Представители модернизма в живописи: Художники по направлению: Модернизм — WikiArt.org — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Модернизм в живописи (модерн) — Модерн в живописи

Стиль модерн является одним из ранних направлений такой общемировой художественной тенденции, как модернизм в искусстве. Благодаря модернизму художник вышел за рамки традиционного реализма, открыв что-то принципиально новое. Наша современная культура во многом обязана такому понятию, как модернизм в изобразительном искусстве. Художники эпохи модерна в большинстве своем, не побоюсь этого слова — гении, и, по праву заслуживают свое место в истории. Но обо всем по порядку…

Стиль модерн в искусстве возник в конце девятнадцатого века: тогда художники пытались из разрозненных, но общепринятых направлений создать нечто оригинальное, придать своим произведениям некоторую условность, отвлеченность. Стоит, однако упомянуть, что термин «модерн» (фр. modern — новый) присущ только русской культуре, поскольку в конце девятнадцатого века в России существовал свой модерн в искусстве. Во Франции этот стиль именовался ар-нуво, в Германии и Скандинавии — югендстиль.

Принципы модернизма основаны на идее неспособности искусства предшествующих эпох бороться с несвободой, антигуманностью, социальной несправедливостью, неспособности запечатлеть все это. Основные черты модернизма заключаются в том, что художник направляет свою субъективную волю на борьбу с жестокой реальностью, этим стирая границы прежних идеалов.

Модернизм в изобразительном искусстве — это культурный пласт, охватывающий множество понятий, такие как: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм. А так же некоторые поздние течения: сюрреализм, дадаизм и так далее. На этом поприще подвизались такие известные художники эпохи модерна, как: Альфонс Муха, Поль Гоген, Эдвард Мунк и другие. Все эти довольно известные люди не просто ассоциируются с понятием модерн в изобразительном искусстве, но являются, уже его синонимами.

Основные черты модернизма помогли становлению и других известных творцов, среди которых были и наши соотечественники: Иван Билибин, Николай Рерих, Михаил Врубель – все они ярчайшие представители модернизма. Русский модерн, художники модернизма, делали не похожим на западный, у нас преобладал панэстетизм — все во славу искусства. Рассмотрим это на примере картины в стиле модерн, написанной Михаилом Врубелем – «Летящий демон» – это полотно пронизана трагичностью… трагичностью неразрешимости противоречий. Автор великолепно передал безысходность и динамику противоположных чувств. В этой картине присутствуют основные черты модернизма — автор своим произведением, как бы заставляет зрителя «зависнуть» – сейчас поясню. В сюжете картины молодой демон, отказался от зла, но люди не захотели его принять, и так как он предал свои идеалы; мир демонов так же его не принимает, и он обречен до конца своих дней летать и сетовать на судьбу. Не все художники стиля модерн придерживались столь глубоких тем, но все же — большинство. Если рассматривать модернизм в живописи, как некоторое откровение, то очень многое можно почерпнуть из событий тех лет. Некоторые особенности модернизма, такие как – твердое убеждение познаваемости мира, и уверенности в беспредельных возможностях человеческого разума активно использовал в своих полотнах Николай Рерих.

Направления и стили в искусстве — Модернизм

: Просмотров: 41082

Модернизм, направление в искусстве XX века

Модернизм (франц. modernisme, от moderne — новейший, современный), обобщающее наименование ряда художественных течений XX в., заключающих глубокий кризис буржуазной культуры эпохи империализма; основная направленность буржуазного искусства этого времени. Модернизму свойственны принципиальный разрыв с историческим опытом художественного творчества, его взаимоотношения с жизнью и восприятия зрителем, стремление утвердить некие новые начала искусства, сводящиеся к непрестанному самоценному обновлению художественных форм. Представляя собой своего рода кризисную форму отражения кризисных явлений жизни, модернизм в конечном счёте ведёт к распаду искусства как вида эстетической деятельности. Выступив в начале XX в. с претензией на всеобщее обновление искусства, модернизм переживает сложную историю, этапы которой обусловлены его борьбой с реализмом, а также сложными внутренними причинами, В начале XX в.

течениям модернизма (фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство) свойственны авангардистские тенденции. Тревожные переживания исторических событий и неудовлетворённость существующей социальной действительностью определяли внутреннее противоречие ряда течений модернизма первой половины XX в.: антибуржуазная, бунтарская направленность уживалась в них с антидемократической идейно-художественной сущностью. К концу 10 — началу 20-х гг. модернизм пережил острый кризис; значительная часть его сторонников (П. Пикассо, А. Дерен и др.) обратились к реальной действительности. К середине XX в. ряд течений модернизма (как обратившихся к рациональной, «чистой», максимально геометризованной форме, так и базирующихся на принципах иррационализма, воспринимающих мир в фантастическом зеркале подсознания), принципиально отказавшихся от изображения действительности и ушедших в мир отвлечённых, формально-пластических фактурных и колористических исканий (в первую очередь абстрактное искусство и сюрреализм), органически «вписались» в буржуазную культуру и буржуазный быт, стали официально признанным искусством.

В буржуазном мире модернизм приобрёл свою «рыночную стоимость» в которой главную роль играла новизна манеры художника. Это обстоятельство породило множество спекулятивных форм и манер, а порой и экспериментальных поисков, получивших отклик в процессе развития художественного языка современного искусства. В 40-х гг. в Европе и США (куда переехали многие представители модернизма) рождаются его новые направления, демонстрирующие все излишества опустошённого, а то и прямо извращённого художественного сознания, проповедующие «тотальное освобождение» от объекта и методы «чистого психического автоматизма» («абстрактный экспрессионизм», «абстрактный каллиграфизм» и др.). Абстракционизм занял официально привилегированное положение и противопоставлялся всем видам социально ангажированного реалистического искусства. В конце 50-х гг. отвлеченные течения модернизма теряют свои позиции. Поп-арт провозгласил «возвращение к предмету» и противопоставил всем предшествовавшим течениям модернизма отказ от «элитарности» искусства, стремление растворить его в жизненной среде.

Подменив реальность алогичными комбинациями разнохарактерных муляжей, поп-арт, как и другие течения модернизма остался замкнутым в кругу самодовлеющих формальных экспериментов. Вслед за поп-артом развились направления, ещё нигилистичнее относящиеся к гуманистическим идеалам, к возможности борьбы средствами искусства за лучшее устройство общества: «минимальное искусство», не выходящее за пределы простейших геометрических форм; «земляное искусство», манипулирующее мешками с землёй, бороздами и насыпями; концептуальное искусство, в котором изобразительность уступила место чисто умозрительным концепциям и таинственным словесным намёкам, а также различные направления неокубизма, неоэкспрессионизма, неоабстракционизма и т. д.

В конце 60-х гг. модернизм переживает потрясение под ударами леворадикального, особенно молодёжного движения, выдвинувшего лозунг «контркультуры», В контркультуре совмещались как критика капиталистической системы и её духовных ценностей, так и призывы и практическим действия к самоуничтожению искусства, то есть соединялись элементы антимодернизма с модернистскими содержанием и формой.

В начале 70-х гг. в Западной Европе и США повышенное внимание стало уделяться «предметности» изображения. На первый план выдвинулось направление гиперреализма, ставящее своей формальной задачей имитационно точное воспроизведение фотографии, а также кино- и телекадров. В этой форме нашёл выражение порыв ряда художников, большей частью молодых, к изобразительности, в конце 70-х — начале 80-х гг. вылившийся в широкое и неоднородное движение постмодернизма, позволившее поставить вопрос об общем кризисе модернизма в 80-х гг., не исключающий, однако, того, что буржуазная культура сможет породить в дальнейшем новые движения модернизма. Но кризис модернизма решительным образом подорвал изнутри его претензии на всемирное историко-художественное значение, на установление неких новых законов развития искусства.

Новейшему модернизу, как и прежде, противостоят прогрессивные мастера мирового искусства, связавшие своё творчество с интересами рабочего класса, с революционным движением. Искусство социалистического реализма и прогрессивное искусство зарубежных стран развиваются в постоянном столкновении и борьбе с течениями модернизма, ставя задачу сохранения и продолжения гуманистических и демократических традиций мировой культуры.

Лит.: В. И. Ленин, О литературе и искусстве, [Сб.], 6 изд., М., 1979; Модернизм. Анализ и критика основных направлений, [3 изд.], М., 1980; И. С. Куликова, Философия и искусство модернизма, 2 изд., М., 1980.

Родительская категория: История | Культура

Категория: Направления | Стили

Модернизм в изобразительном искусстве Индии ХХ века

Библиографическое описание:

Журиха, А. М. Модернизм в изобразительном искусстве Индии ХХ века / А. М. Журиха. — Текст : непосредственный // Культурология и искусствоведение : материалы III Междунар. науч. конф. (г. Санкт-Петербург, июль 2017 г.). — Санкт-Петербург : Свое издательство, 2017. — С. 66-68. — URL: https://moluch.ru/conf/artcult/archive/247/12374/ (дата обращения: 08.02.2021).

В статье отражены понятие модернизма в изобразительном искусстве Индии в ХХ веке, его виды, основные отличительные признаки и особенности, приведено описание художественного творчества наиболее ярких представителей данного направления в изобразительном искусстве Индии.

Ключевые слова: модернизм, кубизм, примитивизм, романтический примитивизм, изобразительное искусство, народное искусство, художник

Возникновение и развитие течений модернизма в живописи Индии относится к началу ХХ столетия. Данный процесс обусловлен двумя важными обстоятельствами. Во-первых, Индия — страна, имеющая колониальное прошлое, в связи, с чем ее общественно-экономическое развитие «застряло» на средневековой полуфеодальной формации. Во-вторых, начало развития капитализма в Индии тесно связано с ростом национального самосознания и освободительного движения, которые выражались в борьбе с европейскими влияниями в плоскости идеологии, культуры и искусства. Позже, к середине ХХ века с завоеванием суверенитета, отношение к Западу меняется. Указанные обстоятельства отразились как на общем характере развития живописи Индии, в начале XX веке, так и на возникновении в нем модернистских течений.

Согласно Т. Г. Поповой в современной живописи Индии, наполненной зачастую непримиримыми противоречиями, можно видеть сложную и острую борьбу и взаимовлияние различных течений. Учитывая данный процесс можно отследить на различных этапах соотношение национального искусства, традиций, роли национального искусства и европейских течений, начиная от академических до авангардных [8, c. 138].

По мнению О. Прокофьева в живописи борьба против чуждого индийскому народу влияния в живописи вылилась в возникновении национальных живописных школ, которые вопреки своей односторонности сыграли прогрессивную роль особенно в начале своего развития. И если возникшие в Индии в 20-х годах ХХ столетия модернистские течения в начале не были приняты национальными художниками, то позже когда национальные художественные школы уже исчерпали свою прогрессивную роль, именно они стали первыми проводниками модернизма в живописи Индии [7, с. 127].

Как считает У. Наир, первым ответом модернизму индийских художников было увлечение кубизмом, данное направление довольно широко распространилось в живописи Индии. Первым художников, кто увлекся данным модернистским, течением был Гаганендранат, прославившийся в 1917 году серией мультипликационный литографии. Для Гаганендраната, художественные особенности присущие кубизму: изломанные поверхности, игра света и тени, выступили наиболее захватывающими [10, с. 24]. Позднее творчество Гаганендраната, например, «полеты поэтического воображения», могут быть причислены к «посткубистическим», и определять как источник, так и его преображение. Общие мотивы, реализуемые Гаганендранатом в его позднем творчестве, происходят и от его увлечения игрой калейдоскопа, инструментом, всегда привлекавшим его.

Г. Рид указывает, что второе течение модернизма в индийском живописном искусстве провоцирует принять во внимание еще один всеобъемлющий феномен, корни которого находятся в западноевропейской мысли: примитивизм. Первый значимый художник Индии, использовавший примитивизм в качестве средства художественной выразительности, стал Р. Тагор, выступив первопроходцем, он очень эффектно применил чисто «экспрессионистские» искажения объекта в своем творчестве. Р. Тагор был поэтом и увлекся живописью ради игры, зените своей славы поэта, когда ему исполнилось 67 лет, часто включая свои рисунки в текст. Р. Тагор не стремился превзойти европейский авангард, а искал свое выражение художественного примитивизма [9, с. 121]. Р. Тагору присуще некоторые индивидуальные черты в данном модернистском течении: игра, создание рисунков из пересечений в тексте, «затирания». В черновиках Р. Тагора прослеживается эксперименты с бенгальским письмом и визуальными эффектами оформления некоторых текстов. «Затирания», выполнены с помощью ручки и чернил, и размываются в границах определенной цветовой гаммы, тем самым принимая формы человека и животных.

По утверждению В. Хофмана еще одним значимым представителем индийского модернизма была А. Шер-Гил. Художественный поиск примитивистских форм Шер-Гил реализовался в увлечении таитянской живописью Гогена. Художница заявила о своей миссии изображать жизнь бедных, отверженных, униженных, незаметных. Ей был создан плотный «текстурный» стиль, который несколько схож с движением Нео Сачличкейт [11, с. 130].

Ярким представителем модернизма в живописи Индии до 1947 года был Д. Рой, который последовательно идеологически обосновал примитивизм. В отличие от Шер-Гил, которая идеализировала «детей земли», Рой довел эту идею до логического конца. В начале своего художественного творчества Д. Рой искал «аутентичность» национальной выразительности в живописи, проводя художественные эксперименты, как с восточными, так и с западными стилями, начиная от академического натурализма и импрессионизма и завершая ориентализмом и китайской акварелью. Результаты творчества Д. Роя как художника-националиста нужно рассматривать в тесной взаимосвязи с особенностями его восприятия собственного индийского искусства. Д. Рой, считал, что индийское народное искусство не может создаваться с применением импортных красящих пигментов. Поэтому он не применял масляную живопись, а использовал местные и органические пигментам. Так же Д. Рой предпочел Калигхату деревенскую свитковую живопись, объясняя, сей шаг тем, что Калигхат уж очень близок урбанистическому и колониальному духу Калькутты [4, с. 165]. Проникновение модернистских течений в живопись Индии имело огромное культурное значение.

Расширился социальный состав художников, появились живописцы, имеющие скромное происхождение. Многие из художников в своем творчестве стремились вернуться к своим «деревенским корням». В живописи Индии возникли две противоречивые, а подчас и взаимоисключающие тенденции — космополитизма и национализма, городского и сельского уклада, что придавало определенную остроту работам художников Индии периода модернизма [2, с. 180].

