались темными тонами и передавали унылый реализм, Коровин словно бы распахнул двери солнечному свету и безудержной радости. Хотя сам он имел ослабленное здоровье, художник вел насыщенную жизнь, много путешествовал, встречался с самыми разными людьми и был открыт миру. Даже жизненные трудности не сломили его дух, что отражается и в его жизнерадостных картинах. Хотя современники не понимали Коровина, сегодня он входит в топ-20 русских художников с самым большим оборотом продаж картин на аукционах, а его полотна уходят за миллионы долларов.

К. Коровин. «Зимой». 1894 г.

Другой ученик Поленова Валентин Серов также использовал в своих работах характерные для импрессионизма приемы, что нашло отражение в таких известных работах, как «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем». Хотя картины не писались быстро и требовали долгого позирования, все же художнику удалось передать именно впечатление момента. Его кузина Мария ради этого даже часами вынуждена была сохранять на лице одно и то же выражение лица, которое в итоге мы видим на картине «Девушка, освещенная солнцем». Однако и она, и ее брат Валентин делали это с радостью. В результате использования импрессионистских мазков и желания художника вместо тяжелой стороны жизни показать нечто отрадное и светлое, ему удалось создать подлинные шедевры.

В. Серов. «Девушка, освещенная солнцем». 1888 г.

У Коровина и Серова учился импрессионизму Александр Герасимов. Ему особенно удавалось изображать в своих картинах настроение, передавать с помощью свободного широкого мазка самые чувственные образы, делать наполненным светом и радостью даже дождливый день. Позднее художник полностью перешел к соцреализму и был неоднократно награжден за свои эталонные картины в этом направлении. Он даже заявлял, что советской живописи «французские духи» не нужны. И это стало одной из причин, по которой при его жизни никто не говорил о его утонченных работах в стиле импрессионизма, а оценивал только нужные власти картины о деятельности политических вождей, крестьян, партизан или колхозов.

Однако по-настоящему счастливым художник чувствовал себя только тогда, когда переходил к работе с пейзажами. Возможно, поэтому ему удавалось так блестяще «останавливать мгновение» в своих импрессионистских картинах.

А. Герасимов. «Летний день». 1950 г.

К числу наиболее видных русских импрессионистов относится и Игорь Грабарь. На него, как и на многих художников этого стиля, повлияли неоднократные поездки в Европу. При этом художник использовал новые живописные приемы по отношению к тому, что было ему так дорого. Так перед нами предстала в импрессионистском стиле суровая русская зима и многочисленные сцены деревенской жизни. Особенно художнику нравилось изображать иней и другие красивые явления холодной зимы. Но работа на воздухе в такое время требовала от Грабаря стремительности, потому что краски на морозе застывали очень быстро. В результате этой стремительности ему удавалось запечатлевать на картинах как самые прекрасные моменты, так и полученные от них впечатление. А это и было главной задачей импрессионистов.

И. Грабарь. «Февральская лазурь». 1904 г.

В начале XX века Грабарь не только стал одним из распространителей импрессионизма, но и сторонником неоимпрессионизма. В частности, он писал в стиле пуантилизма, который предполагает манеру письма отдельными точками круглой, квадратной или какой-то другой формы. Это делало картины более воздушными, легкими и позволяло еще больше насладиться красотой момента, ведь пуантилисты использовали все ту же цветовую гамму, что и импрессионисты.

И. Грабарь. «Иней». 1905 г.

Назовем еще одного яркого представителя рассматриваемого стиля, которого считают мэтром импрессионизма. Это московский художник Юрий Пименов, пришедший к светлым импрессионистским картинам после мрачного экспрессионизма. Частые прогулки по Москве, наблюдение за новыми строящимися домами, новыми автомобилями и кипучей жизнью помогло Пименову выбраться из депрессии. Его картины стали светлыми, наполненными радостью и предвкушали счастливые перемены. Так появилась серия картин о новых кварталах, знаменитые работы «Новая Москва», «Свадьба на завтрашней улице» и другие наполненные жизнью холсты.

Ю. Пименов. «Свадьба на завтрашней улице». 1962 г.

Картины Пименова удивительным образом тонко отражали реальность и передавали всю красоту и жизненную силу момента. В то время как сторонники соцреализма пытались представить жизнь идеальной, Пименов показывал самые обыденные моменты, отмечая, насколько необыкновенными они могут быть. Вроде бы простая городская улочка с грязной дорогой, но все здесь попало в вихрь обновления, и совсем скоро улица превратится в комфортабельный ухоженный проспект, по которому радостно помчатся все от мала до велика. Манера письма у художника была уникальной — он использовал короткий полупрозрачный мазок и передавал с его помощью всю радость бытия, которой буквально бурлила разрастающаяся Москва.

Ю. Пименов. «Район завтрашнего дня». 1957 г.

В стиле импрессионизма трудился и Алексей Алексеевич Арапов. Как и многие другие живописцы, он увлекся новым стилем при посещении Франции. Художнику оказалась близка идея передачи в картинах эмоций, а не прорисовка деталей. Именно свободные широкие мазки и светлые тона помогали почувствовать движение и ту же радость бытия, которые Пименов чувствовал при рассматривании городских улиц. Например, в картине «Гуляющие в парижском парке» мы не можем разглядеть иголки на деревьях, но можем почувствовать ритм этого оживленного места, где все находится в движении, даже деревья и статуи.

А. Арапов. «Гуляющие в парижском парке»

В стиле импрессионизма пытались выразить себя и многие другие русские художники. В работах Абрама Архипова ярко показан в импрессионистской манере образ крестьян, у Зинаиды Серебряковой это светлый и чувственный образ женщины, у Константина Юона это светлый образ русской земли. Характерные черты импрессионизма есть и в работах В. Борисова-Мусатова, Н. Крымова, А. Богомазова, А. Моргунова и многих других художников.

Самые знаменитые картины русских импрессионистов

Картина Коровина «Портрет хористки»

Картина «Портрет хористки» в свое время вызвала шумиху и стала первым предвестником зарождающегося в России импрессионизма. На фоне реалистичных полотен, призванных отражать реальность и даже во многом воспитывать, нестандартный портрет девушки казался чем-то диким. Некрасивая модель в какой-то непонятной для позирующей девушки расслабленной позе, широкие свободные мазки и нетипичное сочетание цветов. Все это возмутило коллег по цеху, и картину даже сняли с выставки, организованной Московским обществом любителей художеств.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Учитель Коровина Поленов пытался отговорить ученика выставлять эту работу, так как общество не было готово принять слишком новаторские идеи. Но Коровин все же рискнул выставить картину и даже гордился тем, что стал одним из первых представителей непонятного русскому зрителю искусства. И если вначале его работы казались грубыми, дерзкими и небрежными, то позже целая плеяда русских мастеров окунулась в эту яркую, связанную с эмоциями, живопись.

Картина Серова «Девочка с персиками»

Такая же участь ждала и самую известную работу Валентина Серова «Девочка с персиками». Когда художник гостил в усадьбе мецената Саввы Мамонтова, дочка главы семейства Вера Мамонтова вбежала раскрасневшаяся после уличной игры в столовую и села есть персик. Серов до такой степени захотел остановить это прекрасное мгновение, что упросил ребенка позировать ему. В то время он как раз размышлял над тем, что в реальности любой момент всегда более яркий и живой, чем его получается запечатлеть на картинах. Использование же широких мазков и пастельных тонов, характерных для импрессионистов, позволило лучше передавать именно сам момент, а не характеризовать героя картины.

В. Серов. «Девочка с персиками». 1887 г.

Именно в таком стиле была написана картина «Девочка с персиками», на которой художнику удалось запечатлеть не только красоту юной девчушки, но и всю прелесть этого простого житейского момента. Обитатели усадьбы глубоко прониклись этой удивительной светлой работой и тут же повесили ее на стену. Художник Нестеров даже заметил, что представление картины в Париже могло бы немедленно сделать 22-летнего подающего надежды Серова знаменитостью, но в России лучше было не торопиться с ее демонстрацией. Однако шедевр настолько поражал своей живостью и свежестью гостей усадьбы, что уже на следующий год художника наградили премией Московского общества любителей художеств. Позже картину купил для своей коллекции Павел Третьяков.

Картина Пименова «Новая Москва»

Еще одна известная картина в стиле импрессионизма — «Новая Москва», созданная Пименовым в 1937 году. В эти годы Москва буквально кипела от грандиозной перестройки улиц. Дело в том, что до прихода советской власти Москва представляла собой целую систему переплетенных улочек, закоулочков, в которых легко было заблудиться. Московские купцы могли запросто отгрохать себе купеческие хоромы прямо посреди улицы, и случаев таких было немало по все столице. Однако советскому народу требовался простор, нужны были прямые улицы для организации в первую очередь общественного транспорта. И именно этот этап в становлении новой Москвы и запечатлел художник: широкую улицу, поток автомобилей, людей и женщину за рулем советского автомобиля. Художник как бы смотрит на бурлящий город ее глазами, сосредотачивая наше внимание на том, что происходит в Москве именно сейчас.

Ю. Пименов. «Новая Москва». 1937 г.

Картина была подготовлена для выставки «Индустрия социализма», была сразу же замечена и стала очень популярной, хотя критикам и не понравилась характерная для импрессионизма дробная манера письма. Позже она оказалась в Третьяковской галерее.

Картина Грабаря «Мартовский снег»

Картину «Мартовский снег» Грабаря можно считать классическим произведением импрессионизма. Здесь использован и легкий дробный мазок, и нежные тона с мягкими переходами, и впечатление от особенного мартовского снега. Наблюдение за снегом и инеем и изображение их на холсте было излюбленным делом художника, которому он мог посвящать все свободное время. Интересно, что в картине «Мартовский снег» никакого персонажа не планировалось, однако увидев прошедшую мимо девушку с коромыслом, Грабарь не удержался и добавил в сюжет плавный силуэт сельской девушки.

И. Грабарь. «Мартовский снег». 1904 г.

Картина Герасимова «После дождя»

Еще одной яркой импрессионистской работой является картина «После дождя» Герасимова. Она как раз принадлежит к числу холстов импрессионистов, которые создавались стремительно, под действием ярких впечатлений конкретного момента. Однако на практике все было несколько сложнее, так как возможность быстрой работы потребовала от художника оттачивания мастерства наблюдения и отображения реальности в многочисленных зарисовках. Он много времени проводил на природе, зарисовывал листву, траву, мокрые предметы, прежде чем сумел воплотить все умения в картине «После дождя». Работал он над ней с невероятным вдохновением, что заметили и зрители, для которых впоследствии эта картина стала одной из самых любимых. А на выставке в Париже Герасимова удостоили Гран-при.

А. Герасимов. «После дождя (Мокрая терраса)». 1935 г.

Известные картины русских импрессионистов можно перечислять еще долго, так как талантливые мастера создали много удивительных работ в этом стиле. И хотя в свое время многих из них не понимали и не принимали, сегодня вклад импрессионистов в искусство оценен по достоинству, а их картины продолжают радовать и вдохновлять благодарных зрителей.

Импрессионизм. Теория — Journal des Arts — LiveJournal

По просьбе murrey_gella 

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века, представители которого стремились наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке.

Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они сделали решающий шаг к индивидуализации художественного процесса, освобождения от каких-либо канонов и общих правил, хотя этот шаг никогда не был сознательной задачей кого-либо из них. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Главное достижение импрессионизма в живописи -художественное исследование поведения цвета в атмосфере, взаимодействия цвета и света. Хорошо освещённый солнцем предмет, как правило, ярче, чем тот же предмет при комнатном освещении. Вот почему в картинах импрессионистов появились яркие цвета. По большому счёту, они вернули в живопись яркий цвет, считавшийся со времён классицизма, как правило, признаком вульгарности, лубочности и неумения профессионально работать с оттенками разных цветов. Правда, задолго до импрессионистов большие пространства открытого, интенсивного яркого цвета уже применялись в фресковой живописи, особенно при росписи потолков церквей. Но это была не станковая живопись, и к тому же употребление интенсивного цвета в фресках было визуально оправданно большим расстоянием от глаз зрителей до произведения, и поэтому не считалось ломкой существующих канонов. К тому же цвет в фресках в принципе не мог сочетаться с светом, как на картинах импрессионистов, из-за самого материала, на котором писались фрески. На штукатурке объективно невозможно передать те же эффекты, что и на холсте.
Импрессионизм называют движением возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. Это было течение, которое расширило не столько живописные возможности искусства (на этот счёт есть самые разные мнения), сколько рамки того, что стало в искусстве допустимым. Импрессионизм внёс абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути : возврат к природе и индивидуализация самого процесса восприятия в искусстве питают европейское искусство до сих пор, особенно на уровне обычных, не рейтинговых художников, перед которыми не стоит задача подчиниться законам рынка.

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV вв. н. э. В эпоху Возрождения живописцы, как Франческа, Тициан, Веронезе, Лотто и Тинторетто решали сходные с импрессионизмом свето-цветовые проблемы и вырабатывали своеобразную импровизационную технику. В Голландии предтечей импрессионизма был Франс Халс; работы Яна Вермеера Делфтского по своей технике и особому вниманию к свето-цветовым проблемам ещё ближе к импрессионизму[источник не указан 495 дней] ; этот художник был заново открыт, благодаря импрессионистам. Работы двух испанских классиков XVII века — Диего Веласкеса и Эль Греко имеют тот же импрессионистический потенциал.
В конце XVIII и в начале XIX века в Англии бурно развивается искусство пейзажа, в масляной и акварельной техниках, и такие живописцы, как Уильям Тёрнер и Джон Констебл внесли существенный вклад в будущее торжество пленэрной и динамичной живописи. В самой Франции не только пейзажисты «барбизонской школы», но так же Эжен Делакруа и Гюстав Курбе открывают дорогу новым тенденциям.
Факторы, как появление и становление фотографии, увлечение японским искусством, а также — современностью, своей эпохой, сыграли свою важную роль. В фотографии — ускользающие, прежде не замечаемые жесты, новый ритм; новые точки зрения, крупный план… Что касается японских мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро, они прямо повлияли на живопись Эдуара Мане, Клода Моне и Эдгара Дега.

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 гг. В 1869 г. в Буживале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.
Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других.

В стиле импрессионизма писали Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. Американская ветвь импрессионизма включает таких художников, как Джон Сингер Сарджент и Альфред Морер. Особым уважением французских импрессионистов пользовался американский художник Джеймс Уистлер. В выставках импрессионистов иногда участвовали О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Хронология по художникам

Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность (периодические выставки импрессионистов продолжались до 1886 г. ; всего было восемь выставок), является одним из кульминационных моментов кризиса между новой эстетикой и традиционными вкусами, между новаторами и академистами, между официальным искусством и нонконформизмом, — говоря современным языком.
Импрессионизм часто называют последним крупным европейским стилем в живописи. Это не совсем так, потому что экспрессионизм и сюрреализм получили в итоге не менее широкое распространение в среде живописцев, а абстракционизм оказался настолько плодотворен в скульптуре и архитектуре, что абстракционизм в живописи оказался слитым с скульптурой и архитектурой в некий единый монументальный стиль, по своей мощи, монументальной и выразительной лаконичности форм не уступающий классике. Но значение импрессионизма, в отличие от других стилей, не сводится к самим признакам импрессионизма, как стиля. Это значение намного глубже и шире, потому что импрессионизм ознаменовал в европейском искусстве окончательное освобождение от канонов, обязательных для всех. Импрессионизм начал глобальный процесс превращения объективных художественных критериев в индивидуальное толкование и содержания, и формы произведения искусства. Этот процесс, крайне противоречивый, неоднозначный и сложный, продолжается до сих пор. С одной стороны, появилась возможность свободно, ни с чем не считаясь, выражать свою индивидуальность в живописи и других видах искусства. С другой, критерии качества художественного произведения оказались в итоге настолько размытыми, что, по сути, качество стало определяться только одним : рыночной ценой данного произведения на данный момент. Это привело к тому, что рынок произведений искусства стал формироваться не профессиональными экспертами, а профессиональными маркетологами, выстраивающими работу с продвижением произведений искусства точно так же, как с любым другим видом потребительских товаров. Резко снизились профессиональные требования к представителям изобразительных искусств, упало значение школы, профессионального обучения, сохранившись в основном в сфере промышленного дизайна, где любые эксперименты жёстко ограничены способностью массового потребителя воспринимать необычные подходы и формы.
Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.
В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а также — И. Грабарь.

