Произведения импрессионизма: Импрессионисты: легендарные картины в Москве

Русские выводы из французского импрессионизма

Выставки

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

№110

Материал из газеты

На выставке «После импрессионизма» в Пушкинском музее проследили этапы рождения авангардного искусства, сопоставив произведения русской живописи второй половины XIX — начала ХХ века с шедеврами французской живописи от импрессионизма до кубизма

Анна Савицкая

18.04.2023

Выставка «После импрессионизма» в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина представляет диалог русского искусства и художественных течений Западной Европы в период становления модернизма и авангарда.

Экспозиция включает работы таких художников, как Винсент ван Гог, Поль Гоген, Клод Моне, Пабло Пикассо, Поль Сезанн, Жорж Сёра, Наталия Гончарова, Михаил Ларионов, Казимир Малевич, Валентин Серов и другие. Она подготовлена в партнерстве с Третьяковской галереей и при участии Эрмитажа и Русского музея. Произведения русских и зарубежных художников на выставку предоставили также музеи Архангельска, Нижнего Новгорода, Омска, Рязани, Самары, Серпухова, Смоленска, Тулы и многих других городов России.

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

Концепция восходит к 2019 году, когда появилась идея подготовить выставочный проект совместно с лондонской Национальной галереей, посвященный развитию искусства в Европе на рубеже XIX–ХХ веков начиная с 1886 года, когда состоялась последняя выставка импрессионистов в Париже, и примерно до 1914 года, когда Первая мировая война прервала международный культурный обмен.

Прославляя Париж как интернациональную художественную столицу, выставка «После импрессионизма. Изобретение современного искусства» была призвана представить важный вклад в формирование модернизма и других художественных центров: Барселоны, Берлина, Брюсселя, Вены, Москвы. В 2022 году участие России в этом международном проекте стало невозможным, и 25 марта выставка открылась в Лондоне без российского представительства.

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

В Пушкинском музее приняли решение модифицировать замысел, сохранив первоначальное название «После импрессионизма», но скорректировать проблематику, о которой теперь говорит подзаголовок «Русская живопись в диалоге с новым искусством Запада», раскрывающий идею выставки. Собственный проект ГМИИ имени Пушкина, кураторскую группу которого возглавляет заместитель директора по научной работе Илья Доронченков, предлагает новый взгляд на историю русского искусства и рассказывает о том, как русские художники, знакомясь с искусством Франции, перешли от подражания к свободному творческому мышлению, которое в итоге привело к завоеваниям отечественного авангарда.

На трех этажах Галереи искусства стран Европы и Америки, в залах, где в хронологической последовательности разворачивается история европейской — в первую очередь французской — живописи, в постоянную экспозицию осуществлены весьма внушительные интервенции русского искусства.

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

Это произведения отечественных художников, либо связанные с их западным опытом, либо явившиеся результатом их диалога с новыми художественными явлениями Запада. В отличие от лондонской экспозиции, хронологические рамки московской выставки расширены за счет предыстории: в зале 1860-х годов бок о бок с работами Камиля Коро, Шарля-Франсуа Добиньи и «барбизонцев» представлены картины Василия Перова, который провел в Париже около полутора лет в качестве пенсионера Академии художеств и написал серию сцен уличной жизни.

В этом же разделе можно обнаружить произведения Ильи Репина и некоторых других русских художников, которые в очень важный период своего становления жили в Париже и, разумеется, видели произведения их французских современников. Далее следует рассказ о том, как живопись импрессионизма своеобразно и неоднозначно прививается на русской почве. Зал за залом разворачивается этот диалог между Валентином Серовым и Жюлем Бастьен-Лепажем, Виктором Борисовым-Мусатовым и Пьером Пюви де Шаванном, между русскими и европейскими пленэристами, произведениями французских пуантилистов и ранними опытами Наталии Гончаровой, Казимира Малевича, Роберта Фалька

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

Главным же сюжетом стал диалог русского авангарда с европейским модернизмом, в первую очередь с французским искусством. Ключевую роль в этом процессе сыграли визионерские коллекции Сергея Щукина и Ивана Морозова, а также усилия и проекты Сергея Дягилева, направленные на преодоление изоляционизма и провинциальности русской живописи, превращение русского искусства в искусство международное.

