Раннее барокко: Ранний период барокко в архитектуре Италии (конец XVI — начало XVII в.) | Архитектурная классика — Независимое театральное объединение "Зрительские симпатии"

Содержание

Раннее барокко (1703–1740-е гг.). Повести каменных горожан [Очерки о декоративной скульптуре Санкт-Петербурга]

ВикиЧтение

Повести каменных горожан [Очерки о декоративной скульптуре Санкт-Петербурга]
Алмазов Борис Александрович

Содержание

Раннее барокко (1703–1740-е гг.)

Протестантский (голландско-немецкий) вариант барокко. Родовые черты: симметричный план, крыша с переломом, никаких колонн (пилястры, лопатки), мелкая расстекловка окон, двухцветная расколеровка (излюбленное сочетание — белое на красном). Западноевропейская форма храма — колокольня со шпилем пристроена к основному объему. Главные архитекторы: Доменико Трезини, Никколо Микетти, Андреас Шлютер, Жан-Батист Леблон, Михаил Земцов, Петр Еропкин.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Раннее возрождение. Жан Фуке

Раннее возрождение. Жан Фуке С именем этого художника связано начало ренессансного искусства во Франции. Жан Фуке жил и работал при дворе двух королей, Карла VII и Людовика XI, и создал прекрасную галерею портретов, ряд чудеснейших иллюминированных рукописей, алтарные

Венское барокко

Венское барокко После осады 1683 года некогда прекрасная Вена представляла собой огромную груду камней в окружении сгоревших предместий. Зиявшая дырами крепостная стена, обугленные деревья, развалившиеся дома, целые кварталы, уничтоженные огнем и турецкими снарядами, не

Франсуа Буше (1703–1770)

Франсуа Буше (1703–1770) Туалет Венеры 1751. Метрополитен-музей, Нью-ЙоркБуше, крупнейший мастер искусства рококо, «первый художник короля», одаренный всеми титулами, которыми Академия изящных искусств жаловала своих членов, любимый художник фаворитки короля Людовика XV

Китайское барокко

Китайское барокко …Колонки, несущие крыши шатер, Планочки, папки резные, с пестрой их позолотой — Вот дело тончайшего вкуса и радость для знатока! И. В. Гёте Древняя китайская архитектура характеризуется простотой, монументальностью и господством конструктивных форм.

Пышное (высокое) барокко (1740–1750-е гг.)

Пышное (высокое) барокко (1740–1750-е гг.) Русские вариации на тему католического (южно-европейского) барокко. Огромных размеров здания, пучки колонн, каждый фасад на свой лад, в декоре интерьеров — зеркала, резьба, позолота. Церквям возвращено традиционное пятиглавие.

Главные

Дворцы и особняки «второго барокко»

Дворцы и особняки «второго барокко» Особняки, строившиеся в Петербурге в середине XIX века, — отличались очень большим разнообразием размеров, планировок и художественных решений фасадов. Их архитектурная композиция и отделка зависели от социального положения

Незнакомое барокко (Юлия Морозова)

Незнакомое барокко (Юлия Морозова) Пышность и великолепие дворцов. Изобилие архитектурных форм. Завитушки, золото, фейерверки, немыслимые карнавалы и развлечения. Кринолины, кружева, банты, веера, изысканные позы менуэта. Такой мы представляем эпоху барокко.Но почему же в

Возрождение и раннее барокко

14 сентября 2021

19. 00
Вторник
Большой зал

Продолжительность

2 отделения по 45 минут
Программа
I отделение
Лассо
Месса Bella Amfitrit’ altera
Виктория
Dum complerentur
Палестрина
Dum complerentur
II отделение
Палестрина
Laudate pueri
Лотти
Crucifixus a 10 (на десять голосов)
Монтеверди
Adoramus te
Domine, ne in furore
Cantate domino
Пёрселл
Hear my prayer, o Lord
I was glad
O Lord God of hosts
В программе возможны изменения
Программка

Лассо, Палестрина, Монтеверди, Пёрселл
Замена программы и исполнителей

Концерт перенесён с 19 сентября 2020
Билеты, купленные на 19 сентября 2020 года, действительны.

Ансамбли Tallis Scholars и «Английские корнеты и сакбуты» не будут принимать участие в концерте.