На закате эры колонизации изобразительное искусство Индии взяло на себя все, более расширенные, социальные обязательства, художники симпатизировали социализму. Это выразилось в создании художественных группировок сторонников «прогрессивного искусства», выходцев из разных частей Индии, которые категорически отрицали художественный национализм ради социальной справедливости и равенства. Прогрессивные художники объявили себя модернистами, сопротивляющимися мертвой, безжизненной традиции, провозгласив своими кумирами Д. Роя, А. Шер-Гил и Р. Тагора, а своей целью — создание Бенгальской школы «историцизма».

Самая ранняя группа «прогрессивных художников» возникла в Калькутте в 1945 году на фоне великого Бенгальского голода 1943 года. В число членов группы входили художники Паритош Сен, Гопал Гхоз, Нирод Мазумдер, Субхо Тагор и Зайнул Абедин. Среди всех остальных, Абедин обрел известность как автор числа шокирующих зарисовок на тему голодного времени [1, с. 180].

Итак, модернизм в изобразительном искусстве Индии — общее определение разноплановых явлений, которым свойственно отрицание старого, традиционного искусства. Сюда можно отнести экспрессионизм, и кубизм, примитивизм и др. Модернизм провозглашает превосходство искусства над реальностью.

Литература:

Герман М. Ю. Модернизм. Искусство первой половины XX века: Учебное пособие. — М: Азбука-классика, 2008. — 233 с.
Ивашенцов Г. А. Индия: Учебное пособие. — М.: Мысль, 2009. — 266с.
Краусс Р. Подлинность авангарда и другие модернистские мифы: Учебное пособие. / Пер. с англ. Матвеевой А., Кистяковской К., Обуховой А. – М.: Художественный журнал, 2013. — 300 с.
Короцкая А. А. Сокровища индийского искусства: Учебное пособие. — М. Владос, 2016. — 290 с.
Ольденбург С. Ф. Культура Индии: Учебное пособие. — М.: Просвещение, 2011. — 288 с.
Прокофьев О. Искусство Индии: Монография. — М.: Наука, 2014. — 300 с.
Прокофьев О. Зарождение и развитие модернизма в искусстве Индии // Модернизм: Анализ и критика основных направлений. Сборник научных статей / Под. ред. В. В. Ванслова и Ю. Д. Колпинского. — М.: Искусство, 2010. — С. 127–138.
Попова Т. Г. г Модернизм в искусстве Индии// Художественная культура XX века: Сборник научных статей. — М.: Изобразительное искусство 2002. – С. 138–144.
Рид Г. Краткая история современной живописи. — М.: Искусство XXI век, 2006. — 244 с.
Ума Наир Индийские модернисты // Перспективы. 2010. – № 6. — С. 23–36.
Хофман В. Основы современного искусства. Введение в его символические формы: Учебное пособие. — Спб.: Питер, 2014. — 288 с.

Основные термины (генерируются автоматически): живопись Индии, изобразительное искусство Индии, художник, живопись, модернизм, национальное искусство, позднее творчество, прогрессивная роль, Рой, художественное творчество.

Особенности и отличия основных направлений в живописи

Каждое произведение изобразительного искусства прекрасно по-своему, но в этом не только заслуга художника. Существуют разные виды художественной живописи. Они без четких границ, строгих правил и могут плавно перетекать, совмещаться, дополнять друг друга. Искусство постоянно развивается и дополняется самими мастерами, «чистых» стилей не существует. Это не числа в математики, а творчество, способность выразить свои мысли, идеи, изобразить реалистичный или выдуманный сюжет. Только благодаря смешиванию и дополнению, зритель имеет возможность лицезреть уникальные картины. Рассмотрим, какая бывает живопись.

Содержание статьи:

Краткое описание основных направлений

Человеку, связанному с искусством интересно познакомиться с разными направлениями живописи. Понять, как их различать, что в них общего, особенного, как работать в том или ином направлении. Основные виды живописи невозможно представить без следующих жанров.

Импрессионизм

В основу названия легла картина Клода Моне «Impression, soleil levant». Направление подразумевает работу под открытым небом. Картины прекрасно передают световое восприятие художника. Характеристики: тонкие, полупрозрачные мазки, точная передача светового ощущения. Композиция открытая, с элементами динамики, движений, допустимо необычное виденье предметов.

Экспрессионизм

Современное и неординарное направления в живописи, зародившееся в начале 20 века. Первые картины появились в Германии. В начале своего развития экспрессионизм охватывал еще и поэзию. Мастера, работающие в этом жанре изображают мир со своей точки зрения, каким они его видят, искажая реальность для более сильного эмоционального восприятия. Зритель невольно задумывается и переживает сюжет, переданный через полотно. Яркие представители: Кирхнер, Амедео Модильяни и другие.

Кубизм

Это жанр авангардного искусства, основанный знаменитым Пабло Пикассо в 20 веке. Кубизм спровоцировал переворот в скульптуре, архитектуре, живописи. Характерные черты: абстракция, искажение, перекомбинированние, изображение ломанных элементов.

Модернизм

Рассматривая виды и жанры живописи, невозможно опустить Модернизм. Глядя на картину в этом стиле, перед зрителем открывается объединение разных техник, тенденций культуры, 19-20 века. Живописцы называют его «другим искусством», благодаря которому удается создавать картины, которых не было раньше, с авторским виденьем ситуации. В этом жанре работал Пабло Пикассо.

Неоклассицизм

Стиль многогранный, соединяющий элементы классики и античности. Чтобы написать картину в этом направлении, важно накопить знания церковных канонов. Художники пытались реконструировать события и вводить свои правила в создание композиций.

Поп-арт

Как отдельный вид творчества, поп-арт возник в Великобритании, в 1952 году. Рассматривая этот вид искусства, невозможно не упомянуть Энди Уорхола. Большинство его работ выполнены в этом жанре. Основная тема композиций — повседневные предметы. Мастера иронизируя происходящее. Поп-арт мы видим в карикатурах, мемах, рекламных изображениях.

Романтизм

Основа стиля — сильные, неподдельные эмоции. Зритель переживает их по-настоящему. Больше всего ценится страх, ужас, трагедия, привязанность, благоговение.

Реализм

Рассматривая основные направления в живописи, в обязательном порядке нужно упомянуть реализм. Задача мастера, работающего в этом стиле — изобразить предметы и ситуации через призму определенных мирских канонов и правил. В картинах просматривается четкий протест против романтизма. Главные цели художников — изобразить истину и точность. Представители: Жюль Бретон, Илья Репин.

Сюрреализм

Возник в 1920 году. Символизирует обнажение души, психологических истин с помощью окружающих предметов. Цель — создать целостный образ из отдельных элементов, чтобы вызвать неподдельные эмоции и сопереживание.

Символизм

Это протест в сторону духовности и мечтам. Раскрылся в Европе в 19 веке. Повлиял на экспрессионизм и сюрреализма, хотя эти жанры существовали независимо от символизма.

Абстракционизм

Читатель уже знает, какие бывают виды живописи, но без Абстракционизма список не полный. Направление символизирует отказ от действительности, правильности форм. Задача мастера — показать сюжет картины посредством ярких оттенков и различных форм. Такой подход четко просматривается в картине «Желто-красно-синее» Василия Кандинского.

Анималистика

Это вид искусства с изображением животных. В основу легло слово «animal», что в переводе с латинского означает «животное». Это своеобразная культура показать зрителю как живут различные представители фауны, как они выглядят, передать их характер.

Морской пейзаж (марина)

В качестве отдельного жанра выделился в Нидерландах, в 17 веке. На картинах изображены морские пейзажи, сцены морских сражений и прочие события, происходящие в морской пучине. Данный жанр относится к пейзажам.

Портрет

Художники-портретисты изображают лица людей, то есть передают визуальные характеристики модели. На картинах в таком стиле зритель имеет возможность лицезреть облик выдающихся и просто симпатичных людей. Особую ценность представляют портреты Богоматери, Иисуса Христа.

Стрит-арт

Это уличное искусство, отличающиеся ярко выраженным урбанистическим характером. Основной элемент — граффити, однако это не идентичные понятия.

Натюрморт

В его основе изображение неодушевленных предметов. В дословном переводе означает «мертвая природа». Благодаря этому направлению у зрителей есть возможность любоваться композициями из овощей, фруктов, предметов обихода, букетов. В этом жанре работал Ж. Б. Шарден, Ренуаром, Ван Гог.

Минимализм

Название «минимализм» основал Р.Уолхейм, в основе лежит понятие «минимальное искусство». Возник в США. Характеризуется простотой форм, единообразием форм, творческим ограничением.

Теперь вы знаете, какие жанры живописи бывают и сможете без труда их различать. Каждое направление интересно и неординарно по-своему. На самом деле стилей гораздо больше, они появляются и разрабатываются практически каждый день.

Модерн живопись картины художников символизма, футуризма, фовизма

Модерн (франц. moderne – новейший, современный), стиль в европейском и американском искусстве конца 19 столетия – 1910-х годов. В стремлении преодолеть эклектизм художественной культуры девятнадцатого века мастера модерна использовали новые технические и конструктивные средства, свободную планировку для создания подчеркнуто индивидуализированных, необычных по облику зданий, все элементы которых подчинялись единому образно-символическому замыслу.

Фасады построек модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих природные органические явления. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент характерных криволинейных очертаний, пронизанный экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композиционную структуру произведения. Для живописи модерна характерны сочетание «ковровых» орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью форм отличается скульптура модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов – графика. Значительная часть художественных открытий и достижений модерна принадлежит искусству 20 века. В конце 19 столетия с зарождающимся стилем в той или иной мере были связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы «Наби» во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.

Символизм (франц. symbolisme, от греч. symbolon – знак, символ), направление в художественной культуре Европы и США конца 19 – начала 20 века. В символизме, эстетические принципы которого восходили к идеям романтизма, к философии А. Шопегауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, к творчеству композитора Р. Вагнера, универсальным инструментом познания тайн бытия и сознания полагался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий эзотерический, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Не обладая собственной ярко выраженной стилистикой, символизм стал своего рода «идейным» движением, привлекавшим самых разных по манере мастеров. Воссоздание и толкование основных символических мотивов, таких как: «любовь», «смерть», «страдание», «ожидание» и т.п., с различных стилистических позиций воплощались в произведениях таких художников, как П. Пюви де Шаванн, Г. Моро, О. Редон во Франции, Ф. Ходлер и А. Бёклин в Швейцарии, Дж. Энсор и Ф. Ропс в Бельгии, Э. Мунк в Норвегии, М. Клингер и Ф. фон Штук в Германии; близко к символизму творчество П. Гогена и мастеров группы «Наби» во Франции, графика О. Бёрдсли в Великобритании, работы многих мастеров стиля модерн.

Модернистические течения 20 века. Значительное распространение в первое десятилетие 20 века получил ряд направлений, связанных с отходом буржуазной культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности, которая все более вызывала у многих художников страх и ненависть. Многочисленные калейдоскопически сменявшиеся течения объединяются понятиями «модернизм», «модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов искусства. Однако в действительности в их лихорадочных исканиях чаще преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к всевластию субъективного, случайного или отвлечённо-рационалистического начала. По существу, деятельность этих художников представляла собой уход от основного реалистического и гуманистического пути развития мирового искусства. В этом была суть дела, а не в том временном конфликте с буржуазным потребителем искусства, который некоторые представители прогрессивной интеллигенции принимали за проявление революционности. Однако творчество таких больших мастеров, как, например, Матисс, Марке, Пикассо и другие, по существу, выходило за пределы программы этих направлений, иногда, как в случае с Марке, порывало с модернизмом. Стремление найти связь с жизнью, решить большие социальные проблемы порождало в их творчестве мучительные противоречия. Элементы реализма то в скрытом, то в явном виде пробивались в их искусстве сквозь различные деформирующие приемы передачи действительности.

Фовизм. Первым художественным течением в 20 веке, начавшим отход от принципов реализма, был фовизм (от французского слова «fauves», обозначающего зверей хищной породы. Это слово неточно было переведено термином «дикие», который привился в нашей литературе). Название «фовисты» дано художникам, выступившим в 1905 году против живописных методов и приемов импрессионизма, против ограниченности мещанских вкусов и натуралистического правдоподобия салопного искусства. Однако эти живописцы критиковали натурализм не с реалистических, а с формалистических позиций. Фовисты не имели общей эстетической программы, их объединяли декоративный характер живописных исканий, утверждение права художника на субъективное видение мира (исключение составляет Марке), уход от решения общественных проблем. Протест художников выразился в нарочитой остроте композиционных решений, в примитивизме форм, их пластической деформации, в отрицании линейной перспективы и иллюзорности, в цветовой экспрессии. В группу входили различные по своему творческому лицу художники: исполненный вечной мечты о гармонии мира Матисс, последовательный реалист поэт природы Марке, ставший после распада группы холодным рационалистом Дерен, отличающиеся повышенно экспрессивным восприятием мира Вламинк, острой гротескностью и трагизмом образов Руо. Фовизм лишь краткое время объединял художников. Каждый из участников группы пошел собственным путем, изменив творческие принципы и приемы.

Футуризм. Формой, откровенно далекой от реализма, был также возникший в 1909 году футуризм (от слова «футурум» – «будущее»), существовавший до 1930-х годов, эволюционируя частично к абстракционизму. В футуризме искажение и деформация образа реального мира носили характер субъективного произвола. Группировка художников – футуристов, выступивших в 1910 году, провозгласила своей целью разрушение старой культуры и воплощение в современном искусстве динамизма индустриальной эпохи и современных капиталистических больших городов. Футуристы фетишизировали машинную технику, противопоставляли машину человеку. Они стремились передать в живописи внутреннюю динамику предмета и перенасыщенность сознания современного человека множеством теснящих друг друга впечатлений. Главным фактором выражения современности они провозгласили время (четвертое измерение), ощущение которого пытались передать в картине с помощью раздробления и искажения зрительного образа реального мира в хаотической динамике ритмов, путем многократной фиксации повторных этапов движения тел в пространстве. Футуристы предвещали крах современного искусства, видели новое не в социальном переустройстве жизни общества, а в торжестве современного техницизма, подавляющего человека. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве У. Боччони, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра – авторов беспокойно-хаотичных композиций.

Триумф модернизма в живописи ХХ век

Слайды и текст этой презентации

Слайд 1

Триумф модернизма. ХХ век
Милый друг, иль ты не видишь, Что все видимое нами – Только отблеск, только тени От незримого очами?

