Современные художники экспрессионисты: Современные экспрессионисты – купить картины художников экспрессионистов

XXI век. Широкие горизонты современного искусства

Портал ARTinvestment.RU запускает новый масштабный проект «XXI век. Современное российское искусство»

Культура первой четверти любого века — явление особое и очень насыщенное: именно в это время общество осознает культурное наследие предыдущего времени и идет вперед, открывая новые стили и направления.

Особенно интересной и разнообразной оказалась первая четверть ХХ века, когда ускорилось время, подгоняемое войнами, развитием техники и следующими одна за другой промышленными революциями, а с ним ускорились и изменения в обществе, культуре и искусстве — и привычное главенство одного «большого стиля» в искусстве сменилось на бурное развитие многочисленных отдельных направлений.

В ХХ веке помимо разновидностей реализма, импрессионизма, фовизма, пришедших из ХIХ века, сформировалось множество направлений, которые плавно перетекли и в начало XXI века: постимпрессионизм, постфовизм, различные направления абстрактного искусства, конструктивизм, экспрессионизм, сюрреализм, примитивизм, китч, концептуализм и т.

д.

С конца ХХ века в искусстве постмодернизма все эти направления спокойно стали перемешиваться и использоваться современными молодыми художниками. На цитатах прошлого создавалось новое современное искусство.

Первая четверть XXI века в России практически зафиксировала творчество всех художественных поколений, которые начали свободно формироваться и выявляться с конца 1950-х годов. На короткий период отцы, дети и внуки оказались в одном художественном пространстве, представив все художественные направления, зародившиеся еще в ХХ веке.

Особенно плодотворно в первой четверти нашего века продолжают работать художники, формирование которых пришлось на 1990-е годы, время

перестройки. Эта эпоха предоставила современным русским художникам невероятные до того возможности для свободного художественного развития в различных направлениях. Особенно привлекательными для этих художников стали такие направления, как абстракция, экспрессионизм в разных вариациях, поп-арт, фотореализм и др.

Портал ARTinvestment.RU запускает новый масштабный проект «XXI век. Современное российское искусство». Цель проекта — представить как можно шире произведения известных отечественных авторов, работающих в различных направлениях, чьи произведения уже много лет достойно существуют в музейных и выставочных пространствах всего мира, в частных коллекциях, в галереях современного искусства, но чье творчество недостаточно оценено рынком современного искусства.

На ARTinvestment.RU будут представлены статьи о творчестве художников, интервью, обзор и анализ различных направлений в современном российском искусстве. Помимо этого, предполагается рассмотреть некоторые аспекты современного западноевропейского искусства, провести обзоры аукционных продаж современных художников. Планируется проведение совместных выставок и издание каталогов, объединенных одной или несколькими темами.

3 февраля на ARTinvestment.RU мы открыли первый аукцион в серии кураторских аукционов «XXI век», на которых различные кураторы представят по одной картине десяти выбранных ими авторов и расскажут в статьях о них и их творчестве.

На первом аукционе «XXI век. Современное искусство» куратор кандидат искусствоведения Лариса Аполлоновна Кашук представляет работы Семёна Агроскина, Дианы Воубы, Елены Гориной, Константина Звездочетова, Ирины Корсаковой, Владимира Наседкина, Анатолия Пурлика, Марии Семенской, Владимира Семенского, Натальи Турновой.

• Семён АГРОСКИН Пустой стол. 2006
  Холст, масло. 100 × 130
  Источник: 11-12gallery.com
• Семён АГРОСКИН Соседняя комната. 2020
  Холст, масло. 90 × 80
  Источник: собственность автора

• Семён АГРОСКИН Натюрморт с радиаторами. 2011
  Холст, масло. 119 × 180
  Источник: agroskin-art.ru
• Семён АГРОСКИН Вешалки. 2020
  Источник: Собственность автора

Семён Евгеньевич Агроскин (1961) пробует свои силы в разных сферах творческой деятельности, работая над созданием инсталляций, графических серий, арт-объектов и скульптуры, его основной художественной практикой является живопись.

По своей художественной природе Агроскин тончайший живописец, и прежде всего он занимается формалистическими изысканиями, используя в построении композиций усложненные перспективы, фрагментарность, световые контрасты, сложные ракурсы и т. д.

Колорит живописи Агроскина прост и лаконичен. Краски сами по себе достаточно однообразны, если бы не бесконечная игра сложных оттенков, от серебристо-серых до охристо-коричневых. Ощущение загадочности мира создается резкими контрастами света и тени, вертикалей и горизонталей, геометрических форм и изломанных линий.

Однако выбор бытовых сюжетов, создание серий на основе одних и тех же сюжетов, мотивов, предметов, экзистенциальная атмосфера в самих картинах придают его творчеству вполне современное концептуальное звучание.

• Диана ВОУБА Крик ястреба. 2012
  Холст, масло. 150 × 150
  Источник: vouba.com
• Диана ВОУБА Вибрация цвета. 2012
  Холст, масло. 150 × 150
  Источник: vouba. com

• Диана ВОУБА Дыхание моря. 2012
  Холст, масло. 150 × 150
  Источник: vouba.com
• Диана ВОУБА Измерение тишины. 2012
  Холст, масло. 150 × 150
  Источник: vouba.com

Диана Шотовна Воуба (1958) работает в основном в пространстве абстрактного искусства, о чём говорит увлечение формой, цветом и линией, геометрическими фактурами. Тем не менее в ее творчестве присутствует жанр портрета и пейзажа. Последние годы активно работает как скульптор.

