Расскажите когда и где возник импрессионизм почему это направление: ОТВЕТЬТЕ НА ВОПРОСЫ 1. Когда и где возникло направление в искусстве импрессионизм? 2. Что

ОТВЕТЬТЕ НА ВОПРОСЫ 1. Когда и где возникло направление в искусстве импрессионизм? 2. Что

1. Импрессионизм(impressionism, франц. impression-впечатление)-это направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. и во многом определившее искусство XIX века.
2. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить «впечатление» от того, что глаз видит в конкретный момент.

Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар — очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных проблем, философии или эпатажу в творчестве, сосредотачиваясь только на различных способах выражения впечатления окружающей повседневности. Стремясь «увидеть мгновение» и отразить настроение.
3. Клод Дебюсси(22 августа 1862-25 марта 1918)-признанный глава и ярчайший представитель музыкального импрессионизма, французский композитор.

4. В России Клод Дебюсси имел возможность познакомиться с такими русскими классиками и современниками, как Николай Андреевич Римский-Корсаков, Модест Петрович Мусоргский, Александр Порфирьевич Бородин.
5. Клод Дебюсси писал произведения для разных инструментов. В 1915 году Клод Дебюсси задумал цикл произведений под названием «Шесть сонат для разных инструментов», однако написать композитору удалось из задуманных только три: сонату для виолончели и фортепиано(1915г), сонату для флейты, альта и арфы(1915г) и сонату для скрипки и фортепиано(1916-1917гг).
P.S. сомневаюсь в ответе на 5 вопрос, остальное правильно

30. Расскажите о живописи импрессионистов и их влиянии на современную живопись.

зародился во второй половине 19 века. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма —движущийся, эфемерный, ускользающий мир, поэтому акцент — на уходящее мгновение, и на текущий момент настоящего. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию. Импрессионисты — пионеры и основоположники современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений.

В стиле импрессионизма писали Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. Американская ветвь импрессионизма включает таких художников, как Джон Сингер Сарджент и Альфред Морер. Особым уважением французских импрессионистов пользовался американский художник Джеймс Уистлер. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; пейзажи в духе импрессионизма писал и К. Малев.

Неоимпресионизм (пуантилизм)

Неоимпрессионизм — течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г.

Для передачи своего впечатления об изображаемом объекте художники-неоимпрессионисты использовали особый стиль письма, при котором чистые, не смешиваемые на палитре краски, наносились мелкими мазками прямоугольной или круглой формы. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем с дальнего расстояния или в уменьшенном виде и придает картинам особое очарование.

Постимпрессионизм — общий термин, охватывающий вид искусства, которое одновременно и принимает и отвергает некоторые принципы импрессионизма. Начало постимпрессионизма совпадает с кризисом импрессионизма в 80-х гг. XIX века.

Почти все постимпрессионисты ранее примыкали к импрессионизму. Постепенно художники стали искать новые средства для выражения не сиюминутного и преходящего в жизни — фиксации одного мгновения, что свойственно импрессионизму, а для воплощения неких длительных состояний прекрасного — духовных и материальных.

Иногда к этому направлению в живописи относят неоимпрессинизм в качестве течения. К постимпрессионизму относят творчество таких художников, как де Тулуз-Лотрек, Сезанн, Ван Гог и Гоген.

31. Появление плэнерной и пейзажной живописи.

Пленэр (от французского plein — открытый воздух)

Термин, используемый в живописи для обозначения отражения в картине всего широкого разнообразия перемен в цвете под влиянием солнца и окружающий атмосферы.

Пленэрная живопись возникла как следствие работы живописцев на открытом воздухе, в условиях естественного освещения, что давало возможность наиболее точно и полно воспроизвести окружающую действительность, в первую очередь природу. Обычно термин употреблялся по отношению к пейзажу, хотя может относиться к любому изображению на открытом воздухе.

Пленэр появился в начале XIX века в Англии благодаря Джону Констеблю и Ричарду Парксу Бонингтону. Пленэрная живопись становится основой эстетики художников, для которых свет и воздух приобретают самостоятельное значение и чисто живописный интерес. Сам предмет сознательно не прорисовывается, почти не выражается в конкретных силуэтах или вовсе исчезает.

Эта техника пользовалась большой популярностью у французских импрессионистов (именно тогда пленэр как термин получает широкое употребление). Такие художники, как Жан-Батист Камиль Коро («Пейзаж в Арле-дю-Нор»), Жан-Франсуа Милле («Собирательницы хвороста»), Камиль Писсарро («Бульвар Монмартр ночью»), Пьер-Огюст Ренуар («Тропинка в высокой траве») и Клод Моне («Бульвар капуцинок в Париже») не в последнюю очередь внесли свой вклад в становление пленэрной живописи.

В России во 2-й половине XIX — начале XX века пленэрной живописью успешно занимаются Василий, Исаак Левитан, Валентин, Константин Коровин, Игорь Грабарь.

Благодаря пленэру краски стали изготавливать в тубах.

Пейзаж. Это понятие можно определить как жанр станковой живописи, в котором главным изображаемым предметом является природа – естественная или измененная человеком.

Как и любой другой объект изображения, пейзаж в искусстве всегда выражает идеалы художника, его отношение к миру, его творческие принципы. Многовековая история пейзажного жанра, так же как и любого другого, связана с развитием общественного сознания, с борьбой направлений в искусстве, с национальными особенностями художественных школ.

Если в прошлые времени, при господстве академизма, пейзаж относился к «низкому» (второстепенному) жанру живописи, то, особенно начиная с импрессионистов и поныне, это направление представлено в творчестве многих художников и пользуется непреходящим интересом любителей живописи.

Элементы пейзажа можно обнаружить уже в наскальной живописи. В эпоху неолита первобытные мастера схематично изображали на стенах пещер реки или озера, деревья и каменные глыбы.

В искусстве Древнего Востока и Крита пейзажный мотив — довольно часто встречающаяся деталь настенных росписей.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в 6 веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ.

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Большую роль в формировании пейзажной живописи сыграли европейские миниатюристы. Братья Лимбург — создатели очаровательных миниатюр к часослову герцога Беррийского. Эти изящные и красочные рисунки, рассказывающие о временах года и соответствующих им полевых работах и развлечениях, показывают зрителю природные ландшафты, выполненные с мастерской для того времени передачей перспективы.

Ярко выраженный интерес к пейзажу заметен в живописи Раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство, загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека

Значительный шаг вперед по пути развития пейзажной живописи сделал швейцарский художник 15 века Конрад Виц, показавший в своей композиции на религиозный сюжет конкретную местность — берег Женевского озера.

Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие художники стали внимательно изучать натуру,обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж, представленный как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы, ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане.

Несмотря на столь явный прогресс, вплоть до 16 столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером тому является знаменитый портрет Моны Лизы, написанный Леонардо да Винчи.

В небольших по своим размерам картинах нидерландского мастера И. Патинера и немецкого художника А. Альтдорфера пейзаж начинает господствовать над сценами, показанными на переднем плане.

Многие исследователи именно Альбрехта Альтдорфера считают родоначальником немецкой пейзажной живописи. Маленькие человеческие фигурки на его полотне “Лесной пейзаж с битвой св. Георгия”

В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником, придававшем пейзажу огромное значение, стал Джорджоне, работавший в начале 16 столетия. Природа является главным персонажем его картины “Гроза”. Пейзаж на этом полотне — уже не столько среда, в которой живет человек, сколько носитель чувств и настроений. Джорджоне оказал значительное влияние на Тициана, позднее возглавившего венецианскую школу. Тициан сыграл большую роль в формировании всех жанров европейской пейзажной живописи.

Традиции венецианской школы нашли отражение в живописи испанского художника Эль Греко. Среди самых известных картин мастера — пейзаж “Вид Толедо. Эль Греко очень эмоционально и живо передает природу в момент грозы.

Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами.

В 17 веке появилось множество национальных школ, сформировались новые жанры и их разновидности. Это время было весьма удачным для дальнейшего развития пейзажного жанра.

Традиции Брейгеля в области пейзажной живописи подхватили представители голландской школы.

На 17 век приходится необычайный расцвет голландской живописи и всех ее жанров, наиболее распространенным из которых становится пейзажный.

Голландские пейзажисты смогли запечатлеть на своих полотнах всеобъемлющую картину мира во всех его проявлениях. Произведения таких художников, как Х. Аверкамп, Э. ван дер Пул, Я. Порселлис, С. де Влигер, А.Г. Кейп, С. ван Рейсдал и Я. ван Рейсдал,

В 17 веке в Голландии получила широкое распространение одна из разновидностей пейзажного жанра — марина. В числе лучших художников-маринистов — В. ван де Велде, С. де Влигер, Я. Порселлис, Я. ван Рейсдал.

Реалистическое искусство Испании, Италии и Франции также сыграло свою роль в развитии пейзажной живописи. В творчестве Диего Веласкеса.

В 17 веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума.

Французский живописец Никола Пуссен, работавший в Италии, стал создателем героического пейзажа. Картины Пуссена, показывающие грандиозность мироздания, населены мифологическими персонажами, героями, воспитывающими в зрителе возвышенные чувства. Он писал произведения с уравновешенной композицией, четко выстраивал пространственные планы, согласно строгим правилам распределял цвета.

В рамках классицизма Клод Лоррен разработал концепцию идиллического пейзажа. Его картины проникнуты духом идеальной гармонии. Художник так умело выстраивает планы — памятники античности, древние руины, деревья с густыми кронами, что на полотне остается достаточно места для передачи широких пространств моря, земли и воздушных далей.

Иной предстает природа на полотнах мастеров барокко. В отличие от классицистов они стремятся передать динамику окружающего мира, бурную жизнь стихий. Так, пейзажи фламандца Питера Пауля Рубенса передают мощь и красоту земли, утверждают радость бытия, вселяя в зрителей чувство оптимизма.

Эмоционально выразительные пейзажи, в которых отразились барочные традиции, создавал итальянский мастер начала 17 столетия Алессандро Маньяско.

В 18 веке широкое распространение получила ведута — разновидность пейзажного жанра, сформировавшегося в венецианской живописи. Свое начало она ведет от городского, или архитектурного, пейзажа, элементы которого появились еще в искусстве Средневековья. Замечательными мастерами ведуты были Франческо Гварди, Антонио Каналетто, Бернардо Беллотто.

В 18 веке дальнейшее развитие пейзажная живопись получила и в искусстве Франции. Антуан Ватто, писал мечтательные сцены на фоне чудесных парков. Его пейзажи, выполненные нежными и трепетными красками, очень эмоциональны, они передают разнообразные оттенки настроения (“Паломничество на остров Киферу”, 1717, Лувр, Париж).

Ярким представителем искусства рококо был французский художник Франсуа Буше, создававший пейзажи, полные чувственного очарования. (“Пейзаж в окрестностях Бове”, Эрмитаж, Санкт-Петербург). У Буше учился другой французский художник, работавший в стиле рококо, — Жан Оноре Фрагонар, чьи красочные пейзажи, пронизанные воздухом и светом, передают свежесть воздуха, тепло солнечных лучей, трепетное движение листвы на деревьях (“Сады виллы д’Эсте”, собрание Уоллес, Лондон).

Новое отношение к природе появилось в искусстве во второй половине 18 столетия. Художники стремились показать зрителю естественную природу, возводимую в эстетический идеал. Многие живописцы, работавшие в этот период, обращались к античности, видя в ней прообраз свободы личности. Величественные руины Древнего Рима воссоздают картины Юбера Робера.

Живопись Верне оказала воздействие на представителей романтического направления, появившегося в европейском и американском искусстве в первой половине 19 века. Ярчайшими представителями романтического пейзажа в Англии были Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер и Джон Констебл, в Германии — Каспар Давид Фридрих.

Красоту простой сельской природы открыли для зрителя французские пейзажисты — представители барбизонской школы: Теодор Руссо, Жюль Дюпре и др. Близка искусству барбизонцев живопись Камиля Коро, стремившегося передать трепетную воздушную среду с помощью валеров. Пленэрные пейзажи Клода Моне, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея отражают глубокий интерес художников к изменчивой световоздушной среде. Произведения импрессионистов показывают не только сельскую природу, но и живой и динамичный мир современного города.

Видоизмененные традиции импрессионистов использовали в своей живописи художники-постимпрессионисты. С позиций монументального искусства представляет величественную красоту и мощь природы Поль Сезанн. Полны мрачного, трагического чувства пейзажи Винсента ван Гога. Солнечные блики на поверхности воды, трепетность морского воздуха и свежесть зелени передают полотна Жоржа Сёра и Поля Синьяка, выполненные в дивизионистской технике.

В XX веке к пейзажному жанру обращались представители самых различных художественных направлений. Яркие, напряженно звучные картины природы создавали фовисты: Анри Матисс, Андре Дерен, Альбер Марке, Морис Вламинк, Рауль Дюфи и др.

Кубисты (Пабло Пикассо, Жорж Брак, Робер Делоне и др.) выполняли свои пейзажи с помощью расчлененных геометрических форм. Пейзажный жанр интересовал художников-сюрреалистов (Сальвадор Дали) и абстракционистов (Василий Кандинский, Хелен Франкенталер), писавших декоративные композиции, в которых главное — впечатление непосредственной импровизации в передаче образов природы.

Признанными мастерами пейзажной живописи в XX веке оставались и представители реалистических направлений (Рокуэлл Кент, Джордж Уэсли Беллоуз, Ренато Гуттузо).

Особое место занимает пейзаж в русской живописи. Впервые пейзажные мотивы, переданные схематично, появились в древнерусской иконописи. Фигуры Христа, Богородицы, святых и ангелов на старинных иконах изображались на фоне условного пейзажа, где невысокие холмы обозначали скалистую местность, редкие деревца, породу которых невозможно определить, символизировали лес, а здания, лишенные иллюзорных объемов, представляли собой храмы и палаты.

Первые пейзажи, появившиеся в России в 18 веке, являли собой топографические виды великолепных дворцов и парков. Во времена Елизаветы Петровны был издан атлас гравюр с видами Петербурга и его окрестностей, выполненный по рисункам М. И. Махаева. Но только с появлением произведений Семена Федоровича Щедрина можно говорить о том, что пейзаж как отдельный жанр сформировался в русской живописи. Свою лепту в развитие пейзажа внесли современники Щедрина — М.М. Иванов и Ф.Я. Алексеев. Живопись Алексеева оказала влияние на молодых художников — М.Н. Воробьева, С.Ф. Галактионова, А.Е. Мартынова, посвятивших свое искусство Петербургу: его дворцам, набережным, каналам, паркам.

М.Н. Воробьев воспитал целую плеяду замечательных пейзажистов. В их число входили братья Г.Г. и Н.Г. Чернецовы, К.И. Рабус и др. Ряд чудесных литографических акварельных пейзажей с видами окрестностей Петербурга выполнил А.П. Брюллов, брат знаменитого К.П. Брюллова, позднее ставший архитектором. Но произведения этих мастеров тускнеют рядом с картинами Сильвестра Феодосиевича Щедрина, запечатлевшего на своих полотнах яркую красоту итальянской природы.

К середине XIX века в русской пейзажной живописи сформировались определенные принципы эстетического восприятия природы и приемы ее отображения.

От школы Воробьева идут романтические традиции, воспринятые его учениками. Среди них — рано умерший М.И. Лебедев, Л.Ф. Лагорио и И.К. Айвазовский, главной темой искусства которого было море. Особое место в русской живописи занимает творчество А.К. Саврасова, ставшего основоположником национального лирического пейзажа. Саврасов оказал воздействие на своего ученика и друга — пейзажиста Л.Л. Каменева.

Параллельно с лирическим направлением в русской пейзажной живописи развивался эпический пейзаж, ярким представителем которого был М.К. Клодт, стремившийся к созданию пейзажа-картины, представляющей зрителю целостный образ России.