Слайд 2

Модернизм. (Франц. modernisme) — общее название для целого ряда разнородных художественных явлений 20 века, опирающихся на принципиально новую систему художественных ценностей, по сравнению со старым, традиционным искусством. В широком смысле охватывает фовизм,кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм и т. п.
Последняя цель искусства — пересоздание жизни. Андрей Белый

Слайд 3

Знаменательной вехой в истории нового стиля модерн (modernus, moderne – новый, современный) стало открытие в Париже в 1895 г. Магазина-салона современного искусства с символическим названием «L Art Nouveau» («новое искусство»). Действительно, это искусство существенным образом отличается от всех предыдущих исторических стилей. С одной стороны, модерн стремился вобрать в себя все то, что уже было накоплено человечеством в сфере художественного творчества, а с другой — сказать совершенно новое слово в искусстве, выработать новые формы и образы, создать единый интернациональный стиль. С поставленными задачами модерн справился прекрасно. Он действительно обладал общностью художественного языка, единой системой выразительных средств и приемов.
Зарождение модернизма

Слайд 4

Фовизм (от фр. fauve – дикий) – название течения во французской живописи 1905-1907гг. Локальное направление в живописи нач. XX в. Наименование «Фовизм» было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников совместно участвовавших в ряде выставок 1905-1907 гг., после их первой выставки 1905 г. Однако вскоре объединение распалось, и творческие пути его участников разошлись. Название отражает реакцию современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. В фовизме были общие черты с одновременно возникшим экспрессионизмом. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Характерные особенности фовизма: предельно интенсивное звучание открытых цветов; сопоставление контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Плоскостная трактовка форм, насыщенность чистых цветов, энергично подчеркнутый контур обусловливают декоративность фовистской живописи.
Что такое фовизм

Слайд 5

Анри Матисс. Автопортрет в полосатой майке

Слайд 6

Слайд 7

Слайд 8

Севильский натюрморт. 1911. Холст, масло. Эрмитаж.

Слайд 9

Испанский натюрморт (Севилья II). 1911. Холст, масло. Эрмитаж.

Слайд 10

Слайд 11

Слайд 12

Мужчина-модель и портрет Андре Дерена

Слайд 13

Счастье существования

Слайд 14

Танец

Слайд 15

Море в Колиуре

Слайд 16

Марокканцы

Слайд 17

Синяя обнажённая

Слайд 18

Обнажённая в мастерской

Слайд 19

Обнажённая на голубой кушетке

Слайд 20

Море в Полинезии

Слайд 21

Метатель ножей

Слайд 22

Букет

Слайд 23

Танцующая креолка

Слайд 24

В основе нового художественного языка лежала линия — декоративная и динамичная, гибкая и подвижная, передающая энергию жизни, 8-образная линия, заимствованная у колышущихся морских волн и водорослей, порхающих бабочек и стрекоз, тянущихся к свету стеблей и цветов лилии и ириса, развевающихся на ветру девичьих волос, определила одну из главных отличительных особенностей стиля модерн — его орнаментальность. Бельгийский архитектор Виктор Орта дал этой линии выразительное название – «удар бича».
О художественном языке

Слайд 25

Кубизм
Художники кубизма: Пикассо, Брак, Хуан Грис

Слайд 26

История кубизма
Кубизм (франц. cubisme, от cube — куб), модернистское течение в изобразительном искусстве (преимущественно в живописи) 1-й четверти 20 в., которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово «кубисты» было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Термин «Кубизм » вначале обозначал формальный эксперимент, предпринятый во Франции между 1907 и 1914 небольшими группами художников под влиянием живописи П. Сезанна.

Слайд 27

Пикассо Пабло (Picasso, Pablo) (1881-1973 гг. ), французский художник, испанец по происхождению. Скульптор, график, живописец, керамист и дизайнер, наиболее знаменитый, многогранный и плодовитый среди современников.
Пикассо Пабло (1881-1973 гг.)
Портрет матери

Слайд 28

Два автопортрета Пикассо

Слайд 29

Завтрак слепого

Слайд 30

Розовый период. Девочка на шаре. Акробаты

Слайд 31

Классический период. Женщины, бегущие по берегу

Слайд 32

Кубический период. Авиньонские девицы
«Авиньонские девицы» — первая картина кубического периода Пикассо. Вдохновением для данной картины, возможно послужила картина Поля Сезанна «Купальщицы»

Слайд 33

Столик в кафе. Дружба

Слайд 34

Что изображено на картине?

Слайд 35

Портрет Амбруаза Воллара

Слайд 36

Третий автопортрет

Слайд 37

Что изображено на картине?

Слайд 38

«Герника» Пикассо
Причиной создания «Герники» Пикассо стала бомбардировка города страны басков — Герники. Во время Гражданской войны в Испании 26 апреля 1937 года легион «Кондор», добровольческое подразделение люфтваффе, совершил налёт на Гернику. На город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб; в результате шеститысячный город был уничтожен, около двух тысяч жителей оказались под завалами. После налета Герника горела еще трое суток

Слайд 39

Плачущая женщина. Человек в золотом шлеме

Слайд 40

Поцелуй

Слайд 41

Брак Жорж (Braque, Georges) (1882-1963 гг французский художник, график, сценограф, скульптор и декоратор , вместе с Пикассо ставший основателем кубизма. Вначале, так же как и отец, работал маляром. С 1900 г. стал заниматься живописью. Одно время увлекался фовизмом. В 1907 г. открыл для себя творчество Сезанна и стал писать в геометрическо-аналитической манере. В том же году познакомился с Пикассо, и вплоть до нач. 1-й мировой войны они тесно сотрудничали. Во время войны Брак был тяжело ранен. После войны творческие пути Брака и Пикассо разошлись. Стиль Брака стал менее угловатым, на полотнах появились изящные изогнутые линии. Брак рисовал главным образом натюрморты в едва уловимых приглушённых тонах, смешивая иногда краску с песком. Иллюстрировал книги, создавал декорации и костюмы для театра.
Брак Жорж (1882-1963 гг.)
Скрипка и кувшин

Слайд 42

Кларнет и бутылка рома на камине. Женщина с мандолиной

Слайд 43

Грис Хуан (Gris, Juan) (1887-1927 гг.), испанский живописец, скульптор, график и декоратор. Работал главным образом в Париже, где жил с 1906 г. Представитель кубизма, но его творчество в целом было более рассудочным, чем у Пикассо или у Брака. Считается родоначальником «синтетического» кубизма. В 1920-х гг. манера Гриса меняется, он отходит от строгих геометрических форм. В числе его работ ряд книжных иллюстраций и многочисленные театральные декорации и костюмы, например для постановок Дягилева.
Грис Хуан (1887-1927 гг.)
Портрет Пикассо

Слайд 44

Мужчина в кафе

Слайд 45

Сюрреализм, Дадаизм
Сюрреализм (Surrealism), модернистское (модернизм) направление в литературе, изобразительном искусстве и кино, зародившееся во Франции в 1920-х гг. и оказавшее большое влияние на западную культуру. Для Сюрреализма характерно пристрастие ко всему причудливому, иррациональному, не соответствующему общепринятым стандартам. Само движение было разнородным, но ставило своей основной целью раскрепощение творческих сил подсознания и их главенство над разумом. В определённый мере предшественниками сюрреалистов были дадаисты (дадаизм). .
Дадаизм (dadaism) (франц. dada — деревянная лошадка), в переносном смысле — бессвязный детский лепет, авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве, возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей. Впервые Дадаизм заявил о себе в 1915 г. в Цюрихе. Согласно наиболее распространённой версии, название течению было выбрано наугад — перочинным ножиком ткнули в страницу словаря, что

Модерн

Стиль модерн в мировой культуре в конце ХIХ – начале ХХ века стал значительным явлением, объединив после длительного перерыва все виды изобразительного искусства и архитектуры. Первые признаки зарождения этого стиля в России исследователи русской культуры находят в 1880-е, а последние его проявления – в 1910-е. В течение этих трёх-четырёх десятилетий модерн формировался и развивался, а затем заканчивал свой не очень долгий путь в разных странах Европы и Америки. Правда, в России линия развития стиля не была столь последовательной, как во Франции, в Англии, Германии, Голландии, Бельгии или Испании. В его движении на русской почве были довольно решительные сдвиги, чередующиеся с неожиданными остановками и топтанием на месте. Но, несмотря на эту прерывистость эволюции, модерн получил своё выражение – во многих случаях яркое и своеобразное.

Не все виды искусства были в этой ситуации в одинаковых условиях. Архитектура, прикладное искусство, книжная графика, искусство театральной декорации довольно активно откликнулись на зов модерна. Живопись оказалась в более сложном положении: разнообразные существовавшие одновременно стилевые направления не только соседствовали, но и смешивались друг с другом. Вспомним, что в одном и том же пространстве сосуществовали и сильно ослабивший свои позиции передвижнический реализм, и импрессионизм, и символизм, и модерн, зарождались экспрессионизм, фовизм, футуризм, кубизм. Многие художники соединяли разнородные тенденции.

К.С.Малевич. Эскиз фресковой живописи (Автопортрет). 1907. Картон, темпера. 69,3×70. ГРМ

В наиболее яркой форме качества модерна выявились в живописи (в том числе и монументально-декоративной) и графике М.А.Врубеля. А в поздних графических опытах художника воплотились важнейшие черты экспрессионизма, оставшиеся почти незамеченными современной ему критикой. В.А.Серов, своеобразно использовавший в ранние годы достижения импрессионизма, позже почти отказался от импрессионистической стилистики и во многих поздних работах – таких как «Похищение Европы» (1910. Частная коллекция, ГТГ, ГРМ), «Портрет Иды Рубинштейн» (1910. ГРМ) – по-своему воплотил основные принципы стиля модерн. Но от авангардного художественного мышления Серов был довольно далёк. Модерн, который господствовал в живописи, и особенно в театрально-декорационном искусстве художников «Мира искусства», также был мало связан с авангардным движением. Исключение составили лишь некоторые живописцы и графики (например, М.В.Добужинский).

С другой стороны, некоторые мастера только начинавшего свой путь авангарда в период становления своего творчества пользовались многими приёмами стиля модерн и воспринимали тот опыт, который накапливался в процессе сближения модерна и символизма. Модерн и символизм были как бы двумя сторонами одной медали и друг без друга не могли обойтись. Авангард, культивируя метафорический и многосложный подход к реальности, был заинтересован в её решительном преображении и потому искал в символизме источник этой преобразующей креативности. Таким образом, символизм в союзе с модерном оказывался в авангардной живописи предметом некоторого внимания. Это проявилось, например, во многих ранних работах живописцев и графиков, стоявших на подступах к авангарду. Можно вспомнить проникнутые мистическим смыслом «Эскизы фресковой живописи» (1907. ГРМ) К.С.Малевича или его же – но противоположные по духу – исполненные юмора сцены гуляний, шествий и развлечений («Отдых. Общество в цилиндрах». 1908. ГРМ; «Свадьба». Около 1908. Музей Людвига. Кёльн; и другие), такие полные загадочной сентиментальности работы И.В.Клюна, как «Портрет жены» (1910. ГМСИ) или «Семья» (1911. ГМСИ), ранние пейзажи В.Д.Баранова-Россине «Зелёный сад» (1907–1908. Частная коллекция), «Сказочное озеро» (1908. Частная коллекция), и многое другое.

Но соотношение стиля модерн с авангардом в сфере живописи является лишь малой частью поставленного вопроса. Гораздо важнее программы и проекты, выдвинутые стилем в процессе его развития, и те общие проблемы культуры и искусства, которые были поставлены модерном и озвучены многими теоретиками, излагавшими принципы стиля. Эти теории, программы и проекты во многих случаях были восприняты, а подчас и повторены авангардом.

Бросается в глаза их жизнестроительный характер. Примером тому может служить практическая и теоретическая деятельность Уильяма Морриса – одного из самых влиятельных мастеров модерна. Сформировавшись как художник ещё в середине ХIХ века, друг и соратник прерафаэлитов, он прославился созданием в 1860-е знаменитой фирмы «Моррис и компания», выполнявшей разнообразные заказы на изготовление предметов прикладного искусства, мебели, оформление интерьеров. В 1880-е им была создана знаменитая Кельмскотская типография, ставшая базой для расцвета печатной графики английского модерна. Но не только этим вошёл Моррис в историю художественной культуры. Интересны и важны его высказывания о сути нового стиля и задачах художественного творчества. Моррис выдвинул идею устройства мира по законам искусства.

Предвестие этой концепции можно найти в предложенной Фридрихом Шиллером ещё за сто лет до Морриса идее эстетического воспитания человечества как средства достижения гармоничного устройства его жизни. Но модерн во много раз преумножил утопическое зерно шиллеровской концепции, сделав художественное начало основой мироустройства и важнейшим средством постижения мира. В русском авангарде неоднократно возникали концепции, в соответствии с которыми принципы определённой художественной системы отождествлялись либо с системой существования космического мира, либо с воображаемым порядком общественного устройства. Наиболее ярко эта тенденция обнаружила себя в рассуждениях Малевича, который заявил, что изобретённый им практически и сформулированный теоретически супрематизм открыл сущность бытия. Сконструированный по принципам супрематизма город (не только построенный по строгим правилам художественной теории, но и полностью украшенный супрематической живописью) Малевич считал самым подходящим местом существования человека. Утопические представления о роли нового искусства, нового стиля легко обнаружить в рассуждениях М.В.Матюшина, В.Е.Татлина, А.М.Родченко и других представителей русского авангарда.

От жизнестроительной ориентации и модерна, и авангарда, связывающей их друг с другом в общей перспективе движения художественной культуры, в известной зависимости оказываются и другие важнейшие особенности обоих направлений. Модерн и вслед за ним авангард в периоды своего становления отличались от других направлений или стилей тем, что можно обозначить как волевое происхождение. Разумеется, всякий стиль в момент своего формирования требует волевых усилий от тех художников, которые его творят. Эти усилия не противоречат историко-художественному движению самого стиля, тем художественным открытиям, которых «ищет» сам стиль. Но в моменты рождения модерна, а в более позднее время авангарда волевое усилие художника-творца, его намерение создать новый стиль становится важнейшим условием рождения этого стиля.

С этим волевым усилием связана ещё одна особенность модерна и авангарда, ставящая их в известную зависимость друг от друга. Она заключается в обязательности открытия новых качеств искусства – новых приёмов, неожиданных решений, композиционных, пластических, колористических комбинаций. Присутствие этого качества в искусстве авангарда не вызывает сомнений. Но оно было характерно и для модерна, и связь в этом отношении модерна и авангарда очевидна.

