Стиль рисования абстракционизм: Абстракционизм в живописи: стиль картины художники

Абстракционизм. Стили и направления живописи » Как рисовать поэтапно. Уроки рисования карандашом для начинающих

В переводе с латинского абстракционизм — отвлечение, удаление. Это направление использует сочетание различных геометрических форм, а так же цветовых сочетаний, чтобы достичь гармонию и вызвать у смотрителя ассоциации. Абстракционизм возник в 1910-е годы на фоне расслоения трех направлений: кубизма, футуризма и экспрессионизма. Это достаточно смелое и новое направление, провозглашавшее совбоду всевозможных линий, красок и форм. Можно назвать это беспредметным искусством. Первооткрывателем абстракционизма в России был Кандинский В.В. и Малевич К.С. В 1930-е году стали образовываться различные группы художников, преверженцев течения. Это «Круг и квадрат», «Конкретное искусство».

В США в период Второй мировой стали открываться школы абстракционизма. Средин нидерландских  представителей стиля выделяют Пита Мондриана. Начинал он с кубизма, постепенно упрощая и изменяя его. Потом у него появилась группа последователей. Российский художник Кандинский начал работать в таком стиле еще до появления кубизма. Кроме абстракционизма Кандинский работал и в стиле символизма. Его работы сочетают в себе яркость красок и бесформенность образов. Они напоминали игру света и где-то детские рисунки. Казимир Малевич в своей живописи соединил и абстракционизм и импресионизм. Вообще Малевич попробовал писать во многих направлениях: он прошел кубизм, футуризм, супрематизм, модернизм.

Из американских художников-абстракционистов можно выделить Джексона Поллака. Он ввел новый термин и технику — «дриппинг». В этой технике краски разбрызгивались по холсту без применения кисти. Во Франции данное направление получило название ташизм и стало самостоятельным. В переводе с французского —  «пятно». Начало получил в 1950-60-е гг. Сюжет особо не обдумывается, пятна наносятся стихийно.
Выделяют из абстракционизма поднаправление — лучизм. Его родоначальниками стали Гончарова Н. С. и Ларионов М.Ф. Особенность стиля в изображении игры света и светопередачи. Организованная группа данного напрваления «Ослинный хвост».
В начале 1940-х годах абстракционизм немного затихает свое движение, т.к. усилилось движение реализма после Второй мировой войны. Но уже к концу 40-х годов абстракционизм снова набирает обороты. Появляется объединение художников «Salon des realites nouvelles», которые начинают выпускать журнал.
От абстракционизма выделяют еще пару течений: супрематизм, неопластицизм.

Примеры работ:

 

 

Научиться различать направления живописи за пятнадцать минут? Легко!

Направлений в искусстве бесчисленное множество. Большинство из них рождают всё новые и новые ветви, в которых сложно разобраться, но все же со временем некоторые стили оттачиваются, приобретают четкие границы, глубоко пускают корни и становятся классикой. Именно о них пойдет речь сегодня.

Директор федеральной площадки по продаже искусства Art-most. com Вячеслав Тишин заметил: «Среднестатистический покупатель искусства не является коллекционером или профессиональным экспертом в живописи, поэтому он может запутаться в многочисленных стилях и жанрах. На нашем сайте для удобства покупателя мы постарались выделить самые объёмные и распространённые направления: абстракционизм, авангардизм, импрессионизм, конструктивизм, концептуализм, модернизм, наивное искусство, поп-арт, реализм, символизм, сюрреализм и экспрессионизм.»

Как определить стиль произведения? Какие черты характерны для того или иного направления стиля? Кто из художников являются яркими представителями вышеупомянутых направлений? Попытаемся разобраться!

Авангардизм – направление со множеством «лиц», это целая ветвь, которая объединяет фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт и концептуальное искусство. Основными чертами авангардизма можно назвать следующие:

• течению свойственна некая двойственность, например, рационализм и иррациональность
• новые формы, приёмы и средства, не используемые ранее в художественном мире
• отрицание или признание традиций, устоявшихся основ в живописи
• эксперименты с формами, цветами и оттенками

Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова – одни из самых известных художников-авангардистов.

Ярким представителем авангардного направления на Art-most.com является Алексей Клинцов, Владимир Терехин, Никола Зверев.

Алексей Клинцов

Казимир Малевич

Владимир Терёхин «Лица»

Никола Зверев «Качели»

Экспрессионизм – течение, возникшее в западноевропейском искусстве в начале 20 века, как отклик на Первую мировую войну и революционные движения. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм, а субъективность творческого акта и эмоциональный эффект превыше всего. Можно отметить, что для многих работ характерны мотивы мучений, боли, страданий, крика.

Работы таких известных мастеров как Эдвард Мунк, Винсент ван Гог и Джеймс Энсор, наиболее ясно представят данное направление. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками-экспрессионистами: Marco Grassi, Александр Отрошко, Фрол Веселый.

Marco Grassi

Александр Отрошко

Фрол Весёлый

Эдвард Мунк

Абстракционизм — направление искусства, менее всего напоминающее действительность в изображении форм. Цель — достигнуть гармонию, создать определённые цветовые сочетания и геометрические формы, чтобы вызвать у наблюдателя разнообразные ассоциации.

Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский, Пабло Пикассо. На Art-most.com направление абстракционизма представляют Alexander Radtke, Николай Кулебакин, Рустам Салихов и многие другие.

Alexander Radtke

Николай Кулебакин

Рустам Салихов

Василий Кандинский

Импрессионизм — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Картины импрессионистов не несут социальной критики, не затрагивают социальные проблемы, такие как голод, болезни, смерть, представляя лишь позитивные стороны жизни. Импрессионисты избегают всяких подробностей в рисунке и пытаются уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Важную роль играют цвета и фактуры. Основные особенности:

• еле видимые, тонкие мазки
• изменение освещения
• открытая композиция
• простая общая цель

Самые известные художники этого направления живописи: Пьер Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, и др. На Art-most.com можно приобрести работы в стиле импрессионизма таких художников, как Бато Дугаржапов, Дмитрий Мантров, Светлана Круглова, Юрий Новиков и др.

Светлана Круглова

Клод Моне

Бато Дугаржапов «Весенний мотив»

Дмитрий Мантров «У горного озера»

Юрий Новиков «Натюрморт с бронзовыми часами»

Сюрреализм. Как-то Сальвадор Дали сказал: «Сюрреализм — это я!», и этим все сказано. Данное направление возникло во Франции в середине 20 века. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Сюрреализм – это коллаж реальных и подсознательных, фантастических образов.

Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали, Рене Магритт. Лев Карнаухов, Андрей Караблин, Николай Дьяченко, Игорь Брагин и др., представляют ряд произведений в сюрреалистичном стиле на Art-most.com

Лев Карнаухов

Андрей Караблин

Николай Дьяченко

Сальвадор Дали

Игорь Брагин «Большой дом из одной груши»

Поп-арт — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект.

Поп-арт получил распространение в США в 1950-х гг. Художники этого направления воспроизводят типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин, и т.д.), популярные печатные изображения звёзд, вырезки из газет.

Самые известные художники поп-арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол. Поп-арт на Art-most.com представлен следующими художниками: Игорь Север, Ирина Чернавина, Андрей Колосов, и др.

Игорь Север

Ирина Чернавина

Андрей Колосов

Энди Уорхол

Концептуализм – интеллектуальное творчество, в большинстве ироничное – возникло изначально как противовес коммерческому искусству. Концептуализм – это торжество идеи над эмоциями, это картины, созданные для интеллектуального восприятия.

Самые известные художники этого направления: Джосеф Кошут (основной теоретик), Дуглас Хюблер, Роберт Барри. Представителями концептуального направления на Art-most.com являются Оксана Стогова, Игорь Север, Алексей Бандура, Ксения Крестова и др.

Алексей Бандура

Джосеф Кошут

Ксения Крестова «Восточный ветер»

Оксана Стогова «Из серии «Деколоризация живописи» № 8»

Конструктивизм — направление, возникшее в СССР в 20-х г.г. ХХ века. Сторонники конструктивизма стремятся показать простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм. Данный стиль характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. Конструктивизм – это простые, плоские, символические цвета, передача изображения без объема и перспективы.

Главными представителями конструктивизма были: Александр Родченко, Любовь Попова, Владимир Татлин, Казимир Малевич, и др. Ярким представителем конструктивного направления на Art-most.com является Борис Клевогин.

Борис Клевогин

Александр Родченко

Модернизм — общее название направлений искусства конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п. Иначе модернизм называют иногда «иным искусством». Его цель — создание уникальных картин, не похожих на другие. Главная черта работ — особенное видение мира автором. Модернисты часто экспериментируют с формой, а также склонны к абстракции, нередко сопровождающейся эпатажем и определённым вызовом устоявшимся канонам.

Одними из самых ярких его представителей считаются Генри Матисс и Пабло Пикассо. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками-модернистами: Ильдар Гильманов, Виктор Головий, Юля Боброва.

Ильдар Гильманов

Виктор Головий «Красное и чёрное»

Юля Боброва

Генри Матисс

Наивное искусство — творчество художников-самоучек, иногда — профессионалов, которые сознательно и целенаправленно «упрощают» свои картины, рисуют в «детском» стиле. Наивное искусство имеет следующие признаки:

• фон одноцветный или с небольшим количеством оттенков
• отсутствует перспектива
• основной мотив занимает большую часть полотна, состоит из простых и четких линий
• фигуры животных и людей плоские, не объёмные
• размашистость и часто повторяющийся ритм придает изображению динамичный характер

Такие известные мастера как Анри Руссо, Нико Пиросмани, Любовь Майкова наиболее ясно представят данное направление. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками, работающими в стиле наив: Mary Ogembo, Нико Керкеладзе, Альфрид Шаймарданов и др.

Mary Ogembo

Нико Керкеладзе

Альфрид Шаймарданов

Анри Руссо

Реализм — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Термин «реализм» дословно означает «действительный», «вещественный».

Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан. На Art-most.com направление реализма представляют Юрий Лежников, Василий Ларионов, Юрий Филиппов, Ильгиз Насибуллин и многие другие.

Юрий Лежников

Юрий Филиппов

Василий Ларионов «Волга у Бахиловой Поляны»

Ильгиз Насибуллин «Натюрморт с яблоками»

Символизм — одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х г.г. Символисты отличаются экспериментаторским характером, стремлением к новаторству, использованием символики, недосказанности, намёков, таинственности и загадочности, космополитизмом и обширным диапазоном влияний.

Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель. Анна Осипова, Виталий Скобеев, Александр Сулимов, Анна Тарасенко и др. представляют ряд произведений в стиле символизма на Art-most.com

Виталий Скобеев

Александр Сулимов «Тайна»

Анна Осипова «Весны дыханием окрыленные»

Анна Тарасенко «Гималайские объятия»

Направлений в живописи, конечно, гораздо больше. Однако здесь собраны самые распространенные из них. Научившись различать основное, уже проще понять остальные ветви и новые направления, возникающие в искусстве.

Автор:
Арина Сухачева

Современный абстракционизм. Картины в стиле абстракционизм

Красота окружающего мира, переживания и значимые события в жизни с древности побуждали человека передавать зрительные образы с помощью красок. Живопись прошла долгий путь от наскальных рисунков и античных фресок до уникальных, поражающих реализмом, произведений искусства.

К концу XIX века некоторые художники стали искать новые способы выражения, стараясь привнести в свои произведения нетрадиционный взгляд, новую философию. С этого времени владеть в совершенстве техникой исполнения было уже недостаточно.

Так, на рубеже веков появилось направление под названием «модернизм» с присущим ему пересмотром классического искусства, вызовом устоявшимся эстетическим канонам. В его рамках развилось совершенно особое течение — абстракционизм.

Определение понятия

Латинское слово abstractio переводится на русский язык как «отвлечение». Его использовали для определения нового стиля в живописи, возникшего в начале XX века. Использовали не случайно, поскольку художники-абстракционисты, не придавая большого значения уровню исполнения, на первый план ставили особое видение автора и новые средства выражения.

Другими словами, абстракционизм — это специфический вид изобразительного творчества, отказавшийся от передачи реальных форм и предметов. Поэтому зачастую его характеризуют как нефигуративное или беспредметное искусство.

Вместо передачи визуальных образов абстракционисты сосредотачивают внимание на отображении внутренних, интуитивных закономерностей постижения мира, которые скрыты за видимыми предметами.

По этой причине в их произведениях невозможно найти ассоциации с привычными вещами. Главную роль здесь играет соотношение цветов, пятен, геометрических фигур и линий. Кроме художников, искусством абстракции увлеклись некоторые скульпторы, архитекторы, дизайнеры, музыканты, фотографы и даже поэты.

Исторические вехи

Родоначальником абстракционизма принято считать Василия Кандинского. В 1910 г. он написал в Германии свою первую картину в новой на тот момент технике. Более того, в 1911 г. в Мюнхене вышла в свет книга Кандинского «О духовном искусстве».

В ней он изложил свою эстетическую философию, сложившуюся под влиянием трудов Р. Штайнера и Е. Блаватской. Книга имела огромный успех, а новое течении в живописи получило название «абстракционизм». Это стало отправной точкой: теперь беспредметный подход в творчестве приобрел популярность в различных видах изобразительного искусства.

Несмотря на то что у истоков абстракционизма стояли русские художники, такие как Кандинский В. и Малевич К., в Советском Союзе 30-х годов новое направление было предано остракизму. В годы Второй мировой войны центром абстрактного искусства становится Америка, куда из Европы иммигрировали многие его представители. Здесь еще в 1937 г. был открыт Музей беспредметной живописи.

Послевоенный абстракционизм прошел несколько стадий развития, включая возрождение нефигуративного искусства в России с началом перестройки. Художники наконец получили возможность создавать живописные полотна в разных направлениях. Личные субъективные переживания переносились ими на полотна с помощью цвета, особенно белого, который стал одним из главных слагаемых современного беспредметного искусства.

Направления абстракционизма

С первых лет появления нового вида изобразительного творчества в его рамках стали развиваться два основных направления: геометрическое и лирическое. Первое нашло свое отражение в творчестве Казимира Малевича, Питера Мондриана, Робера Делоне и др. Лирическое же направление разрабатывал Кандинский Василий, Джексон Поллок, Ханс Хартунг и пр.

Геометрический абстракционизм использует упорядоченные фигуры, плоскости и линии, а лирический, напротив, оперирует хаотично разбросанными цветовыми пятнами. В свою очередь, на основе этих двух направлений сформировались другие течения, связанные с абстракционизмом единой эстетической концепцией: систематизм, конструктивизм, супрематизм, орфизм, ташизм, неопластицизм, лучизм.

Лучизм и лирика

Открытия в области физики начала XX века послужили толчком к появлению внутри геометрического направления такого течения, как лучизм. У его истоков стояли русские художники М. Ларионов и Н. Гончарова. Согласно их представлению, любой предмет — это сумма лучей, которые передаются на полотне косыми цветными линиями. Задача художника — в соответствии с собственным эстетическим видением создать из них форму.

А 50-е годы прошлого века геометрическая абстракция, включая лучизм, на время уступила место лирическому направлению. Для него характерна импровизационность исполнения, а также обращение к эмоциональному состоянию художника. Другими словами, лирический абстракционизм — это своего рода моментальный снимок душевных переживаний человека, выполненный без изображения предметов и форм.

Геометрический лиризм Кандинского

Как уже отмечалось, стиль абстракционизм обязан своим появлением В. Кандинскому. Готовившийся к карьере юриста, он впоследствии увлекся живописью и, пройдя стадии увлечения различными направлениями модернизма, создал собственный, неповторимый тип абстрактной живописи.

Провозгласив отход от природы к сущностям явлений, Кандинский занимался проблемами сближения цвета и музыки. Кроме того, в его творчестве отчетливо прослеживается влияние символизма в отношении цветовой интерпретации.

В разные периоды жизни художник увлекался то геометрическим, то лирическим направлением. В результате абстракционизм в живописи Кандинского, особенно позднего периода, совмещает принципы обоих течений.

Неопластицизм Питера Мондриана

Голландец П. Мондриан, наряду с Кандинским В. , считается одним из родоначальников абстрактного искусства. Вместе со своими последователями художник основал в 1917 г. общество «Стиль», выпускавшее одноименный журнал.

Эстетические взгляды Мондриана легли в основу нового направления — неопластицизма. Его характерная черта — использование крупных прямоугольных плоскостей, раскрашенных в основные цвета спектра. Это, безусловно, можно классифицировать как геометрический абстракционизм.

Картины Мондриана П., одержимого равновесием горизонталей и вертикалей, представляют собой полотна, состоящие из прямоугольников разной величины и разного цвета, разделенных черными жирными линиями.

Неопластицизм оказал заметное влияние на архитектуру, дизайн мебели, интерьеров, а также на типографское искусство.

Супрематизм Малевича

Абстракционизм в искусстве Казимира Малевича характеризуется определенным приемом наложения двух красочных слоев для получения цветового пятна особого рода. С именем художника связано появление супрематизма — направления, в котором сочетаются самые простые геометрические фигуры разного цвета.

Малевич создал свою уникальную систему абстрактного изобразительного искусства. Его знаменитый «Черный квадрат», написанный на белом фоне, до сих пор является одной из самых обсуждаемых картин художников-абстракционистов.

В конце жизни Малевич от беспредметной вернулся к фигуративной живописи. Правда, в некоторых полотнах художник все-таки пытался соединить приемы реализма и супрематизма, как это можно наблюдать в картине «Девушка с древком».

Неоспоримый вклад

Отношение к беспредметной живописи самое разное: от категорического неприятия до искреннего восхищения. Тем не менее нельзя отрицать влияние, которое оказал на современное искусство жанр абстракционизм. Художники создавали новые направления, откуда черпали свежие идеи архитекторы, скульпторы, дизайнеры.

И эта тенденция продолжается. Например, в современной беспредметной живописи развивается сюжетное направление, для которого характерно построение изображения, вызывающего определенные ассоциации.

Порой мы даже не замечаем, сколько предметов, выполненных в этой технике, нас окружает: мебель и ее обивка, ювелирные украшения, обои для рабочего стола и т. д. В фотошопе и компьютерной графике тоже широко используются абстрактные приемы.

Таким образом, абстракционизм — это художественное явление в искусстве, которое, независимо от нашего отношения к нему, занимает важное место в современном обществе.

Направление абстракционизма в живописи возникло в самом начале 20 века, на пороге Первой Мировой Войны, как одно из многих течений модернизма. Для нового времени, нового видения абстракционизм стал точкой освобождения живописи от оков фигурально искусства. Для художников не стало ограничений, и они смогли в своем творчестве перешагнуть черту объективной реальности. До этого момента искусство было привязано к предмету. Да, художники передавали реальность через призму своего видения и понимания; экспрессионисты через эмоции, импрессионисты через впечатления, но все же они опирались на реальность и потому были ограничены ею.

Но как передать посредством рисунка звон? Или свист? Боль? Бесконечность Вселенной? Сами понятия дружбы и любви? Не друзей или влюбленных, но те великие силы, меняющие ход истории. Веками эти материи были недоступны живописи, но появление абстракционизма стало точкой освобождения.

Новое время позволило живописи шагнуть дальше, в мир философии, стать свободной как музыка. И если вы знакомы с работами «первооткрывателей» абстракционизма — В.В. Кандинского, П.К. Мондриана, К.С. Малевича, — то наверняка согласитесь, что абстракционизм в живописи — это прежде всего свобода создания новой реальности, неограниченная свобода высказывания. Во многом именно поэтому в более поздние годы советской власти абстракционизм попал под запрет. Ибо этап разлома в политике миновал, и общество перешло от одной монолитной фигуры сознания к другой. От монархии к власти компартии. Расцвет абстракционизма же пришелся на момент разлома. Когда люди и их умы были свободны, когда общество было наполнено бунтарским духом…

«Первая Мировая Война» В. В. Кандинский

«Серое дерево» П.К. Модриан

«Точильщик» К.С. Малевич

Эти времена ушли безвозвратно. Но кроме эпох великих переломов, необратимо меняющих судьбы целых народов, каждый день происходят разломы меньших масштабов. И абстракционизм просачивается в сквозь косность любого общественного устройства и завалы обыденного.

Синкретический абстракционизм в живописи Шарлин фон Хейл

Со 2 го мая по 7 июня 2014 года в Чикагском музее Corbett vs. Dempsey прошла выставка Шарлин фон Хейл (Charline von Heil) — американской художницы немецкого происхождения, работающей в жанре синкретического абстракционизма. Почему синкретического? Синкретизм означает слияние, смешение, слитность, нерасчлененность.

Именно таков стиль Шарлин фон Хейл. Без преувеличения можно сказать, что она одна из самых неопределимых и неуловимых художников сегодня. Ее подход к живописи и к жанру всегда бесконечно изменчив, она не придерживается ни какого определённого стиля или течения. Используя форму как герменевтический лом, она старается разорвать связи между Видением и Интерпретацией. Галактикой творчества Шарлин фон Хейл движет стремление преодолевать препятствия и бросать вызов, выявлять и ликвидировать дихотомию благодати и неловкости, агрессии и красоты, конфигурации и абстракции. «Я натыкаюсь на что-то, а затем исследую это», — говорит фон Хейл.

Для своего дебюта в Corbett vs Dempsey художница создала огромный флагманский холст и целый сонм безупречных маленьких картин. Большая работа, шириной около 50 метров стала неожиданностью и шоком даже для самой художницы. Это полотно начиналось как некая текстовая живопись, состоящая из лоскутков фраз, вроде автомобильных наклеек на бампер. Но эти текстовые знамена несколько скрыты, шрифт косой и не разборчивый, это добавляет ему таинственности, словно он решил спрятаться от самого себя. Сорок малых работ служат контрапунктом этого заявления. Быстрые, блестящие, окрашенные в черно-белый

Человеку свойственно всё разложить по полочкам, всему найти место и дать название. Это бывает особенно трудно сделать в искусстве, где талант — такая категория, что не позволяет втиснуть личность или целое направление в ячейку общего упорядоченного каталога. Абстракционизм — это именно такое понятие. О нём спорят уже больше века.

Abstractio — отвлечение, отделение

Выразительные средства живописи — это линия, форма, цвет. Если отделить их от лишних значений, ссылок и ассоциаций, они станут идеальными, абсолютными. Еще Платон говорил об истинной, правильной красоте прямых линий и геометрических фигур. Отсутствие аналогии изображаемого с реальными предметами открывает путь влиянию на зрителя чего-то ещё непознанного, недоступного обычному сознанию. Художественное значение самой картины должно быть выше важности того, что она изображает, ведь талантливая живопись рождает новый чувственный мир.

Так рассуждали художники-реформаторы. Для них абстракционизм — это способ поиска методов, обладающих невиданной ранее мощью.

