Представители барокко в живописи
Содержание
- Художники барокко и их картины
- Караваджо 1593-1610 гг.
- Рим и Болонья 1595-1639 гг.
- Золотой век испанской живописи Диего Веласкес 1623-1660 гг.
- Живопись барокко творчество Рубенса 1600-1640 гг.
- Ван Дейк 1618-1641 гг.
Караваджо 1593-1610 гг.
Одним из самых поразительных и благотворных потрясений, когда-либо случившимся с искусством, является работа Караваджо в последние несколько лет 16-го века. Примерно в 1593 году он прибывает в возрасте двадцати лет в Рим, который все еще привлекает эзотерические тонкости маньеризма.
Молодой человек вскоре вводит в свои картины два новых бодрящих элемента: использование композиции и света, которые дают зрителю непосредственное ощущение драмы, и интенсивный реализм, наделяющий персонажей в сцене правдоподобными атрибутами обычных людей.
Эти качества проявляются в «ужине в Эммаусе» в лондонской Национальной галерее.
Характерный для Караваджо сосредотачивающий свет, вызывает сильный контраст между яркими деталями и темными тенями — как в любом освещенном фонарем интерьере. Эти два ученика — самые обычные путешественники, сидящие за трапезой. Когда один из них узнает Иисуса, он широко раскидывает руки в жесте, который почти вырывается из полотна в нашу сторону.
Эта степень обычной реальности не каждому по вкусу в религиозном предмете. Когда Караваджо доставляет заказную картину в 1602 году, показывая Святого Матфея, пишущего свое Евангелие, она отвергается возмущенными священниками, отвечающими за церковь Сан-Луиджи в Риме.
Картина является шедевром (уничтожена в Берлине в 1945 году), но легко понять, почему священники ее не любят. У святого Матфея босые ноги (с большим пальцем, тревожно выступающим в нашу сторону), и он явно простой человек, борющийся с трудными евангельскими словами, когда юный ангел стоит рядом с ним, чтобы провести рукой по странице.
Это глубоко трогательный образ, который приближает нас к религиозному моменту.
Но священники предпочитают что-то более уважительное. Караваджо должным образом обязывает картину увидеть в церкви. Композиция остается чрезвычайно драматичной, но ангел теперь летает в воздухе.
В бурной жизни (он должен бежать из Рима в 1606 году после убийства человека в драке) Караваджо продолжает приближать религию к дому. На многих великих картинах паломники, преклонившие колени перед Богородицей, направлены подошвами своих босых ног прямо в лицо зрителю.
В конечном счете, церковь предпочитает драматизм композиций Караваджо и его мощное использование света и тьмы крестьянскому реализму его деталей. Предпочтительным стилем 17-го века становится барокко. Эта более полная экзальтация религиозного чувства многое заимствует у Караваджо другими представителями барокко в живописи — но не самые мелкие детали.
Рим и Болонья 1595-1639 гг.
В то время как Рим остается центром итальянского искусства в течение 17-го века, существует сильное влияние со стороны болонской школы, возглавляемой семьей художников Карраччи.
В 1595 году Аннибале Карраччи был приглашен в Рим кардиналом из влиятельной семьи Фарнезе. Ему поручают расписать потолок банкетного зала во дворце Фарнезе. Великолепная работа завершена к 1604 году. Тема Карраччи — классическая («любовь богов», «Метаморфозы» Овидия), так же как и его стиль с отголосками Рафаэля и Микеланджело.
Эта связь между Болоньей и Римом вводит творческий баланс между классическими и барочными тенденциями в итальянском искусстве 17-го века.
Болонские художники (в частности, Гвидо Рени, унаследовавший мантию Аннибале Карраччи как ведущего живописца школы) стремятся сохранить классическую чистоту линии и композиции. Художники Рима больше склоняются к театральности стиля барокко.
Наиболее впечатляющим выражением римского барокко является большой потолок, расписанный для дворца Барберини в 1633-39 годах Пьетро да Кортоной. В более ранних римских расписных потолках, таких как Микеланджело, для Сикстинской капеллы или Карраччи для Дворца Фарнезе, фигуры послушно остаются в отведенных им архитектурных отсеках.
В потолке Барберини они менее сдержанны.
Фигуры Кортоны, кажется, взмывают ввысь, от продолжения стен, как стая испуганных птиц. Ощущение изобилия и энергии в этом триумфальном празднике ошеломляет. Официально Триумф — это торжество Божественного провидения, но по счастливому стечению обстоятельств и божественное провидение, и семья Барберини (один из которых теперь Папа Римский Урбан VIII) имеют пчел в качестве своей эмблемы. Дизайн показывает, что настоящий триумф — это Барберини.