Стремление художников, скульпторов, архитекторов, дизайнеров модерна и авангарда к личному – собственному – открытию проявилось в том, что многие из них оставили в истории искусства «свои знаки». Можно привести множество примеров таких «знаков». Танцовщица Лои Фуллер прославилась своим знаменитым «серпантинным танцем», главным эффектом которого стало развевающееся платье, вдвое превосходящее по своим размерам фигуру. Этот танец стал знаком модерна в балетном искусстве и явился моделью для скульпторов (Рауль Ларш, Пьер Рош) и графиков (Коломан Мозер). Своеобразный знак Чарлза Ренни Макинтоша – его стулья с чрезвычайно высокими или совсем короткими спинками. Знаком Виктора Орта оказалась его знаменитая «линия Орта», которую образно называли «удар бича». Свои знаки были и у русских авангардистов – квадрат Малевича, башня Татлина, «Венера» М.Ф.Ларионова. Разумеется, на протяжении всей истории искусства мы найдём многочисленные примеры своеобразного культа художественного открытия, его повторения и развития. Но той степени знаковой самососредоточенности, какая была в периоды модерна и авангарда, они не достигали.

Можно найти и другие параллели между модерном и русским авангардом – пусть и не столь красноречивые. Есть, например, некоторая близость между возрождённой модерном формой объединения художников в виде гильдий и таким художническим союзом, как витебский Уновис. Возникают аналогии, связанные с процессом сближения искусства с промышленностью и одновременного противопоставления машины и произведения искусства. Если на раннем этапе их взаимодействия техническое сооружение получало художественную одежду, то в итоге этого процесса техника уже диктовала стиль. В этом отношении результатом развития стиля модерн стала построенная Густавом Эйфелем в конце 1880-х Эйфелева башня. В русском авангарде этот процесс завершился башней В.Г.Шухова.

В заключение следует отметить значимость общих аналогий, возникавших не в результате конкретного влияния мастеров западного модерна на русских авангардистов, а ставших следствием органичного вхождения русской художественной культуры в общемировой художественный процесс.

Камиль Писсарро | Французский художник

Камиль Писсарро , полностью Якоб-Абрахам-Камиль Писсарро , (родился 10 июля 1830 года, Сент-Томас, Датская Вест-Индия — умер 13 ноября 1903 года, Париж, Франция), художник и гравер, ключевая фигура в истории импрессионизма. Писсарро был единственным художником, представившим свои работы на всех восьми групповых выставках импрессионистов; на протяжении всей своей карьеры он оставался верным идее подобных альтернативных выставочных форумов.Он экспериментировал со многими стилями, включая период, когда он принял «пуантилистский» подход Жоржа Сёра. Поддерживающий друг и наставник таких влиятельных художников, как Поль Сезанн и Поль Гоген, многие, кто знал его, называли его «отцом Писсарро».

Детство

Писсарро был третьим сыном еврейского торговца французского, португальского происхождения. Его семья жила над своим магазином на Шарлотте Амалии, главной улице Сент-Томаса. Когда Камилле было 12 лет, родители отправили его в школу в Пасси, недалеко от Парижа. У юного Писсарро рано проявился талант к рисованию, и он стал посещать собрания Лувра.

В 17 лет он вернулся на Сент-Томас, где его отец ожидал, что он займется семейным бизнесом. Однако Писсарро больше интересовался набросками в гавани, и после встречи с приезжающим датским художником Фрицем Мельбай он отплыл со старшим художником в Венесуэлу в ноябре 1852 года. Позже Писсарро сказал, что «бросил все, что у меня было, и убежал в Каракас. чтобы вырваться из кабалы буржуазной жизни.«Находясь в Каракасе, Писсарро сделал множество зарисовок уличной жизни. Он вернулся на Сент-Томас в августе 1854 года. На этот раз его родители наконец осознали, что никакие аргументы не повлияют на решение их сына стать художником, и поэтому осенью 1855 года он в последний раз покинул дом, направляясь в Париж.

Начало карьеры

Писсарро прибыл вовремя, чтобы увидеть современное искусство, представленное на Всемирной выставке в Париже, где его сильно привлекли картины Камиля Коро.Он начал посещать частные классы в École des Beaux-Arts в 1856 году, а в 1861 году он зарегистрировался в качестве копировщика в Лувре. Он также посетил Académie Suisse, «бесплатную студию», где познакомился с будущими импрессионистами Клодом Моне, Полем Сезанном и Арманом Гийемоном. Через Моне он также познакомился с Пьером-Огюстом Ренуаром и Альфредом Сислеем.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

В эти первые годы во Франции Писсарро рисовал сцены Вест-Индии по памяти, и он нашел руководство у брата Мелби, Антона.Действительно, когда он впервые показал свои работы в Парижском салоне 1859 года, Писсарро называл себя «Учеником А. Мельбая», и этот титул он продолжал использовать до 1866 года. Его также неформально обучал Коро, который убеждал его рисовать с натуры. Отражая влияние Коро, ранние картины Писсарро обычно включают тропу или реку, уходящую в перспективу, а также фигуры, обычно рассматриваемые со спины, которые дают общее ощущение масштаба. Его ранние работы светлые и зеленые по тональности, однако, в отличие от серебристой тональности работ Коро.

В этот период Писсарро проводил время в сельских районах, таких как Монморанси, Ла-Рош-Гийон и Понтуаз, где он мог найти множество предметов для пейзажной живописи. Это установило привычку работать за пределами Парижа на протяжении всей жизни, а также часто оставаться в городе. Около 1860 года он начал отношения с Жюли Веллай, служанкой его матери, а в 1863 году родился их первый ребенок, Люсьен. (Пара поженилась в Лондоне в 1871 году; в итоге у них родилось восемь детей.)

Писсарро все больше и больше выступал против стандартов Школы изящных искусств и Академии на протяжении 1860-х годов, и время от времени он принимал участие в оживленных дебатах с молодыми художниками, такими как Моне и Ренуар, в кафе Guérbois.На десять лет старше таких художников, Писсарро считался отцом, и его яростные аргументы в пользу эгалитаризма и несправедливости системы жюри и призов произвели впечатление на всех. Хотя он демонстрировал свои работы в Парижском салоне, он и его коллеги все чаще осознавали несправедливость системы жюри Салона, а также недостатки относительно небольших картин, таких как их собственная, на выставках в Салоне.

Однако дискуссии в мире искусства были прерваны началом франко-германской войны в 1870 году.Писсарро уехал в Лондон, где встретился с Моне и дилером Полем Дюран-Рюэлем. Писсарро какое-то время жил на юге Лондона и рисовал сцены, такие как Хрустальный дворец, Лондон (1871), недавно появившихся пригородов. Много лет спустя он написал: «Мы с Моне очень увлекались лондонскими пейзажами. Моне работал в парках, а я, живший в Лоуэр Норвуд, в то время очаровательном пригороде, изучал влияние тумана, снега и весны ». По возвращении во Францию в свой дом в Лувесьен Писсарро обнаружил, что большая часть работ в его мастерской была уничтожена прусскими солдатами.

В 1872 году Писсарро вернулся в Понтуаз, где собрал вокруг себя небольшой кружок художников, в том числе Гийемена и, что наиболее важно, Сезанна, которому Писсарро терпеливо продемонстрировал свой метод рисования с натуры. Эти уроки заставили Сезанна полностью изменить свой подход к искусству. Позже, в 1902 году, он сказал о своем наставнике: «Что касается старого Писсарро, он был для меня отцом, человеком, с которым можно было советоваться, и чем-то вроде Господа».

Эдуард Мане Биография | Жизнь, Живопись, Влияние на искусство

Жизнь и времена

Примерно нарисованный стиль и фотографическое освещение в этих работах считались специфически современными и являлись вызовом работам эпохи Возрождения, которые Мане копировал или использовал в качестве исходного материала.Его работы считаются «ранними современными» отчасти из-за черных очертаний фигур, которые привлекают внимание к поверхности картинной плоскости и качеству материала краски.

Он подружился с импрессионистами Эдгаром Дега, Клодом Моне, Пьером-Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислей, Полем Сезанном и Камилем Писсарро через другую художницу, Берту Моризо, которая была членом группы и вовлекла его в свою деятельность. Картины Моризо, внучатой племянницы художника Жана Оноре Фрагонара, впервые были приняты в Парижском салоне в 1864 году, и она продолжала выставляться в салоне в течение десяти лет.

Мане стал другом и коллегой Берты Моризо в 1868 году. Считается, что она убедила Мане попытаться нарисовать пленэр, которой она занималась с тех пор, как ее познакомил с ней другой ее друг, Камиль Коро. У них были взаимные отношения, и Мане использовал некоторые из ее приемов в своих картинах. В 1874 году она стала его невесткой, когда вышла замуж за его брата Юджина.

В отличие от основной группы импрессионистов, Мане утверждал, что современные художники должны стремиться выставляться в Парижском салоне, а не отказываться от него в пользу независимых выставок.Тем не менее, когда Мане исключили из Международной выставки 1867 года, он организовал свою собственную выставку. Его мать беспокоилась, что он потратит все свое наследство на этот проект, который был чрезвычайно дорогим. Хотя выставка получила плохие отзывы основных критиков, она также дала ему первые контакты с несколькими будущими художниками-импрессионистами, включая Дега.

Хотя его собственные работы повлияли на стиль импрессионизма и предвосхитили его, он сопротивлялся участию в выставках импрессионистов, отчасти потому, что не хотел, чтобы его считали представителем групповой идентичности, а отчасти потому, что он предпочитал выставляться в Салоне. Ева Гонсалес была его единственной ученицей.

Он испытал влияние импрессионистов, особенно Моне и Моризо. Их влияние проявляется в использовании Мане более светлых цветов, но он сохранил свое отличительное использование черного цвета, нехарактерное для живописи импрессионистов. Он написал много работ на открытом воздухе (пленэр), но всегда возвращался к тому, что считал серьезной работой студии.

Мане был в тесной дружбе с композитором Эммануэлем Шабрие, написав два его портрета; музыкант владел 14 картинами Мане и посвятил свой Экспромт жене Мане.

На протяжении всей своей жизни, несмотря на сопротивление искусствоведов, Мане мог причислить его к своим защитникам Эмиля Золя, публично поддерживавшего его в прессе, Стефана Малларме и Шарля Бодлера, который бросил ему вызов изобразить жизнь такой, какая она есть. Мане, в свою очередь, рисовал или раскрашивал каждого из них.

Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве

Модернизм был международным движением во многих обществах, начавшимся в конце девятнадцатого века и продолжавшимся до середины двадцатого века.

Его влияние и влияние на то, как мы сейчас живем, нельзя недооценивать. Отчасти модернизм был ответом на радикально изменившиеся условия жизни, окружавшие подъем индустриализации. В изобразительном искусстве художники работали, используя принципиально новые предметы, методы работы и материалы, чтобы лучше отражать эти изменения, а также надежды и мечты современного мира.

Статьи по теме: Футуризм Модернизм Конкретное искусство — Вы когда-нибудь задумывались, что такое оп-арт? — 13 женщин импрессионизма

Гюстав Курбе, Les raboteurs de parquet, холст, масло, 1875.

В целом термин «современное искусство» относится к миллионам современных картин и других предметов искусства, созданных на всех континентах в течение примерно столетия. Современное искусство начали создаваться еще в 1860-х годах и, возможно, создавались еще в 1970 году. Широко распространенное значение современного искусства заключается в том, что это искусство, которое отвергает исторические традиции искусства и принимает эксперименты. В течение этого периода было сделано несколько смен парадигм и художественных новшеств, включая переход от повествования и фигурации к абстракции.

Вид инсталляции картин Хильмы аф Клинт в музее Гуггенхайма, Нью-Йорк, 2019 год. Картины датируются началом 20 века и считаются первыми когда-либо созданными абстрактными картинами.

Исторический контекст:

Искусство модернизма было неразрывно связано с философскими образцами мышления, которые возникли в результате просвещения. К ним относятся такие влиятельные фигуры, как Эммануэль Кант. Многие мыслители рассматривают Французскую революцию 1789 года как основополагающую для начала современной эры из-за ее насильственного ниспровержения и подвергания сомнению социальных институтов и установок, которые бесконтрольно существовали на протяжении веков.

Что касается модернистского искусства, и особенно модернистской живописи, существовало несколько ранних новаторских движений, которые легли в основу всего последующего модернизма. В основном это были художники-импрессионисты, романтики и реалисты. К началу 20-го века существовало большее разнообразие движений, включая кубизм, символизм, футуризм и постимпрессионизм, которые существовали под рубрикой того, что мы сейчас называем модернистским искусством.

Стилистические и формальные влияния на этот массив ранних модернистских движений были разнообразными и глобальными.Например, Эдуард Мане, который был ключевым художником-импрессионистом, находился под сильным влиянием японских гравюр укиё-э. Это позволило ему создавать более плоские картины с меньшим упором на перспективу, но при этом в тонкой манере изображать окружающий мир. Художники-абстракционисты из разных течений, безусловно, испытали влияние нововведений таких художников, как Делакруа и Тернер. Художники-реалисты, такие как Курбе, находились под влиянием повседневного изображения событий и избегали стилизованных и идеалистических изображений жизни, которые населяли традиционное академическое искусство.

Эдуард Мане, Портрет Эмиля Золя, холст, масло, 1868 год.

До начала Нового времени искусство в основном создавалось по заказу мецената и поэтому было вовлечено в более широкое экономическое соглашение между агентами. На протяжении девятнадцатого века это изменилось, поскольку художники начали отказываться от этих ограничений и начали работать, исследуя субъективные точки зрения. Хотя работа Зигмунда Фрейда 1899 года «Толкование снов» не получила широкого распространения в то время, она сигнализировала о сдвиге понимания подсознательного разума и стимулировала исследования в этой области и имеет решающее значение для интерпретации этих меняющихся структур художественного производства.

Эскиз Зигмунда Фрейда Сальвадора Дали, 1938 год.

Модернизм за пределами визуального искусства:

Искусство модернизма было взаимосвязано с родственными ему движениями в других областях культурного производства, особенно в музыке, литературе и архитектуре.

В литературе стремление к точному изображению изменившегося индустриального мира было таким же, как и в изобразительном искусстве. В литературе, однако, хотя ряд авторов, включая Джозефа Конрада и Генри Джеймса, ассоциируются с модернизмом, современная литература начинает писать только в период после Первой мировой войны.Одним из пионеров современных литературных произведений стало стихотворение «Пустошь», написанное в 1922 году английским писателем Т.С. Эллиот.

В музыке композиторы-новаторы, такие как Антон Веберн, Арнольд Шенберг и Игорь Стравинский, экспериментировали с новыми тональными аранжировками, создавая совершенно разные музыкальные композиции. То же самое относилось и к исполнительскому искусству и его использованию музыки: такие деятели, как Лой Фуллер, полностью деконструировали традиционные формы танца, такие как балет, и создали то, что мы теперь понимаем как современный танец.

