Средства художественного выражения импрессионизма: Средства художественного выражения поздний классицизм, романтизм, реализм, импрессионизм — Спрашивалка

Урок на тему «Новые средства художественной выразительности в живописи конца XIX – начала ХХ в. В мире художественных образов Пабло Пикассо»

Цели урока:

Познакомить с новым нетрадиционным направлением в зарубежном изобразительном искусстве – кубизмом, показать, как идеи кубизма раскрылись в творчестве Пабло Пикассо, активизировать познавательную деятельность учащихся, научить учащихся давать оценку современным произведениям искусства, выделять и обобщать характерные черты нового художественного направления, выражать свое отношение к работам представителей течения.

Эпиграф:

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. (Пабло Пикассо).

Урок-панорама.

Художественно-педагогическая сверхзадача – погружение.

Зрительный ряд: П. Пикассо “Авиньонские девицы”, “Герника”.

Музыкальный ряд: Александр Скрябин “Поэма экстаза”.

Оборудование (ТСО): музыкальный центр, экран, проектор.

Описание хода урока

1. Организационный момент урока.

Создание атмосферы взаимодействия и сотрудничества, настрой учащихся на продуктивную деятельность, работа с журналом.

2. Актуализация знаний. Обозначение образовательного объекта урока, создание необходимой образовательной среды.

Учитель:

20 век стал свидетелем революций в искусстве.

Отжившие традиции теряли свои позиции под натиском авангарда. Эти победители – первопроходцы, отверженные в свое время, смогли не только заглянуть в будущее, но и стать общепризнанными глашатаями нашего века.

Во второй половине 19 века серьезный шаг в сторону от художественной традиции сделали импрессионисты.

На экране работы художников-импрессионистов: Клод Моне “Впечатление. Восход солнца”, Огюст Роден “Портрет артистки Самарии”, Клод Моне “ Бульвар Капуцинок в Париже”, Эдгар Дега “Танцовщицы в голубом”.

Учитель:

Импрессионизм можно охарактеризовать тремя словами: “жизнь, движение, радость”. Подтвердите или опровергните это высказывание.

Учащиеся:

1. Для художников импрессионистов важен не сюжет, а его чувственное восприятие, впечатление, которое они смогут произвести на зрителя (стог сена, куст сирени, движение толпы).
2. Подвижность и изменчивость мира “мимолетное видение”.
3. Краски наносили быстрыми мазками (им некогда было их смешивать).
4. Впервые художники вышли на пленэр. Живопись на пленэре.
5. Исключением был Эдгар Дега, который продолжал писать в мастерской.

Учитель:

Пленер открыл художникам новую реальную действительность, суть которой состояла в следующем:

1. В природе ни один цвет не существует сам по себе. Единственный источник цвета — солнце, цвет предметов меняется в зависимости от времени дня и световоздушной среды.
2. Тени имеют свой цвет в зависимости от силы и качества световых лучей, но никогда не бывают черными, как не существует в природе черного цвета в чистом виде.
3. Рефлексы на поверхности предмета изменяются от угла падения и света и его интенсивности.

В отличие от импрессионистов, которые работали сообща, художникам постимпрессионистам достались одиночество, страшные тиски нужды, надругательства критиков и разрыв с буржуазным обществом.

На экране: Винсент Ван Гог “Звездная ночь”, “Терраса кафе ночью”, Поль Гоген “Идол”, Поль Сезанн “Гора Сент-Виктуар”.

Учитель:

“А если сегодня мне, грубому гунну,

кривляться перед вами не захочется – и вот

я захохочу и радостно плюну,

плюну в лицо вам

я – бесценных слов транжир и мот”, —

гордо заявил Маяковский со сцены прямо в лицо зрителям.

Постимпрессинисты превзошли своих предшественников, они противопоставили себя обществу. Почему жизнь и судьба этих художников была трагичной?

Учащиеся:

Импрессионисты и постимпрессионисты отвергали официально признанное искусство. Гоген бросил успешную карьеру и удалился от цивилизации, Ван Гог декларировал нежелание считаться с социальными нормами, Тулуз-Лотрек вопреки аристократическому происхождению прожигал жизнь в компании парижских притонов.

Для постимпрессионистов выразительность стала важнее изобразительности, это с наибольшей силой проявилось в творчестве Ван Гога.

Он заполнял холсты родившимися в душе образами, больше беспокоясь о передаче эмоционального состояния, чем о сходстве с мотивом.

В полотнах Гогена мы видим иную реальность, мифы, легенды становятся частью повседневной жизни: хмурый идол естественным образом вырастает в природном пейзаже.

Сезанн сумел увидеть и донести до зрителя миллионолетние процессы как плод космического творения.

Учитель:

Трагедия художников в том, что их творчество, обращенное к современникам, не было ими востребовано. Но какой парадокс судьбы!!! Слава, признание пришли к ним после смерти! Могли ли они мечтать, что их творческое наследие, став итогом искусству 19 столетия, проложит дорогу в будущее другим творцам.

Открытия, сделанные постимпрессионистами, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве 20 века – фовизма, кубизма, экспрессионизма.

На экране высказывания художников:

“Вообразить мир таким, как нам хочется”. А. Дерер.

“Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнуренный зритель, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой”. А. Матисс.

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. П. Пикассо.

“Искусство рассчитано на диалог художника со зрителем”.

Первым модернистическим направлением в зарубежном изобразительном искусстве начала 20 века были фовизм и кубизм.

Создание проблемной ситуации на уроке.

Учитель:

Представьте, мы с вами находимся на Осенней парижской выставке.

Идет 1905 год.

Посетители и критики шокированы представшим зрелищем. Один из посетителей выставки, критик Луи Воксель, назвал картины “дикими” — fauve, отсюда и произошло название направления “фовизм”.

Просмотр слайдов работ А. Матисса.

Как вы думаете, что же стремился выразить в своих работах А. Матисс?

Учащиеся:

Художник выражает свои чувства, ощущения, а не отражает реальный мир. Окружающий мир служил только поводом для выражения мыслей, чувств, средствами света Основным художественным средством его картин является цвет и линия.

(Можно предложить учащимся на время обсуждения работ А. Матисса, стать членами жюри Парижской выставки. Выбрать сторонников и противников его творчества.) Во время обсуждения учащиеся приходят к выводу, что художник имеет право изображать мир таким, как ему хочется, воспринимать мир сердцем и душой. Полотна А. Матисса должны украшать залы музеев.

Учитель:

Если фовисты мечтали создавать искусство, радующее глаз, успокаивающее чувства, то кубисты хотели “растревожить человеческие души”.

В 1907 году французская публика увидела картину Пабло Пикассо “Авиньонские девицы”.

Идолообразные деформированные фигуры, застылые формы, очевидное влияние африканской скульптуры, почти полное отрицание пропорций и вообще целостности человеческой фигуры – все это произвело впечатление не только на зрителей, но и на художников. Это был полный отказ от светотени и перспективы и построение изображения в виде комбинации разложенных на плоскости объемов. Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма – художественного направления, отвергшего традиции натурализма и изобразительно – познавательную функцию искусства.

Призыв “трактовать (изображать) натуру посредством цилиндра, шара, конуса”, был воспринят кубистами как активное руководство к действию.

Глядя на картины Пабло Пикассо, никогда не подумаешь, что это творения одного и того же мастера. Одни отрицали его как художника, считали его картины бессмысленными, другие – восхищались им!

На экране “Герника” Пабло Пикассо.

Начало 1940-х годов. Оккупированный нацистами Париж. Ночь, полутемная студия, окна зашторены. Раздается резкий стук в дверь. В мастерской художника появляется группа гитлеровцев. Обыск. Яркий свет фонаря выхватил из сумрака холст. Но…что изображено на нем…

Немецкий офицер в сером мундире застыл. Он был поражен и взбешен. “Это вы сделали?” — спросил он у художника.

“Нет. Это вы сделали!”…ответил художник. И в этих словах прозвучали гнев, презрение, проклятие людей земли к нацисским изуверам.

“Герника” недаром взбудоражила гитлеровца.

Всмотримся в картину и рассмотрим анализ художественного произведения по таблице.

(Учитель и учащиеся анализируют произведение “Герника” П. Пикассо).

В конце урока учащиеся приходят к выводу, что Пабло Пикассо художник 20 века!!!

Задачей учителя является создание ситуации успеха, оценка деятельности учащихся на уроке.

Домашнее задание: целесообразно разделить класс на группы и вручить каждой соответствующее задание.

1. Кто он Пабло Пикассо. Страницы биографии.
2. “Голубой” период в творчестве Пикассо.
3. “Розовый” период в творчестве Пикассо.
4. Кубизм.
5. Наследие П. Пикассо.

Анализ художественного произведения “Герника” Пабло Пикассо (Приложение)

Средства художественного выражения — рабочая тетрадь изо

Проблема В каждой области профессиональной деятельности человека можно встретить термины в экономике — инфляция  в медицине — простуда в математике — абсцисса,  множество   (приведи примеры из школьных предметов, физкультура, русский, химия)  Как думаете,  есть они в искусстве ?  Задание Нарисуй термин В рисунке используй 10 средств  кроссворд 10 используя термины составь 10 предложений из области искусства  Теория Презентация(рус) Динамичная Презентация Крестики-нолики Меnines raiskos priemones  Материал Контраст  Нюанс Линия  Перспектива  Пропорции  Пятно Светотень  Тон  Фактура  Форма Формат  Цвет  Cтилизация   Рефлексия 1. Цветовое решение картины. 2. Изображение глубины пространства на плоскости листа. 3. Изображение природы. 4. Основное средство выразительности в живописи. 5. Вид графики. 6. Наиболее удачное для выражения замысла расположение элементов картины. Ответы: 1. Колорит. 2. Перспектива. 3. Пейзаж. 4. Цвет. 5. Печатная. 6. Композиция. 1. Полупрозрачная краска в живописи. 2. Графический инструмент изображения. 3. Материал скульптора. 4. Густая краска, разводимая водой. 5. Изображение из цветной бумаги или ткани, накладываемое на основу. Ответы: 1. Акварель. 2. Карандаш. 3. Глина. 4. Гуашь. 5. Аппликация. Художественные средства живописи К художественно – выразительным средствам живописи  относятся цвет, мазок, линия, пятно, цветовой и световой контраст,колорит, форма, композиция, фактура. Цвет.  Каждый живой и неживой предмет имеет свой цвет. Также как и цвет, огромную роль играет освещенность. Воздействия цветовой окраски, расположение в пространстве, состояние воздуха влияет на цвет. Красота, которой мы восхищаемся и которую мы любим – красочное богатство действительности, или иначе цвета.  Художник передает с помощью цвета, цветовых ощущений, цветовых сочетаний, гармонии холодных и теплых цветов все разнообразие настроения, чувства. А к ним относиться – радость, ожидание, тревога, грусть, нежность. Мазок в живописи – след кисти с краской, оставленный художником на холсте, бумаги, картоне. Техника зависит от индивидуальной манеры художника, она очень разнообразна. Линия и пятно – четкое очертание краской конкретного предмета на полотне. Пятно – тональное, силуэтное изображение объекта. Например, чтобы лучше понять это выражение, разберем пятно – снежную ель  на фоне дальнего неба. Или холм в темном ночном небе. Линию легче представить, посмотрев на любую картину. Четкие линии очертания тени того или другого предмета, усиливающие чувства грусти или радости. Цветовой и световой контраст в живописи, примером может служить резко выделяющие светлые и темные отношения пятен, участков картины. Колорит — система цветовых тонов, их сочетаний и взаимоотношений в произведении искусства.  Фактура — поверхность красочного слоя произведения живописи: глянцевитая или матовая, слитная или прерывистая, гладкая или неровная. Композиция  – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа.  Здесь же мы рассмотрим форму и конструкцию (строение) предмета, увидим художественно-выразительные средства – тон, штрих, линия. Форма предметов определяется очертаниями, контуром, силуэтом.  В упрощенном виде  – квадрат, треугольник, круг, прямоугольник. Каждый предмет в упрощенном виде похож на геометрическую фигуру. Например, мяч – круглую форму, телевизор – прямоугольник, карнавальная шапочка клоуна  – треугольник. Конструкция (строение) предметов – основа форы, каркас строения предметов. Конструкция каждого предмета является то или иное геометрическое тело. Геометрические тела – цилиндр, шар, конус, параллелепипед, куб, пирамида. Очень часто рассматривая предмет, мы видим, что он имеет несколько геометрических тел. В рисовании имеет место метода прорисовки, или его чаще называют «сквозняк», когда рисуешь его строение, конструкцию, которые не видны нашему глазу. Силуэт в изобразительном искусстве (графическая техника) – это вид графического изображения предмета. Это однотонное, плоскостное  изображение предмета. Обычно силуэты рисуют тушью на светлом фоне, ил на черном фоне белилами, либо вырезают из темной или светлой бумаге фигуру, и приклеивают на лист другого тона. Композиция в изобразительной графике – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа. Композицию представляют в круге, в квадрате, овале, в прямоугольнике. Выразительные средства живописи, последовательность выполнения тематической композиции, художник, предварительно делает эскизы, этюды, рисунки, наброски, создает тем самым Точка, линия, пятно.   Простейшие «слова», из которых состоит язык графики в изобразительной композиции — это точка, линия и пятно.   Точка.   Даже одна-единственная точка на листе уже может о чем-то сказать… Например, о неуравновешенности, неустойчивости в композиции. Отсюда и ощущение неуравновешенности, неуверенности…     Взаимодействуя же с другими точками, она расскажет уже гораздо больше. Расскажет «сюжет»…     Линия.   Уже самой отдельно взятой линии, а не только линии как элементу структуры конкретной композиции, можно дать эмоциональную характеристику.     Какие из этих линий можно назвать: сильная, неуверенная, лёгкая, мятущаяся, стремительная?..   Пятно.     Пятно имеет определенную характеристику тона (темнее-светлее) и, в связи с этим, явственно связано с ощущением «массы». Конечно, у пятна огромные выразительные возможности, и конечно, они усиливаются во взаимодействии с другими графическими и цветовыми средствами композиции.   Посмотрите, как красиво и как выразительно взаимодействие этих простых графических средств в иллюстрации художника Николая Васильевича Кузьмина.   Линия   Пятно, форма Meninės išraiškos priemonės  perspektyva centrinė perspektyva linijinė perspektyva, atvirkštinė perspektyva spalvinė perspektyva, dekoratyvumas, dėmė (juoda, balta, spalvota, vienspalvė, marga, ryški), faktūra, fonas, forma (erdvinė, plokščia, geometrinė, simetriška, nesimetriška), koloritas (vienspalvis, įvairiaspalvis, šviesus, tamsus, ryškus, šiltas, šaltas), kontrastas, niuansas, linija (tiesi, lenkta, vingiuota, laužyta, nutrūkstanti, stora, plona, rami), monumentalumas, potėpis, proporcijos, spalva (šviesi, tamsi, ryški, blanki, šilta, šalta), ritmas,  statika, šviesa, šešėlis, taškas, atspalvis, ažūras tonas, tūris Средства художественной выразительности в живописи Язык живописи Произведение изобразительного искусства — это практический результат, реализация автором-творцом его размышлений и представлений, его отношения к происходящему в зримых художественных образах. Можно сказать, что это диалог автора со зрителем, который ведётся на языке изобразительного искусства посредством выбора цвета, колорита, композиции, ритма, светотени, силуэта, контраста, нюанса, соотношения элементов, фактуры, динамики, симметрии, асимметрии и многого другого. Формат произведения также составляет одну из основных задач композиционного решения. В живописи ведущими выразительными средствами являются цвет, рисунок, композиция, фактура красочного слоя, выразительность мазков. Караваджо. Ужин в Эммаусе Дионисий. Брак в Кане. Фреска В. Ван Гог. Едоки картофеля И.Э. Грабарь. Осень. Рябина и берёзы И.Э. Грабарь. В утренней росе Цвет в живописи имеет особые возможности и выполняет особые функции. Он передаёт всё богатство оттенков изображаемого, будь то состояние природы, лицо человека или сцена из жизни. Цвет оказывает влияние на эмоциональное состояние человека, создаёт настроение. С древнейших времён люди придавали цвету символическое значение, и это делало более понятным любое изображение, заставляло зрителя переживать и сопереживать наблюдаемое при его восприятии. Таким образом, цвет — одно из самых мощных средств общения между художником-творцом и зрителем. Цвет в живописи опирается на систему, отличную от той, которая лежит в основе природной цветовой гаммы. Она уступает природному многообразию оттенков, яркости и интенсивности тонов. Продумывая колорит своей работы, художник тщательно подбирает цветовую гамму, смешивает краски, варьирует их по яркости и насыщенности, использует переходы тонов, основные и дополнительные цвета, контрасты. Колорит служит средством эмоциональной выразительности и является существенным компонентом художественного образа. Красочный слой на произведениях живописи неодинаков. Его фактура может быть гладкой или неровной, глянцевой или матовой. Способы нанесения мазка на полотно создают различные эффекты. Например, на картины Ж.  Сёра нужно смотреть издалека, так как техника его живописи — рядом положенные мазки разных цветов (пуантилизм) — не позволяет рассмотреть детали, а на расстоянии краски «смешиваются», и создаётся целостное впечатление. П. Синьяк. Сосна в Сен-Тропезе. Фрагмент Художественно-выразительные средства, которые использует художник в создании своего произведения, манера письма, авторский стиль, свойственная только ему особенность организации пространства картины определяют художественную форму произведения. Именно это отличает одного художника от другого. Рассмотрите репродукции картин и назовите выразительные средства, которые использует каждый художник в своём произведении. Что отличает творческую манеру каждого художника? А. Модильяни. Портрет Жанны Эбютерн О. Ренуар. Танцовщица с тамбурином Д. Веласкес. Королева Испании Изабелла, жена Филиппа IV П. Пикассо. Ваза, фрукты и бокал Л. Мелендес. Натюрморт П. Гоген. Натюрморт с фруктами, корзиной и ножом В. Ван Гог. Ирисы Напишите натюрморт «Букет цветов», подражая манере В. Ван Гога. Прежде всего определите смысловое содержание работы: что вы как автор хотите донести до зрителя. Определите эмоциональное состояние живописной работы, от этого будет зависеть колорит, формат и общее композиционное решение картины. Построение натюрморта начинается с выбора ракурса и положения линии горизонта, общих габаритов предметной группы, композиционного центра. Уточните направление источника света, который влияет на построение объёма, положение теней — падающей и собственной, полутени, рефлекса. В построении кувшина (вазы) используйте симметрию, линия горизонта позволит правильно построить окружность (основание) кувшина в перспективе. Работу лучше выполнять гуашевыми красками, которые по своей плотности близки масляной живописи. Учебные работы Создайте декоративную композицию «Чайный натюрморт». В основе цветового решения используйте ограниченную гамму, построенную на двух дополнительных цветах с использованием белил. Изображение предметов, составляющих натюрморт, должно быть стилизовано (обобщено, упрощено), объём передайте условно. В основе выразительного языка — контраст, нюанс, ритм. Композиция строится на равновесии — основе гармонизации листа. Сделайте линейный рисунок композиции. Линиями построения обозначьте рефлекс (самое светлое место на предмете), тень, характер складок на драпировке. Рассмотрите последовательность выполнения построения кувшина. Обратите внимание на построение (на то, как изображается) окружности в перспективе.