Во второй половине XIX века серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как И.И. Шишкин, Ф.А. Васильев, А. Куинджи, А.П. Боголюбов, И.И. Левитан.

Традиции лирического левитановского пейзажа были подхвачены работавшими на рубеже XIX-XX столетий живописцами И.С. Остроуховым, С.И. Светославским, Н.Н. Дубовским.

Пейзажная живопись XX века связана с именами И.Э. Грабаря, А.А. Рылова, К.Ф. Юона. В духе символистского искусства создавали свои пейзажи П.В. Кузнецов, Н.П. Крымов, М.С. Сарьян, В.Э. Борисов-Мусатов.

В 1920-е годы получил развитие индустриальный пейзаж (интерес к этой разновидности пейзажного жанра особенно заметен в творчестве М.С. Сарьяна и К.Ф. Богаевского).

Выразительные и впечатляющие образы родной природы создавали также пейзажисты Г.Г. Нисский, С.В. Герасимов, Н.М. Ромадин и др.

Биография Дебюсси и Равеля — Docsity

КЛОД ДЕБЮССИ И МОРИС РАВЕЛЬ Клод Дебюсси (1862 – 1918) – франц. композитор, пианист, музыкальный критик, выдающийся мастер звуковой живописи, основоположник музыкального импрессионизма. Морис Равель(1875 – 1937) – французский композитор, младший современник и последователь Дебюсси. Сохранив в своем творчестве преданность классическим традициям, он сумел создать своеобразный стиль письма, отличающийся смелостью исканий, яркой оригинальностью. Сам Равель в 1933 году писал: «Я всегда искал вдохновение в творчестве великих мастеров, и моя музыка в своей основе опирается на традиции прошлого и вырастает из них». Творчество двух крупнейших композиторов К. Дебюсси и М. Равеля – самое значительное явление во французской музыке на рубеже ХIX – XX столетий. Художественная жизнь Франции последней четверти ХIX столетия отличалась поразительной пестротой и контрастами. С одной стороны, появление гениальной «Кармен» – вершины реализма во фр. опере, целого ряда глубоких по замыслу, художественно значительных симфонических и камерных произведений Франка, Сен- Санса, Форе, Дебюсси, с другой стороны – утвердившееся господство в музыкальной жизни столицы Франции таких учреждений, как Парижская консерватория, Академия изящных искусств с их культом омертвелых «академических» традиций. Не менее разительный контраст представляет собой распространение в самых широких слоях фр. общества таких демократических форм музыкальной жизни, как массовые певческие общества. Наряду с этим – возникновение крайне субъективного направления во фр. искусстве – символизма, которое отвечало преимущественно интересам верхушки буржуазного общества с их лозунгом «искусство для избранных». В такой сложной обстановке родилось одно из самых интересных, ярких направлений во фр. искусстве второй половины ХIX века – импрессионизм, возникший сначала в живописи, затем в поэзии и музыке. В изобразительном искусстве это новое направление объединило художников весьма своеобразного и индивидуального таланта – Э. Мане, К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега, К. Писсаро и др. Художники стали выходить из мастерских на открытый воздух и стали писать непосредственно с натуры. Наиболее характерной чертой их творческого метода стала передача самых непосредственных впечатлений от того или иного явления. Основной темой их творчества стала Франция – её природа, быт и люди: рыбацкие посёлки и шумные парижские улицы, крестьяне и балерины, прачки и рыбаки. Настоящим откровением в полотнах художников-импрессионистов явился пейзаж. Новаторские устремления их раскрылись здесь во всём своём разнообразии и богатстве оттенков и нюансов. На полотнах импрессионистов появились подлинные живые краски природы, ощущение прозрачности воздуха, тончайшая игра светотеней и т.д. В обстановке непрекращающейся борьбы между традиционными и новыми направлениями в живописи и поэзии складывался музыкальный импрессионизм. Он возник также как прямая оппозиция по отношению к устаревшим, но цепко удерживающимся «академическим» традициям в музыкальном искусстве Франции конца прошлого столетия. Первым и наиболее выдающимся представителем этого направления был Клод Дебюсси. Композитором, во многом продолжившим творческие устремления Дебюсси, но в то же время нашедшим Явой оригинальный самобытный путь развития, стал Морис Равель. Их первые творческие опыты встретили такое же недоброжелательное отношение со стороны руководства официальных учреждений – Парижской консерватории, Академии изящных искусств, как и картины художников-импрессионистов. Им пришлось пробивать себе дорогу в искусстве в одиночестве, ибо у них почти не было единомышленников и сторонников. Весь жизненный и творческий путь Дебюсси и Равеля – путь мучительных поисков и счастливых находок, новых тем и сюжетов, смелых экспериментов в области музыкальных жанров и средств музыкального языка. При общности истоков их творчества, художественного окружения оба художника глубоко индивидуальны по своему творческому облику. Это проявилось и в выборе каждым из них определённых тем и сюжетов, и в их отношении к национальному фольклору, и в характере эволюции творческого пути каждого, и во многих важных особенностях стиля. Музыкальный импрессионизм (как и живописный) вырос на почве национальных традиций фр. искусства. Это проявилось у Дебюсси и Равеля в прочных, хотя и не всегда внешне заметных связях с народным фр. искусством, в тесном общении с современной им литературой и живописью. Эти композиторы проявляли интерес к античной культуре. Помимо некоторого влияния фортепианной музыки Листа, поздних опер Вагнера и культовой католической музыки, творчество Дебюсси и Равеля испытало благотворное влияние испанского народного искусства, которое стало для них живительным источником, обогатившим образный строй, мелодику и ладогармонический язык их сочинений. В творчестве художников и композиторов-импрессионистов обнаруживается родственная тематика: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж. Есть общие черты и в художественном методе живописного и музыкального импрессионизма – стремление к передаче первого непосредственного впечатления от явления. Отсюда тяготение импрессионистов не к монументальным, а к миниатюрным формам (в живописи – не к фреске или крупной композиции, а к портрету, этюду; в музыке – не к симфонии, оратории, а к романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре со свободно-импровизационной манерой изложения). Это более характерно для Равеля. У Равеля в зрелом творчестве проявляется особый интерес к крупным инструментальным формам – сонате, концерту, а также к опере и балету. Больше всего живописный импрессионизм повлиял на музыку в области средств выразительности. Так же как и в живописи, поиски Дебюсси и Равеля были направлены на расширение круга выразительных средств, необходимых для воплощения новых образов, и в первую очередь на максимальное обогащение красочно-колористической стороны музыки. Эти поиски коснулись лада и гармонии, мелодии и метроритма, фактуры и инструментовки. Значение мелодии как основного элемента музыки ослабляется; в то же время необычайно возрастает роль ладогармонического языка и оркестрового стиля, в силу своих возможностей более склонных к передаче картинно-образного и колористического начал.

Евпаторийская детская художественная школа им.Ю.В.Волкова

Задание № 1

Тема: Виды изображений в картине.

За многие сотни лет развития человеческой цивилизации в живописи, как виде искусства, сложились разные стили и направления в способе творческого осмысления и написания мастером работ и отображения действительности.

Так . когда мастер наиболее старательно рисует и пишет людей , объекты и предметы, с учетом передачи трехмерного пространства и светотени, приближая изображение к реальной жизни, то такое направление носит название реалистического изображения в живописи..

Но на многих полотнах художников изображение вовсе не похоже на действительность, условно, слишком ярко и плоско, и без учета передачи трехмерного пространства.

Так на иных картинах пейзаж и объекты изображены не реалистично, но условно и могут быть составлены из определенных модулей в виде кубиков или других геометрических фигур, находящихся в неопределенном пространстве. А на иных картинах изображены абстрактные линии и цветовые пятна, трансформированные изображения объектов. В таких изображениях мастер не ставит перед собой задачу реалистического изображения природы и явлений окружающего мира, но, уходя от реального отображения действительности, наоборот специально подчеркивает условность изображения.

За время развития изобразительных видов искусства в живописи написано многие тысячи картин в различных направлениях и стилях.

Для изучения разных направлений в живописи рассмотрим картины великих мастеров, например голландских художников XVII века. Лучшим представителем этой эпохи мастеров был Ян Давидс Де Хем, учился живописи у своего отца и перенял все секреты в написании натюрмортов в стиле реалистической живописи.

Ян Де Хем был одним из известнейших художников в Голландии и получил всеобщее признание своего таланта благодаря своим великолепным изображениям цветов и фруктов и предметов обихода. В своих живописных работах он соединял детальность, в плоть до мельчайших подробностей, в передаче формы изображения и блистательным выбором цветовой гаммы и утончённым вкусом в построении композиции. С каким мастерством написаны все предметы на его полотнах!

Рассмотрим натюрморт мастера под названием «Натюрморт с опрокинутым кубком», написанным холсте масляными красками. Мастерски передана материальность всех объектов в натюрморте: восковый налет на виноградинах и влажные бока устриц, желтая подсохшая кожура лимона, полупрозрачные черешни. Художник обращается к нашему осязанию и вкусу. Но главным в этом натюрморте является опрокинутый столовый прибор-кубок, и центр композиции сконцентрирован на мастерски выписанных всех его деталях. Этот предмет художник ввел в композицию натюрморта для того, чтобы передать «закулисное» присутствие человека и зритель стремится угадать и предположить, что же произошло немногими минутами ранее и почему этот столовый прибор опрокинут ?

Ян Де Хем смог изобразить на кривых плоскостях кубка отражение света из окна и даже рисунок оконного переплета. Все свое мастерство художник сосредоточил на том. чтобы написать предметы такими, какие они бывают на самом деле, их изображение приближено к реальности.

 

Ян Давидс Де Хем, «Натюрморт с опрокинутым кубком», XVII век.

В последующие столетия, на рубеже XIX –XX веков, под влиянием французских художников импрессионистов возникло много иных течений и направлений в живописи, как виде искусства.

Так на натюрмортах французского художника Анри Матисса изображение далеко от реалистического. Знаменитый французский художник и скульптор Анри Эмиль Матисс, лидер течения фовистов, и вовсе не стремился изображать предметы реалистично. Фовизм — это один из первых авангардных стилей. Художники — фовисты отказались от передачи в живописи линейной перспективы и светотени. В молодые годы Анри Матисса и его друзей часто называли «дикими», не признающих устоявшихся традиций в изобразительном искусстве, то есть «фовистами». Мастера живописи- представители направления в искусстве, как «фовизм» смело экспериментировали с цветом на полотне и не боялись необычных колористических решений, стараясь передать цветом личные эмоции. Анри Матисс часто экспериментировал с чувственной составляющей цвета и был известен своими изысканиями в передаче человеческих эмоций через цвет и форму. Так и без того ярко окрашенные предметы на натюрморте Матисс писал еще более преувеличенно интенсивно и его картины представлены композициями из ярких цветовых пятен. Публика неоднозначно реагировала на творчество художников-импрессионистов. Так поэт-сюрреалист Гийом Апполинер говорил, что во Франции сами парижане «готовы забросать камнями одного из наиболее пленительных художников современной пластики» Анри Матисса.

Так в «Натюрморт с голубой скатертью», написанном в 1909 году, ткань безоговорочно становится главным «действующим лицом» и как бы «заплетает» своим энергичным узором всю поверхность картины, а предметы на натюрморте написаны условно, то есть декоративно.

А. Матисс, «Натюрморт с голубой скатертью», 1909год, Эрмитаж.

А. Мтисс, «Испанка с бубном», 1909 год.

Такое изображение на картинах принято называть декоративным.

Пабло Пикассо был художником из Испании, но большую часть жизни прожил во Франции, один из основоположников кубизма в искусстве живописи.

Кубизм- это модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX столетия во Франции. В основе этого направления — кубизма каждый изображаемый трёхмерный объект разложен на простые геометрические элементы и мастер передает все объекты на холсте уже в условном двухмерном измерении.

П. Пикассо, «Скрипка и гитара», 1913 год.

П. Пикассо, «Старый гитарист», 1904 год.

П. Пикассо, «Девочка на шаре»,1905 год.

П. Пикассо написал картину «Герника» в 1937 году по заказу правительства Испанской Республики для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже.

Причиной создания «Герники» Пикассо стала бомбардировка города Страны Басков — Герники. Во время Гражданской войны в Испании на Гернику, этот город страны басков, был совершён вражеский налёт. После налёта город Герника горела долгие трое суток, так как всего в течении трех часов на этот город было сброшено несколько тысяч бомб и город был уничтожен, а более двух тысяч жителей оказались под завалами.

П. Пикассо тяжело переживал эти события, так XX век отличился небывалой жестокостью и массовой гибелью людей в период многочисленных войн.

П. Пикассо, «Герника» в 1937 год.

Жорж Брак был французским художником, скульптором, гравером и представителем фовизма в искусстве живописи. Принято считать фовизм самым первым авангардным стилем ХХ века. Свое название это направление получило в 1905 году и просуществовало всего пару лет, после чего художники, называвшие себя фовистами, углубились каждый в свой стиль.

C помощью максимального упрощения и трансформации форм предметов и ярких насыщенных цветов художники привлекали внимание зрителя к изначальной плоскости холста или листа бумаги, где каждый элемент в живописном пространстве играет определенную роль.

Художника Жоржа Брака так же считают одним из основоположников нового направления в живописи — кубизма. Так, когда мастер живописи Жорж Брак познакомился с уже нашумевшим в выставочных салонах Пабло Пикассо, то художники начали работать вместе с 1909 года, вместе разрабатывая стиль, который будет назван затем кубизмом. Во времена Первой Мировой войны Брак вступил в ряды французской армии и получил серьезное ранение в бою и долгое время восстанавливался после полученной травмы и только в 1917 году он вернулся к изобразительному искусству. За последующие годы восстановления он выработал особенный персональный стиль, которому оставался верен до конца своей жизни.

Среди его ранних работ преобладали пейзажи и в мировое искусство вошли его пейзажные работы, как картина « Дома в Эстаке» 1908 год., однако после начала работы с Пикассо и перехода к стилю « кубизм», Жорж Брак в своем творчестве надолго сосредоточился на написании натюрмортов, как картина “Музыкальные инструменты”, 1908года, где колористический акцент становится серым и зеленым.

Жорж Брак «Дома в Эстаке», 1908 год.

Жорж Брак «Музыкальные инструменты», 1908год.

Клод Моне — его называли вторым Рембрандтом, был величайшим художником конца XIX – начала XX века, известный своими великолепными пейзажными и портретными работами в стиле импрессионизма. За свою творческую жизнь он написал более тысячи картин, наиболее известными стали полотна из серии «Тополя», «Кувшинки», и цикл картин «Руанский Собор», представляющих собой различные виды изображения в зависимости от солнечного освещения и времени суток, где мастер стремился уловить зыбкие изменения, связанные со сменой погоды. Его творчество явное доказательство того, что один и тот же сюжет можно представить по-разному в зависимости от освещения и точки зрения, можно сменить антураж и получится совсем другая картина.

 

Клод Моне, «Кувшинки», 1914-1917 гг.

Клод Мане,«Тополя», 1892год.

Клод Мане, цикл картин «Руанский Собор», 1892-1893 гг.

 

Ярким представителем нового стиля в искусстве Западной Европы был Винсент Виллем Ван Гог, нидерландский мастер-постимпрессионист, художник с трагической судьбой, чьи работы оказали огромное влияние на развитие живописи XX века. В картине позднего периода своего творчества Ван Гог придумал специальную и необычную технику. Так, чтобы показать движение и динамику застывшей ночи, — рисуя луну, звезды, небо, он клал мазки по кругу. Это в сочетании с цветовыми переходами создает впечатление, что свет разливается. Рисование на пленере ночью очаровывало художника. Для Ван Гога цвет и цветовые сочетания-это возможность передать не только все нюансы, но и свое ощущение происходящего. Изображение цвета имело первостепенную важность и экспериментировал с передачей оттенков ночного неба и искусственного освещения, бывшего в то время в новинку. В настоящее время Винсент Ван Гог признан мастером цвета, ярого и бескомпромиссного.