Вокальный ансамбль INTRADA
Художественный руководитель – Екатерина Антоненко

Дирижёр – Питер Филлипс

Вокальный ансамбль INTRADA под руководством Екатерины Антоненко на сегодняшний день – один из самых ярких коллективов нового поколения, постоянный участник крупных музыкальных событий российской столицы. Ансамбль обладает своим собственным «почерком» и высочайшим профессиональным уровнем.

Intrada регулярно сотрудничает с ведущими коллективами и музыкантами России и Европы, такими как Российский национальный оркестр и Михаил Плетнёв, Il Giardino Armonico и Джованни Антонини, камерный ансамбль «Солисты Москвы» и Юрий Башмет, Государственный академический симфонический оркестр России и Владимир Юровский, «Оркестр Века Просвещения», Lе Poème Harmonique и Венсан Дюместр, The Tallis Scholars и Питер Филлипс, VOCES8, I Fagiolini и Роберт Холлингворт, Фридер Берниус, Стивен Лэйтон, Ханс-Кристоф Радеман, Жан-Кристоф Спинози и другими.

Коллектив неоднократно принимал участие в «Декабрьских вечерах Святослава Рихтера» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Вокальный ансамбль с успехом представил нашу страну на европейских музыкальных фестивалях, таких как Дрезденский культурный форум (2015) и Дрезденский музыкальный фестиваль (2017, 2019), фестивали в Рудных горах (Musikfest Erzgebirge; 2016) и в Лаузице (2019). Выступления коллектива вошли в программу концертной серии немецкого радио «Культура» в легендарном замке Вартбург (2018) и фестиваля Live From London (2021).

Питер Филлипс

– руководитель ансамбля The Tallis Scholars, обладатель премий «Граммофон» за запись старинной музыки (2001, 2004, 2005), премий Diapason d’Or de l’Annee (1989 и 2010), номинации на премию «Грэмми» (2005). Руководитель и издатель старейшего музыкального журнала в мире The Musical Times, автор книг по старинной музыке, редактор произведений старинной музыки, музыкальный директор оксфордского Мертон-колледжа (с 2008).

Кавалер Ордена Искусства и Литературы Франции (2005) и член Совета Колледжа Мертон (с 2010).

Питер Филлипс прославился, прежде всего, как исполнитель полифонии эпохи Возрождения. В 1973 он основал вокальный ансамбль The Tallis Scholars, который к настоящему моменту дал более 1600 концертов и выпустил более 50 компакт-дисков. Помимо The Tallis Scholars, Питер Филлипс работает и с другими коллективами. Так, он выступал с хором Collegium Vocale (Бельгия), Нидерландским камерным хором, Хором Финского радио, Студией старинной музыки Монреаля (Канада) и многими другими коллективами. В июле 2007 выступил с хорами BBC Singers и The Tallis Scholars в Королевском Альберт-холле. Этот концерт транслировался в прямом эфире и собрал аудиторию более шести тысяч зрителей. Также Филлипс – художественный руководитель летних школ The Tallis Scholars в Великобритании, США и Австралии. Проводит большое количество мастер-классов и семинаров по всему миру. В течение многих лет ведёт музыкальную колонку журнала The Spectator.

В 1995 стал владельцем и издателем старейшего музыкального журнала The Musical Times. В 1991 была опубликована книга Филлипса «Английская духовная музыка 1549 – 1649 годов». В 2006 в Нью-Йорке состоялась премьера его вокального цикла «Четыре рондо Шарля д’Орлеана».

Изменения внесены 24 июня 2021

Продолжительность

2 отделения по 45 минут
Программа
I отделение

Лассо
Месса Bella Amfitrit’ altera
Виктория
Dum complerentur
Палестрина
Dum complerentur
II отделение
Палестрина
Laudate pueri
Лотти
Crucifixus a 10 (на десять голосов)
Монтеверди
Adoramus te
Domine, ne in furore
Cantate domino
Пёрселл
Hear my prayer, o Lord
I was glad
O Lord God of hosts
В программе возможны изменения
Программка

Музыка раннего барокко — HiSoUR История культуры — Hi So You Are

Барокко в европейской музыке историческое значение имело период примерно с 1600 по 1750 год. С самого начала музыка в стиле барокко отвернулась от музыки эпохи Возрождения. Заменив полифонию (несколько мелодий одновременно) в песне гомофонией (основной вокал), чтобы позволить тексту доминировать, создав оперы, оратории, кантаты и монодии, вокальная музыка получила резкое развитие. В начале барокко модальные гаммы в основном ассоциировались с церковной музыкой, замененной тональной музыкой. Это имело большое значение как в звучании, так и в способности сочинять более сложные произведения.