Та же история произошла и в архитектуре, и к концу девятнадцатого века начал преобладать совершенно новый подход, который охватил функциональность и инновации. В течение десятилетия после Первой мировой войны то, что сейчас известно как международный стиль, распространилось по всей Европе. В зданиях в этом стиле не было орнаментов и других исторических ссылок, а стены предпочитали неукрашенные. Ле Корбюзье и его заявление о том, что дом должен быть машиной для жизни, воплотили этот подход.

Дом Ле Корбюзье Weissenhof, 1927 год, Штутгарт с Mercedes Benz 1929 года выпуска.

Модернистские инновации:

Современная живопись характеризовалась множеством нововведений, которые позволили художникам по-новому взглянуть на мир и исследовать эстетические и чувственные эффекты в своей работе. Что касается художников-импрессионистов, они верили в попытку передать в свои картины такие чувства, как настроение, атмосферу и определенные оптические эффекты.Моне часто рисовал один и тот же вид несколько раз в течение одного дня, чтобы исследовать различные способы, которыми солнце и тени меняют внешний вид здания, неба и водоема. Для этого они часто рисовали на улице: на пленэре.

Помимо технических новшеств, импрессионисты также проявили изобретательность в том, как они объединились в самоидентифицирующуюся группу, что позволило им организовывать выставки. Они назвали свою группу Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Ассоциация художников, скульпторов и граверов») и следовали определенным методам работы.Было замечено, что это превзошло традиционную тогда модель национального стиля, и этому неоднократно следовали на протяжении всего современного периода.

Моне в своем саду в Гивени, Франция.

Ключевые, ранние движения модернизма:

Обсудив выше импрессионизм, важно исследовать широту других центральных модернистских стилей и движений, которые с тех пор определяли искусство. Их:

1. Кубизм:

Центральная фигура кубизма в массовом воображении — Пабло Пикассо: это слово почти стало описанием некоторых его работ. Жорж Брак, однако, также был основой чрезвычайно важного движения, и два художника работали вместе, чтобы создать этот геометрический стиль с упором на выравнивание живописного пространства и редукционные качества. Работы Пикассо и Брака в эпоху кубизма выглядят очень похоже и концептуально нацелены на то, чтобы подчеркнуть иллюзионистскую плоскость холста и сделать это на переднем плане при взгляде. Важным произведением этого движения является картина Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы» (1907), в которой через изображения фигур показано влияние африканского племенного искусства.Еще одним важным стилистическим нововведением была способность Брака и Пикассо использовать монохроматическую градацию, чтобы сосредоточиться на геометрии картин.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon, холст, масло 1907.

2. Постимпрессионизм:

Название постимпрессионизма говорит о его истоках: он стремился пойти намного дальше, чем его уже новаторские предшественники, и снова базировался за пределами Франции, и в частности Парижа. К началу 20-го века он получил широкое распространение, и одними из его главных представителей были художники Жорж Сёра, Поль Сезанн и Винсент Ван Гог.Далее они деконструировали то, что значит изображать чистое и субъективное выражение, и были радикальны в своей простоте и манере письма. Хотя теперь их называют движением, и несмотря на то, что многие из главных фигур знали о других членах и их действиях, они часто работали в одиночестве и без того же коммуникативного аспекта в своей трудовой жизни. Это произвело настоящее расхождение в работе, одним из крайних примеров является вышеупомянутый Жорж Сёра и его определяющая картина в стиле пуантилистов 1884-1818 годов, воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт.

Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт, холст, масло, 1884-1818 гг.

3. Футуризм:

Футуризм был почти исключительно итальянским и одним из наиболее радикальных и политически мотивированных движений модернизма. В манифесте движения 1909 года, написанном Филиппо Маринетти, было заявлено, что «великолепие мира обогатилось новой красотой: красотой скорости», и продолжил объяснение, почему традиционные культурные формы бесполезны для этого современного человека. и индустриальное общество: «ревущий автомобиль, который, кажется, управляется пулеметным огнем, прекраснее Победы Самофракии.Движение рассматривало себя как совокупность культуры, приглашая не только художников и скульпторов присоединиться к своим рядам, но также писателей, танцоров и архитекторов. С тех пор футуризм вызвал споры из-за кажущейся поддержки насилия и женоненавистничества. Многие из наиболее характерных образов футуризма содержат машины, изображенные геометрическим способом, чтобы подчеркнуть движение, динамизм и скорость. Яркие и смелые цветные плоскости добавили общего эффекта. Несмотря на то, что оно твердо выступало за войну и разъясняло достоинства и изменения, которые могла принести война, движение угасло с жестокой реальностью Второй мировой войны.

4. Завихрение:

Часто встречающийся параллельно с футуризмом, вортицизм также охватывал эстетику машины и идеологию автоматизации. Это было чисто английское движение, основанное Уиндемом Льюисом незадолго до Первой мировой войны при участии Эзры Паунда. У них была распечатка в виде журнала Blast, в котором публике предлагались их теории. Ключом к их мышлению было предположение, что только абстракция и ее возможности нового представления могут помочь нации уйти от доминирующей и клаустрофобной привязанности к морализирующей и устаревшей викторианской культуре, которая так сильно распространилась.Судьба вортицизма была похожа на судьбу футуризма, однако, с их яростной про-машинной позицией, твердо связывающей их с провоенной перспективой. Смерть двух известных сторонников вортицистского движения, а именно Годлер-Бжеска и Т. Халм в Первой мировой войне был ударом, от которого он так и не оправился.

5. Конструктивизм:

Изображение памятника Татлину III Интернационалу, смешанная техника, 1919-20.

Движение конструктивистов продемонстрировало, как модернизм распространился далеко за пределы Европы.Однако это движение находилось под сильным влиянием параллельных движений на континенте, и по мере того, как эстетика и идеология футуризма и кубизма распространялись дальше на восток, они смешались с революционным рвением России в то время, чтобы сформировать конструктивизм. Основным приверженцем движения было предложение строить искусство из промышленных материалов, чтобы служить социальным целям, а не просто истолковывать абстракцию ради нее самой. Русскому, которому часто приписывают толчок к конструктивизму, является Владимир Татлин, который познакомился с кубизмом Пикассо во время учебы в Париже.Татлин вернулся в Россию и впоследствии в 1920 году написал Манифест реалистов, который, как и ранее обсуждалось, модернистские движения фетишизировали машины и технологии. Движение было сосредоточено вокруг искусства, служащего определенной цели, и таким образом сместило акцент с художников на графику и архитектуру. Неизменный образ конструктивизма остается дизайнерским предложением памятника, сделанным Татлиным. Названный памятником Третьего Интернационала (1919–20), скульптурный объект никогда не строился, но представляет собой футуристическую спираль здания, предназначенного для использования правительством.

Другие определяющие моменты модернизма:

Гюстав Курбе, Камнедробители, холст, масло, 1849.

На изображении выше изображена картина художника-реалиста Гюстава Курбе. Он считался одним из первых современных художников, которые исследовали реальность и стремились писать без идеологии или иллюзий. Каменные разрушители ничем не примечательны для современного восприятия, но противоречили привилегиям религиозной, мифологической и исторической живописи, существовавшей в то время во французских салонах.Выставка была признана шокирующей.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 год (копия).

Это изображение принадлежит художнику Дада Марселю Дюшану. Эта крайне нетрадиционная группа была основана в Цюрихе, который был нейтральным городом среди ужасов Первой мировой войны. Его цели были преднамеренно абсурдными, но были политически радикальными и снова хотели выдвинуть на первый план совершенно новую эстетическую чувствительность, которая охватывала случай и ерунду.

Джексон Поллок, Голубые полюса, холст, масло, 1952 год.

Это изображение принадлежит одному из более поздних, великих течений современного искусства, пришедших из Америки, известному как абстрактный экспрессионизм. Джексон Поллок вместе с другими титанами современного искусства Марком Ротко и Виллемом де Кунингом задумал крупномасштабное, смелое выражение чистой и непривязанной абстракции, которая была переплетена с американским индивидуализмом.

Было множество других движений, которые были центральными для модернизма.Многие из них вышли из Америки в середине 20 века, например, вышеупомянутый абстрактный экспрессионизм и минимализм. Появление в Америке художников поп-арта и нео-дада, таких как Роберт Раушенберг, стало началом конца модернизма. С визуальным ландшафтом, радикально измененным средствами массовой информации и повисшими в воздухе общественными потрясениями 1960-х годов, эти художники начали сомневаться в роли художника в обществе и в том, какую роль образы играли в формировании повседневной реальности людей — способом, неизвестным модернистским художникам .

Изображение на обложке: Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт, холст, масло, 1884–6 гг.

Автор Макс Ланн

Следите за обновлениями в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства.

Модернизм в Америке | Безграничная история искусства

Американская живопись: Школа ашкан

Школа Ашкана — это движение в рамках американского реализма, известное тем, что изображает сцены повседневной жизни в бедных кварталах Нью-Йорка.

Цели обучения

Опишите происхождение и цель школы Ашкан

Ключевые выводы

Ключевые моменты

Американский реализм возник в конце 19-го и начале 20-го веков с произведениями искусства, изображающими современные взгляды на повседневную жизнь, и Школа Ашкана была центральным элементом этого движения.
Художники школы Ашкан восстали против американского импрессионизма, противопоставляя акцент импрессионистов на свете работам реалистов, которые были более темными по тону и запечатлели более суровые моменты жизни.
Художники школы Ашкан изображали проституток, пьяниц, забитых свиней, переполненные многоквартирные дома и боксерские матчи. Их внимание к бедности и повседневным реалиям городской жизни побудило критиков рассматривать их на периферии современного искусства.

Ключевые термины

Американский реализм : Идея начала 20 века в искусстве, музыке и литературе, отражающая современные проблемы и события.
Американский импрессионизм : Американский импрессионизм был стилем живописи, связанным с европейским импрессионизмом и практиковавшимся американскими художниками в Соединенных Штатах в конце 19-го и начале 20-го веков.Американский импрессионизм — это стиль живописи, для которого характерны рыхлая манера письма и яркие цвета.

Обзор

Школа Ашкана — это движение в рамках американского реализма, получившее известность в Нью-Йорке в начале 20 века и наиболее известное благодаря работам, изображающим сцены повседневной жизни в бедных кварталах Нью-Йорка.

Американский реализм

Американский реализм — это концепция, возникшая в конце 19 — начале 20 веков в искусстве, музыке и литературе.Будь то изображение современной культуры или живописный вид на центр Нью-Йорка, работы реалистов отражали современный взгляд на происходящее или на то, что было «реальным».

В Америке в начале 20-го века взросло новое поколение художников, писателей и журналистов, которые были заинтересованы в создании нового стиля, отражающего городскую жизнь и американское население, которое становилось все более урбанистическим по мере роста страны. вступил в новый век. Американский реализм попытался изобразить истощение и культурное изобилие американского пейзажа и жизни обычных людей дома.Художники использовали быстро растущий город, чтобы повлиять на цвет, текстуру и внешний вид своих творческих проектов.

Отойдя от фантазии и сосредоточившись на суровости и реальности повседневной жизни, американский реализм явился прорывом — представил модернизм и то, что значит быть в настоящем. Школа Ашкан, также известная как «Восьмерка», была центральной частью нового американского модернизма в изобразительном искусстве.

Школа Ашкан

Школа Ашкана — это группа художников из Нью-Йорка, которые стремились передать ощущение Нью-Йорка рубежа веков через реалистичные портреты повседневной жизни.Движение выросло из группы, известной как «Восьмерка», многие из которых имели опыт работы в качестве иллюстраторов газет и единственное совместное шоу которых в 1908 году произвело фурор. Эти художники изображали не только светских людей Пятой авеню, но также представителей низшего класса и богатую текстуру иммигрантской культуры. Критики того времени не всегда ценили их выбор тем, в том числе переулки, многоквартирные дома, обитателей трущоб, а в случае Джона Френча Слоана — таверны, часто посещаемые рабочим классом.

Пять художников из The Eight: Уильям Глакенс, Роберт Анри, Джордж Лукс, Эверетт Шинн и Джон Френч Слоан стали ассоциироваться со школой Ашкан. Однако школа Ашкан не была организованной группой. Вместо этого их единство заключалось в желании рассказать правду о состоянии города. Первое известное использование терминологии «мусорный бак» при описании механизма было сделано Артом Янгом в 1916 году.

Шинн Генри Слоан : Эверетт Шинн, Роберт Генри и Джон Слоан, ок. 1896 г. (неопознанный фотограф, черно-белая печать, 18 х 13 см.)

Художники школы Ашкан восстали против американского импрессионизма, который в то время был авангардом американского искусства.В отличие от акцента импрессионистов на свете, их реалистические работы, как правило, были более темными по тону, фиксируя более суровые моменты жизни и часто изображая такие предметы, как проститутки, пьяницы, забитые свиньи, переполненные многоквартирные дома, боксерские матчи и борцы. Именно их частый, хотя и не тотальный, фокус на бедности и повседневных реалиях городской жизни побудил американских критиков считать их на периферии современного искусства.

Оба члена этого клуба : Оба члена этого клуба Джордж Беллоуз, 1909 (холст, масло, Национальная художественная галерея)

Фотография в Америке

Фотография развивалась как вид искусства в начале 20-го века, во многом благодаря нескольким художникам, которые работали над узакониванием среды, перенеся ее в обстановку галереи.

Цели обучения

Опишите становление фотографии как вида искусства в начале 20 века

Ключевые выводы

Ключевые моменты

В начале 1900-х годов дагерротип стал самым популярным и доступным фотографическим методом для широкой публики.
В 1884 году Джордж Истман из Рочестера, штат Нью-Йорк, разработал сухой гель на бумаге или пленке, который заменил фотопластинку, так что фотографу больше не нужно было носить с собой коробки с пластинами и токсичными химикатами, что еще больше популяризировало этот носитель.
Альфред Штиглиц и Эдвард Штайхен сыграли важную роль в превращении фотографии в изобразительное искусство, и Штиглиц был особенно известен тем, что представил ее в музейных собраниях.
Штиглиц известен не только как фотограф, но и как писатель, издатель, организатор выставок и коллекционер. Как владелец нескольких нью-йоркских художественных галерей, он познакомил многих фотографов и других художников, в том числе новых европейских авангардистов, с миром искусства США.
На протяжении своей карьеры Штиглиц был связан с рядом фотографических организаций и журналов в Нью-Йорке.Он использовал эти платформы для продвижения фотографии как изобразительного искусства и способствовал ее признанию в мире искусства.
Движение фото-сецессион сосредоточило внимание на роли фотографа как художника и характеризовалось пикториализмом, в котором изображения и фотоматериалы манипулировались, чтобы имитировать качество картин и гравюр, создаваемых в то время.