Стиль живописи импрессионизм | Русские художники. Биография, картины, описание картин

(фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в изобразительном искусстве второй половины XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Первые выставки импрессионистов состоялись в 1874 – 1886 годах во Франции. Тогда и возник термин «импрессионизм». Критик Луи Леруа, с иронией отозвавшийся в своей статье о салоне отверженных «Выставка импрессионистов», взяв название картины Клода Моне – «Впечатление. Восходящее солнце».

Обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…
Луи Леруа

Участникам нового движения в искусстве пришлось по вкусу название, несмотря на его первоначальный пренебрежительный характер. Впечатление –  название, которое точно передавало особенность новой техники живописи: фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. За этот довольно короткий период, импрессионизм не только не прекратил своего существования, но стал развиваться в других странах: Англии, Германии. В России известный художник Константин Коровин так же вел творческие поиски в данном стиле исполнения.

Стиль импрессионизм дал толчок к развитию новых эстетик и направлений в живописи, возник как противопоставление академического застоя, совершив переворот в представлении обывателя.

Техника импрессионизма представляет собой работу с чистыми цветами, которые наносятся отдельными мазками на холст. В итоге отдельные цветовые пятна создают единый образ в сочных тонах, смелый и впечатляющий. Короткие широкие мазки чистого цвета, располагающиеся рядом с другими цветами помогают передать образность предмета, его легкое присутствие и создают эффект движения. Здесь нет четкой передачи деталей предмета. Часто художники-импрессионисты в своих картинах используют прием отражения одного объекта другим. Каждый слой краски накладывается поверх еще свежего предыдущего, так происходит небольшое смешивание цветов прямо на холсте.

Произведение живописи в стиле импрессионизма – мимолетное впечатление, рассыпавшееся на множество осколков, создающих единую картину на холсте, живую в движении, передающую настроение художника.

Импрессионизм

     Импрессионизм (фр. impressionisme, от impression — впечатление) — художественный стиль в искусстве последней  трети XIX — начала XX вв., оказавший огромное влияние на все последующее искусство. Импрессионизм зародился в 1860-х  годах во Франции.   Это движение в искусстве 19-ого столетия, которое началось как свободная ассоциация находящихся в Париже художников  Клод Оскар Моне (1840—1926), Камиль Писсарро (1830—1903), Пьер Огюст Ренуар (1841 — 1919), Альфред Сислей (1839—1899), Эдгар Дега (1834—1917). Название движения получено от названия работы Клода Моне, Впечатления, Восход солнца.  Основные особенности импрессионизма лежат в ином отношении к действительности. Представители импрессионизма в живописи старались запечатлить ускользающий момент, обратить внимание на то, что мы не замечаем в повседневной жизни – на прекрасные мимолетные образы, время существования которых измеряется мгновениями. Кроме того, особенностью импрессионизма является тот факт, что художники-импрессионисты стараются донести не только статичный образ, но и впечатление, которое они испытали, наблюдая его. Импрессионисты создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета, накладываемые на холст раздельными мазками с таким расчетом, чтобы при восприятии зрителем картины издали происходило оптическое смещение этих цветов. Все это, а также цветные тени и рефлексы создавали светлую, радостную живопись. Игра разнообразных мазков, пастообразных и жидких, придавала красочному слою трепетность и реальность, ощущение незаконченности, эскизности произведения. Таким образом, происходило слияние нескольких стадий работы художника в единый процесс, как бы замена картины этюдом. У импрессионистов не было программы, но были большие амбиции: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом импрессионизма в живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру.

Особенности Импрессионистской живописи включают видимые мазки, открытый состав, акцент на свет в его качественных изменениях (часто подчеркивающий эффекты течения  времени), предмет картин включает движения как решающий элемент человеческого  восприятия и опыта, и необычные  визуальные углы.

Рисуя реалистические сцены современной  жизни, они подчеркивали яркие эффекты, а не детали. Они использовали короткие, «сломанные» мазки кисти чистого  и несмешанного цвета, как было общепринятым, чтобы достигнуть эффекта интенсивной  цветной вибрации. Импрессионисты развивали  новые методы, которые базировались на движении.

     Для импрессионизма характерна тенденция  стирания четких границ между жанрами, например слияние бытового жанра  с портретом. Импрессионизм широко распространялся в мировом искусстве, но многие подхватили лишь отдельные  его стороны обращение к современной  тематике, эффекты пленэрной живописи, высветление палитры, эскизность живописной манеры и т.п. 

Импрессионизм стал основой для различных движений в живописи, которые последовали  за ним, включая Нео-импрессионизм, Постимпрессионизм, Фовизм, и Кубизм.

Импрессионистские методы

• Используются короткие, толстые «удары» краски, чтобы быстро захватить сущность предмета, а не его детали. Часто применяется наложение красок густым слоем.
• Цвета применены бок о бок с так небольшим смешиванием насколько возможно, создавая яркую поверхность. Оптическое смешивание цветов происходит в глазу зрителя.
• Серость и темные тоны произведены, смешивая дополнительные цвета. В чистом Импрессионизме избегают использования черной краски.
• Влажная краска помещена во влажную краску, не ожидая последовательных заявлений, чтобы высохнуть, производя более мягкие края и смешивание цвета.
• Импрессионистские картины не эксплуатируют прозрачность тонких красок (глазурь), которую более ранние художники создавали тщательно, чтобы оказать влияние на цветовую гамму. Поверхность Импрессионистской живописи типично непрозрачна.
• Подчеркивается игра естественного света. Большое внимание обращено на отражение цветов от объекта.
• В картинах, сделанных в plein воздух (на открытом воздухе), тени смело нарисованы, синим цветом неба, поскольку это отражено на поверхности, давая смысл свежести и открытости, которая не была захвачена в живописи ранее.

Живописцы в течение всей истории иногда использовали эти методы, но Импрессионисты были первыми, кто использовал все  их вместе, и с такой смелостью.

Клод  Моне:

1.Кувшинка: Отвергая общепринятые правила композиции, Моне отказывается от такого понятия, как горизонт, и полностью сосредоточивает внимание на изолированном участке покрытой кувшинками водной глади. Цветки кувшинки являются главным элементом картины.

2.Поле маков: Моне был сильно увлечен контрастом между красными маками и зеленой травой. Желая передать впечатление от маков, Моне не стал детально прорисовывать цветы, обозначив их красными мазками, постепенно уменьшающимися в перспективе.Несмотря на то что красный цвет остается преобладающим, Моне набрасывает по всей композиции желтые штрихи. Они проявляются в виде тонких узоров, образующих желтые цветы на заднем плане картины, и в виде о отдельных рассыпанных на переднем плане среди красных маков.

3.Маннпорт: Поверхность скалы написана Моне способом, который раскрывает его двойную цель: изобразить природные формы и создать особый узор с помощью мазков кисти. Все элементы картины — скала, море и небо — хорошо различимы, хотя и связаны в единое целое благодаря энергии и движению штрихов. Несколькими темными штрихами изображены фигурки людей. Этим способом Моне добавляет мелкий, но важный вертикальный элемент, усиливающий впечатление от размеров монументальной арки.

4.»Впечатление, Восход солнца».

Камиль  Писсарро:

1.Как все импрессионисты, К.Писсарро любил рисовать город, который пленил его своим бесконечным движением, течением потоков воздуха и игрой света. Он воспринимал его как живой, беспокойный организм, способный изменяться в зависимости от времени года, степени освещенности и т.д.

2. интерес художника к человеку, воплотившийся в жанровых картинах, при создании которых К. Писсарро пытался упорядочить мазок и создать, в противовес своим прошлым пленэрным исканиям, некий долговечный монументальный импрессионизм.

3.Пейзажи К.Писсарро не похожи на искрящиеся и артистичные картины К.Моне, но они отмечены большей непосредственностью реалистического восприятия природы. очень редко использует К.Писсарро фрагментарную «случайность» композиции, предпочитая ей более законченное построение своих полотен

1. Художник  смело вводит цветные тени, используя  свободный живой мазок, и достигает  определенного мастерства в передаче световоздушной атмосферы летнего  дня.(«Нини в саду». 1875-1876 гг.)
2. Портреты О.Ренуара не отличаются сложным внутренним психологизмом, присущим его предшественникам, но особое очарование придает им ощущение сиюминутности происходящего

(Портрет клода моне)

3.Погрудный портрет актрисы Самари (1877, ГМИИ, Москва) завораживает жизнерадостностью колорита, искристой игрой, создаваемой мазками розового цвета. Холодное мерцание голубовато-зеленого платья изысканно сочетается с рыжевато-каштановым цветом волос , внимательно, с чуть заметной лукавинкой смотрят на зрителя сияющие темно-синие глаза молодой женщины.

1.Особый драматизм образов очень часто рождается из неожиданно смелого движения линий, необычной композиции, напоминающей моментальную фотографию, на которой фигуры с оставшимися за кадром отдельными частями тела сдвинуты по диагонали в угол, центральная часть картины представляет собой свободное пространство(«Оркестр Опера». 1870 г.)

2.Э.Дега с головой уходит в работу, посещает танцевальные классы в Опере, где его беспристрастный и цепкий взгляд художника наблюдает за тяжелейшим трудом балерин.

 
 
 
 
 
 
 
 
 

Кубизм, одно из самых необычных течений, появился в искусстве в первом десятилетии XX в. Название его восходит к французскому слову cubisme, от cube — куб. Основателями этого течения были французские художники П. Пикассо и Ж. Брак. Художники: Пикассо Пабло, Жорж Брак, Фернан Леже Робер Делоне, Хуан Грис, Глез Метценже

Наряду  с импрессионизмом и сюрреализмом, возникновение кубизма стало  попыткой посмотреть на живопись под  новым углом, найти новые грани  и переосмыслить созданное до этого. В отличие от импрессионизма и постимпрессионизма, живопись кубизма  старается осуществить творческие цели художников путем детальной  проработки объемов и плоскостей, ограничиваясь в возможностях манипуляций  с цветами. Кубизм в искусстве  — это принципиально новый  подход к формированию изображения  на бумаге.

Большую роль в появлении кубизма сыграло  негритянское искусство ( скульптуры, привезенные в Европу). Идею изображения предметов окружающего мира в виде геометрических тел (куб, шар, цилиндр). Действительность в картинах кубистов представала как нагромождение кубов, прямых линий и острых углов.

Художники кубизма отказались от передачи действительности при помощи классической линейной перспективы  и цветовоздушной среды, считая, что  они смогут добиться интересного  художественного эффекта, чередую  плоскости. Представители кубизма  исповедовали тот принцип, что путь постижения реальности позволяет полнее и глубже раскрыть суть тех или  иных явлений. Многие художники кубизма  применяли интересный подход создавая картины кубизма. Он заключался в  том, что один и тот же предмет  изображался одновременно с нескольких точек зрения — это позволяло  добиться разностороннего анализа  рассматриваемого предмета. Представители  кубизма сознательно ограничивали используемую цветовую палитру. Картины  кубизма действительно кажутся  ограниченными в цветах, поскольку  в основном тональность картин кубизма  сводится к градациям охры, серым, черным и коричневым тонам. Помимо цветового  строя, кубизм в искусстве отличался  еще и тем, что полотна кубистов представляли собой сопоставления различных геометризированных поверхностей и плоскостей при достаточно отдаленном сходстве с оригиналом. Представители кубизма не считали, что художественная форма должна полностью соотносится с реальной и поэтому предметы на картинах кубизма выглядят более абстрактными и утрачивают связь со своими реальными прототипами.  Например, лицо человека может быть расположено одновременно и в профиль, и в анфас.

Цветовая  гамма произведений большинства  кубистов выдержана в серых, бледно-коричневых, светло-зеленых и блекло-голубых  оттенках. Главное изобразительное  средство для художников этого направления  — не цвет, а линия и плоскость, которая часто представляет собой  треугольник. Обычно перспектива в  их картинах отсутствует, а если она  есть, то имеет совершенно искаженный вид. Излюбленные жанры кубистов — натюрморт, портрет, архитектурный  пейзаж.

Кубисты постоянно искали новые выразительные  средства для своего искусства. Одним  из приемов их творчества был коллаж (от французского collage — наклеивание) . Художники наклеивали на свои картины  кусочки тканей, газет, обоев, перемежая  их с одиночными мазками краски.

Как и  всякое направление в искусстве, кубизм прошел свою эволюцию и, с течением времени, с прохождением дороги от ранней стадии до поздней, стал делиться на 3 ответвления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907–1909 г.), аналитический (1909–1912 г.) и синтетический (1913–1914 г.) кубизм.

Импрессионизм. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар: barucaba — LiveJournal

Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке.

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне. Художники приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872, музей Мармоттан-Моне, Париж.(Impression, soleil levant)

Сегодня любой музей мира рад не только обладать их картинами, но и просто выставлять их. Коллекционеры платят сумасшедшие деньги за них. Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Камилл Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо — импрессионисты — самые популярные художники современного мира. Их полотна воспроизводятся столь же часто как Мона Лиза Леонардо. Художники Монмартра — изменившие искусство.
Рисунок, бывший основой всех основ на протяжении столетий, начиная с эпохи Возрождения, был изгнан. Живопись — это цвет. Пятна красок, громоздящиеся друг на друге. Отныне даже тень имеет цвет. Только черной краске не было места на их холстах. Мир стал набором красок на палитре. Цвет и свет — главными персонажами их картин. Они писали только то, что видели. Не просто делали этюды. Они начинали и заканчивали картину за один сеанс, сохраняя свежесть и непосредственность первого впечатления. Детали не были важны. Место темных полотен мэтров академической живописи заняли их искрящиеся всеми мыслимыми цветами и оттенками холсты.
Они ушли из мастерских рисовать жизнь. Современную жизнь. Своих героев они искали не в древней истории и мифах, боги Греции и Рима (во всяком случае, в ту пору) не интересовали их. Своих героев они искали и встречали на парижских бульварах, в кафешантанах, просто по соседству среди обитателей чердаков Монмартра. Они писали не вечность, мгновение. Сломав традиционную систему ориентиров мира прекрасного, научили и зрителей, и художников по-новому смотреть на мир и искусство.

Клод Моне (1840-1926)

Эдуард Мане (1832-1883)

Эдгар Дега (1834-1917)

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

А.

А. Фет и импрессионисты

Определение импрессионизма Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века, представители которого стремились наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они сделали решающий шаг к индивидуализации художественного процесса, освобождения от каких-либо канонов и общих правил, хотя этот шаг никогда не был сознательной задачей кого-либо из них. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Главное достижение импрессионизма в живописи — художественное исследование поведения цвета в атмосфере, взаимодействия цвета и света. Хорошо освещённый солнцем предмет, как правило, ярче, чем тот же предмет при комнатном освещении. Вот почему в картинах импрессионистов появились яркие цвета. По большому счёту, они вернули в живопись яркий цвет, считавшийся со времён классицизма, как правило, признаком вульгарности, лубочности и неумения профессионально работать с оттенками разных цветов. Импрессионизм называют движением возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. Это было течение, которое расширило не столько живописные возможности искусства (на этот счёт есть самые разные мнения), сколько рамки того, что стало в искусстве допустимым. Импрессионизм внёс абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути: возврат к природе и индивидуализация самого процесса восприятия в искусстве питают европейское искусство до сих пор, особенно на уровне обычных, не рейтинговых художников, перед которыми не стоит задача подчиниться законам рынка. Художники-импрессионисты Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл. У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль; цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов; цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других. В стиле импрессионизма писали Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. Американская ветвь импрессионизма включает таких художников, как Джон Сингер Сарджент и Альфред Морер. Особым уважением французских импрессионистов пользовался американский художник Джеймс Уистлер. В выставках импрессионистов иногда участвовали О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малевич. Что касается Э. Мане, он не участвовал в выставках импрессионистов и редко писал с натуры; в его палитре сохранялись традиционные чёрные и серые цветовые тона. Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо. Импрессионизм в литературе Импрессионизм литературный отличается от изобразительного искусства. Импрессионизм в литературе — это отказ от обобщения, идеи, законченности, утверждение незначительного, но в то же время умножить изобразительное силу слова. Ценно лишь то, что мимолетно, невыразимо ничем, кроме ощущений. (Так «Степь» Чехова всегда в движении, всегда разная.) Текучие настроения вращались преимущественно вокруг темы «любовь и смерть»; художественный образ строился на зыбких недосказанностях и туманных намеках, приоткрывавших «завесу» над роковой игрой бессознательных стихий в жизни человека. Представителями импрессионизма в литературе являются Томас Маан, Оскар Уайльд, Стефан Цвейг, Инокентий Анненский, Константин Бальмонт и другие.