Инструментальные произведения, не относящиеся к духовенству, были новшеством барокко. Между ними были большие вариации: от токкаты, суставов, прелюдии, ричеркаров и каприччио до канцона, сюит, сонат и концертов. Оркестр значительно развился в стиле барокко, и по мере того, как инструменты становились все лучше, включалось все больше и больше. Инструменты, которые поразили барокко, включают скрипку, виолончель, кросспи, кларнет, фагот, обо, английский рожок и ранние версии рожков, труб и тромбона. Новые лодки в вокальной и инструментальной музыке были развитием общего баса, одним из первых случаев передачи ритма на инструмент. Там, где вокальная музыка была веселой, инструментальная музыка оставалась полифонической, часто использовался контрапункт.

Первоначально в музыке барокко преобладали итальянские композиторы; Клаудио Монтеверди был одним из самых известных из них. В конце концов голландские, немецкие, французские и английские композиторы придумали больше. Музыкальная культура в каждой стране время от времени менялась между просто использованием итальянской музыки, вдохновленной ею, или созданием собственной музыки или заботой о ней. Опера, например, впервые была предпринята в Германии с помощью песенных игр, прежде чем итальянская опера взяла верх. Английская опера представляла собой смесь итальянской оперы и маскарадных представлений, а французская опера характеризовалась большим количеством балета и собственной техники, долгое время полностью управляемой Жаном-Батистом Люлли. Однако итальянская опера стала более популярной и привлекательной для публики благодаря развитию в Венеции и Неаполе.

Инструментальная музыка тоже развивалась иначе. В Италии скрипка стала очень популярной, и была придумана соната, чтобы продемонстрировать характеристики инструмента. Арканджело Корелли сыграл решающую роль в успехе сонаты. Во Франции такие композиторы, как Марк-Антуан Шарпантье, создавали французские ярмарки и оратории, а вундеркинд Элизабет Жаке де Ла Герр писала сложные клавесины. В Германии Генрих Шютц и Иоганн Герман Шейн представили ряд новых музыкальных стилей. Самуэль Шейдт, а позже Иоганн Пахельбель и Дитрих Букстехуде имели большой успех в органной музыке, как в геологических ярмарках, так и в мирских токкатах и фантазиях.

Поздний бар имел огромное развитие специальной инструментальной музыки. При Иоганне Себастьяне Бахе и токката, и сустав, и отчасти воображение дали значительное развитие и популярность. Георг Фридрих Гендель особенно разработал оперу и оратории, Георг Филипп Телеман разработал концерты, комическую оперу и ряд других тем, Антонио Вивальди и Томазо Альбинони сыграли решающую роль в дальнейшем развитии сонаты и сольного концерта, Жан-Филипп Рамо разработал опера во Франции и Италии, а Доменико Скарлатти и Франсуа Куперен вместе с Телеманом помогли заложить основу галантного стиля, последовавшего за барокко. Галантный стиль и классицизм восстали против сложного стиля барокко и хотели веселой музыки с простой басовой походкой и более мирской направленностью.

Музыка раннего барокко (1600-1630)
Раннее барокко претерпело ряд музыкальных изменений. Переход от эпохи Возрождения произошел быстро с упором на гомофонный стиль песен, в котором тексты можно было легко расслышать. Именно тогда была создана опера, таким образом, пение и театр впервые были связаны друг с другом. В этот период опера предназначалась в основном для знати, тогда как в следующий период барокко ее исполняли все чаще и чаще для большинства людей. Вскоре после оперы появилась оратория. Это было похоже на оперу, но в ней было гораздо меньше театральных особенностей. Третьим стилем песни была кантата, также во многом барочная. Первоначально в нем не было пьес, а был хор с солистами и какое-то пояснение между произведениями.