Винсент Виллем Ван Гог «Звёздная ночь», 1889год.

Понятие «состояние живописи в определенную эпоху» определяет представления о деятельности известных и ведущих живописцев в определенный период времени.

В России в 1910 году в Москве состоялась первая выставка авангардистов под таким названием «Бубновый валет», а 12 февраля 1912 года впервые прошел диспут в «О современной живописи» и «О современном искусстве» в Политехническом музее, при попечительстве общества художников.

Общество художников «Бубновый валет» было самым крупным творческим объединением раннего авангарда в России начала XX века, которое просуществовало с 1911 по 1917 годы. Художники этой группы, не придерживались традиций классической академической и реалистической живописи и выступали против идейности в искусстве. На этой конференции русские художники горячо спорили и устроили демонстрацию своих картин, которые публика встречала с искренним смехом, но выслушивала разъяснения докладчика терпеливо. Выступал художник Михаил Ларионов, и выкрикнул: «Французы велики. Бубновые валеты — подражатели их! »

Роберт Рафаиилович Фальк был одним из самых известных художников, самобытно соединивший в своём творчестве пути русского модерна и авангарда.

Р. Р. Фальк, «Пейзаж с парусом», 1912 год.

Известный в начале XX века художник и искусствовед Александр Бенуа, назвал авангардистами компанию художников, слишком уж далеко отошедших от академических норм в изобразительном искусстве живописи.

Александр Бенуа был основателем и главным идеологом объединения художников «Мира искусства». В 1897 году Александр Бенуа приобрёл известность благодаря серии написанных им акварелей под названием «Последние прогулки Людовика XIV», выполненных художником под впечатлением после поездки в Париж и в Версаль. Затем некоторые картины с этой выставки были приобретены русским известным коллекционером П. М. Третьяковым. Александр Бенуа отдал немало душевных сил и времени работе в станковой живописи, но его лучшие произведения выполнены для искусства книги и живописи театра.

А. Бенуа. «Прогулка короля», 1906 год.

Вместе с деятелем искусства Сергеем Дягилевым, он пропагандировал новое русское искусство. В 1908—1911 годах — Александр Бенуа стал художественным руководителем «Русских сезонов» С. П. Дягилева, прославивших за рубежом российское балетное искусство.

Одним из ярких представителей абстрактной живописи в России начала XX века был Казимир Малевич, так и не получивший академического художественного образования. В молодости Малевич работал простым чертежником при железной дороге в Курске, но всегда мечтал уехать в город Москву и заниматься творчеством. Несколько раз он пытался поступить в Московское училище живописи, но в приеме ему отказывали. Он примыкал к многим творческим союзам живописцев и наконец ему предложили участие в молодежных выставках авангардистов. Через некоторое время Малевич участвовал в 1910 году в первой выставке художественного объединения «Бубновый валет», а через несколько лет присоединился к петербургскому творческому объединению русских авангардистов «Союз молодежи». Каземир Малевич входил в группу молодых неопримитивистов «Ослиный хвост» и участвовал во многих эпатажных акциях.

В своем творчестве полностью отказался от изображения предметов и объектов реального мира и выполнял абстрактные произведения в придуманном и разработанном им стиле под названием супрематизм. Основы супрематизма Малевич описал в брошюре «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм», где провозглашал переход «к новому живописному реализму, беспредметному творчеству». В творчестве Малевича прослеживается стремление к беспредметности, к плоскостной организации композиции, которая привела его к супрематизму, одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусства новейшего времени.

Казимир Малевич как живописец получил мировую известность за свои серии работ: «Черный квадрат», «Крест», « Черный круг», где элементами нового, супрематического стиля были линии, пятна и трансформации из простейших геометрических фигур, окрашенные однородными цветами. Живопись для этого художника представлялась взаимным расположением формальных плоскостей и форм, и эти его композиции принято называть абстрактными, та как их художественный смысл заключен в самой композиции, где каждая изображенная фигура имеет свой вес и роль, взаимодействует с другими композиционными элементами.

К. Малевич, «Супрематическая композиция»

Но после принятия его в «Союз художников» этот художник-авангардист начал заниматься серьезными проектами; Малевич не только рисовал, но и серьезное внимание он уделял написанию теоретических и философских работ, а также был избран членом комиссии по охране памятников старины.

К. Малевич, «Чёрный квадрат», 1915 год.

Известным и интересным художником начала XX века в России был Петров-Водкин, русский художник и писатель, преподаватель и график.

Он учился много у разных мастеров, впервые уроки рисования он получил в родном селении у хвалынских иконописцев, так как ему нравились иконы, затем в Петербурге в Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица, а спустя еще два года, Петров-Водкин перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1904 году. В Москве ему разрешили посещать уроки в мастерской Валентина Серова.

Затем, уже мастером. он много ездил и путешествовал по Италии, длительно работал во Франции, где брал уроки в парижских студиях и знакомство с современным европейским искусством расширили язык художественного изложения мастера и окончательно определили выбор его пути, что привело к созданию своего уникального и неповторимого художественно- живописного стиля. Так же К.С. Петров-Водкин также увлекался литературой: он писал романы и пьесы. К.С. Петров-Водкин выходец из низшего сословия, сын сапожника, который своим трудом и усердием добился мирового признания своего таланта. В многообразии европейских и российских художественных течений на пересечении столетий, охваченных войнами и революциями художник Петров-Водкин находил близкие ему идеи, но при этом всегда придерживался собственной живописной манеры, и искал общечеловеческий смысл в народных традициях и верованиях.

Наиболее известны вот эти картины Петрова-Водкина: «Купание красного коня», 1912года; «Умиление злых сердец»,1914-1915гг; «Петроградская Мадонна»,1918 год.

Петров-Водкин: «Купание красного коня»,1912г. 

«Умиление злых сердец»,1914-1915 гг;

Петров Водкин: «Петроградская Мадонна»,1918г.

 

Вопросы по теме :

1.Что такое реализм в искусстве живописи? Напишите, какие художники писали картины в реалистическом стиле ? Найдите самостоятельно в сети Интернет две картины реалистического направления в живописном искусстве, и запишите название картины, выполненных в реалистическом стиле и их авторов и расскажите о сюжете этих картин.

2. Найди самостоятельно свои примеры декоративной и абстрактной живописи среди творчества известных художников, работавших в этих направлениях. Что такое супрематизм?

 Задание  № 2

Тема: жанры в изобразительном искусстве.

В изобразительном искусстве основные жанры определяются по предмету изображения (портрет, пейзаж, интерьер, натюрморт, а также исторический, батальный, анималистический, бытовой жанры) или по характеру интерпретации этого предмета (карикатура, шарж, камерный портрет, историко-бытовой жанр).

В соответствии с объектом и темой изображения виды произведений разделяют на жанры. Наиболее престижными считаются – исторический жанр и портрет, их называют высокими, а вот низкими принято считать пейзаж, жанр натюрморта и бытовой жанр.

Такое деление на жанры в изобразительных видах искусства, как в живописи, скульптуре и в графике, было принято среди мастеров в 17-19 веках.

Познакомимся с жанрами в изобразительном искусстве ( в живописи, скульптуре, графике, фотоискусстве) и перечислим их.

Когда мастер выполняет изображения животных, то этот жанр называется — анималистический ( анимализм).

        

А. Дюрер, «Маленькая сова»; А. Дюрер, «Молодой заяц». Анималистический жанр.

Томас Бьюик (1753-1828) Ксилография, 1847г.

 

Когда мастер выполняет произведение, где показывает изображение сражений, походов из военной жизни, то это батальный жанр.

Теодор Жерико, «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку», 1812 г.

Батальный жанр.

Когда мастер выполняет произведение на сюжет из бытовых сцен жизни, то такой жанр называется бытовой.

Карл Брюллов «Галантная сцена в парке», бумага, сепия,1847-1849 гг. Бытовой жанр.

А если на картине или в скульптурной форме или в графической работе изображены исторические события или персонажи, которые были в реальности в прошлом и имели значимое значение, то этот жанр называется исторический.

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи», 1833 год. Исторический жанр.

В картине «Последний день Помпеи» изображены события в Помпеях во время катастрофоческого извержения вулкана Везувия, произошедшего в 79 году уже нашей эры. Сам Карл Брюллов побывал на раскопках, где вели работы археологи во время своей поездки в Неаполь и мастер был поражен трагической гибелью простого народа.

Константин Аполлонович Савицкий, «Война», 1888 год. Батально — исторический жанр.

Религиозный или мифологический — так называется жанр, где изображены сцены на религиозные или мифологические сюжеты, картины мифов. Мифологический жанр — разновидность исторического направления изобразительного искусства, где основой для сюжета произведений служат сказки разных народов и древние сказания, легенды, предания старины. Принято объединять эти два жанра в единый религиозно- мифологический. Еще в Древнем мире в эпоху Античности зародился мифологический жанр в искусстве.

В Древней Греции и Риме мастера часто создавали изображения древних божеств и возвышенные образы героев в скульптурных работах, мозаиках и на различных предметах декоративно-прикладного искусства.

Доменико Гирландайо¸ «Рождение Богородицы», (фрагмент фрески в капелле), 1486-1490 гг. Религиозно-мифологический жанр.

В средневековой Европе, в европейском искусстве религиозная тема в работах мастеров была наиболее востребована.

Интерес к вымышленным событиям дохристианской эры проявил один из величайших гениев итальянского Ренессанса Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli). Он создал несколько знаковых картин на основе древнегреческого эпоса, среди которых особое место занимает несравненное «Рождение Венеры».

Сандро Боттичелли. «Рождение Венеры», 1485 год. Мифологический жанр.

Всемирно известная картина «Рождение Венеры», выполненная мастером Сандро Боттичели, до сих пор считается образцом мифологического жанра.

К античным преданиям и мифам обращались многие мастера эпохи Возрождения в своем творчестве, среди которых наиболее известны произведения Микеланджело, Боттичели, Рафаэля.

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511г. Религиозно-мифологический жанр.

 

Рафаэль Санти, «Сикстинская Мадонна», 1512-1513 гг. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия. Религиозно- мифологический жанр.

В этой картине Рафаэль Санти воплотил представление о возвышенных идеалах гуманизма эпохи Возрождения, его картину «Сикстинская Мадонна» принято считать одной из самых узнаваемых и известнейшей из произведений живописи.

Появление этого нового направления в искусстве сказочно-былинного жанра со второй половины 19 века в России, было обусловлено возросшим интересом всей русской общественности к национально-самобытным истокам нашей страны.

Виктор Васнецов, «Богатыри», 1898 год. Сказочно-былинный жанр.

На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович (главные герои русских былин).

Виктор Васнецов, «Три царевны», сказочно-былинный жанр.

По сюжету малоизвестной сказки – изображены три царевны подземного царства : царевна золота, другая царевна драгоценных камней и царевна каменного угля — символа богатства недр пробужденного Донецкого края, так как картину «Три царевны подземного царства» в 1880 году заказал еще молодому Васнецову промышленник Савва Мамонтов, меценат и самый богатый горожанин в Москве в конце 19 века.

Виктор Васнецов автор гениальных работ на сказочную тематику. Его произведения очаровывают глубокой духовностью народных образов.

Виктор Васнецов. Иван-Царевич на Сером Волке. 1889 г. Сказочно- былинный жанр.

Чаще всего художник изображает человека. Этот жанр называется портретом.

До эпохи Возрождения как отдельного жанра «портрет» и вовсе не существовало. Заказчиков картин изображали коленопреклоненными перед святыми в произведениях на библейские сюжеты. В средние века жителей Италии во Флоренции и в Риме чаще всего изображали строго в профиль.

Филиппино Липпи. Фреска «Благовещение», 1490г.

Портрет- означает «воспроизводить что –либо черта в черту, какого либо человека либо группы людей, от устаревшего с латинского «парсуна». На портрете изображается внешний облик, но через него и внутренний мир изображаемого конкретного, реального, существовавшего в прошлом или живущего в настоящем человека.

 

       

Рафаэль Санти, «Автопортрет»; Рафаэль Санти,«Портрет девушки», 1518 г.

Портреты часто мастера писали больших размеров, заключали их в резные рамы и предназначены они были для больших дворцовых залов – это тип парадного портрета.

Но были востребованы и небольшие полотна с портретными изображениями людей и тонкой передачей духовного состояния портретируемого, словно его душевные переживания знакомы автору произведения и изображенный человек вызывает дружеские чувства — это камерный тип портрета.

          

Венецианов, «Девушка с бураком»,1824 г. И. Е.Репин, «Отдых, портрет жены художника»,1882г.

А вот изображение лиц Иисуса Христа, Божьей Матери, и ликов святых не являются «портретами», но являются обобщающими идеальными образами.

Иван Крамской. Картина «Христос в пустыне (фрагмент)», холст, масло, 1872 г., Третьяковская галерея.

В православной иконописной традиции принято с благоговением подходить к изображению Господа, Богородицы и святых и писать их лики с соблюдением соответствующих канонов.

Спас Нерукотворный (новгородская икона) XII век.

Образ Богородицы в христианской иконографической традиции — наиболее почитаемый.

Самый древний из них — «Оранта», что в переводе с латинского означает «молящаяся».

Богоматерь Оранта, Византия; XII в., материал: мрамор; техника: резьба по камню, местонахождение: Италия. Мессина. Региональный музей.

Когда мастера изображают виды окружающей среды, горы и долины, моря и океаны, лесные заросли или обширные поля, то такое изображение называют словом «пейзаж». Название жанра «пейзаж» произошло от французского слова paysage, что в переводе означает «страна, местность». Когда матер в произведении отображает море, морскую стихию, то этот жанр называют словом « марина», и такое изображение является разновидностью пейзажа.

И.К.Айвазовский, (в соавторстве с Ильей Репиным), «Прощание А.С. Пушкина с морем».

 

Архип Куинджи, «Березовая роща», 1879 г.

 

Юлий Клевер, «Зимний вечер.Деревушка»,1897г.

 

И. И. Шишкин, К. А. Савицкий, «Утро в сосновом лесу», 1889 г.

Жанр натюрморт в изобразительного искусства — этот изображение неодушевлённых предметов, как бы «застывшая природа». Натюрморт от фр. nature morte — «мёртвая природа».

Еще в XV в. до н.э. были созданы самые ранние натюрморты: так в захоронениях древних египтян очень часто изображены предметы для трапезы с рыбой и мясом. На античных фресках и мозаиках так же встречаются элементы натюрморта.

Впервые уже в XV—XVI веках мастера выполняли ранние натюрморты, до этого натюрморт рассматривался, как часть исторической или жанровой композиции и входил в общую композиционную схему работы мастера. Так до XVI—XVII века натюрморт мастерами выполнялся как часть произведений искусства, созданных в других жанрах: всевозможные изображения цветов, столов с расставленными на них предметами и убитой дичи.

Якопо де Барбари Натюрморт с куропаткой и рукавицами, 1504 год,

Возможно, первый натюрморт, выполненный как самостоятельный жанр был написан в 1504 году итальянским художником Якопо де Барбари. Этот натюрморт, под названием «Натюрморт с куропаткой и рукавицами», часто называют первой мелкомасштабной живописью с древних времен и первой европейской обманкой.

Одним из основателей нового жанра искусствоведы считают Караваджо. В свои 22 года именно он, а не голландские мастера, стал новатором в новом жанре живописи – натюрморта. Микеланджело да Караваджо изобразил корзину, полную осенних плодов: кисти винограда и множество яблок и груш. Фрукты переданы очень реалистично, словно только сорваны вместе с листьями, часть которых желтеет и, заворачиваясь, засыхает… всё передано мастерски так естественно, как в природе.

Караваджо, «Корзина с фруктами», 1596 г.

Для многих мастеров прошлого и настоящего жанр натюрморт оставался средством для оттачивания художественных приемов навыков передачи формы в пространстве.