лучших картин импрессионистов

Русский импрессионист Картины

Иван Крамской (1837–1887)
Наряду с Серовым он был величайшим русским портретистом своего времени. Среди его натурщиков были цари, князья, великие князья, промышленные магнаты, художники, композиторы, революционеры и крестьяне.
• Портрет девушки (1882) Русский музей, Санкт-Петербург.

Исаак Левитан (1860-1900)
Величайший художник-пейзажист импрессионистов России XIX века; а член Странников, известных также как Путешественники.
• Уединенный монастырь (1890) Третьяковская галерея, Москва.
• Владимирский тракт (1892) Третьяковская галерея, Москва.

Валентин Серов (1865-1911)
Русский живописец, график и иллюстратор, получивший образование у Ильи. Репина. Мастер жанровой живописи, портрета, пейзажа и исторической живописи, он рисовал многих ведущих знаменитостей Москвы и Санкт-Петербурга.
• Девушка с персиками (1887) Третьяков Галерея.
• Портрет Исаака Левитана (1893) Третьяковская галерея.
• Летом (1895) Русский музей, Санкт-Петербург.
• Кольты на водопое, Домотканово (1904) Третьяков. Галерея.

Скандинавский Картины импрессионистов

Вильгельм Hammershoi (1864-1916)
Датский художник-импрессионист, известный своими тихими интерьерными картинами.
• Интерьер с девушкой у клавира. (1901) Частная коллекция.

П.С. Кройер (1851-1900)
Художник-пленэр, самый знаменитый датский художник своего времени; Очарованный изображением света.
• Летний вечер на Южном пляже (1893) Музей Скагенса, Скаген.

Андерс Цорн (1860-1920)
Ведущий шведский художник своего времени, известный своими женскими обнаженными фигурами, жанр сюжеты и портреты. Также известен своими офортами.
• Девушки из Даларны принимают ванну (1908) Национальный Стокгольм Музей.

Немецкий импрессионист Картины

Макс Либерманн (1847-1935)
Немецкий художник, известный своими портретными, образными картинами и пейзажами. Также известен своим офортом и литографией. Он был ведущим экспонентом импрессионизма в Германии.
• A Country Brasserie, Бранненбург, Бавария (1894) Музей Орсе.
• Человек-попугай (1902) Музей фолькванг, Эссен.

Адольф Менцель (1815–1905)
Немецкий художник и гравер, ныне известный своими импрессионистскими интерьерами.
• Гостиная с сестрой Мензеля (1847) Государственная картинная галерея, Мюнхен.

Чтобы узнать больше об импрессионизме в Германии, см. Немецкое искусство 19 века.

Голландский импрессионист Картины

Йохан-Бартольд Йонгкинд (1819-91)
Голландский художник-пейзажист и гравер-алкоголик, работавший во Франции; работал и связан с Барбизонской школой.Важное влияние, наряду с Буден, о Клода Моне.
• Замок Розмаунт (1861)
• Маас в Мааслуисе (1866) Музей изящных искусств, Гавр.
• Фигуристы в Верхнем (1867) Галерея Ричарда Грина, Лондон.
• Изер в Гренобле (1877)

Британский импрессионист Картины

Уолтер Сикерт (1860-1942)
Под влиянием Уистлера и Дега он был лидером импрессионизма в Британия; также известен своими офортами. Большое влияние на авангард Британское искусство начала 20 века и лидер Камдена Городская группа.
• Морнингтон Кресент (1908) Частная коллекция.
• Ennui (1914) Коллекция Тейт, Лондон.

Филип Уилсон Стэр (1860-1942)
Вместе с Сикертом, ведущим представителем школы импрессионистов в Британия.
• Девушки бегают, пирс Уолберсвик (1888-94) Галерея Тейт, Лондон.

Ирландский импрессионист Картины

Пол Генри (1876–1958)
Известен своими пленэрами на западе Ирландии. Способен производить великие произведения вистлеровской тональности.
• Dawn, Killary Harbour (c.1916) Ольстерский музей изящных искусств, Белфаст.
• Озеро слез скорбящих женщин (1918) Ниланд Галерея, Слайго.

Натаниэль Hone the Younger (1831-1917)
Один из первых ирландских художников, учившихся за границей, он работал в Барбизон с Жаном-Франсуа Милле (1814-75).
• Пограничный забор, Фонтенбло, (около 1860 г.) Национальная галерея Ирландии.
• Скалы в Килки, штат Ко-Клэр (1880) Частная коллекция.

Джон Лавери (1856-1941)
Самый важный художник-импрессионист англо-ирландской школы, отмеченный за его пленеризм и портретную живопись.
• Мост в Грезе (1883 г.) Частное собрание.
• По дороге в Фонтенбло (1884) Частная коллекция.

Родерик О’Конор (1860-1940)
Франкофил Ирландский художник, известный своим постимпрессионистским колоризмом.
• Бретонская девушка (1906) Частная коллекция.

Франк О’Мира (1853-88)
Недолговечный гений живописи, известный своим лирическим изображением света и пленэрные пейзажи.
• Reverie (1882) Частная коллекция.

Уолтер Осборн (1859–1903)
Один из величайших ирландских импрессионистов, работавший в Бретани до своего возвращения. в Дублин.Известен своими пейзажами и жанровыми картинами.
• Apple Gathering, Quimperle Brittany (1884) Национальная галерея Ирландии.
• Рыбный рынок (1895) Галерея Хью Лейн, Дублин.
• Сцена в парке Феникс (1895 г.) Национальная галерея Ирландии.

Сара Персер (1848-1943)
Влиятельный ирландский художник-портретист в стиле импрессионистов и витражи художник.
• Le Petit Dejeuner (1881) Национальная галерея Ирландии.

Американский импрессионист Картины

Мэри Кассат (1844-1926)
Американский художник, поселившийся в Париже, она была известна своей матерью. и детские сцены. Также известен своими прекрасными пастелями, а также ее принтами, сделано с использованием различных техник, включая сухую иглу, акватинту и травление. Оказал дополнительное влияние на импрессионизм, убедив ее в богатстве. контакты в Америке, чтобы купить работы импрессионистов.
• Маленькая девочка в синем кресле (1878) Национальная галерея Искусство, Вашингтон, округ Колумбия.
• Молодой Женщина за шитьем (1886) Музей Орсе, Париж.
• Девушка укладывает волосы (1886) Национальная художественная галерея, Вашингтон.
• Бат (1891-2) Художественный институт Чикаго.
• Лето (ок. 1894) Музей искусства и культуры Арманда Хаммера.

Уильям Меррит Чейз (1849-1916)
Один из первых обращенных в американцев. Импрессионизм, он также был известен своими выдающимися педагогическими способностями.Среди учеников были такие разноплановые таланты, как Джорджия О’Киф, Чарльз Демут, Чарльз Шилер, Эдвард Хоппер и Марсден Хартли.
• Шиннекок-Хиллз (1891) Уодсворт Атенеум, Хартфорд, Коннектикут.
• Часы простоя (1894) Музей Амона Картера, Форт-Уэрт, Техас.
• Пейзаж Шиннекока (1895) Художественный музей Пэрриш, Саутгемптон, Нью-Йорк.

Чайльд Гассам (1859-1935)
Плодовитый художник, он был одним из первых импрессионистов Америки. отмечен маслом, акварелью и пастелью.Позже В жизни он много времени уделял офорту и литографии.
• Rainy Day, Columbus Avenue, Бостон (1885) Музей Толедо искусства.
• Бостон Коммон в Сумерках (1886) Музей изящных искусств, Бостон.
• Зима на Юнион-сквер (1889–90) Музей Метрополитен искусства.
• Commonwealth Avenue, Бостон (1892) Terra Foundation для Американское искусство.
• Пятая авеню зимой (1901, Музей искусств Карнеги)
• Авеню под дождем (1917) Белый дом
• День союзников, май 1917 года (1917) Национальная галерея искусств, Вашингтон ОКРУГ КОЛУМБИЯ.

Теодор Робинсон (1852-96)
Один из первых представителей импрессионизма в Америке, Робинсон жил во Франции. более восьми лет, став другом Моне, которого он посетил в Живерни. Он был ответственным за некоторых из величайших импрессионистов Америки. Картины, в основном пейзажные композиции и немного картин фигуративного жанра.
• У реки (1887) Частное собрание.
• La Vachere (c.1888) Смитсоновский музей американского искусства.
• La Debacle (1892) Колледж Скриппса, Клермонт.

Джон Певец Сарджент (1856-1925)
Один из лучших художников-портретистов. из импрессионистского движения на него повлияли Веласкес и Хальс. В основном портретист Общества, он создал выдающиеся пейзажи. картины акварелью и маслом.
• Дочери Эдварда Дарли Бойта (1882) Музей изящных искусств Бостона.
• Эль-Халео (1882) Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон.
• Картина Моне у края леса (1887) Галерея Тейт, Лондон.

Джон Генри Твахтман (1853–1902)
Американский художник-пейзажист-импрессионист с высоким рейтингом. индивидуальный стиль живописи. Под влиянием Уистлера и японского искусства, а также а также французские импрессионисты.
• Ветряные мельницы, Дордрехт (1881) Художественный музей Цинциннати.
• Арк-ла-Батай (1885) Музей Метрополитен.
• Icebound (1889) Художественный институт Чикаго.

Дж. Олден Вейр (1852-1919)
Американский художник-импрессионист.
• Красный мост (1895) Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
• Переправа через ручей (1910-19) Ньюаркский музей.

Уистлер (1834–1903)
Американский художник-импрессионист, дизайнер и гравер, известный за его уникальный стиль тональной живописи.
• Ноктюрн в синем и серебряном: Cremorne Lights (1872) Тейт Галерея, Лондон.
• Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1875) Детройт Институт искусств.

Австралийский Картины импрессионистов

См. Также: Гейдельберг Школа (c.1886-1900) австралийского Импрессионизм.

Чарльз Кондер
Цветки Херрика (1888) Национальная галерея Австралии, Канберра.
Праздник в Ментоне (1888) Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида.

Фред Маккаббин
Потерянный (1886) Национальная галерея Виктории, Мельбурн.
Труд города (1887) Коллекция Фамдала, Сидней.
Оставшись на удаче (1889) Художественная галерея Западной Австралии, Перт.
The Pioneer (1904) Национальная галерея Виктории.

Том Робертс
Allegro Con Brio, Бурк-стрит-Вест (ок.1885–86) Национальная галерея Австралии.
Женщина у фортепиано (1889) Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида.

Клара Саузерн
Старая пчелиная ферма (1900) Национальная галерея Виктории.

Артур Streeton
Железнодорожный вокзал, Редферн (1893) Художественная галерея Нового Южного Уэльса, Сидней.
Прозрачная мощь пурпурного полудня (1896 г.) Национальная галерея Виктория.

Джейн Сазерленд
Препятствие, Бокс-Хилл (около 1885) Галерея изящных искусств Балларата.

Работы, отражающие стиль этого искусства. движение можно увидеть в большинстве лучших художественные музеи мира.

Самые умные представители импрессионизма — семейный дневной уход в Мельбкарлтоне

Самые умные представители импрессионизма

Как же кому-то не нравится импрессионизм? Это дает лингвальные скобки первое движение современного стрит-арта.Импрессионизм как художественное действие способен очаровать каждого. Это действительно отражено в чрезвычайно привлекательных произведениях. Хотя это ремесло и понятно, иногда это возможность зафиксировать часы на той или иной картинке, кадре или других фактах импрессионизма. Намного лучше защитить момент, когда вы его увидите, навсегда останется в уме.

В этом эссе мы хотели бы рассказать вам краткую историю об импрессионизме. Также стоит рассказать о некоторых из лучших людей, которые символизируют это ремесло.Наша служба публикации эссе по индивидуальному заказу предлагает вам много интересной и полезной информации. Если вы затрудняетесь при создании документа, поговорите с агентами. Мы поможем вам практически со всеми запутанными заданиями по размещению сообщений.

Краткое прошлое импрессионизма

1. Импрессионизм как стиль уличного искусства зародился по всей Франции. Устойчивый поток пришелся на период между девятнадцатым веком. У каждого вида искусства есть свои представители. Особая эпоха импрессионизма захватила людей, которые смогли передать все свои впечатления.

Обычно, когда говорят об импрессионизме, севилор означает живопись. Тем не менее этот распорядок повлиял на мелодии и романы. Люди считают, что особые секреты часто отражают чувственность жизни собственным взором.

Основной причиной появления импрессионизма в девятнадцатом веке было желание художников разработать свои собственные рекомендации. Эти люди устали от подходов и целей, которые предлагал академизм. Вот почему художники создают картины, следуя своей собственной линии.

2. Термин «импрессионизм» возник из картины Клода Моне. Французский профессионал Луи Леруа недооценил знаменитую работу Моне «Впечатление, восход». Итак, название стиля имеет отрицательную окраску. С течением времени происходит следующее плохое, а это означает потерю влияния. В наши дни мир воспринимает эту рутину как нечто вдохновляющее и реальное.

три и более. Первая выставка импрессионистов состоялась в 1874 году. 30 художников представили 165 работ.Обычно там Лерой видел картину с участием Моне. В настоящее время его можно увидеть в Париже, Франция, в музее Мармоттан. Так неожиданно для всех собралась повседневная жизнь.

4. Основное рождение импрессионизма началось давно. Представители эпохи Возрождения пытались передать реальность яркими красками. Ун Греко и Веласкес поймали этот план. Их функции оказали большое влияние на Эдуарда Мане и Ренуара. Англоязычные художники сыграли большую роль в организации пути для этого потока, чтобы вы могли прорваться.

пять. Японское искусство повлияло на импрессионистов и их сторонников. Художники-граверы по-разному отображали изображения на листе бумаги. Импрессионисты позаимствовали свою идею.

некоторые. Чтобы покорить импрессионизм, у него есть представители, необходимые для встречи с кафе Guerbois. В основном там Эдуард Мане обращался не только к поэтам, но и к художникам. Таким образом, он стал главным защитником передового искусства.

Фактически, буржуазная современная культура не соглашалась на идею импрессионистов.В контенте «Событие повстанцев» Эмиль Кардоне написал неодобрительные и насмешливые выражения в отношении художников-новичков. Их обвинили в безнравственности относительно реальной нетрудоспособности. В наши дни эти заявления вызывают удивление. Что аморального в пейзажных картинах о Камилле Писсарро и Альфреде Сислее или, возможно, в натюрмортах Мане?

Только через несколько лет у общества и критиков появилось воображение. Наконец, некоторые люди видели не совсем импрессионистов, тем не менее реалистов и, возможно, классиков, связанных с французским ремеслом.

Воспользуйтесь некоторыми из наших услуг, чтобы понять интересные описания художественной деятельности и их влияния на современную культуру.

Выдающиеся представители импрессионизма

1. Оскар Клод Моне. Он был одним из тех людей, которые сыграли существенную роль во время появления, связанного с импрессионизмом. Некоторые эксперты считают его одним из важнейших художников импрессионистского движения. За время своей жизни Моне сделал около пары тысяч 700 картин, а также рисунков.