Еще одним важным отличием ранней казармы от эпохи Возрождения было также то, что с барокко началось появление инструментальной музыки и увеличение числа музыкантов в музыкальном ансамбле. Это снова вызвало серьезные изменения в музыке, в том числе создание общего баса, импровизированного басового зала с определенными аккордами в специальных местах и переход от ладовой музыки к тональной. Органная музыка в Нидерландах и Германии также явно произошла от эпохи Возрождения. Таким образом, музыка барокко предъявляла более высокие требования к инструментам, музыкантам и оркестрам. Он также был более продвинутым, чем предыдущая музыка, в отношении хроматики, гармоники, контрапункта и множества техник, отличных от музыки эпохи Возрождения.

Инструменты были такими же, как и в эпоху Возрождения, но некоторые из них, такие как скрипка, стали более важными. Также учитывалось характерное звучание инструментов, поэтому вы хотели писать мелодии на основе звучания инструмента и использовать характерное звучание инструмента для изображения настроения или событий. Кроме того, музыка также все чаще писалась в ритмах с тактикой и строками, так что становилась более предсказуемой.

Ранние инструменты Инструменты
Хотя скрипка существовала уже давно, именно в начале 1600-х годов она использовалась в «серьезной» музыке, такой как оперы и балеты. Так она конкурировала с игрой, которой до сих пор отдавали предпочтение. Игра принадлежала семейству, в которое также входили басовая скрипка и контрабасовая скрипка. Последние два, возможно, были предшественниками сегодняшнего контрабаса. Другими инструментами в строгом семействе были французские карманы, своего рода «карманная беллетристика» без форм и dreielire, которые использовались в начале.

Было несколько струнных инструментов, обычно в вариациях, таких как арфа, лютня, мандолина и цистерна. В духовых инструментах широко использовался сакбат, предшественник тромбона. Лютте в основном предназначалась для французской музыки, в то время как теория имела большее значение в Италии.

Skalmeien, который разрабатывался с момента его появления в Европе в 700-х годах, в течение следующих девятисот лет получил полностью теноровую и басовую версию. Скальмейен был инструментом с двумя лезвиями и, таким образом, был больше похож на обо, чем на кларнет. Это было отправной точкой для барочного боба, появившегося в середине 1600-х годов. Кроме того, использовались роговая крошка, цинк, поперечное течение и блок-флейта. Также использовались ударные инструменты, такие как пауке и табу. Одним из наиболее часто используемых инструментов, особенно в басовом голосе, были ключи для маленьких комнат и цембало для комнат среднего размера. Большие помещения были в основном церквями, с использованием трубопроводов.

Музыкальное развитие
Переход от ренессансной музыки к барочной был одним из главных нарушений западной музыки. Традиционным стилем песни, prima pratica, была вокальная полифония эпохи Возрождения (много мелодий одновременно) с переплетенными мелодическими линиями. Новый стиль, seconda pratica, подчеркивал соло, четкий текст, различал мелодию и басовую партию и проявлял интерес к выразительной гармонии. Однако переход от полифонии к гомофонии произошел в значительной степени в песне, а не в инструментальной музыке, где полифония была важна на протяжении всего барокко.

Различие между первой и второй практикой было определено Клаудио Монтеверди и его братом Джулио Чезаре между 1605 и 1607 годами в ответ на критику Джованни Марии Артузи с 1600 года по поводу «ненужного» нарушения Монтеверди правила созвучия и диссонанса. Монтеверди ответил, что в первом стиле в тексте преобладала музыка, а в другом — наоборот. Монтеверди знал, что вторая практика не заменяет первую, а является альтернативой.

Одним из наиболее важных нововведений раннего барокко был общий бас. Общий бас представлял собой басовый голос, часто играемый двумя инструментами, такими как клавесин и виолончель. Список для общего баса был ограничен аккордами, которые можно было играть время от времени, но между аккордами была свободная мелодическая импровизация. Наличие общего баса, который остался на месте, также обеспечило большую импровизацию для инструментов мелодии.

Тональность тоже была важна. В эпоху Возрождения в основном использовалась ладовая гамма, основанная на средневековой церковной музыке. Однако развитие барокко в музыке стало настолько требовательным, что сама по себе модальная гамма была недостаточно хороша. Вскоре после 1600 года произошел переход к тональной музыке, которая открылась для большей мелодической свободы, в том числе и для диссонанса.