Илья Ефимович Репин, «Яблоки и листья», 1879г.

На этой картине в духе голландских мастеров И. Репин изображает шесть спелых яблок среди листьев растений, и это полотно говорит о высоком мастерстве художника.

В скульптуре главными жанрами являются портрет, человеческая фигура и фигурная группа. Наиболее ранние произведения скульптурного портрета были известны в Древнем Египте и Древнем Риме, где в древнеримском изобразительном искусстве был доминирующим жанром.

Глиптотека (коллекция бюстов) в Археологическом музее Болоньи.

 

 

Герма неизвестного грека с тюрбановидным головным убором.

Мрамор. Рим, Капитолийские музеи, Новый дворец, Зал философов.

 

 В новое время наиболее известными мастерами скульптурного портрета были Ф. Шубин и В. Мухина.

Ф. Шубин, Портрет М.В. Ломоносова,1792г.

Скульптором Ф.Шубиным русский ученый и гениальный поэт представлен без каких-либо элементов парадности и официальности и мастерски запечатлен замечательный облик великого ученого Ломоносова. В этом скульптурном портрете передано лицо Ломаносова, как удивительно живого, пытливого, энергичного человека. Ф. Шубину удалось передать демократичность образа Ломоносова.

Наиболее известна, как символ «советской эпохи» работа советского мастера — скульптора Веры Мухиной «Рабочий и колхозница», ставшая узнаваемым памятником монументального искусства, признанный «эталон социалистического реализма». Представляет собой устремленную вперёд скульптурную группу из мужской и женской фигур, которые и поднимают над своими головами серп и молот. В 1947 году монумент «Рабочий и колхозница» стал официальным символом киностудии Мосфильм.

В. Мухина, «Рабочий и колхозница»,1937г.

Жанр пейзаж и натюрморт в скульптурных произведениях искусства в чистом виде не встречаются, в скульптурном рельефе встречаются только некоторые элементы пейзажа и натюрморта.

Вопросы и задания:

1.Что такое «портрет» ?

2. Что такое «исторический» жанр в изобразительном искусстве ? Приведи свой пример исторической картины в творчестве русских художников 19 века, работавших в России.

3. Что такое «батальный» жанр живописи ?

4. Что такое «анималистический» жанр в искусстве ?

5. Приведи свой пример живописной картины в жанре: натюрморт, пейзаж, портрет; расскажи об этих картинах письменно.

 

 

 

 

Отечественные музейные блокбастеры 2021 года — Российская газета

Если вы хотите рассмешить Бога — расскажите ему о своих планах. 2020-й год в который раз доказал эту старую истину. Он научил нас не доверять планам. Хотя бы потому, что половина обещанных выставок так и не открылась. А часть открывшихся закрылась буквально через день. Исключить их из событий уже нынешнего, 2021-го года, было бы несправедливо.

«Обратный отсчет» Игорь Макаревич и Елена Елагина

ММОМА

до 31 января

Большую ретроспективу семейного дуэта московских концептуалистов Игоря Макаревича и Елены Елагиной сделали Московский музей современного искусства (ММОМА) и XL галерея. Это замечательная возможность проследить диалог мастеров с самыми разными традициями, включая русский космизм и русский авангард, «рисунки старых советских мастеров» и детскую книжку «Золотой ключик», круг художников «Коллективных действий» и круг авторов журнала «Юный натуралист»… Эту выставка, которую художники готовили два года, была закрыта через два дня из-за пандемии. Впору, перефразируя название первого совместного проекта Макаревича и Елагиной «Закрытая рыбная выставка», называть этот проект «Закрытый обратный отсчет». Есть надежда, что ее продлят. Если нет, то у нас всего две недели, чтобы вернуться к ней.

«ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда»

Музей Москвы.

До 7 февраля

Город будущего, который вырос посреди голодной Москвы 1920 года — на Рождественке, где до революции было Строгановское училище, и на Мясницкой, где были общежитие, рабфак, квартиры преподавателей, — возник благодаря усилиям художников самых разных направлений: от Василия Кандинского до Владимира Фаворского, от Эль Лисицкого до Николая Ладовского, от Александра Родченко до Казимира Малевича и Надежды Удальцовой… Это был фантастический город, потому что сюда могли прийти учиться все, кто хотел, тут не нужно было платить за обучение, тут не важно было социальное происхождение. Кроме того, впервые (как странно об этом думать всего лишь сто лет спустя!) в высшее художественное заведение принимали учиться женщин. Наконец, студенты могли сами выбирать преподавателя и предмет, который хотели изучать. И уже потом формировалось расписание. Это был утопический город, но на крепкой профессиональной основе: среди преподавателей был весь цвет русского авангарда. Этот город просуществовал десять лет, но можно без особой натяжки сказать, что и сегодня система художественного образования архитекторов, художников текстиля, художников- полиграфистов, и дизайнеров — покоится на фундаменте, заложенном ВХУТЕМАСом.

Выставка фокусируется на представлении не звездных имен, но прежде всего системы образования ВХУТЕМАСа, на работах студентах, на той атмосфере, в которой поэтические диспуты, работы над проектами, лекции и ночные дебаты, дежурство на кухне и поиск дров были равно важны.

Роберт Фальк

Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, залы 39-42

До 23 мая

Настолько масштабной музейной ретроспективы Роберта Фалька (1886-1958), пожалуй, еще не было. На выставке — более 250 графических и живописных работ разных лет из Третьяковской галереи, музейных и частных собраний России и Армении. Фальк, наряду с Фонвизиным и Фаворским, был знаковой фигурой для тех, кто искал свой путь в искусстве не на проторенных путях соцреализма. Он оказался связующим звеном между мастерами «Бубнового валета», авангарда и художниками оттепели, между живописью Франции и России, между старыми мастерами и современным искусством. Его modus vivendi, замкнутый, скромный, предельно аскетичный, для которого искусство было и смыслом, и целью, трудом каждого дня и его же наградой, стал не только примером для многих, но послужил той моделью жизни художника, который «сам свой высший суд». При этом будучи абсолютно не публичным человеком, живущим приватной жизнью, Фальк стал одним из самых авторитетных художников и оказал огромное влияние на художников даже 1970-х — 1980-х.

Готовясь к встрече с Робертом Рафаиловичем, можно посмотреть образовательную программу на портале «Лаврус», подготовленную к выставке

«Место под застройку», худ. Роберт Фальк Фото: Государственная Третьяковская галерея

«Охотники за искусством»

Музей русского импрессионизма и KGallery

C 21 апреля по 29 августа

Тему частных собраний и представления коллекционеров, которая была так ярко представлена блокбастером «Щукин. Биография коллекции» в ГМИИ имени А.С.Пушкина, продолжают — что вполне логично — частные институции, как раз и созданные новые коллекционерами. Весной Музей русского импрессионизма обещает рассказать историю 14 советских коллекционеров, которых, разумеется, хорошо знали старые антиквары, художники и их наследники, но чьи собрания были открыты разве что для знакомых. Наиболее известна коллекция грека Георгия Дионисовича Костаки, чье собрание русского авангарда в итоге было поделено между Третьяковской галереей и Музеем современного искусства в Салониках. Кроме выставки в Третьяковской галерее, о его собрании, значительную часть которой составляли иконы и работы нонконформистов 1960-1970-х годов, рассказывал проект в Музее АЗ. Коллекции других, например, режиссера Соломона Шустера, относительно недавно была посвящена выставка в галерее «Наши художники». Собрание же врача Арама Абрамяна, чье 120-летие со дня рождения медики отмечали недавно, стало одной из опор выставки «Армянский импрессионизм. От Москвы до Парижа». Она проходила в том же Музее русского импрессионизма. Врач от бога, уролог, работавший с кремлевскими пациентами, Арам Абрамян собрал богатую коллекцию русского искусства, которую передал Музею русского искусства в Ереване. Проект «Охотники за искусством» обещает показать соединить эти разные истории и рассказать о собраниях в том числе Соломона Шустера, врачей Александра Мясникова и Арама Абрамяна, агрофизика Абрама Чудновского… Они сохранили произведения искусства, для которых в 1930-1950-х годах из-за клейма «формализма» были закрыты музейные залы. Речь идет о живописи Константина Коровина, Казимира Малевича, Нико Пиросмани и многих других.

«Братья Морозовы. Великие русские коллекционеры»

ГМИИ имени А.С. Пушкина

октябрь 2021 — март 2022

Другая выставка, посвященная частным коллекциям, — давно ожидаемый проект Пушкинского музея о собрании братьев Морозовых с шедеврами Моне, Ренуара, Сезанна, Гогена, Матисса и Пикассо. Проект был показан в Эрмитаже, затем должна быть выставка в Париже в Fondation Louis Vuitton. А в октябре запланировано открытие выставки в Москве.

Проект, который на время воссоединит собрание Ивана и Михаила Морозовых, картины из которых разделены между Пушкинским музеем и Эрмитажем в 1948 году после уничтожения Музея нового западного искусства (ГМНЗИ), будет посвящен памяти Ирины Александровны Антоновой.

Здесь «встретятся» два портрета Жанны Самари кисти Ренуара — из Эрмитажа и Пушкинского. Будут показаны большие декоративные панно, написанные Клодом Моне по заказу Эрнеста Ошеде для его замка Роттенбург в Монжероне. Сейчас «Уголок сада в Монжероне» и «Пруд в Монжероне» — в коллекции Эрмитажа. Плюс — декоративный триптих «У Средиземного моря» Пьера Боннара и цикл «История Психеи» Мориса Дени. К выставке будет воссоздан ансамбль Белого зала (Музыкального салона) Ивана Морозова, для которого весной 1907 года был заказан цикл панно о Психее. В отдельном зале будут показаны работы Поля Сезанна.

Живая линия: Вячеслав Колейчук и ОБМОХУ. К 100-летию Второй весенней выставки ОБМОХУ

Новая Третьяковка, зал 38, залы постоянной экспозиции «Искусство ХХ века».

Май — август

Реконструкции знаменитых выставок — один из музейных трендов, который вызывает интерес и у кураторов частных фондов, и у посетителей. С одной стороны, это вроде машины времени, позволяющей вступить в реку прошлого дважды, с другой — это история, требующая от своих создателей архивных изысканий, точного знания, интуиции… В России одним из пионеров «реконструкторского» подхода был Вячеслав Фомич Колейчук (1941-2018), художник, архитектор, блестящий историк конструктивизма. Даже если вы ничего не знаете о кинетическом искусстве, одним из пионеров которого был Колейчук, но видели фильм «Кин-дза-дза!», Вы знаете его работы. «Гравицапа» в «Кин-дза-дза!» — это его создание. Кроме Гравицапы, он был создателем самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, невозможных фигур и самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования и звучащих объектов.

Вячеслав Колейчук и группа «Мир». Светокинетическая установка «Атом». 1967 Архив Вячеслава Колейчука. Фото: Предоставлено Музеем современного искусства «Гараж»

Колейчук сотрудничал не только с киношниками, но и с атомщиками. В 1967 году он сделал 13-метровую скульптуру «Атом» по заказу Института атомной энергии АН СССР им. И. В. Курчатова. Создание конструкции, построенной на точном расчете, учете самонапряжения частей и движении ветра, было приурочено к 50-летию Октябрьской революции, но обошлось без лозунгов, посвящений основателям советского государства и прочей идеологической аранжировки. В 2018 году реконструкция «Атома» на площадке музея современного искусства «Гараж» стала последней прижизненной работой мастера. Открытие «Атома. 1967/2018» случилось уже после его ухода.

Хотя последняя реконструкция воспроизводила его собственную работу, он увлекся воссозданием произведений прежде всего русских конструктивистов. Его вклад в изучение их художественного наследия трудно переоценить.

Весенняя выставка в Новой Третьяковке поэтому соединит три сюжета: реконструкцию выставки 1920-го года ОБМОХУ, то есть Объединения московских художников, воссозданные инсталляции Колейчука и его «мастерскую» зале № 38. Иначе говоря, получается такая реконструкция в кубе.

Иван Кудряшов

Новая Третьяковка

15 мая — 22 августа

Эта выставка обещает много открытий. Имя Ивана Алексеевича Кудряшова (1896-1972) хорошо знают исследователи русского авангарда. Ученик Малевича, живописец, график, создатель собственного варианта абстрактного искусства, сценограф, педагог, он был заметной и яркой фигурой на сцене художественной жизни 1920-1930-х годов. В частности, наряду с Малевичем и Эль Лисицким он был основателем оренбургского филиала группы УНОВИС (Утвердители нового искусства).

При этом будущая выставка в Третьяковской галерее — первая ретроспектива художника. Она станет результатом международного музейного проект, который открывает новые страницы русского авангарда. Каталог этой выставки будет первой монографией о творчестве Ивана Кудряшова.

Алексей Венецианов

Инженерный корпус Третьяковской галереи

Сентябрь 2021 — январь 2022

Более 170 живописных и графических работ из собраний ГТГ, ГМИИ имени А.С. Пушкина, Русского музея, Эрмитажа, музея-заповедника «Павловск», музея Константиновского дворца, Тверской картинной галереи и других музеев России напомнят о замечательном мастере. Алексей Венецианов, землемер, который стал русским барином, писал крестьянок, пластичностью и грацией напоминающих итальянских мадонн. Он открыл крестьянскую тему для отечественной живописи, щедро внеся в сюжеты сельской жизни созерцательность и мечтательность романтического толка. При этом Алексей Гаврилович был человеком совсем не праздным. Одержимый идеей воспитания молодых талантов из народа, он создал собственную художественную школу. Отсутствие академического образования у него самого тут, как ни странно, оказалось плюсом: он не боялся искать свои методы преподавания и берег индивидуальность учеников.

На выставке можно будет увидеть работы его учеников, в частности, А.В. Тыранова, А.А. Алексеева, Ф.М. Славянского, Г.В. Сороки…

«Монпарнаски»

ГМИИ имени А.С.Пушкина

лето — осень 2021

Показ художников «Парижской школы» — одна из прекрасных традиций Пушкинского музея. Новая выставка представит прежде всего наследие художниц, работавших на Монпарасе, среди которых скульптор Хуана Мюллер и грузинская княжна Вера Пагава, которая будет представлять Францию на Венецианской биеннале 1966 года, Вера Рохлина — ученица Ильи Машкова и Александры Экстер, дочь португальских дипломатов Мари́я Эле́на Вие́йра да Си́лва, которая стала французской художницей, Эрмина Давид — правнучка Жака-Луи Давида, наши Соня Делоне и Мария Маревна, Мария Бланшар и Мари Лорансен… Скорее всего, тут будет два выставочных сюжета: женщины как музы (эта тема, например, была центральной на выставке «Ольга Хохлова & Пабло Пикассо» в 2018 году) и отношения художниц с Музой, то есть их собственное творчество, заслуживающее внимания не только историков искусства.

Если все сложится, «Монпарнаски» должны стать одной из самых увлекательных выставок года.

Николай Андреев

Сентябрь 2021 — январь 2022

Инженерный корпус Третьяковской галереи

Работы фотографов нечасто оказываются в центре внимания выставок в Третьяковской галерее. Выставка знаменитого пикториалиста Николая Платоновича Андреева (1882-1947) обещает стать событием. Два года назад, в 2019 году, ГТГ получила в дар от наследников Андреева более 600 его работ.

Выставка в Инженерном корпусе, где работы Николая Платоновича, который стремился воспроизвести в фотографиях эффект живописных пейзажей, будут представлены в контексте искусства начала ХХ века.

К выставке приурочена не только образовательная программа, но и международная научная конференция, посвященная творчеству Николая Андреева.

Михаил Врубель

2 ноября 2021 — 8 марта 2022

Третьяковская галерея

Три этажа Новой Третьяковки, более 300 произведений Михаила Врубеля (1856-1910) из 14 российских и зарубежных музеев, в том числе 100 работ из Русского музея, — таков размах ретроспективы Врубеля. Она обещает стать мегапроектом года.