Клод Моне всегда хотел быть художником. Независимо от воли отца, Моне поступил в художественный университет, когда ему, казалось, исполнилось 10 лет. Примерно в двенадцать лет он с успехом продавал ей карикатуры. Некоторыми способами он переманивал опытных музыкантов и художников. Они помогли Клоду Моне улучшить работу.

Моне был не в восторге от традиционных подходов, которым учили в школе. Очень скоро он забыл уроки рисования и стал участником группы художников, которые пытались оттенять разные подходы.Эти музыканты были расположены скорее к свету и цвету, чем на соответствующей картине.

Клод Моне получил тяжелую жизнь. Он был неадекватен. Только за весь девятнадцатый век его работы добились больших успехов, поэтому их все можно продать. Сегодня его картины можно увидеть в музеях всего мира.

2. Эдгар Дега. У этого артиста родился богатый супруг и дети. Его любимым занятием, когда Дега, должно быть, был маленький мальчик, было посещение Лувра вместе с отцом или матерью.Когда Эдгару был 21 год, он отважился заняться искусством. Его конкретный отец чрезвычайно убеждал его, но этому человеку не нужен был сын, чтобы сделать искусство своей жизненной карьерой.

Ламот был наставником Дега. Парень научил Эдгара использовать правильные контуры вокруг рисунка. Несколько раз Дега ездил в Италию. Прямо сейчас он действительно наслаждался шедеврами Экзотического Возрождения. В возрасте 40 лет Эдгар начал работать над портретом «Семья Беллелли». Вскоре это стало очень респектабельной работой.

Дега долго рисовал балерин и балерин.Обычно Дега показывал репетиции этих людей. Таким образом он подчеркнул их очень сложную работу. Многие люди утверждают, что Дега усилил эту графику, потому что она определенно была популярна.

4 помощь в написании дипломной работы. Мэри Кассат. Ваш любовник был импрессионистом из Пенсильвании. Когда Мэри было в основном 16, женщину зачислили в гимназию чудесных искусств. Эта девушка была недовольна программой. Вскоре Мария переехала в Венецию. Однажды женщина увидела работы импрессионистов.Ваш любовник был полностью счастлив от работы Эдгара Дега.

Мария хотела раскрашивать портреты. Женщины и малыши были любимым стилем. Она создавала откровенных друзей и семейные сцены. Джейн изображала людей, которые занимались повседневными делами. Ее освежающие и заслуживающие доверия работы воодушевляют многих.

4. Клод Дебюсси. Поскольку мы говорим об импрессионизме, мы не можем забыть о влиянии музыки. Не только художники, но и художники пытались воплотить реальность прямо в музыке.По этой причине они использовали особый ритм наряду с тональностью. Клод Дебюсси принадлежал к людям, которые выражали свои особые эмоции, связанные с импрессионистами, музыкой.

О Дебюсси говорили, что он не банален. Человек обычно выражал через музыку желание найти что-то исключительное и необычное. Он постоянно находил ощущение окраски песни и изредка забывал в ясности со структурой.

некоторые. Поль Верлен.Этот тип французских поэтов вошел в список основоположников импрессионизма во всей литературе. Принципиальным аспектом в самой поэзии, основанной на Верлене, может быть музыка со стихотворением, возможно, не смысл слов. Этот человек всегда совмещал жизнь и работу. Джон Верлен раньше был очень увлеченным человеком. Парень часто приобретал затерянное в реке, связанное с жизнедеятельностью и его стороной.

Красиво построенная французская формулировка была риторической, преувеличенной и торжественной.Верлен превратил их в очень простые, как лирические, так и мелодичные произведения. Он умел соединять поэтическое слово с помощью живого выражения. Это была настоящая революция в поэзии.

Я хочу поблагодарить за следующие документы. Читайте наши произведения, внимательно смотрите на лучших композиторов. Это впечатляющее программное обеспечение очень достойное. Обратитесь в эту службу. Мы будем рады вам помочь.

художников-импрессионистов — взгляд на самых известных художников-импрессионистов

Импрессионизм, существующий как направление в искусстве 19-го века, зародился во Франции после того, как группа художников выразила желание рисовать пейзажи и современную жизнь вместо исторических и мифологических сцен.Этот отказ группы импрессионистов от традиционных салонов и выставок считался радикальным, поскольку в то время история искусства была свидетелем только грандиозных сюжетов. Работы, характеризуемые небольшими, но заметными мазками кисти, художники, работавшие в этот период, продолжили создавать одни из самых знаковых произведений искусства, известных сегодня.

Краткая история импрессионистского движения

В середине 19 ^-го века создаваемый тип искусства был невероятно традиционным, поскольку художники создавали работы, которые подходили для обычных салонов и выставок, которые проводились.Однако небольшая группа художников начала испытывать сильную скуку с видами искусства, которые они должны были создавать, и начала расширяться с точки зрения их тематики. Внезапно на открытом воздухе возникла большая привлекательность для художников, которые начали рисовать то, что стало известно как пленэрные картины en , при этом художники рисовали на улице.

После того, как эти новые экспериментальные произведения искусства были отклонены Салоном, эти парижские художники вскоре сформировали собственное общество в 1870-х и 1880-х годах, известное как «Société Anonyme Coopératives des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs». Это было сделано для того, чтобы они могли продемонстрировать свой развивающийся стиль и свободно выставлять свои работы в помещении, где они были полностью приняты. По сути, это оказалось поворотным моментом для движения, и таким образом родился стиль Импрессионизм .

Объявленный как новое смелое движение в мире искусства, импрессионизм существовал как захватывающее время для художников, полное проб и ошибок.

Название происходит от картины Клода Моне 1872 года под названием « Впечатление, восход ». Говорят, что движение по-настоящему прекратилось только после смерти Моне в 1926 году.Однако импрессионизм оказался относительно недолгим периодом, поскольку его популярность начала угасать, как только разбавленная форма импрессионизма стала принята в салонном искусстве.

Несмотря на это, импрессионизм продолжал вдохновлять множество новых художественных движений , а его стиль живописи, который широко считается предшественником некоторых известных периодов искусства. Эти последующие движения, которые оказали большое влияние на развитие истории искусства, включали неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм и кубизм .

Impression, Sunrise (1872) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ключевые характеристики импрессионистского движения

Импрессионизм лучше подходил для отражения современной жизни в то время, поскольку движение демонстрировало предпочтение повседневных сцен и обычных людей в качестве предметов, а не традиционных портретов покровителей высшего класса. Таким образом, главной характеристикой импрессионизма было то, что художники начали писать в основном на открытом воздухе и «на месте», чтобы точно запечатлеть природу, которая развивалась на их глазах.

Художники сосредоточились на ключевых элементах света и движения и работали над способами манипулирования этими аспектами в своих картинах.

Это изменение предмета позволило художникам освободиться от привычных образов в искусстве, которые обычно изображали религиозные сцены или богатых, в пользу банальных видов французской страны и города, которые постоянно их окружали. Поскольку на тот момент в Европе был только один тип предмета в искусстве, это развитие импрессионизма было воспринято как серьезное изменение.Обычный человек внезапно прославился и стал рассматриваться как достойный объект, что было большим шагом вперед для французской живописи в то время.

Les Grandes Baigneuses («Большие купальщицы», между 1895 и 1905 годами) Поля Сезанна; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Чтобы точно передать то, что художники видели в окружающем мире, была принята более свободная и легкая манера письма. Это было сделано для того, чтобы художники могли произвести «впечатление» на окружающую их сцену, уделяя особое внимание тому, как свет взаимодействует с миром.Изучать, как свет и тень взаимодействуют с пейзажами, лучше всего было при естественном освещении, что было основной причиной, по которой художники предпочитали рисовать снаружи.

Другой важной характеристикой импрессионизма была его связь с цветом, поскольку были выбраны яркие тона. Предметам было уделено очень мало деталей, поскольку художники сосредоточились на создании мягких, но заметных мазков, чтобы создать иллюзию отсутствия мазков вообще. Акценты создавались легкими штрихами чистых и насыщенных цветов, которые добавляли временных качеств, связанных со светом.

Говорят, что благодаря этому импрессионизм изменил ход истории искусства, поскольку он подготовил почву для более позднего появления современного искусства.

Наш список самых известных импрессионистов

По мере роста популярности импрессионистского движения многие художники начали экспериментировать с этим захватывающим новым стилем искусства. Из-за этого многие известные художники продолжали создавать столь же знаковые произведения импрессионизма. Тем не менее, мы выбрали для обсуждения 12 самых известных художников-импрессионистов всех времен, которые создали вечные шедевры искусства и считаются великими пионерами этого движения.

Камиль Писсарро (1830 — 1903)

Гражданство	датско-французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные художественные движения	Импрессионизм и постимпрессионизм
Самые известные произведения	Entrée du Village de Voisins (1872) Иней, старая дорога в Эннери, Понтуаз (1873) Бульвар Монмартр (1897)

К художественной группе импрессионистов и постимпрессионистов принадлежал датско-французский художник Камиль Писсарро, внесший важный вклад в оба движения.Писсарро считался переходной фигурой между этими двумя группами, поскольку его фирменная техника коротких и грубых мазков, казалось, больше соответствовала постимпрессионистскому движению по мере развития его стиля. Некоторые из его самых известных работ включают Entrée du Village de Voisins (1872), Hoar Frost, Old Road to Ennery, Pontoise (1873) и Boulevard Montmartre (1897).

Писсарро родился на острове Сент-Томас, который сейчас известен как Виргинские острова. Его отец поощрял его рисовать сцены природы с юных лет.В возрасте 21 года он полностью посвятил себя искусству, переехав в Венесуэлу, где проработал два года художником, находя вдохновение в пейзажах и деревнях. В конце концов Писсарро вернулся в Европу и поселился между Парижем и деревней, где он продолжал заниматься искусством до своей смерти в 1903 году.

Boulevard Montmartre, Spring (1897) Камиля Писсарро; Камиль Писсарро, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Писсарро в первые годы своей жизни находился под влиянием художников нынешнего реалистического движения, таких как Гюстав Курбе и Жан-Батист-Камиль Коро.Позже, в возрасте 54 лет, он учился и работал под руководством художников-постимпрессионистов Жоржа Сёра и Поля Синьяка. Писсарро, который помог сформировать первоначальную группу импрессионистов, получил прозвище «декан художников-импрессионистов», поскольку он был самым старшим из них, обладал наибольшей мудростью и считался самым сострадательным и добросердечным человеком.

В своих художественных начинаниях Писсарро казался невероятно амбициозным и непоколебимым. В его работах исследовалась взаимосвязь между светом и цветом, которой он манипулировал в большинстве своих картин.Такое понимание этих двух концепций было сформировано во время его пребывания в Каракасе, Венесуэла, где он изучал природу и крестьянскую жизнь в тропических условиях.

Благодаря своим обширным исследованиям, Писсарро сумел запечатлеть повседневную жизнь простых людей с помощью тонких изображений сельских сюжетов, которые он написал в ярких композициях.

Писсарро находился под сильным влиянием политики общества в то время, так как его произведения вообще нельзя было отделить от политического влияния.Это можно было увидеть в его картинах, поскольку они достойно изображали работу крестьян в общинных деревнях, что отражало социалистически-анархистские политические наклонности того времени.

Дорога к Осни в Понтуазе, Морозный иней (1873) Камиля Писсарро; Камиль Писсарро, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Писсарро был одним из самых известных художников-импрессионистов из-за того, что он был единственным художником всего движения, который продемонстрировал все свои работы на всех восьми выставках импрессионистов в Париже в период с 1874 по 1886 год. Это олицетворяет его великий статус в импрессионизме, а его коллега-художник Пьер-Огюст Ренуар называл его совершенно «революционером» внутри движения.

В последние годы своей жизни Писсарро тесно сотрудничал с Сёра и Синьяком, став одним из первых художников, экспериментировавших с цветовыми гармониями. Его холсты были идентифицированы по дополнительным цветам, а также по его рваным, пунктирным и прерывистым мазкам и резким мазкам краски. В отличие от других художников-импрессионистов, живших в Париже, Писсарро предпочитал проводить большую часть своего времени во французской сельской местности, где он обучал более молодых художников, проявивших интерес к его техникам.

Писсарро известен за его значительный вклад в движение импрессионистов, поскольку он оказал существенное влияние на появление модернизма 20-го века, в дополнение к его страстным экспериментам, которые привели к созданию поистине уникальных произведений искусства.

Эдуард Мане (1832 — 1883)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Реализм и импрессионизм
Самые известные произведения	Музыка в Тюильри (1862) Завтрак на траве (Le déjeuner sur l’herbe) (1863) Олимпия (1863)

Родившийся во Франции в семье высшего сословия, художник-импрессионист Эдуард Мане был еще одной ключевой фигурой в переходный период между движением реализма и движением импрессионистов. Несмотря на то, что Мане считался одним из ведущих художников-импрессионистов, работы Мане сильно отличались от других художников. Его самые известные картины включают Музыка в Тюильри (1862), Завтрак на траве (Le déjeuner sur l’herbe) (1863) и Олимпия (1863).

Музыка в Тюильри (1862) Эдуара Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Вдохновленный занятиями искусством в раннем возрасте, Мане ездил в Италию, Германию и Нидерланды, чтобы учиться и развивать свой стиль.Его путешествия сильно повлияли на его художественную концепцию, поскольку Мане продолжал уделять большое внимание современным темам.

Его смелые и противоречивые картины вызвали сильную критику и восхищение художников его времени, что укрепило статус Мане как влиятельного художника в движении импрессионизма.

Мане выставил свою картину 1860 года « Испанский певец » в Парижском салоне, которую впоследствии критиковали за небрежность и небрежность. Несмотря на это, его смелый выбор в предметной области принес ему большую известность, и он быстро стал значительным художником-импрессионистом. Мане нарушил традицию, включив элементы современной жизни в свои природные сцены, поскольку обнаженные женщины стали главными сюжетами в его картинах. Тем не менее, Мане получил серьезную негативную реакцию со стороны своих коллег-традиционалистов за свои якобы аморальные и непристойные изображения женской обнаженной натуры.

Что отличает Мане от других художников-импрессионистов, так это его уникальный стиль живописи.Его мазки были невероятно рыхлыми, а формальная передача объема привела к тому, что в его работах были участки большой плоской поверхности. Из-за его расслабленной манеры письма некоторые части его полотен часто оставались открытыми, что заставляло критиков отмечать, что его картины всегда казались незавершенными и создавали впечатление неотшлифованности.

Испанский певец («Испанский певец», 1860) Эдуара Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Предпочитая изображать обычную жизнь и обычные предметы на своих картинах, уличная жизнь и ее люди оказались для него популярными предметами. Мане продолжал изображать парижские кафе и бары, а также городскую и городскую жизнь, что придавало его картинам определенное ощущение импрессионизма. Кроме того, Мане получил признание за популяризацию техники рисования alla prima , при которой он сразу же наносил слои влажной краски друг на друга, чтобы добиться окончательного эффекта, который он искал.

Этот подход стал широко использоваться художниками-импрессионистами, которые считали, что он идеально подходит для задач, связанных с необходимостью захватывать непосредственные эффекты света и атмосферы при рисовании снаружи.

На протяжении всей своей карьеры Мане создавал произведения, которые вызывали восхищение и споры, а его переломные работы легко знаменовали начало нового художественного периода. К сожалению, Мане умер в возрасте 51 года после заражения сифилисом.

Эдгар Дега (1834-1917)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Танцевальный класс (1873 — 1876) Любитель абсента (1876) На скачках (1877 — 1880)

Еще одним выдающимся художником-импрессионистом был Эдгар Дега, который был наиболее известен своими картинами маслом и пастелью. Дега, который был художником-импрессионистом, считал себя скорее художником-реалистом, чем импрессионистом, несмотря на то, что его считали одним из основателей движения. Его самые известные работы включают Танцевальный класс (1873–1876), Любитель абсента (1876) и На скачках (1877–1880).

Дега родился в богатой семье и с ранних лет проявил себя как амбициозный художник. Несмотря на то, что у него было слабое зрение, Дега прошел годы напряженных тренировок, чтобы продолжить карьеру в историческом искусстве.После многих лет создания исторических произведений искусства Дега переключил свое внимание на современные предметы, когда ему было чуть за тридцать, что принесло ему огромную похвалу за его картины.