Один из ярких примеров такого диалога — свое­образная интерпретация творчества Пабло Пикассо в нашей стране, не имеющая аналогов в других культурах. Русские писатели и философы воспринимали его произведения как символ тотальной катастрофы культуры. Также интересно, как выстраивался диалог русских художников с кубизмом; такие авангардисты, как Владимир Татлин и Ольга Розанова, сделали радикальные выводы из этого искусства и преобразовали его в своем творчестве.

Выставка «После импрессионизма» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Фото: ГМИИ им. А.С. Пушкина

Концентрация именно на французской живописи в экспозиции не только обусловлена особенностями отечественных музейных собраний, но и закономерна, поскольку современная живопись, как мы ее понимаем, основана на французских традициях. Однако на выставке представлены не только французские художники, но и другие европейские мастера.  

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина
«После импрессионизма»
До 20 августа

Подписаться на новости

ГМИИ имени А.С.Пушкина

Находки в Тоскане меняют представления об истории

Обнаруженные в древнеримских термах бронзовые скульптуры тесно связаны с этрусской цивилизацией. Археологические раскопки близ города Сан-Кашано-деи-Баньи позволили по-новому взглянуть на культурные и политические процессы в античную эпоху

10.04.2023

Елена Проничева: «Мы не „музей современного искусства“»

Новый генеральный директор Государственной Третьяковской галереи рассказала о планах развития музея в регионах и своих взглядах на музейную стратегию в целом

25.04.2023

Светоносным кирпичам дарят вторую жизнь

В Государственном музее архитектуры имени А.В.Щусева инициировали возрождение технологии изготовления стеклянных кирпичей Фальконье, популярных на рубеже XIX–XX веков

07.04.2023

Русские выводы из французского импрессионизма

На выставке «После импрессионизма» в Пушкинском музее проследили этапы рождения авангардного искусства, сопоставив произведения русской живописи второй половины XIX — начала ХХ века с шедеврами французской живописи от импрессионизма до кубизма

18. 04.2023

Исаак Кушнир: «Петербург называют культурной столицей, но в городе до сих пор нет музея личных коллекций»

Известный петербургский коллекционер, куратор, автор серии книг «Авангард на Неве» рассказал о своем собрании произведений Анатолия Каплана и организованной им в Музее Анны Ахматовой выставке к 120-летию художника

11.04.2023

Степан Вишневский: «Искусство для меня, а не я ему подчиняюсь»

Правнук легендарного коллекционера и основателя Музея Тропинина Феликса Вишневского рассказал о семейном наследии, внутренней потребности в красивых вещах, современной жизни старинного дома и концепции Аукционного дома Клуба коллекционеров графики

06.04.2023

Искусство замкнуть кольцо: что главное в дизайне новых станций БКЛ?

На Большой кольцевой линии московского метро, которая недавно открылась целиком, встречаются станции с нетривиальными архитекторскими концепциями и художественными решениями. Выбор оформления отдельных станций производился на конкурсной основе