Как говорят кураторы выставки, их цель — попытаться понять, что в творчестве мастера «закономерно» и поддается объяснению с позиций искусства его времени, а что, по словам Александра Блока, «похищено у вечности». Жизнь Врубеля похожа на увлекательный и трагический роман, овеяна мифами и легендами, его можно назвать «идеальным художником», чей корпус творений является, по сути, одним совершенным произведением.

Это произведение будет разворачиваться в залах, где будут представлены зала его живопись и графику, монументальные панно для особняков и скульптуру, майолику и фотографии, театральные костюмы…

Олег Целков

Московский музей современного искусства (ММОМА), совместно с AVC Charity Foundation и Tsukanov Family Foundation

16 декабря 2021 — 20 января 2022

Выставка Олега Целкова, создателя фантасмагорически-гротескного мира, одного из самых востребованных русских художников, обещает путешествие в мир зазеркалья, который всегда с нами. Ретроспективная выставка, куратором которой будет Андрей Ерофеев, объединит работы из крупных музейных и частных коллекций России и Европы.

Фотоимпрессионизм — Look At Me

Обзор приемов в фотоимпрессионизме на примере работ некоторых фотографов.

Все знают такое направление живописи, как импрессионизм, когда художники стремятся наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления (impressions), которые краски предметов и фигур производят при различном освещении, избегая при этом всяких подробностей.

Уверен, у большинства импрессионизм ассоциируется с полотнами французских художников конца 19 века. В то время главными покупателями искусства была городская буржуазия и, следовательно, к ее требованиям и вкусам стремились приспосабливаться профессиональные портретисты, в том числе и фотографы. Нельзя, конечно, проводить полную аналогию в становлении живописи и фотографии, но основные тенденции их развития во многом совпадают. Художественная фотография, как и живопись, пережила декаданс, выражавшийся в разрушении формы, вычурности рисунка, аллегоризации.

В буржуазных салонах на рубеже двух веков большим успехом пользовались символические фотокомпозиции австрийца Пихие и американки Анны Бригман.

                          Фото Анны Бригман

В их работах, благодаря увлечению ритмом линий и световыми эффектами, человек как объект изображения представал бездушной величиной, приравненной к натюрморту.

В 1912 году популярный журнал «Солнце России» опубликовал специальную статью «Фотоимпрессионизм», иллюстрировав ее работами мюнхенских фотографов.
В фотоимпрессионизме обозначился отход от четкости реальных форм ради светового пятна, расплывчатого силуэта. Тающие контуры, прозрачная дымка полутонов, раздробленность композиции — все это демонстрировало пренебрежение материальной предметностью мира.

Некоторые критики в пылу поверхностных сравнений выделяли в фотоэкспрессионизме преобладание резкоконтрастного, «рембрандтовского», света.
Так проявляло себя эпигонство формалистов, выражавшееся в отказе от идейно-образного познания действительности.

Фотографы всегда пытались преодолеть гиперреализм фотографии, используя оптические искажения, различные методы печати и прочие уловки.

Еще в конце XIX века в европейском и американском фотографическом искусстве возникло течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. Пикториализм – часто называют фотографическим импрессионизмом. Для достижения пикториального эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати: мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра….

Светлана Маковецкая – один из современных российских мастеров пикториальной фотографии. Журналист по образованию, Светлана начала профессионально работать в художественной фотографии в 1995 году. Участница многих Российских и зарубежных выставок, лауреат фотобиеналле в Токио за серию “Японцы глазами Европейца”, а ее серия “Японский сад” экспонировалась в Музее Востока.

Мультиэкспозиция позволяет получить нечеткие границы объектов, передавая краски предметов. Например американский фотограф Пеп Вентоза (Pep Ventosa) накладывает друг на друга множество снимков одного и того же знаменитого туристического места, получая при этом нечеткое, но необычное изображение.

Игра с водой, съемка отражений в воде и любых причудливых зеркальных поверхностях – еще один способ получить импрессионизм в фотографии.

Похожие на полотна художников импрессионистов фотографии создаёт Барбара Коул (Barbara Cole), фотограф из Торонто. Серию фотографий Chromatics с первого раза легко принять за картины, а не за искусные подводные фотографии.

Cristophe Jacrot – фотограф дождя из Франции. “Мне нравится романтический дождь и воздушный снег. Эта погода – прекрасное фотографическое поле, визуальный мир природы. В этом мире большинство из нас слишком заняты, чтобы скрыться от осадков. Человек становится призрачной фигурой, блуждающим и послушным капризам дождя и снега”.

Длинные выдержки вкупе со сдвигом камеры и зумированием использует Nikhil Bahl в своих работах. Однако эта техника не совсем простая, какой кажется на первый взгляд. Результат должен быть в голове у автора перед съемкой, это не просто хаотичные движения камерой.

Приемов у фотоимпрессионистов много, но главное – это быть импрессионистом в душе. Видеть в первую очередь цвет и свет, замечать красоту в каждом лучике и, в идеале, – уметь передать эту частичку другим.

С сайта http://fineartrussia.ru/

                                                                                            Автор: Евгений Молодцов

Марианна Сардарова: «У моей коллекции женское лицо»

Основатель фонда Ruarts и коллекционер Марианна Сардарова. Фото: фонд Ruarts

Почему возникла необходимость в новом здании для фонда? Какие задачи вы поставили перед архитекторами, которые работали над проектом?

БИОГРАФИЯ

Марианна Сардарова
Коллекционер, меценат, основатель Фонда содействия развитию современного искусства Ruarts и галереи Ruarts

Родилась в Махачкале
1983 окончила РГУ нефти и газа им. И.М.Губкина
2003 основала Фонд содействия развитию современного искусства Ruarts
2004 открыла галерею Ruarts
2010 основала продюсерскую компанию Ruarts Project
2014 продюсер фильма режиссера Андрея Звягинцева «Левиафан»
С 2015 сопродюсер, член попечительского совета Открытого российского кинофестиваля «Кинотавр»
2021 планируется открытие новой площадки фонда Ruarts в Трубниковском переулке в Москве

Ruarts изначально создавался именно как фонд, более 15 лет назад. Мне была близка западная идея частного фонда на основе частной коллекции. Я специально ездила познакомиться с деятельностью Fondation Maeght неподалеку от города Сен-Поль-де-Ванс на Лазурном Берегу во Франции. Эта институция проводит выставки, организует лекции, там есть свой магазин с сувенирами на основе их частной коллекции, здание окружает прекрасный сад со скульп­турой известных современных мастеров. Пожалуй, именно эту модель я взяла за основу, создавая Ruarts. Что касается галереи, то она возникла сама собой: погружаясь в тему современного искусства, трудно отказаться от возможности работать с художниками напрямую. Кроме того, это живой организм, который позволяет постоянно следить за тем, что происходит на отечественной художественной сцене. И вот на 15-м году существования фонда и галереи стало понятно, что площадь галереи слишком мала, а график выставок настолько плотный, что нет никакой возможности показывать еще и коллекцию фонда.

Новое здание Ruarts в Трубниковском переулке. Фото: фонд Ruarts

Что касается здания, то его для нас проектировало то же бюро Аtrium, что и здание галереи в 1-м Зачатьевском переулке. Формулируя свои пожелания архитекторам, мы говорили о том, что нам важно, чтобы люди, попадая в это пространство, понимали, что попадают к нам, в Ruarts. Например, в новом здании «сохранилась» знаменитая лестница — наш логотип. Этот элемент действительно важен для нас, это такой символ восхождения. Но в новом здании, конечно, совершенно другие масштабы, там шесть этажей. И мы постарались, чтобы при проектировании были внедрены все самые современные технологии в области экспонирования и хранения искусства.

Если вернуться на много лет назад — расскажите, пожалуйста, как вы начали собирать.

Дело в том, что нужно разделять коллекцию фонда и мое личное собрание. Личная коллекция началась, наверное, как у всех, с оформления дома. Другое дело, что, когда у вас уже все стены завешаны, а вы продолжаете приобретать искусство, приходится признать, что увлечение переросло во что-то большее. Постепенно начала складываться и коллекция фонда. У нее определены хронологические и пространственные рамки, новые приобретения подчиняются определенной логике. Что касается моей коллекции, то она очень разнообразна. Это и русская классическая живопись, и французские импрессионисты, и художники русской эмиграции, и современные западные художники и скульпторы (Бэнкси, Сантьяго Калатрава, Ансельм Кифер, Карлос Крус-Диес, Яёи Кусама, Ман Рэй, Жауме Пленса, Кит Харинг). Я живу в разных странах и в разных домах, и в каждом месте меня окружает совершенно разное искусство, и это очень радует.

Можно ли сказать, что ваши вкусы как коллекционера менялись и, начиная с русской классики, вы постепенно перешли к современному искусству?

Конечно, когда начинаешь коллекционировать, не сразу понимаешь, твои это вещи или нет. Пожалуй, сейчас я бы уже не стала покупать русскую классическую живопись, хотя в коллекции есть Айвазовский, Борисов-Мусатов, Саврасов (с которого все и началось), Шишкин, это ее органичная часть. Но в то же время у меня есть еще небольшая коллекция ню, обнаженной натуры — это Тамара Лемпицка, Жак Мажорель, Зинаида Серебрякова, Константин Сомов и даже Джорджо де Кирико, и ее я продолжаю пополнять. Я совсем не поклонница старого искусства, но вот совсем недавно стала покупать «пословицы» Брейгеля. Хотелось сделать такой подарок супругу; пока нашла только три. Я могу совершенно спокойно купить, условно на одном аукционе, Герхарда Рихтера и Леонида Сокова.

Дмитрий Цветков. «Мягкая родина». Фото: Иван Ерофеев/фонд Ruarts

Насколько обширна коллекция фонда Ruarts? Какие художники и направления там представлены?

Коллекция сейчас насчитывает почти 3 тыс. объектов и включает произведения более чем 200 художников, от шестидесятников до самых современных авторов, есть уже даже работы 2021 года. Владимир Немухин, Михаил Шварцман, Игорь Вулох, Владимир Вейсберг, Эдуард Штейнберг, Дмитрий Краснопевцев, Леонид Соков, Тимур Новиков, Константин Звездочетов, Валерий Кошляков, Константин Батынков, Дмитрий Цветков, Виталий Пушницкий, Айдан Салахова, Алексей Лука (Luka), 0331с, Дмитрий Венков. С одной стороны, это срез российского художественного процесса за последние 50 с лишним лет, с другой — частная коллекция, поэтому тут нет задачи собрать и представить все явления отечественного искусства этого периода. Например, в коллекции фонда Ruarts нет акцента на московских концептуалистов. Я бы сказала, что они осознанно не попали в мою коллекцию. Это сочетание факторов — и вопрос личного вкуса, и того, что мне просто не попадались работы, которые хотелось бы приобрести.

Это мой личный взгляд на отечественный художественный процесс. Он сформировался во многом под влиянием моего любимого двухтомника «Другое искусство» (1991), подготовленного Ириной Алпатовой и Леонидом Талочкиным. Мне чудом удалось раздобыть экземпляр: издание почти сразу стало библиографической редкостью. Хорошо бы его переиздать.

Что для меня еще важно — это гендерный взгляд. Моя коллекция имеет женское лицо. Как правило, именно мужчины занимаются финансированием художественных приобретений, в том числе диктуют, что покупать. Особенность моей коллекции — в том, что мне дали свободу приобретать только то, что нравится мне, не опираясь больше ни на чей выбор. Обычно же мы имеем дело с семейными коллекциями, и, когда супруги вместе собирают, это всегда компромисс. В нашем случае мы с супругом оба участвовали только в самом начале, когда оформляли наш первый загородный дом. И то покупали всегда по принципу: одну работу, которая нравится мужу, одну — которая нравится мне.

Интерьеры фонда Ruarts в Трубниковском переулке. Фото: фонд Ruarts

Как бы вы сформулировали основные задачи фонда? Если судить по пресс-релизу, в новом здании у фонда появятся все составляющие частного музея: собственная коллекция, экспозиционные пространства, образовательный центр, библиотека, книжный магазин, кафе.

Для меня музей — это застывшая история, а фонд — живой организм. Его первоочередная задача — работать с коллекцией. Я бы выделила три основных направления: выставочное, образовательное и издательское. Кроме того, нам бы хотелось продолжить свою грантовую программу. 

В фонде не будет такой «замороженной» постоянной экспозиции, как ее понимают традиционные музеи, например. Прежде всего это связано с тем, что здание хоть и большое, но не позволяет показать коллекцию целиком. Поэтому будет разделение на долгоиграющие выставки на основе нашей коллекции (полгода-год) и разнообразные временные проекты (на месяц-два). У нас есть маленькая библиотека — хотелось бы, чтобы и там была своя программа, возможность делать мини-экспозиции. Что касается лектория, то совершенно точно будет цикл, построенный по хронологическому принципу, — история русского искусства со второй половины ХХ века до наших дней с уклоном в сторону российских авторов. Обязательно будет и образовательная программа, непосредственно связанная с временными выставками. Планируются детские мастер-классы. Два наших художника уже разрабатывают программы: Алексей Лука — для самых маленьких, а Дмитрий Цветков планирует охватить всю аудиторию — от школьников до старшего поколения.

Олег Кулик. «Девушка с арбузом». Из серии «Страхи белого мужчины». 1999. Фото: фонд Ruarts

Расскажите, пожалуйста, о предстоящей выставке, которая откроется 17 апреля в новом здании.

В первом проекте, приуроченном к открытию нового здания фонда, выставке «Мягкая родина», мы выступили сокураторами с арт-директором фонда Катрин Борисов. Это попытка осознать коллекцию в ее нынешнем виде и представить не просто хиты или наиболее любимые работы, но какой-то дайджест собрания — от шестидесятников до последних приобретений и все возможные медиа. Сначала у нас была идея пригласить стороннего куратора, который поработал бы с нашим материалом, но очень скоро мы поняли, что правильнее сделать это самим. Мы выбрали основные направления и темы, наметившиеся в коллекции, и постарались на трех этажах соединить несоединимое. Кажется, у нас получился цельный проект, посвященный взаимоотношениям художника с обществом и с самим собой. Всего в экспозицию вошло около 100 работ.

Отдельный, очень интересный проект — «Вечные ценности», аудиовизуальная инсталляция, созданная звуковыми художниками Глебом Глонти и Михаилом Мясоедовым специально для фонда Ruarts. Они изучили всю коллекцию и в результате сделали генеративное видео, которое одновременно и ее презентация, и блестящий пример диджитал-искусства.

Каковы ближайшие планы фонда — выставочные, издательские и другие?

Выставка «Мягкая родина» точно продлится как минимум до сентября, за ней последует новый кураторский проект, раскрывающий коллекцию. Если говорить о временных выставках, то мы бы хотели затронуть тему инклюзии и толерантности — сделать небольшую выставку одного из художников из Санкт-Петербурга. Есть идея показать работы художницы из Лондона, которая использует кукол-роботов, и в связи с этим поговорить о правах женщин. Словом, мы намерены следовать актуальной повестке.

AES+F. Carpet #5, JFK, Florida. Из проекта Islamic Project. 2000. Фото: фонд Ruarts

Что касается издательской программы, то в мае планируем выпустить книгу «Город подземелья», посвященную проекту наших художников в парижских катакомбах. На подходе несколько монографий о художниках, с которыми мы работаем давно. Может быть, переиздадим «Мемуары арт-дилера» (книга известного нью-йоркского антиквара Ричарда Фейгена впервые опубликована на русском фондом в 2004 году. — TANR). И вот только что у меня возникла прекрасная идея переиздать легендарный двухтомник «Другое искусство».

Планируете ли привлекать внешних кураторов?