Импрессионизм в искусстве — Информио

Импрессионизм (от impression – впечатление) – это направление в искусстве, зародившееся во Франции в конце 1860-х годов. Его представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Особое внимание уделялось передаче цвета и света. Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Моне  «Впечатление. Восход солнца», представленной на выставке 1874 года. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье обозвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», Ведущие представители импрессионизма – Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и Эдгар Дега.  Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь – это сплошная череда маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении.

Музыкальный импрессионизм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи , сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»). Окружающий мир в музыке импрессионизма раскрывается сквозь увеличительное стекло едва уловимых ощущений, рождённых созерцанием происходящих вокруг незначительных изменений.

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Импрессионистская гармония характеризуется резким повышением колористического, самодовлеющего компонента звука.  Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и искусственных ладов, элементов модальной гармонии, «неправильных» параллельных аккордов и т. п. Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило палитру музыкально-выразительных средств. Это относится прежде всего к сфере гармонии с её техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Усложнение и разбухание аккордовых комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтерированные и квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением  ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.

В  фортепьянных и оркестровых пьесах-эскизах импрессионистов  выражены ощущения, вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с глубоко личными переживаниями музыканта-поэта, влюбленного в красоту окружающего мира.

 

Оригинал публикации (Читать работу полностью): Импрессионизм в искусстве

Особенности копирования живописи импрессионистов. Копии картин музейного качества.

Главная

Как пишутся копии

Особенности копирования живописи импрессионистов

Период импрессионизма в истории мирового искусства занимает всего 12 лет. Абсолютно новый метод живописи был воспринят «академиками» враждебно – работы художников импрессионистов не принимали на традиционные выставки.

В 1863 году состоялась первая выставка импрессионистов, которая произвела фурор в культурном мире. Центральной фигурой художественного течения стал художник Эдуард Мане, а первой картиной, которая продемонстрировала миру цвет, смешанный с воздухом и солнцем, «Завтрак на траве».

Излюбленный жанр импрессионистов – пейзаж, в котором часто можно было увидеть неожиданные композиционные решения. Копировать знаменитые шедевры Сезанна, Моне, Ренуара решаются немногие художники, так как их техника живописи принципиально отличается от приёмов, которыми пользовались старые мастера и представители классического периода.

Художник мастерской Геннадий Криштан завершает работу над копией Пьера Огюста Ренуара «Портрет Жанны Самари»

Характерные черты импрессионизма

Название течения произошло от французского слова «imdivssion» – «впечатление». Художники не стремились к абсолютному копированию образов и форм, увиденных в жизни. Основная идея их творчества – передача впечатления, настроения. Чтобы уловить малейшие нюансы света, увидеть, как одни и те же объекты выглядят в разное время суток и времени года, импрессионисты предпочитали писать на воздухе, а не в мастерской.

Художники первыми начали изображать на своих полотнах зарисовки из городской жизни, пытаясь более всего найти живописный тон, чем придумать глубокомысленный сюжет. Характерная черта импрессионизма – чистые цвета. Цветовой эффект создавался с помощью мазков разного цвета.

Картины, которые сегодня стоят миллионы долларов, написаны в форме этюда, нередко выглядят незавершёнными, но никогда и никого не оставляют равнодушными.

Неоимпрессионисты Сёра, Синьяк, Роден, постимпрессионисты Сезан и Ван Гог создавали собственную теорию цвета, и каждый по-своему относился к интерпретации окружающего мира.

Работы этих художников вдохновляют, заставляют увидеть краски живой природы, возможно поэтому они так популярны в наше время и высоко ценятся.

Копии картин импрессионистов, выполнены в нашей мастерской

Написание копий с картин импрессионистов состоит из следующих этапов

Изучение оригинала и сбор информации о нем (подготовительный этап)

Художнику, которому заказали копию полотна Моне, Сезана или Ван Гога, предстоит нелёгкая задача. Хаотичность цветов, присущую работам импрессионистов, весьма сложно повторить. Если рассматривать картину вблизи, то можно увидеть мазки кисти, которые покрывают всё площадь холста. Только на расстоянии они «собираются» в единый образ.

Перенос рисунка на холст

На первом этапе важно точно перенести на холст рисунок будущей картины, тщательно очертив расположение всех цветовых пятен на ней. Если пренебречь этим этапом или выполнить его небрежно, неизбежны ошибки в нанесении мазков на холст. Исправить в дальнейшем такие искажения будет очень сложно

Пропись аля прима

Как правило, картины импрессионисты писали на одном дыхании, за один-два сеанса методом аля прима («за один присест» в переводе с итальянского),те без использования имприматур, написания подмалевка и других приемов, свойственным классической школе живописи. При копировании наши художники повторяют этот же метод, с той лишь разницей, что времени на копирование картины уходит гораздо больше, ведь копиист не может писать копию картину от себя, а следует за автором оригинала.  

Проработка мазков

Копирование работ импрессионистов довольно трудоемкая задача, ведь художнику нужно повторить манеру нанесения и расположения практически каждого мазка. Этот процесс немного напоминает составление мозаики. Хороший копиист старается воспроизвести не только точный цвет мазков, но их фактуру направление и даже силу наложения. Важно давать просохнуть старому слою мазков, прежде чем наносить новый, на это также тратится довольно много времени, тк пастозные (жирные) мазки, характерные для импрессионистов  довольно долго сохнут.

Финальная пропись

На создание одной копии уходит колоссальное количество времени. Тонкое чувство цвета и отличное владение техникой живописи – главные «помощники» копииста. Важно добиться не только повторения цветового эффекта, но и впечатления, которое он производит. Справиться с этой задачей смогут только по-настоящему талантливые мастера, а их работа с нематериальной точки зрения бесценна.

Завершение работы, покрытие картины лаком.

Постепенно картина, собирающаяся как пазл из мазков различной фактуры и цвета, приобретает завершенный вид. Использование чистого цвета, практически без смешивания красок дает удивительный колористический эффект. После того, как картина хорошо просохла ее можно покрыть лаком. Мы не всегда делаем это, все зависит от эффекта, которого хочет достичь художник и от того, покрывалась ли лаком оригинальная работа.

Сравнение копий картин, выполненных в нашей мастерской и копий других художников

У нас

Винсент Ван Гог «Букет ирисов»

Кто делает дешевле

Винсент Ван Гог «Букет ирисов»

У нас

Винсент Ван Гог «Подсолнухи (Ваза с пятнадцатью подсолнухами)»

Кто делает дешевле

Винсент Ван Гог «Подсолнухи (Ваза с пятнадцатью подсолнухами)»

У нас

Клод Моне «Прогулка (Дама с зонтиком)»

Кто делает дешевле

Клод Моне «Прогулка (Дама с зонтиком)»

У нас

Пьер Огюст Ренуар «Портрет Жанны Самари»

Кто делает дешевле

Пьер Огюст Ренуар «Портрет Жанны Самари»

У нас

Эдгар Дега «Танцовщицы в голубом»

Кто делает дешевле

Эдгар Дега «Танцовщицы в голубом»

Наши работы

Альфред Сислей «Городок Вильнев-ла-Гаренн»

Винсент Ван Гог «Куст»

Клод Моне «Дама в саду Сент-Адресс»

Клод Моне «Прогулка (Дама с зонтиком)»

Эдгар Дега «Розовые танцовщицы»

Пьер Огюст Ренуар «Бал в Мулен де ла Галетт»

Винсент Ван Гог «Ирисы»

Николай Богданов-Бельский «Лето»

Альфред Сислей «Наводнение в Пор-Марли»

Альфред Сислей «Фабрика в Севре»

Пьер Огюст Ренуар «Девушка с веером»

Пьер Огюст Ренуар «Розы в вазе»

Винсент Ван Гог «Звездная ночь над Роной»

Клод Моне «Сад художника в Ветёй»

Пьер Огюст Ренуар «Две девушки в саду»

Винсент Ван Гог «Море в Сент-Мари»

Винсент Ван Гог «Подсолнухи»

Клод Моне «Скалы в Бель-Иль»

Камиль Писсарро «Бульвар Монмартр в Париже»

Клод Моне «Стога, конец лета, утренний эффект»

Пьер Огюст Ренуар «Две сестры (На террасе)»

Отзывы

Оставьте заявку, мы рассчитаем стоимость и свяжемся с вами

Смотрите также

Особенности копирования картин Казимира Малевича

Подробнее . ..

Копирование живописи Николая Рериха

Подробнее …

Выбор подрамника

Подробнее …

Особенности копирования картин Ван Гога

Подробнее …

Импрессионизм в искусстве 19 века — Справочник

Импрессионизм в изобразительном искусстве франции

Моне
Впечатление. Восходящее солнце
1872, Музей Мармоттан

Писсарро
Каштаны в Овсни
1873, Частная коллекция

Впервые название «импрессионизм» было применено к работам художников, противопоставивших Парижскому салону 1874 года свою выставку «независимых», что было открытым бунтом против условных штампов оторванного от жизни официального искусства. Одна из картин выставки, «Впечатление. Восход солнца» (по-французски «впечатление» – «impression» – отсюда импрессионизм) Клода Моне, дала название всей группе, в которую входили Писсарро, Сислей, затем Ренуар и другие живописцы. С художниками этой группы были близки Эдуар Мане и Эдгар Дега, выставлявшие вместе с ними свои произведения почти на всех выставках группы до 1886 года.

Обращение импрессионистов к различным сторонам действительности, к жизни улиц, вокзалов, кафе, баров, к образам современников различных сословий, профессий и общественных слоев, к городскому пейзажу расширило рамки реалистического искусства. А стремление передать быстрый ритм жизни большого города, уловить мгновенное состояние природы, атмосферы, освещения привело к поискам новых средств художественной выразительности, особой свежести и остроте восприятия, к освобождению палитры от музейной черноты, к просветленной красочной гамме.

Со временем, однако, ясно обозначились и черты ограниченности творческого метода и мировоззрения импрессионистов. Погоня за точностью передачи мгновенного зрительного ощущения вытесняет в их искусстве глубину и всесторонность познания мира, этюд – картину, случайно схваченные эпизоды окружающего – темы высокого общественного значения, критической остроты. С середины 1880-х годов импрессионизм изживает себя. Пленэр в пейзажах импрессионистов превращается в самоцель. После выставки 1886 года группа распадается, хотя именно с этого времени возрастает воздействие импрессионизма на развитие искусства других стран, а спустя десятилетие начинает расти слава импрессионистов, получающих официальное признание.

Моне
Впечатление. Восходящее солнце
1872, Музей Мармоттан

Писсарро
Каштаны в Овсни
1873, Частная коллекция

Восходящее солнце 1872, Музей Мармоттан.

Smallbay. ru

19.09.2017 3:53:27

2017-09-19 03:53:27

Источники:

Https://smallbay. ru/article/art_france_impression. html

Импрессионизм во Франции: история и особенности » /> » /> .keyword { color: red; }

Импрессионизм в изобразительном искусстве франции

Бурные экономические и политические перемены на стыке 19-го и 20-го веков породили и культурные волнения, дав начало самому яркому и выразительному за всю историю мировой живописи художественному направлению — импрессионизму. Зародившийся во Франции — самой социально подвижной стране Европы, — импрессионизм превратился в её символ и на долгие годы предопределил высокий статус французской живописи.

Причины появления импрессионизма

К рубежу веков французское общество было утомлено и пресыщено теми художественными посылами, которые предлагала ему Французская художественная академия. Каждый художник, желающий получать гранты от государства, иметь возможность выставляться и продавать свои картины, должен был быть утверждён строгой комиссией этого заведения. Если художник не соответствовал установившимся идеалам, дальнейшего пути развития его творчество получить не могло.

Какими же были эти требования? Кратко можно перечислить следующие:

сюжетность изображения на картине преобладание античного материала христианские библейские сюжеты исторические сюжеты точность рисунка и академичность композиции гладкость мазка

Но результатом такого строго и узкого отбора для тем и манеры выражения стал протест общества — не все желали лицезреть только батальные сцены и античных богинь. В среде художников тоже назрели волнения. Нашлись те, кто не желал подчиняться диктату Академии художеств и стремился высвободиться из тисков надоевших стандартов. Именно эти художники и дали начало художественным поискам, превратившимся в направление импрессионизма.

История названия и главные художники

Название «импрессионизм» появилось случайно, его никто не придумывал специально. Один из участников группы протеста против навязанных Академией художеств стандартов, Клод Моне, создал картину, а, разместив её на выставке, назвал «Впечатление. Восходящее солнце». Столь необычное для того времени название было продиктовано желанием художника показать то, что запечатлеть он хотел не конкретный пейзаж, а желал показать зрителю своё впечатление от увиденного им восхода солнца. Так родилось название стиля — от в французского слова «впечатление», ставшего названием для картины.

Картина вызвала неоднозначное отношение. Часть публики была шокирована, посчитав изображённое «мазнёй», другая часть восхищённо отметила, что Моне удалось открыть новизну в отражении природы. Картиной впечатлились и другие начинающие художники, как раз находившиеся в поисках новых решений и художественных открытий. Научиться разбираться во всех тонкостях живописи поможет https://art. sredaobuchenia. ru/ онлайн-школа культуры и искусств.

Такими живописцами оказались Камиль Писсаро, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Альфред Сислей, Эдуард Мане. Как оказалось, всех их впечатлило как раз то, что Клод Моне по сути не изобразил на своей картине ничего конкретного — в ней не было сюжета, особой глубины, был только особенный свет, смазанные, прозрачные тона и ощущение радости, которое испытал автор, глядя на восход. Именно эту картину считают стартовой точкой всего дальнейшего развития импрессионизма.