13.04.2023

IMPRESSIONISM (CLASSICAL MUSIC) — RADCAP

Импрессионизм в музыке (фр. impressionnisme, от фр. impression- впечатление)- музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды»)- и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»). Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный и спекулятивный характер (в частности, против него неоднократно возражал сам Клод Дебюсси, впрочем, не предлагая ничего определённого взамен). Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма. Прямые аналогии между средствами живописи и музыки возможны только при посредстве личности композитора, испытавшего на себе личное влияние художников или их полотен. Если художник или композитор отрицает или не признаёт подобные связи, то говорить о них становится как минимум, затруднительным. Однако перед нами в качестве важного артефакта имеются признания и, (что важнее всего) сами произведения главных действующих лиц музыкального импрессионизма. Отчётливее остальных эту мысль выразил именно Эрик Сати, постоянно акцентировавший внимание на том, сколь многим в своём творчестве он обязан художникам. Он привлёк к себе Дебюсси оригинальностью своего мышления, независимым, грубоватым характером и едким остроумием, не щадящим решительно никаких авторитетов. Также, Сати заинтересовал Дебюсси своими новаторскими фортепианными и вокальными сочинениями, написанными смелой, хотя и не вполне профессиональной рукой. Но если Сати выводил свой прозрачный и скуповатый по средствам импрессионизм от символической живописи Пюви де Шаванна, то Дебюсси (через посредство того же Сати) испытал на себе творческое влияние более радикальных импрессионистов, Клода Моне и Камилла Писсаро. Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка- «Сады под дождём»), «Образы» (первый из которых, один из шедевров фортепианного импрессионизма, «Отблески на воде», вызывает прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца»)… По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе. Симфоническая сюита «Море от зари до полудня» достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси. Несмотря на часто афишируемое личное неприятие термина «импрессионизм», Клод Дебюсси неоднократно высказывался как истинный художник-импрессионист. Так, говоря о самом раннем из своих знаменитых оркестровых произведений, «Ноктюрнах», Дебюсси признавался, что идея первого из них («Облака») пришла ему в голову в один из облачных дней, когда он с моста Согласия смотрел на Сену… Что же касается шествия во второй части («Празднества»), то этот замысел родился у Дебюсси: «…при созерцании проходящего вдали конного отряда солдат Республиканской гвардии, каски которых искрились под лучами заходящего солнца… в облаках золотистой пыли». Равным образом, и сочинения Мориса Равеля могут служить своеобразными вещественными доказательствами прямых связей от живописи к музыке, существовавших внутри течения импрессионистов. Знаменитая звукоизобразительная «Игра воды», цикл пьес «Отражения», фортепианный сборник «Шорохи ночи»- этот список далеко не полон и его можно продолжать. Несколько особняком, как всегда, стоит Сати, одно из произведений, которое можно назвать в этой связи, это, пожалуй- «Героический прелюд ко вратам неба». Окружающий мир в музыке импрессионизма раскрывается сквозь увеличительное стекло тонких психологических рефлексий, едва уловимых ощущений, рождённых созерцанием происходящих вокруг незначительных изменений. Эти черты роднят импрессионизм с другим параллельно существовавшим художественным течением- литературным символизмом. Первым обратился к сочинениям Жозефена Пеладана Эрик Сати. Немного позднее творчество Верлена, Малларме, Луиса и- особенно Метерлинка нашло прямое претворение в музыке Дебюсси, Равеля и их некоторых последователей. Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало. Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Импрессионистская гармония характеризуется резким повышением колористического, самодовлеющего компонента звука. Это развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока (именно под влиянием впечатлений от очередной Всемирной выставки 1889 года были написаны знаменитые «Гноссиены» Сати), негритянские спиричуэлс США и др. Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и искусственных ладов, элементов модальной гармонии, «неправильных» параллельных аккордов и т. п. Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма- это арфа и флейта. В целом следует признать, что жизнь этого музыкального стиля была достаточно краткой даже по меркам скоротечного XX века. Первые следы отхода от эстетики музыкального импрессионизма и стремление расширить пределы присущих ему форм музыкального мышления можно обнаружить в творчестве самого Клода Дебюсси уже после 1910 года. Что же касается первооткрывателя нового стиля, Эрика Сати — то раньше всех, уже после премьеры оперы «Пеллеас и Мелизанда» в 1902 году он решительно покидает растущие ряды сторонников импрессионизма, а спустя ещё десять лет- организует критику, оппозицию и прямое противодействие этому течению. К началу 30-х годов XX века импрессионизм стал уже старомодным, превратился в исторический стиль и полностью сошёл с арены актуального искусства, растворившись (в качестве отдельных красочных элементов)- в творчестве мастеров совершенно иных стилистических направлений (например, отдельные элементы импрессионизма можно выделить в произведениях Оливье Мессиана, Такэмицу Тору, Тристана Мюрая и др.).