Конечно. Мы точно хотим поработать как с отечественными, так и с зарубежными кураторами. Хочется дать дорогу молодым. Когда мы искали научного сотрудника в фонд, выяснилось, что есть немало совсем молодых кураторов, которые не боятся и очень хотят поработать с частной коллекцией.

Насколько пандемия изменила ваши планы?

За год пандемии, которая застала нас в тот момент, когда мы активно готовились к открытию нового здания в мае 2020 года, очень изменились наши представления о том, как должен быть устроен фонд, мы многое пересмотрели. Пока мы дважды переносили дату открытия и корректировали выставочные планы, в коллекции появилось 40 новых работ, которые не вошли в каталог, уже напечатанный к открытию.

При поддержке и по инициативе Ruarts было реализовано множество выставок в российских музеях, в том числе осенью 2020 года прошла выставка Саши Фроловой в Московском музее современного искусства. Собираетесь ли вы продолжать сотрудничество с государственными музеями, после того как фонд Ruarts обрел собственное большое выставочное пространство?

Да, мы обязательно будем поддерживать музейные выставки. Мы планируем зарубежные проекты, готовим выставку фотографа Сергея Борисова в Загребе. В России продолжаем партнерство с Московским музеем современного искусства, где собираемся открыть выставку Алексея Луки. 

Импрессионизм, мода и современность | Чикагский институт искусств

Всемирно известная выставка прибывает в Чикаго, став последней остановкой в ​​ее кругосветном путешествии.

Гюстав Кайботт

Были ли импрессионисты модниками? И какую роль сыграла мода в их стремлении нарисовать современную жизнь в «современном» стиле? Этому посвящена всемирно известная выставка «Импрессионизм, мода и современность », которая впервые раскрывает увлекательную взаимосвязь между искусством и модой с середины 1860-х до середины 1880-х годов, когда Париж стал мировой столицей стиля.Это стильное шоу, на котором представлены 75 картин с основными фигурами Кайботта, Дега, Мане, Моне, Ренуара и Сёра, в том числе многие из них, никогда ранее не встречавшиеся в Северной Америке, представляет новый взгляд на импрессионистов и показывает, как эти ранние художники-авангардисты восприняли тенденции моды поскольку они стремились запечатлеть современную жизнь на холсте.

Во второй половине 19-го века зародилась современная индустрия моды: такие дизайнеры, как Чарльз Фредерик Уорт, изменили способы производства и продажи одежды, росли универмаги и начинали расти модные журналы.И художники, и писатели были заинтригованы этой новой индустрией; его динамичные, эфемерные и постоянно новаторские качества воплощали саму суть современности, которую они стремились выразить в своей работе, и предлагали средства для открытия новых визуальных и словесных выражений.

Эта революционная выставка исследует жизненно важную взаимосвязь между модой и искусством в эти поворотные годы не только с помощью шедевров импрессионистов, но и с помощью картин модных портретистов Жана Беро, Каролю-Дюрана, Альфреда Стивенса и Джеймса Тиссо.Исторические костюмы, такие как мужские костюмы, robes de promenade , дневные платья и бальные платья, а также модные тарелки, фотографии и популярные принты позволяют воочию взглянуть на одежду, которую эти художники использовали, чтобы передать свою современность, а также свою современность. предметы. Еще больше обогащают экспозицию ткани и аксессуары — кружева, шелк, бархат и атлас, используемые в шляпах, зонтиках, перчатках и обуви — воссоздающие чувственный опыт, который сделал моду излюбленным предметом индустрии и серьезным предметом среди художников, писателей, поэтов и популярная пресса.

Поистине оживляют выставку живые связи между самой последней модой и живописными трансформациями тех же стилей. Сочетая картины Моне, Ренуара или Тиссо в натуральную величину с вдохновившими их современными нарядами, выставка предлагает исследовать разницу между портретом и жанровой живописью, между раскрашенными модными пластинами Тиссо и образами жизни Мане, демонстрирующими впервые. время средства, с помощью которых импрессионисты «лепили» свои модели и картины для более широких художественных целей.

Организаторы

Импрессионизм, мода и современность организовано Чикагским институтом искусств, Метрополитен-музеем в Нью-Йорке и Музеем Орсе в Париже.

Спонсоры

Основное финансирование импрессионизма, моды и современности в Институте искусств Чикаго было щедро предоставлено Александрой и Джоном Николс.

Вспомогательный совет Института искусств Чикаго является ведущим партнерским спонсором импрессионизма, моды и современности.

Каталог выставки был подписан Лори и Джеймсом Бэй и Фондом Элизабет Ф. Чейни.

Ежегодная поддержка выставок Института искусств предоставляется Фондом выставок: Goldman Sachs, Кеннет и Энн Гриффин, Томас и Марго Притцкер, Фонд графа и Бренды Шапиро, Фонд семьи Тротт и Женский совет Института искусств Чикаго. .

Эта выставка поддержана компенсацией Федерального совета по искусству и гуманитарным наукам.

Все, что вам нужно знать об импрессионизме

Импрессионизм стал одним из самых значительных течений в современном искусстве. Имена Клода Моне, Огюста Ренуара или Эдгара Дега хорошо известны, пожалуй, даже тем, кто не очень интересуется искусством. На просмотр их картин в музеях большие очереди. А есть еще более крупные, которые покупают свои картины на аукционах. Почему импрессионизм до сих пор находит отклик у людей? Мы собрали все, что вам нужно знать, чтобы понять импрессионизм.

До импрессионизма

Эжен Делакруа был одним из художников, оказавших влияние на импрессионистов. Он был одним из первых художников, которые осознали, что цвета, нанесенные отдельными несмешанными мазками, могут более интенсивно передать динамику изображаемого момента. Помимо использования контрастных цветов, он также был склонен полагать, что сюжет картины должен резонировать с современной жизнью.

Хотя картина Делакруа « Свобода, ведущая народ , 1830» является шедевром романтизма, это не помешало ей стать предшественником импрессионизма.Картина содержала почти все черты, которые через сорок лет стали бы основными принципами импрессионизма, в том числе — отсутствие классических чистых линий; использование ярких цветов; динамические мазки кисти; и новые способы исследования и воссоздания игры света на холсте.

Однако принципиальное отличие Liberty Leading the People от произведений импрессионизма состоит в том, что сюжет картины является вымышленным. Импрессионисты стремились изображать действительность и только правдивые истории. Они хотели воссоздать на своих полотнах жизнь, происходящую здесь и сейчас.

Искусство Гюстав Курбе также оказало влияние на импрессионистов. Он восхищался Делакруа, но он хотел изображать обычные предметы и реальные вещи. Он хотел реализма — откровенного и несовершенного.

Художником, который лучше всего суммировал наследие Делакруа и Курбе, был Эдуард Мане . Он стал первым «художником современной жизни» и вдохновил группу молодых художников, отвергнутых Академией.Эти художники объединились в первое направление истинно современного искусства — импрессионизм. Мане стал бунтарем Академии, хотя не хотел, и возглавил группу художников-диссидентов.

Эдуард Мане, Музыка в саду Тюильри , 1862, Национальная галерея, Лондон, Великобритания.

Развитие механизма и его особенности

Центром нового движения в искусстве был Париж второй половины XIX века . После неудачных попыток поступить в Академию в 1863 году они организовали мероприятие напротив Салона Академии для художников-импрессионистов (хотя тогда их так не называли).

Его организации способствовал сам Наполеон III. Конечно, не по доброте, а по политическим мотивам. Благодаря ему у недооцененных художников появилась площадка для демонстрации своих работ. Кроме того, это был четкий сигнал о том, что существует альтернатива устаревшему искусству Академии. Выставка называлась «Salon des Refuses» , что означает «Выставка отбраковок». На рядовых посетителей он не произвел впечатления, но наполнил молодых художников новыми идеями.

Пьер Огюст Ренуар, Лежащая обнаженная , ок. 1860 г., частное собрание. Википедия.

Тридцать художников собрались на первую выставку импрессионистов , которая называлась «Анонимное общество художников, скульпторов, граверов и других». Это произошло 15 апреля 1874 года на бульваре Капуцинов, 35 в Париже. Отборочной комиссии не было, и принять участие мог любой, кто заплатил взнос.

Эдгар Дега, Музыканты в оркестре , 1872, Штедельский музей, Франкфурт, Германия.

Отзывы об этом новаторском стиле были неблагоприятными. Критик Луи Леруа опубликовал сокрушительную критику выставки в газете Le Charivari . Он также непреднамеренно дал название новому движению, а также описал его ключевые особенности в своей критике.

Камиль Писсарро, Мост в Монфуко , 1874 г., частное собрание. Википедия.

Ключевые импрессионисты

Ключевые импрессионисты включают Эдуарда Мане, Клода Моне, Камиля Писсарро, Пьера-Огюста Ренуара, Альфреда Сислея и Эдгара Дега, и это лишь некоторые из них.

Альфред Сислей, Темза в Хэмптон-Корт , 1874, Институт искусств Кларка, Уильямстаун, Массачусетс, США.

Принципы импрессионизма

К основным чертам импрессионизма можно отнести:

— правдивая картина современных сцен из жизни;
— использование ярких натуральных цветов;
— стремление передать эфемерность момента, движения, эмоции, динамики и произвести впечатление на публику;
— отдавая предпочтение игре света над точностью изображения;
— живопись на улице, а не в студии, для точной передачи световых эффектов; следовательно, сюжеты в большинстве своем не были постановочными;
— сюжеты современные, городские, повседневные, буржуазные;
— использование динамических мазков, в которых цвета не смешиваются.

Со временем импрессионизм становился все более и более популярным, пока не стал полностью культовым движением — первым движением в искусстве современного мира.

Клод Моне, Кувшинки , 1916-1919. Википедия.

После выставки 1874 года в течение следующих 12 лет состоялось еще семь. После 1886 года группа импрессионистов, разделенная идеологическими различиями, распалась. Но сами художники никуда не делись. Они успешно работали над своими новыми картинами, и они тоже остались импрессионистами (по крайней мере, большинство из них).Как разведенная пара, они просто больше не были вместе.

• Эдгар Дега, Рест , ок. 1893 г., частное собрание.
• Эдуард Мане, Побег Рошфора , ок. 1881, Музей Орсе, Париж, Франция.
• Camille Pissarro, Boulevard Montmartre Spring , 1897, Музей Израиля, Иерусалим, Израиль.
• Alfred Sisley, Bristol Channel from Penarth, Evening , 1897, Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин, Огайо, США.
• Клод Моне, Туманное утро на Сене в Буэ , 1897, частное собрание.
• Pierre-Auguste Renoir,
  Julie Manet (также известная как «Ребенок с кошкой») ,
  1887, Musee d’Orsay, Paris, France.

Импрессионизм стал одним из самых ярких художественных направлений и основой современного искусства. Движение породило идеи «цветной игры» и упрощенного изображения предметов. Его эволюция изменила искусство ХХ века.

---

Прочитав эту статью, вы всего в одном курсе, чтобы стать экспертом в импрессионизме! Попробуйте наш новый онлайн-курс: Все, что вам нужно знать об импрессионизме .Поверьте, после его завершения вы действительно узнаете все, что нужно знать об импрессионизме.

Нажмите здесь, чтобы записаться: Курсы DailyArt — лучшее место для изучения истории искусства онлайн!

---

Хотите узнать больше об импрессионизме? Мы предлагаем:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших рассказах, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим и дальше писать об этом.

Определение различий между экспрессионизмом и импрессионизмом

Моне.Ренуар. Дега.

Кандинского. Кокошка. Шиле.

Вы, вероятно, узнаете все имена из первой группы и ни одно из имен из последней группы (если вы не изучали искусство всесторонне). Точно так же вы, вероятно, слышали о художественном стиле импрессионизма, но не о экспрессионизме. Хотя эти два стиля имеют похожие названия, это совершенно разные стили искусства, вдохновленные разными историческими периодами.

Импрессионизм зародился в конце 19 века во Франции и изначально не нравился традиционному художественному сообществу.Движение было названо в честь картины Моне под названием Impression, Soleil Levant , получившей много критики в парижской художественной среде. Считалось, что его искусство больше походило на набросок, чем на настоящую картину.

Одна из основных характеристик импрессионистской живописи — использование множества мелких мазков. В отличие от других стилей живописи, которые пытались сделать картины максимально реалистичными, импрессионизм использовал видимые мазки кисти как часть своего художественного стиля.

Использование цвета и нанесение его на холст также было уникальным для импрессионистского движения. В то время как художники использовали высокий цветовой контраст, чтобы сделать картины более яркими, края, где встречаются цвета, часто смешивались без резких линий. Трудно сказать, где заканчивается один цвет и начинается другой. Как вы можете видеть на картинке ниже, здесь нет сплошных линий, все размывается, несмотря на контрастные цвета неба, деревьев и пагоды.

Экспрессионизм, напротив, зародился в Германии в начале 1900-х годов.Это было основано на чувстве беспокойства о современном мире и было меньше сосредоточено на реальности того, что рисовалось, и больше на эмоциях, которые этот предмет вызвал у художника.

На изображении ниже изображен экспрессионистский пейзаж Рио-де-Жанейро. Хотя его нельзя сразу узнать как этот город, он отражает видение художника того, что представляет собой этот город.

Некоторые картины экспрессионистов даже более абстрактны. Многие будут чувствовать движение с крупными мазками или завитками.

Эти стили также очень похожи на абстрактное искусство и другие более современные стили искусства, на которые оказал влияние экспрессионизм.

Хотя и импрессионизм, и экспрессионизм зародились более 100 лет назад в Центральной Европе, художественные стили по-прежнему живы и процветают во всем мире. Художники из Азии, Африки и Южной Америки адаптировали художественные методы и стили к своему уникальному культурному наследию.

Владение оригинальными произведениями искусства для демонстрации в вашем доме помогает поддерживать художественные сообщества по всему миру!

Оцените это сообщение:

[Всего: 1 Среднее: 5]

Статья об импрессионисте из The Free Dictionary

— направление в искусстве последней трети XIX — начала XX века.Импрессионизм развивался во французской живописи конца 1860-х — начала 1870-х годов. Во время своего развития (1870-е — первая половина 1880-х годов) он был представлен группой художников, включая Моне, Ренуара, Дега, Писсарро, Сислея и Моризо, которые объединились в борьбе за обновление искусства и преодоление официальный академизм салона. С этой целью они организовали восемь выставок в период с 1874 по 1886 год. Мане, предвосхитивший новое направление в искусстве еще в 1860-х годах и имевший много общего с ним в 1870-х и 1880-х годах, не входил в эту группу художников. .Термин «импрессионизм» возник на выставке 1874 года, когда была показана работа Моне « Impression: Sunrise » (1872 год; сейчас находится в Музее Мармоттан в Париже).

Изобразительное искусство . Продолжая процесс освобождения искусства от условностей классицизма, романтизма и академизма, начатый реалистами между 1840-ми и 1860-ми годами, импрессионизм утверждал красоту повседневной реальности и простых демократических мотивов и искал яркую аутентичность в художественном изображении. .Импрессионизм придавал эстетическое значение современной жизни в ее естественном состоянии, во всем богатстве и блеске ее красок, захватывая видимый мир с присущей ему изменчивостью и воссоздавая единство между человеком и его окружением.

Акцентируя мимолетный момент в непрерывном потоке жизни, как будто он был случайно схвачен взглядом, импрессионисты отказались от повествования и повествования. В своих пейзажах, портретах, многофигурных композициях они стремились сохранить силу, свежесть и непредвзятость «первого впечатления», позволяющего уловить уникальную суть того, что мы воспринимаем, не вникая в отдельные детали.Изображая мир как постоянно меняющееся оптическое явление, они не пытались подчеркнуть его постоянные, глубокие качества. В импрессионизме познание мира основывается по большей части на острой наблюдательности — на визуальном опыте художника, который, пытаясь быть художественно убедительным, использует механизмы и законы естественного визуального восприятия. Процесс этого восприятия и его динамика отражаются в структуре произведения, которая, в свою очередь, активно направляет зрительское восприятие картины.