Другим музыкальным событием раннего барокко была аффективная теория, идея о том, что музыка может воссоздавать эмоции. Здесь некоторые чувства были стилизованы, так что смелость, высокий тон и высокий темп символизировали радость, а печаль была глубокой. Медленный темп и тупость, часто с диссонансами и другими эмоциями, символизировались комбинациями мелодии, темпа, инструментовки и тональности. Особенно Монтеверди развил это в своих операх и мадригах.

Уже в середине 16-го века романтика хорошо использовалась в Венеции, но именно в начале барокко, с Джованни Габриэли и несколькими, она начала развиваться. Габриэли писал специальные сонаты и был первым, кто последовательно использовал термин о музыкальных произведениях без песни. Единственные сонаты были далеко не так развиты, как в классицизме, они открывались для того, чтобы композитор мог определить степень силы инструментов. Габриэли особенно экспериментировал с инструментами, играющими в диалоге друг с другом, обе группы инструментов друг против друга, как струны против медных духовых инструментов, и группы внутренних духовых инструментов или струны друг против друга.

Развитие оперы
Опера была обнаружена в начале эпохи барокко, но, возможно, была вдохновлена пасторальными драмами, мадригалами и промежуточными вещами, все три из которых представляют собой смесь драмы и музыки. Кроме того, гуманисты, такие как Джироламо Мей, которые понимали, что греческие пьесы исполняются целиком, важны для идеи, лежащей в основе оперы. Идеи Майзе обсуждались в кругу академически заинтересованных людей вокруг графа Барди под названием Camerata Fiorentina.

Разговор шел о том, как мелодично исполнять стихи, пьесы и пьесы. В эпоху Возрождения Мадригалы упоминались и ранее, но эти песни были полифоническими, и слушателям было трудно следить за действием. В Camerata Fiorentina были написаны монодии, песни для певческого голоса с одиночным аккомпанементом, часто на сцене, на гитаре, клавесине или органе. Имея всего одну песню, стало легче следить за действием. Кроме того, фраза должна следовать содержанию текста таким образом, чтобы короткие ноты и высокие тона характеризовали откровение, а длинные тона и низкий голос — более спокойное настроение. Во-первых, именно Винченцо Галилей и Джулио Каччини написали монодии, а последний в значительной степени их развил. Моноды исчезли в конце периода раннего барокко, но после распространились во многие другие европейские страны и вдохновили их на создание подобных песен.

Тем не менее, монодии были певцами-одиночками, и интересующиеся музыкой флорентийцы обсуждали возможность завершения целой серии последовательных монодиев. Даже после того, как Барди переехал в Рим, дискуссия продолжалась. Якопо Пери написал первые попытки оперы с Дафной (не сохранилась) в 1598 году и Эвридикой в 1600 году. Пери также изобрел речитатив, напев слов, которые рассказывали историю и связывали воедино монодии (в конечном итоге «арианцы»). В основе резитативов лежала широко распространенная теория о том, что древние греки исполняли свои стихи наполовину напевая.

Опера начиналась экспериментально, но именно с Клаудио Монтеверди опера нашла свое место. В своей опере «Орфей» Монтеверди понимает баланс между текстом и музыкой в двух практиках, представленных в опере. Он разместил музыкантов как позади, так и перед сценой, а также на паже. В дополнение к такому большому оркестру, насчитывающему до 40 музыкантов, музыка частично характеризовалась диссонансом, удивительными аккордами и сознательным использованием звуковых красок. Монтеверди использовал тромбоны, что было необычно для мирской музыки того времени, чтобы создать ощущение андеграунда, а флейты создавали более пасторальную тему. Оркестр также играл более активную роль во время resitatives, где они аккомпанировали всему оркестру, часто драматически, чтобы усилить эмоции.