Но это частный дворец. На публике этот экстатический римский стиль более уместно поставить на службу католической Реформации — и нигде так, как в скульптурах Бернини.
Золотой век испанской живописи Диего Веласкес 1623-1660 гг.
Испания, в первой половине 17-го века, имеет художника исключительного интереса. Благодаря своей долгой карьере придворного живописца при одном короле и полной уверенности в своем собственном индивидуальном стиле, Веласкес создает множество работ, отличающихся необычной последовательностью и оригинальностью.
В свои ранние годы, работая примерно с 1617 года в своем родном городе Севилье, он находится под влиянием драматического светотени и реализма Караваджо. И он доказывает, что может сравниться с кем угодно по реалистическим деталям в своих картинах уличных торговцев, таких как женщина с ее блюдом яичницы (теперь в Национальной галерее Шотландии) или продавец воды в Апсли-Хаусе в Лондоне.
Поворотным моментом в карьере Веласкеса стало его назначение в 1623 году придворным живописцем к Филиппу IV в Мадрид. Филипп стал королем всего за два года до этого, в возрасте шестнадцати лет. Он переживет Веласкеса на пять лет, умер в 1665 году.
Таким образом, в течение почти четырех десятилетий художник работает, с полной безопасностью, в контексте, где его таланты чрезвычайно ценятся. У него есть студия во дворце. Король часто заглядывает («почти каждый день», по словам тестя Веласкеса), чтобы немного посидеть и понаблюдать за работой гения.
Главный предмет разговора Веласкеса — тот, который его вполне устраивает, — члены королевской семьи и их придворные слуги.
А на стенах королевских дворцов висят картины, которые отныне глубоко влияют на его стиль, в коллекции титанов, сделанных Карлом V и Филиппом II.
Результат — это совокупность работ, которые можно рассматривать как кульминацию одного человека в итальянском высоком Ренессансе. С беглостью мазка, чтобы соответствовать Тициану, и волшебным прикосновением, которое может сделать несколько пятен краски похожими на детализированное кружево или богатую текстуру меха. Веласкес пишет короля и его семью, позирующих в своей лучшей одежде в студии, скачущих на любимой лошади или в пейзажной съемке — и неизбежно, с течением времени, стареющих.
Габсбурги далеко не красавцы. У Филиппа IV их печально известная выступающая челюсть почти обезображивает. Веласкес не делает ничего, чтобы скрыть эту особенность, за исключением того, что рисует своего работодателя с теплой и обезоруживающей честностью — качество, которое он распространяет также на придворных карликов и шутов, которые позируют для него.
Некоторые художники могут чувствовать себя подавленными этой средой, но очевидно, что Веласкес находит — стимулирующей. Он с любовью изображает ее в своем шедевре Las Meninas («фрейлины»), написанном в 1656 году и ныне находящемся в Прадо. Это интимный взгляд на частную сторону испанского двора.
Зритель стоит в позе невидимых короля и королевы Испании, которых рисует Веласкес в своей мастерской. Слева, за огромным холстом, стоит сам художник, готовый нанести один из своих тонких мазков краски. На переднем плане собрались члены суда, чтобы посмотреть. В самом центре, в фокусе картины, находится юная принцесса. Вокруг нее с обеих сторон суетятся фрейлины. Справа стоят два гнома, один из них пытается расшевелить сонного мастифа. В зеркале на дальней стене мы видим слабое отражение натурщиков — Филиппа IV и его второй жены Марии Анны Австрийской.
Здесь, в вдохновенном ансамбле, находится мир Веласкеса.
Живопись барокко творчество Рубенса 1600-1640 гг.
Рим — колыбель барокко, видимая уже в некоторых аспектах Караваджо.
Но именно Северный художник предоставляет в этом городе первые полностью реализованные картины в новом стиле.
Покинув свой дом в Антверпене в 1600 году, в возрасте двадцати трех лет, Рубенс находит работу при дворе Мантуи и отправляется в Рим в конце 1601 года. Он начинает усердное изучение античной скульптуры и мастеров итальянского Высокого Возрождения. Его собственный талант вскоре становится настолько очевидным, что в 1606 году он получает самый престижный заказ. В отличие от всех художников Рима, Рубенсу предлагается нарисовать алтарь для Санта-Марии в Валличелле, недавно построенный для Ораторианцев.