Её минималистичные пейзажи — это настоящие пейзажи, а не абстрактные образы. С помощью цвета и линий художница передает состояние природы, тем самым рассказывая о своих эмоциях и чувствах. Особое внимание уделяет образам цветов, в которых, как она полагает, заложена динамика вечного движения и обновления. Эту динамику и ритм она передает посредством создания цветовых форм, которые становятся авторской художественной формулой.

Диана Воуба любит работать циклами, в каждом из которых решает определенные задачи. Например, «Дорога домой» — это серия почти абстрактно-минималистичных пейзажей, вдохновленных ностальгией по родной Абхазии.

• Елена ГОРИНА Солнечные пятна. 2009
  Бумага, золото, темпера. 54 × 66
  Источник: stgraph.ru
• Елена ГОРИНА Белые лилии в пасмурный день
  Холст, масло. 80 × 100
  Источник: собственность автора

• Елена ГОРИНА Зима. Январь. 2017
  Холст, серебро, акрил. 70 × 50
  Источник: stgraph.ru
• Елена ГОРИНА Июльский вечер. 2009
  Бумага, золото, темпера. 54 × 66
  Источник: stgraph.ru

Творчество Елены Ивановны Гориной (1954) не ограничено одним видом искусства: художница экспериментирует в области живописи, графики, декоративно-прикладного искусства, создает арт-объекты и владеет множеством изобразительных средств. Большое влияние на ее художественное формирование оказали произведения русского авангарда, а также древнерусская икона, с которой ее познакомил отец, легенда отечественной реставрации Иван Петрович Горин, создатель и первый директор Института реставрации (ныне ГосНИИР). В ее работах большое внимание уделяется цвету и свету, которые во взаимодействии становятся главными средствами выражения душевного состояния и эмоциональных впечатлений. При этом отношение к цвету меняется от конфликтной и экспрессивной цветовой гаммы в сторону более холодноватого, гармоничного решения с преобладанием серебристых оттенков. Сложная пространственная среда произведений Е. Гориной построена на активных контрастах, тончайших цветовых нюансах, акварельности краски и при этом экспрессивных цветовых пятнах, которые рождают многослойность и чувственность ее сюжетов.

• Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Взятка. 2003
  Источник: theartnewspaper.ru
• Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ РАХ. CULTURА. 1992–1993
  Источник: cultobzor.ru

• Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Синяки. 1998
  Источник: theartnewspaper.ru
• Константин ЗВЕЗДОЧЁТОВ Террористы (диптих). 2003
  Источник: art4.ru

Творчество Константина Викторовича Звездочётова (1958) наполнено сатирой и карикатурностью: художник использует известные образы русской истории, советского кинематографа, литературы, обращается к стереотипам о русской жизни, популярным в стране символам. Его искусство — это китч, своеобразная пародия на русскую культуру и традиции, но при этом пародия, наполненная остроумием, искрометным юмором и скрытыми смысловыми ассоциациями. Комичность и иронический характер своих произведений К. Звездочетов подчеркивает техникой: линейным графическим языком, нарушением композиционных принципов построения, плоскостным изображением, яркостью и насыщенностью цветового письма. Высмеивая отдельные черты русской и советской жизни, художник становится наследником неопримитивистов, стремившихся к выражению народной эстетики.

• Ирина КОРСАКОВА
  Источник: proza.ru
• Ирина КОРСАКОВА Без названия
  Источник: собственность автора

• Ирина КОРСАКОВА Кукла с жемчугом
  Источник: ikorsakova.kroogi.com
• Ирина КОРСАКОВА Карусель. 1991
  Холст, масло. 100 × 120
  Источник: собственность автора

Определяющее влияние на выбор будущей профессии и формирование художественной манеры Ирины Леонидовны Корсаковой (1960) оказал ее отец, художник Леонид Михайлович Корсаков. До 1990 работала в области станковой графики, после увлеклась масляной живописью, при этом главной темой ее творчества была и остается тема детства. Композиционные принципы построения ее работ, позы моделей, насыщенное цветовое решение, детализированная манера письма отчасти напоминают стилизацию под русское рококо и барокко. Однако созданные ею детские образы находятся вне определенного культурного контекста, это прежде всего символы, которые не зависят от конкретного времени и исторической эпохи. Картины художницы пронизаны чувством щемящей беззащитности детей, которые с ранних лет оказываются в жестоком мире взрослых. В последние годы И. Корсакова занимается росписью интерьеров и стекла.

• Владимир НАСЕДКИН Красная площадь. Свет и тени. 2000–2010
  Источник: cultobzor.ru
• Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 2. 2000–2010
  Картон, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора

• Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 3. 2000–2010
  Картон, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора
• Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 5. 2000–2010
  Картон, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора

• Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета 7. 2000–2010
  Картон, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора
• Владимир НАСЕДКИН Свет Тибета. 2000–2010
  Картон, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора

Владимир Никитович Наседкин (1954) считает, что художественную ценность картины определяет ритм, цветовой строй, пластика, а сюжет лишь помогает воспринять чисто художественные достоинства, свести их к единству. Универсальный язык линий и лаконичных геометрических форм восходит у художника от древних традиций Египта и Вавилона к авангардному искусству Лисицкого и Малевича. Идея плана, чертежа или кода теряет свою конкретную привязку, кристаллизуется и превращается в искусство. Интегрируя приемы и средства выразительности супрематизма, конструктивизма и минимализма и находясь в контексте культур различных традиций и языков, художник формирует свою художественно-композиционную систему.