Новый век — новое искусство

Искусствоведы спорят о том, что такое абстракционизм. Историки искусства с жаром отстаивают свою точку зрения, заполняя белые пятна в истории абстрактной живописи. Но большинство согласилось со временем его рождения: в 1910 году в Мюнхене Василий Кандинский (1866-1944) выставил свою работу «Без названия. (Первая абстрактная акварель)».

Вскоре Кандинский в книге «О духовном в искусстве» провозгласил философию нового течения.

Главное — впечатление

Не надо думать, что абстракционизм в живописи возник на пустом месте. Импрессионисты показали новое значение цвета и света в живописи. При этом стала меньше роль линейной перспективы, точного соблюдения пропорций и т.д. Под влияние этого стиля попали все ведущие мастера того времени.

Пейзажи Джеймса Уистлера (1834-1903), его «ноктюрны» и «симфонии», удивительно напоминают шедевры абстрактных художников-экспрессионистов. Кстати, Уистлер и Кандинский обладали синестезией — способностью наделять цвета звуком определенного свойства. И краски на их работах звучат как музыка.

В творениях Поля Сезанна (1839-1906), особенно в поздний период его творчества, видоизменяется форма предмета, обретая выразительность особого рода. Недаром Сезанна называют предтечей кубизма.

Общее движение вперед

Абстракционизм в искусстве оформился в единое течение в ходе общего прогресса цивилизации. Среду интеллектуалов будоражили новые теории в философии и психологии, художники искали связи духовного мира и материального, личности и космоса. Так, Кандинский в своих обоснованиях теории абстракции опирается на идеи, высказанные в теософских книгах Елены Блаватской (1831-1891).

Фундаментальные открытия в физике, химии, биологии меняли представления о мире, о силе воздействия человека на природу. Технический прогресс уменьшал земные масштабы, масштабы Вселенной.

С бурным развитием фотографии многие художники решили отдать ей документирующую функцию. Они утверждали: дело живописи не копировать, а создавать новую реальность.

Абстракционизм — это революция. И талантливые люди с чувствительными душевными настройками чувствовали: наступает время социальных перемен. Они не ошибались. Двадцатый век начался и продолжился невиданными потрясениями в жизни всей цивилизации.

Отцы — основатели

Наряду с Кандинским, у истоков нового течения стояли Казимир Малевич (1879-1935) и голландец Пит Мондриан (1872-1944).

Кто не знает «Черный квадрат» Малевича? Со времени его появления в 1915 году он будоражит и профессионалов, и обывателей. Одни видят в нем тупик, другие — простой эпатаж. Но всё творчество мастера говорит об открытии новых горизонтов в искусстве, о движении вперед.

Теория супрематизма (лат. supremus — наивысший), разработанная Малевичем, утверждала главенство цвета среди других средств живописи, уподобляла процесс написания картины акту Творения, «чистому искусству» в высшем понимании. Глубинные и внешние признаки супрематизма можно встретить в работах и современных художников, архитекторов и дизайнеров.

Такое же влияние оказало на последующие поколения творчество Мондриана. Его неопластицизм основан на обобщении формы и тщательном использовании открытого, неискаженного цвета. Прямые черные горизонтали и вертикали на белом фоне образуют сетку с ячейками разной величины, а клетки заполняются локальными цветами. Выразительность полотен мастера побуждала художников то к их творческому осмыслению, то к слепому копированию. Абстракционизм художники и дизайнеры используют при созданиий вполне реальных объектов. Особенно часто мондриановские мотивы встречаются в архитектурных проектах.

Русский авангард — поэзия терминов

Русские художники оказались особенно восприимчивы к идеям своих соотечественников — Кандинского и Малевича. Особенно органично эти идеи вписались в бурную эпоху рождения и становления нового общественного строя. Теория супрематизма была преобразована Любовью Поповой (1889-1924) и (1891-1956) в практику конструктивизма, оказавшего особенное влияние на новую архитектуру. Объекты, построенные в ту эпоху, до сих пор изучаются зодчими всего мира.

Михаил Ларионов (1881-1964) и Наталья Гончарова (1881-1962) стали основателями лучизма или районизма. Они старались отобразить причудливое переплетение лучей и световых плоскостей, испускаемых всем, что наполняет окружающий мир.

В движении кубофутуристов, занимавшихся и поэзией, в разное время участвовали Александра Эстер (1882-1949), (1882-1967), Ольга Розанова (1886-1918), Надежда Удальцова (1886-1961).

Абстракционизм в живописи всегда был выразителем крайних идей. Эти идеи раздражали власти тоталитарного государства. В СССР, а позже и в фашистской Германии идеологи быстро определили, какое искусство будет понятно и необходимо народу, и к началу 40-х годов двадцатого века центр развития абстракционизма переместился в Америку.

Русла одного потока

Абстракционизм — это довольно расплывчатое определение. Везде, где объект творчества не имеет конкретной аналогии в окружающем мире, говорят об абстракции. В поэзии, в музыке, в балете, в архитектуре. В изобразительном искусстве формы и виды этого направления особенно многообразны.

Можно выделить следующие типы абстрактного искусства в живописи:

Цветовые композиции: в пространстве полотна цвет — главное, и объект растворяется в игре красок (Кандинский, Франк Купка (1881-1957), орфист (1885-1941), Марк Ротко (1903-1970), Барнет Ньюман (1905-1970)).

Геометрический абстракционизм — более интеллектуальный, аналитический вид авангардной живописи. Он отвергает линейную перспективу и иллюзию глубины, решая вопрос взаимоотношений геометрических форм (Малевич, Мондриан, элементарист Тео ван Дусбург (1883-1931), Йозеф Альберс (1888-1976), последователь оп-арта (1906-1997)).

Экспрессивный абстракционизм — здесь особенно важен процесс создания картины, иногда сам способ нанесения краски, как, например, у ташистов (от tache — пятно) (Джексон Поллок (1912-1956), ташист Жорж Матьё (1921-2012), Виллем де Кунинг (1904-1997), Роберт Мотеруэлл (1912-1956)).

Минимализм — возврат к истокам художественного авангарда. Изображения полностью лишены внешних ссылок и ассоциаций (г. р.1936), Шон Скалли (г.р.1945), Эллсворт Келли (г.р.1923)).

Абстракционизм — далеко в прошлом?

Итак, что такое абстракционизм теперь? Сейчас можно прочитать в сети, что абстрактная живопись — дело прошлое. Русский авангард, черный квадрат — кому это нужно? Сейчас время скорости и четкой информации.

Информация: одно из самых дорогих живописных полотен в 2006 году продано за более чем 140 млн. долларов. Оно называется «№5.1948», автор — Джексон Поллок, экспрессивный абстракционист.

Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

История

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.

В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

20 век и современность

После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.

Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.

Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.

Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).

Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.

Направления

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм

Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм)

Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм

Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм

Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм

Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм

Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм

Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Абстракионизм в интерьере

В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.

Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.

Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.

Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.

Картины известных художников-абстракционистов

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Современные абстракционисты

С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.

Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.

Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.

В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.

Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.

Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.

Как часто далекие от искусства люди не понимают абстрактную живопись, считая ее непонятными каракулями и провокацией, вносящей разлад в умы. Они иронизируют над творениями авторов, не стремящихся точно изобразить окружающий мир.

Что такое абстракционизм?

Открывающие новые возможности для выражения собственных мыслей и чувств, отказались от привычных техник, перестав копировать действительность. Они считали, что это искусство приучает человека к философскому образу жизни. Живописцы искали новый язык, чтобы выразить переполнявшие их эмоции, и нашли его в красочных пятнах и чистых линиях, которые воздействуют не на разум, а на душу.

Ставшее символом новой эпохи, — это направление, отказавшееся от форм, которые максимально приближены к действительности. Не всем понятное, оно дало толчок для развития кубизма и экспрессионизма. Основной характеристикой абстракционизма является беспредметность, то есть на холсте отсутствуют узнаваемые предметы, а зрители видят что-то непонятное и неподвластное логике, находящееся за гранью привычного восприятия.

Самые известные художники-абстракционисты и их картины — это бесценное сокровище для человечества. Полотна, написанные в этом стиле, выражают гармонию форм, линий, цветовых пятен. Яркие сочетания имеют свою идею и смысловую нагрузку, несмотря на то что зрителю кажется, будто в работах, кроме причудливых клякс, ничего и нет. Однако в абстракции все подчиняется определенным правилам выражения.

«Отец» нового стиля

Основателем уникального стиля признан Василий Кандинский — легендарная личность в искусстве XX столетия. Русский живописец своим творчеством хотел заставить зрителя чувствовать то же, что и он. Это кажется удивительным, но к новому мировоззрению будущего художника подвигло важное событие в мире физики. Открытие разложения атома серьезно повлияло на становление самого известного художника-абстракциониста.

«Оказывается, все можно разложить на отдельные составляющие, и эта сенсация отозвалась во мне, словно разрушение всего мира», — заявил Кандинский, который являлся выдающимся певцом времени перемен. Как физика открывала микромир, так и живопись проникала в душу человека.

Художник и философ

Постепенно известный художник-абстракционист в своем творчестве уходит от детализации своих произведений и экспериментирует с цветом. Тонко чувствующий философ посылает свет в самые глубины человеческого сердца и создает полотна с сильнейшим эмоциональным наполнением, где его краски сравниваются с нотами прекрасной мелодии. На первое место в работах автора становится не сюжет полотна, а чувства. Сам Кандинский считал человеческую душу многострунным роялем, а художника сравнивал с рукой, которая посредством нажатия на определенную клавишу (цветовое сочетание) приводит в ее в вибрацию.

Мастер, дающий людям подсказки для осознания своего творчества, ищет гармонию в хаосе. Он пишет полотна, где прослеживается тонкая, но явная нить, которая связывает абстракцию с реальностью. Например, в работе «Импровизация 31» («Морской бой») в цветовых пятнах можно угадать изображения лодок: парусные суда на холсте противостоят стихии и накатывающим волнам. Так автор пытался поведать о вечном сражении человека с окружающим миром.

Американский ученик

Известные художники-абстракционисты 20 века, работавшие в Америке, являются учениками Кандинского. Его творчество оказало огромное влияние на экспрессивный абстракционизм. Армянский эмигрант Аршил Горки (Возданик Адоян) творил в новом стиле. Он разработал специальную технику: раскладывал на полу белые холсты и лил на них краску из ведер. Когда она застывала, мастер процарапывал в ней линии, делая что-то наподобие барельефов.

Творения Горки насыщены яркими цветами. «Аромат абрикосов в полях» — это типичное полотно, где зарисовки цветов, фруктов, насекомых трансформируются в единую композицию. Зритель чувствует исходящую от работы, выполненной в ярко-оранжевых и насыщенных красных тонах, пульсацию.

Роткович и его необычная техника

Когда речь заходит о самых известных художниках-абстракционистах, нельзя не упомянуть Маркуса Ротковича — еврейского эмигранта. Талантливый ученик Горки воздействовал на публику интенсивностью и глубиной красочных мембран: он накладывал два или три цветовых прямоугольных пространства одно над другим. И они словно затягивали человека внутрь, чтобы он испытал катарсис (очищение). Сам создатель необычных полотен рекомендовал рассматривать их на расстоянии не менее 45 сантиметров. Он говорил, что его работы — это путешествие в неизвестный мир, куда зритель вряд ли предпочтет самостоятельно отправиться.

Гениальный Поллок

В конце 40-х годов прошлого века один из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок изобрел новую технику разбрызгивания краски — капельную, которая стала настоящей сенсацией. Она поделила мир на два лагеря: тех, кто признавал картины автора гениальными, и тех, кто называл их мазней, недостойной называться искусством. Создатель уникальных творений никогда не натягивал полотна на холст, а располагал их на стене или полу. Он ходил с банкой красок, смешанных с песком, постепенно погружаясь в транс и приплясывая. Кажется, он случайно разливал разноцветную жидкость, однако каждое его движение было продумано и осмысленно: художник принимал в расчет силу гравитации и впитываемость краски холстом. Получалась абстрактная путаница, состоящая из клякс разных размеров и линий. За изобретенный стиль Поллока окрестили «Джеком-Разбрызгивателем».

Самый известный художник-абстракционист давал своим работам не названия, а номера, чтобы у зрителя имелась свобода воображения. «Полотно № 5», находившееся в частной коллекции, долгое время было скрыто от глаз публики. Вокруг окутанного завесой тайны шедевра начинается ажиотаж, и наконец-то он появляется на аукционе Sotheby’s, мгновенно становясь на то время самым дорогим шедевром (его стоимость — 140 миллионов долларов).

Найдите свою формулу, позволяющую понять абстракционизм

Существует ли универсальная формула, которая позволит зрителю воспринимать абстрактное искусство? Возможно, в этом случае каждому придется нащупать собственные ориентиры, основанные на личном опыте, внутренних ощущениях и огромном желании открыть для себя неизвестное. Если человек захочет обнаружить тайные послания авторов, он их обязательно найдет, ведь так заманчиво заглянуть за внешнюю оболочку и увидеть идею, являющуюся важной составляющей абстракционизма.

Трудно переоценить переворот в традиционном искусстве, который произвели известные художники-абстракционисты и их картины. Они заставили общество взглянуть на мир по-новому, увидеть в нем иные краски, оценить необычные формы и содержание.

Василий Кандинский — гражданин трех государств у истоков абстракционизма

Василий Кандинский — представитель не столько русского, сколько мирового авангарда, один из основоположников абстрактного в живописи. Он был первым, кто теоретически обосновал принципы нового искусства. Его во многом автобиографическая живопись прошла непростой путь от предметного к абстрактному через личные потрясения и трагедии эпохи. Вечный странник и человек-оркестр, философия которого вдохновляла многие поколения художников, от студентов Баухауза до представителей послевоенного абстрактного экспрессионизма.  

Из этой статьи вы узнаете:

• о жизни и судьбе Кандинского;
• об основных этапах его творческого пути;
• что стоит за игрой линий и цвета в его живописи;
• о теоретическом наследии великого авангардиста;
• интересные факты из жизни художника.

Портрет Василия Кандинского, 1913

Биография Василия Кандинского

Детство и юность 1866—1895

Потомок таежных разбойников, сибирских каторжан, монгольских князей и богатых коммерсантов, Василий Васильевич Кандинский родился в Москве, бесконечную любовь к которой он пронесет через всю свою жизнь. Мальчик с раннего детства воспитывался в многокультурной среде: его мать — прибалтийская немка, отец — купец первой гильдии из древнего забайкальского рода.

Когда Кандинскому исполнилось пять лет, семья переехала в Одессу из-за слабого здоровья отца. Вскоре после переезда родители художника развелись. Его воспитанием занималась тетя — старшая сестра матери. Именно она привила мальчику любовь к живописи, музыке и литературе, и именно ей через много лет он посвятит свою книгу «О духовном в искусстве». С отцом, которого Василий Кандинский называл «старшим другом», художника связывали теплые доверительные отношения. Он рано заметил любовь сына к искусству и поощрял частные уроки рисунка, игры на фортепиано и виолончели.  

После окончания Одесской гимназии Кандинский выбрал типичную для молодого человека из интеллигентной семьи карьеру юриста. Он вернулся в родную Москву и поступил на юридический факультет Московского университета. Следующие 10 лет своей жизни художник посвятил праву, национальной экономике и этнографии.  

«Все эти науки я любил и теперь думаю с благодарностью о тех часах подъема, а может быть, и вдохновения, которые я тогда пережил»

Одним из переломных моментов на пути к живописи стала этнографическая экспедиция в Вологодскую губернию. Быт Русского севера и народный фольклор захватили Кандинского и послужили отправной точкой его творчества. Славянские мотивы и сказочные сюжеты будут часто встречаться в работах художника.

«В этих чудесных домах пережил то, чего с тех пор не испытывал. Они научили меня входить в картину, жить в ней всем телом и впереди и позади себя»

«Пёстрая жизнь», 1907 «Двое на лошади», 1906

Начало художественного пути: мюнхенский период 1896—1910

Кандинскому было уже тридцать лет, когда он окончательно решил порвать с наукой и оставить многообещающую карьеру. Перед ним открывались блестящие перспективы: он недавно стал доцентом и получил предложение стать профессором престижного Дерптского университета. Три события навсегда изменили жизнь молодого человека. Первым потрясением стала картина «Стог сена» Клода Моне, которую Кандинский увидел на московской выставке французских импрессионистов. Вторым откровением стала оперная постановка Вагнера «Лоэнгрин» в Большом театре. Позже художник напишет в своей автобиографической книге «Ступени»:  

«Мысленно я видел все мои краски, они стояли у меня перед глазами. Бешеные, почти безумные линии рисовались передо мной»

В это же время произошло научное открытие деления атома, которое Василий Кандинский воспринял как разрушение всего мира. Потеряв веру в науку и избрав полную неопределенность жизни художника, он отправился в Мюнхен, который стал для него вторым домом.

«Немецкие сказки моих детских лет ожили во мне. Я живу в городе искусства, а значит, и в городе сказки»

Занятия основами живописи в престижной частной студии Антона Ашбе не вдохновляли Кандинского. Со второй попытки он поступил в Мюнхенскую академию художеств в мастерскую авторитетного немецкого символиста Франца Штука. Через год Кандинский покинул академию, так и не сумев проникнуться академической живописью.

В 1901 году Василий Кандинский основал «Фалангу» — ассоциацию художников, выступающую против консерватизма художественных учреждений. Плодотворным для него этот четырехлетний период не стал. Распустив «Фалангу», он со своей гражданской женой, немецкой художницей Габриэль Мюнтер, путешествовал по Европе и эпизодически участвовал в выставках, пока не обосновался в Баварских Альпах в деревне Мурнау, которую сегодня называют «колыбелью абстракционизма». Здесь произошел главный прорыв художника, здесь родилась абстрактная живопись.  

Вид Мурнау, 1908 Вид Мурнау с железной дорогой и замком, 1909

Ранние работы этого периода написаны под влиянием фовистов и французских постимпрессионистов, главным образом Поля Сезанна и Винсента Ван Гога. Это в основном пейзажи, построенные на ярких цветовых контрастах, взрыве чистого света и красок, крупных мазках и трансформации пространства. Отныне цвета не выполняли лишь описательную функцию, а несли свой собственный символический смысл.

Без названия (первая абстрактная акварель), 1910

Первым в полном смысле абстрактным произведением художника считается акварель «Без названия», написанная в 1910 году. По мере того, как цвет выходит на первый план, Кандинский отказывается от постимпрессионистских пейзажей, все больше уходит в чистую абстракцию и рисует серии «импровизаций», «импрессий» и «композиций».

1. Импровизации — картины,  «внезапные и бессознательные», вдохновленные внутренними потрясениями художника;
2. Импрессии — работы, сохраняющие связь с реальностью и внешним миром;
3. Композиции — наименее спонтанные и тщательно продуманные произведения, требующие длительной подготовительной работы.

Импрессия V, 1911 Импровизация 28, 1912 Композиция VI, 1913 Композиция VII, 1913

Художественное объединение «Синий всадник» 1911-1914

В 1911 году Кандинский вместе со своим другом немецким экспрессионистом Францем Марком основал художественное объединение «Синий всадник». Группа, объединявшая художников, музыкантов, философов и поэтов, просуществовала всего три года, но значительно повлияла на европейское авангардное искусство.

Кандинский и члены объединения «Синий всадник» Альманах «Синий всадник»

Про странный выбор названия Кандинский отшучивался: «Марк любил лошадей, а я — всадников. И мы оба любили синий цвет». На самом деле здесь был заложен глубокий смысл: всадником изображен Святой Георгий — защитник духовных ценностей искусства, синий — «типично небесный» цвет символизировал победу над материализмом.

«Чем темнее синий цвет, тем более он зовет человека в бесконечное, пробуждает в нем тоску по непорочному и сверхчувственному»

Художников захватила идея синтеза всех искусств, который должен был привести к духовному обновлению общества. Они опубликовали одноименный альманах — манифест нового понимания живописи, ставший символом грядущих перемен. И вскоре перемены наступили: «Синий всадник» погиб вместе с Францем Марком в самом начале Первой мировой войны.

Возвращение в Россию 1914‑1921

Василий Кандинский оставался гражданином России и был вынужден вернуться в Москву. В эти годы художник писал не так много: общественная послереволюционная деятельность захватила его, а потрясения войны и Октябрьская революция разрушили былую цельность его искусства. В своем стремлении соответствовать новому художественному порядку, Кандинский работал в отделе ИЗО Наркомпроса — народного комиссариата просвещения, был вице-президентом Академии художественных наук, организовывал работу региональных музеев и публиковал статьи.

Живопись этих лет замыкалась на Москве, которую художник называл исходной точкой художественных исканий, своим «живописным камертоном». В своей квартире в Хамовниках Кандинский написал этюды с видами, открывающимися из окон мастерской.  

Москва. Красная площадь, 1916

Даже в этот кризисный период Кандинский стремился придать искусству научный характер, выработать правила в живописи, облечь свою философию и восприятие мира в институциональную форму. Художник начал преподавать во ВХУТЕМАСе — знаменитой художественно-промышленной школе, российском аналоге Баухауза, а в 1920 году основал и возглавил Институт художественной культуры ИНХУК.

Несмотря на все свои усилия, Кандинский так и не смог вписаться в концепцию социалистического производственного искусства. Он был далек от господствующего в те годы конструктивизма и вскоре стал предметом резкой критики со стороны творческой интеллигенции. Кандинского считали посредственным художником, его работы высмеивали и называли «изуродованным спиритизмом».

«Существует не меньше мертвых треугольников, чем мертвых куриц, мертвых лошадей и мертвых гитар. Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом»

В 1921 году он навсегда покинул Россию, а через семь лет был лишен гражданства как «невозвращенец». Последующие семьдесят лет Василий Кандинский в СССР был под запретом: его картины изъяли из музеев, а статьи и книги художника попали под цензуру.

Баухауз 1922—1933

Василий Кандинский с энтузиазмом принял приглашение Вальтера Гропиуса, основателя немецкой школы прикладного искусства и дизайна Баухауз, и переехал в Веймар. Первые годы в Баухаузе Кандинский преподавал курсы настенной живописи и аналитического рисунка, учил пониманию элементарных форм и психологии цвета.

Василий Кандинский и Пауль Клее, 1929 Василий Кандинский в Баухаузе, 1930

Впоследствии его исследования композиции и элементов вылились в книгу «Точка и линия на плоскости». Кандинский описывал точку как невидимый нематериальный первоэлемент. Линию он считал величайшей её производной противоположностью, а основные плоскости: треугольник, квадрат, круг, — Кандинский называл «результатом планомерно перемещающейся точки».

Строгие геометрические полотна этого времени относят к «Холодному периоду» в творчестве художника, кульминационным произведением которого считается «Композиция VIII».