Основные черты и особенности импрессионизма

Если картина Моне стала иконой нового художественного стиля, то своеобразную Библию импрессионизма написал наиболее последовательный и рьяный участник этой группы, Камиль Писсаро. Он считал, что самым главным в развитии импрессионизма должно быть отсутствие сюжета как такового, а вместо него — наличие мотива, своеобразной сценки, мимолётом схваченной кистью мастера.

К основным чертам импрессионизма как художественного стиля относятся:

свободная форма композиции нечёткий контур, размытые края изображения отсутствие в палитре чёрного, серого, коричневого особая передача света смешение множества красок отсутствие прорисовывания деталей мотивы из жизни, наброски, бытовые сценки отсутствие монументальности, камерность объёмов

Импрессионисты любили выезжать на природу и писать свои картины прямо там, без предварительных эскизов. Так они изображали конкретные впечатления от одного и того же пейзажа в разные времена года и дня.

Героями и героинями картин Ренуара, Писсаро становились простые люди, часто — молодые девушки, изображаемые как бы одним наброском. Мастеров женских образов стал Эдгар Дега, создавших серию картин с балеринами.

Импрессионисты не гнушались изображать жизнь богемы, проституток, пьяниц, картёжников. Им была интересна жизнь и люди во всех их проявлениях. Именно в этом, а не в особой цветовой подаче и летящем мазке, состоял протест и уход от академизма, ведь в картинах художников-академистов этой жизни не было.

Но импрессионисты дорого заплатили за свой протест и желание творить в собственном стиле. Их картины редко покупали, выставки разрешались нечасто, а после и вовсе рассорившиеся между собой художники группы импрессионистов потеряли возможность выставляться. Но слава пришла к ним пусть и позже, но навсегда.

Само же это направление вдохновило будущие поколения на свободу художественного выбора и породило постимпрессионизм и экспрессионизм, подарив множество идей таким непохожим друг на друга мастерам живописи как Пабло Пикассо, Ван Гог, Эдвард Мунк, а также знаменитым русским мастерам Коровину и Серову.

Бурные экономические и политические перемены на стыке 19-го и 20-го веков породили и культурные волнения, дав начало самому яркому и выразительному за всю историю мировой живописи художественному направлению — импрессионизму. Зародившийся во Франции — самой социально подвижной стране Европы, — импрессионизм превратился в её символ и на долгие годы предопределил высокий статус французской живописи.

К рубежу веков французское общество было утомлено и пресыщено теми художественными посылами, которые предлагала ему Французская художественная академия. Каждый художник, желающий получать гранты от государства, иметь возможность выставляться и продавать свои картины, должен был быть утверждён строгой комиссией этого заведения. Если художник не соответствовал установившимся идеалам, дальнейшего пути развития его творчество получить не могло.

Какими же были эти требования? Кратко можно перечислить следующие:

сюжетность изображения на картине преобладание античного материала христианские библейские сюжеты исторические сюжеты точность рисунка и академичность композиции гладкость мазка

Но результатом такого строго и узкого отбора для тем и манеры выражения стал протест общества — не все желали лицезреть только батальные сцены и античных богинь. В среде художников тоже назрели волнения. Нашлись те, кто не желал подчиняться диктату Академии художеств и стремился высвободиться из тисков надоевших стандартов. Именно эти художники и дали начало художественным поискам, превратившимся в направление импрессионизма.

Гладкость мазка.

Newsvo. ru

27.11.2019 0:22:07

2019-11-27 00:22:07

Источники:

Https://newsvo. ru/impressionizm-vo-francii-istoriya-i-osobennosti. dhtm

Импрессионизм во Франции » /> » /> .keyword { color: red; }

Импрессионизм в изобразительном искусстве франции

В конце 60-х годов прошлого века в Париже, в одном из кафе предместья Батиньоль, среди его завсегдатаев часто можно было встретить компанию молодых художников, горячо споривших по вопросам искусства. Здесь собирались Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Камилл Писсарро, Альфред Сислей и другие. Это тогда была начинающая, никому не известная молодежь. Исключение составлял только Эдуард Мане, самый опытный из них и пользовавшийся уже известностью, которой он был обязан, главным образом, нападкам критики. Но пройдет еще несколько лет — и все они выступят сплоченной группой, заставят о себе говорить, войдут в историю французской живописи XIX столетия, вызовут оживленнейшие дискуссии.

Знаменательно, что местом рождения нового направления, известного позднее под названием импрессионизма, был Париж, оживленнейший город Европы. Это определило и круг тем импрессионистов, и самый их живописный язык.
Перед молодыми художниками, по мере того как все яснее начинали проявляться их оригинальность и самостоятельность, все чаще начинали закрываться двери официальных выставок — Салонов. Непризнаваемые, гонимые, зачастую голодные и без гроша в кармане, продававшие за бесценок свои полотна художники не унывали.
Стремясь выставить на общественный суд свое искусство, они решили устроить свою собственную выставку. В 1874 году удалось снять помещение одной фотографии, и выставка была открыта. Она называлась „Выставка неизвестных художников». Этой выставкой датируется начало истории импрессионизма.
Многие буржуа были поражены и возмущены тем, что там увидели. Что же писали молодые художники? Небольшие полотна Моне, Ренуара, Писсарро и Сислея и пастели Дега изображали все самое обычное, знакомое каждому парижанину, мимо чего предшествующие художники проходили не вглядываясь, не останавливаясь: улицы с шумной толпой и потоками экипажей, набережные, вокзалы, порты, рынки, предместья, загородные местечки, радующие глаз горожанина свежестью зелени, яркостью цветов; в толпе их внимание останавливали примелькавшиеся лица — модистки, прачки, жокеи, завсегдатаи кафе за столиками, певички на открытых эстрадах.
Такие сюжеты показались бы слишком непритязательными не только высокопарным классицистам, но и романтикам и даже реалистам старшего поколения; безыскусственность композиционных приемов принималась за недостаток мастерства не только публикой, но и консервативной критикой. А вместе с тем в картинах молодой школы было столько свежести и непосредственности!

Ренуар. Этюд к портрету Жанны Самари

Правовернейшие блюстители старины встретили выставку насмешками и не стеснялись в выборе оскорблений. Один из критиков, увидя картину Клода Моне под названием „Впечатление восходящего солнца» (по-французски „впечатление» — „impression»), шутки ради окрестил участников выставки „импрессионистами». И эта шутка дала имя целому направлению. Как увидим дальше, несмотря на свое случайное происхождение, название „импрессионисты» довольно точно характеризовало новое художественное течение. Вскоре и сами художники принимают его и даже свой журнал называют „Импрессионист».
Импрессионисты имели лишь малочисленных приверженцев, но зато какие это были имена! Известнейшие писатели Э. Золя, А. Додэ, А. Дюма-сын, Бодлер, братья Гонкуры, выдающиеся критики того времени Шанфлери, Дюрднти, Торе — Бюрже, Кастаньяри и другие — все люди, боровшиеся за прогресс искусства, были на их стороне. Ромен Роллан, посетив в 1935 году СССР и обозрев картины импрессионистов, имеющиеся в Москве, писал: „Я был удивлен и растроган, увидев вновь некоторые полотна, которые очаровывали меня в молодости. Ренуар, Клод Моне… я жил в богатый период французского искусства, который был одним из наиболее славных периодов в истории живописи».
Какова же программа импрессионистов, какова их роль и историческое место?
Импрессионизм на первых этапах его развития был тесно связан с предшествовавшим ему реализмом, он непосредственно из него вырастает, подготавливается им. Замечательные французские мастера реализма оставили глубоко правдивые образы. Они умели раскрывать сложную связь между явлениями действительности, создавать произведения глубоко жизненные, простые, понятные. Люди и природа у них всегда были конкретны, принадлежали определенной стране, определенному времени.

Клод Моне. Пляж в Сан-Адрессе

При всей противоречивости импрессионизма его художники остаются еще учениками природы и извлекают из ее созерцания много драгоценных для художника сведений. Они отказываются от всего косного, предвзятого в живописи. Им не кажется низкой темой жизнь улиц, вокзалов, набережных; с одинаковым интересом они пишут дельцов и журналистов, актрис и прачек. Жизнь современного города с ее быстрым темпом научила художников-импрессионистов любить непрекращающееся движение, находить его всюду и изыскивать средства его живописного выражения. То, что Мане предполагал осуществить в серии фресок для одного зала, его товарищи осуществили сообща в станковых картинах, в которых им удалось передать в известной мере атмосферу своей эпохи, ее типы, ее краски. Романтики искали поэзию в странах Востока, барбизонцы — в сельской природе, в жизни лесов и полей, импрессионисты обрели поэзию в жизни современного города. Импрессионисты-пейзажисты писали не только городские виды. Число таких пейзажей у них сравнительно — невелико. Но мы особо остановились на городе в творчестве импрессионистов потому, что городской пейзаж они сумели слить с жизнью толпы, потому, что город научил их вообще по-новому смотреть на пейзаж.
Лугами со стогами сена, тополями, речками, полями маков они любуются как горожане. Все это уже, собственно, не сельские пейзажи. Импрессионисты наслаждаются природой, как жители города наслаждаются солнцем, воздухом, яркостью красок. Привыкнув к быстрой смене впечатлений, они и тут улавливают особенность каждого часа жизни природы.
Импрессионисты твердо усвоили, что окраска любого объекта зависит от солнечного освещения, что солнце, освещая предметы, дает всему цвет; они усвоили, что многообразие красок в природе создается благодаря богатству солнечного спектра, благодаря тому, что противоположные, так называемые дополнительные, тона, образующие вместе белый цвет, всегда стремятся друг к другу; что один цвет вызывает как свое отражение другой (тень от оранжевого предмета будет казаться голубой, тень от розового — зеленой и т. д.). Они поняли, что тени цветны, что цвет отсутствует только там, где нет света, и что черное тоже отражает солнечное освещение. Они доказали условность „локального» цвета, так как окраска предмета зависит и от освещения и от окружающей его красочной среды: в комнате предмет может казаться одного тона, при солнечном свете, на фоне зелени он покажется другим и т. д. Научиться передавать сложную игру красок в природе, заставить звучать на полотне всю их дивную симфонию — вот это и был путь обогащения живописи, благодаря которому импрессионисты оказались способными передать тончайшие движения в природе. К этому надо прибавить понимание импрессионистами значения атмосферы, обволакивающей предметы, стирающей их границы и меняющей их облик. Четкий контур — это условность, очертания предметов меняются в зависимости от того, близко или далеко они находятся, от того, прозрачен воздух или влажен. От этого зависит также интенсивность цвета, всегда смягченного в далях.

Дега. Голубые танцовщицы

Изображает ли художник-импрессионист лицо женщины, или поверхность воды, или зеленые купы деревьев, он стремится передать воздушную дымку, окутывающую предмет, уловить мерцание красочных пятен. Он пишет мелкими, раздельными мазками, не смешивая тонов, и кисть его передает живую улыбку, блеск взгляда, трепет листвы и зыбкую рябь на воде. Художнику-импрессионисту важно показать предмет лишь в данном положении, в данный момент; ни его прошлое, ни его будущее художника не занимает — его интересует лишь этот один единственный момент бытия предмета, явления. Такой подход, конечно, обедняет представление о действительности, ведет часто лишь к внешнему изображению явления, не раскрывая его сущности. Этот метод привел также и к тому, что этюд заменил картину.
Мы охарактеризовали импрессионизм, каким это направление выступает в творчестве лучших своих представителей, в блестящий период своего развития — в 70 — 80-е годы прошлого столетия.
В рядах импрессионистов находились художники с разными интересами и склонностями, часто совершенно не похожие один на другого. Как уже сказано, главными представителями этого течения были Э. Мане, К. Моне, О. Ренуар, Э. Дега, К. Писсарро, А. Сислей.
Вдохновителем всей группы был Эдуард Мане (1832—1883), художник, сумевший оценить начинания молодых живописцев, влить в них уверенность в правоту своего дела. В первый период своего творчества Мане изучает искусство великих колористов прошлого: испанцев (Веласкеса и Гойю), голландцев (Ф. Гальса), итальянцев (Тициана и Джорджоне). Он соединяет добытые знания с непосредственными наблюдениями жизни. В своей живописи он стремится к естественности и правдивости, к простоте и ясности композиции, к обобщению впечатлений, к художественному лаконизму, к сдержанной гамме красок. Оперируя иногда лишь черным, коричневым и зеленым тонами, он достигает тонкой живописности. Мане пишет картины исключительно из современной ему жизни: бытовые сценки, гулянья, скачки, кафе, уличные типы, портреты представителей художественного мира и, наконец, натюрморты. Самые значительные работы первого периода его творчества — „Завтрак на траве“ (1863) и „Олимпия» (1863).
В 1870-х годах, следуя за своими молодыми друзьями, Мане начинает увлекаться передачей атмосферы и освещения, воздействием их на облик предметов. Строгая уравновешенность его композиций сменяется случайной группировкой, объемы, четкие контуры растворяются. Мане, правда, не приходит к полному разложению тонов, к полному высветлению палитры, он всегда сохраняет ведущую тональность в картине. Яркие образцы его живописи этого периода — „Бар в Фоли-Бержер“ (1881) и „Скачки в Булонском лесу“.
Клод Моне (1840 — 1928) — ветеран импрессионизма, самый последовательный и принципиальный из всех своих товарищей. Э. Мане назвал его „Рафаэлем воды». Моне, подобно Добиньи, строит себе лодку-мастерскую. Именно работая в этой плавучей мастерской, наблюдая отражение предметов в воде, Моне пришел к теории разложения тонов, к познанию цветных рефлексов. Но не только эти впечатления занимают художника; город с его оживленнейшими улицами, поля, сады — все это увлекало его так же сильно.
Моне и Писсарро первые стали систематически писать под открытым небом, начиная и заканчивая свои полотна непосредственно с натуры. „Пейзаж — это мгновенное впечатление» — так сформулировал сам художник задачу своего пейзажа. Уже в такой ранней, программной работе импрессионизма, как его „Бульвар Капуцинок», фигурировавшей на первой выставке импрессионистов, этот принцип находит свое полное применение. Моне стремится запечатлевать изменчивые, скоропреходящие явления природы. Он как бы хочет продемонстрировать возможности принципов импрессионизма, выявить роль света в изображении таких мотивов. „Свет — главное действующее лицо в картине»,— говорит Моне, и он пишет целые серии картин с одного и того же предмета („Стог сена», „Аллея тополей», „Руанский собор») в разные часы дня, при различном освещении.

Вдохновителем всей группы был Эдуард Мане 1832 1883 , художник, сумевший оценить начинания молодых живописцев, влить в них уверенность в правоту своего дела.

Culture-art. ru

30.06.2017 22:16:32

2017-06-30 22:16:32

Источники:

Https://culture-art. ru/%D0%B8%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC-%D0%B2%D0%BE-%D1%84%D1%80%D0%B0%D0%BD%D1%86%D0%B8%D0%B8/

VII Международный конкурс научно-исследовательских и творческих работ учащихся Старт в науке

• Авторы
• Руководители
• Файлы работы
• Наградные документы

Ржевская О. Д. 1

---

1МБОУ гимназия «Пущино»

Попкова И.В. 1

---

1МБОУ гимназия «Пущино»

Автор работы награжден дипломом победителя III степени

Диплом школьникаСвидетельство руководителя

Текст работы размещён без изображений и формул.
Полная версия работы доступна во вкладке «Файлы работы» в формате PDF

ВВЕДЕНИЕ

Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression  —  впечатление) —  направление в искусстве последней трети XIX —  начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Специфика философииимпрессионизма

Термин «импрессионизм» возник с помощью критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Изначально это понятие носило несколько презрительный характер и указывало на особое отношение к художникам, писавшим в этой манере.

Французский импрессионизм не затрагивал проблемы философии и не пытался вмешаться в поверхность будничности. Импрессионизм сосредотачивается на настроении, текучести мгновений, жизни, освещении.

Как и искусство Ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Это виденье заключается в субъективности человеческого восприятия. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, важно как изображено.

Эти картины показывали только позитивные стороны жизни, без социальных проблем, такие как смерть, болезнь и голод.

ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ

Актуальность

Я думаю, проблема художественного видения является одной из самых актуальных, интересных и наименее разработанных в современной философии культуры и искусства. Наиболее глубокое осознание художественного видения как проблемы, представлено в работах исследователей, как С.М. Даниэль, О.А. Кривцун. Ученые отмечают непрямую связь между характером общественного сознания эпохи и творчеством отдельных художников; соответствие манеры, способа видения мира и выбора изобразительных средств. По мнению О.А. Кривцуна, каждая историческая эпоха демонстрирует свой тип художественного видения: «Тип художественного видения, в конечном счете, является претворением средствами искусства общекультурных параметров сознания. Художественное видение обнаруживает себя, прежде всего, в форме, в способах построения произведений искусства».

Актуальность импрессионизма, по моему мнению, заключается в сложности определения самого феномена импрессионизма, который неоднозначно оценивался критиками с момента первой выставки французских художников этого направления. Актуальность данной темы состоит в изучении специфики импрессионизма с целью понять культурную ценность и его наследие с современной точки зрения.

Проблемы

Для осознания истоков непринятия импрессионизма, следует понять, каким был мир в период зарождения этого направления в живописи. Социальные потрясения, которыми был наполнен 18 век, изменили сущность западной культуры. Роль искусства в этом нестабильном и развивающемся мире постоянно менялась.

Издавна художники обслуживали власть имущих. После революции во Франции большинство живописцев остались без своих заказчиков. Капитализм, который зарождался в то время, изменил общественные приоритеты, а появление среднего класса породило новый спрос на предметы искусства. Но в отличие от потомственных аристократов, новой элите очень не хватало образованности и вкуса, поэтому мнения официальных экспертов, поддерживающих академические традиции, и газетных критиков стали основными ориентирами в оценке картин.

Под руководством французских властей в Париже проходили выставки современной живописи. Их называли «Салонами».

Салон отверженных

Участие в Салоне для художников стало единственным способом привлечь внимание прессы и публики к своим творениям и продать их. Огюст Ренуар в одном из своих писем жаловался на то, что живописец, не принятый в Салон, не сможет продать даже одного сантиметра своего холста. Каждому художнику успех в Салоне позволял не только заявить о себе и получить надежду на коммерческий успех.

Награды Салона, принятие жюри и маститых художников, давали молодому автору шанс стать богатым и знаменитым. Непризнание, наоборот, вешало ярлык «художника, непризнанного Салоном». В список последних постоянно попадал Эдуард Мане – один из основоположников импрессионизма, и другие художники, чья манера не соответствовала критериям академизма.

Так был создан «Салон отверженных», в котором свои работы выставляли художники, чье творчество не было одобрено жюри, экспертами и критиками. Всех их объединяла новая философия живописи, отказ от тиражирования библейских и классических сюжетов, поиск новых выразительных средств для выражения своего восхищения красотой окружающего мира.

Постоянные раздоры между Салоном и художниками ярко свидетельствовали о том, что французское изобразительное искусство с середины 19 века переживало глубокий кризис.

Исторические условия возникновения

Научный прогресс

Кроме социальных изменений на искусство XIX столетия подействовали и научные исследования. В 1839 году Луи Дагер в Париже и Генри Фокс Тальбот в Лондоне представили созданные ими фотографические аппараты. После этого события фотография избавила художников и графиков от долга увековечивать людей и места. Освобожденные от обязанности срисовывать объект, многие живописцы устремились к передаче субъективного выражения на полотне эмоций.

Фотоснимок породил в европейском искусстве иные взгляды. Объектив сформировал фрагментарное представление композиции. Замена угла съёмки подтолкнула художников к новым композиционным видениям, которые стали основой эстетики импрессионизма. Одним из главных принципов этого течения стала спонтанность.

В этом же 1839 году, когда был создан фотоаппарат, химик из лаборатории парижской мануфактуры Гобеленов Мишель Эжен Шеврёль впервые опубликовывал логичное объяснение восприятия цвета человеческим глазом. Он, создавая красители, удостоверился в существовании трех основных цветов — красного, желтого и синего, при смешивании которых возникают все прочие цвета. При содействии цветового круга Шеврёль доказал возникновение оттенков, чем не только замечательно проиллюстрировал непростую научную задумку, но представил художникам рабочую концепцию смешения красок. Американский физик Огден Руд и немецкий ученый Герман фон Гельмгольц дополнили это изобретение разработками в области оптики.

В 1863 году в ситуацию решил вмешаться император Наполеон III, когда узнал, сколько картин разных художников отклонило непреклонное жюри. Монарх поддержал альтернативную выставку, устроенную художниками, не прошедшими отбор. Она получила символическое название «Салон отверженных». Решение императора Франции позволило зрителю увидеть, сравнить картины, пропущенные жюри официального Салона и отклоненные им.

Избалованная парижская публика не церемонилась с живописцами-изгоями. Вскоре Салон отверженных считался одним из самых модных мест французской столицы. Здесь можно было вдоволь шутить, упражняться в остроумии. Многие журналисты на подобных статьях постарались сделать себе имя. Однако художники продолжали выставлять свои творения.

Идея альтернативного салона впервые пришла художнику реалистического направления Генриху Курбе. Когда отборочным комитетом Парижской Всемирной выставки (1855 г. ) была пропущена часть его картин, он устроил рядом с ней персональный павильон с «забракованными» работами. А в 1867 г. Курбе выставил все свои работы в специально арендованном помещении. Данную тактику применил и Эдуард Мане, приурочивший к выставке 1867 г. открытие собственной галереи своих работ.

Это было дорогое удовольствие, особенно для художников, чьи картины не покупали. Это навело «отверженных» на мысль объединиться и совместно финансировать открытие выставки своих работ, отклоненных Салоном.

Коренные перемены во Франции

Эпоха рубежа 18-19 вв. во Франции — от Великой Французской революции до падения наполеоновской империи — стала началом новых коренных изменений вековых жизненных устоев, преобразивших страну и Европу в целом. Возникает новая исторический этап, рождается и новый тип сознания, модель новой — буржуазной — культуры, в которой искусству будет принадлежать другая роль. Иным станет сам художник, его мировоззрение и место в обществе; иными — отношения искусства и восприятие самой действительности в искусстве; иными станут цели, задачи искусства. Франции суждено стать во главе нового художественного процесса, наиболее последовательно отразить все его этапы, каждый из которых представлен яркими именами выдающихся мастеров-новаторов.

Внешне благополучный классицизм переживает на рубеже веков глубокий кризис. Эстетические принципы школы Давида постепенно перестают приниматься.

Импрессионизм возник в третьей части XIX века. В это время Западная Европа пережила общественные потрясения XVIII века. Эти события не могли не сказаться на устоях, традициях, сущности европейского общества и культуры. С новыми преобразованиями культуры менялась и роль искусства. На это оказало влияние смена экономического строя общества на капитализм, а затем вновь перемены, как приход к власти Наполеона.

Художники остались без заказов со стороны царствующей династии, дворянства и духовенства. С начала XIX века в обществе стал набирать силу средний класс. Люди, в основном торговцы и предприниматели, стали главными потребителями искусства. Не имея аристократического воспитания, образования, понимания искусства, они ориентировали свои взгляды в соответствии с критикой экспертов и тем, что писали в газетах. Экспертами выступили представители старых академий искусств. Академия отстаивала ценность и незыблемость классических устоев в искусстве. Здесь и начинается первый конфликт среди молодых живописцев, которые еще находились в поисках самих себя. Они «восставали» против конформизма и академизма. Культура стала меняться, ценности и идеалы, которые являлись механизмами культуры. Но принять их не могли люди старшего поколения, воспитанные в другом обществе, которые на тот момент являлись авторитетными во взглядах для среднего класса.

Несовпадение взглядов

Важно рассмотреть связь реализма и импрессионизма. В обоих художественных течениях предметом искусства является «объективный, окружающий их мир и целью своей они ставили запечатлеть этот мир как можно живей и правдивей». Самым важным было то, что их объединяло, и в то же время противопоставляло классицизму и романтизму. Импрессионисты стали толковать мир не как социальное, а как чисто физическое, оптическое явление, отвергая социальные и моральные устои буржуазного общества. И в этом они видели красоту. Тем самым они становились теми, кто в своих произведениях отражали падение гуманистических и демократических традиций, которые знаменовали закат буржуазной демократии и наступление империализма.

Импрессионизм стал новым способом понимания мира и собственного самовыражения. Он проявил себя не только во французской живописи. По словам О. Шпенглера из его знаменитейшего труда «Закат Европы», следует, что «импрессионизм есть широкое выражение определённого мирочувствования, и этим объясняется, что им проникнута вся физиогномика нашей поздней культуры. Существует импрессионистическая математика… импрессионистическая физика… этика, трагедия, логика». Из этого следует, что каждый теперь видел мир по-своему и понимал его по-своему, что и является одной из характеристик импрессионизма.

Говоря о второй половине XIX века, важно отметить, что выросло значение публичности и искусства. Возникал скандал между публикой и художниками. В обществе существуют определённые ожидания, которые публика хочет оправдать. Поэтому и возникла негативная реакция публики на молодых художников, которые творили не в том стиле. И «смысл скандала в том, что он является открытой демонстрацией протеста, когда такое отклонение воспринимается как нарушение согласия». Для публики важным является мнение жюри официальных выставок. Но к тому времени художественные вкусы жюри становились неподвижными. Ценность работы заключалась в техническом мастерстве исполнения выписанных исторических и мифологических сюжетов. Публика отказывалась принимать и покупать картины, отвергнутые членами жюри. Свой протест они выражали в так называемом скандале, когда, смеясь и публично обсуждая, выходили из «Салона отверженных» (например в 1863 году). Тогда ещё не существовало такого понятия как «импрессионизм».

Признание членами жюри и возможность показать свои работы на официальных выставках означали успех художника. Как позже писал Огюст Ренуар в письме к Дюран-Рюэлю: «Во всем Париже едва ли отыщется пятнадцать почитателей, способных признать художника без помощи Салона, и тысяч восемьдесят человек, которые не приобретут даже квадратного сантиметра холста, если художник не принят в Салон». Награда Салона означала профессиональное признание художника. Но, несмотря на это, уже в начале 1860 годов импрессионизм активно развивался, означая преобразование в мышлении, рождение новых ценностей и взглядов в умах европейцев.

Таким образом, главной проблемой скандала при появлении нового художественного течения импрессионизма, была «проблема границ допустимого в искусстве». Это стало преддверием кризиса самого искусства и культуры XX века. Стал складываться новый институт искусства, отличный от классического, осуществлялось становление нового типа культуры — массовой.

Представители импрессионизма

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма относится демократизм. Искусство в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками и являлись главными покупателями картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не покупались.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Они не использовали в своем творчестве библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, или во время отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывания в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах.

Анализируя произведения импрессионистов, можно думать, что жизнь  —  это череда маленьких праздников, приятных времяпрепровождений. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не используя палитру, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)

Мане был старшим импрессионистом. Он был вдохновителем других художников этого направления. Сам художник на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком, мечтал об официальных наградах.

Признания и славы он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты, чтобы красиво смотрелись у себя столовой или гостиной. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок. В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них сидит рядом с одетыми мужчинами. “Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть. “Завтрак на траве” Мане — другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто, рядом с уважаемыми горожанами. Однако, многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей. Художник пробовал считаться со вкусами публики — писать портреты на заказ, но из этого ничего не вышло. Поэтому он продолжал экспериментировать, например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей. Это раздражало публику, ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане. Но факт остаётся фактом. Мане в корне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему захочется, забыв о шаблонах и традициях. Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался он только под конец жизни, когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

Клод Моне (1840 – 1926 гг.)

Клод Моне преданный импрессионист. Он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь. Он писал не предметы и людей, а единую цветовую композицию из бликов и пятен, раздельные мазки.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – “Бульвар Капуцинок”. В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения. Дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке. Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановки. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма. К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо, но бессюжетность многих угнетала. Лишь Моне продолжал упорствовать, совершенствовать импрессионизм, что переросло в серии картин. Один и тот же пейзаж он изображал множество раз, в разное время суток и время года, чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить тот же вид до неузнаваемости. Так, появились бесчисленные стога сена. Необычно, что тени на этих картинах цветные, а не серые или чёрные, как было принято до импрессионизма. Это ещё одна их уникальность. Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом, творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры, наоборот, он предпочитал чёткую линию. Дега любил использовать чёрный цвет в своих работах и писал картины исключительно в студии. Но все же его ставят в ряд с другими великими импрессионистами, потому что он был импрессионистом жеста. Неожиданные ракурсы, асимметрия в расположении объектов, пойманные врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин. Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Например “Оркестр оперы”. На переднем плане спинка стула. Музыкант повёрнут к нам спиной, а на заднем фоне балерины, которые не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины. Поэтому его танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Дега изображает их во время растяжки. Он хотел показать нам их настоящими, за кулисами, такими, какими они на самом деле являются. Художник тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра. Заметьте, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног. Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём — оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиля воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не отзывались.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь в деньгах и имея пятерых детей, жену, он все равно упорно работал в том же стиле. Но в творчестве Писсарро был интересный период, в течение которого живописец работал в новой технике пуантилизма. Художник ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Сложно сказать, откуда он брал силы верить в себя до последнего.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые все с удовольствием раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет, когда, наконец, он смог забыть о нужде.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма. Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые скоро исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени. Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” тает от горящих фонарей и витрин. Улица не прямая, а как бы идущая дугой, что делает вид обычного бульвара величественным.

Поль Сезанн (1839-1906 гг.)

Сезанн, в отличие от большинства своих коллег, стал известен еще при жизни. Ему удалось организовать собственную выставку и получать с нее немалые доходы. Люди разбирались в его картинах – он, как никто другой научился совмещать игру света и тени, делал громкий акцент на правильных и неправильных геометрических формах, строгость содержания его картин гармонировала с романтикой.

«Пьеро и Арлекин» — одно из самых значимых произведений в творчестве Поля Сезанна. Моделями были сын художника Поль (Пьеро) и его друг Луи Гийом (Арлекин). В данном произведении живописец соединил портрет с жанровой картиной, в которой заявлен некий сюжет: праздник «Mardi-Gras» — последний день карнавала. Друзья представлены персонажами итальянской комедии «дель арте», разыгрывающими извечный конфликт темпераментов. В портрете Сезанн стремится раскрыть изначальную геометрию материальных предметов: жесткие, острые углы граней рифлёного воротника и конус, поставленный на диск шляпы Пьеро, спорят с красно-черными ромбами трико и выгнутой треуголкой Арлекина.

Эти методы и теории Сезанна оказали огромное влияние на формирование новых направлений в живописи 20-го века, таких как — фовизм и кубизм.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

На мой взгляд, художники – импрессионисты сыграли большую роль в развитии искусства. Нельзя не отметить новаторскую роль импрессионистов в создании реалистического городского пейзажа, тем самым расширив возможности этого жанра. Клод Моне, Писсарро и другие стремились уловить в своих пейзажах трепет жизни природы и найти наиболее точные, гибкие средства ее живописного воплощения. Мане и Дега совершенствовали свое мастерство мгновенного и острого схватывания беспокойного ритма жизни большого города, типов и ситуаций.

Стремление уловить световое состояние изображаемой природной среды, путем все более последовательного применения принципа оптического смешения цвета повысить солнечность картины и освободиться от музейной черноты. Но в противовес этому, отрицательной стороной является утрата той пластической телесности, материальной весомости, которой обладала реалистическая живопись Тициана, Делакруа и Курбе. На первой стадии развития импрессионизма широко распространялся отказ от черного цвета, переход к цветным теням, что соответствует природе. Этот метод повлиял на живопись, придавая пейзажам импрессионистов непосредственность, естественную свежесть видения, ощущения мгновенно схваченного впечатления.

Их искусство, в этом отношении, было новшеством в реалистическом живописном видении мира. Импрессионизм сыграл большую роль и оставил большой след в развитии живописи. Прежде всего, это интерес к проблемам цвета и нестандартным техникам. Данное направление выразило стремление к обновлению художественного языка и разрыву с традицией, как протест против кропотливой техники мастеров классической школы. А сейчас мы можем любоваться этими великими произведениями талантливых художников.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

Великие художники: Э. Мане. Том 27 / Издательство «Директ-медиа» — Москва, 2010. – 48 с.