Картина, завершенная в 1608 году, может рассматриваться как первый шедевр барокко. Святой Григорий, закутанный в пышные развевающиеся одеяния (и с протянутой к зрителю рукой, столь же драматично, как в «ужине в Эммаусе» Караваджо), в экстазе взирает на священный образ Девы и младенца, вокруг которого резвятся пухлые херувимы. Святые в пышных одеждах по обе стороны от Григория разделяют его радость.
Вся картина, в ее теплых тонах и гармоничных линиях, приглашает нас сделать то же самое.
Эта роскошная легкость композиции и цвета становится отличительной чертой живописи барокко в творчество Рубенса, имеет ли он дело с библейскими темами или классической мифологией (греческие богини в его руках становятся самыми удобными обнаженными фигурами).
Рубенс возвращается в Антверпен в 1608 году и быстро создает самую успешную студию в Европе. Он работает очень быстро, что видно по блестяще свободным наброскам маслом, которые он делает при подготовке к любой крупной картине. С армией помощников, заполняющих незначительные части холста, он способен выполнить беспрецедентное количество поручений.
Среди его покровителей выделяются некоторые из ведущих правителей Европы, часто лично известные Рубенсу по дипломатическим миссиям, доверенным ему регентами Испанских Нидерландов.
В 1622 году Рубенс получает крупное поручение от Марии Медичи, до недавнего времени королевы-регентши Франции.
Он должен превратить ее несколько противоречивую жизнь в триумфальную последовательность повествовательных картин. Он справляется с этой задачей с великолепным мастерством, завершив к 1625 году большую серию из двадцати одного полотна, которые сейчас находятся в Лувре.
Три года спустя Рубенс отправляется с дипломатической миссией в Мадрид, где он подружился с Веласкесом — и настолько впечатляет Филиппа IV, что целых 100 картин из мастерской Рубенса впоследствии попадают в испанскую королевскую коллекцию. В 1629 году, после помощи в переговорах о мире между Испанией и Англией, Рубенс отправляется в Лондон.
Карл I награждает художника за дипломатические достижения и поручает ему расписать потолок в банкетном доме, недавно построенном Иниго Джонсом. Большие панели холста конструированы для того чтобы отпраздновать достижения династии Стюарт. Они отправлены из Антверпена в Лондон и установлены в 1636 году. (Всего лишь тринадцать лет спустя Карл I выходит из-под этого триумфального потолка на эшафот в Уайтхолле для своей казни).
К этому времени другой художник из Испанских Нидерландов произвел настоящий фурор в Лондоне, предоставив великолепные портреты, по которым Карл и его королева Генриетта Мария знакомы всему миру. Также из Антверпена, и также посвященный в рыцари Карлом I, он — Антонис Ван Дейк.
Ван Дейк 1618-1641 гг.
Ван Дейк работает в студии Рубенса в Антверпене между 1618 и 1620 годами, а затем проводит большую часть 1620-х годов в Италии. В Генуе он делает чрезвычайно успешную карьеру портретиста, предоставляя элегантные и мрачно драматические полнометражные портреты городской аристократии.
Именно эта элегантность, в несколько более мягкой манере и с более светлой палитрой, позже делает Ван Дейка любимым портретистом в английских придворных кругах. Он переезжает в Лондон в 1632 году и сразу же поощряется Карлом I, самым восторженным и знающим коллекционером картин. В течение нескольких недель после прибытия Ван Дейка король и королева позируют для него. В то же лето он посвящен в рыцари.
Таких портретов королевской четы будет еще много. Очаровательное, но слабое лицо Карла I с изящно подстриженной бородкой и хрупкая красота Генриетты-Марии — самые знакомые образы британских монархов во всем длинном промежутке между королевами Елизаветой и Викторией, целиком благодаря мастерству Ван Дейка.
Другие представители аристократии столь же охотно пользуются его услугами. Они светятся на его полотнах, красивые и надменные кавалеры в тонких тканях. (Джон и Бернард Стюарт в лондонской Национальной галерее-прекрасный тому пример).
7 жемчужин итальянского барокко в Пушкинском музее — Статьи — Музеи
Фото: пресс-служба ГМИИ имени А.С. Пушкина
Как и многие итальянские династии, семья Фарнезе стала1590-1649) основателем чудесной коллекции живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства, ярчайших образцов фарфора. Микеланджело, Рафаэль, Боттичелли, Корреджо, Пармиджанино, Лотто, Карраччи… Видя и слыша эти имена, глядя на их произведения, ты словно читаешь лучшую книгу об итальянской живописи.