Известные и крупные произведения движения импрессионистов

Следующие картины посвящены истории импрессионизма и постимпрессионизма. Мы намеренно исключили картины Моне, так как целая страница будет полностью посвящена его знаменитым произведениям.

Эдуард Мане, Le Déjeuner sur l’herbe , 1862-1863

Первоначально называвшаяся «Ванна» (Le Bain), эта картина была частью выставки на Ярмарке «Отказ от произведений искусства» в 1863 году. потрясен изображением обнаженной женщины среди одетых мужчин.

Pierre-Auguste Renoir, La Grenouillère , 1869

На этой картине изображен Лягушачий пруд (La Grenouillère), очень популярное место на берегу Сены, где можно было увидеть приличное общество. Также был ресторан. Лягушачий пруд был местом, куда люди приходили летом купаться и кататься на каноэ.

Edgar Degas, le Foyer de la danse , 1872

Дега решил нарисовать место, свидетельствующее о культурной и повседневной жизни Парижа того времени: 9-й0027 Опера на улице Пелетье . Сцена изображает танцевальный зал, где девушки репетируют балет.

Берта Моризо, Ле Берсо , 1872

Здесь Моризо вызывает материнство и любящую нежность между матерью и ребенком.

Альфред Сислей, Ле-Пон-а-Вильнев-ла-Гарен , 1872

Сислей нарисовал мост и берега Сены , которые летом проходят вдоль Вильнёв-ла-Гарен. Он также писал Рив-де-Сен, Вильнёв-ла-Гаренн (берег Сены).

Камиль Писсарро, Желе-Бланш, старый маршрут д’Эннери, Понтуаз , 1873

Писсарро решил нарисовать природу в ее простейшем виде ; замерзший участок поля на рассвете, по которому идет крестьянин, прижимая к себе связку хвороста. В это время импрессионизм преуспевает.

Поль Сезанн, Этюд – Paysage à Auvers , 1873

Сезанн жил в период, когда на него сильно повлияло импрессионистское движение. Он решил изучить его, чтобы в итоге найти свой собственный, неповторимый стиль. Ему помогал Камиль Писсарро, с которым он встретился в Понтуазе в 1872 году, а затем Винсент Ван Гог, с которым он встретился в Овер-сюр-Уаз в 1873 году.0003

Эдуард Мане, Клод Моне peignant dans son atelier , 1874

Мане нарисовал портрет своего дорогого друга Клода Моне, который сам писал картины, находясь на своей лодке в Аржантее.

Пьер-Огюст Ренуар, Бал дю Мулен де ла Галетт , 1876

Эта картина была выставлена ​​на Ярмарке импрессионистов в 1877 году. Там Ренуар нарисовал некоторых из своих друзей среди толпы, изображая радостная атмосфера .

Альфред Сислей, Ле-Пон-де-Море , 1893

 

Сислей нарисовал мост в Море-сюр-Луан, городе с богатой историей и сохранившимися валами. Он нарисовал серию об этом городе, где он жил до своей смерти в 1899 году.

Живерни — это место, где все началось с Клода Моне, который основал движение импрессионистов.

Кто самые важные женщины-импрессионисты? – ARTnews.com

Когда в 1874 году импрессионисты дебютировали как группа, критики поспешили назвать их искусство «женским». Их холсты были маленькими, их пастельные палитры были слишком прозрачными, их мазки были слишком рыхлыми. Вместо нравоучительных исторических сцен появились кусочки повседневной жизни — морские пейзажи и английские сады, матери и дочери. «Только женщина имеет право неукоснительно следовать импрессионистской системе», — писал критик Теодор де Визева в 189 г.1. «Она одна может ограничить свои усилия переводом впечатлений». Художники-мужчины, казалось, подразумевали де Визева и другие, выбрали бы что-то совершенно другое.