«Танцевальный класс» (ок. 1873) Эдгара Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На протяжении всей своей карьеры Дега был широко известен своими картинами, изображающими скачки и танцы. Более половины его картин посвящено танцорам, что демонстрирует интерес Дега к человеческой фигуре.Говорят, что этот интерес сформировался во время его академической подготовки, что привело к тому, что он подошел к женскому телу различными изобретательными способами.

Дега искал свои предметы в современных ситуациях, таких как балет, и проявил свой талант в съемке необычных поз со странных углов при искусственном освещении.

Подобно художнику Пьер-Огюст Ренуар , Дега обычно не рисовал на открытом воздухе, как другие художники-импрессионисты.Это привело к его отказу от термина «импрессионизм», поскольку он предпочитал, чтобы его работы рассматривались как независимые и рассматривались как реалистические изображения того, что он видел. Картины Дега по большей части были посвящены парижской жизни, а его главным сюжетом по-прежнему были женские тела. Помимо танцоров, Дега изображал проституток и певцов, что вызвало много критики со стороны критиков из-за их, казалось бы, низшего сословия.

В кафе или L’Absinthe (1873) Эдгара Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Интересная и сбивающая с толку дихотомия существовала в том, как Дега обращался к своим подданным-женщинам.Многие свидетельства указывали на то, что Дега был женоненавистником, но существовали и другие свидетельства, доказывающие, что он был полностью очарован женской формой, которую он пытался представить во всей красе в своих многочисленных исследованиях.

Из-за этого его портреты часто славились своей способностью передавать такие психологические сложности, а его картины способствовали исследованию фигуры в изобразительном искусстве.

Дега сильно противоречил подходу, принятому традиционными художниками-импрессионистами того времени, поскольку он предпочитал работать по эскизам и памяти, что считалось традиционным академическим способом, а не рисовать на открытом воздухе.Говорят, что его уникальные картины запечатлели то, что позже стало известно как «решающий момент» в искусстве, когда движение в произведении искусства казалось застывшим во времени.

Известный как очень сложный, Дега заявил, что у художника не может быть личной жизни, а также карьеры, и начал изолировать себя от внешнего мира, что привело к тому, что его друзья бросили его. К сожалению, со своим слабым зрением Дега провел остаток своих дней, бродя по улицам в одиночестве, пока практически не ослеп.

На скачках в деревне (1869) Эдгара Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Альфред Сислей (1839 — 1899)

Гражданство	Британо-французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Аллея каштанов возле Ла-Селль-Сен-Клу (1867) Пешеходный мост в Аржантёе (1872) Мост в Вильнёв-ла-Гарен (1872)

Художник Альфред Сислей, которого считают одним из наиболее последовательных художников-импрессионистов в этом движении, известен своей преданностью рисованию своих пейзажей на пленэре . Заявив, что импрессионизм удовлетворил его художественные потребности, Сислей, к сожалению, является одним из самых недооцененных художников, поскольку он редко отклонялся от своей темы пейзажей. Несмотря на это, его более известные работы включают Avenue of Chestnut Trees Near La Celle-Saint-Cloud (1867), Footbridge at Argenteuil (1872) и The Bridge at Villeneuve-la-Garenne ( 1872 г.).

Сислей родился во Франции в очень зажиточной британской семье и часто проводил время между этими двумя культурами.Это разделение также объяснялось отсутствием у него статуса во время импрессионистского движения, поскольку он постоянно работал между этими двумя и никогда не останавливался на одной культуре, которую можно было бы полностью принять.

Из-за этого он оставался аутсайдером для большинства движения, хотя и был ключевой фигурой в развитии французского импрессионизма.

Обученный коллегами-художниками Пьером-Огюстом Ренуаром и Клодом Моне, среди прочих, Сислей развивал свой уникальный импрессионистский стиль по мере развития движения. Это помогло решить вопрос о его статусе, поскольку он стал одним из важнейших художников импрессионистского движения. Его картины были невероятно изысканными для современного глаза, поскольку его пейзажи были известны своей поразительной способностью точно передать ощущение света и атмосферы.

Passerelle d’Argenteuil (пешеходный мост в Аржантёе , 1872 г.) Альфреда Сислея; Альфред Сислей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Центральной чертой большинства его картин было его обширное и многозначительное небо, которое всегда усугубляло его внимание к современной и городской жизни.Сислей рассматривал природу как стоящий предмет и продолжал создавать бесчисленные впечатления от увиденного на своих холстах с помощью своих схематичных мазков. Его техника позволила ввести новый стиль живописи в новый индустриальный мир, что продемонстрировало его важность как художника.

Деликатная чувствительность, которую Сислей проявлял к нюансам природных ландшафтов, была замечательной, поскольку это позволило ему создавать картины, которые оживали своей идеалистической эмоциональностью, а также их реализмом. К сожалению, искусство Сислея не росло в цене до его смерти, в результате которой он умер бедным человеком от рака горла.

Поль Сезанн (1839 — 1906)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм, постимпрессионизм, романтизм, кубизм и современное искусство
Самые известные произведения	Современная Олимпия (1873 — 1874) Изгиб дороги через лес (1873 — 1875) Пейзаж под Парижем (1876)

Одним из самых знаковых художников, вышедших из развивающегося мира искусства, был Поль Сезанн, который экспериментировал с множеством различных направлений в искусстве.Сезанну приписывают создание основ для перехода между импрессионизмом 19 ^-го -го века и кубизмом 20-го ^-го века. Его самые известные картины импрессионистов включают Современная Олимпия (1873–1874), Изгиб дороги через лес (1873–1875) и Пейзаж около Парижа (1876).

Une moderne Olympia (1873–1874) Поля Сезанна; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После того, как Сезанн подружился с французским драматургом Эмилем Золя еще в школе, ему предложили постоянно заниматься своим искусством, и он переехал в Париж, чтобы развивать свои художественные навыки.Будучи ведущим художником постимпрессионистского движения, искусство Сезанна стали ценить только к концу его жизни после того, как он продемонстрировал свое восхищение материалом и скульптурным происхождением искусства.

Из-за этого картины, которые он создал в эпоху импрессионизма, остаются на удивление неизвестными по сравнению с его более поздними работами.

Не удовлетворившись тем, что импрессионизм был просто отражением визуального восприятия, Сезанн начал расширять свою художественную практику до нового вида аналитической дисциплины.При этом его холсты брали на себя самостоятельную роль во время рисования, а его визуальные ощущения регистрировались только после того, как неоднократно смотрели на предмет. Сезанн начал наносить свои цвета на свой холст с помощью четких и методичных мазков, поскольку он заявил, что конструирует картину, а не рисует то, что видит.

La route tournante en sous-bois («Изгиб дороги через лес», 1873) Поля Сезанна; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Известный своими, казалось бы, однообразными, но характерными и исследовательскими мазками, Сезанн сумел уловить истинную сущность окружавших его пейзажей.Это добавило архитектурного элемента, который просматривался в его картинах, поскольку он считал, что каждая часть картины должна способствовать общей структурной целостности произведения искусства. Сезанн использовал мелкие мазки и широкие плоскости цвета, которые позволяли ему создавать и формировать сложные декорации, с его влиянием на искусство 20-го века, таким образом, говорящим само за себя.

Анри Матисс и Пабло Пикассо называют «отцом всех нас», вклад Сезанна в современное искусство остается беспрецедентным. Его картины включали в себя важнейшее звено, которое позволило его стилю легко перейти от импрессионизма к , фовизму, , кубизму, экспрессионизму и даже к полной абстракции.

Сосредоточенность, с которой Сезанн подходил к своим картинам, независимо от того, были ли они натюрмортами, пейзажами или портретами, позволила ему исследовать предметы со всех мыслимых сторон, что сделало его отличным наставником в рамках кубизма.

Мари Бракемон (1840-1916)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Женщина в саду (1877) Три женщины с зонтами (1880) Пьер рисует букет (1887)

Одной из первых выдающихся женщин-художников импрессионистского движения была Мари Бракемон, которую считали одной из самых значительных женщин-художников того времени. Известная своим игривым исполнением цвета и текстуры, Бракемон создала несколько невероятно заметных работ в период импрессионизма. Ее самые известные картины: Женщина в саду (1877), Три женщины с зонтиками (1880) и Пьер, рисующий букет (1887).

Из-за того, что она была женщиной, Бракемон часто упускалась из виду и оставалась незамеченной, а ее вклад в искусство иногда не упоминался в учебниках истории. Говорили, что отчасти это произошло из-за ее мужа, Феликса Бракемон, который в то же время был известным художником и, как говорили, очень завидовал ее таланту.

Trois femmes aux ombrelles («Три женщины с зонтиками», 1880) Мари Бракмонд; Мари Бракемон, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Начав свою карьеру главным образом академическим художником, Бракмонд в своем чрезвычайно утонченном реалистическом стиле больше соответствовал идеалам художников и произведений искусства, одобренных Салоном. Однако ее стиль начал резко меняться после того, как она встретила художников-импрессионистов Эдуарда Мане и Эдгара Дега, и она стала более увлеченной принципами импрессионизма. К 1880-м годам стиль и характеристики живописи Бракемонда можно было объяснить только как полностью импрессионистский.

Известная своей очевидной яркостью, причудливое использование цвета и текстуры Бракмонд придавало ее картинам безошибочный вид бликов.

Однако после 1886 года ее стиль претерпел еще одно изменение, поскольку ее цветовая палитра становилась все более яркой. Это произошло из-за ее встречи с Полем Гогеном, который посоветовал Бракемону улучшить ее несколько приглушенную цветовую палитру , чтобы она стала намного ярче.

Это изменение оказалось ироничным, поскольку муж Бракемон предпочитал работать в черно-белом цвете, а не в таких ярких цветах, но все же с большой ревностью относился к произведениям своей жены. Как и другие известные импрессионисты, Бракемон любила рисовать на открытом воздухе, и к середине своей карьеры на большинстве ее картин был изображен сад в ее доме на юго-западе Парижа.

Le goûte («Послеобеденный чай», около 1880 года) Мари Бракемон; Мари Бракемон, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Клод Моне (1840-1926)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Впечатление, восход солнца (1872) Стога сена (1890 — 1891) Кувшинки (1915-1926)

Возможно, наиболее известным художником импрессионистского движения является его основатель Клод Моне, который также считался ключевым предшественником модернизма в искусстве.Название механизма было взято из его культовой картины 1872 года «Впечатление , Восход солнца », причем механизм действительно подошел к концу только после смерти Моне. В дополнение к этой картине, другие знаковые работы включают Стога сена (1890–1891) и Водяные лилии (1915–1926).

Моне, которого считали одним из самых плодовитых и последовательных сторонников импрессионизма, поддерживал философию импрессионизма, посвятив себя живописи на пленэре.

Пейзажи оказались его самой популярной темой, и Моне смог точно передать аутентичность и восприятие природы через свои картины. Зацикленность Моне на максимально точном изображении природы оказалась очень подавляющей, что привело к тому, что он рисовал одну и ту же сцену бесчисленное количество раз, чтобы он мог изобразить меняющийся свет и времена года.

Стога сена (1885) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Известный своими обширными исследованиями света и цвета, Моне предпочитал создавать серии и часто возвращался к одним и тем же темам, чтобы запечатлеть их в разное время дня и в разное время года.Это наиболее заметно в его серии работ о соборе в Руане, Франция, и в его картинах в виде стога сена.

Вдохновленный Эдуардом Мане, Моне не интересовался понятиями, окружающими традиционное искусство, и продемонстрировал явный отход от формы, линейной перспективы и других устоявшихся форм искусства того времени. Вместо этого Мане экспериментировал со смелыми цветами, которые он свободно рисовал в своих невероятно необычных композициях, а также использовал контрастные и дополнительные цвета и более мелкие мазки.

Водяные лилии (1906) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Как художник-пейзажист, Моне подчеркивал изменчивые качества света и атмосферы в различных сценах, которые он изображал. По мере продвижения своей карьеры он становился все более чувствительным к декоративным качествам, которые цвет может иметь на свете, и начал наносить краску уменьшенными мазками, чтобы создавать широкие поля цвета. Это позволило Моне исследовать все возможности, гармонии и контрасты, предоставляемые этим цветом, что позволило ему перейти к абстракции и более современному стилю живописи к началу 1890-х годов.

Считающийся большим влиянием и важным лидером художников-импрессионистов, Моне сыграл решающую роль в привлечении Альфреда Сислея, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Пьера-Огюста Ренуара для практики в период импрессионизма.

Моне также помог в создании выставочного общества, которое в период с 1874 по 1886 год будет демонстрировать произведения группы, что способствовало развитию импрессионизма.

Жан Фредерик Базиль (1841 — 1870)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Лес Фонтенбло (1865) Купальщицы (Летний пейзаж) (1869) Студия Базиля (L’atelier de Bazille) (1870)

Одним из самых радикальных художников начала 1860-х годов, который также был художником-импрессионистом, был Жан Фредерик Базиль. Отвечая за создание основ импрессионистского движения вместе с Клодом Моне, Эдуардом Мане и Пьером-Огюстом Ренуаром, Базиль помог перевернуть традиционный художественный истеблишмент с ног на голову своим новаторским и новым подходом к живописи. Среди его наиболее значительных работ — Лес Фонтенбло (1865), Купальщицы (Летняя сцена) (1869) и Студия Базиля (L’atelier de Bazille) (1870).

Scène d’été: Les Baigneurs («Летняя сцена: купальщицы», 1869) Жана Фредерика Базиля; Фредерик Базиль, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Базиль родился в богатой семье и должен был стать врачом в своей семье.Увидев работы Эжена Делакруа, Базиль выразил глубокий интерес к живописи. Его семья согласилась заниматься его творчеством при условии, что он продолжит заниматься медицинской карьерой. Это привело к тому, что он решил изучать и медицину, и искусство одновременно, и после провала медицинских экзаменов он решил полностью посвятить себя рисованию.

Из-за своего богатого статуса Базиль использовал свои деньги, чтобы поддержать своих коллег-импрессионистов, когда выставки продолжали отказываться от них.Поощряемый Моне рисовать на улице, а не в своей студии, Базиль начал часто рисовать в сельской местности, при этом природа и пейзажи становились его наиболее заметными предметами.

Его работы, как правило, были сосредоточены на фигурах, и он приложил все усилия для успешной интеграции человеческих фигур в свои импрессионистские, но в то же время современные пейзажи.

Работы

Базиля быстро перешли в более экстремистскую художественную среду, поскольку он начал включать в свои гармоничные композиции современные композиционные приемы, такие как необычная обрезка изображений, имитирующих фотографию.Из-за этого стиль живописи Базиля в определенных моментах казался одновременно сдержанным и свободным, в зависимости от ракурса его работ и типа использованных мазков.

L’Atelier de la rue de la Condamine («Студия Базиля с улицы Ла Кондамин», 1870) Жана Фредерика Базиля; Фредерик Базиль, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Что отличало Базиля от его современников-импрессионистов, так это то, что его цветовая палитра была в целом темнее, чем у большинства других картин импрессионистов, и что он включал более резкие контуры и ровные поверхности.

Его часто считают художником, которому удачно удалось рассчитать время, но при этом ему не повезло, поскольку он оставался относительно неизвестным в период импрессионистов по сравнению с другими художниками.

В 1870 году Базиль записался на франко-прусскую войну и пошел в армию. К сожалению, он скончался в нежном возрасте 28 лет, прежде чем он когда-либо получил возможность выставить свои работы на первой в истории выставке импрессионистов. Несмотря на то, что ни одно из его произведений не было выставлено на выставке, Базиль по-прежнему считается одним из основных художников импрессионистского движения.

