Школы Живописи (История Живописи) 16-17 Век
Содержание статьи
- Морские контакты
- Испания и Франция
- Русская школа живописи
Пронесшаяся по всей Европе эпоха Возрождения изменила искусство навсегда. Это был долгий процесс, достижения которого сформировали академические каноны идеального изображения человеческих тел, пространства и окружающей действительности. Но идеальность была слишком тяжеловесна и универсальна. Постренессансные европейские страны начали искать язык самовыражения. В результате во многих странах сложились школы живописи 16 и 17 веков, ставшие ориентирами для последующих поколений художников. Это было золотое время национального самоопределения, подарившее множество больших художников. Познакомимся с самыми влиятельными школами и именами.
Морские контакты
Венецианская школа живописи 16 века уже к 17 столетию начала приходить в упадок. Новые талантливые живописцы не появлялись, а время старых подходило к концу.
Однако расцвет ее был красив и своеобразен. Из-за особенностей расположения на формирование изобразительной манеры венецианцев повлияли традиции одновременно Запада и Востока. В результате начал складываться сплав готических элементов с византийскими: с уклоном в западную готику писались изображения на восточных иконах, мозаиках, эмалях.
Несмотря на то, что Высокое Возрождение пришло в живущий несколько особняком город с запозданием, венецианцы практиковали использование новейших техник пластического изображения тел. Подтверждения этих успехов мы видим на полотнах Тициана, Якопо Тинторетто. Движения людей на картинах были приближены к реальности. Быстро прижились набирающие популярность масляные краски. Они оказались очень подходящими ко влажному венецианскому климату.
Немного позже Венеции одной из самых влиятельных стала голландская школа живописи в 17 веке. Это было время расцвета изобразительного искусства морской страны, из чего родилась живопись Яна Вермеера, Рембрандта, Питера де Хоха, Каспара Нетшера.
Из особенностей водной державы и приземленности жизни в ней художники предложили новый взгляд на непопулярные бытовые жанры. Здесь не было сильной традиции украшения соборов и дворцов, искусство было более буржуазным. Возвышенные идеалы Возрождения были слишком далеки от окружающей действительности, зато активная морская торговля позволяла знакомиться с удивительными артефактами, растениями, безделушками, привезенными из других стран. Они были интересны художникам, не брезговавшим их перенесением на холст. Это сделало центральными считавшиеся низкими жанры натюрморта, пейзажа, предложило новые акценты в портретном жанре. Свет и композиция картин специфичны и узнаваемы. Во многом революционные световые и композиционные решения нидерландских художников впоследствии повлияли на творчество европейских живописцев, писателей, фотографов.
Барбизонская школа живописи 19 века воспела естественные пейзажи удаленной французской провинции. Школа получила название в честь небольшой деревушки, где творили основные ее представители (Теодор Руссо, Жюль Дюпре).
Творческая манера, интерес к национальной, живой природе формировались под влиянием мастеров голландской школы живописи 17 в., идеи Жан-Жака Руссо, английских и французских художников 18-го века.
Испания и Франция
Повлиявшая на часть Голландии испанская школа живописи 17 века тоже не обошлась без талантливых живописцев. Барокко в Испании отличалось вниманием к натуре, портреты стали более приземленными, гуманистичными. Люди больше не были идеальными образами, как в Возрождении, их представление было более заземленным и живым. В отличие от голландцев, испанцев больше занимал жанр портрета, в том числе парадного. Он был обогащен символичностью, композиции усложнялись, рождая затрудненное прочтение картин (Диего Веласкес «Пряхи», 1657). Пейзаж на картинах часто играл исключительно роль фона, не отвлекая внимания от человека и не отличаясь тонко проработанной детализацией (Мурильо «Девушка с цветами», 1665-1670).
Французская школа живописи 17-го века отличалась противоположной тенденцией к универсальному наднациональному стилю, свободному от итальянских и голландских влияний.
Академичность приветствовалась, что приводило к некоторой обезличенной правильности живописи. Продолжали развиваться жанры стенной и гобеленной живописи. Вокруг знаменитых художников (Никола Пуссен, Шарль Лебрен) концентрировались граверы (Клод Меллан, Мишель Дориньи, Робер Нантейль). Они переводили настенные живописные картины в гравюры, чтобы обеспечить распространение и сохранность в веках хрупких и неподвижных произведений. Граверы, кроме репродукций, создавали самостоятельные картины.