Великие художники: К. Ж. Писсарро. Том 72 / Издательство «Директ-медиа» — Москва, 2010. – 48 с.

Великие художники: П. Сезанн. Том 21 / Издательство «Директ-медиа» — Москва, 2010. – 48 с.

Великие художники: К. Моне. Том 4 / Издательство «Директ-медиа» — Москва, 2010. – 48 с.

Великие художники: Э. Дега. Том 25 / Издательство «Директ-медиа» — Москва, 2010. – 48 с.

Импрессионизм — стиль в изобразительном искусстве и его особенности. [Электронный ресурс]. Режим доступа: https://www.designonstop.com/webdesign/trends/impressionizm-stil-v-izobrazitelnom-iskusstve-i-ego-osobennosti.htm.

Дневник живописи / Художники-импрессионисты: 7 великих французских мастеров / Оксана Копенкина. [Электронный ресурс]. Режим доступа: https://arts-dnevnik.ru/hudozhniki-impressionisty.

Текст научной статьи по специальности «Искусство. Искусствоведение» / Т. Н. Мартышкина // Импрессионизм: от художественного видения к мировоззрению. [Электронный ресурс]. Режим доступа: https://cyberleninka.ru/article/n/impressionizm-ot-hudozhestvennogo-videniya-k-mirovozzreniyu.

Энциклопедия импрессионизма / Елена Карпикова // История возникновения импрессионизма. [Электронный ресурс]. Режим доступа: http://www.impressi.org/3-impressionism-history/1-istoriya-vozniknoveniya-impressionizma.html.

По материалам книги Н.Е.Григоровича «Шедевры живописи музеев СССР» /
Альбом, выпуск 4 «Западноевропейское искусство XIX — начала XX века» //
Издательство «Госсзнак». [Электронный ресурс]. Режим доступа: http://www.impressionism.ru/history.html.

Текст научной статьи по специальности «Искусство. Искусствоведение» / Т. И. Седова // Феномен импрессионизма и проблема его дефиниции. [Электронный ресурс]. Режим доступа: https://cyberleninka.ru/article/n/fenomen-impressionizma-i-problema-ego-definitsii-1.

Просмотров работы: 1642

Экспрессионизм против импрессионизма: интроверт и экстраверт мира искусства

Искусство основано на эмоциях. Однако то, как он его вызывает, особенно с точки зрения метода и тона, варьируется от произведения к произведению. Отличный пример этого можно найти, исследуя произведения экспрессионизма и импрессионизма, двух стилей искусства, которые возникли в разное время и в разных местах, но оба они уходят корнями в яркое проявление человеческого опыта.

Итак, в чем разница между экспрессионизмом и импрессионизмом? Чтобы понять, как эти два стиля сравниваются, полезно взглянуть на каждый из них отдельно, изучив, чего стремились достичь художники этой школы и как они работали для этого. Вот что нужно знать об экспрессионизме и импрессионизме в изобразительном искусстве, а также краткий обзор того, как эти стили соотносятся в музыке.

Быстрые ссылки

• Что такое экспрессионизм?
• Что такое импрессионизм?
• Что такое экспрессионизм и импрессионизм в музыке?

Что такое экспрессионизм?

Экспрессионистское движение зародилось в Германии и Австрии в начале 20 9019 го века, главным образом как критика изменяющейся и часто деморализующей социальной структуры, вызванной индустриализацией. Название было придумано чешским искусствоведом Антонином Матейчеком в 1910 и предназначен для обозначения противоположности популярным картинам импрессионистов, которые уже были в моде.

Художник, работающий в стиле экспрессионизма, свободен от традиционных форм и цветов. Наоборот, экспрессионизм — это целенаправленный отход от реализма, опирающийся на абстрактную форму, преувеличенные мазки и необычный выбор цвета для передачи физической реальности. Эти произведения полностью субъективны, хотя часто они создавались как очень прямой и очень критический ответ на проблемы дня.

Примеры экспрессионизма

Вероятно, самой знаковой экспрессионистской картиной является «Крик» Эдварда Мунка, абстрактное изображение собственной борьбы Мунка с психическим заболеванием.

Источник: Wikimedia
«Крик» Эдварда Мунка, 1893 г.

Другие известные произведения экспрессионистского искусства включают «Старый гитарист» Пабло Пикассо (1903–1904) и «Желтую корову» Франца Марка (1911).

Источник: wikimedia
«Старый гитарист» Пабло Пикассо. Источник: Галерея Гэндальфа через Flickr Creative Commons
«Желтая корова» Франца Марка.

Примечательно, что экспрессионизм не всегда использовался как комментарий к общественным проблемам. «Желтая корова» Франца Марка, например, представляет собой сентиментальное проявление женственности, созданное в честь его женитьбы на Марии Франк в 1911 году. Концепции импрессионизма в ваших проектах 

Пройти курс

Что такое импрессионизм?

Импрессионизм возник раньше, чем экспрессионизм, последний из которых фактически во многом был ответом (и предупреждением) полуреализму, изображенному в произведениях импрессионистов. Он зародился в Париже в конце 19 века и был способом современных художников критиковать быстро меняющийся городской пейзаж. Характеристики импрессионизма включают использование ярких цветов, которые часто использовались для изображения уличных сцен. Краска наносится короткими мазками, а цвета не смешиваются, как если бы художник просто взглянул на сцену, прежде чем перенести ее на холст. Также большое внимание уделяется точному воспроизведению естественного света.

Примеры импрессионизма

Сам термин импрессионизм происходит от «Впечатление, восход солнца» Клода Моне (1872). Произведение иллюстрирует качества импрессионистского искусства, оставляя у зрителей ощущение, что художник поймал мимолетный момент времени.

Источник: Raw pixel
«Впечатление, восход солнца» Клода Моне.

Не менее известны и многие другие импрессионистские картины Моне, такие как «Женщина с зонтиком» (1875 г.) и «Пруд с водяными лилиями» (189 г.).9).

Источник: Raw Pixel
«Женщина с зонтиком» Клода Моне. Источник: Галерея Гэндальфа через Flickr Creative Commons
«Пруд с водяными лилиями» Клода Моне.

Другой известный импрессионистский пример – картина Пьера-Огюста Ренуара «Жанна Самари в платье с декольте» (1877).

Источник: Instagram
«Жанна Самари в платье с декольте» Пьера-Огюста Ренуара.

Что такое экспрессионизм и импрессионизм в музыке?

Различие между экспрессионизмом и импрессионизмом распространяется и на музыку, хотя значения у них одинаковые. Экспрессионистская музыка — это более абстрактная интерпретация традиционных западных тонов, цель которой — передать глубокие эмоции. Импрессионистская музыка, тем временем, направлена ​​на то, чтобы уловить настроение момента.

Композиторы, связанные с экспрессионистской музыкой, включают Игоря Стравинского, Арнольда Шенберга и Белу Бартока, а Клод ДеБюсси, Морис Равель и Исаак Альбенис — все композиторы, олицетворяющие импрессионистское движение.

Оживите свой мир

Акварель. Ваш мир: медитативное рисование пейзажей

Принять участие в занятиях

Импрессионизм — энциклопедия всемирной истории

Импрессионизм был художественным движением, которое зародилось в Париже в последней четверти 19 века. Импрессионисты пытались запечатлеть мгновенные эффекты света на цвета и формы, часто рисуя на открытом воздухе. Они часто использовали яркие цвета с толстым слоем, чтобы запечатлеть пейзажи и современную повседневную жизнь в кафе, театре и на бульварах Парижа.

Термин «импрессионизм»

Термин «импрессионизм» — полезный, но двусмысленный ярлык, который можно применить к группе художников 1860-х годов, писавших во Франции, особенно в Париже. Он был придуман критиком Луи Леруа после того, как увидел работу Клода Моне (1840–1926) на Первой выставке импрессионистов в Париже в апреле 1874 года. Картина называлась «Впечатление , восход солнца ». свирепое оранжевое солнце, отражающееся в лиловых водах. Затем Лерой и другие критики применили термин «импрессионизм» ко многим выставленным работам, которые имели расплывчатые формы и очень очевидные мазки.

Удалить рекламу

Реклама

Импрессионизм включал новый подход к используемым цветам и предметам.

Таким образом, вначале термин «импрессионизм» был уничижительным, и его использовали некоторые консервативные художественные критики, чтобы высмеять этот новый художественный стиль. Однако вовлеченные художники (или большинство из них) вскоре приняли этот термин для описания себя и своих независимых выставок, даже если никто не мог полностью согласиться с тем, что именно означает этот термин. «Импрессионизм» остается полезным общим ярлыком, и он, безусловно, отражает главное, что эти художники пытались изобразить, то есть мгновенные эффекты света и цвета, а не точные фотографические репродукции реальности (фотографии стали популярными с 1820-х гг.). Они пытались создать впечатление реальности, точнее, свое индивидуальное впечатление от увиденной действительности.

«Впечатление», «Восход солнца» Моне

Музей Мармоттан (общественное достояние)

Термин «импрессионизм» имеет свои ограничения. Искусствоведы активно обсуждают, когда именно, к какому стилю и к кому может применяться этот термин. Художники, которых называли импрессионистами, часто были совсем другими. Такие художники, как Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Эдуард Мане (1832-83) и Гюстав Кайботт (1848-1896), например, часто интересовались формой и композицией и использованием менее заметные мазки. Это контрастирует с туманными эффектами, создаваемыми такими художниками, как Моне, Альфред Сислей (1839 г.-1899), Камиль Писсарро (1830-1903) и Поль Сезанн (1839-1906). Все художники могли рисовать в традиционной манере, как показывают их более ранние работы, но некоторые были определенно более «импрессионистскими», чем другие.

Удалить рекламу

Реклама

YouTube Следите за нами на Youtube!

Чтобы еще больше усложнить использование термина, импрессионизм также включал новый подход к используемым цветам и предметам. Часто используемые более яркие палитры сильно отличались от традиционной живописи, но, с другой стороны, некоторые художники-импрессионисты намеренно использовали более приглушенные тона. Еще одной особенностью было использование более чистых цветов. Импрессионисты отличались интересом к запечатлению повседневной жизни, бедняков и пейзажей, но опять же, так было не всегда. Наконец, важным элементом процесса создания картины для многих импрессионистов было написание предмета на открытом воздухе (9).0028 на пленэре ), теперь это возможно благодаря изобретению переносных жестяных тюбиков с завинчивающейся крышкой, содержащих готовую краску (раньше художникам приходилось растирать пигменты самостоятельно). Но опять же, некоторые художники предпочитали продолжать работать только в своих мастерских, и даже несгибаемые сторонники на пленэре все же добавляли последние штрихи к своим полотнам еще в студии. Короче говоря, «импрессионизм» стал обозначать искусство, созданное с 1860-х до конца 19-го века, которое бросило вызов условностям традиционного изобразительного искусства, вызовы, которые разные художники ставили по-разному.

Любите историю?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку по электронной почте!

Стиль импрессионистов

Отдельные элементы импрессионистского стиля можно резюмировать следующим образом:

• Желание запечатлеть мимолетные эффекты света и цвета на конкретном объекте.
• Более яркая и широкая цветовая гамма, чем использовалась ранее.
• Использование очевидных мазков различной формы как самостоятельный эффект.
• Новаторское обрамление предмета, часто резко обрывающее фигуры и архитектуру.
• Инновационная трактовка перспективы, часто преднамеренно искажающая реальность.
• Ориентация на современную повседневную жизнь и людей всех классов, а не на мифологические и религиозные темы.
• Рисование на открытом воздухе, чтобы лучше запечатлеть быстро меняющиеся условия освещения.

Не все из этих признаков могут присутствовать в одном и том же произведении искусства.

Удалить рекламу

Реклама

Как и любой другой стиль искусства, импрессионизм не возник из воздуха. Художники-импрессионисты были вдохновлены некоторыми из своих предшественников в изобразительном искусстве, такими как Уильям Тернер (1775-1851) за его расплывчатые формы, Эжен Делакруа (1798-1863) за его использование ярких цветов и Гюстав Курбе (1819-1877) за его необычно густые нанесение краски.

Гайд-парк Писсарро

Токийский художественный музей Фудзи (общественное достояние)

Импрессионисты объединили эти различные идеи в единую технику, а также вдохновляли друг друга, поощряя друзей в группе пробовать разные методы, сюжеты и палитры. Были частые периоды, когда два или более художника работали вместе, даже рисуя одну и ту же сцену в одно и то же время, как это случалось в нескольких случаях с Ренуаром и Моне или Сезанна и Писсарро. Большинство артистов также изменили свой стиль в течение своей карьеры. Писсарро нанес удар по пуантилизму (см. ниже), Дега заинтересовался альтернативными перспективами, Кайботт на какое-то время отказался от своих плавных мазков, а работы Сезанна становились все более абстрактными, а его формы — более геометрическими, когда он становился старше. Моне, безусловно, стал самым известным импрессионистом при жизни, но Сезанн однажды заметил, что Писсарро был «первым импрессионистом» (Шикес, 78). Поэтому трудно сказать, кто положил начало импрессионистскому стилю, поскольку на самом деле он развивался в работах нескольких художников одновременно. Кроме того, были, конечно, и художники за пределами Франции, которые так же экспериментировали с новыми подходами к искусству.

Импрессионисты

То, что мы сейчас называем первыми импрессионистами, представляло собой группу художников-авангардистов-единомышленников, посещавших одни и те же кафе и рестораны Парижа. Новые участники, в том числе нефранцузские художники, пришли благодаря дружбе, и поэтому группа со временем росла. Многие художники также переезжали в поисках нового вдохновения в такие места, как юг Франции или Бретань. В группу входили две художницы, Берта Моризо (1841–1895) и Мэри Кассат (1844–1926), в период, когда такой выбор карьеры был весьма нетрадиционным.

Удалить рекламу

Реклама

Мон Сен-Виктуар Сезанна

Художественный институт Курто (общественное достояние)

Большинство импрессионистов изучали искусство в обычных школах у уважаемых художников, но они нарушили правила, которых им велели придерживаться их наставники. Будучи преисполнены решимости показать свои новаторские работы за пределами единственного выхода для изобразительного искусства, консервативного Парижского салона, они организовали парижские выставки импрессионистов в 1874–1886 годах. Эти показы вызвали раздражение многих искусствоведов и не принесли больших продаж, но, по крайней мере, импрессионистов заметили. Некоторые из художников, такие как Дега и Кайботт, имели независимый доход, но другие, такие как Моне и Ренуар, были вынуждены зарабатывать деньги на своем искусстве или буквально не иметь еды (или рисовать в натюрмортах). К счастью, более богатые художники часто помогали более бедным, покупая их картины и даже иногда платя за аренду. Было также небольшое количество коллекционеров, таких как Виктор Шоке (1821-1891) и д-р Поль Гаше (1828-1909), который увидел, что эти работы имеют огромную культурную ценность, если не прямо сейчас, то, по крайней мере, в какой-то момент в будущем. И насколько они были правы. Одна из величайших ироний импрессионистского искусства заключается в том, что картины, которые сегодня продаются за десятки миллионов долларов, часто создавались художниками, которые даже не могли позволить себе краски и холст для воплощения своих видений.

«Сеятель с заходящим солнцем» Ван Гога

Музей Креллер-Мюллер (общественное достояние)

Неоимпрессионисты

Точно так же, как импрессионисты бросили вызов условностям традиционного искусства, пришло и молодое поколение художников, которое бросило вызов условностям импрессионизма. Во-первых, такие художники, как Жорж Сёра (1859–1891) и Поль Синьяк (1863–1935), разработали пуантилизм, при котором краска наносилась маленькими точками в соответствии с научными теориями цветового спектра и световых эффектов. Затем, с середины 1880-х годов, такие художники, как Винсент Ван Гог (1853-1859 гг.0) и Поль Гоген (1848-1903) стали еще смелее в использовании цветов. Они намеренно использовали контрастные, но дополняющие друг друга цвета (например, синий и желтый или красный и зеленый) и смелые черные контуры для драматического эффекта. Они использовали «неправильные» цвета в «неправильных» местах, намеренно показывая зрителю то, что они не могли видеть в реальности (например, ярко-красное небо или зеленую кожу). Еще одной особенностью неоимпрессионистов было использование в своих произведениях символов, вызывающих эмоциональную реакцию у зрителя. Картины становились все более сложными с точки зрения того, как их можно было интерпретировать и понимать. Эта идея будет развита еще дальше в 20 веке такими художниками, как Анри Матисс (1869 г.-1954) и Пабло Пикассо (1881-1973), так что искусство стало не просто нарушением или нарушением установленных условностей, но полным отказом от них.