• Анатолий ПУРЛИК Морячки в ГОА. 2007
  Источник: archrevue.ru
• Анатолий ПУРЛИК Подмосковные вечера в Люблино. 2018
  Холст, масло. 110 × 130
  Источник: ot-ido.art

• Анатолий ПУРЛИК Натурщица под часами. 1999
  Холст, масло. 120 × 90
  Источник: artcontract.ru
• Анатолий ПУРЛИК Желтая дорога домой. 2005
  Холст, масло. 70 × 80
  Источник: archrevue. ru

В основе художественного метода Анатолия Николаевича Пурлика (1956) лежит синтезированное восприятие направлений конца XIX — первой половины XX века, в частности творчество участников группы «Наби», постимпрессионистов, фовистов, немецких экспрессионистов, а также русское плакатное и театральное искусство. Художник создает собственную «конструкцию из реальности», изображает реальную действительность как отражение своего внутреннего состояния, которое выражается в деформации формы и экспрессивном цветовом решении. А. Пурлик работает в жанре натюрморта, пейзажа и ню, однако зачастую соединяет их, тем самым усложняя смысловую нагрузку своих произведений и степень их эмоционального воздействия.

• Мария СЕМЕНСКАЯ Всё, что только возможно вообразить. 2015
  Холст, масло. 100 × 150
  Источник: собственность автора
• Мария СЕМЕНСКАЯ Опровергнутый горизонт. 2015
  Холст, масло. 100 × 150
  Источник: собственность автора

• Мария СЕМЕНСКАЯ Загружаемый уровень. 2016
  Холст, масло. 150 × 120
  Источник: собственность автора
• Мария СЕМЕНСКАЯ Выявление. 2016
  Холст, масло. 130 × 150
  Источник: 11-12gallery.com

• Мария СЕМЕНСКАЯ Нестабильный баланс. 2010
  Источник: behance.net

Мария Петровна Семенская (1974) стремится изобразить окружающее пространство — реальные формы, состояния, переживания. Но её сюрреалистические миры подобны сновидениям, которые опираются на индивидуальную трактовку мифологии, аллегорий, кодов, национальных традиций. Будучи визионером, М. Семенская использует богатый художественный язык, с помощью которого создает гипертрофированные сюрреалистические образы и предлагает зрителю погрузиться в альтернативную метареальность, наполненную фантасмагорией красок и пластических взрывов. Используя технику фотореализма и фотомонтажа, М. Семенская овладевает языком постмодернизма, с помощью которого создает многослойные художественные образы, требующие расшифровки и знания культурных кодов.

• Владимир СЕМЕНСКИЙ В бассейне. 2017
  Холст, масло. 120 × 100
  Источник: собственность автора
• Владимир СЕМЕНСКИЙ У зеркала. 2012
  Холст, масло. 120 × 100
  Источник: собственность автора

• Владимир СЕМЕНСКИЙ Сидящая. Терминал. 2014
  Холст, масло. 120 × 60
  Источник: собственность автора
• Владимир СЕМЕНСКИЙ Руки, ноги, колесо! 2017
  Холст, масло. 100 × 100
  Источник: собственность автора

Владимир Александрович Семенский (1968) учился в Санкт-Петербурской государственной художественно-промышленной академии имени А. Л. Штиглица. Через год после поступления будущий художник оставил учебу в академии, столкнувшись с сухой, как он тогда считал, академической программой обучения, и занялся поисками собственного творческого пути. В 2000 году вместе с супругой М. Семенской стал участником независимого творческого объединения «Деревня художников Фиолент» В течение семи последующих лет сообщество устраивало совместные выставочные проекты, снимало авторское игровое и документальное кино. В своих работах художник, как и М. Семенская, пытается создать собственный мир, но не фантасмагорий, а мир реальных наблюдений и ощущений. Язык его живописи материален и соответствует характеру реальных впечатлений. Хотя иногда его подход перекликается с экспрессионистическим, эмоциональная манера, которой художник достигает при помощи размашистого, широкого и пастозного мазка, свободна от философских интерпретаций, присущих экспрессионистам, и обусловлена настоящим временем и той средой, в которой пребывает автор.

• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора
• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора

• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора
• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора

• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора
• Наталья ТУРНОВА
  Источник: собственность автора

Наталью Петровну Турнову (1957) как художника интересует прежде всего человек. Многие ее произведения написаны в портретном жанре и выполнены в характерной абстрактной, экспрессионистической манере. В 2000-е годы художница создала циклы портретов, в которых представляются не реальные люди, но обобщенные образы состояний или переживаний, внутреннего движения и выражения человеческих эмоций, которые Турнова воплощает при помощи форсированного яркого цвета и деформированной формы — приемов, заимствованных у ее любимого Матисса и экспрессионистов. Отходя от детализации, художница дарит цвету, с помощью которого она словно вылепливает форму изображаемых фигур и предметов, полную свободу.

Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения
Т. А. Карюк, искусствовед, сотрудник Государственного музея истории Санкт-Петербурга

© artinvestment.ru, 2022

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Как фотография поменяла живопись — история и факты

В апреле в журнале Elle Decoration была опубликована статья куратора нашей галереи Марии Горбуновой о том, как появление фотографии оказало влияние на современное искусство. Делимся этим материалом в нашем блоге.

В 1839 году творческий мир был «взорван». На заседании Парижской академии наук Луи-Жак Манде Дагерр представил миру свое изобретение — дагерротип. Это событие было эпохальным в мире искусства: техническое устройство впервые стало соавтором произведения. 

Инновация бросила вызов общепринятым представлениям о живописи как единственной форме искусства и привела к появлению новых художественных движений.  

Первый снимок с человеком, Луи Дагер 1838 год

Из истории фотографии

Живопись XVI-XIX в.в. подчинялась идеалу вневременной красоты, анатомическая точность имела принципиальное значение. Каноны и классические образцы искусства играли ведущую роль.

«Автопортрет», Антонис Ван Дейк

С изобретением фотоаппарата понятие «вневременный идеал красоты» осталось в прошлом. Фотография с невероятной графической точностью копировала изображение окружающей действительности и тем самым ставила под сомнение принципы традиционной академической живописи.

 Художники того времени к появлению фотоаппарата отнеслись неоднозначно. Одни были искренне возмущены, потому что считали что фотография обесценила произведения искусств и художественное мастерство, которому необходимо учиться несколько лет. До изобретения фотоаппарата портретная живопись была доступна только аристократам и очень состоятельным людям. Теперь изображения стали доступны широким слоям населения. 

Другие пользовались фотоаппаратами, но открыто не демонстрировали. Так, Моне с раздражением отреагировал на предположение о том, что при написании одной из своих известных картин с Темзой он использовал снимок парламента. При этом у художника было четыре камеры. 

«Темза под Вестминстером», Клод Моне

Были и те, кто сразу с энтузиазмом воспринял изобретение фотоаппарата. Одним из самых ярких сторонников был Эдгар Дега. Художник активно осваивал новый вид искусства, коллекционировал снимки и в своих работах применял приемы свойственные фотографии. Например, он обратил внимание на иной способ компоновки фигур в пространстве картины и на серии полотен с балеринами использовал метод «кадрирования», что создало эффект случайного кадра.

«Голубые танцовщицы», Эдгар Дега

Что фотография дала искусству?

Фотоискусство оказало сильное влияние на традиционную живопись: художники начали использовать фотоснимки вместо рукотворных этюдов, переняли технические приемы и методы, а главное — это стало предпосылкой к появлению абсолютно новых направлений искусства. Поговорим об этом подробнее.

«Воскресный день на Гранд-Жатт», Жорж Сера

Искусство и повседневная жизнь

Фотография обратила внимание общества на быстротечность момента и его значимость. Вслед за фотографами художники стали уделять внимание сценам повседневной жизни, городскому пространству и «силе момента», начали изображать в своих работах отдыхающих в парке, прогулки на лодках, людей в ресторанах и другие сцены бытовой жизни.

Картина «Завтрак на траве», Клод Моне

Прикладные навыки

Снимки американского художника и фотографа Эдварда Мейбриджа дали возможность детально изучить механику движения людей и животных. Ему удалось сделать покадровую съемку галопирующей лошади. Эти знания активно использовали в своих работах кубисты и футуристы начала XX века, стараясь изобразить объект одновременно с разных сторон. 

Кадры «Лошади в движении», Эдвард Мейбридж

Появление новых течений искусства

Самое главное изменение традиционной живописи состояло в том, что теперь художникам не нужно было копировать реальность в точности, и они обратили свое внимание на иные аспекты видения окружающего мира: поменяли оптику восприятия, начали смело экспериментировать с цветом и светом. Это стало толчком к появлению импрессионизма. Мунк, Ван Гог и другие импрессионисты рассматривали реализм как работу фотографа, а цель настоящего художника, по их мнению, состояла в том, чтобы найти способ выйти за пределы реализма — сделать то, на что камеры не способны.

«Крик», Эдвард Мунк

Пабло Пикассо говорил: «К чему размножать реальность, если с этим прекрасно справится фотообъектив?».

«Алжирские женщины», Пабло Пикассо

Отсутствие необходимости передавать внешнее сходство позволило художникам упрощать объекты, искажать их форму и рассекать на геометрические плоскости.

Исторические и технические перемены начала XX века усилили эту тенденцию и нашли отражение в искусстве — появилось еще несколько новых направлений: футуризм, экспрессионизм, дадаизм, в которых внимание было сконцентрировано на передаче состояния, настроения и эмоций, а не на реальной картинке. В 40-х и 50-х годах прошлого века Джексон Поллок, Роберт Мазервелл и другие абстрактные экспрессионисты довели эту тенденцию до такой степени, что живопись разорвала связь с представлениями физического мира.

«Синие шесты», Джексон Поллок

Как пишет об этом явлении в своей книге «Непонятное искусство» Уилл Гомперц: «Можно сказать, что каждое следующее поколение художников жертвовало все новой визуальной информацией в попытке ухватить атмосферу (импрессионизм), усилить эмоциональное воздействие цвета (фовизм) или рассмотреть предмет с различных сторон одновременно (кубизм)».