Так оно и есть. Шедевры художников эпохи Возрождения и барокко – гордость музея Каподимонте – одном из богатейших собраний Италии. Впрочем, место в 150 залах дворца нашлось и для зарубежных представителей изобразительного искусства – Эль Греко, Брейгеля, Ван Дейка, Риберы и даже Уорхола. В художественное собрание музея входит не только коллекция Фарнезе, но и представителей других аристократических семей и династий: Борджиа, Авалос. Внушительное число экспонатов, ранее находившихся в стенах неаполитанских храмов и церквей, были переданы музею, чтобы соблюсти наилучшую степень сохранности. В 2020 году в Москве пройдёт большая выставка итальянской живописи из собрания Каподимонте, в этом же году ГМИИ имени А.С. Пушкина представил посетителям прелюдию к будущему российско-итальянскому проекту.
Фото: пресс-служба ГМИИ имени А.С. Пушкина
Главным действующим лицом февральской выставки стала женщина – итальянский художник (именно художник!) Артемизия Джентилески (1593-1653).
Её шедевр – полотно «Юдифь и Олоферн» (1612-1613) представлен в зале музея. Артемизия Джентилески была дочерью итальянского художника Орацио Джентилески (1563-1639), создавшего фрески для Ватиканской библиотеки. Орацио Джентилески работал в Риме, Генуе, Париже. К сожалению, работы этого периода не сохранились. До конца своих дней отец Артемизии жил в Англии, где служил придворным художником короля Карла I. Артемизия Джентилески была представителем школы Караваджо. Рим, Неаполь, Лондон, где она работала вместе со своим отцом, стали городами её творчества. В России нет ни одной её работы, её живописные полотна находятся в музеях Италии, Испании, Германии, США, Венгрии, частных коллекциях. Данная выставка – прекрасная возможность увидеть работу первой женщины, избранной членом Академии живописного искусства во Флоренции. В этом городе ей покровительствовал сам Козимо II из рода Медичи, она была знакома с племянником самого Микеланджело, Антонисом ван Дейком и Галилео Галилеем. Картина, представленная на выставке, поражает не столько световым решением, в котором безусловно прослеживается влияние Караваджо, сколько особой жестокостью Юдифи.
Фото: пресс-служба ГМИИ имени А.С. Пушкина
Кроме картины Джентилески на выставке представлено и произведение французского художника Симона Вуэ (1590-1649) «Ангел с игральными костями и туникой Христа» (между 1615 и 1620-1625). Симон Вуэ тоже был выходцем из семьи художников. Изобразительному искусству он учился у своего отца, Лорана Вуэ. Уже в 14 лет Симон получил свой первый заказ. Его кумирами были представители венецианской школы живописи, позже художник примкнул к «караваджистам». Симон Вуэ выполнял росписи для собора святого Петра в Риме, работал над алтарями церквей в Париже, а заказы на его работы сыпались как из рога изобилия.
Фото: пресс-служба ГМИИ имени А.С. Пушкина
В свою очередь ГМИИ имени А.С. Пушкина дополнил неаполитанскую часть картинами из собственного собрания. Так, в зале представлено полотна представителя болонской школы, тоже «караваджиста», Рени Гвидо (1575-1642) «Иосиф и жена Пентефрия» и «Поклонение пастухов». Рени Гвидо работал в Генуе, Риме, Неаполе. Он стал учителем целого ряда итальянских живописцев, а его работы украшают залы Лувра, Дрезденской картинной галереи, Эрмитажа. Ещё две картины итальянского художника Гверчино (Джованни Франческо Барбьери, 1591-1666), «Святой Себастьян» и «Аллегория Веры» вошли в камерную атмосферу выставки. Олицетворением Веры, согласно многовековой традиции, предстала женщина с чашей в руке (символ причастия).
Фото: пресс-служба ГМИИ имени А.С. Пушкина
Выставка «Гости из Неаполя. Артемизия Джентилески и современники. Из Музея и Королевского парка Каподимонте и ГМИИ имени А.С. Пушкина» работает до 21 апреля 2019 года
Генеральный спонсор выставки — банк ВТБ
Билеты можно приобрести в кассах музея
Маэстро Света и Тени
Вскоре он бросил университет, желая начать обучение на художника. Через три года, в 1624 году, он отправился в Амстердам, чтобы учиться у Питера Ластмана. Вскоре он вернулся в Лейден, где начал работать как независимый художник и работал в одной мастерской с Яном Ливенсом.
