Русские художники романтики: Романтизм в русской живописи 19-20 века

Романтизм в русской живописи 19-20 века

С начала 19 века на территории России наблюдался культурный и духовный подъем. Страна шла вровень с другими странами, а подчас опережала их в культурных достижениях. Основными культурными центрами стали города. Этот период считается золотым веком живописи, в том числе отмечались проявления романтизма в живописи 19, 20 века в России. В основном характерны для творчества были реализм и романтизм, хотя официально признавался классицизм, Академия художеств препятствовала свободному творчеству. Поощрялись мифологические или библейские тематики, однако этого для молодых и одаренных русских художников было недостаточно, поэтому часто они писали портреты.

В живописи удалось воплотить романтические идеалы, отразить период национального подъема, в романтизме художники нашли возможность показать неповторимость окружающего мира. Далее от портретных и пейзажных работ романтизм распространился на другие направления, спровоцировал рождение бытового жанра.

За историческими тематиками скрывались романтические темы и идеи. Романтизм позволил проявить многое: сильные страсти, духовность и творческие порывы, прошлое идеализировалось, природа создавалась одухотворенной. Больше всего романтизм проявился в изобразительном искусстве, огромный вклад в жанр русской живописи сделали А. Иванов, В. Тропинина, О. Кипренский, К. Брюллов, и многие другие художники. 

 

Романтизм в русской живописи

 

Кипренский Орест Адамович

Художник оставил заметный след в Романтическом направлении живописи, писал портреты и другие работы. Он прекрасно справлялся с историческим направлением, академическими стандартами, но талант раскрыл в портретах, где проявилась его непринужденность и естественность передачи. Постепенное его возможности к отражению светового настроения, драмы, выразительности только улучшились – полотна наполнились жизнью и эмоциями. Кипренский умел добиться непринужденности даже в строгом парадном портрете, в том числе художник нарисовал романтический портрет Пушкина А.

С. В творчестве присутствует немало бытовых типажей, а к зрелым годам он больше тянулся к написанию несколько волшебных работ. Отражалось предназначение России и аллегорическое видение истории Европы.

Некоторые работы художника пропали либо не были закончены, зато его творчество отразилось в творчестве А. А. Иванова и К. П. Брюллова.

Реалистичность и романтизм в работах В. А. Тропинина

Немалую толику романтизма в русскую живопись внес Тропинин. Изначально он придерживался сдержанной красочной гаммы, делая моделей центром образа. Уже позже он научился добиваться большей скульптурности, улучшил передачу объема, а самое главное – он начал передавать подвижность стихии жизни со всей ее романтичностью. При этом герои портрета стали только частью работы. Были написаны несколько портретов А. С. Пушкина, один в мечтательном образе, словно поэт прислушивается к музе. Другая работа противоположна, Пушкин показан не очень счастливым, но умудренным опытом.

Тропинин удивительно передавал домашнюю обстановку – от нее словно веет уютом, в работах много простых и духовно богатых лиц. В том числе это обычные люди, не относящиеся к высшему сословию.

Идейные образы Карла Брюллова

Художник выполнил немало интересных работ, в том числе его вдохновили печальные события Помпеи, он сам побывал в зоне раскопок античного города. Результатом стало полотно «Последний день Помпеи», попасть на территорию России оно смогло только через 3 года. Брюллов отразил самоотверженность и мужество, которые могли показать люди перед лицом столь страшной катастрофы, им были выбраны удивительные краски. Художник умел увидеть красоту и передавать все от солнечного луча на свежей зелени до совершенства обнаженного тела. Из-под его кисти выходили интимные и парадные портреты, исторические события.

Бытовой романтизм работ А. Г. Венецианова

Объединение бытового жанра и романтизма в русской живописи 19 века наглядно заметно в картинах Венецианова. Основой сюжетов художника стали крестьяне, при этом во всех изображениях можно отметить склонность к приукрашиванию, идеализации, сентиментальности. Он отлично показывал человеческие достоинства, благородство обычных людей, изображая их за работой и не подразделяя с учетом социального положения.

 

Сатира, быт и романтизм творчества П. А. Федотова

Полотна живописца разоблачают скрытые тайны «сливок» общества, их мораль и наполнены сатирическим высмеиванием. Уже в начале карьеры художник обращался к сатирическим зарисовкам. Именно в этом стиле созданы многие картины, например «Вдовушка» или «Сватовство майора».

Марины И. К. Айвазовского

Многие считают, что работы Айвазовского – отражение красоты стихии в реалистичном стиле, на самом деле в каждой из них есть влияние романтизма. Художник великолепно передавал морские волны, красоту кораблей, воздуха, различные погодные явления.

Он не относился к реалистам, а большую часть полотен писал не с натуры, а по наброскам и памяти, поэтому нередко грешил против достоверности. Работы были хороши с технической стороны, но за отсутствие соответствия реальности его часто порицали.

Сложился романтический стиль с учетом влияния окружающей обстановки, рассмотреть романтический стиль в работах можно за счет характерных визуально-смысловых компонентов. Среди таких идей – бунтующий и волнующийся океан, который готов поглотить человека. Ведь насколько ничтожен человек по сравнению с океаном и стихией. Такой прием заметен не только за счет моря, но и окружающей природы или гор.