Редакционный обзор Перед публикацией эта статья прошла проверку на точность, надежность и соответствие академическим стандартам.

Импрессионизм 101: Почти все, что вам нужно знать об искусстве — Джо Латимер | Креативный художник цифровых медиа

Импрессионизм — это форма искусства, которая существует уже почти 150 лет. Импрессионистское искусство характеризуется отказом от традиционных академических салонных картин. Вместо этого на этих картинах используются небольшие видимые мазки и несмешанные цвета, чтобы изобразить мимолетную и постоянно меняющуюся картину света. Художники-импрессионисты восстали против академических методов, истории, мифологии и жизни дворян. Они не хотели, чтобы их искусство отражало совершенство. Импрессионисты стремились запечатлеть мир, в котором они жили, и то, каким он представлялся им в определенный момент времени.

Клод Моне, Нимфеи, 1916-1919. Fondation Beyeler

“ Импрессионизм означает черпать вдохновение непосредственно из природы, доверяя своим чувствам, а не тому, что вы думаете, что знаете. ”

―Майкл МакКлюр

Эдгар Дега Танцоры у станка, ок. Коллекция Филлипса 1900 г. Дж. М. В. Тернер The Fighting Temeraire (1839)

Откуда взялся импрессионизм 

Импрессионистское движение зародилось в начале 1860-х годов парижскими художниками, такими как Клод Моне, Эдуард Мане, Камиль Писсаро и многими другими. Термин «импрессионизм» впервые используется искусствоведом Луи Леруа в ответ на просмотр одной из картин Моне под названием «Впечатление, восход солнца» (см. обложку поста в блоге), которая считается первой картиной, начавшей художественное движение. Он написал обзор, в котором заявил, что все выставленные картины были просто «впечатлениями».

Вместо того, чтобы рисовать в мастерских, эти художники любили создавать свои работы на пленэре. Этот метод известен как пленэрная живопись. Он включает в себя использование быстрых, небрежных мазков, чтобы запечатлеть собственное восприятие мира художником, вместо того, чтобы сосредоточиться на точных деталях. Движение также отвергло официальные выставки живописи, проводимые французским правительством, и вместо этого художники-импрессионисты решили организовать свои собственные. Хотя это движение и художественный стиль изначально высмеивались критиками, в конечном итоге оно стало движением, которое изменило ход современного искусства.

Клод Моне, Женщина с зонтиком, 1875

«Что мне кажется самым важным в нашем движении [импрессионизме], так это то, что мы освободили живопись от важности предмета. Я волен рисовать цветы и называть их цветами, и им не нужно рассказывать историю».

―Пьер-Огюст Ренуар

Клод Моне, Ирисы в саду Моне в Живерни, 1900

Импрессионизм

Влияние на культуру 

Импрессионизм привел к радикальному отходу от традиции. Не только в том, как создавалось искусство, но и в том, как оно воспринималось. Импрессионисты отвергли формальные институты искусства, которые раньше оказывали огромное влияние на карьеру художников. После этого художники могли свободно экспериментировать со своим стилем, и эта независимость привела к появлению частных дилеров и коллекционеров произведений искусства. Эта идея произвела революцию в современном искусстве и позволила художникам влиять на изменения в обществе через свои работы, делая их доступными для всех.

Обед лодочной вечеринки (1880-81) Пьер-Огюст РенуарМари Кассат, Лидия, опирающаяся на руки (в театральной ложе), 1879

“ Импрессионизм – газета души. ”

―Анри Матисс

“ Я буквально рисую не этот стол, а эмоции, которые он вызывает у меня. ”

―Анри Матисс

Влияние импрессионизма на кино Источник: FilmLinc – «Верное сердце»

Французское импрессионистское кино было отражением авангардного движения в искусстве, когда кинематографисты смотрели на кино как на вид искусства, а не просто на изображение исторических пьес и событий. Используя стили нелинейного монтажа и экспериментальные ракурсы камеры, такие как широкоэкранные снимки и кадры от первого лица, чтобы показать движение, фильмы импрессионистов создавали настроение, которое вызывало эмоции, которые помогали зрителям открывать для себя лежащие в их основе истины.

«Импрессионизм — это не движение, это философия жизни».

―Макс Либерман

Влияние импрессионизма на музыку

Подобно импрессионистским фильмам, импрессионистская музыка также фокусируется на изображении эмоций, настроений и движений. Музыку импрессионистов можно узнать по тому, что она не имеет определенного ритма и часто описывается как мечтательная. Композиторы-импрессионисты, такие как Клод Дебюсси, черпали вдохновение из тех же мест, что и художники-импрессионисты, и использовали разные текстуры и оркестровки для создания вибраций в теле слушателя, помогая им чувствовать музыку, а не просто слушать ее.

Источник: Britannica – Клод Дебюсси, французский композитор

Влияние импрессионизма на литературу

Литературный импрессионизм – это движение, зародившееся в конце девятнадцатого века и представлявшее таких великих писателей, как Джозеф Конрад. Писатели-импрессионисты писали прозу, которая подчеркивала простоту жизни, заставляя читателя рисовать картину повествования в своей голове через сенсорные детали письма. В импрессионистском письме представлены точки зрения персонажей, нехронологические события и отсутствие деталей, что заставляло читателя читать между строк, чтобы извлечь из текста собственное значение. Это создает туманное, сказочное изображение событий, похожее на картины импрессионистов.

Источник: Medium

“ Импрессионизм лежит в основе всего современного искусства, потому что это было первое движение, которому удалось освободиться от предвзятых идей, и потому что оно изменило не только то, как жизнь изображалась, но и то, как жизнь видимый. ”

―Франческо Сальви

Хотите познакомиться с другими жанрами искусства? Отправляйтесь по адресу  Joe Latimer.com  , чтобы получить многопрофильный, визуально ошеломляющий опыт . ☮️❤️🎨

Нравится этот блог? Пожалуйста, помогите распространить информацию по номеру:

Моне и Дебюсси Титаны импрессионизма

Примечание редактора: В связи с Клод Моне: Истина о природе Общественное радио Колорадо запустило новую серию блогов, посвященных Моне и музыке.

Если Клод Моне — титан импрессионистского искусства, то его коллега в музыке — Клод Дебюсси. Только не называйте Дебюсси импрессионистом.

Я пытаюсь «что-то другое», реалии в каком-то смысле то, что идиоты называют импрессионизмом, едва ли не самый неподходящий термин из всех возможных

— писал Дебюсси своему издателю в 1908 году

Что имели в виду «имбецилы», когда называли его музыку импрессионистской? И почему Дебюсси обиделся на этот термин?

Картины Моне характеризуются отчетливыми тонкими мазками, мягкими краями и меняющимся светом. Точно так же музыка Дебюсси стирает грани и создает новые гармонии, что придает его музыке мечтательный характер.

Дирижер Дэвид Робертсон, создавший серию мультимедийных концертов импрессионистов, так описывает импрессионизм:

Музыка часто кажется довольно резкой. Вы можете постучать по нему ногой. Вы можете довольно легко спеть мелодию. Он разбит на легко узнаваемые фрагменты. И в тот момент, когда приходит импрессионизм, внезапно многие из этих ясностей начинают размываться, и появляется другая ясность. Вид ясности, которую вы использовали бы, чтобы описать лунный свет на воде.

Прослушайте полное интервью с Дэвидом Робертсоном на сайте cpr.org.

Слушайте Monet Mondays на CPR Classical, чтобы открыть для себя захватывающую связь между Моне и музыкой его времени.

Моне был родоначальником импрессионизма в искусстве, но вскоре идеалы импрессионизма перекинулись на музыку и литературу. Не удивительно. Все они знали друг друга.

Во второй половине 19 века художественный центр Парижа располагался по адресу 89 rue de Rome. Почти каждый вечер вторника поэт Стефан Малларме приглашал к себе домой творческих интеллектуалов, чтобы обсудить искусство, музыку, литературу и философию. Такие писатели, как Оскар Уайльд, Поль Верлен и У. Йейтс вместе с такими художниками, как Эдуард Мане, Пьер-Огюст Ренуар, Эдгар Дега, а иногда и Клод Моне, входили в эту художественную элиту. Композитор Клод Дебюсси также присоединился к группе, которую Малларме назвал «Les Mardistes» (9). 0028 mardi по-французски вторник).

Именно в этих знаменитых вечерних салонах по вторникам Дебюсси открыл для себя стихотворение Малларме «Прелюдия к полудню фавна». Поэма описывает чувственный сон фавна, мифологического получеловека-полукозла, олицетворявшего плодородие. Смысл стихотворения не ясен. Снится фавн или нимфы в его сне реальны?

Дебюсси положил начало импрессионизму в музыке своей музыкальной интерпретацией Prelude на «Полдень фавна » 1894 года. Он олицетворяет двусмысленность стихотворения. Музыка мечтательная и чувственная. Нет жестких краев. Он чувствует себя неукорененным во времени. Неудивительно, что дирижер Пьер Булез считал это произведение началом современной музыки, когда сказал:

.

Флейта фавна вдохнула новое дыхание в музыкальное искусство.

Премьера « Prelude » Дебюсси имела восторженный успех. Так почему же Дебюсси возмутился, когда его назвали композитором-импрессионистом? К 1894 слово стало уничижительным. Впервые он был использован, когда критики осыпали оскорблениями картину Клода Моне « Впечатление, Восход солнца » в 1874 году. Критики назвали картину «незаконченной» и сравнили ее с обоями. Моне и его друзьям было все равно, и они использовали это слово для своего нового стиля живописи. Но для Дебюсси, пытавшегося построить свою карьеру, это был негативный багаж.

Справедливости ради следует отметить, что такие композиторы, как Дебюсси, были больше связаны с поэтами и писателями, на которых повлияла революция Моне.

Дебюсси восхищался творчеством своего друга, поэта Поля Верлена. Поэма Верлена «Clair de Lune» («Лунный свет») послужила источником вдохновения для одноименного фортепианного шедевра Дебюсси (1890). Верлен использует прилагательные «грустный и красивый», чтобы описать лунный свет в своем стихотворении. Говорят, что Дебюсси сказал: «Музыка — это пространство между нотами», и вы слышите это чувство в открытости между первыми нотами в произведении. Это идеальное музыкальное сочетание грусти и красоты, найденное в произведениях Верлена.

Насколько нам известно, Дебюсси никогда не писал музыку, связанную с картиной Моне. Но мы должны благодарить Моне за « ноктюрнов (1899) » Дебюсси. Моне познакомил Дебюсси с американским художником Джеймсом Эбботтом Макнилом Уистлером, чья серая, туманная серия ночных сцен под названием Ноктюрны вдохновила Дебюсси на создание собственной серии музыкальных впечатлений. Сирены изображает ночное море.

Sirènes изображает море и его бесчисленные ритмы, и вскоре среди волн, посеребренных лунным светом, слышна таинственная песня сирен, которые смеются и уходят.

— Дебюсси

Импрессионизм в искусстве распространился по всему миру. Импрессионизм в музыке распространился на юг в Испанию с такими композиторами, как Исаак Альбенис и Мануэль де Фалья, на север в Англию с такими композиторами, как Фредерик Делиус, и даже в Америку с Чарльзом Томлисоном Гриффсом. И сегодня произведения импрессионистов, такие как « Clair de lune » Дебюсси, « 3 Gymnopedie s» Сати и « Pavane for a Dead Princess» Равеля, являются одними из самых любимых в классической музыке.

Header Images: Клод Моне в своей мастерской, 1920 год. Частная коллекция/Roger-Viollet, Paris/Bridgeman Images. Фото Дебюсси предоставлено CPR через Wikimedia Commons.

28.9: Импрессионизм — Гуманитарные науки LibreTexts

1. Последнее обновление

2. Сохранить как PDF

Идентификатор страницы

53126

Импрессионизм

Импрессионизм — это движение 19-го века, известное своими картинами, целью которых было изобразить быстротечность света и запечатлеть сцены современной жизни и мира природы в их постоянно меняющихся условиях.

Цели обучения

Определение характеристик импрессионизма

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Термин «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне, Impression, soleil levant («Впечатление, Восход»).
• Работы импрессионистов характерны для изображения общих визуальных эффектов, а не деталей, и используют короткие, «прерывистые» мазки смешанных и несмешанных цветов для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.
• Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативное и анонимное объединение художников, скульпторов и граверов»), чтобы независимо выставлять свои работы смешанным критический ответ.
• Импрессионисты восемь раз выставлялись вместе в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получали небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало признание и поддержку публики.
• Импрессионисты обычно рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе или на на пленэре .

Ключевые термины

• En Plein air : En plein air — это французское выражение, которое означает «на открытом воздухе», и в частности используется для описания процесса рисования на открытом воздухе, который также называется peinture sur le motif ( «живопись на земле») на французском языке.
• Vista : От итальянского vista («вид, зрелище»). Дальний вид или перспектива, особенно видимая через отверстие, проспект или проход.
• flâneur : Человек, который наблюдает за обществом, обычно в городских условиях; «наблюдатель за людьми».

Импрессионизм — направление в искусстве 19 века, созданное группой парижских художников, в том числе Бертой Моризо, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, Эдгаром Дега, Камилем Писсарро и Альфредом Сислеем, а также американской художницей Мэри Кассат. Эти художники строили свои картины с помощью свободных цветов, которые преобладали над линиями и контурами. Обычно они рисовали сцены современной жизни и часто рисовали на открытом воздухе. Импрессионисты обнаружили, что они могут запечатлеть мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, рисуя на пленэре . Однако многие импрессионистские картины и гравюры, особенно созданные Моризо и Кассат, установлены в домашних интерьерах. Как правило, они изображали общие визуальные эффекты вместо деталей и использовали короткие, «прерывистые» мазки смешанных и несмешанных цветов для достижения эффекта интенсивной цветовой вибрации.

Лондон, здание парламента. Солнце, сияющее в тумане, Клод Моне, 1904 90 049: Моне считается наиболее последовательным и плодовитым практиком импрессионистской философии выражения своего восприятия перед природой.

Радикалы в свое время, ранние импрессионисты нарушили правила академической живописи. Во Франции 19 века Академия изящных искусств («Академия изящных искусств») доминировала во французском искусстве. Академия была хранителем традиционных французских стандартов содержания и стиля живописи. Исторические сюжеты, религиозные темы и портреты ценились (пейзаж и натюрморт не ценились), и Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые при внимательном рассмотрении выглядели реалистично. Цвет был мрачным и консервативным, а следы мазков были подавлены, скрывая личность художника, эмоции и приемы работы.

Художники-импрессионисты не могли позволить себе ждать, пока Франция примет их работы, поэтому они устроили собственную выставку — помимо ежегодного салона, организованного Академией. Во второй половине 1873 года Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей организовали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Кооперативная и анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов»), чтобы выставлять свои работы независимо друг от друга. Всего в их первой выставке, состоявшейся в апреле 1874 года в мастерской французского фотографа и карикатуриста Надара, участвовало 30 художников.

Реакция критиков была неоднозначной. Критик и юморист Луи Леруа написал язвительную рецензию в газете Le Charivari, в которой, играя словами с названием «Впечатление » Клода Моне, soleil levant («Впечатление, Восход»), он дал художникам имена, под которыми они стали известны. . Термин «импрессионисты» быстро завоевал популярность у публики. Его приняли и сами художники, несмотря на то, что они представляли собой разнородную группу по стилю и темпераменту, объединенную, прежде всего, духом независимости и бунтарства. Они выставлялись вместе восемь раз в период с 1874 по 1886 год. Отдельные художники получили небольшое финансовое вознаграждение от выставок импрессионистов, но их искусство постепенно завоевало определенное общественное признание и поддержку. Их дилер, Поль Дюран-Рюэль, сыграл в этом важную роль, поскольку он представлял их работы публике и устраивал для них шоу в Лондоне и Нью-Йорке.

Les régates à Moseley Альфреда Сислея, холст, масло, 1874 : Сислей посвятил себя рисованию пейзажей на пленэре , и его работы известны тем, что они запечатлели переходные эффекты солнечного света.

Импрессионисты запечатлели обычных людей, занятых повседневной деятельностью как в сельской, так и в городской среде. Художники-импрессионисты смягчили границу между предметом и фоном, так что эффект импрессионистической картины часто напоминал снимок, часть большой реальности, запечатленная как бы случайно.