Монтеверди написал несколько опер. Уже на следующий год пришла L’Arianna, которая почти не сохранилась. Затем нет известных опер от него до Il ritorno d’Ulisse 1640 года. Во Флоренции также не было опер в стиле раннего барокко, хотя некоторые пьесы действовали в спектакле. Франческа Каччинис Освобождение Roggiero dall’isola d’Alcina с 1625 года имело ряд музыкальных характеристик оперы для Монтеверди и его современников, включая арии, resitatives, хор и вступительную информацию, но называлось балетом. Несколько позже Рим стал столицей оперы, где сольные концерты стали менее мелодичными, а Овен сохранил свой мелодичный стиль. Также в Риме кастраторы пели женские песни. В Риме, среди прочих, Стефано Ланди был активным оперным композитором. Он написал обе оперы на религиозную и комическую тему, обычно в то же время, что и в Il Sant ‘Alessio, или на пасторальную и греческую мифологическую тему, как в La Morte d’Orfeo.

К концу периода в Германии появилась также форма оперы. Так же, как и в Италии, первая опера называлась Дафне (1627 г.), но, возможно, это была светская кантата. Считается, что она была написана Генрихом Шютцем, но позаботились только о либретто.

Оратории и кантаты
Сразу после того, как опера стала распространяться, распространились и ориентировщики. Оратории были вдохновлены религиозными мадригалами и религиозными текстами лауди на повседневном языке. Ораториум (= молитвенный дом) представлял собой представление христианского текста или послания, чаще всего напоминавшее оперу тем, что в нем были резитативы, кресты и танцы, но в нем также был рассказчик, который читал библейские тексты, на которых основывалось действие. Однако на оратории повлияла мирская музыка, а поскольку в операх также были религиозные темы, разница иногда заключалась в том, что у ораториев не было сценографии. Эмилио де Кавальери, также активно участвовавший в появлении оперы, написал то, что считается первой ораторией La rappresentazione di anima e di corpo («Подготовка души и тела»). Как и в случае с оперой, в Германии появились варианты ораторий. Опять же, Генрих Шютц написал первый немецкий кейс «История воскресения» в 1623 году. В Германии «история» использовалась в отношении музыкальной формы, а термин «оратория» не встречался до 1640 года9.0003

Кантаты тоже прибыли рано. В основном это были преступления, основанные либо на светских, либо на религиозных текстах. Мирские кантаты развились из религиозных. Религиозная композиция содержала инструментальное вступление, отдельные арии и резититив, коралловые секции и части, в которых прихожане участвовали в песне. Этот кантат впоследствии стал хитом среди немецких композиторов, таких как Иоганн Себастьян Бах.

Другая церковная музыка
Помимо кантатов, мадригалов и ораторий существовали и другие религиозные мелодические жанры. Одним из них были французские аналоги. Мотеты были счастливы разделить prima pratica и, таким образом, вдохновлены эпохой Возрождения, в первую очередь Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Жоскеном де Пре и Орландо ди Лассо. Поэтому у них музыка была доминирующей над текстом. Алессандро Гранди использовал противоположности, вдохновленные монодиями, и, таким образом, мотеты стали ближе к secondo prattico, поскольку мелодия стала менее доминирующей, а голос стал больше впереди. Этот микс особенно показал Гранди, когда он был вдохновлен сольными бунтами, резитативом и лирическими ариями.

Джироламо Фрескобальди доминировал в инструментальной музыке. Он стал органистом в церкви Святого Петра в 25 лет и создал ряд произведений для фортепианных инструментов, предпочтительно для органа. Он написал toccataer, capricioer и ricercaros для клавесина и органа, чаще всего в церковном контексте. Фрескобальди был наиболее известен своим языком тонов, который характеризовался напряжением между модальностью и преобладающими тонами мажор / минор. Это означало, среди прочего, что он много играл на хроматических инструментах, но его также интересовали гармонические инструменты.

Также в Германии происходило музыкальное развитие, и, среди прочего, Михаэль Преториус определил музыкальный переход своими кораллами и особенно своей теоретико-музыкальной Syntagma Musicum. Было особенно трое его потомков, Генрих Шютце, Иоганн Герман Шейн и Самуэль Шейдт, которые в значительной степени представили музыку барокко в Германии. Трое, часто называемые «тремя S-эрами», известны друг другу и Преторию.