Русская школа живописи
В это же время совсем иначе выглядело искусство России. Возрождения здесь не было, эпоха средневековья продолжалась, поэтому основными видами живописи оставались иконопись и соборная роспись. После смерти царя Ивана Грозного, власть фактически перешла в руки Бориса Годунова, советника наследника Федора Ивановича. В его честь была названа годуновская школа живописи конца 16 века. Росписи монастырей этого периода своеобразны исторической направленностью (роспись Смоленского собора Новодевичьего монастыря; Грановитой палаты Московского Кремля).
Иконы этой русской школы живописи включают бытийные сюжеты, часто сочетание нескольких эпизодов на одной композиции. Заметен интерес мастеров к новым средствам выразительности: слабые попытки передать материальность предметов, заимствование приемов у старых византийских иконописцев. Визуально стиль узнаваем по частому сочетанию густо наведенных оттенков сине-зеленого, красного и золотого фона.
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
Школа на картинах художников всего мира
Школа была всегда. Из века в век менялся ее антураж — комната в сельской избе, деревянные лавки, книги, перевязанные тесемкой, чернильница-непроливайка, парта с откидной крышкой, грифельная доска, прописи…
Можно продолжать перечисление, но предметный мир — это не главное. На первом месте в школе всегда были и остаются — учитель и ученики. Сегодня, 1 сентября, в День знаний и в первый день нового учебного года, журнал Точка ART предлагает посмотреть на школьную жизнь разных лет глазами художников, ее запечатлевших.
Ян Стен «Школа для мальчиков и девочек»
Композиция этой самой большой картины Стена на школьную тему основана на фреске Рафаэля «Афинская школа» в Ватикане, изображающей величайших ученых древностей. Здесь же —все более приземленно и обыденно. Взрослые, которые, кажется, совершенно не обращают внимания на непослушное поведение своих учеников, дети, довольные этим, и каждый занят своим делом или баловством. Можно распевать песни, стоя на столе, или спать прямо на полу, заниматься с учителем или обсуждать что-то со сверстниками.
Ян Стен «Школа для мальчиков и девочек», 1670 © Национальная Галерея Шотландии, ЭдинбургКак каждая картина Стена, «Школа для мальчиков и девочек» полна символов и знаков, которые надо расшифровывать. Например, справа изображена сова, традиционный символ мудрости и атрибут богини Афины. Один из мальчиков предлагает ей очки, ссылаясь на голландскую пословицу: «Какая польза от очков или света, если сова не хочет видеть?» И это может относиться как к ученикам, так и к учителям.
Владимир Маковский «В сельской школе»
Сельская школа конца XIX века. Большая комната в избе обустроена под класс, в котором занимаются дети разных возрастов. Здесь нет ни парт, ни школьной формы. Все сидят за одним большим столом и занимаются разными предметами. В те времена дети ходили в школу в перерыве между работой в поле, так что сидение в классе можно считать отдыхом, передышкой от тяжелого труда. Несмотря на то, что дети были незаменимыми помощниками в работе, крестьяне XIX века мечтали, чтобы их дети были обучены грамоте, и поощряли их учебу в школе.
В.Е. Маковский «В сельской школе», 1883 © Тульский музей изобразительного искусстваДети, в основном — крестьянские, стали главным героями картин Маковского во второй половине XIX века. Художник пристально наблюдал за их жизнью, запечатлевал ее, ему было интересно все — как они играют в бабки, как в ночном стерегут коней, как удят рыбу, отдыхают в поле и прячутся от дождя в реке. «В этих маленьких картинках, по-моему, есть даже любовь к человечеству, не только к русскому в особенности, но даже и вообще», так писал о живописи Маковского в своем дневнике Федор Михайлович Достоевский.
Николай Богданов-Бельский «У дверей школы»
Жанровые картины, изображение крестьянских детей, их жизни в целом, и образования в частности, было основой творчества художника-передвижника Николая Петровича Богданова-Бельского. Отчасти, все «крестьянские» сюжеты Богданова-Бельского были автобиографическими: будущий художник родился в смоленской глубинке, был внебрачным сыном батрачки. Благодаря трудолюбию и счастливому знакомству с профессором Рачинским, который стал его первым учителем, всячески поощрявшим талант ученика, Богданов-Бельский состоялся как живописец.