Развитие импрессионизма можно рассматривать отчасти как реакцию художников на вызов, брошенный фотографией, которая, казалось, обесценивала мастерство художника в воспроизведении реальности. Несмотря на это, фотография на самом деле вдохновляла художников на поиск других средств художественного выражения, и вместо того, чтобы конкурировать с фотографией в имитации реальности, импрессионисты стремились выразить свое восприятие природы и современной городской жизни.

Сцены из буржуазной беззаботной жизни, а также из мира развлечений, таких как кафе, танцевальные залы и театры, были среди их любимых сюжетов. В своих жанровых сценах современной жизни эти художники пытались остановить момент своей стремительной жизни, точно указав определенные атмосферные условия, такие как мерцание света на воде, движущиеся облака или городские огни, падающие на танцующие пары. Их техника пыталась запечатлеть то, что они видели.

Pontoise Камиль Писсарро, холст, масло, 1867 : Камиль Писсарро (1830–1903) был стилистическим предшественником импрессионизма, известным своими пейзажами и запечатлением повседневной реальности деревенской жизни.

Мане

Эдуард Мане, французский художник, был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму.

Цели обучения

Объясните, почему Эдуард Мане считается ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Его ранние шедевры, «Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe) и «Олимпия», вызвали большие споры и послужили объединяющим фактором для молодых художников, создававших импрессионизм. Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими зарождение современного искусства.
• Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов.
• Работы Мане рассматривались как вызов произведениям эпохи Возрождения, которые вдохновляли его картины. Работа Мане считается «ранним модерном» отчасти из-за черных обводок фигур, привлекающих внимание к поверхности плоскости картины и качеству материала краски.

Ключевые термины

• сопоставление : Дополнительный акцент на сравнении, когда контрастирующие объекты расположены близко друг к другу.
• Импрессионизм : направление в искусстве 19 века, зародившееся в группе парижских художников. Характеристики живописи импрессионистов включают в себя относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его меняющихся качествах (часто подчеркивая эффекты течения времени), общий, обычный сюжет, включение движения как важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.

Эдуард Мане (1832–1883) — французский художник. Один из первых художников 19-го века, который обратился к предметам модерна и постмодернизма, он был ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму. Его ранние шедевры, «Завтрак на траве» ( Le déjeuner sur l’herbe ) и «Олимпия », вызвали большие споры и послужили объединяющим фактором для молодых художников, создававших импрессионизм. Сегодня они считаются переломными картинами, знаменующими зарождение современного искусства.

Мане открыл студию в 1856 году. Его стиль в этот период характеризовался свободными мазками, упрощением деталей и подавлением переходных тонов. Приняв современный стиль реализма, начатый Гюставом Курбе, он нарисовал Любительница абсента (1858–59) и другие современные предметы, такие как нищие, певцы, цыгане, люди в кафе и бои быков. Музыка в Тюильри — ранний образец живописного стиля Мане. Вдохновленный Хальсом и Веласкесом, он является предвестником его жизненного интереса к предмету досуга.

Музыка в Тюильри , 1862 : одна из самых ранних работ Мане, демонстрирующая его интерес к небрежным мазкам куста и неторопливой общественной деятельности парижан 19 века.

Парижский Салон отклонил картину «Завтрак на траве» для выставки в 1863 году. Мане выставил ее в Салоне Отверженных (Salon des Refusés) позже в том же году. Сопоставление на картине полностью одетых мужчин и обнаженной женщины было спорным, как и ее сокращенная, похожая на набросок обработка, нововведение, которое отличало Мане от Курбе. В то же время эта композиция раскрывает изучение Мане старых мастеров эпохи Возрождения. Одна работа, которую ученые называют важным прецедентом Le déjeuner sur l’herbe — это The Tempest Джорджоне.

«Завтрак на траве» (Le déjeuner sur l’herbe) Эдуарда Мане, 1863 г. сельская обстановка. Отклоненный жюри Салона 1863 года, Мане воспользовался возможностью выставить эту и две другие картины в Салоне Отверженных 1863 года, где картина вызвала общественную известность и споры.

Как и в картине «Завтрак на траве» , Мане снова перефразировал уважаемую работу художника эпохи Возрождения в своей картине Олимпия (1863 г.), изображенной в позе обнаженной натуры, основанной на Тициановой Венере Урбино. (1538). Мане создал Olympia в ответ на предложение представить Салону картину с обнаженной натурой. Его впоследствии откровенное изображение самоуверенной проститутки было принято Парижским салоном в 1865 году, где вызвало скандал.

Олимпия Эдуарда Мане, 1863 : Картина Мане Олимпия вызвала споры в то время из-за конфронтационного взгляда изображенной женщины, а также из-за того факта, что многочисленные детали на картине означают, что она проститутка. .

Картина вызвала споры отчасти из-за того, что на обнаженной надеты небольшие предметы одежды, такие как орхидея в волосах, браслет, лента на шее и тапочки без мулов, которые подчеркивали ее наготу, сексуальность и удобную куртизанку. образ жизни. Орхидея, зачесанные вверх волосы, черная кошка и букет цветов были в то время признанными символами сексуальности. Тело этой современной Венеры тонкое, что противоречит господствующим стандартам, и это отсутствие физического идеализма раздражало зрителей. Тело Олимпии, как и ее взгляд, откровенно конфронтационны. Она вызывающе смотрит, как ее слуга предлагает цветы от одного из ее поклонников-мужчин. Хотя ее рука лежит на ноге, скрывая лобок, ссылка на традиционную женскую добродетель иронична: в этой работе, как известно, отсутствует женская скромность. Как с «Завтрак на траве» , картина подняла проблему проституции в современной Франции и роль женщины в обществе.

Грубо написанный стиль и фотографическое освещение в этих двух спорных работах воспринимались современниками как современные: в частности, как вызов работам эпохи Возрождения, которые Мане копировал или использовал в качестве исходного материала. Его работы считаются «ранним модерном» отчасти из-за черных обводок фигур, привлекающих внимание к поверхности плоскости картины и качеству материала краски.

Живопись импрессионистов

Живопись импрессионистов отошла от традиций Академии, отдав предпочтение повседневным предметам, преувеличенным цветам, нанесению густой краски и стремлению запечатлеть движение жизни, а не постановочные сцены.

Цели обучения

Описать характеристики импрессионистской живописи

Основные выводы

Ключевые моменты

• В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве, ценя исторические сюжеты, религиозные темы и портреты. в отличие от пейзажей или натюрмортов.
• В начале 1860-х Моне, Ренуар, Сислей и Базиль познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что их объединяет интерес к рисованию пейзажей и современной жизни, а не к историческим или мифологическим сценам
.
• Картины импрессионистов можно охарактеризовать использованием коротких толстых мазков краски, которые быстро передают суть предмета, а не детали.
• В картинах импрессионистов не используется прозрачность тонких пленок краски (глазури), которыми раньше художники тщательно манипулировали для создания эффектов.
• Тематически работы импрессионистов ориентированы на то, чтобы запечатлеть движение жизни или быстрые мгновения, запечатленные как на снимке.

Ключевые термины

• Академия изящных искусств : Академия была создана в 1816 году в результате слияния Академии живописи и скульптуры (Академия живописи и скульптуры, основанная в 1648 году), Академии музыки (Академия Музыка, основанная в 1669 году) и Académie d’architecture (Академия архитектуры, основанная в 1671 году).

В середине 19 века Академия изящных искусств доминировала во французском искусстве. Академия была хранителем традиционных французских стандартов содержания и стиля живописи. Ценились исторические сюжеты, религиозные темы и портреты; пейзажа и натюрморта не было. Академия предпочитала тщательно обработанные изображения, которые выглядели реалистично при ближайшем рассмотрении. Картины в этом стиле были составлены из точных мазков, тщательно смешанных, чтобы скрыть руку художника в работе. Цвет был сдержанным и часто смягчался нанесением золотого лака.

В начале 1860-х годов четверо молодых художников — Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль — познакомились во время учебы у академического художника Шарля Глейра. Они обнаружили, что их объединяет интерес к рисованию пейзажей и современной жизни, а не к историческим или мифологическим сценам. Следуя практике, которая стала все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе или на пленэре , но не для того, чтобы делать наброски, которые затем превращались в тщательно законченные работы в студии, как это было обычно принято. Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они начали развивать более светлую и яркую манеру живописи, которая еще больше расширила реализм Гюстава Курбе и Барбизона. Школа.

Impression, soleil levant (Impression, Sunrise) Клода Моне, 1872 : Эта картина стала источником названия движения, насмешливо данного критиками, но принятого художниками и публикой.

Техника

Картины импрессионистов можно охарактеризовать использованием коротких толстых мазков краски, которые быстро передают суть предмета, а не детали. Цвета часто накладываются бок о бок с минимальным смешиванием, насколько это возможно, в этой технике используется принцип одновременного контраста, чтобы цвет казался зрителю более ярким. Картины импрессионистов не используют прозрачность тонких пленок краски (глазури), которыми раньше художники тщательно манипулировали для создания эффектов. Кроме того, поверхность картины обычно непрозрачна, а игра естественного света подчеркивается.

Тематически импрессионисты сосредоточились на запечатлении движения жизни или быстрых моментов, запечатленных как на снимке. Представление света и его изменяющихся качеств имело первостепенное значение. Обычные сюжеты и необычные ракурсы также были важными элементами произведений импрессионистов.

Стог сена, (закат) Клода Моне, 1890–1891 : Моне Стог сена иллюстрирует типичные черты произведений импрессионистов с его короткими, быстрыми линиями, в которых используется множество непрозрачных цветов рядом, чтобы предложить игра света на закате.

Скульптура импрессионистов

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена.

Цели обучения

Отличить современный классицизм во французской скульптуре от более ранней классической скульптуры благоприятствовал в искусстве. Роден моделировал сложные, турбулентные поверхности с глубокими карманами в глине, и многие из его наиболее известных скульптур противоречили преобладающей традиции фигурной скульптуры, в которой работы были декоративными, шаблонными или очень тематическими. Спонтанность, очевидная в его работах, связывает его с импрессионистами, хотя он никогда не отождествлял себя с ними.

Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу реалистичного моделирования человеческого тела и прославления индивидуального характера и физического состояния.

Именно свобода и творчество, с которыми Роден использовал эти практики, наряду с его более открытым отношением к телесным позам, чувственным предметам и нереалистичным поверхностям, ознаменовали преобразование традиционных скульптурных техник XIX века в прототип для современная скульптура.

Хотя его творчество вышло за многие стилистические границы, и он не идентифицировал себя конкретно как импрессиониста, Дега, тем не менее, считается одним из основателей импрессионизма.

Скульптура Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица Эдгара Дега ок. 1881 год был показан на Выставке импрессионистов 1881 года и вызвал много споров из-за отклонения от исторического прецедента, ключевого мотива импрессионистов.

Ключевые термины

• Огюст Роден : Огюст Роден был французским скульптором. Хотя Родена принято считать прародителем современной скульптуры, он не задался целью восстать против прошлого. Он получил традиционное образование, подходил к своей работе как ремесленник и желал академического признания, хотя его так и не приняли в передовую художественную школу Парижа.

Французская скульптура

Современный классицизм во многом контрастирует с классической скульптурой XIX в.века, для которого была характерна приверженность к натурализму, мелодраматизму, сентиментальности или некой величавой грандиозности. На рубеже веков в классической традиции было выбрано несколько различных направлений, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему оставалось фундаментальным. Современный классицизм проявлял меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмам объемов и пространств, а также контрастным свойствам поверхности (открытая, закрытая, плоская, ломаная и т. д.), в то время как меньше внимания уделялось повествованию и убедительным деталям анатомии или костюма. Больше внимания уделялось психологическому эффекту, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних стилей во всем мире.

Современная скульптура, как и все современное искусство, «возникла как часть попытки западного общества примириться с городским, индустриальным и светским обществом, возникшим в 19 веке». Как правило, художники-модернисты были озабочены изображением современных проблем, а не грандиозных исторических и аллегорических тем, которые ранее предпочитались в искусстве.

Влияние Родена

Считается, что современная скульптура началась с работ французского скульптора Огюста Родена. Роден, которого часто считают скульптурным импрессионистом, не собирался восставать против художественных традиций, однако он использовал новые способы построения своей скульптуры, которые бросали вызов классическим категориям и методам. В частности, Роден моделировал в глине сложные, турбулентные поверхности с глубокими карманами. Хотя он никогда не называл себя импрессионистом, энергичное жестовое моделирование, которое он использовал в своих работах, часто сравнивают с быстрыми жестовыми мазками, стремящимися запечатлеть мимолетный момент, что было типично для импрессионистов. Самая оригинальная работа Родена отошла от традиционных тем мифологии и аллегории в пользу моделирования человеческого тела с интенсивным реализмом и прославления индивидуального характера и телесности.

Роден был естествоиспытателем, которого волновали не столько монументальные выражения, сколько характер и эмоции. Отойдя от многовековой традиции, он отвернулся от идеализма греков и декоративной красоты течений барокко и необарокко. Его скульптура подчеркивала индивидуальность и конкретность плоти, предлагая эмоции через детализированные текстурированные поверхности и взаимодействие света и тени. В большей степени, чем его современники, Роден считал, что характер человека раскрывается в его физических особенностях. Талант Родена к моделированию поверхностей позволил ему позволить каждой части тела говорить за целое. Страсть самца в Поцелуй , например, определяется сцеплением пальцев ног с камнем, жесткостью спины и дифференцированием рук. Роден видел страдания и конфликты как отличительные черты современного искусства. Он утверждает, что «на самом деле нет ничего более трогательного, чем обезумевший зверь, умирающий от неудовлетворенного желания и тщетно просящий милости, чтобы подавить его страсть».

Мыслитель Огюста Родена : Эксперименты Родена с формой, видимые в Мыслителе, положили начало современной абстрактной скульптуре.

Главное новшество Родена заключалось в том, чтобы извлечь выгоду из таких многоступенчатых процессов скульптуры 19-го века и их зависимости от гипсового литья. Поскольку глина быстро портится, если ее не держать влажной или не обжигать в терракоту, скульпторы использовали гипсовые слепки в качестве средства фиксации композиции, которую они должны были сделать из нестойкого материала, которым является глина. Это было обычной практикой среди современников Родена: скульпторы выставляли гипсовые слепки в надежде, что им поручат сделать работы из более стойкого материала. Однако Роден изготовил несколько гипсов и использовал их как сырье для скульптуры, рекомбинируя их части и фигуры в новые композиции и новые имена. По мере того как практика Родена развивалась в 189С 0-х годов он становился все более и более радикальным в своем стремлении к фрагментации, комбинированию фигур разного масштаба и созданию новых композиций из своих ранних работ.

Ходячий человек

Ярким примером его радикальной практики является Ходячий человек (1899–1900). Он состоит из двух скульптур 1870-х годов, которые Роден нашел в своей мастерской: сломанный и поврежденный торс, который пришел в запустение, и нижние конечности статуэтки его 1878 года. Проповедь святого Иоанна Крестителя 9.0029, который он реконструировал в уменьшенном масштабе. Не дорабатывая соединение между верхом и низом, между туловищем и ногами, Роден создал произведение, которое многие скульпторы того времени и впоследствии считали одним из его самых сильных и необычных произведений. И это несмотря на то, что объект передает два разных стиля, демонстрирует два разных отношения к отделке и не пытается скрыть произвольное слияние этих двух компонентов. Именно свобода и творчество, с которыми Роден использовал эти приемы, наряду с его активацией поверхностей скульптур посредством следов собственного прикосновения, ознаменовали переделку Роденом традиционных 19Скульптурные приемы ХХ века в прообраз современной скульптуры.

Идущий человек : Идущий человек состоит из двух фрагментов скульптуры, которые Роден объединил в единое произведение, не скрывая слияния этих разрозненных форм.

Эдгар Дега

Эдгар Дега был французским художником, известным своими картинами, скульптурами, гравюрами и рисунками. Он особенно отождествляется с предметом танца; более половины его работ изображают танцоров. Его считают одним из основоположников импрессионизма, хотя он отверг этот термин, предпочитая называться реалистом.