В начале Рембрандт и Ливенс испытывали большие трудности, в основном из-за подъема протестантской Реформации. Движение привело к решению, что местные церкви больше не могут предоставлять художникам заказы, что представляет собой обычную практику для католической церкви в других странах. Впоследствии художникам приходилось рассчитывать на заказы от частных лиц. Достаточно скоро Рембрандт стал успешным художником исторических сюжетов.
У художника эпохи барокко не было желания ехать в Италию, чтобы изучать итальянское искусство из первых рук, что было обычным делом для молодых и начинающих художников.
Он считал, что всему необходимому сможет научиться в родной стране. Примерно в 1631 году Рембрандт решил переехать в Амстердам, город, переполненный очаровательными людьми и изобилием возможностей.
Он жил в доме известного арт-дилера Хендрика ван Эйленбурга. Здесь он познакомился с двоюродной сестрой помещика Саскией. Пара поженилась в 1634 году. Спустя столько времени бесчисленные картины и рисунки Саскии навсегда остаются доказательством их любовного брака. В 1636 году Саския родила Румбартуса. К сожалению, всего через две недели ребенок скончался. В течение следующих четырех лет родилось еще двое детей, но ни один из них не выжил.
Получайте последние статьи на свой почтовый ящик
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей
С другой стороны, Рембрандт процветал профессионально.
Художник эпохи барокко сотрудничал с самыми известными семьями и организациями Амстердама. В этот период художник создал множество портретов и картин, посвященных истории барокко, в том числе знаменитые
В 1630-х годах его работы были вдохновлены Караваджо и техникой светотени. Он полностью освоил новый способ изображения лиц, используя уникальные узоры света и тени. На протяжении всей работы Рембрандта тени, нарисованные вокруг глаз объекта, специально начинали размывать точное выражение лица. Его полотна стали завораживающим впечатлением живого, воплощением мыслящего разума за лицом.
В 1641 году у Рембрандта и Саскии родился первый ребенок, сын по имени Тит.
После рождения Саскии было плохо, в результате чего Рембрандт создал множество рисунков, изображающих ее увядшее состояние. К сожалению, Саския уступила своей боли и скончалась в возрасте всего тридцати лет.
После преждевременной смерти Саскии Рембрандт нанял медсестру для ухода за своим маленьким сыном. Он также взял вдову по имени Гертье Диркс. Вскоре Рембрандт покинул Гертье, чтобы преследовать другую женщину, Хендрикье Стоффелс. Художник эпохи барокко и Хендрикье жили вместе в гармонии, несмотря на условия, оговоренные в завещании Саскии, которые не позволили Рембрандту снова жениться. Хендрикье послужил образцом для значительного числа своих работ. Есть предположение, что она, возможно, даже была моделью для знаменитой картины Рембрандта 9.0017 Женщина, купающаяся в ручье .
К 1650-м годам Амстердам переживал тяжелую экономическую депрессию.
Спонсоры Рембрандта начали преследовать его за деньги. В 1656 году художник эпохи барокко подал заявку на cessio bonorum . Этот термин означает умеренную форму банкротства, которая позволила Рембрандту избежать тюремного заключения. Большая часть его имущества, а также его обширная коллекция картин были распроданы.
Художник эпохи барокко продолжал заниматься искусством, и в течение последних двадцати лет своей жизни Рембрандт стал писать автопортреты больше, чем когда-либо прежде. В 1663 году Хендрикье скончался после долгой борьбы с болезнью. Невыносимые финансовые трудности вынудили Рембрандта и Тита продать гробницу Саскии. Рембрандт скончался в 1669 году, похоронен рядом с Хендрикье и Титусом в городе Вестеркерк. Это был печальный и несправедливый конец жизни одного из величайших художников, которых когда-либо видел мир.
Рембрандт остается новаторским и плодовитым голландским рисовальщиком, художником и гравером.
Он, несомненно, самый значительный художник в истории Нидерландов. Художник эпохи барокко особенно увлекался изображением библейских сюжетов и мифологических сюжетов. Он был активен в период Золотого века Голландии, времени огромного богатства и культурного прогресса. Известно, что Рембрандт был страстным коллекционером и торговцем произведениями искусства. Его самые заметные влияния включают Питера Ластмана, Питера Пауля Рубенса и великого Караваджо.