Во второй половине XX века отношение к реальному миру в живописи поменялось — интерес к повседневным объектам вернулся, но восприятие стало иным. Хороший пример работы Энди Уорхола, который выбрал темой своего творчества общество потребления и повторял один и тот же образ на картине. Умышленным однообразием одних и тех же предметов Уорхол бросил вызов общественному суждению о том, что искусство должно быть оригинальным. Одинаковость изображений противоречила традиции рынка, который ставил финансовую и художественную ценность картины в зависимость от ее уникальности. 

«Банки с супом Кэмпбелл», Энди Уорхолл

Фотография XXI века и современное искусство

Сегодня современное искусство представлено различными направлениями: от абстракционизма до стрит-арта. Фотография в искусстве занимает отдельную нишу. Наравне с картинами фотоснимки продаются на мировых аукционах за миллионы долларов, при этом фотоискусство перестало быть уделом профессионалов, как в середине 19 века. В наши дни фотографии могут делать все, у кого есть смартфоны с камерами, а для показа своих работ всему миру достаточно доступа в интернет и аккаунта в социальных сетях. 

Представляет ли это угрозу для современной живописи? Ответить на этот вопрос сложно, потому что искусство, как показывает история, должно пройти проверку временем. 

«Долгое путешествие», Бо Вадим

При этом с уверенностью можно говорить о том, что сегодня очень быстрыми темпами развиваются авангардные направления. Все больше людей обращают свое внимание на произведения современного искусства, передающие дух, динамику нашего времени, эмоции и самое главное — идеи. А авангардисты в качестве некоторого исходного материала для реализации художественных замыслов часто используют фотографии.

Например, питерский художник Вадим Бо во время прогулок по городу фотографирует фрагменты фасадов зданий, бетон, штукатурку, камень и после этого воспроизводит очень похожие фактуры на своих холстах с помощью кисти и масла. Сергей Брюханов — художник, обладающий тонким чувством цвета, настоящий колорист, делает фотографии в путешествиях, а после с помощью техники коллажа он особым образом наслаивает фрагменты тонкой бумаги на распечатанное фото до тех пор, пока пейзаж не превратится в полную абстракцию — такой коллаж становится эскизом к большой работе на холсте. Таким образом получаются произведения на стыке разных видов искусств. 

В нашем каталоге можно посмотреть работы современных художников, которые используют в своей работе фотографию.

Искусство экспрессионизма 2022. Художники современного экспрессионизма. Экспрессионист мазка.

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ ИСКУССТВО 2022. КИСТИ ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ. ХУДОЖНИКИ СОВРЕМЕННОГО ЭКСПРЕССИОНАТА.

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ.

Желтая ваза (46×33 см) Акрил

МЕРЕЛЛО

Jose Manuel Merello. -Alczar-de-Toledo-sobre-el-ro-Tajo (97 х 130 см). Микс-медиа на холсте.

Merello.-Синяя женщина.(100×81 см) Холст.

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ.

Рабочий.- Карандаш

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ.

Женщина с кошкой (92х73 см). Акрил

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ.

Анна Эротика с цветком (49×36 см) Карандаш

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. ХУДОЖНИКИ-ЭКСПРЕССЬОНИСТЫ.

Женщина с платком (49×36 см). Индийские туши

Афинея. (54х73 см). Акрил

Последнее обновление → 2022-01-03

Веб-страница оптимизирована для разрешения 1024 x 768

Хос Мануэль Мерелло Арвилла. — (2003)

ЭКСПРЕССЬОНИЗМ АРТ. мазок кистью ЭКСПРЕССЬОНИСТ. ХУДОЖНИКИ СОВРЕМЕННОГО ЭКСПРЕССИОНАТА.

Мысли об искусстве и живописи.

«Абстрактный Живопись и сюрреалистическая живопись, помимо того, что они необходимы и чудесны сами по себе в наши дни выполняют также неоценимую педагогическую функцию для любого художника. Теперь они стали частью классического искусства и являются Художественное наследие для духовного обучения и художественной техники. Они есть как гимнастика для неосознанного и для глаза, предоставляя места, где почти все чувства и духовные эмоции могут быть вылуплены, чтобы в конечном итоге привести к построить эту неизмеримую и грандиозную вещь, которую мы называем ИСКУССТВОМ ЖИВОПИСИ». Хос Мануэль Мерелло

«Хороший рисунок никоим образом не может идти в негодность по сравнению с хорошим картина. Более того, под каждой картиной лежит существенная основа рисунок, поддерживающий его, скелет, который его мобилизует и придает ему форму. Любая картина, лишенная этой основы, крошится и кажется хлипкой». Джос Мануэль Мерелло

«Рисунок не определяется линией, даже картина остается определяемым цветом. Картина до сих пор сохраняется, и это отчасти то, что в настоящее время определяет его, способность быть ассимилированным и включая в монитор или фото. С другой стороны, рисунок делает действительно усваивается этими средствами. Оставляя в стороне фетишизмы, это не мне важно иметь оригинальный рисунок или фотографию или идентичный постер его. Это одно и то же, и рисованием можно наслаждаться одинаково, как и это случается несмотря на то, что читал хорошую книгу в разных изданиях или видел одна и та же фотография открывается во второй или в десятый раз. Когда его нет в игре ни фетишизм, ни пластичность, все эти опоры ведут нас к благородство — или нищета — работы. Но в живописи пластика всегда в игре пластичность, болезненность, непрозрачность или прозрачность, блестящая или тусклая поверхность… качества, которыми невозможно быть транслируется с помощью монитора компьютера, телевизора или плаката. цифровой техника, далека от того, чтобы разрушить искусство, она только демонстрирует особенности этих других техник, и картина получает гирлянду из-за того, что в настоящее время невозможно полностью насладиться The Meninas в образ, невозможно ощутить мощное ощущение разрыва пребывания, где Велескес не может разглядеть жемчужную оболочку живописного слой картины, бесполезно поворачиваться и смотреть в сторону, чтобы быть способен чувствовать тонкие узлы и растяжки росписи гений. И не будем говорить ничего о картинах Типиеса или Люциана. Фрейда или Джаспера Джонса… Цвет и расположение форм могут наводят нас, конечно, на многое, но они остаются далеко, они не достаточно, чтобы выразить пластичность картины. Это Картина». Хос Мануэль Мерелло