Однако упор импрессионизма на эмпиризм, который связывает его с натурализмом, временами приводил его приверженцев к самодостаточным визуальным живописным экспериментам, ограничивая возможности художественного познания основных черт реальности. В целом работы импрессионистов отличает жизнерадостность и увлечение чувственной красотой мира. Лишь в некоторых произведениях Дега и Мане встречаются горькие, саркастические нотки.

Импрессионисты первыми создали многогранную картину повседневной жизни современного города, воспроизведя неповторимость его ландшафта, облика его жителей, их обычаи, реже — их творчество.Более того, характерные для города развлечения часто были темой их картин. Однако их искусство не было в достаточной степени связано с темами социальной критики. Стремясь к истинному изображению повседневного природного мира, окружающего человека, художники-импрессионисты, в частности Писсарро и Сислей, развивали традиции барбизонской школы. Продолжая пленэрные эксперименты Констебля и барбизонской школы, а также Коро, Э. Будена и Дж. Б. Йонгкинда, импрессионисты довели пленэрный стиль до пика.В их пейзажах мотив повседневности часто трансформируется всепроникающим живым солнечным светом, который привносит в картину праздничное ощущение. Живопись на открытом воздухе дала им возможность воссоздать природу во всей ее живости, тонко проанализировать и мгновенно воспроизвести ее переходные состояния, а также уловить малейшие изменения цвета, производимые вибрирующим, колеблющимся миром воздуха и света, который органически объединяет человека и природа, и это становится в некоторых искусствах импрессионизма независимым объектом для репрезентации.(Последний феномен встречается главным образом в работах Моне.)

Чтобы сохранить свежесть и разнообразие красок природы в картине, импрессионисты (за исключением Дега) создали систему живописи, которая отличается распадом. сложных тонов в чистые цвета и взаимопроникновением отдельных штрихов чистого цвета. Кажется, что этот метод смешивает в глазах зрителя свет, яркую цветовую гамму, богатство тонов и рефлексов, а также цветные тени.Трехмерные формы, кажется, растворяются в покрове света и воздуха, которым они окутаны, и дематериализуются, их очертания колеблются. Игра разнообразных мазков, как пастозных, так и водянистых, придает красочному слою мерцающее качество — состояние рельефа, создавая таким образом необычное впечатление незавершенности, формирования образа перед глазами зрителя. Все эти качества связаны с желанием художника сохранить в своей живописи эффект импровизации, который в период, предшествовавший импрессионизму, допускался только в эскизах и обычно терялся при переработке их в законченные произведения.Таким образом, импрессионизм объединял эскиз и картину и часто объединял несколько этапов работы в один непрерывный процесс.

Картина импрессионистов — это фотографический кадр, фрагмент живого мира. С одной стороны, этим объясняется равная важность всех частей картины, которые одновременно рождаются под кистью художника и в равной степени участвуют в построении образов картины. С другой стороны, это объясняет, казалось бы, случайное качество и несбалансированность, асимметрию, смелые очертания фигур, а также неожиданные точки зрения и сложные ракурсы, которые активизируют пространственную конструкцию, так что, теряя глубину, пространство иногда «Отрывается» от плоскости или уходит в бесконечность.Импрессионистские методы композиции и пространства показывают влияние японской гравюры и, в некоторой степени, фотографии.

Исчерпав свои возможности как целостной системы и единого направления и дав толчок для дальнейшей эволюции искусства, импрессионизм начал приходить в упадок примерно с середины 1880-х годов. Придавая эстетическое значение многим аспектам действительности, импрессионизм вводил в искусство новые темы. Работы зрелого импрессионизма отличаются красочностью, непосредственностью и реалистичностью.В то же время импрессионизм характеризовался раскрытием чисто эстетических ценностей и новых выразительных возможностей цвета, акцентом на эстетическом исполнении и обнажением формальной структуры произведений. Эти черты, которые только зарождались в произведениях импрессионистов, получили дальнейшее развитие у неоимпрессионистов и постимпрессионистов. С 1880-х до второго десятилетия 20-го века импрессионизм оказал значительное влияние на многих художников за пределами Франции (например, М.Либерманн и Л. Коринф в Германии и К. А. Коровин, В. А. Серов, И. Е. Грабарь, молодой М. В. Лаврионов в России). Среди проявлений этого влияния — растущее знакомство с новыми аспектами реальности, овладение эффектами пленэра, облегчение палитры, эскизный стиль и освоение различных техник.

Принципы импрессионизма, такие как стремление передать мгновенное движение и нестабильность форм, в разной степени проявились в скульптуре между 1880-ми и вторым десятилетием 20-го века в работах Дега и Родена во Франции, М.Россо в Италии, П. П. Трубецкой и А. С. Голубкина в России. В то же время повышенная живописность импрессионистической скульптуры часто вступала в противоречие с тактильными, телесными качествами, присущими скульптуре как виду искусства.

Традиции импрессионизма ощущаются во многих реалистических направлениях искусства ХХ века. В определенной степени импрессионистическая живопись повлияла на развитие средств выражения и формирование некоторых импрессионистических принципов в литературе, музыке и драматургии.Однако в этих формах искусства импрессионизм не стал целостной художественной системой и не имел значения поворотного момента.

В литературе импрессионизм рассматривается в широком смысле как стилистическое явление, зародившееся в последней трети XIX века и включавшее писателей разных убеждений и методов. В узком смысле литературный импрессионизм считается тенденцией рубежа веков с определенным методом и подходом, граничащим с декадансом. Для так называемого импрессионистического стиля характерно отсутствие четко установленной формы и стремление передать тему фрагментарными мазками, мгновенно фиксирующими каждое впечатление, но также обнаруживающими их скрытое единство и связи при рассмотрении в целом.Как особый стиль, импрессионизм с его принципом ценности первого впечатления давал возможность продолжить повествование через детали. Поскольку они, очевидно, были взяты наугад, эти детали, казалось, нарушали строгую координацию повествовательного плана и принципа выбора существенного. Однако их «косая» правда придавала повествованию необычайную яркость и свежесть, а художественной идее — неожиданно многогранность.

Особенно среди великих писателей, таких как Чехов и Бунин, импрессионизм оставался стилистическим явлением, никогда не означая разрыва с художественными принципами реализма, но проявляясь в обогащении реалистических принципов и постоянном росте искусства описания.(Примером может служить описание грома Чеховым в повести «Степь ». Л. Н. Толстой отметил импрессионистические черты чеховского стиля.) Примерно в начале 20 века возникло несколько стилистических вариаций импрессионизма, основанных на реализме. Братья Ж. и Э. Гонкур («поэты нервов», «ценители неуловимых ощущений») были отцами «психологического импрессионизма», изысканная техника которого прослеживается в романе К. Голод .Гамсун, ранние произведения Т. Манна, в частности рассказы, произведения С. Цвейга, лирика И. Ф. Анненского. Пленэрную, мерцающую живописность можно ощутить в произведениях Гонкуров, в стиле описаний Золя Парижа (Страницы любви) и в произведениях датского писателя Я. П. Якобсена (роман Mogens ) . Подражая художнику, немецкий поэт Д. фон Лилиенкрон выражал лирические ситуации с помощью импрессионистических приемов, таких как синтаксис и ритм.Английские писатели и неоромантики Р. Л. Стивенсон и Дж. Конрад развили экзотически красочные черты импрессионизма. Их стиль был продолжен в «южных темах», встречающихся в литературе вплоть до рассказов Моэма. В произведении Верлена « Песни без слов» душевный трепет и живописный блеск («одни тени пленяют нас») сопровождаются музыкальным настроением, а стихи «Поэтическое искусство » (1874; опубликовано в 1882 г.) одновременно звучат как манифест импрессионизма. поэзия и предшественник символистской поэтики.

Позже, в произведениях Гамсуна и ряда других писателей начала 20 века, импрессионизм более или менее отошел от принципов реализма и превратился в особое видение и установку (или метод) — расплывчатый, неопределенный субъективизм, который частично предвосхитил поток сознания таких писателей, как Пруст. Этот тип импрессионизма с его «философией момента» поставил под сомнение смысл и моральные основы жизни. Культ «впечатления» заставил человека вернуться в себя.Только то, что было мимолетным, неуловимым и недоступным для чего-либо, кроме чувств, ценилось и считалось реальным. Колеблющиеся настроения вращались в основном вокруг темы «любви и смерти». Художественный образ строился на неопределенных, неполных комментариях и неясных намёках, которые лишь слегка приоткрывали завесу над роковой игрой бессознательных элементов в жизни человека. Декадентские мотивы характеризовали венскую школу импрессионизма (например, Х. Бар и А. Шницлер, в частности одноактные пьесы последнего Зеленый попугай , 1899, Куклы , 1906) и произведения польских писателей. Дж.Каспрович и К. Тетмайер. Импрессионизм оказал влияние на таких писателей, как О. Уайльд и Х. фон Хофманнсталь (лирика, в том числе Баллада о внешней жизни , драмы и либретто). В русской литературе влияние импрессионизма встречается в психологических очерках Б. К. Зайцева и лирике «мимолетного мгновения» К. Д. Бальмонта. К середине 20 века импрессионизм как самостоятельный метод исчерпал себя.

Музыка . В значительной степени термин «импрессионизм» может применяться к музыке лишь условно, поскольку музыкальный импрессионизм не был прямым аналогом импрессионизма в живописи и не совпадал с ним хронологически.(Импрессионистическая музыка расцвела в 1890-х и первом десятилетии 20-го века.) Самым важным в импрессионистической музыке является передача настроений, которые принимают значение символов и тонких психологических нюансов, а также тенденцию к поэтической, пейзажной программной музыке. Утонченная фантазия, поэтизация прошлого, экзотика, интерес к тембру и гармонической окраске также характеризуют импрессионистическую музыку, которая разделяет с импрессионистической живописью восторженное отношение к жизни.Избегают выражения острых конфликтов и социальных противоречий. Произведения Дебюсси являются классическими образцами импрессионизма в музыке, некоторые черты которого также присутствуют в произведениях Равеля, П. Дюка, Ф. Шмидта, Ж. Ж. Роже-Дюкасса и других французских композиторов.

Музыка импрессионизма унаследовала многие черты поздне-романтических и национальных музыкальных школ XIX века (например, «Русская пятерка», «Лист», «Григ»). Однако, в отличие от четкой рельефности контуров, тяжелой материальности и перенасыщенности музыкальной палитры позднего романтика, импрессионисты практиковали искусство, характеризующееся эмоциональной сдержанностью, прозрачной тонкой текстурой и мимолетными образами.

Творчество композиторов-импрессионистов значительно обогатило выразительные средства музыки, особенно гармонию, которая достигла большой красоты и изысканности в своих композициях. Импрессионистическая гармония сочетает в себе сложные последовательности аккордов с упрощенной, почти архаичной модальностью. В оркестровке преобладают чистые цвета, капризные блики и неустойчивые, неуловимые ритмы. Наибольшее внимание импрессионисты уделили модально-гармоническим и тембровым приемам, усилив выразительную значимость каждого тона и аккорда и открыв ранее неизвестные возможности расширения модальности.Часто опираясь на песенно-танцевальные жанры, элементы музыки народов Востока и Испании, ранние формы негритянского джаза, импрессионисты привносили в свои композиции особую свежесть.

В начале 20 века импрессионистическая музыка распространилась за пределы Франции. Его развитие было обогащено оригинальным вкладом М. де Фальи в Испании и А. Казеллы и О. Респиги в Италии. Своеобразие характерно для английского импрессионизма с его чувством «северного» пейзажа (Ф.Делиус) или экзотика (К. Скотт). В Польше экзотическое направление импрессионизма в музыке было представлено К. Шимановским (до 1920 г.), который имел пристрастие к сверхточным образам античности и древнего Востока. На рубеже веков импрессионистическая эстетика оказала влияние на некоторых русских композиторов, в частности на Скрябина, на которого также оказал влияние символизм, и на Стравинского. Хотя он был лидером антиимпрессионистского направления в западноевропейской музыке в послевоенный период, Стравинский начал свою творческую карьеру под влиянием русского импрессионизма, который, как ни странно, сочетался в его творчестве с влиянием Римского. Корсаковская школа.

О. В. М АМОНТОВА (изобразительное искусство) и И. В. N ЭСТ’ЕВ (музыка)

Театр . В театре на рубеже веков внимание режиссеров и исполнителей все больше сосредотачивалось на проблеме передачи атмосферы действия, настроения данной сцены и раскрытия ее скрытого смысла. Таким образом, подлинное ощущение и богатство жизни передавались с помощью намеренно мимолетных отсылок в сочетании с ярко выразительными деталями, раскрывающими затемненные чувства героя, его мысли и побуждения, стоящие за его действиями.Внезапные смены ритмических звуковых эффектов, яркие цветные декорации и костюмы использовались режиссерами для создания в спектакле определенной эмоциональной насыщенности, раскрывающей внутренний рост драматического напряжения, скрытый в рутине. Выразительные средства импрессионизма применялись в постановках А. Антуана (Франция), М. Рейнхардта (Германия), В. Э. Мейерхольда (Россия), а также в постановках МХАТ (например, постановки по пьесам Чехова). Современники отмечали особенности импрессионизма в спектаклях таких актеров, как Г.Режан (Франция), Э. Дузе (Италия), В. Ф. Комиссаржевская.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Mauclair, C. Impressionizm: Ego istoriia, ego estetika, ego mastera . М., 1908. (Пер. С французского)
Майер-Грефе Ж. Импрессионисты . Москва, 1913. (пер. С немецкого)
Вентури, Л. От Мане до Лотрека . М., 1958. (пер. С итальянского)
Ревальд Дж. История импрессионизма . Ленинград-Москва, 1959. (Пер. С англ.)
Импрессионизм . Ленинград, 1969.
Чегодаев А.Д. Импрессионисты . М., 1971.
Базен, Г. Л ‘; poque impressionniste , 2-е изд. Париж, 1953.
Leymarie, J. L’Impressionisme , vols. 1–2. Женева, 1959.
Danckert, W. «Das Wesen des musikalischen Impressionismus». Deutsche Vierteljahrsschrift für Literaturwissenschaft und Geistesgeschkhte , 1929, vol. 7, часть 1.
Koelsch, H. F. Der Impressionismus bei Debussy .Дюссельдорф, 1937. (Диссертация)
Schulz, H.-G. Музыкальный импрессионизм и импрессионистский клавирстиль . Würzburg, 1938.
Kroher, E. Impressionismus in der Musik . Лейпциг, 1957.

Большая советская энциклопедия, 3-е издание (1970–1979). © 2010 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

Что такое постимпрессионизм и как он влияет на искусство сегодня?

Постимпрессионизм , как и движение импрессионизма, считается одним из самых ранних авангардных движений XIX века .Заботы крупнейших и наиболее влиятельных художников и скульпторов, которые помогли создать стиль импрессионизма, привели к созданию работ, которые были сосредоточены на исследовании восприятия глаза, представлении изменчивой природы света и изображениях повседневной жизни в улицы, парки, кафе и бары. Но что такое постимпрессионизм? Следуя за предшественниками движения импрессионизма, постимпрессионизм был следующим поколением художников-авангардистов, которые использовали множество различных подходов, но то, что склеило их вместе, было их отказом от фокуса на оптике движения импрессионизма .Возникнув как реакция на заботу импрессионистов о натуралистическом изображении света и цвета, художники постимпрессионизма боролись за то, чтобы вернуть фокус на предмет и структуру картин, которые, по их мнению, были потеряны. Художники постимпрессионизма, в которых преобладали великие личности, такие как Поль Гоген , Поль Сезанн , Жорж Сёра , Винсент Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек , использовали разные подходы и продолжали развиваться. достижения предыдущего художественного движения.

Вы коллекционер произведений искусства? Обратите внимание на этот принт Анри де Тулуз-Лотрека, который выставлен на продажу!