С. Ф. Щедрин – работа с натуры

Также романтизм и сентиментализм в русской живописи представляют работы Щедрина. Художник отходил от канонов, уделяя внимание живости передаче. Больше всего он рисовал природу, стремясь к естественности и отстраняясь от условности в цветах и четкости деления пространства. Ценил живописец скалистую местность, в частности скалистые бухты, природную красоту. Позже в его творчестве появились более мрачные силуэты, тревожность, выраженная слабым лунным освещением.

Идейная живопись А. И. Иванова

Хотя художник придерживался академического построения, патриотичности, гражданственности, в его работах заметно влияние романтизма. С его работ на зрителя смотрят величественные соборы, замки, важные для страны здания. Также он уделял время написанию реальных событий из истории.

 

В период 19-20 веков романтизм в России уверенно развивался и откладывал свой отпечаток на творчество художников. Отмечался взлет искусства, многим русским рисовальщикам удалось добиться высочайшего уровня мастерства и встать на один уровень с наиболее прославленными европейскими художниками.

Основными темами жанра было: обличение проблем крепостничества, идеи пробуждения души, при написании портретов стремились показать особенности души, чувства.

Появилось много исторических картин, пейзажей, изображений обычного народа, представителей отдельных профессий, писали детские портреты. Художники стремились показать красоту родной природы с лучшей стороны, рисуя пейзажи и активно используя крестьянскую тему.

Русские художники и романтизм в пейзажной живописи

Вторая, более сильная и открыто проявлявшаяся волна русского романтизма в живописи сказалась в творчестве М. Н. Воробьева и И. К. Айвазовского. М. Н. Воробьев (1787—1855) в своих видах Петербурга развивает романтическую трактовку городского пейзажа, начатую Алексеевым. Но тихая, спокойная поэзия и красота повседневного сменяются в живописи у Воробьева романтизмом подчеркнутой поэтичностью мотива лунных ночей, напряженностью и сконденсированностью переживания, характерной для романтиков. Развивает Воробьев и видописание, так же, как и М. Иванов, сочетая его с батальной тематикой. Русские современники особенно ценили в романтизме живописи М. Воробьева поэтическую передачу атмосферы, ее эмоциональную выразительность. Мы видим это в «Иерусалиме ночью» (1820-е гг.) с его таинственной тишиной; фиолетовой гаммой художник передает ночной воздух.

Воробьев в рамках романтизма в русской живописи воспитал целую плеяду пейзажистов, работавших в разном роде. Братья Чернецовы были преимущественно видописцами и изображали русские виды Волги, Петербурга, Кавказа. Их работы характеризуются соединением перспективизма с романтическими приемами и эффектами. Все это мы видим в картине Г. Г. Чернецова (1802—1865) «Парад по случаю открытия памятника Александру I в Петербурге», характерной также и сюжетом военного парада.

Ярким представителем пейзажного романтизма в стал ученик Воробьева И. К. Айвазовский (1817—1900), вошедший в русскую живопись как поэт морской стихии. В своем долголетнем творчестве Айвазовский постепенно переходил от романтизма в русской живописи с ее мотивами лунных ночей («Мыс Фиолент»), бурь и кораблекрушений и яркой разноцветностью красок к более реалистическим, спокойным и значительным образам моря («Черное море»).

Замечателен вклад в романтизм русской живописи А. А. Иванова (1806—1858). Он писал этюды с натуры для фонов своих картин. В особенности много романтических пейзажей было сделано им для «Явления Христа народу». Та серьезность, глубина, с которой Иванов относился ко всякой встававшей перед ним задаче, сказалась и здесь. Его романтические поиски пейзажного фона для картины превратились в многолетнее, поражающее своими достижениями, художественное освоение и отображение природы в русской живописи. В процессе работы над пейзажными этюдами создавались, разумеется, и такие, как «Аппиева дорога», которые не были связаны с картиной.

Романтически пейзажи Иванова представляют собой замечательные образцы правдивого, глубоко продуманного и прочувствованного изображения природы в русской живописи. Работая прямо на натуре, Иванов достигает больших результатов в передаче света, воздуха, сохраняя при этом всю силу и яркость цвета, его эмоциональную выразительность и даже символику. С огромной убедительностью передает он пространство, подчеркивая его фигурами мальчиков или изображая дали сквозь деревья, рисуя море крыш города. Материально убедительны и вместе с тем одухотворены романтикой в его пейзажах и деревья, и море, и полоса тумана, и камни, видимые в воде. Никто из представителей русской живописи того времени не внес столько романтики в процесс передачи натуры, как Иванов, который всегда стремился сочетать верность искусству художника с возвышенным воззрением на природу. Его не удовлетворяет писание ландшафтов только «портретным образом», и он вкладывает в них, как в свою историческую и мифологическую живопись, большое философское содержание. Его этюды в своей глубокой внутренней содержательности, композиционности и живописном совершенстве смотрятся, по сути дела, как картины.

Ограничимся для краткости только упоминанием промежуточных явлений. Таковы пейзажи Н. Н. Ге (1831—1894), связанные с традициями и классицизма в русской живописи, и романтики. В них видно и стремление продолжить русские традиции пейзажных этюдов А. Иванова. Таково своеобразное выражение тех чувств и настроений, которые роднят творчество П. А. Федотова с повестями о «бедных людях» Гоголя и Достоевского в пейзаже «Зимний день», писанном то ли самим Федотовым, то ли художником его круга. Таков пейзаж «Дорога в окрестностях Петербурга» 50-х годов, работы Н. Д. Ульянова (1816—1856). Подобные пейзажи связывают романтические традиции в живописи венециановцев с русскими пейзажистами 60-х годов.