«Технически говоря, в живописи и рисовании можно сделать что-то не так. если они не умеют их делать правильно, а плохо сделанные вещи должны быть «совершенно неправильно сделанным». Таким образом, результат всегда будет хорошим. » (лето 2004 г. ) Хос Мануэль Мерелло

«История искусства — это эмоциональная и духовная история человечества. воспоминание о своих самых возвышенных чувствах, материализованных в произведениях искусства, которые превзойти время. Альтамира и Ласко — примитивные примеры этого человеческого стремление выразить свои эмоции. На мой взгляд, никакого художественного эпоха, превосходящая другую своим первоначальным импульсом к созданию материала доказательство эмоции или духовного удовольствия. С другой стороны, я верю были эпохи искусства, превосходящие другие, с тех пор как человек усовершенствовал свою технику. Точно так же, как всегда идет научный прогресс. художественный прогресс, для развития которого нужны технологии, развивается с возрастающая тенденция. Однако эта эволюция не является непрерывной, поскольку зависит от двух факторов: техники и душевной эмоции. Искусство – это не просто чувство. Искусство есть чувство, которое материализуется, воплощается, лепится, написано мастерски и технично. У пещерных людей было всего несколько инструментов. достигать; следовательно, их искусство более примитивно, чем искусство барокко, чтобы дать пример. Проблема заключается в том, что техника и эмоции не всегда двигаться по параллельным линиям. В результате мы иногда можем найти искусство периоды с большим и более чистым эмоциональным и духовным импульсом, даже хотя они полагались на худшую технику. С другой стороны, мы иногда можно найти другие периоды с лучшими средствами, когда искусство слабее из-за человеческая душа была испорчена, подавлена ​​или ею манипулировали. Когда человеческий дух проходит возвышенный и свободный период, сопровождаемый превосходной техникой, тогда мы будем называть этот период золотым веком искусства». Мерелло

«Сегодня современное искусство источает глоток свежего воздуха и свободы, как никогда ранее вообразимый. До сих пор в истории искусств никогда не было такого множества возможных техники для художников на выбор или такое разнообразие художественных языки для художников, чтобы полностью выразить себя. Все разное искусство школ и течений, фаворитизмы в сторону (хотя они всегда были там), наслаждайтесь большим открытым полем, которое обещает невероятные творения в ближайшие годы.
Сюрреализм, зародившийся в ХХ веке как совершенно определенное искусство движение, в настоящее время является тенденцией, на которую повлияли экспрессионизм, фигуратизм, Абстрактное и многие другие направления искусства, обогащающие сюрреализм без разбавляя его и расширяя сюрреализм, не уничтожая его. я полагаю, что границы в искусстве стираются. До сих пор очень сложно думать об этом явление, так как мы находимся в настоящее время в этом художественном мультидвижении в поисках «одного искусства». Но будьте осторожны; никогда не должно быть навязыванием или абсолютное движение. Искусство свободно по своей природе и оно всегда ускользнет, как вода сквозь пальцы, от предчувствий и горизонтов, что мы пытаемся навязать это». Хос Мануэль Мерелло

Я призываю к смирению в живописи. Живопись не требует так много фанфар или интеллектуальная претензия. Оно должно исходить от человека чистой души, от ясный и чистый глаз живописца, даже если рисуется только простое яблоко окрашены. Именно по этой причине я так восхищаюсь Моранди. Джос Мануэль Merello

«Я ненавижу большую часть минимализма, который практикуется сегодня во всех искусство. Боюсь, что в этом предполагаемом синтезе есть избыток мусора и бесполезности, плавающих вокруг, что только сбивает с толку публики, которая иногда может быть невежественной, но безупречной, хотя, более часто невыносимо педантичны, лишены всякого понимания и знания».0030   Хос Мануэль Мерелло

Рамка для хорошей картины все равно, что платье для красивой обнаженной женщины. Это не является обязательным, но служит для празднования и придания шарма работе. Джос Мануэль Мерелло

«Испанская живопись на протяжении веков сохраняла безмятежность и меланхоличный взгляд: трагичный, но никогда не жестокий. Нет такой вещи, как жестокая испанская живопись. Даже самый свирепый Гойя или самый Ужасающий Пикассо никогда не терял хладнокровия и класса, присущих мазок.» Хос Мануэль Мерелло

«Все задаются вопросом, что такое искусство. Я думаю, что искусство — это любое человеческое творение, способное поднять дух на более высокий уровень эмоций и удивление». Джос Мануэль Мерелло