Композиция VIII, 1923 Синяя картина, 1924 Круги в круге, 1923 Жёлтый аккомпанемент, 1924 На белом II, 1923

С переездом в Дессау у Баухауза появились собственные учебные корпуса и мастерские, а для Кандинского открылись новые возможности в преподавании основных курсов живописи. Он поселился в домах преподавателей школы, лично принимал участие в оформлении интерьера своего жилища. Шестидесятилетний художник вовсю наслаждался жизнью, думая, что годы метаний и странствий остались позади.

«Живем, как в деревне: слышны куры, поют птицы, лают собаки, пахнет сеном»

Но с приходом к власти Гитлера и закрытия Баухауза история вновь повторилась: произведения Кандинского были изъяты из музеев Германии, теоретические труды попали под запрет. После вынужденного побега художника во Францию, нацисты объявили его работы «дегенеративным искусством». Картины и эскизы Василия Кандинского среди сотен других были публично сожжены во дворе пожарной станции на окраине Берлина.

Французский период и последние годы 1934—1944

За 10 лет пребывания во Франции беглый художник так и не стал «своим» ни для парижской творческой интеллигенции, ни для русской эмиграции. Он не понимал ни слова по-французски, а Париж не говорил на языке беспредметной абстракции.

Художественный стиль Кандинского в который раз претерпел значительные изменения. Причудливые биоморфные образы в духе сюрреализма сменили строгие геометрические фигуры периода Баухауза. Вместо уже привычной комбинации цветов основной палитры художник использует мягкие пастельные оттенки и полутона: розовый, фиолетовый, бирюзовый и золотой.

Изолированные объекты, 1934 Небесно-голубое, 1940

Сам Кандинский парадоксально называл этот период своего творчества «поистине живописной сказкой». Хотя «сказкой» это тяжелое военное время назвать трудно. Из-за нехватки материалов и средств Кандинский мог позволить себе лишь картины небольшого размера. Порой ему ничего не оставалось делать, как писать простой гуашью на листе дешевого картона.

В пригороде Парижа Кандинский нашел свое последнее убежище, но так и не обрел дом, встретил Вторую мировую войну, но не успел увидеть закат фашизма. Он умер в 1944 году за три дня до своего 78-летия.

Личность и личная жизнь

Мечтатель, мистик и метафизик, Василий Кандинский, с раннего детства и до последних дней жил в своем внутреннем мире, полном загадочных собы­тий и личных переживаний. Современники прозвали его «доктором» из-за степенного вида: он носил очки в тонкой оправе и был всегда безупречно одет. Но это не мешало ему позировать перед фотокамерами то в средневековых доспехах, то в огороде с лопатой, то с котом Васькой на руках. Было в его облике и характере что-то чеховское. Художник был не прочь пошутить и имел громкий заразительный смех.

Кандинский с котом Васькой, 1906 Кандинский в своем огороде в Мурнау

Круг интересов Кандинского выходил далеко за рамки живописи. Его завораживал театр, музыка, психология и литература. Кандинский писал стихи и сценарии, виртуозно играл на виолончели и фортепиано. Он много и с удовольствием читал, любил русскую классику и всегда возил с собой книги отечественных писателей и поэтов.

В первый раз Кандинский женился сразу после окончания юридического университета, когда ему было 26 лет. Его женой стала Анна Чемякина — двоюродная сестра художника, которую он знал с самого детства. Она была на 6 лет его старше и во многом напоминала его мать.  Это брак был скорее дружеским союзом: Анна поддержала его решение бросить юриспруденцию, была его опорой в эмиграции и безропотно последовала за ним в неизвестность.

В Мюнхене брак Кандинского начал распадаться. В то время он преподавал в художественной школе «Фаланга». Там художник сблизился с одной из своих учениц Габриэль Мюнтер, немецкой экспрессионисткой, сильно повлиявшей на его творчество. В течение следующих 11 лет они работали и жили вместе, много путешествовали по Европе, пока не обосновались в Мурнау. В 1911 году Кандинский получил долгожданный развод, но узаконить отношения с Габриэль не спешил. У него так и не хватило смелости окончательно разорвать с ней отношения. Уезжая в 1916 году в Москву, он клялся ей в любви и обещал начать оформление необходимых для брака бумаг, но вместо этого исчез из ее жизни навсегда.

Портрет Габриэль Мюнтер, 1905 Василий Кандинский и Габриэль Мюнтер в Мюнхене

Всю войну Мюнтер безрезультатно пыталась разыскать Кандинского: писала письма, делала запросы во всевозможные инстанции, пыталась что-то выяснить через общих знакомых. Лишь спустя 4 года она получила письмо от его адвоката: сбежавший жених требовал вернуть все свои картины, старый велосипед, одежду и другие личные вещи. Она узнала, что ее возлюбленный уже давно женат и живет в Германии. Оскорбленная и преданная, она написала ему гневное письмо в 40 страниц. В ответ Кандинский направил лишь нотариально заверенный документ, который давал Мюнтер право распоряжаться его имуществом. Расставание сломало художницу: она отгородилась от всего мира и 10 лет не могла заниматься живописью. Но, несмотря на предательство, Габриэль сумела спасти от фашистов архив и работы Василия Кандинского, рискуя собственной жизнью.  

Портрет Габриэль Мюнтер, 1905 Габриэль Мюнтер за рисованием, 1903 год

Сам Кандинский находился в творческом кризисе: невыясненные отношения с Габриэль тяготили его, и он почти ничего не писал в течение двух лет после переезда в Москву. Всего один случайный звонок вернул Кандинского к жизни. Художник услышал в телефонной трубке голос Нины Андриевской — своей будущей жены. В этот же день он взялся за кисть и написал акварель «Незнакомому голосу». Девушке было 18 лет, когда они обвенчались. Они прожили вместе до самой смерти великого абстракциониста.

Портрет Нины Кандинской, 1924 Незнакомому голосу, 1916

Музыка и синестезия

Многие исследователи сходятся во мнении, что Кандинский был синестетом и обладал особой формой восприятия мира. Синестезия выражалась у художника в единстве чувств: он видел цветовые образы, когда слышал музыку, и слышал музыку, когда писал. Свои картины он нередко воспринимал «звучащими» и «вибрирующими».

Музыка и живопись для Василия Кандинского — неразрывные понятия. Синтез цвета и звука был основой его художественных убеждений, отправным пунктом его живописи.Он считал, что музыку можно перенести на холст подобно тому, как изображенные на бумаге ноты можно превратить в мелодию. Он рассматривал музыку как наиболее непостижимую и непознаваемую форму искусства, способную влиять на человеческое сознание.

«Цвет — это клавиатура, глаза — это молоточки, а душа — пианино со множеством струн. Художник — это играющий оркестр, который касается той или иной клавиши, чтобы вызвать колебания в душе»

Синестезия выражалась и в отношении Кандинского к цветовой палитре. Краски для художника были одушевленными «странными существами», способными «создавать нескончаемое число новых миров», а цвета вызывали определенные психические и эмоциональные переживания.

Особенно сильно повлияла на творчество художника музыка Арнольда Шёнберга. Венский композитор отказался от тональных и гармонических условностей в своих композициях так же, как когда-то Кандинский ушел от предметности в живописи.  Они долго дружили, обменивались идеями, критиковали работы друг друга и вели бурную переписку.

В довоенный период художник написал либретто к пьесе «Желтый звук». Это был эксперимент по синтезу драмы, слов, танца, цвета и музыки. Премьера постановки должна была состояться в Мюнхене осенью 1914 года, но Кандинскому не суждено было увидеть ее на сцене.

Интересные факты

• Ему с детства было сложно заучивать цифры и стихотворения, запоминать имена и даты. В гимназии он с трудом освоил таблицу умножения. Чтобы сдать экзамены он использовал зрительные образы и ассоциации.
• Культовое кресло Марселя Брёйера «Василий» получило свое название в честь Кандинского. Иронично, что кресла этой модели стояли в Баухаузе повсюду, за исключением дома самого художника.
• Единственный сын Василия и Нины Кандинских умер в трехлетнем возрасте. Художник так не оправился от этой потери, и тема детей навсегда стала для него запретной.
• Духовные поиски привели Кандинского к религиозно-мистическим учениям: теософии и антропософии. В них художник нашел подтверждение собственной системе мировосприятия, которая и была основой его творчества.
• Главной целью своего искусства Кандинский видел попытку духовно-нравственного спасения человечества.
• По заказу Кандинского, поддавшегося московскому строительному буму 1910-х годов, был построен шестиэтажный доходный дом на улице Бурденко. Предпринимателем художник был недолго: после революции здание было конфисковано.
• Кандинский был близок к тому, чтобы сменить гражданство в третий раз. Опасаясь угрозы немецкой оккупации Франции, он всерьёз подумывал о возможной эмиграции в Америку.

Другие работы художника

Дома в Мурнау на Обермаркт, 1908 год Осень в Мурнау, 1908 Осенний пейзаж с лодками, 1908 Зимний пейзаж, 1909 Импрессия III (Концерт), 1911 Картина с белыми линиями, 1913 В сером, 1919 Черный и фиолетовый, 1923 Синее, 1922 Деликатная напряженность #85, 1923 Оранжевое, 1923 Отчетливая связь, 1925 Желтое-красное-синее, 1925 Фиолетовый-зеленый, 1926 Несколько кругов, 1926 Вверх, 1929 Прямые и кривые, 1935 Доминирующая кривая, 1936 Черные точки, 1937 Композиция X, 1939

Советуем прочитать

• Первое теоретическое обоснование абстракционизма и эстетический манифест художника «О духовном в искусстве»; 
• Фундаментальное исследование основ художественного языка Кандинского «Точка и линия на плоскости»;
• Автобиографические записки Василия Кандинского «Ступени»;
• Перевод сборника стихотворений Кандинского «Звуки» в прозе; 
• Знаменательная переписка абстракциониста и венского композитора «Василий Кандинский — Арнольд Шёнберг. Переписка»;
• Воспоминания Нины Кандинской, последней жены художника, «Кандинский и я»; 
• Борис Соколов «Василий Кандинский. Эпоха Великой Духовности. Живопись. Поэзия. Театр. Личность» — книга, посвященная творческим поискам художника, написанная на основе архивных материалов и многолетних экспедиций. 

---

Следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram — @loskomag, Instagram. Если вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Patreon.

Стили живописи — Академизм — Возрождение — Барокко — Классицизм — Романтизм — Реализм — Импрессионизм

Стили живописи часто не имеют выраженных границ и могут переходить из одного в другой, развиваясь, смешиваясь и противоречить.

Абстракционизм (лат.abstractio— удаление, отвлечение)— направление не фигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма— достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Важным слагаемым современного языка абстракции стал белый цвет, высшее напряжение цвета вообще наполнено бесконечными вариативными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света. Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания, иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф.

Абстрактный экспрессионизм (англ.abstract expressionism)— школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.
Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Выражение «абстрактный экспрессионизм» впервые возникло на немецком языке в 1919 году на страницах журнала «DerSturm». В 1929году Альфред Барр впервые использовал этот термин по отношению к картинам Василия Кандинского, который около 1911года отбросил всякие попытки копировать мир объектов.

Авангардизм (фр. avant-garde — передовой отряд), авангардизм — обобщающее название течений в мировом, прежде всего в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков. Термин в его фигуральном значении использовался в работах французских социалистических утопистов. В их же работах термин впервые получил следующий, художественный смысл — основатель школы утопического социализма Анри Сен-Симон в статье «Художник, ученый и рабочий», вышедшей в год его смерти в 1825 году, в союзе художника, ученого и рабочего ведущую роль отвёл художнику. Художник, по Сен-Симону, наделен воображением и должен воспользоваться силой искусства для пропаганды передовых идей: «Это мы, художники, будем служить вам авангардом».
Долгое время термин сохранял свое политическое значение, а художник наделялся особой политической миссией. Последователи Сен-Симона, продолжая вслед за ним акцентировать ведущую роль художника в политических процессах, фактически оставляли в стороне социальные цели искусства, обязывающие его быть утилитарным, дидактическим, понятным широким массам, и тем самым парадоксально сближали политический авангард с «искусством для искусства» (фр. l’art pour l’art) как революционной идеей.

Академизм (фр.academisme)— направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

Акционизм — форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы в Западной Европе. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие. В акционизме художник как правило становится субъектом и/или объектом художественного произведения.

Ампир (фр. Empire — империя) — стиль в  изобразительном искусстве, завершивший развитие классицизма. Стиль опирался на художественное наследие архаической Греции и императорского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величественной мощи: монументальные массивные портики, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре.

Аналитическое искусство  — метод, разработанный и обоснованный русским художником Павлом Филоновым (1881—1941) в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910-1920 годов. Отталкиваясь от принципов кубизма, Филонов считал необходимым обогатить его ограниченный рационализмом метод принципом «органического роста» художественной формы и «сделанности» картин по принципу «от частного к общему», где картина развивается из точки, подобно прорастающему зерну.

Анахронизм — в исторической науке, литературе, кино — ошибочное, намеренное или условное отнесение событий, явлений, предметов, личностей к другому времени, эпохе относительно фактической хронологии. В переносном смысле — что-либо несовременное, пережиток старины.
В живописи анахронизмы обычны в эпохи средневековья, Возрождения и отчасти классицизма, когда античные и библейские персонажи изображались в костюмах и антураже эпохи, современной художникам. Анахронисты, или «культурные художники», вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.

Андерграунд (от англ. underground— подполье, подпольный; under — под, ниже, ground — земля, площадка, пол) — совокупность творческих направлений в современном искусстве (музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму и официальному искусству.
Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики, проблемы маргинальных групп.

Ар брют (фр.Art Brut— грубое искусство, здесь— необработанное, неограненное искусство)— термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключенные, чудаки— одиночки, медиумы ит.п.). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов.
В частности, Ар брют не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов ит.д. Большое влияние на концепцию Ар брют оказали две монографии— немецкого психиатра Ханса Принцхорна «Художественное творчество душевнобольных» и швейцарского психотерапевта Вальтера Моргенталера «Душевнобольной как художник». Они привлекли внимание сюрреалистов и Дюбюффе, последний собрал крупную коллекцию произведений Ар брют, с 1976 находящуюся в Лозанне. Авангардное искусство ХХ в. (дадаизм, сюрреализм, футуризм и др.) активно обращается к опыту Ар брют.

Ар-деко, также арт-деко (фр.art dеco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств— влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны.
Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм. Отличительные черты— строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик.

Арте повера (итал. Arte Povera — бедное искусство) — термин, введенный в 1967 году искусствоведом и куратором Джермано Челантом для определения художественного течения, объединившего художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине 1960-х — 1970.
Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера.
Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности. Некоторые из художников арте повера, которые принадлежали к разным поколениям, были уже хорошо известны в арт-кругах Италии.

Барокко, или барочная живопись,— живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на абсолютизм и контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко— броская цветистость и динамичность.
Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI века новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.
Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.
Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.
Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса— в Харлеме, Рембрандта— в Амстердаме, Вермеера— в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни.
Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Баухауз (нем. Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung — Высшая школа строительства и художественного конструирования, или Staatliches Bauhaus) — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933 годы, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре.

 

Бидермейер (Бидермайер; нем.Biedermeier)— художественный стиль, направление в немецком и австрийском искусстве, (архитектуре и дизайне), распространённый в 1815—1848 годах. Стиль получил свое название по псевдониму «Готлиб Бидермейер», который взял себе немецкий поэт Людвиг Айхродт, и под которым печатал в журналах эпиграммы.
Слово Bieder переводится как «простодушный, обывательский». Бидермейер является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют «смесь ампира с романтизмом». В бидермейере отразились представления «бюргерской» среды, формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для бидермейера характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. В начале XX века бидермейер оценивался негативно. Его понимали как «пошлый, мещанский». Ему действительно были присущи такие черты, как интимность, камерность, сентиментальность, поэтизация вещей, что и привело к такой оценке.

Веризм (итал.il verismo, от слова vero— истинный, правдивый)— реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возродился во второй половине XIX века как обозначение реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве.

 

Возрождение, или Ренессанс (фр.Renaissance, итал.Rinascimento; от «re/ri»— «снова» или «заново» и «nasci»— «рожденный»)— эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре Нового времени.
Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям. Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чем проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Геометрическая абстракция — форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм, иногда, хотя и не всегда, расположенных вне иллюзорного пространства и объединенных в беспредметные, абстрактные композиции. В основе абстрактных композиций лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

Гиперманьеризм (другое название— анахронизм)— одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х— во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество Джорджо де Кирико. Гиперманьеристы вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют. По сути своей, гиперманьеристы— стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого. Идея, концепция, цитата— основа диалога художника с прошлым.

Гиперреализм (др.-греч. Ὑπερ — над, сверх; лат. realis — вещественный) — термин, который используется для обозначения:
а) течения в современном искусстве (живописи, скульптуре и кинематографии) второй половины XX — XXI века;
б) творчества европейских фотореалистов 1970-х годов.
Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто объективны. Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии.
Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна. Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, лессировка, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие и т.д. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность , устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью.

Граффити или граффити (в контексте исторических надписей единственное число— изображения, рисунки или надписи, выцарапанные, написанные или нарисованные краской или чернилами на стенах и других поверхностях. К граффити можно отнести любой вид уличного раскрашивания стен, на которых можно найти все: от простых написанных слов до изысканных рисунков.

Граффитизм (англ. graffiti art) — течение в современном искусстве 1970—80-х годов, возникшее в Америке. Характеризуется переносом приемов и образов граффити в станковую живопись и графику. Буйная фантазия, яркая самобытность сочетающая в себе элементы городской субкультуры с искусством этнических групп были отличительными чертами этого искусства, быстро вошедшего в моду.

Готика — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV—XVI века. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Термин «готика» чаще всего применяется к известному стилю архитектурных сооружений, который можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный». Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошел в Германии— в 1220-х гг., а в Италии позднее всего— около 1300г.

Дадаизм , или дада— авангардистское течение в изобразительном искусстве. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе. Существовало с 1916 по 1922годы. В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии— с экспрессионизмом.
Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берет свое начало постмодернизм. Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики.
Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего». Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж— технический прием создания произведения из определенным образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т.д. В дадаизме можно выделить три ветви развития коллажа: цюрихский «случайный» коллаж, берлинский манифестационный коллаж и кельнско-ганноверский поэтический коллаж.

Дивизионизм или Пуантилизм (фр.Pointillisme, буквально «точечность», фр.point— точка), — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта. Возникновение пуантилизма связано с увлечением молодого художника Жоржа Сра теорией цвета, им были изучены труды Шарля Блана, Эжена Шеврля, Огдена Руда и удачно применены на практике.

Иероглифический абстракционизм – течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии. Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: свободно нанесенные мягкой кистью мазки уподобляются знакам восточной письменности, идеограммам, сграффити, клинописным иероглифам. Совмещая, стилизуя, интерпретируя их, художник создавал свою форму письменности, с помощью которой писал послание людям.

Импрессионизм (фр.impressionnisme, от impression— впечатление)— направление в искусстве последней трети XIX— начала XXвеков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.
Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли свое воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Интимизм (от лат.intimus— самый глубокий, тайный, сокровенный, искренний, задушевный)— разновидность жанровой живописи, возникшая на рубеже XIX—XXвв. в среде неоимпрессионистов. К числу художников-интимистов, как правило, относят членов группы «Наби»: Пьера Боннара, Эдуара Вюйара, Кер-Ксавье Русселя и Феликса Валлоттона. Основные сюжеты работ интимистов— сцены повседневной жизни, при этом на первый план выносятся не люди, а цвет и композиция. Интимизму присуще необычные ракурсы и декоративные приемы (например, изображение на переднем плане картины натюрморта).

Информализм, информель (фр.art informel)— направление в искусстве, возникшее во второй половине 40-х годов XX века во Франции (в Париже). Обычно под этим понятием объединяют различные течения в абстрактном искусстве, возникшие в послевоенной Европе.
Понятие «информализм» применимо как собирательное для многочисленных течений в абстракционизме 50-х годов. Информализм организуется в 1945—1946 годах в Париже, в рамках «Парижской школы», как противоположность геометрическому абстракционизму. Название этого художественного направления восходит к парижской выставке под наименованием signifiance de l’informel. Согласно представлениям художников-информалистов, эмоциональность и спонтанность художественных произведений важнее их совершенства и разумности, отвергаются также любые правила, любая регламентация. Художники отказываются от изображения как людей, так и предметов, даже в абстрактной форме.
Сильное влияние на становление и развитие информального искусства оказал сюрреализм, особенно в форме автоматизма. Из информального искусства в Европе развился ташизм. Оба понятия часто употребляются как европейские параллели американскому искусству действия (Action Painting). Близкими по духу к информализму являются также живопись цветового поля и ар брют.

Классицизм (фр.classicisme, от лат.classicus— образцовый)— художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII—XIXвв. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания.
Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Интерес к искусству античной Греции и Рима проявился еще в эпоху Возрождения, которая после столетий средневековья обратилась к формам, мотивам и сюжетам античности. Величайший теоретик Ренессанса, Леон Батиста Альберти, еще в XV в. выразил идеи, предвещавшие отдельные принципы классицизма и в полной мере проявившиеся во фреске Рафаэля «Афинская школа».

Клуазонизм (от фр.cloison— перегородка)— термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства, обозначает особую манеру письма, разработанную Э.Бернаром и Л.Анкетеном в 1887г., воспринятую П.Гогеном и ставшую основой живописного «синтетического» символизма.
Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в эмалях пластинками или в витражах— свинцовыми перегородками (профилем). Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени.
Очень близок клуазонизм синтетизму, воспроизводящему тот или иной мотив по памяти или из глубин воображения, а потому не требующему детальной его прорисовки.

Конструктивизм — советский авангардистский метод (направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920— первой половине 1930 годов.

 

Костумбризм (исп. costumbrismo, от costumbre— нрав, обычай)— направление в литературе и изобразительном искусстве Испании и Латинской Америки XIX и начала ХХ столетия. Костумбризм зародился в Испании в конце XVIII века и позже распространился по испаноязычным странам Северной, Центральной и Южной Америки. Костумбризм характеризуется особым интересом к народным типам, национальному колориту, а также стремлением к почти документальному описанию природы и быта простых людей. Костумбризм в изобразительном искусстве (особенно в странах Латинской Америки) начался с этнографических и географических зарисовок, постепенно переходя в жанровую и пейзажную живопись. Хотя зачастую костумбристы идеализировали патриархальные нравы и обычаи, а этнографические мотивы превращались у них в идилличные жанровые сцены, однако в целом костумбризм сыграл положительную роль в становлении национально-художественных школ во многих странах.

Кубиизм (фр.Cubisme) — модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
Термин «кубизм» появился в 1908году, после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами». Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913—1914).

Кубофутуризм — направление авангарда начала ХХ века в живописи и поэзии, соединившее в себе наработки французских кубистов и итальянских футуристов. Кубофутуризм был особенно популярен в русском авангарде.