В 1630-х годах он начал подписывать работы только своим именем из-за своего растущего успеха. А именно, Рембрандт воспринимал себя как наследника итальянских мастеров, которые также подписывались только своим именем. Он также давал уроки рисования, во время которых часто убеждал своих учеников воссоздавать библейские сцены и повествования. Все его ранние работы имели гладкую поверхность, в отличие от его более поздних произведений, которые были более текстурными и предназначены для восприятия только на расстоянии. На заключительных этапах написания своих более поздних работ он использовал широкие мазки, иногда наносимые мастихином.
В большинстве его работ фон часто купается в тусклых оттенках коричневого, вызывая историческую атмосферу и чувство ностальгии. Его фигуры одеты в дорогие ткани и театральные костюмы. Одежда говорит сама за себя, выступая почти как персонаж в истории. Он отражает эмоции и присутствие внутреннего «я», всегда выделяясь цветом, целью и текстурой. Лица завораживают и служат подлинным доказательством его несравненного мастерства. Они верны жизни, со следами света и тени, мягко танцующими на поверхности. Игра света наиболее выразительно передается вокруг глаз, отражая постоянно меняющуюся борьбу эмоций внутри. Каждая деталь в работах Рембрандта играет значимую роль, будь то прямая или аллегорическая. Через эти детали ярче всего сияет мастерство Рембрандта, скрывающее бесконечные тайны и метафоры, как золотые горы за темной пустотой холста.
Одним из самых ценных шедевров Рембрандта является Портрет пары в образе Исаака и Ребекки . В настоящее время картина носит псевдоним «Еврейская невеста» . На горизонтальном полотне изображена женщина, окутанная роскошным ярко-красным платьем, с шеей и запястьями, усыпанными жемчугом. Рядом с ней стоит мужчина, положив одну руку ей на грудь. На нем плиссированная одежда с рубашкой коричневого и золотого цветов. Ее рука нежно ложится на его, показывая нежную суть момента. Они не смотрят друг на друга, а смотрят в противоположные стороны. У зрителя остается ощущение вторжения, поскольку две фигуры одни, застрявшие в коричневых тонах.
Рембрандт изготовил свои лица, изменив оттенки их кожи и выражения с помощью широкого спектра различных цветов.
Он мастерски привлек наше внимание, используя свое уникальное изображение текстур поверхности. Тема картины остается предметом споров, и были различные интерпретации. Некоторые утверждают, что это портрет сына Рембрандта Тита и его жены. Однако наиболее примечательной теорией остается интерпретация фигур как библейской пары Исаака и Ревекки.
История Исаака и Ревекки происходит из Ветхого Завета в книге Бытие. Супруги искали убежища в землях царя Авимелеха. Исаак утверждал, что Ребекка была его сестрой, опасаясь, что местные жители могут убить его из-за невероятной красоты жены. Истинная природа их отношений раскрывается, когда Авимелех прерывает их в момент близости. Он упрекает их за ложь, но приказывает никому не причинять им вреда.
Художник в стиле барокко решает убрать царя Авимелеха с картины, чтобы перенаправить внимание зрителя именно на этот момент уединения и привязанности.
Кроме того, ему также удалось представить зрителя в роли короля шпионажа. Это художественное решение эффектно стирает грань между картиной и реальностью.
«Ночной дозор» — самая известная картина Рембрандта. Подобно «Еврейская невеста», этот титул является прозвищем, появившимся позже, в 18 веке; Первоначальное название от Рембрандта было Ополченческая рота округа II под командованием капитана Франса Баннинка Кока. Несмотря на прозвище, T Ночной дозор не представляет ночную сцену, так как происходит днем. Но к концу 18 века картина значительно потемнела и, казалось, изображала событие, происходящее в ночное время.
На картине изображен групповой портрет роты гражданских гвардейцев. Их основной целью было служить защитниками своих городов. Мужчины также представляли собой важное присутствие на городских парадах и других праздниках.
Традиционно у каждой компании был свой зал гильдии, стены которого украшали групповые портреты наиболее видных членов. Заказ на картину T «Ночной дозор » пришелся на кульминационный момент в карьере Рембрандта. Художник в стиле барокко получил приглашение от Kloveniersdoelen, ратуши, где размещалась рота мушкетеров гражданской гвардии.
Рота находилась под командованием капитана Франса Баннинга Кока, занимавшего видное место в центре полотна. Он носит формальную черную одежду, белый кружевной воротник и красный пояс на груди. Он разговаривает со своим лейтенантом Виллемом ван Рейтенбургом. Он одет в ярко-желтое, со стальным ожерельем на шее, несет парадный партизан. Также на изделии видны шестнадцать портретов членов компании.
Рембрандт оживляет картину, запечатлевая конкретные действия милиции.