«Художники-экспрессионисты, сюрреалисты, современные Художники в целом … и Древние, Фигуративные художники, Абстракции, Реализм, Поп, Величайшие художники, Неизвестные, Знаменитые, Гениальные художники и художники без гениальности… Рисовальщики комиксов, Цифровые, Высокомерные, Простые, Безумные Художники, Богатые, Бедные Художники. Мне не важно откуда они, китайцы или испанцы Художники; Мне нравятся все художники мира, меня интересуют вся картина; простая ваза, анонимный портрет, претенциозная картина, глупая картина, гениальная картина: Все они Художники, Все есть Картина» Хос Мануэль Мерелло
«Лошади и дети. Толстухи, красавицы и старушки. фокусники и поэты. Собаки и кошки спят. Быки и испанские тореадоры. Шествия Севильи и Малаги. Распятые Христы, наполненные кровь и молитвы. Святые. Девственница для каждой деревни. Солнце и Бискайский дождь. Море, страсть, любовь и искусство Средиземноморья. Живопись и старая архитектура. И самый современный. Танцы и танцы потерянных деревень. Литература, выпущенная испанским миром. Глубокий красный цвет, фиолетовый, черный и оливковый. Баланс между солнцем, луной и звездами: это это испанское искусство. Хос Мануэль Мерелло

Искусство и экономический кризис
Искусство, как и любой коммерческий продукт, замечает то же самое или даже больше, поскольку оно не предмет первой необходимости, последствия сложившейся экономической ситуации. Однако, как и во все времена перемен и переориентации политических, экономических социальных парадигм, искусство может выйти обогащенным и даже усиленным, ситуация такая.
В мире искусства, особенно в интерпретации, актеры и актрисы говорят, что определенные уровни беспокойства и стресса способны пробудить в них способность концентрироваться и талант передачи, которых у них нет в нормальные ситуации. И что такое настоящее время, как не непрерывное состояние суматоха и волнение? Искусство было, к счастью или к сожалению, подпитывается многими или всеми основными эпизодами припадков у людей; признаки это «Герника» Пикассо или «Фусиламьентос 2 мая» из Гойя.
В настоящее время ожидается расцвет великих произведений искусства или даже новое направление в искусстве? Движение, которое может привести к двум совершенно разным темам, тот, который сосредоточится на критике и заглянет в прошлое, ориентируясь на события и поведение, которое привело нас к нынешнему экономическому кризису, и другое что превозносило бы все то, что питает и дает человеку вторую возможность переориентировать свои экономические, социальные и политические процессы, как интеллект и щедрость. ВЕЧЕРА. Gimnez

» Я не художник-авангардист. Мое искусство современное, буквально говоря: продукт своего времени. Авангард, напротив, представляет большинство современных новшеств ни лучше, ни хуже; как острие копье, открывающее новые пути. Тем не менее, это острое острие требует всего сила и вес остального копья, вес Истории Искусств. Без всей этой Истории нет толчка к открытию новых путей. Авангард Арт представляет свежесть, новизну, удивление, правду и подделку. Рискованный и увлекательная ставка. Однако меня интересует черпать из классики и современные традиции, углубляться в пройденный путь и сохранять бдительность как и многие другие художники, чтобы обеспечить художникам-авангардистам прочную основу. Примерно так же, как старший брат держит за руку своего младшего брата. зачарованно, как заглядывает бесстрашный ребенок, с удивительной отвагой и без страха в бездну. Мне нужно следить за авангардом Движение, потому что оно держит меня молодым как художника, оно очищает меня, проясняет мой дух, так что мой взгляд не кислый. Я часть тела копьем, и с этой точки зрения я с восхищением наблюдаю за молодым искусством резкое тыкание в то же время, что я черпаю из великолепной работы мастера всех времен, мощное наследие, которое поддерживает нас. я не часть искры иногда эфемерны наконечника копья. У каждого из нас есть его и моя роль в настоящее время не в авангарде». Хос Мануэль Мерелло

«О ХОАКУНЕ СОРОЛЬЬЕ».: Сегодня это не кажется слишком современным говоря о Хоакуне Соролье, великом валенсийском художнике. Но я всегда отказывались видеть в нем старомодного живописца-импрессиониста, светоносного и еще немного. В остальном Соролья — один из больших, титан, Колосс картины. Возможно, его нельзя было сравнить ни с Вельскес, ни Пикассо, это было бы очень смело, но да, я вижу его в высота Сезанна или Мане. Что ж, это правда, что работа Валенсийский очень неравный по качеству и за это расплачиваются десятилетиями прерывность таким образом, что только очень немногие люди могут спасти между его раскрашивая те холсты, которые катапультируют его к Олимпу: Сорольи белое белье.» Хос Мануэль Мерелло