 

Концептуалиизм — литературно — художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.
Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Лирическая абстракция — одно из течений абстрактного искусства, для которого характерны стремление к прямому выражению эмоциональных и психических состояний художника и импровизационность исполнения. Произведения лирического абстракционизма— воплощение субъективных цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, запечатленный в цвете. Европейская критика часто использовала термин в качестве синонима неформального искусства или ташизма, американцы— выхолощенной формы абстрактного экспрессионизма.

Луминизм (нидерл. Luminisme) — одно из художественных направлений в живописи. Луминизм разделяет акцент на эффектах света с импрессионизмом. Луминизм предшествовал импрессионизму, и художники, которые писали в стиле луминизма, никоим образом не были под влиянием импрессионизма.

Лучизм (районизм, от фр. rayon — «луч») — направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, одно из ранних направлений абстракционизма.

 

Люминизмом называется направление в котором особое внимание уделяется отображению световых эффектов.

 

Магический реализм— это художественный метод, в котором магические элементы включены в реалистическую картину мира. В современном значении этот термин скорее описательный, чем точный. Первоначально термин «магический реализм» использовался немецким критиком Францем Рохом для описания «новой вещественности— жанра живописи. стиль изобразительного искусства, который использует реализм в сочетании с некоторой кажущейся аберрацией зрения художника при изображении повседневных сюжетов.
В живописи этот термин иногда взаимозаменяем с постэкспрессионизмом. В 1925 году критик Франц Рох использовал этот термин для описания картины, которая положила начало возвращения к реализму после экстравагантности экспрессионистов, которые изменяли внешний вид объектов для проявления их внутренней сущности. Согласно определению Роха, другие важные аспекты магического реализма в живописи включают: Возвращение к повседневным объектам в противоположность фантастическим. Наложение движения вперед с ощущением расстояния, в противоположность экспрессионистской тенденции укорачивания объекта; Использование миниатюрных деталей даже в очень больших картинах, например, больших ландшафтах.

Маньеризм (от итальянского maniera, манера)— западноевропейский литературно-художественный стиль XVI— первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нем раннюю фазу барокко.

Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм», как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития— от античности до современности.

Максимализм — это превышеные претензии к жизни, бескомпромиссность в решениях, видение и вера только в чем-то конкретном и видимо, видение жизни в черном и белом цветах, не обращая внимания на оттенки. Максимализм является едва ли не лучшим стимулом для выполнения определенной цели жизни. Термин в искусстве для определения крайних форм и средств проявления того или иного явления.

Метареализм  (греч. meta — между, после, через и геalis — вещественный, действительный) — реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свернутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола — способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica)— направление в итальянской живописи начала Xxвека. В метафизическом движении выделились две тенденции: одна особенно богата символическими и литературными смыслами и реминисценциями, вторая менее доктринерская, но более обусловленная живописной фантазией. Движение не создало ни своей школы, ни определенной группы, оно скорее было реакцией на футуризм, выражением его кризиса, и именно в этом качестве имело влияние в Италии, где схожую эстетику в это время стали исповедовать некоторые другие художники, а также во всей Европе.

Минимал-арт (англ.Minimal art), также Минимализм (англ.Minimalism), Искусство ABC (англ.ABC Art)— художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. В теории искусства обычно рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а также на связанные с ним дискурс, институции и идеологии.
Искусство минимал-арта обычно включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, монохромность, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Мизерабилизм (от фр.miserable— несчастный; англ.miserabiliste, фр.misérabilisme, польск. mizerabilizm)— направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире.
Творчество мизерабилистов явилось своего рода изобразительной параллелью к философии экзистенциализма. Для живописи мизерабилизма типичны мотивы одинокой фигуры в интерьере. Истощенные, удрученно поникшие, освещенные холодным сумеречным светом, и затерявшиеся в пустом пространстве. Настроения неудовлетворенности и разочарования, выраженные в аскетичной живописи мизерабилистов, были весьма популярны в послевоенной Франции.

Моголов стиль особый стиль Южной Азии живописи , как правило, приурочены к миниатюры либо, как книжные иллюстрации или отдельных работ, которые необходимо иметь в альбомах, которые возникли из Персидского миниатюрной живописи, с индийской индуистской, Джейн, и буддийских влияний, и создавались, в основном в суд империи Великих Моголов (16 — 19 вв), а затем распространился на другие индийские суды, как мусульмане, так и индусы, и позже сикхов.

Модерн (от фр.moderne— современный), ар-нуво (фр.art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем.Jugendstil— «молодой стиль»)— художественное направление в искусстве, наиболее распространенное в последней декаде XIX— начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм. В качестве примера можно привести неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду эклектики). При этом следует иметь в виду, что разделение искусства модерна на отдельные периоды и стили условно.
Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя столько различных направлений и подвергся влиянию стольких национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается эклектика и начинается модерн и где заканчивается модерн и начинается ар-деко. Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. Картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Модернизм (итал.modernismo— «современное течение»; от лат.modernus— «современный, недавний»)— направление в искусстве конца XIX— начала XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые, нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлеченностью) стиля.
Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй половине века она была подвергнута развернутой критике. Совокупность художественных направлений в искусстве второй половины XIX— середины XX столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения— абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций.
В широком смысле модернизм— «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.

Мурализм — художественное движение монументальной живописи в Мексике 1920–1960-х гг. В 1920–1921 гг. молодые художники, вдохновленные мексиканской революцией, провозгласили новые идеи. Искусство должно было обращаться к народу и поднимать его на революционную борьбу, быть национальным, возрождать древнюю культуру индейцев и быть массовым. Так звучали положения «Декларации революционного синдиката работников техники и искусства», который учредили Сикейрос, Ривера, Ороско, Герреро, и др. В 1930-е гг. мурализм приобрел воздействие на искусство других стран Латинской Америки.

Наби (фр. Nabis от др.-евр. נביא‎ — «пророк», «избранный»; название предложено поэтом Анри Казалисом) — французская художественная группа, основана Полем Серюзье, существовала в Париже в 1890—1905 годах. Набиды, наравне с импрессионистами, представляли собой одно из главных направлений искусства конца XIX — начала XX веков.
Художники-набиды создали своеобразный вариант стиля «модерн» под влиянием Поля Гогена и понт-авенской школы. Их творчество близко литературному символизму и характеризуется главенством цветового начала, декоративной обобщенностью форм, мягкой музыкальностью ритмов, плоскостной стилизацией мотивов искусства разных народов: французского народного искусства, японской гравюры и итальянских примитивистов.

Нанга (南 лит «Южный картина» ), также известный как Bunjinga (文人 лит литераторов живописи » ), школа японской живописи , которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеArt Nouveauллектуалами. В то время как каждый из этих артистов был почти по определению, уникальный и независимый, все они разделяли восхищение традиционной китайской культурой. Их картины, как правило, в монохромном черными чернилами, иногда с светлым цветом, и почти всегда с изображением китайских пейзажей или подобных предметов были по образцу китайской литературной живописи.

Натурализм (от лат. nаturа— «природа»)— поздний этап развития французской реалистической живописи, пришедшийся на 1870-е годы. Натуралистами называли бывших художников-академистов, которые стремились как можно более точно, фотографично запечатлеть современную действительность, в частности, повседневную жизнь крестьянства и рабочего класса. В сравнении с произведениями Курбе социально-критическая и сатирическая составляющие в произведениях натуралистов отошли на второй план.
До появления термина «импрессионизм» его представителей причисляли к натуралистам. По мере того, как импрессионисты получали все большее признание, интерес к натурализму сходил на нет. Задачи бесстрастного фиксирования реальности, которые ставили перед собой художники этого направления, с успехом выполняла фотография.

Необароко (от греч. Neos — «новый», см. Барокко) — один из неостилей, сложившийся в европейском искусстве XIX века. Как стилистическое направление имел относительно небольшой срок существования. Имел несколько фаз развития и различные региональные варианты. Это объясняется тем, что оригинальный стиль барокко в искусстве Италии сложился в конце XVI-начале XVII в. на основе переработки элементов архитектуры периода Высокого Возрождения начала XVI в. В других странах, например в Германии XVIII в..
Стиль барокко позаимствовал кое-что от поздней готики, собственного варианта маньеризма и соединялся с элементами рококо. Разобщены и разбитые княжества Германии в 17 в. после Тридцатилетней войны трудно восстанавливали свою экономику и только усваивали стилистику, уже произведенную и распространенную в Италии, во Франции, Швеции и в Речи Посполитой. С некоторым опозданием получило развитие и барокко Австро-Венгрии, образцы которого больше ориентувалисть мастера немецких княжеств. Поэтому в XIX в. необарокко (в архитектуре и в интерьерах), ориентированное на различные исторические прототипы, приобрело эклектичный характер.

Неодадаизм ( нео-дада)— термин, обозначающий различные стили, направления и произведения искусства, в которых угадываются возрожденные идеалы или методы дадаизма. Движение дало толчок к возникновению поп-арта.

Неоимпрессионизм — течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г. Его основными представителями были Ж. Сера и П. Синьяк. Развивая художественно-эстетические принципы позднего импрессионизма, проявлявшего повышенный интерес к оптическим явлениям в природе, неоимпрессионисты стремились довести до логического завершения эмпирические находки предшественников на основе научных достижений, передать с помощью живописных приемов все богатство оптических эффектов.
Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм – система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками. На основе дивизионизма Сера и Синьяк разработали необычную технику письма – пуантилизм, которая заключалась в том, что краски   наносились на полотно в виде маленьких   точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы.

Неоклассицизм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и первой четверти XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке— также и эпохи барокко).
В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII— первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода. Неоклассицизм предвосхищался уже в творчестве прерафаэлитов с середины XIX века, однако он окончательно сложился к концу 1870-х гг. в Германии.
«Неоидеалисты» стремились возродить монументальность и пластичную четкость классического искусства. Большое распространение неоклассицизм получил в конце XIX— начале XX веков, явившись одной из разновидностей реакции на импрессионизм. Он сочетал в общем русле определенные позднеакадемические тенденции, в той или иной степени программное следование принципам античного искусства, реже— искусства Возрождения и классицизма, наконец, соприкосновение со стилистикой модерна.

Неоэкспрессионизм (Neo-expressionism)— направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Нео-образное искусство описывает экспрессионистской возрождение в современной форме изобразительного искусства.

Нео-минимализм аморфного арт-движение конца 20 и начала 21 веков. Он альтернативно называют «нео-геометрического» или «нео-гео» искусство. Другие термины включают: Нео-концептуализм, нео-футуризм , нео-Op, нео-поп, новых абстракция, Poptometry, пост-абстракционизма, симуляционизм.

Неопластицизм — введенное Питом Мондрианом обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl». Для «Стиля» характерны четкие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Нео-поп-арт — направление, возникшие в 80-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм. Не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени.
Нео-поп-арт в значительной степени зависит от средств массовой информации и как источника вдохновения, и как средства для продвижения. В творчестве многих художников нео-попа помимо поп-арта можно обнаружить влияние минимализма, концептуального искусства и фотореализма.

Неореализм ( ит. Neorealisme – новый реализм) – художественное направление в искусстве послевоенной Италии, ярче всего проявившее себя в кинематографе и изобразительном искусстве, литературе. Главной темой неореализма стало изображение послевоенной Италии, жизнь рабочих и крестьян, их борьба за свои права. Для живописи неореализма характерны динамичная композиция, энергичная моделировка объемов, насыщенный цвет и экспрессивная манера письма. Художественные течения, близкие итальянскому неореализму, проявились в искусстве ряда стран Европы и Америки.

Неорококо (англ. Neo-rococo) — стилистическое направление 19 века в пределах эклектики (стиль историзм). Наиболее яркими и довольно цельными были две линии историзма — неоготика и неорококо. Именно в 19 веке в разных странах Европы взялись за достройки древних готических соборов, заброшенных недостроенных.
Неорококо станет известным стилевому направлению в декоре интерьеров достаточно состоятельных заказчиков и в создании вещей декоративно-прикладного искусства. В отличие от недавнего классицизма, неорококо отказывалось от ордерной системы. Фееричность и помпезность, преувеличения неорококо хорошо сосуществовали с эпохой сентиментальных венских вальсов, легкого и беззаботного досуга богатых дворян, коронованных особ, нуворишей и буржуазных дельцов, успели быстро обогатиться и жадно поглощали недоступные ранее роскоши привилегированных слоев населения.

Неоромантизм— течение в искусстве (прежде всего, в литературе) рубежа XIX—XX веков, возникающее как реакция на реалистические и натуралистические тенденции второй половины XIX века. В общем смысле слова может быть определен как возрождение литературных настроений первой половины XIX века в Европе. Может пониматься как ранняя фаза или одно из крыльев модернизма.

Нихонга (日本 нихонга ) или буквально » Японские картины «являются картины, которые были сделаны в соответствии с традиционными японскими художественными конвенциями, технологиями и материаллами. Будучи основан на традициях более тысячи лет, термин был придуман в Мэйдзи в императорской Японии , чтобы отличать такие произведения живописи западного стиля, или йога (洋 йога).

Новая вещественность (нем. Neue Sachlichkeit) — художественное течение в Германии 1920-х годов, охватившее живопись, литературу, архитектуру, фотографию, кино, музыку. Участники движения стремясь противопоставить тревожной экстатичности экспрессионизма, провозгласили возврат к позитивной и конкретной реальности.
Эстетическая концепция направления строилась на утверждении ложности реального мира, поэтому главной целью становится адекватное выражение неадекватности мира, реалистически зафиксированное отсутствие реальности, а смыслом художественного творчества – практически фотографическая точность изображения, не ставящая своей целью скрыть за художественной декоративностью неприглядность реальности.

Новая европейская живопись — появилась в 1980-х годах и достигла критической точки в 1990-х годах. Картины создают новый диалог между историческим архивом, американской абстракцией и формой.

 

 

Новеченто (итал. Novecento — «ХХ век») — итальянская художественная группа. Члены группы представляли различные направления в живописи, однако их объединяло признание ведущей роли модернизма в художественном творчестве. В то же время работы этого направления должны были пониматься как «возвращение к порядку» и в значительной степени сюжетный материал для них брался из истории Средневековья и Возрождения.

Новые дикие (нем. Neue Wilde, Новые фовисты) — течение немецкого постмодернизма в живописи. Течение возникло на волне новой моды на экспрессионизм и фовизм (отсюда само название, напоминающее о фовистах как «старых диких»). Тяготели к импульсивной эмоциональности самовыражения, противостоящей концептуальному искусству или гиперреализму.

Новый реализм (фр. Nouveau Réalisme)— движение, объединяющее художников, которые вместе с критиком и теоретиком Пьером Рестани подписали манифест 27 октября 1960 в Париже. Члены поставили перед собой цель интегрировать реальность повседневной жизни в искусство, используя новые методы и материалы. Тем самым они внесли значительный вклад в развитие объектного искусства и ранних форм акционизма.

Оп-арт (англ. op art (optical art)) — стиль современного искусства, который широко использует оптические иллюзии. Художники оп-арта достигают создания иллюзий движения или мерцание неподвижных объектов из изображения периодических структур и точное использование цветов и форм. Обычно произведения оп-арта носят абстрактный характер.

 

Ориентализм — определенная тенденция в проявлениях той или иной культурной традиции, опирающаяся по ряду признаков на экзотические относительно самой этой традиции особенности, свойственные восточному мировоззрению в тех или иных его формах. К ориентализму, благодаря этнографическим реалиям относят и следование североафриканским образцам.
 

Орфизм или Орфическое кубизм, термин, введенный французским поэтом Гийом Аполлинер в 1912 году, был ответвлением кубизма , который сосредоточился на чистой абстракции и ярких цветах, под влиянием фовизма. Это движение, считается ключевым в процессе перехода от кубизма к абстрактному искусству.

 

Пикториализм (англ.pictorialism, от англ.pictorial— живописный)— течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX— начала ХХ вв., подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, арт-нуво и др.). Для достижения подобного эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати.

Питтура кольта (ит. Pittura colta, букв. – ученая, просвещенная живопись) – художественное течение в европейской живописи постмодернизма, возникшее в Италии во второй половине 1970-х гг. Постмодернизм как художественное и культурное движение явился результатом отрицания: модернизм отрицал классическое искусство, однако сам в свою очередь став традицией, привел к своему отрицанию и к возврату предмодернистских форм и стилей.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления.

Постимпрессионизм (фр.postimpressionisme, от лат. post— «после» и «импрессионизм»)— художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом— французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол. 1880-х гг. до нач. ХХ в.
Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как реалисты), или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать ее основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

Постживописная абстракция (англ.Post-painterly Abstraction), хроматическая абстракция— течение в живописи, зародившееся в Америке в 1950-е гг. Термин введен критиком Клементом Гринбергом для обозначения направления, представленного на курируемой им выставке 1964 года в Los Angeles County Museum of Art.
Постживописная абстракция отталкивается от абстрактного экспрессионизма, фовизма и постимпрессионизма. Основные признаки: четкие края, свободный мазок, гармония (или контраст) простых форм, монументальность, созерцательно-меланхолический склад живописи, аскетичность. Постживописная абстракция также является потомком Геометрической абстракции, округляя и смягчая ее.

Постминимализм — искусствоведческий термин, вошедший в оборот в начале 1970-х годов для описания особой тенденции в различных сферах искусства, которая отталкивалась от предшествующего ей минимализма — как в стремлении его развить (через сохранение приверженности формальной простоте), так и наоборот преодолеть (стремясь к более широкому смысловому наполнению).
 

Постмодернизм (фр. postmodernisme — после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века. Постмодернизм явился результатом отрицания отрицания. В свое время модернизм отверг классическое, академическое искусство и обратился к новым художественным формам. Однако по прошествии множества лет сам стал классикой, которая привела к отрицанию традиций модернизма и возникновению нового этапа художественного развития в образе постмодернизма, провозгласившего возврат к предмодернистским формам и стилям на новом уровне.

Прецизионизм, или пресижинизм (англ.precision — точность, четкость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, его пластическая визуализация в четких геометрических формах. Отсюда, главные герои картин: мосты, небоскребы, фабрики, элеваторы и другие индустриальные достижения цивилизации. Язык форм пресижинистов геометрически выверен, до предела механистичен.
Пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нем нет человека. В то же время такая пустота подчеркивает вневременный характер изображения. Главная тема — механистическая эстетика — роднит прецизионистов с итальянскими футуристами.

Примитивизм — стиль живописи, зародившийся в XIXвеке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен. По мнению некоторых искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под определение «примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе— стилизованную живопись профессионалов.

Пуантилизм (фр. Pointillisme, буквально «точечность», фр. point — точка), или дивизионизм — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными (неизолированными) мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта.

Пуризм (от фр. pur— чистый)— направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Пуристы преследовали цель в создании простой, функциональной живописи и архитектуры, в которых эстетическое соединяется с механическим миром, подобным миру машин. Наиболее рациональным считается использование точного соединения геометрических орнаментов. Идеальной пропорцией в отображении рассматривается золотое сечение. Декоративность и манерность отвергаются.

Районизм (Лучизм)— направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, основанное на смещении световых спектров и светопередачи. Одно из ранних направлений абстракционизма. Основывался также на идее возникновения пространств, форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения». Лучи на полотне передаются с помощью цветных линий. Основателем и теоретиком течения был художник Михаил Ларионов.

Реализм — эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво. Его границы изменчивы и неопределенны; стилистически он многолик и многовариантен. Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлери в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму.

Регионализм (англ.Regionalism от regional— местный)— течение в американской живописи 1930-х годов. Движение обращалось к изображению образов и эпизодов из жизни американского Среднего Запада. Термин часто используется в том же значении, что и американская жанровая живопись, но регионализм является западноамериканским ответвлением этого более общего направления.
Регионалисты стремились создать подлинно американское искусство и обратились к местным темам. Регионалистами двигали ностальгические чувства к «подлинной Америке», стремление запечатлеть жизнь американской деревни и маленьких городков, что стало причиной их большой популярности. Период наибольшего расцвета движения связан с Великой депрессией, когда на фоне глубокой национальной неуверенности художники возрождали веру Америки в свои силы, развивая идею национальной исключительности и самобытности развития.

Рококо (фр.rococo, от фр.rocaille— дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо)— стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля— вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек.

Романский стиль или романика (от лат. Roma — Рим) принято называть период в европейском искусстве, начиная примерно с 1000 года и вплоть до возникновения готического стиля в XIII веке или позже, в зависимости от региона. Этот термин распространился в XIX веке среди историков искусства, особенно применительно к романской архитектуре, которая сохранила многие характерные черты римского архитектурного стиля, в первую очередь круглоголовые арки, а также цилиндрические своды, апсиды и украшения в виде листьев-акантов, но также внедрила очень много своих специфических элементов.

Романтизм (фр.romantisme)— идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века— первой половины XIX века. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворенной и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли все странное, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В начале XIX века романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению. Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма.
Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудочности» и отсутствии «движения жизни». В 20-30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбужденностью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от «тусклой повседневности». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия.Одним из ответвлений романтизма в живописи является стиль бидермейер.

Северное Возрождение— термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее— во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.
Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определенные специфические черты. В основе сезанновской живописи – рисунок, цвет и контрасты. Цвет – это ведущее формообразующее начало. Его краски – это градация (по его выражению, модуляции) трех основных цветов – зеленого, голубого, охристого – и белого, а с помощью контрастов и соотношений тонов художник лепит объемы, добиваясь ощущения их плотности, весомости и придавая предметам особую значительность.

Сезаннизм ( по имени Поля Сезанна, крупнейшего живописца, представителя постимпрессионизма) – течение в живописи первой четверти 20 в., ориентирующееся на методы П.Сезанна, на построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на ее обобщение и геометричность.
 

Сентиментализм (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”.

Символизм (фр.Symbolisme)— одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России.
Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Все «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.

Синтетизм (от фр. synthétiser— охватывать, объединять)— художественное течение внутри постимпрессионизма. Синтетизм возник из объединения техник таких различных художественных стилей, как клуазонизм и символизм и развивался в направлении, противоположном пуантилизму. Синтетизм появился и проявился около 1888года.
Как новое течение в искусстве получил известность после организованной Гогеном выставки в парижском кафе Вольпини, приуроченной к Всемирной выставке 1889года. Художники, принадлежавшие к синтетическому течению, пытались в своих произведениях «синтезировать» три понятия: Внешний вид изображаемого; Свои собственные чувства в отношении изображаемого; Эстетичность линии, цвета и формы изображения. Таким образом, речь идет о синтезе видимого и воображаемого миров, зачастую создаваемого на полотне по воспоминаниям об некогда увиденном. Поэтому допускалось упрощение изображения, излишняя декоративность, также часто изображаемое передавалось яркими, необычно сияющими красками.