Он также добавил различные дополнения, чтобы еще больше оживить сцену. Дополнительные фигуры прячутся на заднем плане с неясными лицами. Безусловно, самая загадочная фигура — это золотая девушка, появляющаяся из тьмы. Она несет белую курицу, которая свисает с ее талии. Когти птицы — отсылка к Кловенье. Золотой коготь на синем поле представлял собой эмблему компании.
Вирсавия в купальне — одна из самых любимых картин Рембрандта. Произведение, которое в настоящее время находится в Лувре, олицетворяет сказку из Ветхого Завета. Вирсавия была женой воина по имени Урия. Пока он отсутствовал на войне, царь Давид наткнулся на купающуюся Вирсавию. Он влюбился мгновенно и был полон решимости соблазнить ее. Чтобы скрыть роман и беременность Вирсавии, царь отправил Урию на битву, которая положила конец его жизни. Затем Вирсавия стала женой Давида и матерью царя Соломона.
Картина Рембрандта представляет нам сцену значительной нравственной сложности. Мы видим, как Вирсавия принимает ванну вместе с личным письмом от царя Давида в руке. Бездонный мрак поглощает фон. Ее рыжие волосы переливаются, обвитые коралловыми бусинами. Прочитав письмо, она смотрит вниз, погруженная в свои мечты. Мы, зрители, смотрим с точки зрения царя Давида, подглядывающего за Вирсавией. Похотливый взгляд брошен на женщину, в то время как она не осознает и совершенно теряется в дымке своих мыслей и чувств. Мы теряемся вместе с ней, раздираемые накалом ее внутреннего конфликта. Что возьмет верх, страсть к королю или верность мужу? В конце концов, Рембрандт тоже оставляет нас перед выбором. Сдадимся ли мы и вглядимся в запретное, или будем упорствовать и отводить взгляд?
От Кало до Караваджо: легендарные квир-творцы, сформировавшие историю
Искусство- от Penelope.pereda
- 30.09.2022
Откройте для себя наследие семи великих художников и изобретателей ЛГБТК+, чью работу и достижения мы отмечаем и сегодня
Месяц, посвященный празднованию и запоминанию достижений невероятных ЛГБТК+ людей, этот Месяц истории ЛГБТ+ , мы оглядываемся назад на наследие из семи ЛГБТК+ художников и креативщиков, чьи художественные и технологические прорывы сформировали историю.
От художественных, социальных и культурных движений до великих революционных изобретений откройте для себя работы знаковых творческих личностей, которые продолжают вдохновлять нас сегодня…
1. Вирджиния Вулф: внутренний монолог и феминистский рассказ
Британский писатель Вирджиния Вулф считается одним из самых влиятельных писателей в мировой литературе. Она написала новаторские поэтические романы, которые произвели революцию в художественной литературе 20-го века.
Вирджиния Вульф считается одним из самых влиятельных писателей в мировой литературе.Главное наследие Вульф — ее персонажи, которые занимают центральное место благодаря плавным, динамичным внутренним разговорам, подобным человеческому мышлению. Поборница женского образования, ее также хорошо помнят за тексты, основанные на лекциях, которые она читала в крупных университетах. В этих лекциях Вульф исследует сексизм в обществе в целом и в литературном мире в частности.
Знаменитые работы Вулф включают: Миссис Дэллоуэй и Собственная комната .
2. Караваджо: техника тенебризма и драматический реализм
Один из первых великих мастеров искусства барокко, итальянский художник Караваджо запомнился своим драматическим изображением религиозных и мифологических сцен.
В дополнение к использованию знаменитой техники светотени, которая определила художественное направление, частью которого он был, Караваджо ввел «тенебризм» — метод использования цвета и света на темном фоне, чтобы подчеркнуть и создать уникальную атмосферу.
Караваджо считается одним из первых великих представителей искусства барокко.Караваджо не стремился изображать людей в ангельском образе. Вместо этого он рисовал католических и мифологических персонажей с большой выразительностью и сексуальным зарядом, не заботясь о том, чтобы понравиться знати того времени.
К культовым работам Караваджо относятся: Призвание святого Матфея и Юдифь и Олоферн .
3. Энди Уорхол: революция в поп-арте
Американский художник Энди Уорхол был одной из ведущих фигур поп-арта, движения, которое возникло как критика потребительства и серийного материализма 1950-х годов.
Новаторский способ Уорхола смешивать различные техники и материалы в своих работах расширил возможности искусства, которое ранее было гораздо больше ориентировано на классическую живопись. Он также выступал за совместное искусство, объединяя нескольких художников для создания одной работы.