Романтизм в русской живописи особенно проявился в задачах обличения и поучения, ставших главными в эпоху высокого демократического подъема. Задачи эти, естественно, осуществлялись главным образом в жанровой живописи, которая поэтому господствовала в русской живописи 60-х годов. Но «нравственно-общественное направление» романтизма в живописи отражалось и на возникавшем в это же время новом русском пейзаже. В ранних работах М.К. Клодта, Л. Л. Каменева и других мы видим унылые и бедные картины русской природы, которые, с одной стороны,  как бы указывали на нищету и тяжесть народной жизни, а с другой стороны стали ярким отражением романтизма в русской живописи того времени. Так трактует природу и жанровая живопись. В. Г. Перов в пейзажных фонах своих картин («Сельский крестный ход на пасхе», «Последний кабак у заставы» и др.) использует унылый пейзаж для усиления выразительности, эмоционального звучания изображения.

Другие статьи цикла «Русские художники»

Часть 1. Русская пейзажная живопись

Часть 2. Пейзаж в русской живописи

Часть 3. Классицизм в русской пейзажной живописи

Часть 5. Природа в пейзажах 70-х годов XIX века

Часть 6. Природа в пейзажах художников конца XIX века

Часть 7. Природа в пейзажах живописцев конца XIX начала xx веков

Часть 8 Пейзажи в творчестве художников первых десятилетий XX века

Русская живопись эпохи романтизма

Основной индекс Русский Живопись эпохи романтизма

Как видно из раздела «Портрет Картина при Елизавете и Екатерине». Портретная живопись XVIII века в России отражала понимание господствовавшего в то время общества: мужчины и женщины сначала рассматривались как типы (как члены класса) и лишь во вторую очередь как индивидуумы. Многое изменилось с портретами Ореста Кипренского. Теперь настроение было направлено к конкретному человеку как к одному индивидууму с особым психологическим ответственности перед обществом и перед собой.

Орест Кипренский (1782-1836) родился внебрачным сыном дворянина и воспитывался как крепостной. Когда его талант был признан на в раннем возрасте его отправили в Академию художеств. Хотя обучался как история живописец Петербургской академии, Кипренский со временем сосредоточился по портретной живописи. Его нетрадиционные автопортреты являются замечательными иллюстрациями. растущего самосознания, которое характеризовало романтическое движение. Об этом свидетельствует его портрет полковника Ефграфа Давыдова (1809 г.). Его портрет поэта Александра Пушкин — одно из самых известных его произведений. Смешанные ингредиенты раннего Романтизм, классическая ссылка на статую на заднем плане, клетчатый пояс в стиле Байрон вместе создают комбинацию реального и идеального в поэзии Пушкина. Способ, которым предмет его голова повернута, и выражение его лица — романтические утверждения отдельных личность.