Н.П. Богданов-Бельский «У дверей школы», 1897 © Государственный Русский музейВ «У дверей школы» тоже есть что-то из личного опыта. Мальчишка из бедной семьи замер в нерешительности у дверей в класс, где уже сидят его сверстники из другого сословия. В этом образе, в позе, в деталях — и страх перед новой средой и окружением, и почтение простого человека перед знанием, какое зачастую ему было недоступно.
Борис Кустодиев «Земская школа в Московской Руси»
Историческая живопись традиционно привлекала Бориса Михайловича Кустодиева, он интересовался всем, что имело отношение к быту и традициям. Художнику удалось с невероятной точностью воспроизвести обстановку, детали и атмосферу земской школы, где у крестьянских детей была единственная возможность получить знания, научиться читать и писать.
Борис Кустодиев «Земская школа в Московской Руси», 1907 © Государственный Русский музейОбычный деревенский дом, почти спартанская обстановка, в комнате только книги и необходимая бытовая утварь: стол с лавками, бочка с водой, горшок с кашей. Над столом красный угол с иконой. Сквозь небольшие окна проникает солнечный свет — единственный источник освещения в доме. Ничто не отвлекает от учебы. Удивительна и фигура: это седой старец, сидящий во главе стола очень прямо; перед ним книга, но все, что в ней написано, он давно знает наизусть, и потому он смотрит на детей, сидящих перед ним.
Несмотря на то, что двое ребят наказаны — они стоят на коленях чуть поодаль стола, картина пронизана покоем, гармонией и умиротворением. Абсолютное доверие, которое связывает учителя с учениками, в полной мере удалось воспроизвести Кустодиеву.
Федор Решетников «Опять двойка»
Хрестоматийная картина Федора Павловича Решетникова известна всем, она была включена в школьные учебники как типичный образец жанровой живописи, несмотря на то, что эмоционально школа на ней — средоточие всех печалей, место, вызывающее глубочайшую тоску.
Ф.П Решетников «Опять двойка», 1952 © Государственная Третьяковская галереяИзображенная Решетниковым простая домашняя сцена возвращала в советское искусство того времени камерный бытовой жанр. Первоначальный замысел произведения был иным, более «соцреалистическим» — «Опять пятерка». Разрабатывая содержание будущей картины, Федор Павлович ходил на уроки, наблюдал за учениками. И однажды стал свидетелем, как отличник не справился с ответом и получил неуд.
Этот эпизод и подтолкнул художника изменить концепцию картины на прямо противоположную.
Татьяна Яблонская «Утро»
Насколько печальная картина Решетникова, настолько радостно «Утро» Татьяны Яблонской, пронизанное светом, чудесным утром, за которым неизменно последует отличный день. И, так же, как и «Опять двойка», картина была чрезвычайно популярна в свое время, учебники, журналы, школьные тетради — почти во всей периодике можно было найти ее репродукцию.
Т.Н Яблонская «Утро», 1954 © Государственная Третьяковская галереяГерои всех картин Яблонской, и эта — не исключение, лишены советской идеологической патетики, ее герои просто живут. Дочь художницы Елена, которая позировала для картины, вспоминала: «Меня тогда только приняли в пионеры. — Я готова была летать от радости весь день, вскакивала, чтоб быстрей одеться. Мама уловила это настроение». Это радостное настроение, предвкушение чего-то нового, критики расценивали, как предчувствие хрущевской оттепели.
Норман Роквелл «Девочка с синяком под глазом»
Творчество знаменитого американского художника-иллюстратора Нормана Роквелла смело можно назвать «Энциклопедией американский жизни». «Девочка с синяком под глазом» — одна из самых узнаваемых работ художника. Юная хулиганка сидит у дверей директора школы сразу после драки. Несмотря на синяк под глазом и ободранные колени, она не только не огорчена происходящим, а как будто рада, и даже выражения на лицах взрослых ее нисколько не смущают.
Норман Роквелл «Девочка с синяком под глазом», 1953 © Музей Нормана Роквелла, СтокбриджМоделью для этой и многих других картин художника стала Мэри Уэлен, получившая известность как автор воспоминаний о своих встречах с ним. «Она была лучшей моей моделью», — писал Норман Роквелл о Мэри Уэлен в своей автобиографии «Норман Роквелл: Мои приключения в качестве иллюстратора. Мэри Уэлен, в свою очередь, так говорила о Роквелле: «Он гений с детским сердцем, человек, который оставляет неизгладимый отпечаток как на людях, так и на холсте».