«Каким будет искусство в 2011 году и в ближайшем будущем? Свобода определяет современное искусство. Международные арт-ярмарки – это весело и интригующе, проблемы для мышления и человеческих эмоций. Прогулка по современному искусству ярмарка, как ARCO в Мадриде, теперь умственное освобождение. Вы можете подумать, что что мы видим, это не «искусство», вы можете подумать, что некоторые художественные творения не моральны, а затем сделать вывод, что они не являются искусством. Но вы ошибаетесь. Искусство никогда не зависит от морали. Любое произведение искусства ничем не обязано какой-либо форме мысли или идеологии. Человеческий дух свободен. Искусство бесплатно. Искусство за гранью добра и зла. Что необходимо, так это предотвратить некоторые формы искусства, которые жестоки, опасны, диктаторские. Мы не можем позволить им, потому что нам нужно правила сосуществования или потому, что это этически неприемлемо. Например, мы можем превратить Амазонку в сад пустой, голый, с одним деревом. Конечно может быть произведением концептуального искусства, но это было бы действительно глупо. с дикостью и жестокостью можно справиться с большим мастерством. это было бы не так морально, это могло бы быть искусством, но не должно быть позволено. 900:30 Еще одна распространенная ошибка многих посетителей АРКО состоит в том, что они думают, что быть только краска. Нет. Картина — очень важная часть искусства, но только часть. Многие художники жалуются на то, что на картине очень мало краски. ярмарки современного искусства. В этом есть смысл, возможно, в художественных галереях с картины должны быть более выставлены там. Современная живопись или классическая картины прекрасны, это высокоразвитая форма искусства… но Искусство не нужны картины для искусства. Конечно, многие нынешние творения просто эфемерное искусство, искусство думать и медитировать в течение нескольких минут. И сейчас это очень интересное отличие». Хос Мануэль Мерелло

Ван Гог, Леонардо да Винчи, Моцарт и Мэрилин. Спички.
«Еще одна чепуха. Теперь дело за Ван Гогом. Просто новая книга, которая размышляет о последних днях его жизни, покончил ли он с собой или был случайно убит.
Я не читал книгу, но читал заметки вроде той, где кто-то спрашивает Винсента, который истекал кровью в своей постели, хотел ли он совершить самоубийство, и он сказал, что я так думаю. А для некоторых людей это достаточная причина, чтобы написать книгу, потому что этот ответ может означать, что он не нажимать на курок.
Этот бред и другие, приведенные в книге, оправдывают без стыда поднимите новый участок, который обязательно даст много денег, потому что, скорее всего, быть после преобразованы в фильм. Запутывайся и копай, чего бы это ни стоило, без малейшего уважения в жизни того, кто отдал все ради ничего такого. Противно это хобби создавать иероглиф который дает болезненное увлечение и деньги в течение длительного времени. мне кажется возмутительно неуважение к великодушному гению.
То же самое и с Мона Лизой Леонардо. Приходите и посмотрите, что мы изобрели сейчас или что мы можем обнаружить в избитом, тяжелом и ничего загадочного улыбка Донны. Эй, смотри, я думаю, что эти волосы его волос похожи на крест редкая секта, и это соединение точек, которое я вижу, является следом могущественного тайна означает, что Леонардо уже тогда знал о существовании нейтрино. А также снова и снова, ерунда за другой, независимо от того, является ли Мона Лиза посредственной картинка (если не считать использования «сфумато» как новшества), посредственная, да, по своему исторический контекст и прочее может иметь некоторый интерес, но пластически не слишком хорошо. Неважно. Они уже успели стать иконой основывается на болтовне и чепухе, а потом начинает интересоваться, совсем помимо его истинного качества. Как образ Мэрилин в поп-арте. Ничего такого более. Бедная Мэрилин, сколько людей все еще наживаются на его имидже и его смерть. Я убежден, что да Винчи был бы опечален всем этим. имеет значение.
Или Моцарт. Он и его смерть. Сальери и Моцарт, запутавшись в паутине навсегда запятнав образ великого человека, сделав его чушью, как клоун в необычном фильме Милоша Формана, «Амадей». Всегда одно и то же: заниматься искусством или интриговать во что бы то ни стало. Я всегда говорю, что искусство не знает морали, но это не дает нам права распинать собак или плести интриги и заговоры с людьми, которые только возвеличивают наш дух, отдавая все, что у них есть.

Мне очень грустно, что люди не перестают удалять уши, кости, страдания и личную жизнь этих мучеников искусства.

Пожалуйста, оставьте их всех в покое.»
Хос Мануэль Мерелло

«Быть художником, писателем, скульптором или музыкантом не ставит никого в более высокий ранг, чем любая другая профессия. Есть много профессий, при доведении до крайности, без сомнения, достичь более высокого уровня, чем так у большинства художников. Например, замечательный мастер, изготовитель манильских шалей может пойти дальше посредственного скульптора; работа может быть выше. Или великий футболист может вызвать большую страсть, чем большинство из нас, художники. Быть художником ничего не гарантирует. Однако иногда гений рождается так, что отличает великих искусства, наряду с наукой, философией или политикой, от любых других занятий. Мы не можем сравнивать Сикстинскую капеллу Михаила Ангела или закон Ньютона. Гравитация с самыми удивительными футбольными воротами. Искусство с большой буквы это легко обнаружить; его свет продолжает сиять сквозь время. Джос Мануэль Мерелло

Современный художник-экспрессионист: Современные художники-экспрессионисты Художники

Современные художники-экспрессионисты

Наши популярные категории

Бестселлеры

Популярные исполнители

Начинающие исполнители

Известные исполнители

Инвестируйте в

Только на Singulart

Новый онлайн

Все наши исполнители

• #
• А
• Б
• С
• Д
• Е
• Ф
• грамм
• ЧАС
• я
• Дж
• К
• л
• М
• Н
• О
• п
• Вопрос
• р
• С
• Т
• U
• В
• Вт
• Икс
• Д
• Z

Фильтр

Поиск по названию

Коллекции, которые могут вам понравиться

Обновлено 13.

No related posts.