Карл Брюллов (1799-1852) был одним из самых знаменитых художников своего времени и первым Русский живописец с мировым именем. У него было родился в Италии и приехал в Россию с отцом — скульптором по имени Брюлло, фамилия которого была русифицирована до Брюллова. По 1823 г. сын Брюллова завершил обучение в Академии и отправился в Рим. Там ему пришла в голову идея нарисовать разрушение Помпеи при извержении Везувия. В подготовка этого монументального полотна, процесс, который занял три лет (1830-33) Брюллов настаивал на исторической достоверности. Он посетили руины древнего города (в котором велись раскопки в то время, когда он задумал картину), изучал артефакты повседневной жизни в Неаполитанском музее и читать Плиния Младшего рассказ об извержении Везувия. Когда «Последний день Помпеи» (1830-33) был закончен, итальянская пресса назвала его шедевром. и Брюллов прославился. Публичный энтузиазм легко понять, как Брюллов предложил что-то на любой вкус: он дал мелодраматический трактовка классического предмета с множеством реалистических деталь. С его грандиозной, многофигурной сценой и драматическим действие, картина меняет ход истории русской живописи, вдохновляя других на попытки создания таких же сложных композиций. Когда он вернулся в Россию в 1841 г. Брюллов был провозглашен величайшим мастером того времени. и ожидалось, что он повторит или даже превзойдет свою первую работу. Он никогда не создавал ничего в таком масштабе, но создал много портретов. На портрете сидящего принца Голицына (1838-40) Брюллов воссоздал не только человека, но и также его окружение. Шпалера с растущими растениями, повторная в дальней комнате свидетельствует о чувстве испытуемого к природа. Обратите внимание также на распределение света по всему пространство комнаты. Многие русские преуспели в традициях роспись интерьеров.   Александр Иванов (1806-58) . Можно утверждать, что Александр Иванов, сын художника-историка Андрея Иванова, был самым значительным Русский художник второй четверти девятнадцатого века, хотя он провел большую часть своей жизни в Италии. Его философский проницательность, романтико-реалистический стиль и новаторские исследования характеризуют направления русского искусства XIX века. Уникально одаренный и обученный реализовать свой потенциал, Иванов жил в городе своего рождения, Санкт-Петербург, до его отъезда в Италию. Сначала он учился с отцом, профессором Петербургской академии искусств, а в 1817 г. стал официальным студентом Академии. 1830 художник переехал в Рим при поддержке Общества Поощрение художников. Хотя он посвятил большую часть своего времени к копированию произведений итальянских мастеров, он также создал свои собственные композиции. Он сосредоточился на предметах Ветхого и Нового Завета так как они предложили психологическую сложность, которая уволила его воображение и испытал свои способности как реалиста. «Явление Христа Мария Магдалина после Воскресения» была задумана художником в качестве проверки его способностей выполнить еще более амбициозную многофигурную состав. Изображение сложной эмоции на коленях фигура Магдалины особенно привлекла внимание зрители. Иванов был одержим способность художника передать нюансы эмоций. В то время как двадцатый век художники и критики, возможно, уделяют меньше внимания выражению эмоциональности, любая оценка творчества Иванова должна основываться на этом аспекте. его работы с учетом. Коллеги артиста были так впечатлены по «Явлению Христа Марии Магдалине после Воскресения» что ему присвоили звание академика. После 1833 года, когда «Последний День Помпеи» произвел такую ​​сенсацию, Иванов стал считать выполняя такую ​​же большую работу. Иванов был глубоко верующим человеком. взято с предметом первого явления Иисуса к народ, объявленный Иоанном Крестителем. Иванов выбрал эпизод потому что он чувствовал, что она охватывает религиозные, исторические и философские идеи, которые его больше всего волновали: духовные и нравственные преображение человечества. » Явление Христа народу» (1836-1855) объединяет ряд отдельных событий Евангелия: проповеди Иоанна и его крещение народа на переднем плане и пришествие Христа на расстоянии. Иванов предназначен для своей картины превзойти по духовной глубине и естественной истине все прежние религиозная живопись на Западе. Поэтому он предпринял самые масштабные учился и советовался с каждым художником, чье мнение он уважал. В результате, конечно, эта работа затянулась на неопределенный срок. и что он снова и снова менял свой состав. Когда картина наконец была готова выставлена ​​в Петербурге в 1858 г., после 20 лет мучительного усилий, она не вызвала того энтузиазма, который встретил Брюллова. работа. В конечном итоге произведение можно назвать благородным провалом. Его фигуры серьезны и полны разнообразных чувств. Эмоции слушатели варьируются от сомнений и скептицизма до внезапных, ошеломленных убеждение. Но есть неразрешенное напряжение между преследованием идеализма и приверженности реализму, слишком большой контраст между натуралистическим фоном и классическим, надуманным группы на переднем плане. К середине 19-й века противоречащие друг другу утверждения натурализма и идеализма могли больше не мириться; когда первое имело приоритет, это обязательно уничтожил последний. Одно указание Неполный успех Иванова фигура Иисуса, который кажется почти незначительным. Исполнитель был верен натуралистической линейной перспективе, которая работала против изображение духовного опыта. Несмотря на то, что это было так и не завершенный, эпический характер полотна вдохновил многих русских художников конца XIX в.   При жизни Алексей Венецианов (1780-1847) был провозглашен «отцом русской жанровой живописи». Его острое наблюдение как за силой, так и за тонкостью света и его способность переводить свое восприятие в композиции тихая напряженность передает почти осязаемую симпатию к достоинства и достоинства своих подданных. Это были почти всегда сельский характер: сельские крестьяне заняты или останавливаются на своих задания. Родился в семье иконописцев, Венецианов учился сам до поступления на государственную службу в 1802 году в качестве геодезиста-чертежа. Затем он брал частные уроки от Владимира Боровиковского, который был профессиональным солдатом казачьего происхождения. Хотя Академию он так и не закончил, Венецианов в конце концов получил звание академика. Это признание его талант побудил его поощрять таланты других из скромных фоны. В 1815 году в возрасте 35 лет художник ушел в отставку. имение в Тверской губернии под Москвой. Там он начал свою школа, которая работала в 1820-х и 30-х годах и в которой обучалось семьдесят студенты. Венецианов провозгласил природу высшим ориентиром и его учение подчеркивало эту идею. «Гумно» (1821 — 1823). Собрано почти так, как если бы позировало для «живой картины», в драматическом в удаляющемся интерьере амбара появляются девять фигур, работа по дому. Хотя некоторые аспекты композиции могут показаться искусственными, элементы, тем не менее, красиво расположены.   Духовное спокойствие Венецианова работ отличает их от произведений молодого современника, Павла Федотов (1815-1853) . Федотов известен своей способностью изображать высоты и глубины человеческое существование. Он родился на окраине Москвы и вырос в оживленной деятельности провинциальной столицы. Он учился в Академии в Петербурге, где на него повлияло собрание голландской живописи в Эрмитаже. Костюм, жест и деталь очаровали Федотова. Его произведения отражают Возникновение в России нового класса — зажиточной городской буржуазии. чьи манеры и вкусы вдохновляли и требовали для его картин. Его картины также демонстрируют новые и более критическое отношение к русской жизни. Федотов создал свой художественный манифест в серии картин маслом (1846-1852 гг.), в которых критикуется русского общества середины XIX века, иллюстрируя его гротескные противоречия и дефекты. Каждый фиксирует определенный момент в время. «Обручение майора (Посещение невесты в купеческой лавке) дом)», также известное как «Как исправить свое материальное положение». Женя» (1851) представительная работа из этой серии. Федотов показывает волнение богатой купеческой семьи, когда немолодой и уже не богатый дворянин приходит ухаживать за дочерью. Его изображение красивой, обезумевшей молодой девушки, ее курс и расфуфыренная мать, а ее растерянный отец в старом русском кафтане стоит хитрая критика нравов растущего среднего класса. В в то же время его «Завтрак дворянина» (1849-1850) показывает материальный упадок русского дворянства. В окружении владений еще не проданный, в крохотной квартирке, которую он делит со своим пудель, аристократ ест на завтрак грубый ржаной хлеб когда гость внезапно подходит к двери. Стыдно за свою худобу плата за проезд, он вскакивает и прикрывает свой завтрак книгой. На стул рядом с богато отделанным шпоном столом – это реклама дорогие устрицы.