Во Франции 19-го века женщины в основном не могли получить формальное художественное образование, так как изучение обнаженной формы считалось скандальным. Но ограничения, наложенные на женщин, не ограничивались студией. Незамужним женщинам запрещалось выходить из дома без сопровождения, и вместо этого они должны были заниматься домашним хозяйством или проводить время за декоративным искусством в компании других женщин. Женщины-импрессионисты, многие из которых были недооценены или полностью проигнорированы историческим каноном, использовали эти ограничения, создавая интроспективные работы, посвященные социальным условиям их создателей. В 189В № 4 критик Анри Фосийон назвал трех из них «Les Trois Grandes Dames» или «Три великие дамы» движения: Берту Моризо, Мэри Кассат и Мари Бракемон. Трио выступало в качестве равных и друзей ведущих членов движения. Эдуард Мане, например, был большим поклонником дерзкой живописи Моризо — настолько, что, как сообщается, он выставил небольшую коллекцию ее картин в своей спальне.

Революционная чувствительность этих женщин позволяла им направлять внутренние состояния, которые часто были непостижимы для их коллег-мужчин; только недавно они начали получать по заслугам. Ниже приведен путеводитель по некоторым новаторским женщинам-импрессионистам, а также по нескольким известным художникам, которые последовали их примеру.

Берта Моризо, Сад в Моркуре , ок. 1884 г. Предоставлено Художественным музеем Толедо

Берта Моризо (1841–95)

Берта Моризо — самая известная из женщин-импрессионистов. С 2018 года она путешествовала по Европе и Северной Америке с персональной ретроспективой. в возрасте 25 лет на Парижском салоне 1864 года. Моризо была единственной женщиной, приглашенной на первую выставку импрессионистов (ранее называвшуюся Анонимным обществом художников, скульпторов и граверов) в 1874 году, и она продолжала участвовать во всех восьми выставках, кроме одной, с 1874 по 1886 год. Она была близка с Мане, даже вышла замуж за его брата, и эти двое влияли друг на друга таким образом, что в конечном итоге ее работа двигалась в более смелых и абстрактных направлениях. Она рисовала свободными, смелыми мазками, которые подчеркивали выразительность, а не натурализм. Критик писал в то время: «В ее живописи есть вся откровенность импровизации; это действительно впечатление, уловленное искренним взглядом и точно переданное рукой, которая не жульничает». В Сад в Морекуре (ок. 1884 г.), она изображает мать, смотрящую на своего ребенка с небольшой сентиментальностью, возможно, даже со скукой или истощением. С его проницательным изображением психического состояния натурщика картина иллюстрирует чувствительность Моризо. Моризо умерла от пневмонии в 1895 году в возрасте 54 лет, оставив после себя произведение, намекающее на дальнейшие прорывы, которые она собиралась совершить.

Мэри Кассат, Лодочная вечеринка, 1893–1894. Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон

Мэри Кассат (1844–1926)

Мэри Кассат была единственной американкой среди импрессионистов-основателей. Она происходила из обеспеченной семьи в Питтсбурге, которая поддержала формальное художественное образование сначала в Пенсильванской академии изящных искусств, а затем в Европе, после того как хваленая школа Филадельфии отказала ей в просьбе изучать обнаженных моделей. Во время своих путешествий по континенту она училась у академических наставников, таких как Жан-Леон Жером и Эдуард Фрер, и изучала классические шедевры Корреджо, Веласкеса, Рубенса. В 1874 году она поселилась в Париже, где начала регулярно выставлять свои портреты в Салоне. В 1877 году Дега пригласил ее начать показ с импрессионистами, и она участвовала в четырех из восьми выставок. «Ни одна женщина не имеет права так рисовать», — как сообщается, сказал Дега, просматривая 9 работ Кассат.0129 Молодые женщины, собирающие фрукты (1891). Она спокойно восприняла слегка завуалированное оскорбление, и они поддерживали близкую дружбу, основанную на общем уважении к асимметричной композиции и классическим японским гравюрам. Кассат заработала себе как успешный художник-портретист и гравер, объявив себя непригодной для замужества или материнства. Несмотря на это, ее предметом были часто. отношения между матерями и их детьми. В отличие от смелой, выразительной кисти Моризо, Кассат часто с большой точностью изображала ей черты лица и фигуру ее друзей и семьи. В Вечеринка на лодке , выражение лица мужчины затемнено, основное внимание уделяется искусно прорисованной женщине и ребенку. Кассат однажды сказала, что ее целью было изобразить женщин «субъектами, а не объектами».