Тематические живописные подборки на нашем сайте:
Поэт природы: 7 шедевров Исаака Левитана ко дню рождению художника
Провожаем осень и собираем урожай вместе с известными художниками
Воспевающие любовь: шедевры мирового искусства
От Брейгеля до Кустодиева: Нарушители социальной дистанции в искусстве
Картины, героями которых стали врачи: от Средневековья до наших дней
Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи
От Уинслоу до Серебряковой: курортная жизнь глазами известных художников
Картины, героями которых стали врачи и целители: XIX век
Теги: 1 сентября День знаний Живопись
Английская школа | живопись | Британика
Хогарт, Уильям: утро
Смотреть все СМИ
- Дата:
- в. 1750 — г. 1850
- Похожие исполнители:
- Уильям Блейк J.M.W. Тернер Уильям Хогарт Джон Констебл Томас Гейнсборо
Просмотреть весь связанный контент →
Сводка
Прочтите краткий обзор этой темы
Английская школа , доминирующая школа живописи в Англии на протяжении второй половины 18 века и первой половины 19 века.
Уильям Хогарт, лондонский художник и гравер, был одним из первых представителей английской школы и первым современным английским мастером. Хогарт работал в игривом элегантном стиле рококо современного французского искусства, но между 1730 и 1750 годами усовершенствовал две новые, характерно британские формы: тип жанровой живописи, «современный моральный сюжет», который высмеивал современную жизнь и нравы с ярко выраженным повествовательным подходом. , и мелкомасштабный групповой портрет, или «разговорный фрагмент».
Английская портретная живопись в натуральную величину была возрождена двумя художниками, сэром Джошуа Рейнольдсом и Томасом Гейнсборо. Рейнольдс ввел «большие манеры» в английскую портретную живопись, используя обширный репертуар поз, заимствованных из итальянского искусства, в своих ярко выраженных портретах.
Его теоретические «Беседы», ежегодно читаемые перед студентами Королевской академии, оказали самое важное влияние на последующее английское искусство. Гейнсборо, который никогда не покидал Англию, тем не менее создал лиризм рококо, не очевидный в творчестве Рейнольдса, раскрывая легкую, плавную технику, нежный колорит и чувствительность к характеру, которые превосходили собственный Рейнольдс.
Шотландский художник 18-го века Гэвин Гамильтон был одним из первых практиков исторической живописи, но английские художники 18-го века редко успешно использовали этот жанр. Тем не менее, Бенджамин Уэст и Джон Синглтон Копли, два художника американского происхождения, завоевали впечатляющую репутацию в Англии благодаря своим новаторским, хотя и скучным изображениям современной истории. Жанровая живопись процветала с такими известными художниками, как Джордж Морланд, Джозеф Райт и художник-анималист Джордж Стаббс.
Ранняя фаза английской школы включала также начало английской пейзажной традиции, основоположником которой был Ричард Уилсон.
Применяя классические принципы ясности и порядка к изображению английской сельской местности, Уилсон привнес тонкое чувство света и расстояния и величие дизайна в английскую традицию. Хотя основная часть его работ была портретной, Гейнсборо также был мастером пейзажа и относился к нему с тем же легким прикосновением, которое характеризует его портреты.
На рубеже 19-го века в Англии начал расти дух романтизма, который оставался господствующим в английском искусстве до середины 19-го века. Среди произведенных работ — дальновидные рисунки поэта Уильяма Блейка и портреты сэра Томаса Лоуренса и сэра Генри Реберна.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Расцвет английского романтического искусства, однако, пришелся на работы двух величайших художников Англии, Дж.М.В. Тернер и Джон Констебл. Оба художника основывались на традициях Уилсона и Гейнсборо, а также на работах более ранних континентальных художников, но они разработали свои зрелые стили с полным пренебрежением к условностям и в соответствии со своими очень разными личностями.
Примерно после 1850 года свежее наблюдение и прямой подход, которые стали традиционными в лучшем английском искусстве, были заменены самосознательным возрождением и интересом к запутанной теории. Хотя Англия продолжала производить активные движения, подлинно инновационное развитие перешло к другим центрам.