Романтическая Россия | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

В самом сердце Парижа, в районе Новых Афин, недалеко от шумного и скандального кабаре «Мулен Руж» находится Музей романтической жизни (Musee de la Vie Romantique). В тихом внутреннем дворике на улице Шапталь находится элегантный особняк с небольшим садом, засаженным благоухающими розами и цветущими мальвами. Дом был домом для голландского художника Ари Схеффера ¹ , поселившихся здесь после Июльской революции 1830 года .

Его работы, получившие восторженный прием в Парижском салоне, были приобретены Академией изящных искусств и королевской семьей. Темой для своих картин Шеффер часто выбирал романтические литературные произведения, в том числе знаменитую драму Иоганна Вольфганга фон Гёте «Фауст» («Маргарет за рулем» и «Фауст в сомнениях»), балладу немецкого поэта Готфрида Августа Бюргера («Ленор»). , и роман Вальтера Скотта «Сердце Мидлотиана» («Эффи и Джини в Эдинбургской тюрьме»).

Каждую пятницу модный художник принимал в своем доме художественную и литературную элиту города. Среди знаменитостей, которые приезжали сюда, были писательница Жорж Санд ² и композитор Фредерик Шопен, художник Эжен Делакруа и певица Полина Виардо. Позднее эту традицию продолжила дочь художника Корнелия Схеффер: вместе со своим мужем, хирургом Рене Маржоленом, она принимала в доме на улице Шапталь таких личностей, как французский художник Анри Мартен, русский писатель Иван Тургенев и французский композитор. Шарль Гуно. В 1856 году племянница художника вышла замуж за историка и литератора Эрнеста Ренана, автора знаменитой «Жизни Иисуса». В 1898 дочери пары завещали дом Шеффер-Ренан, а также коллекцию знаменитого филолога городскому совету Парижа.

В 1983 году дом Шеффера-Ренана стал муниципальным музеем города Парижа, а недавно, благодаря усилиям директора музея Даниэля Маршессо, две мастерские-близнецы в соответствующих крыльях особняка стали местом проведения международных художественных выставок. В рамках Года России во Франции музей представляет выставку «Романтическая Россия Пушкина и Гоголя. Шедевры из собрания Третьяковской галереи» (с 28 сентября 2010 г. по 16 января 2011 г.) ³ . Около 70 картин, скульптур и рисунков русских мастеров первой половины XIX века экспонируются в Париже впервые.

Термин «романтизм», впервые появившийся в России на страницах периодических изданий в 1810-х годах, ассоциировался тогда со словом «патриотизм»; сочетание этих слов в эпоху освободительных войн с Наполеоном дает ключ к зарождению русского романтизма. Тем временем во Франции романтизм возник на гребне разочарования после революции, породившей представление о художнике-творце как личности, противостоящей государству.

Русский романтизм был еще одним шагом на пути к развитию художественной идеологии; оно встретило довольно сильное сопротивление в кругах, связанных с Императорской Академией художеств в Петербурге. На смену классицизму с его гармоничной и рациональной ясностью пришло эмоциональное романтическое искусство, ориентированное на изображение великих эмоций и сильных чувств. Разделение между романтиками и сторонниками старой идеологии стало особенно острым в 1820-е годы, когда были опубликованы статья Ореста Сомова «О романтической поэзии» и докторская диссертация Николая Надеждина «Опыт романтической поэзии». Говоря о победе романтизма над классицизмом, поэт Александр Марлинский остроумно заметил: «Пудра не могла соперничать с порохом!»

Действительно, русские романтики — как писатели, так и художники — основывали свои произведения на необычных сюжетах, подсказанных реальной жизнью, историей и природой. В центральном зале, в бывшей мастерской Анри Схеффера (брата Ари), представлены исполненные героического духа батальные сцены — «Донские казаки» Александра Орловского (1810-е годы) и «Горцы, переходящие реку» Григория Гагарина (1840-е годы). Бронзовый бюст императора Александра I (1807 г.) работы Луи-Мари Гишара олицетворяет романтическое представление о воине того периода. Наряду с высшей наградой России — Андреевским орденом, на его мундире изображен Георгиевский орден: представители императорской династии имели право на Андреевскую звезду по праву рождения, а Георгиевский — награжден за личное мужество в бою. Из всех российских императоров только Александр I и Николай II удостоились последнего отличия.