При жизни Дега общественное отношение к творчеству Дега варьировалось от восхищения до презрения. Как многообещающий художник в традиционном стиле, Дега принял ряд картин, принятых в Салон между 1865 и 1870 годами. Однако вскоре он объединил усилия с импрессионистами и отверг жесткие правила, суждения и элитарность Салона — так же, как и Салон и широкая публика поначалу отвергали экспериментаторство импрессионистов.

Работа Дега вызывала споры, но в целом вызывала восхищение своим мастерством. Его La Petite Danseuse de Quatorze Ans , или Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица , которую он представил на шестой выставке импрессионистов в 1881 году, вероятно, была его самой противоречивой работой; одни критики осуждали то, что они считали «ужасающим уродством», в то время как другие видели в этом «цветение». Скульптура составляет две трети в натуральную величину и изначально была вылеплена из воска, что было необычным материалом для того времени. Она одета в настоящий лиф, пачку и балетки и имеет парик из настоящих волос. Все, кроме ленты для волос и пачки, покрыто воском. 28 бронзовых повторений, которые сегодня выставлены в музеях и галереях по всему миру, были отлиты уже после смерти Дега. Пачки, которые носят бронзовые фигуры, варьируются от музея к музею.

Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица Эдгара Дега, ок. 1881 : Спорная скульптура, которую Дега продемонстрировал на выставке импрессионистов 1881 года, известна своей экспериментальностью и нарушением традиций.

Признанный выдающимся художником при жизни, Дега сегодня считается одним из основоположников импрессионизма. Хотя его работы пересекали многие стилистические границы, его участие в выставках других крупных фигур импрессионизма, его динамичные картины и зарисовки повседневной жизни и деятельности, а также его смелые эксперименты с цветом послужили тому, чтобы окончательно связать его с импрессионистским движением как одним из его направлений. величайшие художники.

Контент под лицензией CC, ранее опубликованный

• Курирование и доработка. Предоставлено : Boundless.com. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike

Лицензионный контент CC, конкретное указание авторства

• Камиль Писсарро. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Camille_Pissarro. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Пейзажная живопись. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Landscape_painting. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Импрессионизм. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Impressionism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Пьер-Огюст Ренуар. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en. Wikipedia.org/wiki/Пьер-Огюст_Ренуар. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод Моне. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Claude_Monet. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Альфред Сислей. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Alfred_Sisley. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• История искусств/Движения. Предоставлено : Wikibooks. Расположен по адресу : en.wikibooks.org/wiki/Art_History/Movements%23Impressionism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• На пленэре. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/En%20Plein%20air. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Виста. Предоставлено : Викисловарь. Расположен по адресу : en.wiktionary.org/wiki/Vista. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Flu00e2neur. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Fl%C3%A2neur. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Мэри Кассат. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Mary_Cassatt. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Берта Моризо. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Berthe_Morisot. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Гюстав Кайботт. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en. Wikipedia.org/wiki/Gustave_Caillebotte. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Эдгар Дега. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод Моне 015. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Claude_Monet_015.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Альфред Сислей 050. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Alfred_Sisley_050.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Камиль Писсарро — Понтуаз. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons. wikimedia.org/wiki/File:Camille_Pissarro_-_Pontoise.JPG. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Мане. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Manet. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• сопоставление. Предоставлено : Викисловарь. Расположен по адресу : en.wiktionary.org/wiki/juxtaposition. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Импрессионизм. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Impressionism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод Моне 015. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/Файл:Claude_Monet_015.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Альфред Сислей 050. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Alfred_Sisley_050.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Камиль Писсарро — Понтуаз. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Camille_Pissarro_-_Pontoise.JPG. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Эдуард_Мане_-_Олимпия_-_Google_Art_Project.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Olympia_(Manet)#/media/File:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Мане, Эдуар — Le Dejeuner sur l’Herbe (Пикник) (1). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia. org/wiki/File:Manet,_Edouard_-_Le_Dejeuner_sur_l’Herbe_(The_Picnic)_(1).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• МАНЕ — Mu00fasica en las Tulleru0edas (Национальная галерея, Лондон, 1862 г.). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/File:MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_(National_Gallery,_Londres,_1862).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Импрессионизм. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Impressionism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод Моне 015. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Claude_Monet_015.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Альфред Сислей 050. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Alfred_Sisley_050.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Камиль Писсарро — Понтуаз. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Camille_Pissarro_-_Pontoise.JPG. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Эдуард_Мане_-_Олимпия_-_Google_Art_Project.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Olympia_(Manet)#/media/File:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Мане, Эдуар — Le Dejeuner sur l’Herbe (Пикник) (1). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia. org/wiki/File:Manet,_Edouard_-_Le_Dejeuner_sur_l’Herbe_(The_Picnic)_(1).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• МАНЕ — Mu00fasica en las Tulleru0edas (Национальная галерея, Лондон, 1862 г.). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/File:MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_(National_Gallery,_Londres,_1862).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Claude_Monet_Impression_soleil_levant.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : upload.wikimedia.org/Wikipedia/commons/5/54/Claude_Monet%2C_Impression%2C_soleil_levant.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод_Моне_-_Грейстакс_I.JPG. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : upload.wikimedia. org/Wikipedia/commons/d/d6/Claude_Monet_-_Graystaks_I.JPG. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Мыслитель. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/The_Thinker. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Эдгар Дега. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Скульптура. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Sculpture%2319th_ Century.2C_and_continuing_realism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Современная скульптура. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Modern_sculpture. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Скульптура. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Sculpture%23Modernism. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Огюст Роден. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Auguste_Rodin. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Огюст Роден. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Auguste%20Rodin. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод Моне 015. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Claude_Monet_015.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Альфред Сислей 050. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Alfred_Sisley_050.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Камиль Писсарро — Понтуаз. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : commons.wikimedia.org/wiki/File:Camille_Pissarro_-_Pontoise.JPG. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Эдуард_Мане_-_Олимпия_-_Google_Art_Project.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/Olympia_(Manet)#/media/File:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Мане, Эдуар — Le Dejeuner sur l’Herbe (Пикник) (1). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia. org/wiki/File:Manet,_Edouard_-_Le_Dejeuner_sur_l’Herbe_(The_Picnic)_(1).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Авторские права неизвестны
• МАНЕ — Mu00fasica en las Tulleru0edas (Национальная галерея, Лондон, 1862 г.). Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/File:MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_(National_Gallery,_Londres,_1862).jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Claude_Monet_Impression_soleil_levant.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : upload.wikimedia.org/Wikipedia/commons/5/54/Claude_Monet%2C_Impression%2C_soleil_levant.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Клод_Моне_-_Грейстакс_I.JPG. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : upload. wikimedia.org/Wikipedia/commons/d/d6/Claude_Monet_-_Graystaks_I.JPG. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike
• Танцор_скульптура_by_Degas_at_the_Met.jpg. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : https://en.Wikipedia.org/wiki/Little_Dancer_of_Fourteen_Years#/media/File:Dancer_sculpture_by_Degas_at_the_Met.jpg. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Мыслитель. Предоставлено : Wikimedia. Расположен по адресу : Wikimedia. Лицензия : Общественное достояние: Нет данных Copyright
• Роден p1070095. Предоставлено : Википедия. Расположен по адресу : en.Wikipedia.org/wiki/File:Rodin_p1070095.jpg. Лицензия : CC BY-SA: Attribution-ShareAlike

---

28. 9: Импрессионизм распространяется по недекларированной лицензии, автором, ремиксом и/или куратором является LibreTexts.

1. Наверх

• Была ли эта статья полезной?

1. Тип изделия

   Раздел или страница

2. Теги

   На этой странице нет тегов.

Хронология современного искусства, часть 1

Наша хронология современного искусства с 1870 по 1930 гг. дает представление о наиболее важных художниках, движениях и стилях живописи от импрессионизма до движения Де Стиль.

Импрессионизм (ок. 1870-1890)

КЛОД МОНЕ (1840-1926)
‘Руанский собор в полном солнечном свете’, 1893-94 (холст, масло)

I импрессионизм — название, данное красочному стилю живописи во Франции конца 19 века. Импрессионисты искали более точный анализ действия цвета и света в природе. Они стремились запечатлеть атмосферу определенного времени суток или влияние различных погодных условий. Они часто работали на открытом воздухе и наносили краску небольшими яркими мазками, что означало жертвовать большей частью контуров и деталей своего предмета. Импрессионизм отказался от общепринятой идеи о том, что тень предмета состоит из его цвета с добавлением коричневого или черного. Вместо этого импрессионисты обогатили свои цвета идеей о том, что тень разбивается на штрихи своего дополнительного цвета.

Среди наиболее значительных художников-импрессионистов были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Альфред Сислей и Анри де Тулуз-Лотрек.

Постимпрессионизм (ок. 1885-1905)

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ (1853-90)
«Терраса кафе ночью», 1888 г. (холст, масло)

P ost Импрессионизм не был особым стилем живописи. Это собирательное название, данное произведениям нескольких независимых художников в конце XIX века.век. Постимпрессионисты восстали против ограничений импрессионизма, чтобы разработать ряд личных стилей, которые повлияли на развитие искусства в 20 веке. Основными художниками, связанными с постимпрессионизмом, были Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сёра.

Сезанн оказал большое влияние на Пикассо и Брака в их развитии кубизма. Энергичная и яркая техника живописи Ван Гога была одним из пробных камней как фовизма, так и экспрессионизма, в то время как символический цвет Гогена и пуантилистская техника Сера были источником вдохновения для «Фовистов».

Импрессионизм и постимпрессионизм Слайд-шоу

Фовизм (1905-1910)

АНРИ МАТИСС (1869-1954)
«Открытое окно, Коллиур», 1905 г. (холст, масло)

F аувизм был радостным стилем живописи, в котором нравилось использовать возмутительно смелые цвета. Он был разработан во Франции в начале 20 века Анри Матиссом и Андре Дереном. Художники, писавшие в этом стиле, были известны как «Les Fauves» (дикие звери) — это название произошло от саркастического замечания в обзоре искусствоведа Луи Вокселя.

«Фовисты» считали, что цвет должен быть использован на самом высоком уровне, чтобы выразить чувства художника к предмету, а не просто описать, как он выглядит. Картины фовистов имеют две основные характеристики: чрезвычайно упрощенный рисунок и сильно преувеличенный цвет. Фовизм оказал большое влияние на немецкий экспрессионизм.

Немецкий экспрессионизм (1905-1925)

ЭРНСТ ЛЮДВИГ КИРХНЕР (1880-1919)38)
«Красная башня в Галле», 1915 г. (холст, масло)

G erman Экспрессионизм – стиль искусства, наполненный эмоциональным или духовным видением мира. Выразительные картины Винсента Ван Гога и Эдварда Мунка оказали влияние на немецких экспрессионистов. Они также черпали вдохновение в немецкой готике и «примитивном искусстве». Экспрессионисты разделились на две фракции: Die Brücke и Der Blaue Reiter.

Die Brücke (Мост) — художественное сообщество молодых художников в Дрездене, стремившееся ниспровергнуть консервативные традиции немецкого искусства. Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф были двумя его основателями.

Der Blaue Reiter («Синий всадник») представлял собой группу художников, чьи публикации и выставки стремились найти общую творческую основу для различных форм экспрессионистского искусства. Кандинский, Марк и Маке были среди его основателей.

Фовизм и экспрессионизм Слайд-шоу

Абстракционизм (с 1907 г.)

ЖОРЖ БРАК (1882-1963)
«Скрипка и кувшин», 1910 г. (холст, масло)

A abstract Art — это общий термин, описывающий два разных метода абстракции: «полуабстракция» и «чистая абстракция». Слово «абстрагировать» означает изъять часть чего-либо, чтобы рассмотреть это отдельно. В абстрактном искусстве это «что-то» представляет собой один или несколько визуальных элементов предмета: его линию, форму, тон, узор, текстуру или форму.

Полуабстракция — это место, где изображение все еще находится одной ногой в репрезентативном искусстве (см. Кубизм и футуризм). Он использует тип стилизации, при котором художник выбирает, развивает и совершенствует определенные визуальные элементы (например, линию, цвет и форму), чтобы создать поэтическую реконструкцию или упрощенную сущность исходного предмета.

Чистая абстракция — это то, где художник использует визуальные элементы независимо как фактический предмет самой работы. (см. Супрематизм, Де Стиль и Минимализм).

Хотя элементы абстракции присутствуют и в более ранних произведениях искусства, корни современного абстрактного искусства можно найти в кубизме. Среди других важных абстрактных стилей, которые развились в 20-м веке, можно выделить орфизм, лучизм, конструктивизм, ташизм, абстрактный экспрессионизм и оп-арт.

Слайд-шоу абстрактного искусства

Кубизм (1907-1915)

ПАБЛО ПИКАССО (1881-1973)
‘Амбруаз Воллар’, 1915 (холст, масло)

C Убизм был изобретен примерно в 1907 году в Париже Пабло Пикассо и Жоржем Браком. Это был первый абстрактный стиль современного искусства. Кубистические картины игнорируют традиции перспективного рисунка и показывают вам множество точек зрения на предмет одновременно. Кубисты считали, что традиции западного искусства исчерпаны, и для оживления своего творчества они привлекали выразительную энергию искусства других культур, особенно африканского искусства.

Существуют две отдельные фазы стиля кубизма: Аналитический кубизм (до 1912 г.) и Синтетический кубизм (после 1912 г.). Кубизм повлиял на многие другие стили современного искусства, включая экспрессионизм, футуризм, орфизм, вортицизм, супрематизм, конструктивизм и де стиль. Другими известными художниками, связанными с кубизмом, были Хуан Грис, Фернан Леже, Робер Делоне, Альберт Глез, Жан Метцингер, Луи Маркусси и Мари Лорансен.

Футуризм (1909-1914)

ДЖАКОМО БАЛЛА (1871-1959)
«Ритм скрипача», 1912 г. (холст, масло)

F утуризм был революционным итальянским движением, прославлявшим современность. Футуристическое видение было изложено в серии манифестов, которые нападали на давние традиции итальянского искусства в пользу нового авангарда. Они прославляли индустриализацию, технологии и транспорт наряду со скоростью, шумом и энергией городской жизни. Футуристы использовали визуальный словарь кубизма для выражения своих идей, но с небольшим искажением. В кубистической картине художник записывает отдельные детали предмета, когда он движется вокруг него, тогда как в футуристической картине кажется, что сам предмет движется вокруг художника. Результатом этого является то, что футуристические картины кажутся более динамичными, чем их кубистские аналоги.

Футуризм был основан в 1909 году поэтом Филиппо Томмасом Маринетти и охватывал искусство в его самом широком смысле. Основными фигурами, связанными с движением, были художники Умберто Боччони, Джакомо Балла, Джино Северини, музыкант Луиджи Руссоло и архитектор Антонио Сант’Элия.

Кубизм и футуризм Слайд-шоу

Супрематизм (ок. 1915-1925)

КАЗИМИР МАЛЕВИЧ (1879 г.-1935)
‘Супрематизм’, 1915 г. (холст, масло)

S упрематизм разработан в 1915 году русским художником Казимиром Малевичем. Это был геометрический стиль абстрактной живописи, основанный на элементах кубизма и футуризма. Малевич отвергал всякое использование репрезентативных образов, полагая, что нерепрезентативные формы чистой абстракции обладают большей духовной силой и способностью открывать сознание «господству чистого чувства».

Супрематизм — стиль чистой абстракции, проповедовавший мистический подход к искусству, в отличие от конструктивизма, главного русского художественного направления ХХ века, образность которого служила социальной и политической идеологии государства.

Конструктивизм (ок.1913-1930)

ЭЛЬ ЛИСИЦКИЙ (1890-1941)
«Красный клин», 1919 г. (литография)

C конструктивизм использовал тот же геометрический язык, что и супрематизм, но отказался от своего мистического видения в пользу своего «социализма видения» — утопического взгляда на механизированную современность в соответствии с идеалами Октябрьской революции. Однако это было не то искусство, которое было легко понятно пролетариату, и в конечном итоге оно было подавлено и заменено социалистическим реализмом. Татлин, Родченко, Эль Лисицкий и Наум Габо были в числе лучших художников, связанных с конструктивизмом.

Де Стиль (ок.1917-1931)

ПЬЕТ МОНДРИАН (1872-1944)
«Композиция с белым и желтым», 1942 г. (холст, масло)

D e Stijl был голландским «стилем» чистой абстракции, разработанным Питом Мондрианом, Тео Ван Дусбургом и Бартом ван дер Леком.