Синтетический кубизм — стиль изобразительного искусства. Поздняя фаза кубизма, характеризуется главным образом более широкому использованию цвета и имитации или введения в широком диапазоне текстур и материалов в живописи.

Синхромизм (англ.Synchromism; от греч. σύν— «вместе», «с» и χρωμος— «цвет»)— художественное направление в живописи, основанное в 1912 году американскими художниками Морганом Расселлом и Стэнтоном Макдональдом-Райтом; одно из первых в современном искусстве США.
Отличительными чертами полотен синхромистов являлись насыщенные, яркие цвета и геометрические формы с ярко выраженными гранями. Работая над написанием картин, синхромисты, по их собственному признанию, использовали цвета по аналогии с музыкальными нотами, превращая свои произведения в «симфонии на холсте».

Соц-арт — одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1970-х годах в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода, возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом.

Социалистический реализм — стиль реалистического искусства , которая была разработана в Советском Союзе и стал доминирующим стилем в других социалистических странах. Социалистический реализм телеологически -ориентированной стиль, имеющий своей целью достижением целей социализма и коммунизма. Хотя и родственных, это не следует путать с соцреализма, в более широком вида искусства, что реально изображает предметы социального характера. В отличие от соцреализма, социалистический реализм часто прославляет роли кроткого и рабочего класса и борьбы за свое освобождение.

Спациализм (итал.Movimento spaziale, от итал.spazio— пространство)— направление в искусстве, рассматривающее живопись и скульптуру как один вид искусства, объединяющий цвет, звук, пространство, движение и время. Спациализм сочетает в себе элементы конкретизма, дадаизма и ташизма. Основателем спациализма является итальянский художник и скульптор Лючио Фонтана, отстаивавший принципы синтеза искусств на на основе современных научно-технических достижений.

Стакизм (Stuckism)— международное художественное движение, основанное в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишем и Чарли Томсоном для продвижения фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству.

 

Сын-Ханга (то есть «Новая гравюра») — художественное течение в Японии, которая существовала с перерывом до 1989 года. Бушующее художественная жизнь Японии начальных десятилетий 20 в. характеризовалось горячими дискуссиями и не менее напряженными поисками. Одни художники настаивали на скорейшем освоении художественного опыта Западной Европы и США, как это делалось в промышленном производстве по усвоению новых технологий, другие декларировали сохранение традиционных жанров и технологий, которые имели национальную окраску и национальные технологии.

Супрематизм (от лат.supremus— наивысший)— направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х годов К.С.Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции. На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи.

Сюрреалиизм (фр.surrеalisme— сверхреализм)— направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием иллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность— совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made».
Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.
Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления.

Ташизм (фр.Tachisme, от Tache — пятно) — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
К ташизму близки европейская группа «КОБРА» и японская группа «Гутаи» (Gutai). Одним из полных синонимов ташизма с точки зрения творческого метода и идеологии является абстрактный экспрессионизм, однако время появления, география распространения и персональный состав этих течений совпадает не полностью.>

Тенебризм (от итальянского , tenebroso (темная)), также называемый драматическиое освещение, используя ярко выраженную светотень, где есть жесткие контрасты света и тени, и где темнота становится доминантой образа. Методика была разработана, чтобы добавить драмы изображению через эффект прожектора, и был популярен в стиле барокко.

Тонализм (Tonalism) — направление в изобразительном искусстве США, появившееся в 1880-х годах и характеризующееся изображением пейзажей с доминирующим тоном воздушного пространства или тумана. С 1880 по 1915 в работах тоналистов доминировали темные и нейтральные тона — черный, серый, коричневый, темно-синий. В 1890-х годах американские критики начали называть подобные работы «тональными». Термин «тонализм» также иногда используется для обозначения американских пейзажей, созданных под влиянием Барбизонской школы. Позже тонализм был поглощён импрессионизмом и модернизмом.

Трансавтоматизм — современный стиль живописи, основанный Фриденсрайха Хундертвассера. Это своего рода сюрреализма , ориентируясь на фантазии зрителя, а не объективной интерпретации. Различные люди видят разные вещи на одной и той же картине. Трансавтоматизм основывается на различных стилях, разработанных Хундертвассера, например, спирали и капли.

Трансавангард— течение в европейской живописи, итальянский вариант нео-экспрессионизма. Термин «трансавангард» был введен в 1979 году итальянским критиком Акилле Бонито Олива и буквально означал «после авангарда».

 

Узор и украшения арт-движение находится в Соединенных Штатах с середины 1970-х годов до начала 1980-х годов. Движение иногда называют «P & D» или в качестве новой декоративности.

Укие-э (яп. 浮世絵, картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Слово укие, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Гравюры в стиле укие-э— основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо во второй половине XVII века.
Основоположником укие-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу. Изначально гравюры были черно-белыми— использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Для укие-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

Фантастический реализм — термин, применяемый к различным явлениям в искусстве. С 1948 существует «Венская школа фантастического реализма» в живописи, носившая ярко выраженный мистико-религиозный характер, обращающаяся к вневременным и вечным темам, исследованиям потаенных уголков человеческой души и ориентированная на традиции немецкого Возрождения.

Фовизм (от фр.fauve— дикий)— направление во французской живописи конца XIX— начала XX века. Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр.les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения.
Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго— примерно с 1898 по 1908 год. Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом.

Футурзм (лат.futurum — будущее)— общее название художественных авангардистских движений 1910-х— начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма стихосложения. Они придумывали новые слова, использовали вульгарную лексику, профессиональный жаргон, язык документа, плаката и афиш.
В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.
Главные художественные принципы— скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приемами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передается путем наложения последовательных фаз на одно изображение— так называемый принцип симультанности.

Экспрессионизм (от лат.expressio, «выражение»)— течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.
Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, Первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны, воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх.
Эстетизму и натурализму старшего поколения они противопоставляли идею непосредственного эмоционального воздействия на публику. Для экспрессионистов превыше всего субъективность творческого акта. Принцип выражения преобладает над изображением, очень распространены мотивы боли и крика.
Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги и фрустрации, которые они передавали при помощи угловатых, искореженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным с тем, чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Малопримечательные, на первый взгляд, картины современной уличной жизни получали под кистью экспрессионистов бьющую через край эмоциональную окраску.

Ямато-э (яп. 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией.

 

Японизм (от франц. Japonisme)— направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии укие-э и художественных ремесел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве таких мастеров, как Мане, Гоген, Винсент ван Гог и других импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.
Импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например изображения отдельно стоящего, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углубленные вдаль диагонали; ««зарешеченность» картины при помощи деревьев и пр. В Великобритании важнейшим представителем японизма следует считать жившего и работавшего там американского художника Уистлера.

‹‹ к списку статей

Рисунки Абстракционизм

ТОП-5 художников в стиле абстракционизм

Укоренившаяся глубоко привычка воспринимать сугубо реалистическую художественную форму не означает, что направление, «непохожее на жизнь», неинтересно, а тем более абсурдно. Маяковского, написал теоретическую работу «О новых системах в искусстве», вместе с Шагалом в Витебске руководил мастерской в Народной художественной школе, участвовал в выставках. Во второй половине 1950-х появляется абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», — «Cysp I» Николя Шёффера.

Абстракционизм – уникальное явление мировой художественной культуры. Термин латинского происхождения Abstrac-tus, означающий «беспредметный», дал название одному из направлений искусства – абстракционизму. Бунтари. Для меня стиль абстракционизм это прежде всего противостояние логике цивилизации. Некоторые художники считают, что «абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску» и что «абстракционизм – это прямая реализация свободы творчества».

24 сентября в Русском музее в Петербурге открылась выставка «За гранью предметности в русском искусстве второй половины XX века». Иной тип абстрактного мышления демонстрировал наиболее последовательный в своей аналитической и практической работе Юрий Злотников, автор обширной серии «Сигналы», созданной в конце 1950-х. «Антинародное идеалистическое» абстрактное искусство отныне не имело права на существование. Абстракция – это личностный жанр. Прямо скажу, тоталитарным был этот мир. Свою теорию Белютин изложил в книге, впервые изданной в 1991 году.

Несмотря на информацию, которую мы получаем, многого мы не знаем о жизни. Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. На ней можно увидеть работы Элия Белютина известного советского художника-абстракциониста и его воспитанников из студии «Новая реальность» — Владислава Зубарева, Люциана Грибкова, Тамары Тер-Гевондян, Веры Преображенской, Анатолия Сафохина.

Фото абстракция рисунки (436 фото)

А мусор, меж тем, получил санкцию и стал произведением искусства. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э. Келли, Дж. Юнгермана, Ф. Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. Всякая эмоция, «возбуждение» в терминологии Малевича из этого мира была изгнана, командовал там разум. После Октябрьской революции создал декорации и костюмы для постановки «Мистерии-буфф» В. В. Да, это направление живописи предлагает зрителю лишенные объектности рисунки. В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая отвсяких признаков предметности пятна импрессионистов и«диких».

В 1924 году он без сожаления прекратил отношения с журналом «Стиль» только из-за того, что тот позволил подать 45-ти градусный угол в виде составной части выразительного языка. По той же теории пассивность обозначает горизонтальная линия, а активность – вертикальная.

купить картины художников в стиле абстракционизм – абстракция картины купить

Татлин, К. Ну, тут опять Швиттерс вступает: «Все, что я нахаркаю, будет искусством». Рисовать вы можете чем угодно, но для начала удобней всего будет взять акриловые краски.

Они поселились в Москве, где Василий Кандинский собирался погрузиться в русскую жизнь.

На самом деле ореол «недоступности» абстрактного искусства легко развеять — в этой инструкции мы постарались объяснить, почему абстракцию называют «буддийским телевидением» и с какой стороны к ней подойти. красочных линий, представляющих их в живописи.

«Первоэлементы» Малевича вызвали стабильный интерес к геометризированной форме, линейным знакам, пластическим структурам. И тут – режьте меня, но я опять вернусь к Кандинскому.

В «Сигналах» художник исследовал «обратную связь» спонтанных психологических реакций на цветовые символы. Заметные представители этого направления — Фрэнк Стелла, Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд. Ведь она – отражение личности художника, его идей, мировоззрения, философии.

Почему абстракционизм так популярен

Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Неопластицизм был очень жесткой системой.

Его уникальность обусловлена особенностями переломной эпохи. Информационный прорыв стал своеобраз-ным символом духовной и социальной свободы.

Кому и зачем может быть полезным абстракционизм

Перед полотнами Ротко, Поллока или Малевича мы чувствуем себя не так уверенно —на них нет объекта, за который можно зацепиться взглядом и порассуждать о нём, чтобы, как в школе, выяснить, «что хотел сказать автор». В 1918 году он стал профессором Московской академии Изобразительных Искусств. В основу «логического обоснования» абстракций Кандинского легло изучение теософских и антропософских трудов Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. В эти годы многие художники испытывали потребность в языке беспредметного искусства.

Канадская художница Кэтрин Харвэй (Katharine Harvey) известна своими картинами с изображениями водной поверхности и световыми инсталляциями на фасадах магазинов. Нет необходимости вновь повторять уже хорошо известное. Ему стало ясно в этот день, бесспорно ясно, что предметность вредна его картинам. Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма — оп-арт.

Лучший способ проверить крамольную мысль «я могу нарисовать не хуже», которая порой возникает и у профессиональных искусствоведов, —провести эксперимент в домашних условиях. Пит Мондриан был голландцем и вышел из кубизма. Самому значительному участнику группы Василию Кандинскому чаще всего приписывается создание в 1910г. Не стесняйтесь выразить себя в крупной форме, вот таким образом смело берите лист бумаги формата A2 (для акрила нужна специальная, плотная бумага, а для пастели подойдет цветная или, лучше всего, фактурная). Этот мир был суровым, рационально организованным и жестоким.

В одной из последних работ художника, «Буги-Вуги на Бродвее» (Нью-Йорк, Музей современного искусства), появилась тенденция к отходу от строгих классических принципов авангарда. Данное направление возникло в начале 20 века. Именно такое случилось с WOS и мы готовы поделиться опытом. Первым его представителем, пожалуй, является Пол Стрэнд идеолог движения «чистого» фотоискусства.

Картины известных художников: абстракционизм

Всвоем позднем произведении «Филеб» тот писал окрасоте самих посебе линий, поверхности ипространственных форм, независимых отвсякого подражания видимым предметам, отвсякого мимезиса. Использовались еще «нецвета» – белый, серый, черный. Основная цель художников абстракционистов – достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Своей технике фотограф оставался верен всю жизнь, создавая «шадографии» как в 1917-м, так и в 1977 году. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. В 1917 году Кандинский женился на Нине Алексеевской, с которой познакомился в 1916 году. Прочитав биографию художника, заботливо подготовленную для вас кураторами музея, спросите себя, какое значение могло иметь это произведение в той стране и в то время, когда работал его автор: тот же«Чёрный квадрат» производит совсем другое впечатление, если вы что-то знаете о философских течениях и искусстве начала XX века. Дерзко, необычно, всегда наперекор.

Направления искусства абстракционизм

В 1922 закончил рукопись «Супрематизм. Этот период творчества Кандинского характеризовался формирование собственного уникального стиля в искусстве – чистейшего абстракционизма. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский (завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, основавшие в 1910—1912годах «лучизм», создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич, автор «Чёрного квадрата» и Евгений Михнов-Войтенко, творчество которого отличает, в том числе, беспрецедентно широкий диапазон направлений абстрактного метода, примененных в его работах (ряд из них, в том числе «граффитистский стиль», художник использовал первым среди не только отечественных, но и зарубежных мастеров).

Мраморный Давид — не живой парень, а кусок камня, которому Микеланджело придал форму, напоминающую нам мужчину (а представление о том, как выглядят мужчины, мы получили из своего жизненного опыта). Это время знакомства современных художников с творчеством Малевича, с супрематизмом иконструктивизмом, с традициями русского авангарда, его теорией и практикой. В книге «Темпоральное искусство» и в программных циклах работ «Образы темпоральности» Зубарев привел своё учение о времени к единой системе8. В 1917 Мондриан и Тео ван Дусбург основали авангардистский журнал «Де Стиль» и группу с таким же названием. «Мы можем рисовать – как все, но не хотим, не желаем делать этого» – вот он, девиз абстракционистов конца 19, начала 20 века.

Это объясняется тем, что абстракционизм отвергает правила и нормы. В искусстве абстракции достаточно примеров, в корне противоречащих друг другу. Такого рода геометрическая красота вотличие открасоты природных «неправильных» форм, помнению Платона имеет неотносительный, абезусловный, абсолютный характер. Сложно сказать, почему.

Известные представители абстракционизма

Она ж тоже такое сделать может, да и выглядит это несолидно. О картине писали, что это не только интеллектуальный портрет знаменитого революционного деятеля, но, еще «праздник чистого цвета, динамичной игры кривых и прямых линий», «эта вещь – доказательство того, что абстракция выражает не только духовные ценности, но так же, как фигуративное искусство, может обращаться к событиям историческим и политическим». Эпоха «оттепели» подразумевала особую систему взаимоотношений абстрактного искусства с властью. Сам он писал в труде «Текст художника» утверждение, что предметность вредит его картинам. Вот таким образом в последней четверти 19-го века ситуация начала меняться.

Белая и красная картины, составляющие логическое продолжение этой серии, менее известны. Его картина «девушка с красным древком» является свидетельством этому факту. Будет интересно и в обратной ситуации — есливы побаиваетесь браться за краски из-за «неумения рисовать» или «отсутствия способностей».

В нем нет ничего – и в нем можно найти все. Даже тех, кто ориентируется в совриске и хорошо понимает, какое значение для мировой культуры имеет «Чёрный квадрат», отпугивает «элитарность» и «недоступность» абстракции. Даже знаменитые критики и ученые расходятся во мнениях, классифицируя некоторые холсты, пытаясь отличить «экспрессионизм» и «абстракцию». Умер Мондриан в Нью-Йорке 1 февраля 1944. Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить всвоем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Просто тот стоял на боку и в зыбком сумраке вечерней зари художник не признал его.

Совместно с Элием Белютиным Преображенская занималась разработкой модулей-«психогранул», символов, которые выражали бы конкретные состояния и абстрактные понятия при помощи четких цвето-пластических решений7. Годом рождения абстракционизма считается 1910 год, когда Василий Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Но принадлежат-то эти мысли зрителю. Одним словом искусство в авангардизме – это то, что этим словом назвал художник, а художник в авангардизме – это тот, кого так назвало экспертное сообщество, т. е. Шел далекий 1910 год. В теории Робера Делоне, в отличие от концепций Кандинского и Мондриана идеалистическая метафизика отвергалась основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка (основанное Делоне направление получило название орфизма).

1. Абстрактные картины от разных художников
2. Как написать абстрактную картину
3. Современное искусство: 15 странных картин, проданных за баснословные деньги
4. Единство противоположностей: любопытная живопись талантливого американца
5. Многогранное творчество: необычные картины датского художника
6. « » – новая серия абстрактных картин франзузского художника

Вообще, абстракционисты считали себя очень гуманными людьми. группы распались. Была даже издана его автобиография.

Поллок, М. Тобиидр. ), развивавшегося после войны вомногих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») ипровозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» исубъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых ифактурных сочетаний. Вот таким образом картина не должна быть слишком перегруженной. При этом Кандинский всегда мечтал о преподавательской деятельности. Кандинский употреблял слово «звук» как обозначение духовного содержания любой формы.

Для молодых советских художников, воспитанных в традициях академической системы и материалистического видения мира, открытие абстракции означало возможность воспроизведения личного субъективного переживания. Другим направлением развития геометрической абстракции стало кинетическое искусство, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих (Александр Колдер, Жан Тэнгли, Николас Шёффер, Хесус Сото, Таксис). Выдвинув в качестве основополагающего фундамента искусства его духовное содержание, Кандинский считал, что сокровенный внутренний смысл полнее всего может выразиться в композициях, организованных на основе ритма, психофизического воздействия цвета, контрастов динамики и статики. Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Группа художников, увлеченных идеей времени, объединились под его началом в Студии «Темпоральная реальность».

Начинается массовое вложение капитала в творения абстракционистов. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы. Кристальное воплощение подобного способа декодирования послания – знаменитый «Черный квадрат». Абстракция – это вершина, кульминация революционного переворота в искусстве. Малевич преподавал живопись, а начинающие, прежде чем.

Осенью 1930 Малевич был арестован ОГПУ, но вначале декабря был освобожден. Ещё один, менее известный пример— серия «Сигнальные системы» пионера русской послевоенной абстракции Юрия Злотникова. Должно быть, к девкам.

Например, Кандинский, обосновывая собственные художественные творения, апеллировал к теософским трудам Блаватской. После1-ймировой войны1914-18годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись вотдельных произведениях представителей дадаизма исюрреализма вместе стем определилось стремление найти применение неизобразительным формам вархитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и«Баухауза»). Надо сказать, что Малевич был сильно и как-то по-буддистски религиозен, что очень чувствуется при взгляде на его работы. Особенностью «Новой реальности» была установка на коллективную работу, к которой стремились футуристы начала XX века5.

При этом некоторые картины абстракции выглядят как простая точка посередине холста. Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм, окончивший Пражскую академию искусств. Благодаря отказу от частностей и деталей он надеялся достичь более ясного выражения универсальных первооснов творчества, стремясь обрести то, что он называл «чистой пластической реальностью». Пока на недавно продлённуювыставкуРафаэля и Караваджо игрузинский авангардв ГМИИ им. Если под рукой есть дети— обязательно привлеките их к процессу: практика показывает, что дошкольники гораздо быстрее улавливают суть абстракции, чем скептически настроенные взрослые (а людям младше пяти просто нравится размазывать краску— и такаяживопись действиятоже имеет право на существование).

Мир как беспредметность или вечный покой» изданную в 1962 на немецком языке. Так в чем отличие именно абстракционизма. Но тем не менее, в первую очередь, они, конечно, смотрят на автора. В 1932 стал руководителем экспериментальной лаборатории в Государственном Русском музее, участвовал в выставках.

• Абстрактный реализм: городские пейзажи от
• Абстрактные картины Элохима Санчеса ( ): материальный мир под микроскопом
• Джексон Поллок: за гранью объяснимого
• Абстрактные и гротескные картины Кристиана ван Миннена
• Красивые картинки абстракция (35 фото)

Конечно, эта идея была не нова, но тем не менее в то время Кандинский был единственным, кто работал над языком фигур и был первым абстракционистом, стоял во главе художественного авангарда. В 1910 создал первое абстрактное произведение и написал трактат, озаглавленный «О духовном в искусстве» (опубликован в 1912 на немецком языке, фрагменты русского варианта были прочитаны Н. И. Кульбиным в декабре 1911 на Всероссийском съезде художников в Петербурге). А вот нарисовать на холсте точку, переплетение линий, набрызгать цветовых пятен, пустить «цветовую пыль» – это значит, дать пищу уму, вызвать различные ассоциации, воспоминания. Главная идея данного направления – передать гармонию между человеком и искусством, создать определенное гармоничное сочетание линий и цветовых пятен. Бесконечные ряды стирального порошка Brillo, бутылок кока-колы, супа Кэмпбелл сменялись тиражированными портретами Мерилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли: «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать» – слова художника воплотились в идею «Фабрики», где на основе тиражной техники шелкографии было организовано «производство» современного искусства. К 1920 стиль Мондриана полностью сформировался. Но другой. Никак не отражают все эти практики знакомый мир, ежедневно данный нам в ощущениях. В живописи этого направления все предметы видимого мира рассматриваются как сумма лучей.

Сказанное в начале века вновь стало актуальным для следующих поколений живописцев. Мельников, А. Веснин, Н. Габо, А. Певзнер и др. ). Начался новый этап в развитии отечественного абстракционизма -1950-1970-е годы.

Ну, что-то типа того. В своём манифесте — признании в любви абстракции известный арт-критик Джерри Зальцназываетгипнотические полотна Ротко «буддийским телевидением»— подразумевается, что вглядываться в них можно бесконечно. По словам художника: «Динамизм, ритм, ярко выраженные в геометрической абстракции», привели его к анализу: «Инамических представлений, заложенных в искусстве» и далее: «К изучению моторных реакций человека»источник не указан 1325 дней. Мода использует абстракные принты иногда полностью копируя произведения художников. Вся атмосфера дома будет завесить от того, кто именно нарисовал картину абстракцию.