Из них особенно Сэмюэль Шейдт написал органную музыку. Шейдт изучал органную технологию у признанного чемпиона по органам Яна Питерсоона Свелинка. Scheidts Tabulatura nova 1624 года считается первой важной немецкой коллекцией органов. Шейдт использовал общее развитие баса и звука, а кроме того, он написал контраст в мелодии. Шейдт был особенно активен в фантазийных произведениях, и его органная музыка имела большое значение для развития органной музыки Северной Германии в то время.

Иоганну Герману Шейну удалось смешать современные и итальянские традиции с немецкими коралловыми традициями. Среди прочего, он добавил к певческим голосам декоративную песню и разделил фразы на разные голоса, так что лютеранская церковная музыка развивалась. Он также добавил в более поздних работах сольные инструменты и противопоставил сольные партии и партии со всеми i. Эти произведения, оба названные Opella nova, долгое время устанавливали стандарты церковной музыки среди протестантских композиторов.

Генрих Шютц, вероятно, был самым влиятельным из трех. Будучи учеником Джованни Габриэли и посетив Монтеверди, он многое узнал об использовании звука и голоса для получения наилучшего сообщения. Он заимствовал основные оркестровки Габриэли, например, в таинстве Псалма Давида и Cantion, обе религиозные песни на немецком и латинском языках соответственно. Шютц также писал оперы и оратории, но держался подальше от чистой инструментальной музыки. Шютц продолжал развивать церковную музыку далеко за пределами этого периода. Шютц прославился своей способностью использовать несколько коров, как это делал Габриэлли, и настраивать коров друг против друга или солистов против хора. Это означало, что он создавал драматические переживания, чтобы выделить текст. Таким образом, Шютца можно смело поместить во вторую практику.

Источник из Википедии

Что такое барочная музыка? А что такое «Ранняя музыка»?

Изображение: Джованни Баттиста Гаулли, Триумф имени Иисуса , 1661–1679, фреска на лепнине, потолок Кьеза дель Джезу (Рим), фотография ЛивиоАндронико; лицензия здесь

ПЕРЕХОД К «РАННЕЙ МУЗЫКЕ»

Музыка барокко

Самый простой способ описать музыку барокко — дать ей временные рамки: это была классическая музыка (точнее, «западная» классическая музыка, имеющая в виду европейскую, а не Азия), составленный примерно между 1600 и 1750 годами.

Но музыка в стиле барокко — это гораздо больше. Он видел рождение инструментов и музыкальных стилей, пережил войны и знаменитых королей. Он также претерпел много изменений: 150 лет — это большой срок.

Начало музыки барокко

В начале периода барокко мы встречаем таких композиторов, как Клаудио Монтеверди (1567–1643), Джулио Каччини (1551–1618) и Якопо Пери (1561–1633). Они помогли перейти от того, что называлось «prima pratica», или «первой практикой» (то есть «старой» музыкой), к «seconda pratica», или «второй практике» (то есть «новой» музыке). В основном они сделали это, изобретя новые жанры монодии и оперы.

Возможно, вы не знаете этого слова, но вы уже знакомы с концепцией монодии: соло-певец с аккомпанементом. (Партия «моно» означает «один».) В эпоху барокко этим аккомпанементом был бассо континуо, что я вскоре объясню.

Хотя вы, возможно, не знали о монодии, вы, вероятно, do имеете общее представление о том, что такое опера — она похожа на пьесу, в которой сюжет разыгрывается, но поется, а не произносится. И опера, и монодия были изобретены примерно в 1600 году, поэтому мы считаем, что это начало периода барокко.

Бассо континуо

Еще одним музыкальным изобретением, появившимся примерно в 1600 году, был бассо континуо.

Бассо континуо — инструмент, который может играть три или более нот одновременно (в данном контексте называемый «аккордовым» инструментом), такой как клавесин или орган, к которому (обычно) присоединяется один или несколько инструментов с низким звучанием. которые играют только одну ноту за раз, как виолончель или фагот. Они оба читают басовую партию, которая в данном случае представляет собой единую музыкальную партию, которая является самой низко звучащей частью музыкальной композиции, а аккордовый инструмент импровизирует аккорды поверх басовой партии на основе чисел, написанных в части, называемой « фигуры».

Если вы хотите узнать больше о basso continuo, прочтите мою запись в блоге на эту тему.