Подчеркивая важность непринужденной индивидуальности, романтики очень интересовались внутренним устройством человеческой души. Чувства и мысли, тревоги и страсти были важнейшей темой поэзии Александра Пушкина, а также портретов художников-романтиков. Портретисты-романтики (Орест Кипренский и Александр Варнек) стремились вырваться из обыденной рутины и изобразить человека в необыкновенные, «единственные» моменты, когда он наиболее полно раскрывает лучшие качества своей души (отсюда акцент на русских, которые героически защищали Родину во время Отечественной войны 1812 г. ). В графическом разделе парижской выставки доминируют великолепные рисунки Ореста Кипренского, среди которых портрет 1823 года Евграфа Комаровского, генерал-адъютанта армии Александра I. Центральным элементом живописного раздела является искусно выполненный Карлом Брюлловым «Портрет генерала Василий Перовский» (1837). Доблестно сражаясь в рядах лейб-гвардии Егерского полка, генерал был ранен в руку. Позднее, будучи губернатором Оренбурга, Перовский помогал Пушкину в сборе материалов о восстании Емельяна Пугачева.

Гений Александра Пушкина, «солнца русской поэзии» (как назвал его Василий Жуковский), освещает все русское искусство эпохи романтизма. На выставке в Париже представлена ​​модель статуи поэта по проекту Александра Опекушина, установленная в 1880 году в Москве. Гравюра с портрета поэта Ореста Кипренского, выполненная Николаем Уткиным, дает хорошее представление о том, как выглядел Пушкин.

На многих изображениях представлены «ученики легкокрылой моды» — Пушкин и его друзья и знакомые (поэты, прозаики, художники). В этот раздел вошли романтический шедевр Кипренского «Портрет поэта Василия Жуковского», изображение Николая Арендта, врача, лечившего Пушкина, в исполнении польского художника Юзефа Олешкевича, и весьма нестандартное изображение русского баснописца Ивана Крылова Романом Волковым.

Специально для выставки отреставрирован «Портрет императора Александра I» малоизвестного художника К.Шевелькина. Изображение создано по образцу канонического портрета, созданного британским мастером Джорджем Доу, и произведение воссоздает романтический миф того времени о блестящем полководце и обаятельном человеке. Наполеон Бонапарт называл его «находчивым византийцем» и «Тальмой Севера». «Портрет императрицы Елизаветы (Елизаветы) Алексеевны, супруги Александра I» был выполнен французским художником Жозефом Монье в 1802 году, когда он приехал в Россию. В политике, как и в жизни, царица Елизавета предпочитала играть второстепенную роль. Немногие имели такое близкое и точное знание сложного характера и непроницаемой души «сфинкса» — по проницательному описанию Пушкина — Александра I, как его супруга: все ее поступки были отмечены каким-то смирением, единственно возможным позицию, чтобы не раздражать ее имперского мужа.

Монье изображает юную императрицу перед зеркалом, подчеркивая таким образом ее тонкий греческий профиль; на столе великолепный букет, а Елизавета держит в руках скромный букетик анютиных глазок. Будучи мастером французской культурной традиции, Монье, возможно, использовал ее цветочную символику: начиная с 16 века анютины глазки во многих европейских странах символизировали вдумчивость, верность и мудрость. Однако вполне вероятно, что, находясь в России, художник использовал печальную славянскую легенду о деревенской девушке Анюте с добрым сердцем и доверчивыми сияющими глазами (анютины глазки по-русски известны как «анютины глаза»), погибшей из-за того, что ее сердце было разбито лживым обольстителем. На ее могиле росли цветы — Анютины глазки, трехцветные лепестки которых символизировали надежду, удивление и печаль: в цветочных венцах белый — надежда, желтый — удивление, фиолетовый — печаль.

Картина Максима Воробьева «Дуб, расколотый молнией» (1842) — тоже аллегория — она создана в трагический момент жизни художника, после смерти его любимой жены. Картина в стиле позднего романтизма противопоставляет необузданные силы природы и человека, попавшего в их тиски.

В эпоху романтизма русская графика достигла своего расцвета. Богатство и гибкость изобразительного языка, тонкие градации акварели открывали безграничные возможности для создания эмоционально-выразительных образов и предметов. Наиболее интересной и оригинальной частью наследия Федора Толстого являются изящные рисунки с изображением фруктов и цветов. В «каталоге» произведений Толстого, составленном самим художником, он перечислил изображения «нарисованных с натуры предметов, таких как цветы, цветочные композиции в стеклянных сосудах, фрукты, ягоды с капельками росы, бразильские птички с их разноцветными перышками с медными блеск, бабочки с гротескно разрисованными крыльями, стрекозы, жуки» ⁴ .

Действительно, работая над серией этюдных рисунков, Толстой выступил как настоящий естествоиспытатель. Скрупулёзно и тщательно он обрисовал каркас цветка, его лепестки и тычинки. Работы Толстого демонстрируют его уникальное владение графическими приемами. Краски художник готовил сам: «Я рисую свои цветы, — вспоминал художник в своих «Воспоминаниях», — не акварелью и не гуашью, чего я не люблю. Я пользуюсь красками, хотя и более непрозрачными, но тщательно очищенными и очень тонко измельченными, и по этой причине большую часть своих красок я готовлю сам» 9.0091 5 .