Ключевые термины

реферат : Без репрезентативных качеств.Абстрактное искусство использует визуальный язык формы, цвета и линий для создания композиции, которая существует со степенью независимости от визуальных ссылок в мире.

История фотографии

История фотографии уходит корнями в древность с открытия принципа камеры-обскуры и наблюдения, что некоторые вещества заметно изменяются под воздействием света. Принято считать, что Томас Веджвуд сделал первую, хотя и безуспешную, надежно задокументированную попытку.В середине 1820-х Нисефор Ньепс добился успеха, но потребовалось несколько дней выдержки в камере, и первые результаты были очень грубыми. Сотрудник Ньепса Луи Дагер продолжил разработку процесса дагерротипа, первого публично объявленного фотографического процесса, который требовал всего нескольких минут выдержки в камере и давал четкие и детализированные результаты. Он был коммерчески представлен в 1839 году, когда считается годом рождения практической фотографии.

На протяжении конца 1800-х — начала 1900-х годов экспериментировали с рядом конкурирующих процессов и в той или иной степени распространяли среди населения.Спрос на портретную живопись, возникший у среднего класса во время промышленной революции, не мог быть удовлетворен по объему и по стоимости масляной живописью, что способствовало развитию фотографии. В конце концов, дагерротип стал самым популярным и доступным методом для широкой публики, однако дагерротипы были хрупкими, их трудно было копировать, и им не хватало портативности, поскольку для них требовались пластины и токсичные химические вещества.

В 1884 году Джордж Истман из Рочестера, штат Нью-Йорк, разработал сухой гель на бумаге или пленке, который заменил фотопластинку, так что фотографу больше не нужно было носить с собой коробки с пластинами и токсичными химикатами.В июле 1888 года камера Kodak компании Eastman поступила в продажу под девизом «Вы нажимаете кнопку, остальное делаем мы». Теперь каждый мог сделать снимок и оставить сложные этапы процесса другим, и фотография стала доступной для массового рынка в 1901 году с появлением Kodak Brownie.

Фотография как искусство

Успешные попытки создания художественной фотографии можно проследить до деятелей викторианской эпохи, таких как Джулия Маргарет Камерон, Чарльз Лютвидж Доджсон, Оскар Гюстав Рейландер и другие. В США Ф. Холланд Дэй, Ансель Адамс, Альфред Штиглиц и Эдвард Стейхен сыграли важную роль в превращении фотографии в изобразительное искусство, и Штиглиц был особенно известен тем, что представил ее в музейных собраниях. До конца 1970-х годов преобладали несколько жанров: обнаженная натура, портреты, природные пейзажи. Художники-прорывы 1970-х и 80-х годов, такие как Салли Манн, Роберт Мэпплторп, Роберт Фарбер и Синди Шерман, по-прежнему сильно полагались на такие жанры, хотя и видели их свежим взглядом.Другие исследовали эстетический подход к снимку. Американские организации, такие как Aperture Foundation и Музей современного искусства, много сделали для того, чтобы фотография оставалась на переднем крае изящного искусства.

Движение фото-сецессиона

Фотограф Альфред Штайглиц (1864–1946) возглавил движение Photo-Secession, движение, которое продвигало фотографию как изобразительное искусство и стремилось повысить стандарты и осведомленность об художественной фотографии. Движение Photo-Secession сосредоточило внимание на роли фотографа как художника.Он характеризовался пикториализмом, при котором изображения и фотоматериалы манипулировались, чтобы подражать качеству картин и гравюр, создаваемых в то время. Среди используемых методов были мягкий фокус; специальные фильтры и покрытия линз; прожигание, осветление и / или кадрирование в темной комнате для редактирования содержимого изображения; и альтернативные способы печати, такие как тонирование сепией, углеродная печать, платиновая печать или обработка бихроматом камеди.

Гертруда Кезебир, Портрет Альфреда Штиглица : Портрет Альфреда Штиглица работы Гертруды Кезебир, 1902 год.

С 1902 по 1916 год, расположенный в галерее 291 в Нью-Йорке, членство в движении Photo-Secession было только по приглашению и варьировалось в зависимости от интересов Штиглица. Наиболее известными членами были Эдвард Стейхен, Кларенс Х. Уайт, Гертруда Кезебир, Фрэнк Юджин, Ф. Холланд Дэй и Элвин Лэнгдон Коберн.

Альфред Штиглиц, Джорджия О’Киф, Хэндс : Альфред Штиглиц, Джорджия О’Киф, Хэндс , 1918.

В то же время, однако, использование фотографии в качестве инструмента реалистичной документации отражало рост американского реализма в искусстве и скульптуре.Многие фотографы стремились запечатлеть повседневную жизнь американцев — как богатых, так и бедных — реалистично и часто сурово. Льюис Хайн (1874–1940) использовал свет, чтобы осветить темные области социального существования в своем Питтсбургском обзоре (1907), в котором исследовались условия труда и жизни в Питтсбурге. Позже он стал фотографом Национального комитета детского труда. Пол Стрэнд (1890–1976) создавал жесткие прямые абстракции, портреты крупным планом, документировал машины и городские пейзажи.

Движение Precisionist

Эдвард Уэстон (1886–1958) станет лидером Движения прецизионистов, стиля, который действовал в прямом противодействии движению фото-сецессионистов. Это движение было первым настоящим использованием модернизма в фотографии. Он отличался резкой фокусировкой и тщательно оформленными изображениями. Джеймс ван дер Зи (1886–1983) был афроамериканским фотографом, который стал символом движения Гарлемского Возрождения. Он был наиболее известен своими портретами чернокожих жителей Нью-Йорка и подготовил наиболее полную документацию того периода.

Коммерческая фотография

Коммерческая фотография также расширилась в это время, как и в работах Эдварда Стейхена (1879–1973). Стейхен порвал со Штиглицем ближе к концу движения за фото-сецессион и в 1919 году создал первое коммерческое изображение под названием « Груша и яблоко». Его работы были представлены в таких журналах, как Vanity Fair . Ансель Адамс (1902–1984) также начал свою карьеру в качестве коммерческого фотографа и получил широкую известность благодаря своим снимкам американских пейзажей.

Ансель Адамс, Титоны и река Снейк, 1942 : Типичная фотография Ансела Адамса, изображающая американский пейзаж в черно-белом цвете.

Оружейная выставка

На Armory Show 1913 года были представлены работы европейских художников-авангардистов наряду с их американскими коллегами.

Цели обучения

Обсудить влияние Armory Show на знакомство американской публики с художественными стилями импрессионизма, фовизма и кубизма.

Ключевые выводы

Ключевые моменты

На Armory Show 1913 года было представлено около 1300 работ более 300 художников с целью познакомить американскую публику с лучшим авангардным европейским искусством.
Современные отклики на работы европейских импрессионистов, фовистов и кубистов были наполнены обвинениями в шарлатанстве, безумии, аморальности и анархии.
Armory Show познакомила жителей Нью-Йорка, привыкших к натуралистическому искусству американского реализма, со стилями европейских художников-авангардистов и послужила катализатором для американских художников в создании собственного художественного языка.
Armory Show с тех пор превратилась в ежегодную ярмарку современного искусства.

Ключевые термины

Фовизм : Художественное движение последней половины XIX века, подчеркивавшее спонтанность и использование чрезвычайно ярких цветов.
Кубизм : авангардное направление в искусстве начала 20-го века, впервые созданное Пабло Пикассо и Жоржем Браком, где объекты анализируются, разбиваются и собираются в абстрактной форме.
Американский реализм : Идея начала 20 века в искусстве, музыке и литературе, отражающая современные проблемы и события.

The Armory Show — первая выставка, организованная Ассоциацией американских художников и скульпторов. Выставка проходила в Оружейной палате 69-го полка Нью-Йорка с 17 февраля по 15 марта 1913 года и представила около 1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 художников.Первоначальной предпосылкой шоу было продемонстрировать лучшее авангардное европейское искусство наряду с лучшими работами американских художников для публики в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне.

Плакат Armory Show, 1913 г. : Плакат, на котором указано название выставки, время и место проведения, а также известные артисты.

Импрессионизм, фовизм и кубизм были среди представленных европейских авангардных школ. Новостные репортажи и обзоры шоу были наполнены обвинениями в шарлатанстве, безумии, безнравственности и анархии, часто включая пародии, карикатуры и инсценировки выставок.Если не считать критики, гражданские власти не вмешивались в шоу. Среди скандально радикальных произведений искусства был кубистско-футуристический стиль Марселя Дюшана «« Обнаженная, спускающаяся по лестнице »» (1912), в котором он выражал движение с последовательными наложенными друг на друга изображениями.

Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 Марселя Дюшана : Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912, холст, масло, 58 x 35 дюймов Художественный музей Филадельфии.

Искусствовед Джулиан Стрит писал, что работа напоминала «взрыв на фабрике по производству черепицы», а художники-карикатуристы высмеивали ее. Гутзон Борглум, один из первых организаторов шоу, назвал эту пьесу «Лестница, спускающаяся обнаженной», а Дж. Ф. Грисволд, автор газеты New York Evening Sun , назвал ее «Грубый спуск по лестнице (час пик в метро).» Несмотря на эту негативную реакцию, покупка музея Поля Сезанна Холм бедных (вид на Домен Сен-Жозеф) музеем Метрополитен знаменовала интеграцию модернизма в существующие музеи Нью-Йорка. Брат Дюшана, известный под псевдонимом Жак Вийон, также выставлялся на Armory Show, что вызвало симпатию у нью-йоркских коллекционеров.Выставка перешла в Чикагский художественный институт, а затем в Художественное общество Копли в Бостоне.

Карикатура на кубизм на Armory Show : «Незначительная атака третьего измерения, вызванная чрезмерным изучением много обсуждаемых кубистских картин на Международной выставке в Нью-Йорке», нарисованная Джоном Френчем Слоаном в апреле 1913 года. Опубликовано ранее. 1923.

Armory Show познакомила жителей Нью-Йорка, привыкших к натуралистическому искусству американского реализма, со стилями европейского авангарда. Шоу также послужило катализатором для американских художников, которые впоследствии стали больше экспериментировать и стали более независимыми в создании собственного художественного языка. В течение 20 века было проведено множество выставок, посвященных наследию шоу. «New» New York Armory Show проводилась в пирсах на реке Гудзон в 1994 году и с тех пор превратилась в ежегодную ярмарку современного искусства.

Модернизм и современное искусство XIX и XX веков

Модернизм был культурным движением, которое распространилось по Европе в 19 и 20 веках.Трудно дать определение, но в целом это рассматривалось как движение к переменам. Полностью индустриальный мир того времени оказал особое влияние на более традиционный образ жизни и традиционные формы в искусстве. Люди начали искать новые возможности для более инновационных творений и занятий.

Ключевым предвестником смены покраски стало изобретение фотоаппарата. Фотографическое изображение заменило функцию картины, заставляя художника делать больше, чем просто записывать человека или событие такими, какими он их видел.

Символизм

Художественное движение 19 ^-го-го века, отвергающее реализм и импрессионизм и их представление визуального и конкретного мира. Символисты стремились выразить мистические и духовные идеи с помощью цвета и линии. Они использовали эти элементы для выражения эмоций и мыслей, которые невозможно описать буквально.

Примеры:
Эдвард Мунк (1863-1944), Крик , 1893
Густав Климт (1862-1918), Поцелуй , ок.1907

Сюрреализм

Сюрреализм можно понимать как искусство воображения и мечты. Сюрреалисты хотели создать искусство, основанное или используя свои подсознательные мысли. Они были очень вдохновлены философскими трудами Зигмунда Фрейда ( Толкование снов , 1900).

Сюрреалисты также использовали художественные техники, такие как автоматизм , при котором художник мог свободно рисовать, позволяя своей руке двигаться с минимальным сознательным контролем.Такого рода бессознательное искусство также достигалось, бросая бумагу на пол или позволяя краске капать с кисти.

Примеры:
Хоан Миро (1893-1983), Рождение мира , 1925
Рене Магритт (1898-1967), Предательство образов , 1928-9 и Личные ценности , 1952 Сальвадор Дали (1904-89), Постоянство памяти , 1931

Кубизм

Кубизм признан стилем живописи, изобретенным Жоржем Браком (1882–1963) и Пабло Пикассо (1881–1973) в 20, 90, 409, веках.Вдохновленные теорией Сезанна о сведении формы к геометрическим формам, эти художники использовали коллаж и рисование для создания 2D-изображений 3D-объектов и мест с разных точек зрения.

Первоначальное влияние оказало африканское искусство, особенно африканские маски. Картина Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907 часто упоминается как первая картина в стиле кубизма.

Кубизм можно разделить на 2 фазы:

Аналитический кубизм (1907-1912)
Первая фаза аналитического кубизма началась с ограниченной цветовой палитры земных и серых цветов. Они пытались изобразить фигуры, пейзажи и натюрморты так, как их можно было бы увидеть с разных точек зрения. Они разбирали предметы, уменьшая их до геометрических форм, а затем снова собирали их.

Пример: Брак, Девушка с гитарой, 1913 г.

Синтетический кубизм (b1912)
Вторая фаза кубизма приветствовала появление коллажей и найденных объектов. Они также смешали песок и опилки с краской, чтобы создать различные текстуры.

Пример: Пикассо, Коллаж , 1913

Неделя современного искусства и подъем бразильского модернизма

Новые течения модернизма

На фотографии ниже изображены некоторые художники и спонсоры Недели современного искусства 1922 года. Писатель и критик Марио де Андраде, один из основателей модернистского движения, является третьим человеком слева, а Освальд де Андраде — еще одним членом движение (но не отношение), садится на пол впереди.

«Grupo da Semana de 22» из фотоальбома Тарсила-ду-Амарал, ок. 1922. Из Caixa Modernista, Edusp / Editoria UFMG / Imprensa Oficial, São Paulo, 2003.

«Grupo dos Cinco» [Группа пяти] — так называлась группа из пяти модернистов, которые оказали влияние на раннее основание движения и стремились продвигать уникальную бразильскую культуру, в которой подчеркивались коренные и неевропейские элементы.

Хотя ее члены сотрудничали в формировании движения и организации Недели современного искусства, группа не оставалась единым источником модернистской продукции на протяжении 1920-х годов.Группы разделились из-за несовпадения интересов или разногласий по поводу того, какие традиции должны формировать движение, в то время как личные разногласия — например, вражда между Марио де Андраде и Освальдом де Андраде после того, как последний письменно назвал первого женоподобным, — еще больше подорвали единство Grupo. dos Cinco .