Берта Моризо (1841 — 1895)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Колыбель (1872) Девушка в бальном платье (1879) Порт Ниццы (1881 — 1882)

Другой невероятно известной художницей-импрессионистом была Берта Моризо, которая стала одной из неотъемлемых членов внутреннего круга парижских художников-импрессионистов.Работы Моризо, казалось бы, заимствуя черты почти всех существующих художников-импрессионистов, считались «женским шармом» в эпоху искусства, в которой доминировали мужчины. Некоторые из ее наиболее примечательных картин включают Колыбель (1872), Девушка в бальном платье (1879) и Порт Ниццы (1881 — 1882).

Замужем за братом Эдуара Мане, Эженом Мане, Моризо вместе со своим мужем работала художником. Ее работы часто носили романтический и нежный характер, поскольку ее причудливый женский талант помогал пробуждать чувство интимности в ее картинах.Моризо оставалась постоянным членом группы импрессионистов, поскольку она продолжала участвовать во всех, кроме одной из восьми выставок импрессионистов, которые проходили между 1874 и 1886 годами.

Le Berceau («Колыбель», 1872 г.) Берты Моризо; Берта Моризо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Несмотря на то, что Моризо считалась одним из ближайших художников-импрессионистов, ей, к сожалению, запретили доступ ко всему спектру предметов, которые были доступны ее коллегам-мужчинам из-за ее статуса женщины.Это включало в себя более неряшливые районы городской жизни, такие как кафе, бары, кабаре и публичные дома, что привело к тому, что она сосредоточилась в основном на пейзажах и более современных уличных и городских сценах.

И наоборот, тема Моризо открывала ей доступ ко всем аспектам женской жизни ^-го века, таким как включение частных и интимных сцен, которые были запрещены для мужчин. Это привело к тому, что критики назвали Моризо слишком чувствительным и покорным для мира искусства, и эти титулы традиционно приписывались женщинам в этот ориентированный на мужчин период истории.

Это делает вклад Моризо в искусство гораздо более важным, поскольку она существовала как нечто большее, чем просто женский голос в рамках художественного движения, в котором доминируют мужчины.

Ее художественный стиль был невероятно влиятельным, другие известные художники-импрессионисты называли ее «мастером-колористом» из-за ее картин. Моризо начала свою карьеру с создания акварелей и рисунков, прежде чем в конце концов перешла к масляным картинам, где ее стиль характеризовался легкими, почти пушистыми следами кисти, которые, казалось, были поспешно нанесены извилистыми мазками.

Jeune femme en toilette de bal («Девушка в бальном платье», 1879) Берты Моризо; Берта Моризо

, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Как и большинство других женщин-художников того периода, Моризо предпочитала пейзажи и женщин в качестве своих основных предметов. Ей посчастливилось не только выйти замуж в артистической семье, но и иметь мужа, который полностью поддерживал ее карьеру, отказавшись от собственных творческих усилий, чтобы управлять своей карьерой.

Моризо демонстрировала восторженное понимание общественного вкуса на протяжении всей своей карьеры, и в результате ее картины хорошо продавались при ее жизни и после ее смерти. Ее талант и навыки в конечном итоге завоевали восхищение и уважение ее коллег-мужчин, которые начали считать Моризо равным себе.

Это было невероятно необычное достижение для того времени, демонстрирующее влияние художественных способностей Моризо на импрессионистское движение.

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Ла Гренуйер (1869) Пон-Нёф (1872) Обед на лодке (1881)

Еще одним из известных импрессионистов был Пьер-Огюст Ренуар, который в 1860-х годах работал вместе с Клодом Моне над развитием культового стиля импрессионизма.Считающийся одним из самых любимых импрессионистов, Ренуар был ведущим художником в этом движении, который обладал глазом на красоту и прославлял женскую чувственность. Среди его самых известных работ импрессионистов La Grenouillère (1869), Pont-Neuf (1872) и Luncheon of the Boating Party (1881).

Ренуар родился в бедной семье и переехал в Париж, чтобы практиковать и экспериментировать со своим развивающимся художественным стилем. После знакомства с художниками Альфредом Сислеем, Фредериком Базилем и Клодом Моне он вошел в мир импрессионизма.Известный своей яркой цветовой палитрой, Ренуар в ранние годы обычно сосредоточивался на интимных и честных предметах, таких как обнаженная женщина, прежде чем переключить свой интерес на домашние и сельские сцены. В 1870-х годах Ренуар присоединился к Моне и начал рисовать на открытом воздухе, запечатлевая пейзажи вдоль реки Сены в Париже.

La Grenouillère («Пруд с лягушками», 1869) Пьера-Огюста Ренуара; Пьер-Огюст Ренуар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Помимо пейзажей, Ренуар продемонстрировал предпочтение женщин и детей в качестве своего предмета, что объясняет, почему картина на пленэре не была для него столь важной, как для других художников-импрессионистов.Работы Ренуара отличались от работ других художников неоспоримым человеческим элементом, который он добавил в свои работы, поскольку у него был фантастический глаз, чтобы запечатлеть как интимную семейную жизнь сцен, так и моду того времени.

Изображению Ренуара хорошо одетых парижан удалось навести мост между обществом среднего класса и более исследовательскими художественными целями импрессионизма.

Его очевидный стиль часто отличался мягкостью, полнотой и страстью, которые он вкладывал в свои картины.Из всех известных импрессионистов его картины считаются более «традиционными» в рамках движения, поскольку его пейзажи и городские пейзажи, как правило, запечатлевают невероятно веселые и непринужденные моменты современной парижской жизни.

« Le déjeuner des canotiers» («Обед в лодке », 1880–1881) Пьера-Огюста Ренуара; Пьер-Огюст Ренуар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Знаменитый своим особым глазом и умениями, великолепно отражающими свет и тень в его вневременной классике, картины Ренуара всегда были полны жизни и ярких красок.Он продолжал использовать свои новые навыки в своих разноцветных мазках и яркой атмосфере, продолжая учиться на протяжении всей своей карьеры, что делало его картины чрезвычайно приятными для просмотра.

Однако именно особое восхищение Ренуара человеческой фигурой и элегантным изображением форм отличает его от других художников-импрессионистов того времени.

Ренуар был первым импрессионистом, который смог распознать и понять ограничения художественного стиля, основанного в первую очередь на визуальных ощущениях и световых эффектах.Его яркие и живые работы также вдохновляли на работы будущих художников 20-го века, таких как Анри Матисс и Пабло Пикассо. Благодаря его проницательности и прекрасным композициям, которые он создал, вклад Ренуара в движение Impression остается несравненным.

Мэри Кассат (1844-1926)

Гражданство	Американский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Импрессионизм
Самые известные произведения	Женщина с жемчужным ожерельем в лоджии (1879) Детская ванна (1893) Вечеринка на лодке (1893 — 1894)

Как единственный американский художник в нашем списке и не меньше женщины, Мэри Кассат считалась самой известной художницей импрессионистского движения.Подружившись с Эдгаром Дега, когда она переехала во Францию, Кассат начала регулярно выставлять свои работы вместе с другими художниками-импрессионистами. Среди ее самых известных картин — Женщина с жемчужным ожерельем в лоджии (1879), Детская ванна (1893) и Катание на лодке (1893–1894).

Изначально обучаясь в Пенсильванской академии изящных искусств, Кассат переехала в Париж в 1866 году и оказалась полезным связующим звеном между этими двумя культурными мирами.Благодаря своим смекалистым деловым навыкам Кассат установила прочные дружеские и профессиональные отношения с художниками, дилерами и коллекционерами как в Америке, так и во Франции, что помогло ей стать заметной фигурой в развивающемся мире искусства 20-го века. Кроме того, ее эксперименты с импрессионизмом помогли сформировать вкус к импрессионистскому искусству вместе с коллегами-художниками в Америке.

Женщина с жемчужным ожерельем в лоджии (1879) Мэри Кассат; Филадельфийский художественный музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После достижения профессионального доступа, когда одна из ее картин была выбрана для Парижского салона, Кассат достигла пика в своей карьере.Только после знакомства с Дега она присоединилась к группе импрессионистов, что принесло ей больший профессиональный успех и удовлетворение от ее карьеры.

Считается, что она постоянный защитник равных прав, Кассат ненавидела запрет женщинам заниматься искусством. Из-за этого основной сюжет в ее картинах был сосредоточен на женщинах и девушках в интимных и домашних сценах, поскольку она обычно изображала как социальную, так и личную жизнь женщин и матерей с их детьми.

Причина включения этих домашних условий заключалась в том, что они представляли мир, которым она была ограничена, в отличие от большего количества общественных мест, которые ее коллеги-мужчины могли свободно занимать и исследовать.

Картины

Кассат без особых усилий сочетали мягкую цветовую палитру с свободной и изысканной манерой письма, что сделало ее заметной среди импрессионистов и помогло ей заслужить уважение как серьезного художника, несмотря на ее пол. Несмотря на то, что ее искусство временами отвергалось как в первую очередь «женское», большинство критиков понимали, что Кассат привнесла значительные технические способности и психологическое понимание в свой предмет, что сделало ее очень почитаемой.

The Boating Party (1893–1894) Мэри Кассат; Мэри Кассат, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Гюстав Кайботт (1848 — 1894)

Гражданство	Французский
Где жил художник	Франция
Ассоциированные движения	Реализм и импрессионизм
Самые известные произведения	Le Pont de I‘Europe (1876) Paris Street, Rainy Day (1877) Сад в Пти-Женвилье (1893)

Французский художник Гюстав Кайботт, который также был художником-импрессионистом, на протяжении всей своей карьеры считался художником-реалистом.Кайботта, которого считали одним из выдающихся художников-импрессионистов, на протяжении всей истории, к сожалению, несправедливо затмевали его сверстники. Несмотря на это, его работы начали выставляться в течение последнего десятилетия, среди его самых значительных картин, включая Le Pont de I ‘Europe (1876), Paris Street, Rainy Day (1877) и The Garden at Petit. Gennevilliers (1893).

Кайботт родился в богатой семье и имел возможность жить за счет своего наследства, которое позволяло ему заниматься искусством без каких-либо финансовых проблем.

Так как боязнь продажи своих работ его не волновала, Кайботт мог свободно покупать картины своих коллег-художников-импрессионистов и финансировать многочисленные выставки импрессионистов. В течение десятилетий после своей смерти Кайботт был известен как крупнейший спонсор и покровитель своих коллег, в том числе его друзей Клода Моне, Пьера-Огюста Ренуара, Эдуарда Мане и Камиля Писсарро.

Rue de Paris, temps de pluie («Парижская улица в дождливую погоду», 1877) Гюстава Кайботта; Гюстав Кайботт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В отличие от своих современников, Кайботт проявлял более реалистичный стиль в своих произведениях.Некоторые холсты даже считались фотореалистичными, так как он обладал этой сверхъестественной способностью запечатлеть точную сцену, как это было бы с фотографией. Его самые популярные темы включали внутренние сцены, городские пейзажи и сельские пейзажи, поскольку Кайботт мог использовать крайние линии перспективы, которые зажигали его картины энергией в этих сценах.

Эксцентричность его стиля может объяснить, почему его работы в основном игнорировались до 1950-х годов и не ценились и не восхищались искусствоведами до 1970-х годов.После своей смерти Кайботт был более известен как важный даритель произведений импрессионистов и постимпрессионистов французскому государству, в отличие от самого известного художника-импрессиониста. В то время Кайботт даже пожертвовал большое количество своих картин, что оказалось бесценной идеей, когда его работы получили долгожданное признание, которого они заслуживали.

Несмотря на то, что это относительно короткое движение, переросшее в постимпрессионизм, импрессионистский период стал одним из самых знаковых картин в истории искусства.Хотя существует еще много известных художников-импрессионистов, мы рассмотрели лишь самых известных представителей художественного периода. Если вам понравилось читать об этих художниках, мы рекомендуем вам продолжить изучение других и, возможно, менее известных художников-импрессионистов.

Пробный вопрос: Почему искусство импрессионистов так популярно?

Представьте себе толпы людей, стоящих в очереди в течение нескольких часов, ожидая, чтобы их пустили в комнату, а когда они получили доступ, они толкаются и толкают друг друга локтями, чтобы лучше рассмотреть.Поклонники на рок-концерте? Подумай еще раз. Это было сценой почти на каждой крупной музейной выставке импрессионистского искусства в течение нескольких десятилетий, от Мане в Метрополитен-музее до Моне в Чикагском художественном институте, до Ренуара и Писсарро в Бостонском музее изящных искусств.

Как импрессионизм стал популярным блокбастером в мире искусства?

Говорит Нэнси Локк, доцент кафедры истории искусств Пенсильванского университета: «Я думаю, что эти картины настолько популярны, потому что мы видим в них самих себя: мы видим суету современного города, подъем пригорода, очень современную модную тенденцию. .Однако в девятнадцатом веке картины, изображающие людей, пытающихся быть современными, были совершенно новым явлением. Раньше художники рисовали мифологические и исторические сюжеты, а не современные сюжеты ».

Импрессионисты часто изображали сцены досуга, такие как кафе, отели, пляжи, сады и общественные парки.

«Мы думаем, что эти предметы очень приятны, но на самом деле они были очень новыми для того времени, — объясняет Локк, — и стиль эскиза, который использовали художники, изначально был шокирующим».«

В середине девятнадцатого века художники во Франции «должны были выставляться в Салоне (огромной ежегодной или двухгодичной выставке, на которой жюри принимает участие горстка пожизненных членов французской академии), чтобы быть замеченными», — добавляет она.

«Импрессионисты перестали выставляться в Салоне и начали организовывать свои собственные независимые выставки. Это было бы похоже на то, как сегодня художники обходят галерею и вместо этого используют Интернет и социальные сети для создания подписчиков».

Многие, посетившие свою первую независимую выставку в 1874 году, считали новый стиль в лучшем случае дилетантским и незавершенным, а в худшем — скандальным и безумным.

«Поскольку сегодня мы так комфортно относимся к искусству импрессионизма, нам трудно понять, что нового и революционного в этом стиле живописи», — говорит Локк. «Однако использование современности как предмета было радикальным в 1870-х годах, и поскольку импрессионисты рисовали современность, они присоединялись к предшественникам в литературе и живописи, которые уже шокировали публику в предыдущие десятилетия или два».

В 1857 году, отмечает она, и «Мадам Бовари» Флобера, и «Les Fleurs du mal» Бодлера предстали перед судом за оскорбление общественной морали.В живописи Курбе и Мане рисовали обнаженную натуру, которая шокировала своими откровенными ссылками на проституцию. Это было время, когда публика ожидала, что картины расскажут историю, будут назидать и воодушевлять; напротив, импрессионисты бесстрастно рисовали современные предметы ».

В то время как сегодня люди обычно рассматривают импрессионизм как красивый и созерцательный стиль, «никто, глядя на картины импрессионистов 1870-х годов, не думал, что эти изображения были эскапистскими или красивыми», — поясняет Лок.«Большинство критиков утверждали, что картины были ужасно уродливыми, что люди на них выглядели больными и грязными, и что художники, должно быть, были совершенно неумелыми».

По мере того, как вкусы менялись, публика приняла более свободный стиль, более яркую палитру и более индивидуальную интерпретацию импрессионистского движения. Многие из основных фигур движения, такие как Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега, добились успеха еще при жизни.

Согласно Локку, Клод Моне был, вероятно, самым влиятельным, прожил дольше всех (он умер в своем знаменитом доме в Живерни в возрасте 86 лет) и имел, пожалуй, самый большой коммерческий успех и успех у критиков.«Моне почти случайно изобрела стиль импрессионизма», — говорит она.

«Было обычным делом пытаться рисовать большие холсты, чтобы быть замеченным на ежегодных выставках Салона», — говорит она. «У него были проблемы с созданием более крупных картин, которые показывали концентрированные упрощения световых эффектов, которые его интересовали. Затем он решил, что некоторые из его эскизов имеют более свободный стиль рисования, который он может продолжать использовать, в основном на станковых картинах меньшего размера. Меньше мазков кистью и использовать более крупные штрихи, чтобы поверхность холста стала более мозаичной.

«Художники, такие как Альфред Сислей, Пьер-Огюст Ренуар и Фредерик Базиль, тяготели к сюжетам Моне и его интересу к временным световым эффектам. Камиль Писсарро начинал как художник-пейзажист, больше похожий на Коро, а Берта Моризо как художник-фигурка оказала влияние Эдуарда Мане, но оба начали перенимать аспекты стиля Моне, так что будет справедливо сказать, что стиль Моне лучше всего представляет импрессионизм ».