Ева Гонсалес, Ложа итальянского театра , 1874 год. © Музей Орсе

Ева Гонсалес (1849–1883)

Гонсалес никогда не выставлялась с импрессионистами, но она была близка с некоторыми ведущими художниками этого движения, включая Моризо, и ее искусство стилистически похоже на их работы. Как и другие начинающие артистки в 19Во Франции 19-го века Гонсалес запретили посещать Школу изящных искусств, хотя, как и Моризо и Кассат, ее богатое воспитание давало ей возможность посещать частные уроки. В 1869 году она познакомилась с Мане в Париже и стала его единственной формальной ученицей. Его влияние на ее работу очевидно в плоской перспективе Коробка в итальянском театре при прямом взгляде субъекта. В год их знакомства Мане создал портрет Гонсалеса, а в ответ она создала собственную серию автопортретов, утверждая, что она профессиональный коллега — нечто гораздо большее, чем музей. Она умерла в 1883 году в возрасте 34 лет от эмболии после рождения сына, добившись своей цели — участия в престижном парижском салоне. В 1885 году 9Ретроспектива ее работ из 0 произведений прошла в Salons de la Vie Moderne в Париже.

Мари Бракемон, На террасе в Севре , 1880. Предоставлено Музеем Малого Дворца

Мари Бракемон (1840–1916)

Мари Бракемон не пользовалась той финансовой поддержкой, которая позволяла ее сверстникам процветать в творческом и коммерческом плане. Она была в основном самоучкой, и ее единственный важный случай официального художественного образования был получен через художника Жана-Огюста-Доминика Энгра, с которым ее пригласили учиться. Несмотря на престиж Энгра, Бракемон в конце концов покинул его мастерскую, написав, что старший художник «сомневается в мужестве и настойчивости женщины в области живописи… Он поручил бы им только писать цветы, фрукты, натюрморты, портреты». жанровые сцены». В Париже ее яркие масштабные пленэрные сцены привлекли внимание импрессионистов, которые пригласили ее выставиться с ними. Бракемон трижды выставлялась с группой, но из-за давления со стороны мужа, французского художника и гравера Феликса Бракемона, она была вынуждена отказаться от многообещающей карьеры художника.

Сесилия Бо, , Новая Англия, женщина. Портрет миссис Джедидия Х. Ричардс , 1895 г. Предоставлено Пенсильванской академией изящных искусств

Сесилия Бо (1855–1942)

Родившаяся в Филадельфии Сесилия Бо стала одной из выдающихся художников-портретистов своего поколения. Она побывала в Париже в конце 1880-х годов, впитывая игру света и мягкий фокус импрессионистов и постимпрессионистов. Она привнесла элементы их стиля в свои портреты, что привело к отчетливому синтезу четко очерченных фигур, наслоенных на ярко окрашенный фон в стиле Джона Сингера Сарджента.

Лилла Кэбот Перри, La Petite Angèle, II , 1889. Предоставлено Викискладом

Лилла Кэбот Перри (1848–1933)

Лилла Кэбот Перри родилась и выросла в Бостоне; богатство ее семьи позволило ей переехать в Париж, где она увлеклась тем, как импрессионисты, в частности Клод Моне, экспериментировали со световыми эффектами.