«Grupo dos Cinco [Тарсила ду Амарал, Марио де Андраде, Анита Малфатти, Освальд де Андраде, э Менотти дель Пиккья]» (1922). На этой картине Аниты Малфатти изображены пятеро самых выдающихся художников-модернистов вместе в комнате, где они бездельничают и явно пренебрегают традиционными стандартами приличия.Из Caixa Modernista, Edusp / Editoria UFMG / Imprensa Oficial, Сан-Паулу, 2003.

Следующие изображения были либо выставлены на Неделе современного искусства в Сан-Паулу в 1922 году, либо были созданы в годы после этого каталитического события для современного искусства в Бразилии. Изучите изображения и обратите внимание на людей, образ жизни и эмоции, которые они вызывают.

Какие аспекты повседневной жизни и культуры сосредоточены в этих картинах?
Как эти изображения изображают Бразилию иначе, чем в предыдущие десятилетия?

Из Caixa Modernista, Edusp / Editoria UFMG / Imprensa Oficial, Сан-Паулу, 2003 г.

Картина «Негра» (1923) была частью первой персональной выставки Тарсила до Амарала. Различные критики назвали ее работы «экзотическими», «оригинальными», «интеллектуальными» и «наивными».

от Caixa Modernista.

Картина «Бананал» [Банановая роща] Ласара Сегала (1927) привлекает внимание рабочего, стоящего посреди банановой плантации, подчеркивая человеческий фактор в сельскохозяйственном производстве Бразилии.

от Caixa Modernista.

«Cinco Moças de Guaratingeutá» [Пять девушек из Guaratingeutá] Эмилиано ди Кавальканти (1930).

Африканская культура и бразильский модернизм

Как особенно ясно видно из приведенных выше картин, бразильские модернисты сознательно включали в свои работы изображения афро-бразильцев. Это говорит о том, что они считали примирение различных расовых идентичностей в Бразилии необходимым шагом в модернизации. Однако назначение этих изображений менялось от работы к работе.В картине «Негра» Тарсилы до Амарала изображена чернокожая женщина с выпуклой увеличенной грудью и губами, сидящая на абстрактном фоне земных тонов. Это материнская фигура; возможно, это предполагает, что африканские элементы бразильской культуры породили современную нацию. Что бы это ни значило, картина обыгрывает старые стереотипы африканской культуры, придавая ей землистый и экзотический характер, но представляя это как важную, положительную часть национальной идентичности.

«Cinco Moças de Guaratingeutá» Эмилиано ди Кавальканти, напротив, рисует образ смешанной Бразилии столь же банальным, насколько Амарал делает его экзотическим.На его картине изображены пять хорошо одетых молодых женщин с разными оттенками кожи. Его картина показывает мультирасовый подход как часть повседневной жизни. Однако в то время этот образ идеально смешанного общества был в высшей степени идеализирован, предполагая форму расовой демократии, несовместимую с реальными политическими и экономическими ограничениями и стойким расизмом, с которым сталкиваются небелые бразильцы.

Антропофагия и национализм в художественном мире

Этот портрет Освальда де Андраде, сделанный его будущей женой и коллегой-модернистом Тарсилой ду Амарал, был выставлен на Неделе современного искусства. Любезно предоставлено Wikimedia Commons.

Бразильский модернизм отмечен экспериментализмом, который был отрицанием строгого академизма Бразильской академии литературы, а также повышенным осознанием социальных проблем и политических течений в Бразилии. Основная полемика внутри движения возникла из-за беспокойства по поводу влияния Европы и Соединенных Штатов на бразильское искусство и культуру. Возникли две точки зрения по этому поводу.

Освальд де Андраде и антропофагики (каннибалы) считали, что они должны нейтрализовать влияния из-за границы, но превратить их в уникальную бразильскую форму искусства.Манифест Андраде Anthropófogo [ Cannibal Manifesto ] был заявлением миссии этой школы:

Нас объединяет только каннибализм. Социально. Экономно. Философски.
Уникальный закон мира. Скрытое выражение всех индивидуализмов, всех коллективизмов. Из всех религий. Из всех мирных договоров.
Тупи или не тупи вот в чем вопрос.
Против всех катехизисов. И против матери Грако.
Меня интересует только то, что мне не принадлежит.Закон мужчин. Закон каннибала.
Мы устали от всех этих подозрительных мужей-католиков в пьесах. Фрейд прикончил загадку женщины и других недавних исследователей психологии.
То, что преобладало над истиной, была одежда, непроницаемый слой между внутренним миром и внешним миром. Реакция на людей в одежде. Об этом нам расскажет американское кино.
Сыновья солнца, матери живых существ. Яростно встречены и любимы, со всем лицемерием тоски: импорт, обмен и туристы.В стране большой змеи.
Это потому, что у нас никогда не было грамматических структур или коллекций старых овощей. И мы никогда не отличали город от пригорода, приграничную страну от континентальной. Ленивый на карте мира Бразилии.
Одно участвующее сознание, один религиозный ритм.

Полный текст Manifesto Anthropófago можно найти здесь.

Фраза «Тупи или не тупи, вот в чем вопрос», одна из самых известных в манифесте, — это игра слов с вдвойне важным значением. Во-первых, это ссылка на индейцев тупи, населявших побережье Бразилии во время завоевания; первоначальные поселенцы страны, которые также были каннибалами, съедавшими своих врагов, чтобы набраться силы. Во-вторых, это сам по себе акт культурного каннибализма; Андраде берет знаменитый отрывок Шекспира «Быть или не быть», переваривает его и применяет к конкретной ситуации в Бразилии.

Из Caixa Modernista, Edusp / Editoria UFMG / Imprensa Oficial, Сан-Паулу, 2003.

Антропофагикам противостояли националисты, отвергавшие международное влияние.Многие националистические модернисты активно занимались политикой. Лидер школы, писатель Плиниу Сальгадо, стал фашистским политическим деятелем и возглавил неудавшийся переворот против президента Гетулио Варгаса.

На фотографии слева изображен плакат к немому фильму « Сан-Паулу, Симфония метрополя » (1929 г.), на котором изображены только что процветающий город, включая автомобили и небоскребы.

Расцвет модернизма превратил Сан-Паулу в новый центр искусств. В предыдущие десятилетия он рос экономически из-за кофейного бума и притока иммигрантов в город, но Неделя современного искусства сделала Сан-Паулу более заметным в культурном отношении городом. В частности, фестиваль сделал город центром современного движения, в отличие от более традиционного, консервативного Рио-де-Жанейро, где находится Академия художеств и литературы.

Обложка книги «История Бразилии» Мурило Мендес (1932 г.). © Caixa Modernista, Edusp / Editoria UFMG / Imprensia Oficial, Сан-Паулу, 2003 г.

Дополнительная литература

Кураторские заметки к выставке «Бразилия: тело и душа» в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке обеспечивают важный контекст для художественного и политического влияния на движение.

Источники

Historia do modernismo (информационный буклет). Сан-Паулу: Caixa Modernista, EDUSP / Editoria UFMG / Imprensa Oficial, 2003.

Модернизм: корни модернизма

слово «современный» использовалось в общем для обозначения современности; все искусство современно в то время, когда оно создано.

В своей книге Il Libro dell’Arte (переводится как «Справочник мастера»), написанной в начале 15 века, итальянский писатель и художник Ченнино Ченнини объясняет, что Джотто создал живопись «современной» [см. БИБЛИОГРАФию]. Джорджо Вазари, писавший в XVI веке, называет искусство своего периода «современным». [См. БИБЛИОГРАФию]

Однако в истории искусства термин «современный» используется для обозначения периода примерно с 1860-х по 1970-е годы и описывает стиль и идеологию искусства, созданного в эту эпоху.Когда люди говорят о современном искусстве, подразумевается именно это более конкретное использование модерна. Термин «модернизм» также используется для обозначения искусства современного периода. Более конкретно, «модернизм» можно рассматривать как относящийся к философии современного искусства.

В названии своей книги 1984 года [см. БИБЛИОГРАФИЮ] Сюзи Габлик спрашивает: «Разве модернизм потерпел неудачу?» Что она имеет в виду? Неужели модернизм «потерпел неудачу» просто в том смысле, что пришел к концу? Или она имеет в виду, что модернизм чего-то не дал? Предположение последнего состоит в том, что модернизм преследовал цели, которых он не достиг. Если да, то каковы были эти цели?

По причинам, которые станут понятны позже в этом эссе, дискуссии о модернизме в искусстве в основном выражались в формальных и стилистических терминах. Искусствоведы склонны говорить, например, о современной живописи, которая связана в первую очередь с качествами цвета, формы и линии, применяемыми систематически или выразительно и отмеченными с течением времени растущей озабоченностью плоскостностью и снижением интереса к предмету. Принято считать, что модернизм в искусстве зародился в 1860-х годах и что французский художник Эдуард Мане является первым художником-модернистом.Такие картины, как его Le Déjeuner sur l’herbe («Завтрак на траве») и Olympia , считаются открытием эпохи модернизма.

Эдуард Мане , Le Déjeuner sur l’herbe
1863 г., холст, масло (Musée d’Orsay, Париж)

Эдуард Мане , Олимпия
1863 г.

, холст, масло (Musée d’Orsay, Париж)

Но можно задать вопрос: почему Мане нарисовал Le Déjeuner sur l’herbe и Olympia ? Стандартный ответ: потому что он был заинтересован в исследовании нового предмета, новых живописных ценностей и новых пространственных отношений.

Но есть еще один более интересный вопрос, помимо этого: Почему был Мане, исследующим новый предмет, новые живописные ценности и пространственные отношения? Да, он написал модернистскую картину, но почему он написал такую работу?

Когда Le Déjeuner sur l’herbe был выставлен в Salon des Refusés в 1863 году, многие люди были возмущены не только тем, на котором изображены двое мужчин в современной одежде, небрежно сидящих на траве в лесу с обнаженная женщина, но и нетрадиционно ее написали.Двумя годами позже публика была еще больше потрясена его картиной Олимпии, на которой была изображена обнаженная женщина, очевидно, demi-mondaine , которая морально невозмутимо смотрела на зрителя и рисовала быстро и широко, вопреки принятому академическому стилю . Почему Мане писал картины, которые, как он знал, могут расстроить людей?

Именно попытки ответить на подобные вопросы заставляют нас принять гораздо более широкий взгляд на вопрос о модернизации. Именно в этом более широком контексте мы можем обнаружить основы философии модернизма и определить его цели и задачи.Это также откроет другое измерение восприятия искусства и личности художника в современном мире.

Корни модернизма уходят глубже в историю, чем середина XIX века. Для историков современный период фактически начинается в шестнадцатом веке, положив начало так называемому раннему современному периоду, который продолжается до 18 века. Интеллектуальные основы модернизма возникают в период Возрождения, когда через изучение искусства, поэзии, философии и науки Древней Греции и Рима гуманисты возродили представление о том, что человек, а не Бог, является мерилом всех вещей, и продвигаются через образование идеи гражданственности и гражданского сознания. Этот период также породил «утопические» видения более совершенного общества, начиная с книги сэра Томаса Мора Utopia , написанной в 1516 году, в которой описывается вымышленное островное сообщество с, казалось бы, совершенными социальными, политическими и правовыми обычаями.

Оглядываясь назад, мы можем признать в гуманизме эпохи Возрождения выражение этой модернистской уверенности в способности людей формировать свои собственные индивидуальные судьбы и будущее мира. Также присутствует вера в то, что люди могут научиться понимать природу и природные силы и даже постигать природу Вселенной.

Модернистское мышление, появившееся в эпоху Возрождения, начало формироваться как более широкая модель мышления в 18 веке. В первую очередь можно упомянуть так называемую «ссору древних и современников» — литературный и художественный спор, который доминировал в интеллектуальной жизни Европы в конце 17-го и начале 18-го веков. Суть заключалась в том, были ли современные писатели и художники морально и художественно выше древних (т. е. писатели и художники Древней Греции и Рима). Впервые представленный во Франции в 1687 году Шарлем Перро, который поддерживал современников, дискуссия была поднята в Англии, где Джонатан Свифт высмеял его как The Battle of the Books .

Его также высмеивал Уильям Хогарт в гравюре под названием The Battle of the Pictures , на котором изображены картины мастеров эпохи Возрождения и барокко, нападающие на собственные работы Хогарта эквивалентной, но более современной тематики: картина старого мастера с изображением кающейся Марии Магдалины года. , например, атакует третью сцену из сериала Хогарта Прогресс блудницы , а древний Пир богов атакует третью сцену из The Rake’s Progress Хогарта.В одном случае древнеримская картина I века до н.э., известная сегодня как Свадьба Альдобрандини , показана в разрезе с холстом второй сцены из серии Брак в режиме Хогарта.

Уильям Хогарт , Битва картин , гравюра и офорт, 1743

Хотя Свифт и Хогарт относились к «Ссоре древних и современных» с юмором, она была вызвана более глубокими проблемами, которые противопоставляли институционализированную Власть, чьи притязания на власть поддерживались устоявшимися традициями, обычаями, законом и происхождением, против более прогрессивных людей, которые раздражали под ограничениями, которые Власть наложила на их жизнь и функционирование общества. Конфликт вводит важную дихотомию, которая должна была оставаться фундаментальной для модернистского вопроса: разделение между консервативными силами, которые имели тенденцию поддерживать аргумент в пользу Древних, и более прогрессивными силами, которые встали на сторону Модернов.

В 18 веке Просвещение рассматривало интеллектуальное созревание гуманистической веры в разум как главный руководящий принцип в делах людей. Благодаря разуму разум достиг просветления, а для просветленного ума открылся совершенно новый и захватывающий мир.

Просвещение было интеллектуальным движением, самым непосредственным стимулом для которого стала так называемая научная революция 16-17 веков, когда такие люди, как Иоганн Кеплер, Галилео Галилей и Исаак Ньютон, применили разум к изучению естественного мира. мир и небеса сделали впечатляющие научные открытия, в которых были раскрыты различные научные истины.

Чаще всего эти вновь обретенные истины бросали вызов общепринятым убеждениям, особенно тем, которых придерживается Церковь. Например, вопреки тому, что Церковь утверждала на протяжении веков, «истина» заключалась в том, что Земля вращается вокруг Солнца. Идея о том, что «истина» может быть открыта путем применения разума, основанного на исследованиях, была чрезвычайно захватывающей.

Открытый мыслитель XVIII века считал, что разуму можно подчинить практически все: традиции, обычаи, мораль и даже искусство. Но, более того, считалось, что «истина», открытая таким образом, может быть применена в политической и социальной сферах для «исправления» проблем и «улучшения» политического и социального положения человечества.Такое мышление быстро открыло захватывающую возможность создания нового, лучшего общества.