Что, возможно, подумали Моне или другие художники об огромной популярности своих картин и связанных с ними товаров сегодня?

«Если вы искусствовед, то трудно не съежиться, когда вы видите галстуки с подсолнухами Ван Гога и журнальные книги о собаках-импрессионистах — хотя у меня есть кукла Сезанна!» — со смехом отвечает Лок.

Хотя универмаг зародился примерно в то же время, что и живопись импрессионистов, и во многих отношениях Париж девятнадцатого века породил современное общество потребления, масштабы мерчандайзинга импрессионистской живописи тогда еще были невообразимы.

Не то чтобы художники не адаптировались к рынку своего времени, — отмечает Лок. «Дега написал много мелких пастелей, потому что их было легче продать, а некоторые импрессионисты нарисовали дамских веерей для рынка.Портреты были опорой Ренуара, потому что ему был нужен доход. Несмотря на то, что импрессионисты были радикальны в свое время, они были не против «маркетинга», потому что пытались найти аудиторию ».

С толпами, превышающими полмиллиона человек на основные выставки импрессионистов, можно с уверенностью сказать, что они нашли одну.

Нэнси Локк — адъюнкт-профессор истории искусств Пенсильванского университета, с ней можно связаться по адресу [email protected].

15 известных картин импрессионистов, которые должен знать каждый ценитель искусства

Историю искусства по большей части можно проследить до формирования различных направлений в искусстве.От драмы барокко до эмоций романтизма — эти движения отражают взгляды того времени. Затем, в 1870-х годах, появился новый революционный стиль, названный импрессионизмом.

Это революционное движение, возглавляемое Клодом Моне, Камилем Писсарро, Эдгаром Дега и Пьером-Огюстом Ренуаром, противоречило стандартам живописи того времени. Вместо того, чтобы преследовать реализм, художники-импрессионисты подчеркивали свет, движение и атмосферу в своих изображениях повседневной жизни. В результате их работы запечатлели мимолетные моменты времени.

Хотите узнать больше об импрессионизме? Прокрутите вниз, чтобы увидеть 15 известных картин мастеров этого культового стиля XIX века.

Совершите экскурсию в импрессионизм, узнав об этих 15 знаменитых картинах.

Клод Моне, Impression, Sunrise , 1872

Клод Моне, «Впечатление, восход», 1872 г. (Фото: Musée Marmottan Monet через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Клод Моне представил Impression, Sunrise на Первой выставке импрессионистов, независимой выставке, организованной художниками-авангардистами Парижа.Его радикальный стиль и удачное название вызвали шквал негативных отзывов местных искусствоведов.

«Они импрессионистов в том смысле, что они передают не пейзаж, а ощущение, производимое пейзажем», — писал Жюль Кастаньяри из Le Siècle . «Само слово перешло в их язык: в каталоге Sunrise Моне назван не пейзажем, а впечатлением. Таким образом они покидают реальность и входят в царство идеализма ».

В конце концов, именно эта картина и ее рецензии дали имя импрессионистам.

Берта Моризо, Колыбель , 1872

Берта Моризо, «Колыбель», 1872 г. (Фото: Музей Орсе через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Берта Моризо была одной из les trois grandes dames , или «трех великих женщин» импрессионизма, наряду с Мэри Кассат и Мари Бракемон. Колыбель была выставлена ​​вместе с Моне Impression, Sunrise на Первой выставке импрессионистов 1874 года и получила похвалу за свою «женскую грацию».”

Клод Моне, Женщина с зонтиком , 1875

Клод Моне, «Женщина с зонтиком», 1875 г. (Фото: Национальная художественная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Женщина с зонтиком изображает жену и маленького сына Моне на вершине покрытого травой холма в Аржантее. Он использует множество выразительных мазков на небе и в поле, чтобы создать ветреную атмосферу. Точно так же драпировка белого объемного платья его жены и ремни ее чепца усиливают легкость этого момента.

Эдгар Дега, Танцевальный класс , 1875

Эдгар Дега, «Танцевальный класс», 1875 г. (Фото: Музей Орсе через Wikimedia Commons, общественное достояние)

В то время как большинство импрессионистов изображали сцены на открытом воздухе, Эдгар Дега предпочитал человеческие предметы и внутренние пространства. В частности, он посвятил большую часть своей творческой карьеры съемкам артистов на работе, в первую очередь балерин. Танцевальный класс — одна из его первых набегов на эту сферу.

«Люди называют меня художником танцующих девушек», — сказал Дега парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару. «Им никогда не приходило в голову, что мой главный интерес к танцорам заключается в передаче движений и раскрашивании красивой одежды».

Эдгар Дега, Place de la Concord , 1875

Эдгар Дега, «Площадь Согласия», 1875 г. (Фото: Эрмитаж через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Place de la Concorde изображает художника и мецената Людовика-Наполеона Лепика с дочерьми и собакой на городской площади в Париже.Большое количество негативного пространства, обрезанные фигуры и необычная композиция позволяют предположить, что на Дега повлияла фотография.

Эдгар Дега, L’Absinthe, 1875–6

Эдгар Дега, «L’Absinthe», 1875–186 (Фото: Musée d’Orsay через Wikimedia Commons, общественное достояние)

По сравнению с другими картинами импрессионистов и даже многими другими работами Дега, L’Absinthe выделяется своей приглушенной цветовой палитрой и темным сюжетом.На нем изображены женщина и мужчина за столиком в баре, оба выглядят явно подавленными. Перед женщиной стоит стакан абсента, популярного напитка того времени. Хотя при жизни Дега это была неоднозначная картина, с тех пор она приобрела значимость, так как изображала менее заметное «впечатление» современной жизни.

Pierre-Auguste Renoir, Bal du Moulin de la Galette , 1876

Пьер Огюст Ренуар, «Бал дю мулен де ла Галетт», 1876 г. (Фото: Музей Орсе через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Пьер-Огюст Ренуар создал Bal du moulin de la Galette в 1876 году, в то время как импрессионизм все еще находился на начальной стадии.На нем изображена толпа ликующих людей, включая актеров, художников, критиков и членов семьи Ренуара в оригинальном Мулен-де-ла-Галетт, танцевальном зале под открытым небом на Монмартре. Пятнистое освещение, тонкие мазки и чувственные женские фигуры — все это символизирует стиль Ренуара.

Claude Monet, La Gare Saint-Lazare , 1877

Клод Моне, «Ла Гар Сен-Лазар», 1877 г. (Фото: Музей Орсе через Wikimedia Commons, общественное достояние)

La Gare Saint-Lazare — первая в серии из 12 картин Моне, созданных на вокзале Gare Saint-Lazare в Париже.Он запечатлел движущийся поезд: клубы пара и дыма наполняют здание и затуманивают небо, а пешеходы усеивают железнодорожные пути внизу. Эта серия выделяется в творчестве Моне своей более урбанистической тематикой, поскольку художник был более известен своими работами, вдохновленными природой.

Гюстав Кайботт, Парижская улица; Дождливый день , 1877

Гюстав Кайботт, «Парижская улица»; Дождливый день », 1877 г. (Фото: Институт искусств Чикаго через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Написано в 1877 году, Парижская улица; «Дождливый день » — одна из самых знаменитых картин Гюстава Кайботта и ключевая часть импрессионизма.Модель более реалистична в моделировании фигур, но в ней использована поразительная композиция с обрезанными фигурами, явно вдохновленная новой практикой фотографии. В целом, это позволяет запечатлеть мимолетное «впечатление» современной городской сцены, которое было основным желанием художественного движения.

Мэри Кассат, Маленькая девочка в синем кресле, 1878

Мэри Кассат, «Маленькая девочка в синем кресле», 1878 г. (Фото: Национальная художественная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Мэри Кассат, хотя и не так широко известна, как другие импрессионисты, была одним из пионеров искусства раннего модерна.Родом из Америки, она переехала в Париж, чтобы продолжить карьеру в живописи. Там она познакомилась с Дега и другими импрессионистами и присоединилась к их движению. Маленькая девочка в синем кресле — одна из ее самых успешных работ и ранний образец ее изображения детей. Асимметричная композиция также демонстрирует влияние Дега, который на протяжении многих лет был ее учителем.

Пьер Огюст Ренуар, Обед на лодке , 1880–1

Пьер Огюст Ренуар, «Завтрак на лодке», 1880–181 гг. (Фото: Коллекция Филлипса через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Обед на лодке был представлен на Седьмой выставке импрессионистов в 1882 году и получил широкую признательность.Картина сочетает в себе все предметы, которые Ренуар больше всего любил рисовать — натюрморты, портреты и сцены на открытом воздухе. Опять же, эта картина маслом посвящена досугу, так как группа показана за обедом на солнечном балконе Maison Fournaise, ресторана, где можно арендовать лодки недалеко от Парижа.

Мэри Кассат, Детская ванна , 1893

Мэри Кассат, «Детская ванна», 1893 г. (Фото: Институт искусств Чикаго через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Когда картина Кассат стала более зрелой, она сосредоточилась на одном предмете — отношениях матери и ребенка. Детская ванна — одно из ее самых знаковых произведений за поразительную перспективу, пастельную цветовую палитру и композицию. Он также отражает увлечение Кассат японскими гравюрами на дереве — популярной музой многих импрессионистов того времени.

Camille Pissarro, Pont Boieldieu in Rouen, Rainy Weather , 1896

Камиль Писсарро, «Мост Буальдье в Руане, дождливая погода», 1896 г. (Фото: Художественная галерея Онтарио через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Как один из основателей импрессионистского движения, Камиль Писсарро сыграл большую роль в развитии стиля и поощрении независимых выставок работ художника.Его самые известные работы изображают городские сцены с высоты. Pont Boildieu в Руане, Rainy Weather — часть серии работ, которые он сделал во время пребывания в Руане.

Писсарро описывает картину в письме: «Тема — мост у площади Биржи с эффектами дождя, толпы людей, которые приходят и уходят, дым с лодок, причалы с подъемными кранами, рабочие на переднем плане и все такое. это в серых тонах, блестящих под дождем ».

Пьер Огюст Ренуар, The Large Bathers, 1884–7

Пьер Огюст Ренуар, «Большие купальщицы», 1884–187 гг. (Фото: Художественный музей Филадельфии через Wikimedia Commons, общественное достояние)

«Большие купальщицы» № был создан после того, как Ренуар посетил Италию и лично увидел некоторые из своих любимых работ Тициана и Рафаэля.В результате это произведение продолжает традиции купальщиц в искусстве в стиле импрессионистов. На переднем плане изображены три купающихся женщины, а на заднем — две. Хотя поначалу картина получила неоднозначный прием из-за своего отхода от типичного импрессионизма, с тех пор она стала фаворитом за попытку объединить историю с современностью.

Клод Моне, Кувшинки и японский мост , 1897–99

Клод Моне, «Водяные лилии с японским мостиком», 1897–1999 гг. (Фото: Художественный музей Принстонского университета через Wikimedia Commons, общественное достояние)

С 1883 года и до своей смерти 43 года спустя Моне жил в идиллическом Живерни, Франция.Там он окружил себя красотой, о чем свидетельствуют солнечные интерьеры его дома, коллекция японских гравюр на дереве, висящая на его стенах, и сады в восточном стиле, которые он построил у входной двери — красочное творение, которое он, как известно, назвал своим « самый красивый шедевр ».

Водяные лилии с японским мостиком изображает жемчужину его сада — японский мост, обрамляющий искусственный пруд с кувшинками.

Статьи по теме:

20 известных картин из истории западного искусства, которые должен знать любой ценитель искусства

В поисках смысла картины Эдуара Мане «Бар в Фоли-Бержер»

9 европейских женщин-художников-первопроходцев, творящих историю в 18-19 веках

Выставка Beyond Monet — крупнейшее иммерсивное мероприятие в Канаде

Импрессионизм: свет, цвет и моменты, запечатленные во времени

Откройте для себя онлайн-уроки искусства

Рисунок, живопись, скульптура и др.

Отличительной чертой всех художественных работ является то, что они должны заставлять вас что-то почувствовать. А импрессионизм, сфокусированный не столько на физической сцене, сколько на опыте пребывания там, уникально подходит для передачи эмоций и переноса зрителя в определенный момент времени.

Импрессионизм — это направление современного искусства с легендарной историей. Художники, лежащие в основе движения, в том числе известные импрессионисты Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега, представили новый подход к живописи, который шел вразрез с современными стилями того времени и столкнулся с довольно большой негативной реакцией.Это включало отказ со стороны многих их сверстников и критиков, которые не понимали, как кажущаяся «незаконченной» картина могла точно стать предметом дискурса дня.

Чтобы лучше понять эпоху импрессионизма, нужно лучше понять более широкий диапазон истории искусства в западном мире. Вот что нужно знать о временах импрессионизма, в том числе об известных примерах искусства импрессионизма и о том, как долго они повлияли на современное искусство.

Целью импрессионистического искусства было заявить о быстро меняющейся городской среде и мимолетности современной жизни.Это было достигнуто с помощью современных и неземных техник, которые в то время радикально отличались от академической работы художественной элиты.

Название механизма было взято из картины Моне «Impression, soleil levant» (что означает «Впечатление, восход солнца»), впервые представленной в апреле 1874 г. на первой «Выставке импрессионистов» в Париже (и в настоящее время экспонирующейся в Музее Мармоттан Моне). «Впечатление, восход солнца» — это изображение порта на восходе солнца, где цвета сливаются на горизонте таким образом, что между водой и небом почти нет четкой границы.

Источник: Wikimedia Commons
Картина Клода Моне « Impression, soleil levant»), написанная в 1872 году и впервые представленная в 1874 году, была произведением, которое катапультировало импрессионизм в современный дискурс и дало название движению.

Общим для «Впечатления, восхода солнца» и других работ импрессионистов было резкое отличие от реализма, хотя они и стремились произвести впечатление на зрителя очень реальными чувствами. Сцены туманные и почти незавершенные, и именно их эффект, а не их изображения, обладают всей эмоциональной силой.

Определение импрессионизма

Основанный в Париже, импрессионизм был художественным движением конца 19 века, которое сосредоточивалось на рисовании уличных сцен с точным изображением условий естественного освещения. Работы импрессионистов захватили ощущение момента, как будто художник сел писать, едва взглянув на сцену перед ними. Это было достигнуто с помощью коротких тонких мазков кисти, которые привели к несколько искаженному представлению предметов в картине, а также использованию яркой, очень насыщенной цветовой палитры.

Почему импрессионизм был оскорблением?

Это может быть трудно представить, поскольку сегодня художники-импрессионисты и их работы так знамениты, но в XIX веке «импрессионизм» был не столько любовью, сколько критикой стиля и его основоположников.

Эпоха импрессионизма пришлась на то время, когда большинство художников было сосредоточено на академических или реалистичных изображениях своих предметов. Работы импрессионистов с их быстрыми, беспокойными и жесткими мазками были далеки от реалистического искусства, которое защищали критики.Таким образом, этот термин использовался для обозначения того, что работа была неполной — впечатление от законченной картины вместо работы, которая выделялась своими достоинствами.

К счастью, классифицировать картину как импрессионистическую уже не является оскорблением. Сегодня мы ценим период импрессионизма не только за его способность переносить нас в момент времени, но и за его смелый и целенаправленный отход от высоких стандартов европейского искусства 19 века.

Движение импрессионистов началось в апреле 1874 года с выставки, организованной Анонимным обществом художников, скульпторов, граверов и т. Д., членами которого были Ренуар, Моне и Дега, а также Камиль Писсарро и Берта Моризо.

Это мероприятие, позднее известное как Первая выставка импрессионистов, стало главным открытием искусства импрессионизма. Было бесспорно, что этот новый художественный подход оказал сильное влияние на зрителей, хотя многие приходили просто таращиться на картины, которые широко обсуждались в прессе.

Источник: Wikimedia Commons
«Колыбель» Берты Моризо (1872 г.) была одной из картин, представленных на Первой выставке импрессионистов.