В картинах Толстого акварель теряет ощущение воздушности и прозрачности и часто смешивается с белилами: работая тонкой кистью, он накладывал один слой краски на другой, что создавало особую «расплавленную» поверхность. Пример тому — рисунок «Нарциссы» (1817), где пленительная свежесть цветов передана без видимого движения кисти, а белизна лепестков почти незаметно переходит в серо-оливковую окраску их листьев. Натюрморт «Букет цветов. Бабочка и птичка» (1820) отражает любовь художника к объектам «живым и мертвым» и стремление создать полную реалистичную иллюзию. В сосуде из прозрачного стекла скромный букетик цветов, а рядом с ним на деревянной жердочке сидит щегол, пестрое оперение которого хорошо сочетается с «набором» цветов в цветах. Маленькая рыжая головка и белая грудка птицы сочетаются с маком, а желтые перышки на крыльях — с «прожилками» лепестков ноготков. Выбор садовых цветов как бы отражает культуру русской усадебной жизни.

Кажется, будто Федор Толстой соревновался с природой, стремясь создать в своих произведениях полное подражание реальности. Иногда он даже поддразнивал наивных зрителей, рисуя капельку воды настолько реалистичную, что ее хочется стряхнуть, или бабочку, которая в любой момент может вспорхнуть в воздух. Произведения Федора Толстого стали неотъемлемой частью быта пушкинского времени — толстовские альбомы поэт упомянул в «Евгении Онегине»:

… нарисовано красиво
Карандашом Толстого чудным,
Хоть Баратынским стихи сочинил,
Удар молнии на тебя сойдет!

В истории русского искусства Толстой вошел в историю как выдающийся скульптор и медальер. В экспозиции представлена ​​серия гипсовых барельефов на темы Отечественной войны 1812 г. («Битва под Березиной» (1820 г.)) и европейских военных походов русской армии 1813–1814 гг. («Освобождение Берлина», 1821 г.; «Переход через Рейн», 1825 г.). Особенно приковывает к себе образ русского воина в медальоне «Битва под Арси-сюр-Об (Франция), 1830 г.». Следуя академическому канону, воин представлен в виде древнегреческого героя Геракла, который, по выражению художника, «отбросив меч и копье, берет посох и поражает общего врага своими могучими руками». Серия завершается картиной «Мир Европе» (1836), где женская фигура, символизирующая Россию, протягивает руку над коленопреклоненным крылатым гением войны, на щите которого изображен Зевс в образе быка, похищающего Европу. На свитке в руке крылатого юноши есть надпись — «1815»: год битвы при Ватерлоо, второго изгнания Наполеона на остров Святой Елены и создания Священного союза в Европе.

Интимный портрет стал одной из примечательных и неотразимых особенностей эпохи романтизма, поскольку портреты, выполненные карандашом или акварелью, стали украшать дворянские особняки. Их дарили членам семьи и друзьям и сопровождали своих владельцев в путешествиях или военных экспедициях. В начале XIX века стало модным хранить альбомы с любительскими рисунками рядом с работами известных мастеров. В это время начали формироваться первые коллекции графики, особенно востребованными были работы Петра Соколова, Ореста Кипренского, братьев Карла и Александра Брюлловых. Особенно бросается в глаза портрет Екатерины Бакуниной, первой, юношеской любви Александра Пушкина, посвятившего ей несколько стихотворений. Интерес к восточной экзотике, характерный для искусства русского романтизма, примечательный в сепиях «Полдень в караван-сарае» и «Турок на коне», выполненных Карлом Брюлловым во время его путешествия по Турции в 1835 году, и акварели Карла Рабуса « Лунный пейзаж (Дарданеллы)».

Слева от входа в музей, в конце аллеи, стоит здание мастерской, где Ари Схеффер принимал своих гостей. Нетронутыми остались детали его интерьера: старинный письменный шкаф, колоссальные книжные шкафы и уникальное пианино, на котором играл Шопен.

К раритетам относятся несколько картин русских мастеров, посвященных Италии. Италия стала для них не только Академией, где молодые виртуозы оттачивали свое мастерство, но и землей многообещающей, даровавшей им вдохновение. Жанр исторической композиции, господствовавший в искусстве академического классицизма, своеобразным образом подвергся влиянию романтизма, став зеркалом эпохи, отражающим ее общественные и художественные идеалы. Французские художники-романтики строили свои исторические композиции (Теодор Жерико в «Плоте Медузы», Эжен Делакруа в «Резне на острове Хиос» и Антуан-Жан Гро в «Бонапарте на мосту в Арколе») вокруг трагических событий. которые произвели большое эмоциональное воздействие на зрителя. Русский мастер Карл Брюллов создал величественную композицию «Последний день Помпеи» (1833, ГРМ), изображающую смятение людей, напуганных надвигающейся катастрофой (в экспозиции музея есть этюд к этой картине, дающий хороший представление о готовом изделии).

Пейзажи Сильвестра Щедрина и Максима Воробьева показывают, как изменится предназначение жанра пейзажа. Пейзажисты-романтики уделяли особое внимание не только изображаемому месту, но и времени суток и состоянию природы. Изучение природы внесло в их картины свет и воздух и связало их с традицией писать на пленэре. Щедрин был одним из первых русских мастеров, открывших эту манеру живописи, лучше всего проиллюстрированную такими его произведениями, как «Новый Рим. Кастель Сант-Анджело» и «Неаполь в лунную ночь» (1828).