«Истина», открытая с помощью разума, освободит людей от оков коррумпированных институтов, таких как церковь и монархия, ошибочное традиционное мышление и старые идеи которых держали людей порабощенными невежеством и суевериями. Концепция свободы стала центральной в видении нового общества. Благодаря правде и свободе мир станет лучше.

Прогрессивные мыслители 18 века считали, что судьба человечества значительно улучшится благодаря процессу просвещения, если ему покажут истину. Имея в руках разум и истину, человек больше не будет во власти религиозных и светских властей, которые конструировали свои собственные истины и манипулировали ими в своих корыстных целях. В основе этого мышления лежит вера в возможность совершенствования человечества.

Мышление Просвещения изображало человечество как стремление к универсальной моральной и интеллектуальной самореализации.Считалось, что разум открывает доступ к истине, а знание истины принесет пользу человечеству. Видение, которое начало формироваться в 18 веке, касалось нового мира, лучшего мира. В 1762 году Жан-Жак Руссо в своем исследовании о природе общественного договора предложил, чтобы новая социальная система основывалась на «моральном и законном равенстве, и чтобы люди, которые могут быть неравными по силе или интеллект, станьте все равными по условию и законному праву. ‘Объединившись в гражданское общество через общественный договор, люди могли как сохранить себя, так и обрести свободу. Эти принципы лежали в основе концепции модернизма.

Подобные заявления в поддержку свободы и равенства можно найти не только в книгах. В XVIII веке были предприняты две основные попытки претворить эти идеи в жизнь. Такие идеи, конечно, не были популярны среди консервативных и традиционных элементов, и их сопротивление в обоих случаях приходилось преодолевать посредством кровавой революции.

Первый великий эксперимент по созданию нового и лучшего общества был предпринят в том, что было буквально новым миром, и новые идеалы были впервые выражены в Декларации независимости недавно основанных Соединенных Штатов в 1776 году. такие фразы, как «мы считаем эти истины самоочевидными» и которые лежат в основе представления «все люди созданы равными». Мирский характер документа отражен в заявленной заботе о праве человека на стремление к счастью при его жизни, что свидетельствует о том, что переход от сосредоточенного на Боге, христианского сосредоточения на загробной жизни к сосредоточению на личности и качестве жизни человека. Фундаментальным также является понятие свободы; свобода была объявлена одним из неотъемлемых прав человека.

В 1789 году другая кровавая революция, совершенная во Франции, также попыталась создать новое общество. Его цель состояла в том, чтобы вытеснить репрессивную правительственную структуру, сосредоточенную вокруг абсолютной монархии, аристократии с феодальными привилегиями и могущественного католического духовенства, с новыми принципами Просвещения, основанными на гражданстве, национализме и неотъемлемых правах; революционеры сплотились под призыв к равенству, братству и свободе.

Однако Французская революция не смогла создать во Франции радикально новое общество. Вскоре последовало несколько смен режима, кульминацией которых стала военная диктатура Наполеона, создание Наполеоновской империи и, наконец, восстановление монархии в 1814 году. Революционная деятельность продолжалась, однако, в 1830 году и снова в 1848 году. Здесь можно упомянуть третью часть. крупная попытка создать новое общество в фундаментальном русле Просвещения, имевшая место в начале 20 века.Российская революция, начатая в 1915 году, возможно, самая идеалистическая и утопическая из всех, также потерпела неудачу.

Именно в идеалах Просвещения можно найти корни модернизма и новую роль искусства и художника. Проще говоря, всеобъемлющая цель модернизма, современного искусства, заключалась в создании лучшего общества.

Какими средствами должна была быть достигнута эта цель? Если желанием 18 века было построить лучшее общество, как это можно было осуществить? Как можно улучшить человечество и создать лучший мир?

Как мы видели, в 18 веке существовало убеждение, что только просвещенный ум может найти истину; как просвещение, так и истина были открыты посредством применения разума к знанию, процесса, который также создал новое знание.Человек приобретал знания и в то же время средства для открытия в них истины посредством надлежащего образования и обучения.

Очищенное от искажений религиозной и политической идеологии непредубежденным разумом, образование приносит нам правду или показывает, как достичь истины. Образование просвещает нас и делает нас лучше. Образованные, просвещенные люди сформируют основы нового общества, общества, которое они создадут своими собственными усилиями.

До недавнего времени эта концепция роли образования оставалась фундаментальной для западного модернистского мышления.Просвещенные мыслители, и здесь можно упомянуть, например, Томаса Джефферсона, постоянно стремились к знаниям, отсеивая истину, подвергая все, что они узнали, разумному анализу. Джефферсон, конечно, не только сознательно культивировал собственное просвещение, но также активно продвигал образование для других, основав в Шарлоттсвилле «академическую деревню», которая позже стала университетом Вирджинии. Он считал, что поиск истины должен вестись без предубеждений, и, помня о подозрительности церкви, которую просвещали, сознательно не включил часовню в кампусе в свои планы. Он считал, что Церковь и ее ограниченные влияния должны быть отделены не только от государства, но и от образования.

Джефферсон, как и многие другие мыслители эпохи Просвещения, видел четкую роль искусства и архитектуры. Искусство и архитектура могли бы служить в этом процессе просвещения, предоставляя примеры тех качеств и добродетелей, которые, как считалось, должны направлять просветленный ум.

Во второй половине 18 века образцом идеалов нового общества был мир Древнего Рима и Греции.Афины Перикла и Рим времен республиканцев явились прекрасными примерами зарождающихся демократических принципов в правительстве, а также героизма и добродетельных действий, самопожертвования и гражданской самоотдачи в поведении своих граждан.

На самом деле, действительно считалось, согласно «древним» в «Ссоре древних и современников», упомянутой ранее, что древний мир достиг своего рода совершенства, идеала, близкого к пониманию истины в эпоху Просвещения. Немецкий историк искусства Иоганн Винкельманн, писавший в 18 веке, был убежден, что искусство Древней Греции было наиболее совершенным, и направил современных художников на такие образцы, как Apollo Belvedere .

Аполлон Бельведерский
Римская мраморная копия с бронзового оригинала ок. 330 г. до н. Э. (Musei Vaticani, Рим)

Именно при таких обстоятельствах Жак-Луи Давид написал классицизирующую и поучительную историческую картину Клятва Горациев , выставленную в Салоне в 1785 году.Давид отдавал предпочтение классическим и академическим традициям как по стилю, так и по тематике. Его картина изображает волнующий момент в героической истории мужества и патриотического самопожертвования в дореспубликанском Риме. Твердо смоделированные статуи мужчин слева разыгрывают мужественную драму, в которой проявляются их благородные достоинства. Энергия и физическое напряжение их действий контрастируют с криволинейными формами и коллапсирующими формами женщин справа, которые показаны подавленными эмоциями и горем, показывая слабость женской натуры.Это была грандиозная и назидательная работа, посвященная почетной и нравоучительной теме.

Жак-Луи Давид , Присяга Горациев
1785, холст, масло (Musée du Louvre, Париж)

Сам Давид недвусмысленно видел роль искусства в построении нового общества. Активный сторонник Французской революции, он был членом Революционного комитета общественного просвещения, где он объяснил, что комитет:

Он категорически заявляет, что «искусство должно вносить весомый вклад в общественное обучение».

Что касается ссоры Древних и Современников, Давид может быть связан со сторонниками Древних. Он представлял себе новое общество, основанное на консервативных идеалах. Напротив, были и другие художники, мы можем назвать их современниками, чье видение нового мирового порядка было более прогрессивным.

Современные люди представляли мир, задуманный заново, а не просто имитирующий древние модели.Однако проблема для современных людей заключалась в том, что их новый мир был чем-то неизвестным. Природа «истины» была проблематичной с самого начала, и их дилемма касалась природы людей, которые обладали не только рациональным умом, открытым разуму, но и эмоциональной жизнью, которую необходимо было принимать во внимание.

Также считалось, что разум подавляет воображение, и без воображения не было бы никакого прогресса. Сам по себе разум был бесчеловечным, но воображение без причины «рождает монстров» (см. Книгу Франсиско де Гойя «Сон разума рождает монстров» ).Однако было решено, что свобода является центральным элементом и должна быть обеспечена посредством самого осуществления свободы в современном мире.

Франсиско де Гойя , Сон разума порождает монстров
Офорт и акватинта
(Caprichos № 43: El sueño de la razón producti monstruos ), 1796-1797 гг.

После революции 1789 года Древние стали отождествлять со старым порядком, ancien régime .Они были политически консервативной кастой и были связаны с типом академического искусства под названием неоклассицизм.

Напротив, современные люди рассматривались как политически прогрессивные в левом, революционном смысле и были связаны с антиакадемическим движением под названием романтизм. Природу этого разделения лучше всего можно увидеть в соперничестве художника-классика Жана-Огюста-Доминика Энгра и художника-романтика Эжена Делакруа.

На выставке Салона 1824 года Энгр продемонстрировал свой Обет Людовика XIII , а Делакруа — Резня Scios .В своем обзоре выставки в журнале Journal des débats критик Этьен-Жан Делеклюз охарактеризовал работу Энгра как ‘le beau’ (прекрасный), потому что как по стилю, так и по тематике она следовала классической академической теории и продвигала правые, консервативные ценности ancien régime . Картина Делакруа, напротив, была обозначена как ‘le lay’ (уродливое) из-за способа ее написания, с распущенными мазками и неидеализированными фигурами, а также из-за того, что ее предметом было убийство тысяч греческих жителей на острове Хиос. турецкими войсками в 1822 году не только не хватало примеров доблести и добродетели, но и выражалась более либеральная критика этого события и моральное возмущение по поводу его возникновения в современном мире.

J-A-D Ingres , Обет Людовика XIII
1824 г., холст, масло (Musée du Louvre, Париж)

Эжен Делакруа , Резня на Хиосе
1824 г., холст, масло (Musée du Louvre, Париж)

Для консерваторов Ingres олицетворял порядок, традиционные ценности и старые добрые времена ancien régime . Прогрессивные политические деятели видели Делакруа как представителя современной жизни.Он был связан с политической революцией и новыми прогрессивными интеллектуальными взглядами; его сторонники утверждали, что он утвердил идею свободы в искусстве.

Делакруа был первым крупным прогрессивным художником-модернистом во Франции. В его картинах сознательно отвергается академический идеал прекрасного, и вместо этого, по мнению консерваторов, критикующих его работы, он учредил «культ уродства». Было замечено, что другие художники заняли ту же позицию, особенно Гюстав Курбе и Эдуард Мане, каждый из которых сознательно отверг академическую модель прекрасного.Их идеи и подход к искусству считались настолько подрывными, что их обвиняли в попытке подорвать не только Академию, но и государство.

Угроза прогрессивного модернизма была такова, что государство, начиная с Всемирной выставки в Париже в 1855 году, приступило к осуществлению программы, следствием которой было нейтрализация и деполитизация произведений искусства. План Универсальной экспозиции состоял в том, чтобы включить в ретроспективную выставку образцы различных стилей французского искусства, в том числе Энгра и Делакруа, таким образом, чтобы подчеркнуть эклектизм, но в то же время это также привело к превращению картин в не -угрожающие «произведения искусства».При поддержке консервативных сил и согласии критиков-формалистов и историков искусства политические и социальные комментарии, необходимые для прогрессивного модернистского искусства, были фактически удалены, оставив только краску на холсте, которая обсуждалась просто с точки зрения ее формальных качеств.

В своем путеводителе по Всемирной выставке ( Guide pratique et complete à l’Exposition universelle de 1855 ) принц Наполеон-Жозеф-Шарль-Поль Бонапарт, председательствовавший на Всемирной выставке, написал, что на картине Делакруа Свобода, ведущая народ , 28 июля 1830 г., :

Патрисии Майнарди

Эжен Делакруа , Свобода, ведущая народ, 28 июля 1830 г.
1830, холст, масло (Musée du Louvre, Париж)

Таким образом, Делакруа «пламенный революционер» превратился в Делакруа «колориста».«Хотя некоторые прогрессивные художники, такие как Гюстав Курбе, возможно, почувствовав, что включение в выставку может поставить под угрозу их работу, отказались участвовать, Универсальная выставка фактически положила начало способ сдержать импульсы прогрессивного модернизма и нейтрализовать угрозу, которую он представляет для преобладающих консервативный этос общества.

До недавнего времени этот подход оставался преобладающим в модернизме. Социалистические заявления, с такой силой сделанные Гюставом Курбе в его картине Камнедробители , например, и резкие политические комментарии Эдуара Мане в его Казни императора Максимилиана , 1867, например, были в целом подавлены и заменены путем обсуждения формальных качеств каждой работы.

Гюстав Курбе
Камнедробители
1849-50, холст, масло (уничтожено)

Эдуард Мане
Казнь императора Максимилиана
1867 г.

, холст, масло (Кунстхалле, Мангейм)

Но хотя эти дискуссии, возможно, намеренно подавляли его революционный и конфронтационный характер, сам прогрессивный модернизм как идеология и политическое движение оставался жизнеспособным и активным.

Пользовательский поиск

Модернизм в живописи (модерн) — Модерн в живописи

Направления и стили в искусстве — Модернизм

Модернизм, направление в искусстве XX века

Модернизм в изобразительном искусстве Индии ХХ века

Похожие статьи

Развитие

Авангард в

Метафизика цвета Герхарта Рихтера | Статья в журнале…

Вклад

Неоакадемизм у истоков компьютерного

Особенности стиля фэнтези в современном

Философско-культурологическое осмысление темы отчуждения…

Особенности и отличия основных направлений в живописи

Содержание статьи:

Краткое описание основных направлений

Импрессионизм

Экспрессионизм

Кубизм

Модернизм

Неоклассицизм

Поп-арт

Романтизм

Реализм

Сюрреализм

Символизм

Абстракционизм

Анималистика

Морской пейзаж (марина)

Портрет

Стрит-арт

Натюрморт

Минимализм

Модерн живопись картины художников символизма, футуризма, фовизма

Триумф модернизма в живописи ХХ век

Слайды и текст этой презентации

Слайд 1

Слайд 2

Слайд 3

Слайд 4

Слайд 5

Слайд 6

Слайд 7

Слайд 8

Слайд 9

Слайд 10

Слайд 11

Слайд 12

Слайд 13

Слайд 14

Слайд 15

Слайд 16

Слайд 17

Слайд 18

Слайд 19

Слайд 20

Слайд 21

Слайд 22

Слайд 23

Слайд 24

Слайд 25

Слайд 26

Слайд 27

Слайд 28

Слайд 29

Слайд 30

Слайд 31

Слайд 32

Слайд 33

Слайд 34

Слайд 35

Слайд 36

Слайд 37

Слайд 38

Слайд 39

Слайд 40

Слайд 41

Слайд 42

Слайд 43

Слайд 44

Слайд 45