• Абстрактные постеры (Абстракционизм)
• Картины по стилям и направлениям / Абстракционизм
• Подходы к созданию абстрактных изображений
• Точка, точка, запятая: 10 современных абстракционистов
• АБСТРАКЦИОНИЗМ, КАРТИНЫ АБСТРАКЦИИ, СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ АБСТРАКЦИОНИСТЫ В ГАЛЕРЕЕ

Несколько групп абстрактногоискусства («Конкретное искусство», 1930 «Круг иквадрат», 1930 «Абстракция итворчество», 1931), объединивших художников различных национальностей инаправлений, возникло вначале30-хгг., главным образом воФранции. Лишь вы решаете, нарушать ли правила, как выражать себя и что вы считаете искусством. В самом широком смысле абстрактная фотография (Abstract Photography) — очень разнообразная категория изображений, созданных при помощи различных техник и приемов, но общим правилом для которых является уход от символической репрезентации. Уверенные в себе могут набрать палитру красок самостоятельно, так как оттенки в готовых наборах часто создают впечатление, будто они предназначены для пятилетних детей или домохозяек, которые расписывают цветочные горшки. той области, которую позднее назовут дизайном. Единственное объяснение состоит в том, что именно «Черный квадрат» был случайно замечен публикой первым, он потряс и шокировал.

Александр Кальдер создает свои «стабили». В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. 2.

1. Искусство«Я тоже так могу»:Как понять и полюбить абстрактное искусство
2. Живопись современных художников: Абстракционизм
3. Совет 1: Как нарисовать абстракцию
4. Жанр абстракция — современное решение для интерьера

Первымисточник не указан 1424 дня неформальным художественным объединением периода «оттепели», развивавшим принципы абстрактного искусства, стала студия «Новая реальность», которой собралась вокруг Э. М. Белютина. Их творчество стало вершиной немецкого экспрессионизма и открыло путь к абстракции. Свои произведения автор называл «шадографиями» и вслед за художниками-абстракционистами просто нумеровал изображения вместо названий.

Код дешифровки этого искусства слишком индивидуален. Смеркалось. Большое влияние на творчество Кандинского имело развитие символизма.

Малевич много работал над полотнами новой живописной системы, названной им «супрематизм» («Черный квадрат», 1913), принципы которой были изложены им в брошюре-манифесте «От кубизма к супрематизму. Я позволяю воображению вести себя и каждый раз получается что-то новое и необычное. Подобными способами можно было изменять привычный облик предметов.

Объединяет их одно – абсолютно непонятно, что там нарисовано или сваяно. Основоположником этого движения считается русский художник Василий Кандинский. Во время обучения в Киевской школе художеств, затем в училище живописи, зодчества и ваяния в Москве, художник проявлял заинтересованность ко многим стилям изобразительного искусства.

• Картины известных художников-абстракционистов
• Абстракционизм в современном дизайне
• Абстракционизм в живописи и искусстве
• Поддайте жарку в слоте печка и получите свой выигрыш прямо сейчас

Начался новый этап в развитии советского абстракционизма — 1950—1970-е годы. Целью их было создание принципиально нового художественного языка, который будет пробирать зрителя до дрожи. Эти фигуры были заполнены типичными для абстрактных композиций Де Кунинга фрагментами едва намеченных углов и поверхностей. Художники-абстракционисты Делоне и Купка представили свое собственное искусство.

Но послушайте, против канонов, традиционализма, академического стиля в живописи бунтовали и импрессионисты и сюрреалисты и многие-многие другие. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана. Так какая тогда разница. Если боитесь замараться, возьмите пастель. Ну зачем вам этот свинячий розовый или, тем более, серебристый. Зачем тратить время на условности, если можно разговаривать напрямую.

1. Картинки красивые водопады (35 фото)
2. Прикольные картинки Бабы Яги (35 фото)
3. Прикольные фото отпуска (38 фото)
4. Новые прикольные фото животных с надписями (41 фото)
5. Абстракционизм — стиль в изобразительном искусстве и его разновидности
6. Картины по стилям и направлениям
7. Абстракционизм и искусство во всех проявлениях

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Многие из его работ рассматриваются как шедевры абстрактного экспрессионизма. Некоторые полотна ранних последователей нового жанра понять было невозможно.

В начале 50-х к абстрактной живописи впервые обратился известный импрессионист А. Матисс. В 1928 – 1930 преподавал в Киевском художественном институте. Настолько, что можно, в принципе, сомневаться, существует ли он. То, что одному кажется жизнерадостным сочетанием красок, другой воспримет как агрессивное.

1. Не пытайтесь выяснить, что хотел сказать художник
2. В любой непонятной ситуациииспользуйте формальный анализ
3. Помните, что всё искусство абстрактно
4. Мой опыт с абстрактными картинами

Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Эта эпоха означает полный переход от рамок и ограничений к полной свободе выражения. Целый ряд направлений в современном искусстве, например минимализм и оп-арт, восходят к творчеству Мондриана и кружку «Де Стиль», так же, как и формы современной архитектуры, рекламы и печати. Подготовьте материалы.

В послевоенной Америке набирала силу «школа Нью-Йорка», членами которой были создатели абстрактного экспрессионизма Д. Поллак, М. Ротко, Б. Ньюман, А. Готтлиб. Ведущая роль в происходящих переменах принадлежала абстракционизму, который объединял ряд течений, возникших на основе модернизма, таких как футуризм, кубизм, экспрессионизм, сюрреализм и другие. «Новая реальность» объединила московских художников, которые придерживались различных взглядов на методику построения абстракции. Кандинский говорил, что: «Сознательно или бессознательно художники все больше обращаются к своему материалу испытывают его, взвешивают на духовных весах внутреннюю ценность элементов из которых надлежит создавать искусство»источник не указан 1325 дней. Умер после тяжелой болезни.

Все норовят отразить какой-то незнакомый мир, в ощущениях вообще никогда не данный.

Критики этого направления утверждают, что ассоциации – дело сугубо индивидуальное. Процесс расслоения кубизма, футуризма, экспрессионизма в 1910-м году. А почему, опять сомневается публика, то, что мы, ну это наплюем, оно не искусство. «Мой ребёнок/кошка/обезьяна может не хуже», —фраза, которую произносят каждый день в каждом музее современного искусства (возможно, где-то додумались поставить специальный счётчик). Кто это.

1913 год ознаменовался предоставлением на всеобщее обозрение известного «Черного квадрата», сотворенного по созданной им специальной системе, которую он сам наименовал динамический супрематизм. Вера Преображенская говорила: «В моих картинах Бог — это почти всегда черный квадрат»источник не указан 1325 дней.

Восприятие искусства в высшей степени субъективно. Но мысль все-таки разовью.

В процессе работы со студийцами Элий Белютин сформировал теорию «всеобщей контактности», в которой выразил принципы развития творческого потенциала художника. Кандинский, Малевич, Поллок. Достичь этого без применения узнаваемых фигур и объектов очень сложно. Все их можно уносить, я их убил аргументом. Он рассказывал своим студентам о форме, цвете и восприятии этого мира художником.

То есть критерии оценки по определению – в голове зрителя. А шутки, безусловно, веселые. В композиции нужно было стремиться к предельному равновесию. Следующий этап в развитии русской абстракции начинается в 1970-е годы.

Искусство не терпит прямоговорения, его сила в метафоре. Радость искусства в том, что оно разное. В начале ХХ века появилось новое течение в искусстве – модернизм. Это – об абстракции.

А это, в свою очередь, зависит от того из какого изма какой абстракционизм вышел. И выглядят они оба солидно. Главенство в искусстве живописи мастером было отдано цвету. 1990-е годы подтвердили особенный «русский путь» беспредметного искусства.

Казимир Малевич творил в русле супрематизма, отдавая предпочтение геометрической основе для самовыражения. Термин «абстрактное искусство» (иногда «беспредметное», «не нерепрезентативное») — это довольно расплывчатое определение для любой картины или скульптуры изображающей не узнаваемые объекты и сцены. Свои работы зрителям представила новая группа немецких художников «Синий всадник», стремившаяся к оригинальности и свободному эксперименту.

Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Его последователями были Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, которые не только исследовали философию абстракционизма, но также разработали новое направление в этом жанре – Лучизм. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф (Евгений Добровинский). Эстетическая теория, лежавшая в основе этого направления, была названа неопластицизмом. Считается, что абстрактную живопись придумал и разработал великий русский художник Василий Кандинский.

Но абстрактной может быть не только мелодия без слов. В 2011 году исследователи решилипроверить, действительно ли полотна в жанре абстрактного экспрессионизма (к этому направлению абстрактного искусства возникает больше всего вопросов) неотличимы от рисунков маленьких детей, а также художеств шимпанзе и слонов. Что же ответить этим личностям, посмевшим замахнуться на святое. Дальше – распад», – эти слова очень точно характеризуют стиль живописи абстракционизм.

НА ЭТОЙ НЕДЕЛЕ В ЕВРЕЙСКОМ МУЗЕЕ И ЦЕНТРЕ толерантности заканчивается выставка«Абстракция и образ» Герхарда Рихтера —первая в России персональная экспозиция одного из самых влиятельных и дорогих современных художников. Исчерпывающее определение этому направлению в искусстве, вполне подходящее и для фотографии, дал Герберт Рид в работе «Современное искусство» 1948 года: «Мы называем абстрактными все те произведения искусства, которые, даже если они отталкиваются от представления художника о каком-либо предмете внешнего мира, в дальнейшем обретают независимую и самодостаточную эстетическую ценность, не опирающуюся ни на какую объективную реальность».

Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. И да, конечно, вам нужна вода. Его работа «Абстракция стула» 1916 года словно декларирует основные приемы, реализующие устремление к абстракции и свойственные данному «ответвлению»: съемка крупным планом, необычные ракурсы, эффекты освещения и выразительные природные свойства самих фотографируемых объектов.

Новые постулаты предполагали отказ от некоторых традиций реализма в живописи. Тем не менее, четкого консенсуса касательно этой интерпретации нет. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве»3, в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. Абстрактная живопись – это новое искусство, беспредметное и нефигуративное по своей сути.

Создатель «лучизма» Михаил Ларионов изображал «излучение отраженного света цветовую пыль». Последние 11 лет жизни Кандинский провел в пригороде Парижа.

Им принадлежит изобретение т. н. В 1925 году школа переехала в Дассау, где он вел свободного, не прикладного искусства. Но что это. Иллюзорной сути искусства посвящена знаменитая картина Рене Магритта «Вероломство образов»: конечно, «это не трубка» — это всего лишь удачно расположенные на холсте мазки краски. Убив «Квадратом» живопись, а в пределе – и весь старый мир (художник – он же демиург, творит миры, ну и уничтожает тоже), Малевич начал создавать новый, назвав его «супрематизм». А только вот из вас исходящее.

Они старались добиться максимального эффекта путем ритмичного пересечения красочных плоскостей. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е. Мюррей, Г. Стефан, Л. Риверс, М. Морли, Л. Чезе, А. Бялоброд). Вообще, строго говоря, начался не абстракционизм, а один из его видов. Зачастую абстракции для оформления интерьеров выбирают люди сильного, богатого ума. Возникло оно как полноценное движение в 10-х годах прошлого века.

Все, больше я о Кандинском не скажу ни слова, сколько можно. Эпоха «оттепели» подразумевала особую систему взаимоотношений абстрактного искусства с властью. Это не недостаток, а достоинство.

В 1923 был назначен директором института исследований культуры современного искусства. А вот «Царя Петра, допрашивающего царевича Алексея» она сделать не может. К примеру, произведения Велимира Хлебникова в большинстве своем абстрактны.

Параллельно в США возникла постживописная абстракция, принципами которой стало сокращение и предельное упрощения живописных форм унаследовав правильные геометрические формы от геометрической абстракции, постживописная абстракция скругляет, «смягчает» их. С изобретением фотографии исчезла необходимость скрупулёзно копировать то, что мы видим, чтобы сохранить это в памяти.

«Потому, что я – художник», – бьет наотмашь Швиттерс и куда-то уходит. Следовательно, самая красивая абстракция значит столько же, сколько подпись под ней. Эти закономерности интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении2. А вот что: «Вы не правы. ».

Глазами, полными тоски и ностальгии, он бесцельно окинул знакомые до боли предметы. Малевич являлся ярым приверженцем теории супрематизма. В 1927 Малевич экспонировал свои картины в Берлине. Вот таким образом этот прием следует использовать только в том случае, если вам выгодно, чтобы покупатель фантазировал. К примеру, абстракция, заложенная в рекламный образ в СМИ, газетах и журналах призвана увлечь, вызвать любопытство, зацепить читателя, чтобы он захотел больше узнать о товаре. Отношения между ними исключительно гармоничны, нигде нет и намека на конфликт.

Несмотря на то, что в «Новой реальности» с уважением относились к опыту русских авангардистов первой половины XX века и западных экспрессионистов, Белютин не учил технике, хотя среди его учеников были отнюдь не только профессионалы. Абстракция стоит выше рамок формы, она напрямую говорит с сознанием потребителя произведения искусства. В Голландии, которая является родиной художника, постепенно возникает множество его последователей, которых он смог сгруппировать около периодического издания «Стиль». Первой «абстрактной» картины. В книге «Темпоральная реальность» Владислав Зубарев выделяет пять видов времени: изогнутое, реликтовое, субъективное, разорванное, плоское время.

Можно было использовать только прямой угол, цвета должны были быть только основными (красный, желтый, синий) и плоскими, как чертежная заливка. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Ноэта революция возникла неслучайно, авполне закономерно ибыла предсказана еще Платоном.

Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. Летом 1959 года их произведения увидели молодые художники в Москве на выставке национального искусства США в парке «Сокольники». Вплоть до конца 19-го века большинство картин и скульптур создавались с использованием традиционных и классических принципов, заложенных академиями искусств.

А публика-то в сомнении бродит – произведение это или просто мусор. Супрематизм находит применение в архитектуре, в промышленной эстетике – т. е. Художники стремились использовать неожиданные, нестандартные сочетания цвета и фактур, скульпторы (Эдуардо Чильида, Сеймур Липтон и другие) создавали причудливые композиции и применяли необычные способы обработки материалов2. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. В послевоенной Америке набирала силу «школа Нью-Йорка», членами которой были создатели абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнетт Ньюманн, Адольф Готтлиб.

Кандинский был мистиком, теософом и символистом. Ему нужен был собственный язык картины, которым можно было бы выразить глубочайшие эмоции. Короче – нечто и туманна даль.

О фартуке и палитре тоже позаботьтесь. Из школы Белютина вышел Владислав Зубарев, первым разработавший принципы выражения категорий времени в живописи.

Звучит сомнительно, но соблазнительно. Если вы готовы вложиться в свою будущую карьеру абстракциониста по полной, то возьмите подготовленный (натянутый и загрунтованный) холст — для акрила он подойдет точно, а пастель в таком случае нужна не сухая, а масляная. Его система, названная им «неопластицизм», тоже изображала идеальный мир. Для начала подготовьтесь к занятию живописи, затем решите, что вы хотите создать: абстрактную геометрическую картину в духе Пола Янко или Торнтона Уиллиса, минималистичную геометрическую абстракцию с яркими пятнами (в стиле Пье Мондриана или Поля Клее) или вам хочется больше внимания уделить самому процессу живописи (как у Джексона Поллока или Марка Ротко). Особое внимание он уделял соединению музыки и цвета. В этом случае – действительно сложно. Летом 1959 года их произведения увидели молодые художники в Москве на выставке национального искусства США в парке «Сокольники».

Кроме того. Можно сказать, что это – изображенная музыка. Ну, например, сделал дадаист Швиттерс конструкцию из мусора и говорит: «Я сделал искусство». Но любое искусство имеет право на существование и его нельзя ни запрещать, ни очернять, ни скрывать.

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. К тридцатым годам ХХ века течение абстракционизма набрало силу. Это я и хочу отразить в своих работах. Для многих художников, страдающих от внутренних противоречий и собственной несовместимости с внешним миром, абстракция стала чуть ли не единственным способом примирения с действительностью (кроме наркотиков и алкоголя, конечно). Испытуемым предлагали посмотреть на пары картинок и определить, какие из них сделаны профессиональными художниками — в 60–70 случаев респонденты выбирали «настоящие» произведения искусства. В отличие от Мондриана, первоэлементы эти не были жестко закреплены, а располагались на основе свободного развновесия.

Абстрактная картина Деваня «Апофеоз Марата» (1951) была встречена критикой с большим энтузиазмом. Однако выставка 1962 года в Манеже, резкая критика со стороны партии искусства художников «Новой реальности» и кампания против абстракционизма заставила художников уйти в подполье. лучизма – интересной, но до сих пор мало востребованной системы абстракционизма. Впоследствии расходуется большее количество краски, чем на обычный пейзаж или натюрморт. Они, разумеется, обращают внимание на цветовую гамму – это всегда важно. Вдохновленный творчеством Сальвадора Дали, Пабло Пикассо и Василия Кандинского, американский художник Роберт Хардгрейв (Robert Hardgrave) создает абстрактные футуристичные и сюрреалистичные работы: Мои картины — это мои размышления над непредсказуемостью жизни. Первые международные объединения художников-абстракционистов («Круг и Квадрат», «Абстракция-Творчество») сформировались в начале 1920-х — начале 1930-х годов в Париже2.

А живопись — инструмент, который позволяет выразить этот потенциал во всей полноте. Опираться можно на отличную книгу ФрансуазыБарб-Галль «Как говорить с детьми об искусстве»— приведённый в ней разбор картины Мондриана«Композиция с красным, синим и жёлтым» для самых маленьких не стыдно почитать и взрослым. Его картины неоднократно копировались многими представителям сферы живописи и искусства. Представители абстрактного экспрессионизма (Поллок, Марк Тоби, Виллем де Кунинг, Марк Ротко, Аршиль Горки, Франц Клайн) провозгласили своим методом «бессознательность» и автоматизм творчества, непредвиденность эффектов («живопись действия»). Основоположником абстрактной живописи считают Василия Кандинского.

В 1931 делал росписи в Красном театре Ленинграда. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции.

Однако, человеку свойственно стремление к равновесию и гармонии. И я тебя сейчас научу. История искусства споявлением абстракционизма пережила революцию. При ближайшем рассмотрении можно сказать, что работы Кандинского похожи на фотоэффекты, закрепленные при помощи красок.

Отношение к произведениям художников-абстракционистов можно выразить словами нидерландского философа XVII века Б. Спинозы: «Не плакать, не возмущаться, но понимать». В 1929 состоялась его персональная выставка в Государственной Третьяковской галерее. Уже вскоре после возникновения абстракционизма обозначились два основных направления развития этого искусства: геометрическая абстракция, тяготеющая к правильным геометрическим формам и устойчивым, «субстанциональным» состояниям (Мондриан, Малевич) и предпочитающая более свободные формы, динамические процессы лирическая абстракция (Кандинский, Купка).

Американские исследователи характеризовали абстрактный экспрессионизм как «жест освобождения от ценности политической, эстетической, моральной»источник не указан 1325 дней. Дай мне 40 минут». Конечно.

В XIX веке появилась фотография и художники освободились от обязанности изображать мир таким, какой он есть: портреты родственников и любимых собачек стали делать в фотоателье — получалось быстрее и дешевле, чем заказывать у мастера картину маслом. Неудивительно, что абстракционисты находили применение неизобразительным формам в промышленном искусстве, художественном конструировании, архитектуре (деятельность группы «Стиль» в Нидерландах и школы Баухауз в Германии работа Кандинского во ВХУТЕМАСе архитектоны и дизайнерские проекты Малевича «мобили» Александра Колдера конструкции Владимира Татлина, работы Наума Габо и Антуана Певзнера). Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. В 1926, после погромной статьи в «Ленинградской правде» институт был ликвидирован, а Малевич уволен. Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма.

Московская абстракция рубежа 1960-х, углубившись в поиски нового формообразования, соответствующего внутреннему состоянию «творческой озаренности», своего рода медитации, дала убедительные примеры собственного понимания культуры беспредметного. «Геометрическая» абстракция позволяла приблизиться к проблемам, волновавшим мастеров 1920-х годов, почувствовать преемственность и духовную связь с классическим авангардом. За два года до этого события современное мировое искусство было представлено на художественной выставке в рамках Всемирного фестиваля молодёжи и студентов.

Абстрактная живопись – это одно из основных направлений современного искусства. Да, его система была создана на основе русского кубо-футуризма. Другое «ответвление» абстрактной фотографии вполне можно было бы назвать «абстрактным реализмом».

Абстракционизм, как живопись личного переживания, ещё долгое время находился в андеграунде. Однако последнее слово все-таки остается за критиками и искусствоведами. История создания работы тоже важна: скорее всего, если вы узнаете, когда и при каких обстоятельствах было создано произведение, вы разглядите в нём что-то новое.

Его знаменитое полотно «Черный квадрат» – классическая абстракция. В этом и состоит главное отличие абстрактной или беспредметной, живописи от более привычной нам фигуративной: художник-абстракционист вообще не стремится изобразить окружающий мир, он не ставит перед собой такую задачу. Язык нефигуративного искусства лежал в основе культуры новой, современной пластической формы, станковой, декоративно-прикладной или монументальной и имел все возможности для дальнейшего плодотворного и перспективного развития.

.

---

Как рисовать абстракцию | BroDude.ru

Так, мы вооружились информацией, которая, надеемся, ещё не устарела для этого времени, чтобы рассказать тебе как рисовать абстракцию. Как известно, чтобы нарисовать полотно, которое хорошо себя продаёт, не обязательно быть мастером кисти. Люди лепят картины, точно на фабрике, и многие из подобных людей активно выставляются, намекая на концептуальность своих работ. Быть может, они действительно концептуальны, пропитаны глубоким смыслом и в целом интересны. По крайней мере, некоторые из них нам действительно очень нравятся.

Чтобы писать картины, как это делал Поллок, нужно быть, собственно, самим Поллоком. У других подобное не получится. Однако ты можешь потренироваться и оценить свои способности, прочитав наш лайфхак по нестандартной живописи. Кто-то, конечно, начнёт плеваться от картин, которые не изображают реальность и нормальные формы, но нам кажется, что для этого был создан фотоаппарат, который показывает реальность куда правдивей любого художника. Но спорить о вкусах не будем и просто покажем тебе некоторые вещи, которых ты, возможно, не знал.

Инструменты

Итак, что тебе потребуется:

– Акриловые краски
Почему акриловые, а не масляные? Акриловые имеют над маслом очень большое преимущество. Они меньше меняют цвет при высыхании, ими можно подвижно работать, можно даже сказать, молниеносно, ведь сушатся они очень быстро.

– Банки
Можно взять пластиковые небольшие баночки. Нужны для того, чтобы разбавлять краску в необходимых пропорциях, ну, и для написания картин они тоже пригодятся.

– Полотно
Бери побольше, подобные картины не рисуют на А3. Некоторые и вовсе работают на поверхности, соизмеримой с длинной стеной. Картины получаются действительно громадными. В общем, будет неплохо, если ты раздобудешь большое полотно.

– Стеки
Такие палки, можно взять палочки для суши с прошлого ужина.

– Малярная кисть
Ну а нафиг нам обычная? Бери уже ту, которая осталась с ремонта. Ты же не будешь вырисовывать детали – оставь это тем, кто рисует на улицах портреты и шаржи.

– Валик
Да, валик. Самый настоящий валик, которым можно красить всякое.