Городские пейзажи Максима Воробьева «Московский Кремль с Устьинского моста» и «Осенняя ночь в Петербурге» раздвинули границы жанра «виды в визуальной перспективе» и представили образ двух российских столиц как видел художник-романтик. Рядом с произведениями Воробьева висит картина Антона Иванова «Переход Николая Гоголя через Днепр», изображающая природу и пейзажи Малороссии. Также представлено самое известное изображение Гоголя — портрет «Писатель Николай Гоголь», выполненный Федором Моллером.

Важной особенностью спектакля для французского зрителя является творчество Владимира Боровиковского, представителя сентиментализма — направления, предвосхитившего романтизм. Портрет Боровиковского, предположительно французской писательницы Жермен де Стаёль, вызвал споры и разные отзывы экспертов.

В типологии романтического портрета особое место отведено автопортрету. В России автопортрет стал формой борьбы за утверждение права художника на уважение себя и своего искусства. Особое место на выставке занимает небольшой «Автопортрет» первой русской профессиональной художницы Софьи Сухово-Кобылиной.

Одной из целей выставки было выявить параллели и сравнить искусство русского и французского романтизма. Не случайно директор Музея романтической жизни Даниэль Маршессо включил в основную экспозицию музея картины из музея Карнавале в Париже — «Вступление союзных войск в Париж, 31 марта 1814 года» Жана Циппеля и «Большой молебен на месте» Жана Циппеля. de la Concorde, Исполненная по просьбе Александра I 10 апреля 1814 года» неизвестным французским художником.

Как мировоззренческое и стилевое направление романтизм в России просуществовал до середины 19 в. век. В 1850-х годах стиль начал приходить в упадок, а в 1860-х годах он полностью уступил развивающемуся направлению критического реализма.

 

1. На первом этаже музея находится выставка разнообразных работ Ари Схеффера (1795-1858), включая портреты, религиозные композиции и исторические картины.
2. На первом этаже выставлены памятные вещи, связанные с Жорж Санд (1804–1876), в том числе ее личные вещи и портреты, которые ей когда-то принадлежали: эти предметы служат для воссоздания среды, в которой жила писательница, ее семья и друзья. В 1923 октября коллекция была подарена Парижу внучкой писателя Авророй Лаут-Санд.
3. La Russie Romantique a l’Spoque de Pouchkine et Gogol. Шеф-повара Национальной Третьяковской галереи, Москва. Париж, 2010 г.
4. Граф Федор Толстой. Обзор художественной деятельности. Русская Старина. Том. 7. 1873. Кн. 4. С. 531.
5. Записки графа Федора Петровича Толстого. Москва, 2001. С. 309.
.

Назад

Василий ТРОПИНИН. Гитарист. 1832
Авторский экземпляр (1823, ГТГ). Масло на холсте. 83,8 × 65,6 см. Третьяковская галерея

Максим ВОРОБЬЕВ. Вид с Каменного моста на Московский Кремль. 1819
Авторский экземпляр (1818, ГРМ). Масло на холсте. 42,6 × 65,5 см. Третьяковская галерея

Николай ГЕРЕНЬЕ (GERIN). Интерьер. 1830
Бумага, акварель, белила, лак. 23,5 × 33,5 см. Третьяковская галерея

К. ШЕВЕЛКИН. Портрет Александра I. 2-я половина XIX века
Копия с оригинала картины Франсуа Жерара (1810, Эрмитаж). Масло на холсте. 94,2 × 71,4 см. Третьяковская галерея

Петр СОКОЛОВ. Портрет Великого Князя Александра Николаевича. 1828
Бумага, акварель. 20,2 × 16,7 см. Третьяковская галерея

Николай ТИХОБРАЗОВ. Интерьер. 1844
Бумага, акварель. 19 × 25,1 см. Третьяковская галерея

Карл БРЮЛЛОВ. Портрет Марии Бутеневой с дочерью Марией. 1835
Бумага, наклеенная на картон, акварель, белила, карандаш. 41,8 × 31 см. Третьяковская галерея

Игнатий ЩЕДРОВСКИЙ. Столярные изделия. После 1839 г.
Холст, масло. 30,6 × 24 см. Третьяковская галерея

Александр ЗЛАТОВ. Девушка с клеткой. Конец 1820-х
Холст, масло. 53,3 × 44,7 см. Третьяковская галерея

Федор ТОЛСТОЙ. Бой у Березины. 1820
Барельеф гипсовый. 21 × 21 см. Третьяковская галерея

Федор ТОЛСТОЙ. Мир Европе. 1836
Барельеф гипсовый. 21,5 × 21,5 см. Третьяковская галерея

Луи-Мари ГИШАР. Портрет великого князя Константина Павловича. 1804
Бронза. Рост 74 см. Третьяковская галерея

Петр СОКОЛОВ. Портрет княгини Ф. Голицыной. 1847
Картон, акварель. 38,7 × 31,2 см. Третьяковская галерея

Федор ТОЛСТОЙ. Виноград. 1817
Оберточная бумага, гуашь.