Энди Уорхол был одним из ведущих представителей движения «поп-арт».Еще одним интересным фактом о художнике является то, что он придумал известное выражение «15 минут славы», основываясь на своей цитате: «В будущем каждый будет известен по 15 минут». Узнайте больше о жизни и творчестве Энди Уорхола.
Знаковые произведения Уорхола включают: Банки супа Кэмпбелл и Мэрилин Диптих .
«Мэрилин Диптих» Энди Уорхола.
4. Фрида Кало: искусство, политическая активность и феминизм
Латиноамериканка с множественными нарушениями, Фрида Кало постоянно бросала вызов ожиданиям окружающих и благодаря своему уникальному стилю добилась большего, чем любой другой мексиканский художник на сегодняшний день.
Наиболее известная своими автопортретами, Кало рисовала на основе собственного опыта. Она также исследовала темы, до сих пор считающиеся табу, такие как аборты и фемицид. Работы Кало осуждали страдания, причиняемые женщинам, и в то же время изображали силу тех, кто, как и она, выжил.
Благодаря своему неповторимому стилю Фрида Кало неизменно бросала вызов ожиданиям окружающих. В дополнение к вкладу Кало в феминистские и революционные темы, она также нашла себе место в международном мире искусства. В 1939 году ее автопортрет Рама был куплен Лувром , что сделало ее первым мексиканским художником 20-го века, чьи работы были выставлены в культовом учреждении .
Среди других знаковых работ Кало: Две Фриды и Сломанная колонна .
Фрида Кало «Две Фриды».5. Сальвадор Дали: сюрреализм и «постоянство памяти»
Каталонский художник Сальвадор Дали, известный своей эксцентричностью, был самой известной и выдающейся фигурой сюрреалистического движения. Сюрреализм стремился продвигать важность снов и подсознания как для творческих целей, так и как видение для человечества.
Сальвадор Дали был самым выдающимся деятелем сюрреалистического движения. Одна из самых известных работ Дали, несомненно, Постоянство памяти , картина, изображающая пейзаж пустыни и несколько оплавленных часов. Работа является прекрасным примером сюрреализма благодаря его различным интерпретациям, а также тем, что вдохновило художников всех слоев общества. В поп-культуре возникло несколько переосмыслений картины — даже создатель « Симпсонов » Мэтт Гроунинг создал версию, используя своих культовых персонажей.
Среди других знаковых работ Дали: Постоянство памяти и Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения .
«Постоянство памяти», Сальвадор Дали6. Леонардо да Винчи: техника сфумато, парашют и «Тайная вечеря»
Леонардо да Винчи, один из самых значительных деятелей эпохи Возрождения, был больше, чем итальянец живописец — он был также ученым, математиком, инженером, изобретателем, анатомом, скульптором, архитектором, ботаником, поэтом и музыкантом.0219 исследования, изобретения и творения распространились во многих областях , формируя дисциплины от живописи до физики, какими мы их знаем сегодня.
Леонардо да Винчи приложил свои таланты к самым разным дисциплинам, от живописи до физики. В области живописи да Винчи был создателем техники сфумато, состоящей в наложении слоев краски таким образом, что цвета создают мягкие и нечеткие очертания, создавая ощущение глубины. Что касается науки и техники, он провел замечательные исследования, которые оказались необходимыми для будущих изобретений, таких как парашют, устройства для подводного плавания и даже военные танки, среди многих других.
Среди культовых работ Да Винчи: Мона Лиза и Тайная вечеря .
«Тайная вечеря», Леонардо да Винчи.7. Алан Тьюринг: Компьютеры и искусственный интеллект
Английский математик и изобретатель Алан Тьюринг сыграл важную роль в завершении Второй мировой войны. Он и его команда создали машину-бомбу. Это позволило взломать код немецкой армии Enigma, что позволило союзникам расшифровать сообщения, отправленные немецкими военно-морскими силами.0005
Тем не менее, наследие Тьюринга еще глубже. Его математические теории заложили основы современного компьютера и искусственного интеллекта, сформировав все виды творческих индустрий (и не только!), какими мы их знаем сегодня.
Британский математик и изобретатель Алан Тьюринг.Несмотря на его революционные достижения, имя Тьюринга не было широко известно до выхода в 2014 году фильма «: Игра в имитацию », в котором рассказывалась история его жизни.
Тьюринг смог расшифровать немецкую машину Enigma.