Слева: Винсент Ван Гог — Автопортрет с перевязанным ухом / Справа : Поль Гоген — Желтый Христос. Изображения через wikiart.org

Элементы искусства постимпрессионизма

Отрываясь от натурализма импрессионизма и сосредотачивая свое искусство на субъективном видении художников, вместо того, чтобы следовать традиционной роли искусства как окна в мир, художники движения постимпрессионизма сосредоточились на эмоциональном , структурные, символические и духовные элементы , которые, по их мнению, отсутствовали в импрессионизме.«Изображение проходящего момента » в картинах импрессионизма, таких как серия картин Клода Моне, для начинающих новых авторов, создало картины, лишенные структуры. Пытаясь подойти к этому вопросу, художественное движение постимпрессионизма, кажется, разделено на два основных направления мысли.

Подобно предыдущему разделению неоклассического и романтического искусства, разделение движения постимпрессионизма также существовало на более структурных, формальных, почти научных стилях дизайна Жоржа Сёра с его теорией точек , позже известной как пуантилизм и Поль Сезанн, который сосредоточил свою практику на исследовании цветовых плоскостей , в то время как, с другой стороны, искусство Гогена, Ван Гога и Тулуз-Лотрека подчеркивало выражение эмоций и ощущений через свет и цвет .Из этих двух направлений искусства постимпрессионизма возникли крайности отдельных стилей искусства 20-го века, от кубизма до сюрреализма.

Анри де Тулуз-Лотрек — В цирке Фернандо, Всадник. Изображение взято с wikiart.org

Различные подходы, концепции и стили

Самым ранним признаком новой тенденции, порвавшей с импрессионизмом, был стиль живописи Жоржа Сёра. Он разработал стиль живописи, известный как пуантилизм, который относится к использованию точки или точки в качестве основы для построения картины.Его метод живописи, продуманный с научной точки зрения, следуя строгому дизайну узоров и используя даже один из старейших композиционных инструментов, золотое сечение, сохранил яркую и несмешанную цветовую схему картин импрессионизма и тем под открытым небом, но добавил дизайн, основанный на геометрические формы. Идеально сбалансированные композиции картин Сёра безмерно отличаются от ярких и кричащих картин Винсента Ван Гога. Пытаясь выразить самые глубокие эмоции и выражение его измученной души, картины Ван Гога опирались на насыщенные цвета и широкие мазки, чтобы вызвать внутреннее смятение художника.И Ван Гог, и Поль Гоген отвергли «отвратительную ошибку натурализма » в пользу более личного, духовного выражения.

«Я мечтаю рисовать, а потом рисую свою мечту». — Винсент Ван Гог

Ван Гог и Гоген разделяли интерес к символическому содержанию и создавали изображения, которые были вычтены из их естественного внешнего вида, где чувства художника к предмету и его взгляды на эстетическое рассмотрение цвета, линии и формы были наиболее важными. элементы для создания своих картин.Ван Гог также находился под влиянием множества источников, и его любовь к стилизованным изображениям японских гравюр на дереве также была очевидна в работах Анри де Тулуз-Лотрека, чьи уникальные изображения парижской ночной жизни привели к созданию картин и литографий. с четкими очертаниями и плоскими цветовыми плоскостями японских ксилографов.

Посмотрите другие работы Гогена на нашей торговой площадке!

Слева : Поль Сезанн — Замок Нуар / Справа : Поль Сезанн — Лес у Скалистых пещер над Замком Нуар.Изображения через wikiart.org

Чем мы обязаны постимпрессионизму

Большинство рассматривает исследование графической формы и исследование базовой формальной структуры изображенного предмета, которая сформировала практику Поля Сезанна, как наиболее важное и влиятельное наследие, которое последовало из движения. Его идеи о том, что простейших геометрических форм образуют основную структуру любого предмета , склеивали постимпрессионизм и кубизм и были чрезвычайно важны для влиятельных художников современности, таких как Анри Матисс и Пабло Пикассо, которые даже зашли так далеко, что называют Сезанна «отцом всех нас».Эта ссылка была не единственной, поскольку эстетическое влияние движения оказало влияние также на экспрессионизм и фовизм. Некоторые даже зашли бы далеко, заявив, что современные движения, основанные на идентичности, такие как искусство феминизма, также могут быть связаны из-за серьезной озабоченности художников своими личными стилями и индивидуализмом, когда картины рассматривались как представляющие окно в разум и душу художника.

Ранний акцент на абстрактных узорах, геометрических формах и структуре с одной стороны повлиял на рождение кубизма и абстрактного искусства, а также на важность личности, помог сформировать экспрессионизм и даже работы абстрактного экспрессионизма.В настоящее время в широком спектре произведений, создающих современное искусство, наследие постимпрессионизма нельзя сбрасывать со счетов. Основные тенденции сегодня по-прежнему экспериментируют с цветом, формой, живописными плоскостями, и мы являемся свидетелями подъема геометрических абстрактных работ. Необходимость экспериментов и переопределения всего лежит в основе современного искусства сегодня, а также в основе постимпрессионизма.

Совет редакции: Постимпрессионисты

Сосредоточенная на истории и основных событиях постимпрессионистского движения , книга является отличным путеводителем в мир главных деятелей искусства и произведений.Книга представляет собой введение в постимпрессионизм 1880-х и 1890-х годов и исследует движение через исследование основных выставок, тем, теорий и даже сосредотачивается на отдельных персонажах главных фигур.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях. Избранные изображения в слайдере: Жорж Сёра — Воскресенье на La Grande Jatte. Изображение взято с Wikipedia.org; Винсент Ван Гог — Звездная ночь над Роной. Изображение взято с Wikipedia.org; Поль Сезанн — Rideau Cruchon et Compotier, деталь.Изображение с сайта mostfamousartwork.blogspot.com; Анри де Тулуз-Лотрек — В постели поцелуй, фрагмент. Изображение с сайта Totallyhistory.com

Тенденции в искусстве: возрождение постимпрессионизма

Художественные движения проистекают из желания вырваться за рамки прежних художественных условностей. Например, импрессионизм — это отход от реализма не только в технике, но и в композиции. Выразительные мазки произведений импрессионистов подчеркивают, как свет попадает на плоскости определенного предмета.Художники этого движения также создавали мгновенные впечатления от своих предметов, еще больше отделяя себя от реалистичных изображений мира. Таким образом, постимпрессионизм — это отход от спонтанности и использования цвета, символизирующего импрессионистское движение.

Постимпрессионизм отстаивал сознательную композицию живописи и символизма, особенно когда дело касалось цвета. Вместо того, чтобы применять цвет естественным образом, постимпрессионисты использовали его для передачи эмоций и смысла отдельно от предмета картины.Тем не менее, несмотря на этот отход от импрессионизма, постимпрессионисты также обратили внимание на искусственность среды.

В чем же тогда причина возрождения интереса к постимпрессионистскому искусству сегодня? Это примета времени?

Подлинные постимпрессионисты

Конечно, есть постимпрессионисты, которых знает большинство художников и искусствоведов: Ван Гог, Гоген, Сезанн, Тулуз-Лотрек. Однако из этих имен только два появились на текущем рынке с повышенным интересом.Ван Гог, конечно, нарицательное имя, но как насчет Тулуз-Лотрека? Что такого особенного в работах обоих этих художников, что ставит их на передний план этого современного возрождения постимпрессионизма?

Винсент Ван Гог

Работы Винсента Ван Гога фактурны и состоят из выразительных мазков. Благодаря цвету и вниманию к фону он часто изображает предметы или пейзажи, передающие чувство одиночества и изоляции. Всегда были теории о психическом здоровье Ван Гога.Фактически, в недавней статье ARTnews говорилось, что в течение своей жизни у него было несколько расстройств, а не одно. Возможно, это новое предположение привело к отличным результатам Ван Гога на арт-рынке 2020 года, когда его картины продавались по цене выше прогнозируемой на аукционе.

Или, может быть, мы можем связать рыночные успехи его искусства с иммерсивной выставкой Ван Гога, которая путешествовала по миру. В этом интерактивном опыте посетители могут перенестись в угрюмые пейзажи Ван Гога и почувствовать эмоции его работ.

Пшеничное поле с воронами Винсента Ван Гога

Анри де Тулуз-Лотрек

Другой художник-постимпрессионист, участвовавший в недавнем возрождении этого движения, — Анри де Тулуз-Лотрек. Хотя его работы сильно отличаются от Ван Гога по тону и тематике, Тулуз-Лотрек по-прежнему использует цвета, которые представляют ощущение пространства или внутренние эмоции объекта. Его работы живы, выражены ли они в движениях танцоров или в самих мазках.

Тулуз-Лотрек также входил в круг общения тех, кто находился на периферии общества. Его работы, без сомнения, далеки от почти мрачных картин Ван Гога. Однако их сходство заключается в выразительности мазков и в том, как они используют цвет для возбуждения эмоций. Картины Тулуз-Лотрека также хорошо проявили себя на арт-рынке 2020 года, продав их намного выше рыночной оценки. Может ли быть, что обществу нужно среди повседневного хаоса более резонансное изображение внутренних состояний бытия?

В Мулен Руж, Танец Анри де Тулуз-Лотрека

Постимпрессионизм в современном контексте

Можно утверждать, что рост интереса к творчеству Ван Гога и Тулуз-Лотрека можно объяснить тем фактом, что они оба являются известными художниками.Их рост на рынке мог быть просто результатом того, что их оригинал наконец стал доступен, и коллекционер с нетерпением выхватил его. Это, безусловно, верное предположение. Однако недавняя популярность современного искусства с похожим стилем заставляет меня думать, что возрождение постимпрессионизма больше связано с общественным желанием, чем с признанием имени. Вот несколько современных художников, на которых, похоже, оказало влияние постимпрессионистское движение.

Амоако Боафо

Художник из Ганы и Австрии Амоако Боафо установил личный рекорд на рынке в конце 2020 года.Его работы расписаны пальцами, но вы все еще можете видеть, как свет падает на фигуру в сцене. Здесь нет ни реализма, ни внимания к натуралистическим цветам, ни попытки замаскировать среду.

Cobalt Blue Earring от Amoako Boafo

Derek Fordjour

Живущий в Нью-Йорке художник Дерек Форджур также опирается на идеи и методы постимпрессионизма. Его работы текстурированы, заставляя вас осознать, что вы смотрите на произведение искусства. Кроме того, Fordjour не использует натуралистические цвета, а использует цвет, чтобы передать тон работы.В работах Fordjour нет по-настоящему гладких поверхностей. Он предназначен для представления коллективного чувства тревоги и является отражением эмоций, связанных со смертью и расовым насилием. Цель Fordjour с помощью цвета и текстуры — показать уязвимость, присущую черному существованию.

Бен Квилти

Австралийский художник Бен Куилти также использует методы постимпрессионизма. Его мазки и короткие мазки краски заметно подчеркивают то, как свет попадает на объекты и тела, изображенные в его работах.В чем он отклоняется от постимпрессионистского подхода, так это в том, как он использует сюрреализм. Он кружит и искажает предметы и складывает странные предметы вместе, опираясь на сюрреалистические пейзажи снов. Куилти также уделяет внимание пандемии и ее влиянию на общество. Есть ли что-то в том, как это искусство изображает тело в движении или в статике, особенно во время кризиса, что стоит за возрождением постимпрессионизма?

Почему мы сейчас тянемся к искусству постимпрессионизма?

Возрождение постимпрессионизма, возможно, знамение времени.В муках глобальной пандемии, пытаясь справиться с новым разрывом с другими и более ограниченным образом жизни, мы все придерживаемся другого мышления. Политический климат также был напряженным и пугающим, как если бы мы наблюдали, как все рушится прямо на наших глазах.

В разгар кризиса мы находим ценность в искусстве, которое показывает вещи такими, какие они есть, не обязательно прямо, но посредством выразительных мазков краски и символического представления коллективного психического состояния населения.Идеализм предмета — это не то, что вызывает эмоциональную реакцию. Что важно сейчас, так это признание наших чувств в этот момент, когда мы спрашиваем себя, мир, все. Нет места, чтобы все сгладить.

Это не значит, что есть коллективное чувство цинизма и безнадежности, а скорее, что существует желание испытать искусство, которое передает правдивое чувство подавляющих эмоций. Сейчас приятно осознавать, что не только мы чувствуем то, что чувствуем.В конце концов, мы хотим чувствовать, что на самом деле мы не одни.

---

Следите за новостями о новых тенденциях в мире искусства, которые появятся в ближайшее время !

Объяснение постимпрессионизма и модернизма

Жорж Брак, L’Aquarium (Аквариум), ок. 1950 [/ caption]

Постимпрессионизм и Модернизм — две категории искусства, которые постоянно обсуждаются в мире искусства, поскольку они определены в общих чертах.В зависимости от аукционного дома или художественной галереи, художники кажутся взаимозаменяемыми между классификациями. Это сбивает с толку понимание их места в более широком контексте истории искусства. Все это потому, что постимпрессионизм технически может подпадать под модернизм, поскольку он кратко охватывает тот же период времени. Однако постимпрессионизм отличается тем, что описывает конкретное место и период времени, полностью игнорируя то, что происходит в остальном мире. С другой стороны, модернизм имеет дело с аналогичным периодом времени в глобальном масштабе.

Постимпрессионизм — термин, созданный британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане. Что отличает постимпрессионистов от импрессионистов, так это постоянное использование ярких цветов с густым нанесением краски и акцентом на реальных предметах, но с большей склонностью подчеркивать геометрические формы и искажать форму для выразительного эффекта с использованием произвольных цветов.

Художники, которые считаются постимпрессионистами, включают Ван Гога, Гогена, Сёра, Редона, Тулуз-Лотрека, Сезанна, Руссо, Синьяка и Вуллара.Как вы можете судить по их работам, ни один из их стилей не особенно похож. Это связано с тем, что постимпрессионизм не обязательно является классификацией стилей, это классификация местоположения, строго ограниченная художниками во Франции после Мане. Джон Ревальд, известный историк искусства, еще больше ограничил классификацию годами между 1886 и 1914 годами. Поступив так, французское изобразительное искусство было просто определено в более широком контексте изменений, происходящих в остальном мире.

Анри де Тулуз-Лотрек, La Revue Blanche, 1895 [/ caption]

Это подводит нас к модернизму, философскому движению, которое, наряду с культурными тенденциями и изменениями, возникло в результате широкомасштабных и далеко идущих преобразований в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков, которые повлияли на художественное восприятие.Художники-модернисты включают Пикассо, Брак, Матисс, Мур, Леже и Дюфи и многие другие. Модернизм отвергал традицию и выступал за возврат к основным основам искусства. Художники восприняли вновь обретенную свободу выражения мнений, экспериментов и радикализма, бросив вызов норме. Они считали, что искусство должно происходить из цвета и формы, а не из изображения мира природы. Сам модернизм включает в себя широкий спектр художественных движений, которые произошли в этот культурно богатый период времени.Таким образом, модернизм, в отличие от постимпрессионизма, представляет собой обобщенный ярлык, который описывает основные философские чувства, которые испытывали художники того времени.

Как видите, эти две категории классификации искусства предназначены для определения очень хаотичного и удивительно творческого периода истории искусства. Хотя постимпрессионизм ориентирован исключительно на художников во Франции, а модернизм на более широкое западное общество, их следует должным образом использовать в мире искусства и достичь всеобщего согласия по классификации художников.Это поможет прояснить недоразумения, возникающие при обсуждении искусства и художников в то богатое время, когда процветало художественное творчество и процветало еще больше художественных движений.

ЕЩЕ СТАТЬИ:

Посмотрите наш инвентарь Пабло Пикассо здесь: инвентарь Пабло Пикассо

Просмотрите наш инвентарь Анри Матисса здесь: Опись Анри Матисса

Посетите нашу страницу художественного образования здесь: Masterworks Fine Art Gallery Art Education

.