Basso continuo был невероятно важен в период барокко и был частью почти каждого произведения барокко. Это один из определяющих элементов музыки барокко, просуществовавший на протяжении всей эпохи.

Клаудио Монтеверди, Якопо Пери и Барбара Строцци

Раннее и позднее барокко

Период барокко можно разделить на раннее и позднее барокко. Раннее барокко длилось примерно с 1600 по 1700 год, а позднее барокко, также называемое «высоким барокко», — примерно с 1700 по 1750 год. (Есть также некоторые, кто делит барокко на раннее, среднее и позднее с такими датами, как 1580–1630, 1630–1680 и 1680–1750 соответственно.)

Раннее барокко

Помимо Монтеверди, Каччини, и Пери, раннее барокко также включало таких композиторов, как Джироламо Фрескобальди (1583–1643), Генрих Шютц (1585–1672), Барбара Строцци (1619–1677), Жан-Батист Люлли (1632–1687) и Генри Перселл ( c 1659–1695). (Люлли и Перселл считаются средним барокко по трехголосной системе.) Все они писали музыку для различных сочетаний инструментов и голосов, каждый со своим уникальным звучанием и национальным колоритом (Фрескобальди и Строцци были итальянцами, Шютц — немцем, Люлли — француз, а Пёрселл был англичанином).

В эпоху барокко музыка из разных стран имела разные характеристики, причем итальянская и французская музыка имели два самых разных стиля. Музыка итальянского барокко часто была виртуозной, т.е. кричащая и трудная для исполнения — и полная неожиданных гармоний (т. е. комбинаций нот, которые могут звучать намеренно «неправильно»), в то время как французская музыка была более утонченной и изящной.

Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фридрих Гендель

Позднее барокко

В эпоху позднего барокко был большой интерес к попыткам «воссоединить» разные музыкальные стили. Композиторы позднего барокко, такие как Франсуа Куперен (1668–1733), Антонио Вивальди (1678–1741), Жан-Филипп Рамо (1683–1764), Иоганн Себастьян Бах (1685–1750), Георг Фридрих Гендель (1685–1759), и Доменико Скарлатти (1685–1757) часто интересовались сочетанием элементов разных национальных стилей или написанием произведений в стилях других графств.

Композиторы позднего барокко также часто интересовались контрапунктическими текстурами, т.е. музыка с несколькими «поющими» строками, а не музыкальные строки, которые часто прыгают или не являются непрерывными. Музыка позднего барокко также часто была очень сложной, имела богатые гармонии и определенные формальные структуры.

Период барокко подошел к концу и перешел в классическую эру, когда снова стали популярными музыкальные текстуры, подчеркивающие мелодию и аккомпанемент, а не контрапункт. Это началось в 1730-х годах, но конец периода барокко обычно приходится на 1750 год, потому что именно в этом году умер Иоганн Себастьян Бах.

Натюрморт с музыкальными инструментами и книгами (середина 17 в.) работы Бартоломео Беттера (1639–1699)

Старинная музыка

«Раннюю музыку» одновременно легче и сложнее определить, чем музыку барокко.

Старинная музыка как временная рамка

«Ранняя музыка» определить легче, поскольку она традиционно означает музыку барокко и предшествующие ей музыкальные периоды, то есть эпоху Возрождения (примерно 1400–1600 гг. ) но после «античной древности» [времен Древнего Рима и Древней Греции]) эпох. «Ранняя музыка» также иногда включает классический период (примерно 1750–1800 гг.) классической музыки, пришедший после барокко.

Старинная музыка в сравнении с исторической практикой исполнения

Но определение «старинной музыки» также сложнее, потому что она переплелась с так называемой «исторической исполнительской практикой», также называемой «исторически обоснованным исполнением» или HIP. Историческая исполнительская практика относится к движению 20-го и 21-го веков (иногда называемому «движением старинной музыки») за возрождение оригинальных инструментов и методов игры, использовавшихся в периоды времени, предшествующие нашему.

Если вы хотите узнать больше об оригинальных инструментах эпохи барокко, также называемых «старинными инструментами», ознакомьтесь с нашим Путеводителем по инструментам эпохи барокко.

Принципы исторической исполнительской практики обычно применяются к музыке периодов Классики, Барокко, Ренессанса и Средневековья.