– Скотч
Тот, который легко открепляется. Нужен для того, чтобы разграничивать различные цветовые зоны. Ты поймешь.

– Тряпки
Если не хочешь испачкать всю квартиру краской и потом долго и мучительно её отмывать, положи на пол какую-нибудь ткань, тряпки или газеты. Можешь ещё перчатки надеть (лучше тряпичные, в резиновых неудобно).

В общем, вот и всё, что нужно. Хотя список можно дополнять, зависит он во многом от твоего воображения. Ну, и конечно, необходимо желание потратить на это целый день.

Процесс рисования

Единственная подготовка перед тем как ты начнешь рисовать абстракцию – это небольшое изучение основ цветоведения. Зачем это нужно? Ты просто должен примерно понимать, как смешиваются цвета, каким образом они подходят друг к другу. Если подобного не знаешь, может получиться не картина, а каша желто-зеленого цвета, грязь в полном смысле слова. Предположим, что ты уже вбил «Цветоведение» в гугл и прочел краткую информацию и некоторые основы. Больше тебе ничего не надо.

Вообще, создание подобной картины потребует от тебя изрядной доли фантазии и умения, несмотря на то что процесс не говорит об этом. Ты не должен рисовать что-то определенное, так как рисовать абстракцию значит как раз обратное. Поэтому бери тюбики с краской и размазывай их по полотну. Возьми для начала два разных цвета. Например, желтый и красный. Попробуй с помощью кисти создать некую фигуру из одного цвета и фон из другого. Это довольно легко. Делай всё быстрыми движениями, краска быстро засыхает.

Техника рисования подобных картин достаточно экспериментальна на первый взгляд. Однако, её уже давно используют. Для придания текстуры можно воспользоваться стеками, палочками для суши к примеру. Когда основной фон готов, накидай ещё какой-нибудь краски и попробуй поработать стеками. С их помощью можно делать такие продолговатые линии, тем самым сооружая некий рисунок. Оторви от пола кусок газеты и легкими движениями «потрогай» картину. Перед этим газету можно помять, как это обычно делают при отсутствии туалетной бумаги на природе. В итоге ты получишь ещё один тип рельефа.

Не забывай, конечно, делать рисунок и с помощью кисти. Также можешь обмакнуть кисть в краски и просто набросать капли. В итоге уже начинает что-то вырисовываться, ведь так? Хотя к этому времени ты мог уже полностью загубить свою работу, но будем рассчитывать на то, что всё у тебя отлично.

Теперь лепим скотч (лучше использовать малярный) на картину. Разграничиваем зоны. Ясное дело, что должна выстраиваться композиция, чтобы на картину было приятно смотреть. Для этого можешь по-быстрому почитать о «Золотом сечении» и тому подобное. Короче, лепим скотч, берем валик и закрашиваем к черту одну зону тем сплошным цветом, который тебе в душу запал. Открепляем скотч – получается ровный стык, граница. Продолжаем дальше работать, на этот раз уже оглядываясь на то, что было сделано ранее.

Можно проделать штуку со скотчем несколько раз, особенно если у тебя полотно на всю стену. Крутость в том, что подобного рисунка ни у кого больше не будет, да и повторить его весьма сложно. Попытайся затемнить картину, добавив немного черного. Опять же используй стеки или малярную кисть для этого. Капли выглядят порой очень неплохо на полотне. Ну, и думай сам дальше: делать тебе перегруз деталей или оставить всё как есть.

Тебе не обязательно считать такое времяпрепровождение занятием искусством. У всех вкусы разные, и для некоторых людей подобное всегда останется просто мазней. Но наверняка тебе понравится сам процесс, нет разницы, какие у тебя предпочтения. Кроме того, живопись имеет терапевтический эффект, что, несомненно, пойдет тебе на пользу, успокоит нервы и сделает жизнь лучше.

Кстати, для лучшего восприятия посмотри этот видеоролик:

Теперь, когда ты знаешь как рисовать абстракцию, можешь прочитать наш другой материал по рисованию: Советы как научиться рисовать карандашом

Десять незабываемых примеров абстрактного рисунка

Blog Home

16 ноября, 2016

Рисунок — один из самых простых и доступных способов воплощения в искусстве. Практически любой может это сделать. Все, что для этого требуется, — это пишущий инструмент и плоская поверхность. Тем не менее, насколько простой может быть среда, некоторые из самых незабываемых абстрактных произведений искусства — это абстрактных рисунков . Иногда абстрактное искусство может вызвать разногласия. Это по своей сути неоднозначно и предполагает определенное количество предположений.Для многих такая двусмысленность очаровательна, потому что она допускает неограниченное участие любого, кто желает открыться произведению искусства. Но для других давление попыток «достать» или «разобраться» в произведении абстрактного искусства является отключением. Абстрактные рисунки как-то немного смягчают это давление. Они доступны и прямолинейны. Они используют ограниченный набор средств массовой информации, и их тенденция — быть небольшими по размеру. Кроме того, сесть с карандашом и бумагой — это самое естественное в мире. Нет никаких ожиданий.На материалы было потрачено очень мало денег. Художник может нарисовать десятки рисунков и выбросить их все, практически не теряя ресурсов. Этот факт может частично отвечать за то, почему так много иконических абстрактных рисунков делают художники, которые обычно работают в других средах; потому что в наименее защищенные моменты они небрежно рисовали что-то, что выражало истинную природу их идей из глубины души.

Определение абстрактных рисунков

Слово рисунок за последнее столетие или около того приобрело некое нечеткое определение.Было время, когда рисунок определялся как изображение, сделанное на двухмерной поверхности ручкой, карандашом или мелком. Но за последнее столетие нескольким художникам-новаторам удалось расширить это определение. Александр Колдер называл свои проволочные скульптуры рисунками в космосе. Сол Левитт делал рисунки, создавая разрывы на листе бумаги; разрывы представляли нарисованные линии. Британская художница палестинского происхождения Мона Хатум рисует абстрактные узоры из человеческих волос на бумаге ручной работы.И многие художники, такие как Пауль Клее, сочетают рисование с другими средствами, такими как живопись и коллаж.

Несмотря на то, что определение рисунка вышло далеко за пределы его первоначального определения, для нашего списка незабываемых абстрактных рисунков мы попытались ограничить наш выбор работами, которые представляют простейший из возможных подходов к рисованию. Большинство наших вариантов написано на бумаге и сделано графитом или чернилами и было сделано намеренно как законченные произведения искусства. Но некоторые представляют собой предварительные эскизы для других произведений искусства, некоторые закончены, а некоторые нет, или были созданы для проработки деталей идеи.Многие художники обращаются к рисованию, чтобы выразить какую-то важную концепцию, с которой они борются, и внезапно появляется форма, жест или композиция, которые идеально выражают суть их поиска. В нашем списке есть пара таких примеров. Итак, без лишних слов, вот наш список из десяти абстрактных рисунков, которые мы считаем незабываемыми.

Ulrike Müller — Curiosity 1

Ульрике Мюллер, уроженка Австрии, влиятельный голос в современном абстрактном искусстве. В своей студийной практике она занимается различными направлениями, одна из которых — рисование.Ее творчество обращается к отношениям, в том числе между отдельными людьми и группами, а также между формами и символами. Рисунок, который мы выбрали Мюллером, является частью большой серии работ, в которых исследуются различные формы и композиционные вариации, связанные с полом и сексуальностью. Этот рисунок выделяется для нас как знаковый для общего лексикона сериала, а также стоит сам по себе как трансцендентный абстрактный образ. Он обладает рядом возможных интерпретаций и включает в себя специфические качества своего носителя.

Ульрике Мюллер — Кьюриосити 1 , 2005-2006. 51 лист бумаги, карандаш и аэрозольная краска. Каждое: 11 × 8 1/2 дюймов (27,9 × 21,6 см). Приобретено благодаря щедрости Совета современного искусства Музея современного искусства. Коллекция MoMA

Ричард Таттл — синий / красный, фаза: рисунки № 4

Художник-постминималист Ричард Таттл имеет репутацию создателя простых, элегантных произведений искусства, которые самым прямым образом выражают универсальность.В его работах заметно влияние его личности и его руки. Его творчество простирается от картин до скульптур, инсталляций и рисунков. Некоторые из его самых знаковых работ включают в себя простейшие материалы и самые деликатные действия, например, формирование тонкой проволоки и подвешивание ее на стене под прямым светом, просто играющая ее форму с тенью. Этот простой рисунок, который мы выбрали Таттлом, красиво и мощно выражает как простоту, так и своеобразную индивидуальность, передаваемую его творчеством.

Ричард Таттл — Сине-красный, фаза, рисунок №4, гуашь, фломастер, карандаш, бумага в рамке художника. 15 x 12 1/4 x 1 1/2 дюйма (38,1 x 31,1 x 3,8 см). Подарок из коллекции современных рисунков Фонда Джудит Ротшильд. Коллекция MoMA. © 2019 Ричард Таттл

Дональд Джадд — Без названия (Карандашный рисунок на желтом Paper)

Дональд Джадд, пожалуй, наиболее известен своим вдумчивым и интеллектуальным эссе под названием Specific Objects , в котором были рассмотрены многие философские проблемы, которыми дорожили художники, связанные с минимализмом.Мы выбрали этот рисунок Джадда, возможно, по довольно подрывной причине. Его работа была строго бесстрастной. Он использовал промышленные материалы и процессы и избегал ссылок на личность или физическое состояние художника. Этот рисунок, тщательно сделанный вручную простым древним способом на бумаге и полный небольших недостатков, выдает многие из идеалов, которые Джадд очень дорожил. Тем не менее, каким-то образом насыщенный цвет произведенного до сих пор говорит в разговоре с его самыми запоминающимися работами.

Дональд Джадд — Без названия (Карандаш на цветной бумаге).1976. 14 1/2 x 17 1/8 дюйма (36,8 x 43,5 см). Дар Сары-Энн и Вернера Х. Крамарски. Коллекция MoMA. © 2019 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Dorothea Рокберн — Рисунок, который сам по себе

Доротея Рокберн назвала рисунок « костями мысли ». В 1970-х годах она предложила уникальное эстетическое предложение, экспериментируя с недорогими материалами, личными, интимными процессами и простейшими жестами. Ее работы из сложенной бумаги, на которых она прорисовывала складки, одновременно тонкие и глубокие.Мы выбрали этот рисунок из-за того, что он представляет собой выразительные геометрические узоры с помощью простейших методов, посредством давления на копировальную бумагу. Он предлагает культовый взгляд на ее прекрасный ум.

Доротея Рокберн — Само собой рисунок, углерод, углеродный перевод и карандаш на бумаге, 22 1/2 x 30 дюймов, 1972 г. © 2019 Доротея Рокберн / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Роберт Смитсон — Без названия (Три рисунка спиральной пристани)

Ранее в этом году у нас была возможность лично поехать, чтобы увидеть Spiral Jetty , оригинальное произведение ленд-арта, созданное Робертом Смитсоном на дне Большого Соленого озера в Юте .Поездка на это место может быть жестокой — медленная 10-мильная поездка по неумолимой, рябой гравийной дороге. А само произведение искусства сложно воспринять, поскольку оно конкурирует с естественным величием своего окружения. Этот рисунок, игриво созданный на миллиметровой бумаге, выражает невинность и универсальность Spiral Jetty и запоминается тем, как он помогает нам контекстуализировать общее впечатление от работы.

Роберт Смитсон — Без названия (Три спиральных рисунка причала), гр.1970. Карандаш на трех листах миллиметровой бумаги. 11 x 8 1/2 дюймов (27,9 x 21,6 см) (каждый). Частичный и обещанный подарок Тони Ганца в память о Викторе и Салли Ганц. Коллекция MoMA

Джорджия О’Киф — Рисунок X

Джорджия О ‘ Киф начала свою карьеру с отправки серии рисунков углем другу, чтобы узнать ее точку зрения на них. Этот друг отнес рисунки в галерею Альфреда Штиглица в Нью-Йорке. Штиглиц оказал огромное влияние на модернистское искусство. сцены, и он назвал рисунки « самых чистых, лучших, самых искренних вещей », которые он видел за долгое время.О’Киф сделал этот рисунок четыре десятилетия спустя. Как и большинство ее работ, это можно было прочитать как вызывающее воспоминания о естественной форме, например, изгиб ветки дерева, или как полностью абстрактное. Мы обожаем его за мастерство в представленной среде и за его легкую простоту.

Джорджия О’Киф — Рисунок X, 1979. Бумага, уголь. 24 7/8 x 18 5/8 дюйма © 2019 The Georgia O’Keeffe Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Rachel Whiteread — 24 включения и выключения

Современная художница Рэйчел Уайтрид имеет имела выдающееся начало своей карьеры.Она считалась одной из молодых британских художников, и стала первой женщиной, получившей премию Тернера в 1993 году. Уайтред прежде всего известна своими скульптурными работами, которые состоят из слепков объектов и структур различных размеров. Она также была известна создателем монументальных инсталляций для конкретных мест. Рисование не является важной частью ее практики. По ее словам, она использует рисунки как способ « поставить хореографию на пространство ». Мы выбрали этот рисунок из-за его качеств как самостоятельное произведение искусства.В некотором смысле это может потенциально помочь повторно контекстуализировать трехмерную работу, но мы выбрали его за чистоту и элегантность, излучаемую им как уникальное абстрактное эстетическое выражение.

Рэйчел Уайтред — 24 включения и выключения, 1998. Серебряный лист и желтые чернила на бумаге. 26 1/4 x 19 ½ дюйма. Комитет по чертежным фондам. Коллекция MoMA. © 2019 Рэйчел Уайтрид

Элейн де Кунинг — Неиспользованный подготовительный рисунок из книги «Памяти моих чувств»

Фрэнк О’Хара был известным поэтом и бывшим помощником куратора отдела живописи и скульптуры Нью-Йоркского музея современного искусства.Он умер в 1966 году. В следующем году музей выпустил книгу и сопроводительную выставку в его честь. Книга содержала шестьдесят рисунков 30 американских художников, в том числе величайших деятелей абстракции середины века. Мы выбрали этот неиспользованный материал от Элейн де Кунинг. Хотя в книге использовались и другие рисунки де Кунинга, мы находим в этом рисунке неподражаемую эфемерность, которая отсутствует в других принятых рисунках. Его изящество, непосредственность его жестов и простота формы вызывают в воображении представления о древнем, неизвестном алфавите, полном эмоций и глубины.

Элейн де Кунинг — Неиспользованный подготовительный рисунок из книги «Память моих чувств», 1967. Тушь на ацетате. Лист: 13 7/8 x 11 дюймов (35,3 x 27,9 см). Дар художника. Коллекция MoMA

Казимир Малевич — супрематический рисунок

В 1915 году Казимир Малевич произвел революцию в абстракции, создав свой знаменитый художественный стиль. Этот смелый новый визуальный язык, воплощенный в его культовой картине «Черный квадрат», был и остается для многих высшим выражением чистоты и универсальности.Малевич часто рисовал эскизы своих идей к картинам. Мы выбрали этот рисунок из-за его прихоти и движения, которое он, кажется, передает, а также из-за игривого, случайного несовершенства, которое он создает.

Казимир Малевич — Супрематический рисунок, 1916-1917 гг.

Элсворт Келли — Один мазок

Биоморфные абстрактные работы Эллсуорта Келли часто вдохновлены естественными формами, такими как листья или кусочки фруктов. Он часто начинал процесс более крупной работы с набросков и рисования форм, которые он видел в саду или парке.Этот рисунок можно прочитать как лист, и он определенно говорит в разговоре с множеством других рисунков, содержащих похожие формы. Но он выделяется среди других его работ. Его название говорит о необычности непрерывной линии. Композиция предлагает несколько прочтений и организует пространство в созерцательную, но игривую конфигурацию.

Эллсуорт Келли — Один штрих, 1962. Бумага, графит. 28 1/2 x 22 1/2 дюйма (72,4 x 57,2 см). Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк Приобретен на средства, внесенные Беатрис и Сайлас Х.Родос, 1969. © Эллсворт Келли

Показанное изображение: Джорджия О Киф — Рисунок X (фрагмент), 1979. Бумага, уголь. 24 7/8 x 18 5/8 дюйма © 2019 Фонд Джорджии О’Киф / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Филип Барсио

Абстрактные рисунки на продажу | Saatchi Art

В абстрактных рисунках — выбор художника в среде — будь то графит, уголь, тушь, цветной карандаш, пастель и т. Д.- тип бумаги и предпочтительная техника нанесения — все они занимают центральное место в отсутствие образного предмета. По этой причине, например, абстрактные рисунки пером могут вызывать настроение, полностью отличное от абстрактных рисунков пастелью, даже если они имеют схожие образы, стиль и композицию. Тем, кто ценит абстрактную живопись, обязательно стоит подумать о добавлении рисунков абстрактного искусства в свою коллекцию, возможно, демонстрируя группу рисунков в различных средствах массовой информации. Изучите нашу разнообразную подборку абстрактных рисунков, выставленных на продажу новыми талантами со всего мира.

Хотя силы, породившие абстрактное искусство, задолго до 20-го века, только в начале и середине 1900-х художники сознательно отошли от реалистичного представления своего предмета, создав произведения частичной или полной абстракции. Многие ранние абстрактные рисунки служили этюдами для работ, которые должны были быть созданы в другой среде, но некоторые были также созданы как отдельные произведения искусства сами по себе. Сегодня многие художники предпочитают создавать абстрактные рисунки исключительно или в дополнение к картинам из-за уникальных свойств и эффектов, предоставляемых им с помощью средств рисования, таких как графит, уголь, цветной карандаш, чернильные ручки и многое другое.

Художники, предпочитающие тонкие линии и высокодетализированный орнамент, могут работать графитовыми карандашами разной твердости на гладкой бумаге, тогда как те, кто предпочитает размытые линии и более темные оттенки, могут выбрать более мягкий, хорошо размазываемый уголь на грубой бумаге. Цветной карандаш Conte — популярный выбор среди художников из-за его широкого разнообразия цветов и богатых оттенков (в результате содержания в нем масла), а также за то, что он дает художнику возможность создавать точные линии, чего трудно достичь с помощью мягких, пудровых пастелей.Художники обычно используют бескислотную бумагу и наносят защитное покрытие fixatif, чтобы сохранить целостность своих работ на долгие годы.

Несмотря на свою известность как живописцы, Джоан Миро, Василий Кандинский, Аршил Горки и Джорджия О’Киф также создали значительное количество абстрактных рисунков как в качестве этюдов для картин, так и в качестве отдельных работ. Независимо от намерений художника, многие из этих работ на бумаге являются настоящими шедеврами и часто выставляются в музеях и галереях по всему миру.Фактически, в 1915 году (до первой публичной выставки О’Киф в Нью-Йорке) О’Киф провела частную выставку в своей спальне, состоящую исключительно из абстрактных рисунков углем. Фотограф Альфред Штиглиц позже выставил некоторые из ранних рисунков О’Кифа в своей знаменитой галерее, 291.

Что такое абстрактное искусство (и почему меня это должно волновать)?

«Абстрактное искусство было с нами в той или иной форме на протяжении почти столетия и оказалось не только давнишним стержнем культурных дискуссий, но и самообновляющейся, жизненно важной традицией творчества.Мы знаем, что это работает, даже если мы до сих пор не уверены, почему это так, или что конкретно с этим делать ». -Картинки из ничего: абстрактное искусство со времен Поллока Кирка Варнедо

Квадраты с концентрическими кругами. Василий Кандинский, 1913 г.

Что такое абстрактное искусство?

Вы можете прямо любить абстрактное искусство, ненавидеть его или не понимать, что это такое, но, поскольку вы начали это читать, я могу по крайней мере предположить, что вам интересно узнать об этой запутанной форме искусства, которая уклоняется от определения и художественной классификации.

Абстрактное искусство существует уже более 100 лет. Кто-то может даже утверждать, что абстракция началась с наскальных рисунков тысячи лет назад — и все эти века сопротивлялась изменению художественных движений, манифестов и свидетельств.

Абстрактное искусство

Определение. Абстракция буквально означает дистанцирование идеи от объективных референтов. В изобразительном искусстве это означает отрыв изображения от любых буквальных репрезентативных ориентиров.Вы также можете назвать абстрактное искусство нерепрезентативным искусством.

Основные моменты

Первые ласточки. Абстракция восходит к импрессионизму, постимпрессионизму и кубизму. Все трое помогли реализовать идею о том, что искусство не может быть репрезентативным.

Движение. Современное абстрактное искусство зародилось в начале 20 века. Для своего времени это было совершенно радикально. Художники начали создавать упрощенные возражения, практически не ссылаясь на «реальный» мир.

Отец. Первый художник, создавший абстрактное искусство в том виде, в каком мы его знаем, всегда будет оставаться загадкой, но историки часто приписывают Василию Кандинскому, поскольку он создавал картины парящих, непрезентативных форм еще в 1912 году. Его работы принесли абстракцию в Америку во время выставки Armory Show в 1913.

Настоящее. Абстрактное искусство сейчас живет в мире искусства во многих формах. Он двух- и трехмерный. Он может быть большим или маленьким. Абстрактное искусство также можно создавать с использованием множества материалов и поверхностей.Его можно использовать вместе с изобразительным искусством или полностью абстрактным. Художники, создающие его, часто сосредотачиваются на других визуальных качествах, таких как цвет, форма, текстура, масштаб и многое другое в своей необъективной работе.

Предоставлено Сандрин Пелисье

---

Что такое абстрактное искусство?

— Дополнительные ресурсы —

4 техники абстрактной живописи | 12 советов по акварельной абстракции

---

Почему я должен волноваться?

Непрерывный интерес к абстрактному искусству заключается в его способности пробуждать наше любопытство к возможностям нашего воображения и возможности создать что-то совершенно уникальное в мире.

Основным препятствием для создания абстрактного произведения искусства является барьер в вашем уме, который ставит под сомнение, является ли абстрактное искусство законной формой искусства — законной, по крайней мере, для вас. Этот блок может быть вызван тем, что вы все еще задаетесь вопросом: « Действительно ли абстрактное искусство является« искусством »? «Возможно, вы думаете, что вам нужно овладеть реализмом, прежде чем вы сможете работать абстрактно? Или может быть, вы беспокоитесь, что ваши друзья и семья не одобрит?

Рисунок Мейо №14 (масляный карандаш, воск на бумаге) Тимоти Хоксуорта

Быстрые ответы

1.Исторически абстрактное искусство является «законной» формой искусства, и это суждение было принято более века назад.

2. Нет, вам не нужно получать диплом реализма, прежде чем заниматься абстрактным искусством. И никто не проверяет вашу «художественную лицензию» за дверью.

3. Если бы вы регулярно делали все, что одобряли ваши друзья и семья, вы, вероятно, даже не задумывались бы о том, чтобы заниматься искусством. Отложите страх перед любым приговором. Вы не можете угодить всем все время, но вы можете доставить удовольствие себе.