Нельзя отрицать, что некоторые видели красоту в искусстве импрессионизма, однако трудно переоценить, насколько громадным было смятение критиков той эпохи. В ответ на «Впечатление, восход солнца» Моне газетный критик сказал, что «предварительный рисунок рисунка обоев более закончен». Для описания выставленных работ использовались и другие термины, такие как «банальное» и «пошлое».

Импрессионизм считался современным как в технике, так и в изображении городской среды.Он также был быстро признан своим неприятием столь популярного реалистического искусства. Обе эти вещи шокировали критиков и общественность и привели к массовому осуждению. Несмотря на критику, Анонимное общество провело восемь выставок импрессионистов в период с 1874 по 1886 год, хотя единственным художником, показавшим свои работы на всех восьми выставках, был Писсарро.

Был ряд причин, по которым выставки импрессионистов в конечном итоге прекратились, в том числе эволюция многих стилей участников (сам Писсарро перешел к технике, называемой неоимпрессионизмом), а некоторые участники, в том числе Ренуар и Моне, стали более коммерческими. техники для того, чтобы на самом деле продать свое искусство.

Несмотря на то, что это относительно короткое движение, импрессионизм имел давние последствия. Сегодня есть художники, которые по-прежнему вдохновляются картинами импрессионистов и используют свои техники в собственном творчестве. А известные произведения импрессионизма хвалят современные критики, а не унижают.

Хотя мы немного поговорили о том, чего пытались достичь художники-импрессионисты, определенно можно сказать больше о различных техниках, которые они использовали для этого.Характеристики импрессионистического искусства были такими же центральными для движения, как и сами готовые произведения, и продолжают использоваться художниками для передачи эмоций в своих картинах.

Вот некоторые из основных черт, которые вы найдете во всех работах эпохи импрессионизма.

Мелкие и жирные мазки

Этот стиль мазка создает эффект разрозненности, который заставляет зрителя чувствовать, что он смотрит на сцену, как когда-то делал художник.

Изображение естественного света

Картины импрессионистов в подавляющем большинстве представляют собой сцены на открытом воздухе, и естественный свет сыграл важную роль в их изображениях.Поскольку художники-импрессионисты часто сидели и рисовали на пленэре (на открытом воздухе) в течение многих часов за один раз, их картины демонстрируют смещение света по всей сцене — характеристика, которая сама по себе представляет собой намерение запечатлеть мимолетный момент.

Несмешанные цвета

Краска в искусстве импрессионизма была оставлена ​​несмешанной, создавая контраст между мазками кисти, которые не сливались вместе на холсте, но сливались с глазом. Это еще больше способствовало потустороннему характеру картин импрессионистов, а также сделало каждый отдельный цвет более ярким.

Источник: Wikimedia Commons
Присмотритесь, и вы увидите, что цвета в «Звездной ночи» Ван Гога (1889) просто располагаются рядом друг с другом, а не смешиваются вместе.

Исключенные предметы

Многие работы импрессионистов показывают пейзажи и предметы, которые просто занимаются своей повседневной жизнью в современной городской среде; работать, заниматься домашними делами или болтать с друзьями и семьей. Напротив, наиболее известные работы того времени были посвящены академическим предметам, таким как история, мифология и религия.

Отсутствие акцента на деталях

Линии в картинах импрессионистов размыты и спонтанны. В результате детали выглядят неопределенными, а текстура сцены проходит через более чем отдельные элементы. Это также приводит к мечтательности импрессионизма, поскольку единственные четкие изображения на картине — это свет и тень.

Движение импрессионистов просуществовало недолго, но есть много известных примеров искусства импрессионизма, которые по сей день считаются шедеврами.Узнаете ли вы какие-нибудь из этих произведений импрессионистического искусства?

Танцовщица

Премьера балета Ренуара «Танцовщица» (1874) состоялась на Первой выставке импрессионистов. Посмотрев ее, художник-пейзажист М. Джозеф Винсент заметил искусствоведу Луи Леруа: «Как жаль, что художник, имеющий определенное понимание цвета, не рисует лучше; ноги его танцовщицы такие же ватные, как марля ее юбок.

Переправа на Иль-де-ла-Лог — наводнение

«Переправа на Иль-де-ла-Лог — Потоп» — ранняя импрессионистская работа, написанная в 1872 году Альфредом Сислеем.Картину купил французский арт-дилер Поль Дюран-Рюэль, который увидел потенциал импрессионизма и представил на первую выставку «Перегон на Иль-де-ла-Лог — Потоп» .

Сад художника в Живерни

Моне не отказался полностью от импрессионизма после последней выставки в 1886 году. «Сад художника в Живерни», возможно, одна из его самых любимых работ импрессионистов, был написан несколько лет спустя, в 1900 году.

Прачка

Общая характеристика импрессионизма состоит в том, что он изображает людей, выполняющих повседневные задачи в городском мире.«Прачка» (1874 г.) Дега — прекрасный пример такого сосредоточения на обыденном.

Современная Олимпия

«Современная Олимпия» Поля Сезанна (1873–1874) — дань модернистской «Олимпии» Эдуара Мане, которая шокировала критиков, когда она была выставлена ​​на Парижском Салоне 1865 года. Сам Мане оказал влияние (и находился под влиянием) импрессионистов, но он публично отказался считаться художником-импрессионистом или выставлять свои работы на их выставках.

Капустное поле, Понтуаз

Писсарро был одним из самых преданных импрессионистов. Его картина «Капустное поле, Понтуаз» (1873) иллюстрирует движение и является одним из более чем 300 созданных им пейзажей.

Терраса на берегу Сены в Мелуне

«Терраса на берегу Сены в Мелене», написанная Анри Руаром, обычно датируется 1880 годом, хотя многие искусствоведы считают, что на самом деле она была написана раньше и была показана на Первой выставке импрессионистов.

Вскоре после того, как импрессионизм проник в европейское живописное сообщество, он нашел свое отражение и в музыке. Как и искусство импрессионизма, импрессионистическая музыка предназначена для того, чтобы произвести впечатление, передавая чувства, настроения и эмоции момента.

Важным элементом этого стиля музыки является тембр или качество музыкальной ноты. Тембр используется в импрессионистской музыке почти так же, как мазки кисти в импрессионистских картинах, при этом различные звуки появляются несмешанными, чтобы создать текстуру в произведении.

К хорошо известным примерам импрессионизма в музыке относятся:

• «Клер де Люн» Клода Дебюсси
• «В летнем саду» Фредерика Делиуса
• «Гранада» Исаака Альбениса
• «Вальс» Мориса Равеля
• «Фонтаны Рима» Отторино Респиги
• «Ученик чародея» Пол Дукас

Подробнее

Хотите узнать больше об импрессионизме в искусстве? Ознакомьтесь с нашим путеводителем по истории живописи, а затем подумайте о том, чтобы пройти курс по технике импрессионистической масляной живописи.

Чувствуете вдохновение рисовать?

Живопись акрилом: основы для начинающих

10 самых известных картин импрессионистов

Характеристики картины импрессионистов включают характерные мазки кисти, яркие цвета, обычные предметы, откровенные позы и композиции и, что наиболее важно, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах и необычных углах обзора. Импрессионизм зародился во Франции в середине девятнадцатого века.До этого художественного направления натюрморты и портреты, а также пейзажи обычно писались в студии. Импрессионисты нарушили условности и часто рисовали на открытом воздухе, запечатлевая реалистичные сцены современной жизни. Хотя движение изначально подвергалось критике, вскоре оно собрало последователей и привело к аналогичным движениям в музыке и литературе. Вот 10 самых известных картин этого революционного художественного движения.

# 10 Скребки для пола

Французский Название: Les raboteurs de parquet

Автор: Гюстав Кайботт

Год: 1875

Скребки для полов — Гюстав Кайботт

Одна из первых картин, изображающих городской рабочий класс, «Скребки для полов» иллюстрирует неизменный интерес Кайботта к перспективе и повседневной жизни.Обратите внимание, как красиво Кайботт улавливает свет через окно и возникающие тени. Картина также известна своей реалистичностью, как фотография. Он был отклонен самой престижной французской художественной выставкой «Салон», потому что изображение полуобнаженных мужчин из рабочего класса считалось «вульгарным сюжетом». Теперь эта картина считается одной из лучших картин Кайботта и используется его поклонниками, чтобы сравнить его с современниками, ссылаясь на реализм, грубость и точность, с которой он изобразил эту сцену.

# 9 Любительница абсента

Французский Название: L’Absinthe

Автор: Эдгар Дега

Год: 1876

Любитель абсента — Эдгар Дега

Эта знаменитая картина Дега отражает растущую социальную изоляцию в Париже в период его быстрого роста. На картине изображена тупо смотрящая перед собой женщина со стаканом абсента перед собой.Рядом с ней сидит мужчина, похожий на алкоголика. Дега попросил знаменитую актрису Эллен Андре и богемного художника Марселлена Десбутина изобразить двух наркоманов абсента в его любимом парижском кафе Café de la Nouvelle-Athènes в Париже. Английские критики сочли людей на картине ужасно униженными и неуклюжими, а женщину даже высмеяли как шлюху. Некоторые рассматривали картину как предостерегающий урок против абсента и французов в целом. Позже L’Absinthe приобрел популярность и оказал влияние на работы многих художников.Сейчас он известен своей уникальностью и считается шедевром.

# 8 Pont Boieldieu в Руане, дождливая погода

Автор: Камиль Писсарро

Год: 1896

Мост Буальдье в Руане, дождливая погода — Камиль Писсарро

Эта картина знаменует возвращение Камиля Писсарро, декана художников-импрессионистов, к импрессионизму после десятилетия экспериментов с постимпрессионизмом и путализмом.Писсарро сделал серию картин этого моста и его окрестностей в различных условиях освещения и погоды. Это самый известный среди них. Сам Писсарро описывает картину так: «Тема — мост возле площади Биржи с эффектами дождя; толпы людей приходят и уходят; дым от лодок; причалы с подъемными кранами; рабочие на переднем плане; и все это серыми цветами, блестящими под дождем ».

# 7 Обед на лодке

Французский Название: Le dejeuner des canotiers

Автор: Пьер Огюст Ренуар

Год: 1880-1881

Обед на лодочной вечеринке — Пьер-Огюст Ренуар

В «Обеде на лодочной вечеринке» Ренуар использует элементы дизайна, такие как баланс и гармония; и насыщенные цвета, характерные для стиля импрессионизма, создают восхитительный образ.Эта картина, известная своим богатством форм и мастерским использованием света, представляет собой романтизированный портрет друзей Ренуара, наслаждающихся днем ​​на балконе вдоль реки Сены. На картине изображены будущая жена Ренуара и еще один известный художник-импрессионист Гюстав Кайботт. Картина представляет собой изменение характера французского общества в конце девятнадцатого века в результате промышленной революции; когда рестораны приветствовали людей самых разных слоев общества. Актер Эдвард Г.Робинсон рассказал, что в течение тридцати лет он периодически посещал этот шедевр и разглядывал его, придумывая способы его украсть.

# 6 Парижская улица; Дождливый день

Автор: Гюстав Кайботт

Год: 1877

Парижская улица; «Дождливый день» — Гюстав Кайботт

Эта картина считается одной из величайших картин городской жизни XIX века и является самой известной и амбициозной работой Кайботта.На картине изображена площадь Дублина, перекресток возле вокзала Сен-Лазар, железнодорожного вокзала на севере Парижа. Несмотря на то, что капли дождя не видно, Кайботт мастерски создает впечатление дождя за счет освещения, отсутствия сильных теней и ощущения воды на улице. Как и многие картины Гюстава, он также известен своей точностью, которая придает ему вид фотографии. Дождливый день на Парижской улице по-прежнему широко критикуется, особенно когда он изображает современного человека, изолированного и одинокого в городе.

# 5 Завтрак на траве

Французский Название: Le dejeuner sur l’herbe

Автор: Эдуард Мане

Год: 1862-1863

Обед на траве — Эдуард Мане

Обнаженная женщина, небрежно обедающая с двумя полностью одетыми мужчинами, была оскорблением приличия времени, и Мане шокировал французскую публику, выставив эту картину в Салоне отказов в 1863 году.Хотя это и не реалистическая картина, это заявление в пользу индивидуальной свободы художника. С тех пор, как эта картина была впервые опубликована, она вызывает недоумение как у публики, так и у критиков. Существуют различные интерпретации картины, и люди до сих пор подробно их обсуждают. По словам известного французского писателя Эмиля Золя «Завтрак на траве» — величайшее произведение Эдуарда Мане, в котором он воплощает в жизнь мечту всех художников: поместить фигуры природного величия в пейзаж.”

# 4 Impression, восход солнца

Автор: Клод Моне

Год: 1872

Впечатление, восход солнца (1872 г.)

Эта картина известна тем, что дала имя движению импрессионистов, и теперь стала типичным символом импрессионизма. Критики не очень хорошо это восприняли, и термин «импрессионист» был придуман в сатирическом обзоре Луи Леруа, в котором он дошел до такой степени, что сказал: «Обои в зародыше выглядят более законченными, чем этот морской пейзаж.Однако вскоре импрессионистское движение стало настолько популярным, что распространилось также на музыку и литературу. Сюжет картины — гавань Гавра во Франции. Он известен очень рыхлыми мазками, которые скорее предполагают, чем определяют его. Моне использует цвет как главный фактор, чтобы передать самую суть сцены. В этой картине интересно то, что если вы сделаете ее черно-белую копию, солнце почти полностью исчезнет.

# 3 Бар в Фоли-Бержер

Французский Название: Un bar aux Folies Bergere

Автор: Эдуард Мане

Год: 1882

Бар в Фоли-Бержер — Эдуард Мане

Последняя крупная работа Мане, Бар в Фоли-Бержер, известна своим подробным изображением современной сцены, которая показана через зеркало за центральной фигурой.Богатые детали картины дают ключ к пониманию социального статуса и атмосферы того периода. По словам историка искусства Ларри Л. Лиго, блюдо с апельсинами на переднем плане подразумевает, что барменша — проститутка, поскольку Мане на своих картинах ассоциировал апельсины с проституцией. Другой критик T.J. Кларк говорит, что она представлена ​​«одновременно продавцом и товаром — чем-то, что можно купить вместе с напитком». Картина вызвала много споров, и некоторые критики обвиняли Мане в незнании перспективы, утверждая, что картина невозможна.Однако в 2000 году была показана фотография, сделанная с подходящей точки зрения на постановочную реконструкцию, чтобы воспроизвести сцену, нарисованную Мане.

# 2 Танец в Мулен де ла Галетт

Французский Название: Bal du moulin de la Galette

Автор: Пьер Огюст Ренуар

Год: 1876

Танец в «Мулен де ла Галетт» Пьера-Огюста Ренуара

Один из самых знаменитых шедевров импрессионизма; и назван «самой красивой картиной 19 века»; На этой картине изображен типичный воскресный полдень в Мулен-де-ла-Галетт в районе Монмартр в Париже XIX века.Мулен де ла Галетт был танцевальным залом и кафе под открытым небом недалеко от дома Ренуара. Он часто посещал воскресные дневные танцы в этом кафе и любил наблюдать за счастливыми парами. Так что для него это была идеальная обстановка для картины. Ренуар раскрывает свой истинный талант в танце в Мулен-де-ла-Галетт, соединяя искусство коллективного портрета, натюрморта и пейзажной живописи. Его использование света в этой композиции, а также его плавность мазков типичны для импрессионизма.Полотно картины было уникальным благодаря своим размерам. Это была самая амбициозная картина Ренуара, и ни один художник до него не создавал холст, отражающий аспект повседневной жизни такого масштаба. По состоянию на март 2013 года Баль дю Мулен де ла Галетт занимает седьмое место (после корректировки инфляции) в списке самых дорогих картин, когда-либо проданных.

# 1 Кувшинки

Французский Название: Нимфеи

Автор: Клод Моне

Год: 1890-е — 1920-е годы

Кувшинки Клода Моне

Серия «Нимфеи» Моне была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма».

No related posts.