Тем не менее, мы разочарованы тем фактом, что нет универсального согласия в ответе на вопрос: что такое абстрактное искусство? Здесь важно рассматривать эту художественную дилемму как возможность, а не как препятствие. Возможность состоит в том, что абстрактное искусство может означать все, что вы хотите, в вашей личной работе , предоставляя вам безграничную территорию для творчества.

«Абстракция позволяет человеку видеть своим умом то, что он не может видеть физически глазами.” ―Аршил Горки

Абстрактная картина Эрика Ахо

Что для вас абстрактное искусство?

В последней главе моей книги Создание абстрактного искусства я спрашиваю 50 художников: «Что для вас абстрактное искусство?» Результаты показывают, что нет двух одинаковых ответов, и так должно быть!

Способ видеть…

«Чем больше я пытаюсь сделать что-то реальным как художник, тем абстрактнее это становится. Мне нравится этот парадокс. С каждым годом я все больше занимаюсь тем, как абстракция и изображение, или реализм — или как вы хотите это называть — на самом деле тесно связаны и находятся в постоянной борьбе [друг с другом]. Все сводится к восприятию мира . Могу ли я нарисовать лес, не отрисовав ни единого дерева? Или показать весь лес одним деревом? » — Эрик Ахо

Созвездие 1 (акрил на холсте) от Adria Arch

«Мне нравится играть и переставлять цвета, линии и формы для создания изображений , на которые я хочу смотреть. Я хочу, чтобы мои работы были удивительными, игривыми и провокационными. Некоторые из моих картин — это двери, другие — окна. Все они порталы.Я продолжаю использовать эти символы, потому что это радостный и таинственный язык, который является одновременно глубоко личным и универсальным ». —Адрия Арка

«Для меня« абстракция »- это не направление в искусстве, момент в истории искусства или стиль живописи. Это важнейший неотъемлемый элемент жизнеспособности живописи. Что для меня необычно, так это то, что когда я выхожу за пределы того, что я знаю — прошлого, где я контролирую то, что я делаю, — я обхожу согласованность и форму. Контакт с этой бессловесной связностью , дар формы — это глубокое возвращение домой. — Тимоти Хоксворт

«Отражение назад» (вода, свет, пластик, дерево и металл) Криса Нельсона

«Я хочу выразить определенные чувства и эмоции, создав целую среду, в которую зритель сможет войти или наблюдать издалека. Я использую материалы прямым и простым способом, не трансформируя их или сильно изменяя их естественное состояние. Почему? Я предпочитаю, чтобы мои работы были как можно более широкими и необъективными, чтобы позволял зрителю вносить свои собственные интерпретации , основанные на их собственном опыте. — Крис Нельсон

Эмоциональное излияние… Художник-абстракционист Джанет Ступак

«Когда я занимаюсь созданием искусства, я полностью погружен в среду, инструменты и миссию. Я научился не думать о продукте, который у меня получится, потому что , время, потраченное на творческую деятельность, является для меня самым важным . Мне нравится отстраненное чувство, которое я испытываю, когда работаю абстрактно — это как танец моей руки и моего разума, и они по очереди ведут.» — Джанет Ступак

Неподвижность (смешанная техника на панели) Николаса Уилтона

«Абстракция, как и поэзия, не диктует ясного повествования, а, скорее, тихо предлагает фрагмент, часть таинственно знакомого повествования. В моих картинах продолжалось сокращение узнаваемых природных форм, которые теперь уступили место личному абстрактному словарю форм, цветов и форм. Заметное использование абстракции позволило мне выделить и лучше передать свои эмоции и идеи о жизни , природе и нашем соответствующем месте в ней.” — Николас Уилтон

Личная точка зрения… Интерьер (инсталляция в смешанной технике) Юрико Ямагути

«Меня всегда интересует процесс открытия в художественном творчестве, а не работа над чем-то, с чем я знаком. Я также хочу выразить в своих работах внутренние переживания и мысли. Моя цель — что-то более неуловимое, поэтическое и творческое в моей работе . В результате мои работы имеют тенденцию быть абстрактными, а не репрезентативными ». — Юрико Ямагути

Точка открытия… Желтая гора (холст, масло) Юань Цзо

«Хотя мои картины представляют собой абстракции, не похожие на традиционные китайские картины, я все же работаю, исходя из наблюдений, и я выражаю свои искренние чувства или идеи через цвета и мазки , которые стали моими. собственная традиция художника. — Юань Цзо

Что такое абстрактное искусство для творческих людей и художников?

Имейте в виду, что художники любого толка — мятежники против обществ, независимо от того, что они хотят делать. Вы должны думать о создании абстрактного искусства как о знаке заслуг стороннего наблюдателя, который выделяет вас из толпы.

---

WATCH: Как интерпретировать звук для создания абстрактного искусства

Что такое абстрактное искусство? Абстракция в искусстве может быть чем угодно. Это может быть не только интерпретация того, что вы видите или чувствуете, но и то, что вы слышите. В видео-демонстрации ниже посмотрите, как я использую звук для создания абстрактного искусства.

---

Если вы любите историю искусства…

Как рисовать импрессионистом

Моне в Живерни

Дружба, изменившая искусство: Томас Харт Бентон и Джексон Поллок

2-минутная история искусства с Сальвадором Дали

2-минутная история искусства с Джоном Сингером Сарджентом в Венеции

8 простых, современных методов абстрактного рисования

Вперед: нарушите некоторые художественные правила и поэкспериментируйте с некоторыми методами абстрактного рисования! Абстрактный рисунок — отличный способ улучшить свои художественные навыки, творчески экспериментируя с формами и формами.

Не знаете, с чего начать? Здесь мы предлагаем краткое обучение абстрактному искусству и 8 простых способов попробовать абстрактное рисование.

Что такое абстрактное искусство?

У многих фраза «абстрактное искусство» мгновенно вызывает представление о странных или современных композициях. Что ж, это действительно правильная идея!

Абстрактное искусство — будь то живопись, рисунок или мультимедиа — это вид искусства, не зависящий от реальных визуальных ориентиров.Скорее, он использует формы, цвета и линии таким образом, чтобы уловить чувство или эмоцию, а не создать буквальное сходство. В результате то, что классифицируется как абстрактное, действительно может сильно различаться в визуальном смысле.

8 абстрактных техник рисования

Готовы приступить к созданию собственных абстрактных рисунков? Попробуйте некоторые из этих забавных трюков для создания абстрактных рисунков (и получайте от этого удовольствие).

1. Просто каракули!

Doodling может выступать в качестве разминки для создания абстрактного рисунка или может давать абстрактный рисунок сам по себе.По сути, рисование — это просто разрешение рисовать все, что вы хотите, без каких-либо правил.

Если хотите, вы можете установить таймер или просто провести сеанс рисования, который длится столько, сколько вам будет удобно. Может быть, у вас получится клубок линий, набор сердечек и звезд или просто случайные фигуры. Просто позволяя себе рисовать, часто получаются забавные абстрактные формы!

2. Используйте не доминирующую руку, чтобы вытягивать

.

Хотите ярлык для быстрого создания абстрактного искусства? Поменяйте руку, в которой вы держите среду для рисования.Если вы правый, держите карандаш или ручку левой рукой. Скорее всего, используете ли вы эталонное изображение или нет, линии будут шаткими и нечеткими. Это действительно может быть хорошо! Знакомые формы будут практически мгновенно преобразованы в абстрактные.

3. Попробуйте нарисовать контур или нарисовать слепой контур

Если вы никогда не пробовали рисовать контурами, это отличный способ окунуться в мир абстрактного рисунка. Когда вы создаете контурный рисунок, вы не позволяете носителю для рисования отрываться от бумаги, а рисуете одну длинную непрерывную линию.Он разбивает предмет на маленькие проволочные линии и позволяет создавать интересные композиции.

Чтобы действительно перейти на новый уровень, вы даже можете продолжать смотреть на объект, который вы рисуете, не глядя на бумагу! Это называется слепым контурным рисованием.

4. Погрузитесь в зентангл

Зентанглы могут быть фантастическим методом создания абстрактного искусства, на которое сложно и интересно смотреть, но при этом очень медитативно создавать.Чтобы сделать зентангл, вы начнете с рисования простой формы или форм, а затем заполните их замысловатыми узорами или отметками. То, что у вас получится, может иметь некоторые узнаваемые элементы или очертания, но станет абстрактным в силу замысловатых линий.

Ознакомьтесь с нашим простым руководством о том, как нарисовать зентангл за четыре шага, и о том, как рисовать идеи узоров, чтобы заполнить зентангл.

5. Создание многослойных чертежей

В этом методе вы получите сдвиг перспективы — буквально — если будете менять рабочую поверхность каждые несколько минут! Начните работу над рисунком любого предмета по вашему выбору, а затем переместите бумагу (на четверть оборота или вверх ногами) и снова начните рисовать тот же предмет или другой прямо поверх первого рисунка.После нескольких поворотов поверхности у вас будет серьезное абстрактное искусство!

6. Добавьте элемент коллажа

Добавление элемента коллажа может помочь вам творчески подойти к рисованию и композиции.

Вот один из способов, которым я люблю это делать: я вырезаю лист бумаги (это может быть изображение из журнала или бумага с красивым рисунком), а затем склеиваю или приклеиваю его к бумаге для рисования. Оттуда я пытаюсь сделать из этого изображение. Треугольный вырез может стать платьем для персонажа, а обручальное кольцо из ювелирного каталога может стать короной принцессы.Или вы можете быть более абстрактным и просто создавать узоры, исходя из формы или фигур.

7. Просто добавьте воды

Чтобы сделать изображение более абстрактным, попробуйте добавить воды! Сначала создайте простой рисунок, используя ручку, которая не является водонепроницаемой. Затем, используя акварельную кисть (не используйте лучшую кисть, иначе на нее могут попасть чернила), нанесите немного воды на изображение. Изображение будет размазываться и приобретать свойства акварели, что может быть действительно интересным.В этой технике также есть элемент магии, потому что вы не знаете, чем она закончится!

8. Замаскируйте изображение

При рисовании акварелью можно использовать маскирующую жидкость, чтобы заблокировать участки поверхности для рисования и оставить их белыми. При рисовании вы можете использовать съемную ленту или аккуратно размещенные листы бумаги, чтобы заблокировать участки бумаги. Нарисуйте поверх них, а когда закончите, удалите; вы найдете белые пятна негативного пространства, которые добавят интересный абстрактный элемент к любому рисунку.

МНЕНИЕ: Абстрактное искусство и реализм — действительные и важные формы визуального выражения

(Кристалл Ян • Студенческая жизнь)

Большинство людей, художники или нет, вероятно, сталкивались со стереотипами о визуальном искусстве. Я часто слышал, как люди говорят, что абстрактное искусство не требует таланта или что реализм не требует творчества. Я не исключение — раньше я придерживался узкой точки зрения на искусство, определяя «хорошее» искусство только с помощью ограниченных ограничений, таких как уровень технических навыков и использование деталей.Я определенно выражал пренебрежение к некоторым известным художникам, которые, по моему мнению, приложили мало труда или усилий к своим произведениям. Однако, как я понял, изобразительное искусство включает в себя широкий спектр методов, навыков и средств. Обесценивание художественного стиля только усиливает стереотипы, наносящие вред арт-сообществу.

Нет единого способа нарисовать человека, слепить бюст или нарисовать корзину с фруктами. Точно так же не должно быть художественного стиля, превосходящего другой. К сожалению, многие люди судят об произведениях искусства только на основании предполагаемого уровня навыков, необходимых для их создания, или на основании того, насколько они привлекательны (или непривлекательны) для глаз.Хотя искусство субъективно, и иметь мнение о произведении искусства или художественном стиле — это нормально, недействительным является недействительность стиля или предположение, что оно плохо отражается на способностях или усилиях художника.

Раньше я так оценивал произведения искусства. Я считал, что реализм — это форма искусства, которая превосходит все другие виды искусства, потому что я считал, что это требует наибольшего мастерства, точности и времени. Я ограничил свои представления о том, что такое искусство, рассматривая его только как точную визуализацию реальной жизни, а не как гибкий метод выражения.

Фактически, единственное, что изменило мое мнение, это Пабло Пикассо. Раньше я свысока смотрел на художников, которые баловались стилями абстрактного искусства, и возмущался Пикассо за то, что он известен так же, как Джексон Поллок, Марк Ротко или Пит Мондриан. Эти художники, казалось, не подчинялись законам природы, искажали вещи из пропорций и рисовали, как дети. Однако, когда я обнаружил ранние работы Пикассо — реалистичные картины, которые он создавал в молодости, — все мое представление об искусстве изменилось.

Хотя более поздние работы Пикассо явно не требовали особой техники или точности, он явно был способным художником. Я понял, что если Пикассо решил оставить реализм и обратиться к абстрактному искусству, оставив работы, которые подчеркивали его технические способности к странному и концептуальному искусству, то, возможно, реализм в конце концов не был более высокой формой искусства. Я начал рассматривать другие художественные стили без того тонко завуалированного превосходства, которое у меня было когда-то.

В основном я только слышал, как люди презирают абстрактные или реалистические художественные стили, несмотря на то, что эти два респектабельных стиля столь же гибки и выразительны, как и другие стили, хотя и по-разному.

Стереотипное представление о современном искусстве как о не имеющем опыта или реализме как о бессмысленном, создает представление о том, что художники выходят на эти арены только потому, что им самим не хватает опыта или глубины для создания значимых произведений. В конце концов, мне нужно только напомнить о моем прошлом пренебрежении к Пикассо, чтобы помнить, что абстрактное искусство не означает отсутствие навыков. Эти представления унизительны и разделяют художников на позиции неполноценности и превосходства, что особенно вредно, потому что эти стереотипы просто не соответствуют действительности.

Во-первых, абстрактное искусство дает как художнику, так и его аудитории уникальную свободу для исследования и создания личного смысла. Хотя может показаться простым разбрызгивание краски на холст или рисование геометрических узоров, абстрактное искусство часто невероятно открыто для интерпретации. Хотя на первый взгляд абстрактному художнику может потребоваться меньше времени или меньше технических навыков, чем художникам в других областях, их вклад в мир искусства столь же необходим и значим. Их искусство работает рука об руку с воображением, чего не могут добиться многие художественные стили.

Например, одним из моих любимых художников-абстракционистов на данный момент является Каллен Шауб. Он создает картины, раскачивая и вращая ведра с краской на холстах, что довольно нетрадиционно по сравнению с более распространенным методом рисования кистью. Он получил много ненависти в социальных сетях за свои работы, и многие люди унижают его за то, что он зарабатывал деньги на произведениях искусства, которым, казалось бы, не хватает технических навыков.

Однако я, как и тысячи других его последователей, люблю его работы, потому что они эстетически привлекательны.Хотя его искусство может не иметь насыщенного фона или деталей, требующих огромного количества времени и усилий, каждая из его картин по-прежнему прекрасна.

Искусство не существует по какой-либо конкретной или универсальной причине, поэтому неразумно требовать, чтобы все произведения искусства имели ясный или конкретный смысл, стоящий за их созданием. Предположение, что абстрактное искусство недействительно, потому что оно не отображает явную сцену или значение, означает ошибочное предположение, что искусство больше не связано с выражением, а имеет строгие правила и нормы.

Напротив, реализм, особенно гиперреализм, подвергается большой критике за свою очевидную негибкость. Я слышал, как многие люди считают, что, хотя реалистическое искусство требует больших технических навыков, ему также не хватает творчества, глубины и вкуса. Хотя я согласен с тем, что реализм не оставляет много места для интерпретации или исследования и полагается на навыки, а не на воображение, он по-прежнему столь же актуален, как и другие стили искусства.

Несмотря на то, что реализму не хватает силы в областях, которые есть в других стилях искусства, он также требует силы в областях, которых не хватает другим стилям.Было бы лениво и опрометчиво делать вид, что искусство не может иметь разные цели или требовать разного уровня знаний в различных эмоциональных и художественных сферах.

Кроме того, реализм не обязательно означает, что художник должен исключать творчество из своего процесса, так же как абстрактное искусство не означает, что художник не должен делать ничего, что требует технических способностей.

Существует несколько способов вызвать эмоции и передать смысл через реализм, даже если изображенные предметы визуально точны, как они выглядят в реальной жизни.Хотя реализм стилистически строг, поскольку он должен отражать реальную жизнь, художники по-прежнему обладают свободой выбора того, что они хотят изобразить. Задушевный взгляд, трагическая сцена или семейный портрет могут взволновать аудиторию так же, как и нерепрезентативные произведения искусства.

В конце концов, не существует единственного способа заниматься искусством правильно. Нет вообще правильного способа заниматься искусством. Притворяться, будто существуют высшие и низшие формы искусства, не только глупо, но и вредно для художников и их аудитории, ограничивая и регулируя их самовыражение.

Итак, при будущей встрече с абстрактным или реалистичным произведением искусства, постарайтесь уважать каждый стиль за его индивидуальные сильные стороны, вместо того, чтобы осуждать его за то, чего ему не хватает. Хотя это нормально — не любить произведение искусства или художественный стиль из-за личных предпочтений или вкусов, важно помнить, что все стили визуального искусства, включая абстрактное искусство и реализм, являются одинаково необходимыми и действительными способами выражения. Эти два стиля не только открывают огромные возможности для мира искусства, но также помогают своей аудитории увидеть вещи по-новому и по-разному.

Jadyn Lee SC ’24 из Монтерей-Парка, Калифорния. Она любит скульптуру и хочет научиться вырезать из мыла.

Связанные

Абстрактные картины на продажу: Купить абстрактные картины онлайн

История абстрактной живописи

Абстрактное искусство — это движение, появившееся в конце 19 века в период больших научных и интеллектуальных изменений. Фигуративная живопись устарела, поскольку художники стремились к более свободному способу художественного выражения. Абстрактная картина состоит из взятия элемента из реального мира и его представления в картине , но в упрощенном или реорганизованном виде, чтобы выделить сообщение, эмоцию или собственную версию реальности художника. Абстрактная живопись берет свое начало в импрессионизме и кубизме , движениях, которые уже привели к значительному отходу от узнаваемых форм. абстрактных картин Кандинского, Малевича и Делоне были первыми, кто исследовал «чистую абстракцию».В абстрактной живописи часто встречаются насыщенные цвета, линейные и геометрические формы. Абстрактная живопись — это также термин, который можно использовать, говоря о монохромных картинах: картинах, полностью покрытых одним цветом. Художник Ив Кляйн исследовал хроматическое богатство синего цвета в своих больших абстрактных картинах , в то время как картин итальянского художника Люцио Фонтана сосредоточились на цвете , желтом или красном . Знаменитый французский художник Пьер Сулаж работал почти исключительно с черным .

Купить абстрактную картину на SINGULART

Абстрактное искусство повлияло на многие художественные направления , такие как орфизм, абстрактный экспрессионизм, минимальное искусство и концептуальное искусство. Даже сегодня картин в абстрактном стиле остаются очень популярными среди художников. SINGULART объединяет несколько художников, которые демонстрируют своими абстрактными картинами великое чувство творческой свободы. SINGULART — одно из лучших мест, где можно купить современную и современную картину : художница Даниэла Швайнсберг, например, создает поэтические и красочные абстрактные картины, а Ники Харе представляет абстрактную работу , которая является одновременно выразительной и жестовой, и обычно выполняется в черно-белый . красочных абстрактных картин Евы Хаутон приглашают нас задуматься о женственности. Наши абстрактных картин всегда уникальны и сделаны вручную. Приходите и откройте для себя разнообразие современного абстрактного искусства на сайте SINGULART !

---

Произведения по стилю: Абстракционизм

Стиль

Абстрактное искусство использует визуальный язык формы, формы, цвета и линий для создания композиции, которая может существовать со степенью независимости от визуальных ссылок в мире.Западное искусство с эпохи Возрождения до середины XIX века опиралось на логику перспективы и попытку воспроизвести иллюзию видимой реальности. Искусство культур, отличных от европейских, стало доступным и показало художнику альтернативные способы описания визуального опыта. К концу 19 века многие художники почувствовали потребность в создании нового вида искусства, который охватил бы фундаментальные изменения, происходящие в технологии, науке и философии.Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные интересы во всех областях западной культуры того времени.

Абстракционизм, нефигуративное искусство, беспредметное искусство и непредставительное искусство — это слабо связанные термины. Они похожи, но, возможно, не имеют одинакового значения.

Абстракция указывает на отход от реальности при изображении образов в искусстве. Это отклонение от точного представления может быть незначительным, частичным или полным.Абстракция существует вдоль континуума. Даже искусство, стремящееся к высшей степени правдоподобия, можно назвать абстрактным, по крайней мере теоретически, поскольку идеальное изображение, вероятно, будет чрезвычайно неуловимым. Произведения искусства, которые позволяют себе вольности, например, изменяя цвет и форму таким образом, чтобы бросаться в глаза, можно назвать частично абстрактными. Полная абстракция не несет в себе никаких следов отсылки к чему-либо узнаваемому. Например, в геометрической абстракции вряд ли можно найти ссылки на натуралистические объекты.Фигуративное искусство и тотальная абстракция почти исключают друг друга. Но фигуративное и изобразительное (или реалистическое) искусство часто содержит частичную абстракцию.

И геометрическая абстракция, и лирическая абстракция часто бывают полностью абстрактными. Среди очень многочисленных художественных движений, воплощающих частичную абстракцию, можно назвать, например, фовизм, в котором цвет явно и намеренно изменен по сравнению с реальностью, и кубизм, который явно изменяет формы изображаемых реальных сущностей.

Большая часть искусства более ранних культур — знаки и знаки на керамике, текстиле, надписи и рисунки на скалах — использовала простые, геометрические и линейные формы, которые могли иметь символическое или декоративное назначение. Именно на этом уровне визуального смысла общается абстрактное искусство. Можно наслаждаться красотой китайской каллиграфии или исламской каллиграфии, даже не умея ее читать.

В китайской живописи абстракцию можно проследить до художника времен династии Тан Ван Мо (王 墨), который, как считается, изобрел стиль рисования брызгами чернил.Хотя ни одна из его картин не сохранилась, этот стиль четко прослеживается в некоторых картинах династии Сун. Художник-буддист из Чань Лян Кай (梁楷, около 1140–1210) применил этот стиль к рисованию фигур в своем «Бессмертном в брызгах чернил», в котором точное изображение принесено в жертву, чтобы усилить спонтанность, связанную с нерациональным умом просветленных. Покойный художник Сун по имени Ю Цзянь, адепт буддизма Тяньтай, создал серию пейзажей с брызгами чернил, которые в конечном итоге вдохновили многих японских художников дзэн.На его картинах изображены сильно туманные горы, в которых формы предметов едва заметны и чрезвычайно упрощены. Этот тип живописи был продолжен Сэссю Тойо в его более поздние годы.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.